Arte griego

La cultura griega, cuna de varias ciencias como la filosofía, la historia, la

medicina y otros saberes en el ámbito occidental fue la primera civilización
con un carácter antropocéntrico. Se considera como una de las etapas en
la historia del arte y de la humanidad de mayor creatividad cuyo legado ha
sido referencia continua para muchos períodos de la historia. Los orígenes
del arte griego se remonta por un lado, a la cultura minoica, cuya
cerámica y pintura tienen un marcado naturalismo y, por otro lado, a la
cultura micénica desde donde probablemente proceda el templo griego
pues su estructura parte del megarón, espacio que pertenece al palacio y
es de forma rectangular, lo rodean cuatro columnas y le antecede un
pórtico con dos columnas, un patio y el propíleo.

También destaca la arquitectura funeraria de cámaras rectangulares o

circulares a la cual se accede a través de un corredor cubierto con falsa
cúpula (Tumba de Agamenón). Por los hallazgos encontrados en las tumbas
se afirma la calidad y gran manejo de la orfebrería y la escultura. Con todo,
el arte griego se ve parcialmente influido por las culturas precedentes, pero
solo en parte pues en todas las manifestaciones impone nuevos modos
creativos.

Transita posteriormente por un período prolongado que se denominó Edad

oscura. Fue provocado por el decaimiento del sistema económico y las
migraciones de población. Esta etapa pone fin a la cultura micénica y hacia
el s.VIII da paso al período arcaico griego.

Cronología del arte griego

El arte de Creta minoica, de carácter uniforme, se desarrolla hasta el 2000
a. C. Se divide en período prepalacial y pospalacial. El patio central es el
eje desde donde se organizan las estancias de los palacios minoicos
construidos en las cimas de las colinas formando ciudades-estados.
También, la cultura minoica desarrolló la arquitectura funeraria y religiosa
así como la pintura.

El arte micénico se desarrolla en el período Heládico Reciente (1600-1250

a.C.). Incluye a Creta, a Grecia Continental y a las islas Cícladas.

 Edad oscura (s. XIII- s. VIII a.C.). En arquitectura se atisban

los inicios de la construcción de los templos, pero solo se definirá
entre el siglo VIII y VII a.C. Además, desaparecen la gran mayoría
 de las esculturas lo que origina la aparición de nuevos modelos
base de la escultura griega. Solo se trabajó la cerámica y las
pequeñas estatuillas.
 Estilo geométrico (s. IX- s. VIII a.C.). La cerámica es lo que
más abunda dentro del estilo que se caracteriza por su forma y
diseño geométricos.
 Estilo Orientalizante (finales del s. VIII – VII a.C.). Emplea
decoraciones zoomorfas y vegetales reinterpretadas del mundo
iconográfico egipcio y mesopotámico, de ahí su denominación.
 El Estilo Protoático precede a la etapa arcaica de los vasos
atenienses. A partir de él sucederán transformaciones desde el
punto de vista formal y ornamental para la realización de las
vasijas. Se caracterizará por plasmar los temas mitológicos y
leyendas griegas con influencia oriental menos marcada.
Período arcaico (s.VII – s.Va.C.), Período clásico (s.V a.C.-
s.IVa.C.), Período helenístico (s.III a.C. – s.I a.C.)

Arte griego

Índice de contenidos
 Cronología del arte griego
 Arte griego
 Arte griego arcaico (s. VII – s. V a.C.)
o Arquitectura
o Templos
o Escultura
o La cerámica
 Arte griego clásico (V-IV a.C.)
o Período clásico tardío (s. IV a.C)
o Arquitectura
o Escultura
o Pintura
o Cerámica
 Prehelenismo
o Escultura
o Pintura
o Cerámica
 Arte helenístico (s.III a.C. – s.I a.C.)
o Urbanismo
o Arquitectura
o Escultura
o Pintura
 o Mosaicos
o Cerámica
El arte griego se extendió por España, Francia, las costas de Asia Menor y
el Mar Negro, el norte de Italia y África. Se fundamenta en una estructura
sociocultural antropocéntrica y en la fortaleza de las polis griegas
(ciudades-estados) que tiene un marcado interés por la construcción de
templos en zonas sagradas de la ciudad (acrópolis) en cuyo rededor ubican
los edificios urbanos y públicos.

Las prácticas religiosas se basan en la relación de la colectividad con los

dioses por ello se levanta la casa de Dios (el templo), que están hechos por
y para el hombre.

Es importante destacar que en la cultura griega tanto las esculturas como

los edificios arquitectónicos fueron policromados.

La memoria del arte griego

La inexistencia de originales del arte griego ha implicado para la

historiografía un quebradero de cabeza a la hora de relatar, datar,
caracterizar y conocer la praxis del arte griego. En este sentido, gracias a
las copias e información que hiciera el arte romano del griego es que es
posible el conocimiento de las obras de arte griego.

La cerámica fue la manifestación mediante la cual se extraen las

referencias de la pintura junto a los escritos de Plinio y otros autores. Por
ejemplo, la información que se tiene de la pintura del siglo IV a.C. proviene
mayoritariamente de las copias romanas realizadas. Sin embargo, hacia la
etapa helenística será el mosaico que se desplegó por todas las zonas
helenizadas las que aporten importante testimonio de lo que fue la pintura
del período.

La escultura corrió con algo de más suerte y se han podido encontrar

algunos ejemplares originales como el Altar de Zeus. No obstante, pocos
son los ejemplares que se conservan y las copias romanas son el referente
más cercano.

