Análisis - FJMR
EL BARROCO
La música barroca introduce innovaciones estructurales como expresión de un cambio
interno respecto al Renacimiento: armonía mayor-menor, bajo continuo, el principio concertante, la
monodía, el Fortspinnung1 y posteriormente el contrapunto armónico como elementos más
importantes.
La armonía mayor-menor suprime los modos eclesiásticos; es decir, la línea
contrapuntística de cuño flamenco envejece frente al acorde como expresión de una nueva
conciencia natural y como requisito para el bajo continuo. SAUVEUR descubre posteriormente la
serie armónica RAMEAU establece por primera vez conceptos en relación con las funciones
armónicas (Traité de l'harmonie, París 1722).
El basso continuo o bajo continuo es la base armónica de la música barroca. De la voz más
grave, ejecutada facultativamente en una obra polifónica del siglo xv; (basso seguente), surgió en el
Barroco un elemento fundamental de la composición: un bajo ininterrumpido (basso continuo) que
con su armonía implícita (que puede ser ejecutada por el intérprete del b.c. sin necesidad de notas
escritas) sirve de base para las voces concertantes.
El principio concertante supone una individualización de la voz solista cuya libertad
creadora aumenta aún más con la improvisación y los adornos. Las voces concertantes encuentran
en la consonancia armónica sobre el bajo continuo la unidad de su conjunción e independencia
(imagen de una individualidad que irrumpe en el recogimiento de un universo armónico). El
principio concertante se encuentra en todos los géneros, no sólo en el concierto.
Monodía. El Barroco busca poner en música con eficacia textos dramáticos o líricos. Se
tomó como modelo la monodía antigua, de la que se conocían sus “efectos mágicos” sobre el
oyente. Sin conocer directamente esta música, se halló una nueva monodía conforme a la época los
textos son interpretados por solistas (como en el madrigal polifónico) y se expresa su contenido
afectivo. De hecho se habla de la unidad de afectos en las piezas barrocas como elemento de unidad
en las mismas a difenrecia de la contraposición de afectos de las obras clásicas.
LA TEXTURA EN EL BARROCO
La música barroca suele mostrar una textura homofónica en la que la parte superior lleva la
melodía sobre una línea de bajo con fuertes implicaciones armónicas. La polaridad resultante tiple-
bajo condujo desde aproximadamente 1600 al empleo del mencionado bajo continuo, una línea de
bajo instrumental sobre la que se improvisan acórdicamente las voces intermedias. La división
funcional que se deriva de esta dicotomía melodía-línea del bajo se manifiesta también en el estilo
concertado, en el que se unen los intérpretes que participan en un cometido y un timbre diversos, y
más tarde en el concierto, con su contraste funcional entre solistas y el grupo.
Gracias a compositores como Bach o Händel, se llegó a una perfección, un estilo de textura
ricamente trabajada, donde los elementos contrapuntísticos se encontraban enlazados de un modo
ideal, el contrapunto dirigido por la armonía animada a su vez por el contrapunto.
Sus majestuosas fugas (tanto instrumentales como vocales) ponen de relieve la capacidad
del contrapunto para el manejo de los medios puramente musicales de una manera puramente
musical.
Es importante como instrumento solista el órgano, en