La mayoría de las obras arquitectónicas están devastadas algunas por la

diversidad de usos, otras por la destrucción humana y también por el paso
de fenómenos naturales o simplemente por su antigüedad. En pie quedan
algunos templos como el Partenón en la Acrópolis de Atenas.
Arte griego arcaico (s. VII – s. V a.C.)
En el período arcaico se caracteriza por la expansión de las ciudades-
estados (polis), la construcción de grandes obras públicas bajo el auspicio
de los gobiernos tiránicos como una vía de legitimarse y emular con otras
ciudades.

Arquitectura
La configuración de los elementos arquitectónicos establecen el canon que
rige la construcción de los templos: los órdenes dórico, jónico y corintio.
Los tres se componen de pedestal y columnata (elementos sustentantes),
entablamento y cubierta (elementos sustentados).

 El orden dórico es el más antiguo data del siglo VII y donde más
se observa es en la Grecia continental y en la Magna Grecia
(colonias griegas). Está estructurado mediante el pedestal
(formado por tres escalones) que sustenta a la columna (formada
por el fuste con acanaladuras de ángulos vivos y encima el
capitel). Le sigue el entablamento compuesto por el arquitrabe, el
friso y la cornisa. Lo remata una cubierta (tejado a dos aguas,
generalmente, llamado frontón).
 El orden jónico es más decorativo, estilizado y vistoso, propio de
las islas griegas de la zona oriental. Presenta basa circular que se
encuentra entre el pedestal y la columna cuyo fuste tiene
acanaladuras de ángulos matados y rematado por un capitel
decorado con dos volutas. El arquitrabe del entablamento es liso y
dividido por tres bandas horizontales en aumento. El friso continuo
puede llevar o no decoración y el frontón es idéntico al orden
dórico.
 El orden corintio es una variante del jónico pero más decorado.
Surge hacia finales del s. Va.C. Fue el elemento arquitectónico
más usado por los romanos. Se diferencia del jónico en que su
fuste es más alargado y la ornamentación la configuran dos filas
de hojas de acanto rematadas por cuatro volutas en los ángulos
(caulículos). El friso liso y corrido en el entablamento suele
decorarse con motivos de guirnaldas y bucráneos.
Templos
En el arte griego los templos cumplían una función religiosa, son muy
característico en la arquitectura griega. Están construidos a partir de
sillares de piedra regulares que sustituyen el adobe y la madera. Los
órdenes constructivos son parte fundamental del edificio.

Los templos fueron construidos para venerar a la divinidad o dios por medio
de su escultura. De esta manera, los ritos griegos son celebrados en el
exterior lo que explica el modo efectista del espacio arquitectónico en sus
lados externos.

El recinto, generalmente, es de planta rectangular compuesto por

el pronaos (pórtico que precede al santuario), el naos o cella (santuario o
estancia de la estatua de la deidad) y el opistodomos. El pronaos y el naos
están comunicados mientras que el opistodomos (estancia que se añade
posteriormente) es un área que se ubica detrás del naos y cumplía el
objetivo de almacenaje.

Se establecen tipos básicos de templos de acuerdo al número y posición de

las columnas. La denominación según la posición de las columnas es: in
antis (si solo tiene dos columnas que enmarcan las antas -
pilastras), próstilo (cuatro columnas antes del pronaos), anfipróstilo (las
columnas se encuentran en fachada y la parte posterior del
templo), períptero (presenta columnas por los cuatro
lados), pseudoperíptero (columnas adosadas en las fachadas
laterales), díptero (columnata doble por los cuatro
lados), pseudodíptero (ocho columnas en fachada, ocho en la parte trasera
y 13 columnas por cada lateral) y tholos o monóptero (templo de planta
circular y varias columnas).

En cuanto al número de soporte se denomina dístilo (dos columnas),

tetrástilo (cuatro columnas), hexástilo (seis columnas), octástilo (ocho
columnas), decástilo (diez columnas) y dodecástilo (doce columnas).

A partir de las características estructurales de los de templos se edifican en

la Grecia continental, templos dóricos en piedra local como el Templo de
Hera en Olimpia (600 a.C.), Templo de Artemis en Corfú, Templo de Apolo
en Delfos (hexástilo), Viejo templo de Atenea en Atenas que presentará
también elementos jónicos. Otros edificios sagrados se encuentran en la
Magna Grecia donde se sustituye el opistódomo por una habitación
comunicada con la cella y la fachada principal destaca sobre la posterior:
Templo C de la Acrópolis de Selinunte, uno de los más antiguos y grandes
que se conservan.

Templo de Hera

Hacia el s. VI a.C. inicia la construcción de templos jónicos, hechos en

mármol y a la cella le rodea un doble pórtico columnado (perístasis). Hay
que destacar la monumentalidad arquitectónica de los edificios sagrados,
influencia oriental. Destacan así el templo Heraion de Samos, el Artemision
de Éfeso (díptero) de gran tamaño o el Templo de Apolo en Dídyma.

Escultura

La escultura evolucionó de las formas orientalizantes hacia la creación de

un estilo particular y de gran trascendencia para el arte escultórico de los
siglos posteriores. Sus inicios se remonta hacia la segunda mitad del siglo
VII a.C. con la escultura exenta, los denominados kouros y kore,
generalmente de grandes dimensiones, originadas en sus inicios en Naxos,
isla donde abunda el mármol. Fueron realizadas también en Atenas, Paros y
en Naucratis. Los kouroi y korai (plural de kouros y kore) son la
representación joven masculina o femenina. Las kore son identificables por
su gracia, policromía del atuendo de numerosos pliegues, el movimiento del
brazo, los objetos que carga a modo de ofrenda, estaban ricamente
adornadas con joyas y tenían largas trenzas. Mucho después se las esculpe
algo desnudas, mientras que los Kouros se representaban totalmente
desnudos y sus rasgos anatómicos simulan a los de un atleta.

El material empleado para su ejecución era la piedra o el mármol.

Generalmente se ubicaban al aire libre, algunos llevaban la firma del artista
o el nombre del donante. La función que cumplían está aun en debate. Hay
varias hipótesis acerca del tema: algunos historiadores piensan que las
korai fueron ofrendas votivas para santuarios. Por su parte, el significado
de la representación de los kouros también es controvertida, hay quienes
afirman que tienen un carácter funerario al rememorar a un atleta joven
fallecido o que era la representación de los atletas jóvenes que participaban
en los juegos olímpicos o que cumplen una función religiosa al representar
a alguna divinidad como el dios Apolo.

El escultor griego se interesó siempre en la búsqueda del ideal de belleza

mediante la proporción y la simetría. Desde estos primeros tiempos
demuestra tal preocupación. Las estatuas son figuras bloques de carácter
cúbico con un solo punto de vista, el frontal. Son esculturas rígidas, con los
brazos caídos pegados al cuerpo y puños cerrados, concebidas de pie, con
la cabeza erguida, una pierna adelantada, ojos almendrados, sonrisa
arcaica, cabellera riza. Desde el punto de vista formal se relaciona con la
escultura egipcia pues la influencia se adquiere a través de las actividades
comerciales entre las culturas de estas dos civilizaciones.

Evolución de la estatuaria arcaica

Dama de Auxerre

El desarrollo de la escultura fue enriqueciéndose gracias al interés del

artista por lograr una mayor naturalidad en la representación de los
cuerpos desnudos. Habrá, por tanto, una marcada diferencia entre un
kouros o una koré del siglo VII (Kouros de Sunion o Dama de Auxerre) con
respecto a otros del siglo VI ( Kouros de Melos)así como del siglo V (Kore
de Eutidyco). El cambio estriba en la pérdida de la rigidez para dar paso al
movimiento mediante un brazo adelantado o doblado en el caso de los
kouros (Kuros de Aristódico) mientras que en las esculturas femeninas se
incorpora el atuendo jónico, hay un gran tratamiento de los ropajes (Hera
de Samos o en la Kore 675) la expresión facial, el matiz del cabello (Kore
del Peplo, año 530 a.C.); también se puede ver en el desplazamiento del
torso al doblar una pierna que hace la posición más natural. De esta
manera, las formas se vuelven algo curvas y habrá más de un foco visual.
El tratamiento de los rostros se suaviza, la sonrisa arcaica se torna más
humana.

El relieve escultórico
La escultura exenta también tomó lugar en los extremos y la zona más
elevada del frontón, sin embargo, son los relieves arquitectónicos los que
predominen. Estos decoran los frontones, frisos y metopas de los templos.
Fue importante para la evolución de la plástica griega.

El camino hacia la realización de los relieves fue evolutivo. Primero se

realizaron placas de cerámica ornamentadas, posteriormente, se introdujo
la piedra y se fue acoplando progresivamente lo esculpido al espacio
triangular del frontón.

Hekatompedon

Con él aparece la narración y es que a partir de su representación se

describen las historias mitológicas o heroicas Hekatompedon ateniense o
las escenas del Tesoro de los Sifnios de un templo jónico del s. VI a.C.,
también temáticas bélicas.
Las estelas funerarias es otra manifestación dentro de la escultura que se
desarrolló en la época arcaica. Sirvió para señalizar las tumbas
aristocráticas. Estuvieron hechas de piedra aunque alguna fue realizada en
madera. Además de una clara función funeraria también servía como
recordatorio del difunto. Hacia finales del s. VI a.C. se simplifican al punto
de ser una losa con la talla del difunto. Se usan dos tipos de decoración la
zoomorfa y la antropomorfa, Estela de Aristión.

La cerámica
La cerámica pasa por una primera fase denominada estilo miniaturista
corintio desarrollado entre los siglos VIII y VI a.C. en Corinto. Pronto se
impone el estilo ateniense por la destacada perfección de las vasijas que,
usualmente, llevaban la firma del autor. La cerámica fue relegada como
arte menor en el primer cuarto del siglo V a.C. tras imponerse la técnica de
la pintura mural, sin embargo, fue en ella donde se determinaron los
nuevos cambios estilísticos.

Los objetos cerámicos arcaicos generalmente tienen una decoración basado

en los colores rojo y negro, donde hay un estilo en el que las figuras son
perfiladas y barnizadas en negro sobre el fondo rojo (Vaso François, crátera
hacia el 570 a.C.; Crátera con Aquiles recibiendo las armas de Eufronios) y
otro estilo donde las figuras son de color rojo sobre fondo negro (el kýlix-
crátera Retirando a Sarpedón del campo de batalla), aunque en ocasiones
se utilizará el púrpura y el blanco. Prima el dibujo sobre el pigmento y el
tema principal es el antropomorfo relacionado con las leyendas heroicas,
mitológicas y de la cotidianidad. La composición es una combinación del
dibujo de figuras de frente y de perfil. Estos objetos cumplían por una
parte, una función funeraria y religiosa y, por otra parte, una función
utilitaria, de uso cotidiano en dependencia del objetivo final. sus formas o
tipos son diversos, por mencionar: el alabastron, el ánfora, la crátera, el
lécito, la hidria, el aríbalo, el kilix, el skyfos, el kántaros, lebès y muchos
otros.

Entre los pintores que destacan en este trabajo de la cerámica se encuentra

como el primer pintor griego a Sófilos. De la técnica de figuras negras
sobre fondo rojo son el pintor y alfarero Exequias que trabajó hacia la
segunda mitad del s. VI a.C. (ánfora con Aquiles y Áyax jugando); el pintor
de Londres o el pintor de Amasis introdujo las asas de sección cuadrada,
novedad para el momento. Entre el 530-500 a.C. se trabaja con vasos de
fondo blanco pero será la técnica de figuras rojas sobre fondo negro la que
se consolida y que posteriormente durante el siglo V a.C. seguirá
desarrollándose. De la primera etapa encontramos a Eufronios da un
tratamiento monumental a sus representaciones y Euthymides, que como
el anterior, innova en el escorzo y la perspectiva de los cuerpos (Ánfora de
Munich).

Arte griego clásico (V-IV a.C.)

Se divide en los siguientes periodos:

 500-490 a.C. Periodo de transición del arte arcaico al arte

clásico
 480-450 a.C. Periodo clásico, 1ª etapa (se desarrolla el Estilo
severo)
 450-420 a.C. Periodo clásico pleno

Período clásico tardío (s. IV a.C)

Tras la etapa de las guerras médicas, Grecia y sobre todo Atenas salen
fortalecidas lo que propicia una periodo lleno de esplendor, sobre todo en el
siglo V a.C. también llamado la Atenas de Pericles. En este sentido, será un
momento de esplendor desde el punto de vista constructivo donde Atenas,
bajo el gobierno del estratega Pericles, servirá como modelo paradigmático
de la arquitectura clásica gracias a la política constructiva que el gobierno
fomenta.

Arquitectura

Los templos
De la etapa de transición se encuentran el templo de Aphaia, en Egina y el
templo de Zeus, en Olimpia.

El responsable de la reconstrucción de la Acrópolis de Atenas en la segunda

mitad del siglo fue el escultor y arquitecto Fidias. En estos momentos, los
templos serán construidos en mármol. En el año 448 a.C. se inicia la
construcción del Partenón, obra de Fidias, Ictinos y Calícrates. Culmina en
el 438 a.C. Es un recinto concebido para adorar a la diosa Atenea a través
del culto a la estatua Atenea Parthenos.

El edificio no se relaciona con los demás edificios de la Acrópolis. Es dórico,

octástilo, períptero y tiene doble pórtico hexástilo y es de gran dimensión.
Está hecho con mármol, la cella está dividida en dos espacios desiguales y
la estatua está flanqueada por una doble columnata. Además, posee
elementos jónicos. Por su particular sentido espacial,hay una búsqueda de
la armonía entre las proporciones del interior y el exterior, de la simetría y
el equilibrio mediante la éntasis que significa tensión (efecto óptico que se
aplica a los templos para corregir los errores de la percepción visual
humana). Para ello se abomba el estilóbato, ligera curvatura de las
columnas hacia adentro, aumento del grosor de las columnas laterales
respecto a las centrales y el entablamento está ligeramente hacia delante.

Otras construcciones importantes fueron realizadas en la Acrópolis como la

entrada monumental con columnas que da acceso a un recinto (los
Propíleos). Hecho por Mnesiklés, lo erigió en mármol, combina los órdenes
arquitectónicos, cuida el sistema de proporciones y el efecto óptico; el
Erection también de Mnesiklés, edificio jónico que destaca por su
particularidad constructiva por su carácter asimétrico y falta de axialidad,
donde priman los elementos constructivos y decorativos. Y el templo jónico
de Atenea Niké que se ubica junto a los Propíleos. Es un edificio tetrástilo y
anfipróstilo, de una sola nave sin pronaos que ostenta de un vasto
programa iconográfico en relieve y alberga la estatua de la diosa que se
salvó del Prepartenón tras el tratado de paz con los persas en 449 a.C.

Arquitectura doméstica
La arquitectura doméstica era de estructura sencilla y fueron hechas con
materiales pobres. Irán evolucionando desde el megarón prehelénico hasta
alcanzar hacia el siglo V a.C. un nivel superior basado en el confort y la
funcionalidad.

Arquitectura defensiva
Los sistemas de defensa emulan los micénicos. Cada ciudad tiene su propia
estructura de defensa que incluyen puertas, bastiones y una acrópolis.

Arquitectura funeraria
La construcción de edificios funerarios para la clase adinerada destaca por
su monumentalidad a partir del siglo IV a.C. Son característicos la
ornamentación mediante los altorrelieves y bajorrelieves, esculturas de
bulto redondo y las aplicación de los órdenes constructivos.

El Monumento a las Nereidas de Janto fue construido entre el 410-400 a.C.

y pertenece a un príncipe licio desconocido. Es un templete jónico tetrástilo
que presenta decoración en relieve en su basamento, los frontones también
decorados y en el pórtico descansan esculturas (las nereidas) que fueron
ubicadas entre las columnas. otro importante edificio sepulcral, construido
a mediados del siglo IV es el Mausoleo de Halicarnaso, considerado una de
las siete maravillas del mundo antiguo, desaparecido y del que solo se
conoce por referencias.

Escultura
La evolución de la escultura fue progresiva. El escultor griego siempre se
interesó por establecer el canon de la figura humana. En estos momentos
habrá la intención de conseguir el realismo. Los primeros intentos
de contraposto (representación corporal donde el peso recae sobre la
pierna recta) se pueden observar en el Efebo de Kritios (h. 480 a.C.)o en su
Grupo de los Tiranicidas. Sin embargo, y en términos generales, prima la
frialdad y la idealización en las figuras, la quietud y la forma cerrada de las
obras clásicas.

Del Estilo Severo, primer período clásico, hay que destacar su carácter
sobrio y plástico, aunque todavía perviven las formas arcaicas en el
tratamiento de los ropajes y en la anatomía de los cuerpos. El bronce es el
material que usaron para la realización de las esculturas. Hacia la segunda
mitad del siglo V a.C. El Auriga de Delfos y el Poseidón de Artemision con
fecha de construcción entre el 470-460 a.C. son las grandes obras
ejecutadas. Ya se nota en ellas más proximidad al ideal de belleza dado por
la imitación de la realidad en la expresión de la cabeza y la perfección de
los pies del primero mientras que de la segunda obra destaca el
movimiento y el modelaje de la musculatura.

La obra que según la historiografía es la más importante del Estilo Severo

se encuentra en la escultura arquitectónica, tanto en imágenes exentas
como en relieve, del templo de Zeus. El creador es un artista anónimo que
ilustró tres relatos mitológicos. En los albores del pleno clasicismo se
encuentra el Discóbolo de Mirón, obra de gran perfección y belleza lograda
mediante las proporción de todas las partes del cuerpo, la representación
del movimiento y el tratamiento del rostro.

Las principales características que definen el período clásico

pleno o clasicismo son el reflejo de los sentimientos de las imágenes, la
perfección del modelado y la expresión calmada en el rostro, el virtuosismo
del ropaje, el cuidado de los detalles, un nuevo modo de concebir el
contraposto y el canon de proporciones lo que denota el abandono total de
las formas arcaicas.
Fidias, creador de un estilo y escuela, fue el escultor más importante del
periodo clásico griego. A él se atribuye las esculturas exentas de Atenea
Prómakhos, Atenea Lemnia y Atenea Parthenos. También de colosal
tamaño -que se conoce a través referencias y reproducciones en monedas-
es la obra Zeus entronizado de Olimpia, hecho con la técnica criselefantina
(de o compuesto de oro y marfil). Además, realizó la Amazona herida,
escultura que destaca por su gran realismo que el autor logra a través del
tratamiento del ropaje y las Korai del Pórtico de las Cariátides bajo la
influencia del estilo del maestro.

Policleto de Argos, Kresilas (Estatua de Pericles), Paionio de Mende (Niké) y

Kallimachos son los otros maestros significativos del clasicismo griego. Al
igual que con las obras de Fidias, de Policleto tampoco se conservan los
originales, sin embargo su aporte a la escultura clásica griega estriba en
introducir un nuevo ritmo al contraposto y crear un canon del cuerpo
masculino en desnudez. De su autoría son el Doríforo (h. 450-440) donde
plasma el ideal de belleza mediante el equilibrio dado por las proporciones,
el Diadúmeno o la Amazona herida, obra que presentó al concurso de
Artemisa en Éfeso junto a Kresilas y Fidias. De Kallimachos es una de las
estatuas más importantes del arte antiguo por la estilización lograda en
todo el conjunto escultórico, Afrodita de Frejus.

El relieve escultórico

El desarrollo del relieve en el tiempo pudo resolver la desproporción de las

figuras aplicadas al frontón. Para ello se opta por la incorporación de
personajes en forma de serpiente o figuras de rodilla o tumbadas mientras
que al centro del frontón se ubican las figuras de pie, de esta manera no se
ve afectada la escala con un claro ejemplo del siglo V a.C. con las
esculturas del Templo de Afaia en Egina.

El altorrelieve ornamenta tanto los frontones y metopas mientras que en

los frisos son los bajorrelieves los utilizados. En el Partenón, Fideas
desarrolló con gran destreza mediante dinámicas composiciones y un
riguroso cuidado de las proporciones estos conjuntos escultóricos donde
predomina el movimiento y la perfecta anatomía de las estatuas, el
exquisito tratamiento de las telas y la aplicación de la técnica de paños
mojados que hace visible las formas y el movimiento del cuerpo. Estas
características se pueden observar en el Nacimiento de Atenea en el
frontón oriental o en el frontón occidental con la escena de la lucha entre
Atenea y Poseidón por Ática en el que la composición fue concebida en V
donde se combinan perfectamente las alturas y proporciones de las figuras
representadas.
El relieve de carácter funerario
Las estelas funerarias son la representación del Estilo Bello (h.425 a.C.)
que hubo de surgir tras la influencia del estilo del Partenón y que se
caracteriza por el empleo de una refinada técnica que logra obras de gran
belleza y elegancia en la que ya se va dominando el espacio: estela de
Eleusis, Estela de Egina, Estela de Hegeso.

Pintura
La pintura griega es la gran desconocida de las manifestaciones que se
realizaron en la antigua Grecia. Predominan los testimonios escritos y, se
conoce algo más de ella, mediante la cerámica, de ahí la importancia que
adquiere su estudio.

Se afirma que la pintura griega alcanzó un nivel muy alto pues logran crear
un espacio pictórico simple y bello, representan figuras idealizadas y
transmiten las emociones en los rostros de las figuras y el movimiento de
las mismas. La temática trabajada fue la mitológica. Los pintores conocidos
de la primera mitad del s. V son Polignoto (decoró murales en pórticos y
edificios públicos) y Mikón. También destacaron Zeuxis y Parrasio.

Hacia la segunda mitad del siglo la pintura de caballete es la que

predomina y destaca por el conocimiento de la perspectiva de los autores
así como del claroscuro.

De ejemplo se encuentran los frescos de La tumba del zambullidor de

Paestum como las únicas pinturas, quizás, que hayan sobrevivido.

Cerámica
Entre el 500 a.C. y el 475 a.C. se desarrolla la cerámica ática de figuras
rojas en su primera fase. Continúa la temática mitológica y se mantiene la
técnica de realización del anterior periodo. Los pintores Kleofrades (Ménade
en éxtasis), el Pintor de Berlín y el Pintor de Brygos son los que sobresalen.
Las formas predominante en los vasos de fondo blanco son los lékytos y las
copas (Copa de Delfos)

Entre los años 475 a.C. y el 450 a.C. las imágenes comienzan a distribuirse
por toda la superficie y destacan las representaciones con una tímida
perspectiva y escorzo. Los vasos más significativos son los decorados con
figuras rojas, siendo la crátera la más usada y los vasos de fondo blanco
que sobresalen por su elegancia: Muerte de Acteón a manos de Ártemis del
Pintor de Pan, Asamblea de los Argonautas del Pintor de las Nióbides.

A partir del año 450 a.C. aproximadamente confluyen dos tendencias, la del
estilo clásico cuyo máximo exponente será el Pintor de Aquiles y el estilo
basado en dibujo y el color con el Pintor de Sotades y el Pintor de Phiale.

En el 425 a.C. se impone el Estilo Bello y se crearán muchos lekytos con

escenas trágicas donde la figura humana será el tema principal. A
mencionar, Crátera de volutas del Pintor de Prónomos o la Señora con su
sirvienta del Pintor de Aquiles.

Prehelenismo
El siglo IV a.C. fue un período de crisis en la Grecia antigua provocado por
la derrota de Atenas frente a Esparta en la guerra del Peloponeso ocurrida
entre las últimas décadas del siglo V y los primeros años del siglo IV a.C.
Ello ocasionó la fragmentación de la cultura, de la religión, de los territorios
y, por tanto, hay una transformación en la mentalidad y en la confianza de
la sociedad hacia la polis. Esta decadencia termina con la plenitud del siglo
V griego y no será hasta la llegada del monarca Filipo de Macedonia que la
crisis originada se resuelva con la unidad de la Grecia continental.

Los cambios acaecidos repercutieron en el arte del siglo IV, práctica

artística vital para entender la ruptura del equilibrio sereno característico
del pleno clasicismo del siglo anterior.

Escultura
Este arte contiene fórmulas que luego en el helenismo se desarrollará con
más fuerza. Ahora prima lo individual. Hay un marcado carácter expresivo
que transmite distintas emociones: el patetismo, el drama, la pasión, la
melancolía, en fin, se logra expresar la actitud psicológica. Habrá un interés
por el erotismo femenino, en conseguir rostros más humanos de las
divinidades representadas. Se prefieren los temas relacionados con
Dionisos y Afrodita porque el carácter psicológico que encierran.

Destacan los escultores Praxíteles con un estilo delicado por lo femenil de

sus obras (Apolo Sauróctono); Timoteo resalta el erostismo y la
sensualidad femeninas (Leda con el cisne); Escopas traslada a sus obras la
tragedia de los personajes que se refuerza en el modo en que trabaja el
movimiento de las figuras como en Ménade danzante y Lisipo de Sición,
escultor oficial de Alejandro Magno, que influyó en la práctica escultórica
del momento y se considera por su evolución gradual hacia creaciones más
realistas el escultor que marcó la transición hacia el arte helenístico. Con
Apoxiomenos logra romper el punto de visión frontal al diseñar sus brazos
hacia delante y que marca un nuevo canon del cuerpo masculino.

El género del retrato

Esta etapa es muy importante pues se da inicio al retrato por ese culto a la
personalidad. Los retratos será de cuerpo entero siempre. La figura de
Alejandro Magno fue decisiva para el retrato de la época. Se convirtió en un
arquetipo de gobernante héroe ideal, sobre todo tras su desaparición. Esto
influye en la mayoría de los reyes helenísticos al adoptar la iconografía
alejandrina de cara a sus súbditos. Por tanto, se crea un tipo de canon de
gobernante héroe en el retrato que transmite las virtudes y el carácter
personal del gobernante. Se encuentran varios modelos de representación
como en los que prima la naturalidad sobre el temperamento (Sátyros del
escultor Silanion), o viceversa como en los retratos de Alejandro Magno
realizado por Lisipo.

Escultura fúnebre
Los pequeños cambios en los relieves funerarios aparecen a mediados de
siglo donde el volumen y la profundidad son mayores que en los ejemplos
de la etapa anterior. Las escenas se enmarcan entre dos pilastras y un
frontón. Son creaciones de gran belleza y naturalidad, Estela de Dexileos.

Pintura
Se conoce por las referencias romanas que los pintores del siglo ya
empleaban sus conocimientos sobre la perspectiva y la iluminación,
además, la pintura destaca por el modelado, el color, el efecto teatral y la
recreación del paisaje en sus representaciones (Tumba de Filipo II). Los
pintores significativos provienen de las diferente escuelas locales. Nicias de
Atenas (Andrómeda y Perseo) fue un artista de la escuela ática que al igual
que la escuela de Sición emplearon la técnica de la encáustica. Apeles de
Colofón, el pintor oficial de Alejandro Magno, es el pintor con más fama e
importancia de este periodo y del que se cree que inició el retrato ecuestre.

Cerámica
Los temas del mundo femenino y la naturaleza son las temáticas
representadas para la cerámica ática del siglo IV que continúa con las
fórmulas de producción anteriores. La cerámica de Magna Grecia se pondrá
al frente lo que desplaza las producciones áticas. Seguirá la búsqueda de
las formas proporcionales, simétricas y bien articuladas.

Arte helenístico (s.III a.C. – s.I a.C.)

Este periodo comprendió un extenso marco temporal y a varios territorios
además de Grecia como Egipto, Persia, Mesopotamia y la India. Por su
universalidad, extensión temporal y geográfica la historiografía ha decidido
llamarlo helenismo o helenístico.

Coincide con la fragmentación del imperio creado por Alejandro Magno tras
su muerte y la caída frente a Roma. Supuso la helenización del occidente
del Mediterráneo y la orientalización de la civilización y cultura griega.

La figura de Alejandro Magno y su desaparición fue decisiva para el arte

helenístico pues se generan nuevas ciudades por la división del imperio. Las
capitales de los nuevos estados se convierten en importantes centro
artísticos como en el caso de Alejandría o Pérgamo, ciudades que cobraron
una riqueza artística impresionante.

En este sentido, se inicia un entrecruzamiento de culturas de los territorios

conquistados con la cultura griega lo que resulta un modelo cosmopolita.
Este proceso afecta al arte griego que desde el carácter unitario anterior se
distingue por su heterogeneidad, universalidad y se convierte en el
lenguaje plástico por excelencia.

Desde el punto de vista estilístico es un período complejo, donde se hace

difícil caracterizar a las obras se fragmenta la unidad cultural griega junto
al fenómeno de sincretización de sus prácticas artísticas con la tradición de
cada ciudad que provoca una producción local peculiar. La historiografía ha
comparado a algunas fases del arte helenístico con el estilo barroco y
también con el rococó. No obstante, está el caso en que el arte griego
clásico será un referente a imitar para los creadores que estuvieron
interesados en recuperar los temas, los mitos y las formas del clasicismo
griego.

Urbanismo
La complejidad que adquieren las ciudades nuevas que se erigen o
remodelan en el siglo IV dio lugar a que las actividades administrativas se
ubiquen en el ágora (plaza de las ciudades-estados que estaban rodeadas
de edificios públicos) en tanto que las recreativas se encuentran en las
afueras de la ciudad. Las casas se organizan en manzanas rectangulares.

Es característico de la época helenística que las ciudades más fastuosas se

encuentren fuera del territorio griego, es el caso de Alejandría que destaca
por su grandiosidad urbanística o Pérgamo que basa su estructura
urbanística en la imagen escenográfica de sus construcciones y la
decoración al modo oriental.

Arquitectura

Como característica fundamental se encuentra el carácter decorativo en las

construcciones. Del templo y la arquitectura funeraria prima la
monumentalidad mientras que los edificios domésticos comprenden
estructuras más complejas. Será costumbre arquitectónica combinar en el
piso inferior el orden dórico y en el superior, el jónico. Aparecen con las
nuevas ciudades, nuevas tipologías muy en consonancia con el entorno
natural que las rodea, aunque esto no es privativo de la época.

Los templos
Se cuida el ornamento sobre una estructura de grandes dimensiones que
supera a la del s. IV a. C. El orden arquitectónico jónico es preferido al
dórico en las partes significativas del edificio como la fachada principal que
destaca, además, por las dimensiones del pronaos. Poco a poco se irá
introduciendo el orden corintio. De este momento son el templo Apolo en
Dídima, que nunca se finalizó, el templo de Zeus Olímpico tras la
reanudación de las obras bajo el arquitecto romano Cosutio por mandato de
Antíoco IV en el año 175 a.C. -primer templo conocido en usar columnas
corintias de grandes dimensiones- y el edificio Altar de Zeus de Pérgamo,
obra constructiva paradigmática de la etapa helenística en la cual se
combina equilibrio y sencillez junto a la rica ornamentación del exterior.

Será característico de esta etapa la introducción del naiskos (templo

tetrástilo) y la conjunción de varios espacios.

Los santuarios
Los santuarios son edificios enclavados en parajes naturales de difícil
acceso y estaban separados de las construcciones civiles. Destacan los
santuarios de las ciudades de Epidauro, Pérgamo y Delfos. En el santuario
coexisten el templo, los tesoros y los tholoi.
Los tesoros son pequeños edificios donde ubican las ofrendas,
generalmente de estructura rectangular con pórtico in antis, eran de orden
jónico o dórico y estaban bien decorados. Los tholoi, que destacan por su
espacio interno, son edificios religiosos de planta circular que quizás
cumplían una función de culto a los héroes divinizados.

Ya en el siglo V y IV a.C. se erigen estas tipologías como el tesoro de los

Sifnios o el tholos del santuario de Atenea Marmaria en Delfos, sin
embargo, de la etapa helenística destaca el Santuario de Asclepio en
Epidauro construido hacia el 360 a.C. cuya decoración emula al Erecteion.
Como ejemplo de tholos se encuentra El Philippeion de Olimpia edificio en
el que los órdenes jónico y corintio son combinados.

La arquitectura pública
Si importantes son los templos para honrar a las divinidades también lo son
las edificaciones públicas imprescindibles para la vida del ciudadano como
las plazas (ágoras), los mercados (stoas), las bibliotecas, escuelas,
estadios, los pequeños monumentos públicos con esculturas como la
Linterna de Lisícrates, los teatros, entre otros.

 la stoa, edificio de estructura rectangular y alargada con pórtico

en uno de sus lados (Stoa de Atalo II de Atenas).
 el teatro al aire libre, muy importante para la ciudad, era el
espacio para las representaciones religiosas y corales. Constituido
por la orchestra de forma circular, detrás de esta la skene tuvo dos
funciones, vestuario de los actores para luego ser escenario, el
théatron o koilon (grada semicircular empinada), el proskenion
unificado delante de la orchestra y se decora con columnas
exentas o pilares adosados, (teatro de Epidauro, teatro de
Pérgamo, teatro de Priene).
 el gimnasio de estructura rectangular rodeado de pórticos
columnados también es símbolo cultural griego como el teatro. El
edificio, al aire libre, alberga varias dependencias como baños,
biblioteca, entre otras.
 el bouleuterion, sala cuadrada con filas de asientos y altar
central, estaba destinado a las reuniones de los consejo de
ciudadanos, (bouleuterion de Mileto).
La arquitectura doméstica
Durante el helenismo la casa presenta una estructura más compleja:
contiene un vestíbulo que da acceso al peristilo desde donde se organizan
las habitaciones públicas, pues en el piso superior se ubican las privadas.
Las estancias se decoran con mosaicos al igual que los patios porticados.

Escultura
Las características de la escultura helenística son diversas teniendo en
cuenta la extensión cronológica y geográfica además de la convivencia de
diferentes culturas. Ya en el siglo IV se viene desarrollando fórmulas que se
consolidan ya en esta etapa. Atendiendo a la generalidad, se prefiere el
carácter individual lo que determina que la fuerza que cobra el retrato. De
ahí el intento de representar las pasiones, las emociones (Demóstenes de
Polieucto). Esto perseguía, además, un propósito propagandístico hacia las
figuras de los gobernantes para perpetuarse debido a la inestabilidad
política.

Será fundamental el carácter agitado que cobran las figuras, el movimiento

brusco, las contorsiones, las composiciones enrevesadas y abiertas, el
tenue desequilibrio, el tratamiento antinatural de los ropajes, el uso de
luces y sombras que provoca el dramatismo de la obra pero también la
búsqueda de realismo que se justifica mediante los temas cotidianos,
costumbristas. Estos aspectos serán comunes para las distintas escuelas
escultóricas del período en Pérgamo (Asia Menor), Alejandría y Rodas
(próximo a Asia Menor). Por lo tanto, se pierde el protagonismo del artista
a favor de la importancia del grupo de creadores de una escuela.

Escuela de Pérgamo
Pérgamo es uno de los centros culturales y artísticos con más auge durante
los reinados de Atalo I y Eumenes II, hijo del primero. La escuela de
escultura fue lo que más trascendió. En una primera etapa se crean obras
en bronce realizadas por Epígono de las cuales solo se conservan obras en
piedra y son copias romanas, Galo moribundo, obra con un gran efecto
dramático u otra como Galo Ludovisi. Sin embargo, la producción más
significativa es el Altar de Zeus, de autor desconocido, realizado bajo el
reinado de Eumenes II quien hubo de emprender un amplio programa
constructivo. Es la única obra original helenística en mármol que ha llegado
a nuestros días, y en ella se exaltan las características barroca-helenísticas
y teatrales por el modulado del ropaje antianatómico y el dramatismo de
los rostros.
Escuela de Rodas
Destaca por el número elevado de excelentes obras escultóricas realizadas
para sus edificios y por la creación de retratos realistas de ciudadanos
comunes destinados a los santuarios.

De ese estilo barroco-helenístico es la Victoria de Samotracia muy

relacionada con la teatralidad y los aspectos efectistas. El Laocoonte y sus
dos hijos, obra que se atribuye a Rodas pero de lo que aun se tiene dudas.
En ella el abigarramiento de los cuerpos, el efectismo, el drama, el
movimiento y la composición abierta son los aspectos que destacan y la
particularizan.

Escuela de Alejandría
Es la que mejor representa el realismo en la escultura evidentes en los
retratos de los monarcas ptolemaicos y sus esposa, en obras como
Danzarina Baker u otras relacionadas con el mundo natural como la
alegoría del Nilo.

El retrato: su consolidación en las escuelas escultóricas

Hacia mediados del siglo III a.C. el retrato será desarrollado en las escuelas
escultóricas y muy valorado y demandado sobre todo por el sector privado.
Lo más importante fue plasmar el carácter realista en las obras. Para ello
se valen de la psicología, la fisonomía y la cualidad moral de la persona.

Destacan por su marcado patetismo la Vieja borracha o por el modelado

anatómico y el dramatismo del rostro el Boxeador de las termas así como
la búsqueda del realismo en el retrato del político Demóstenes.

Otras esculturas
Hacia mediados del siglo II en Atenas se comienzan a realizar numerosas
esculturas por la gran demanda que los romanos hicieron de la escultura de
las época anteriores. Los escultores áticos recrean este tipo de obras como
la Venus de Milo, la más famosa de las Afroditas desnudas, el Niño de la
espina del siglo I a.C. o el Jinete niño de Artemisión. Las obras son de difícil
datación.

Hubo una producción de figurillas de terracota que fueron encontradas en

el cementerio de Tanagra. Las tanagrinas representan a mujeres jóvenes
sentadas o de pie con una vestimenta sofisticada y a las cuales se les
adornaba con distintos accesorios. Se cree que estas proviene de la
producción de figuras en Atenas hacia el siglo IV a.C. y que fueron imitadas
posteriormente en Tanagra.

Pintura
La pintura al final del periodo se distingue por la preponderancia de la
pincelada, el uso de la luz, el color y las transparencias. La temática
preferida serán los bodegones, las escenas callejeras y los paisajes, en fin,
una recreación de temas costumbristas.

Algunos pintores seguirán la tradición desarrollada en el siglo IV mientras

que otros sobresalen por su carácter innovador como el pintor Teón de
Samos (Aquiles y Esciro).

Mosaicos
Hubo una gran producción de mosaicos teselados en esta etapa, actividad
que ya se había hecho universal. El grupo más antiguo e importante
pertenece a la ciudad de Pompeya con fecha de datación entre el 200 y 80
a.C. en la Casa del Fauno. Es un conjunto variado de mosaicos que recrean
temáticas relacionadas con asuntos banales como la comida, la diversión y
otros de carácter político o cultural como el teatro. La creación
paradigmática lo constituye el mosaico de Alejandro Magno.

También destaca el mosaico Músico callejeros de Dioscúrides de Samos.

Pérgamo gozó de la decoración de este tipo de mosaicos como se puede
ver en el Emblema con palomas en Tívoli del mosaísta Soso de Pérgamo
autor de otra obra famosa La casa sin barrer.

Cerámica
Los vasos cerámicos estarán decorados con figuras estilizadas y expresivas.
Presentan un gran acabado y es muy variada. Se irá perdiendo
paulatinamente la técnica de la pintura para dar paso a la decoración en
relieve.

También desaparecen los vasos de figuras rojas de los áticos que crearán
ejemplares barnizados de pigmento negro y sin decoración. En Apulia hay
variedad de composiciones y tipos donde destaca la ornamentación de las
vasijas. Algunas tuvieron una función fúnebre.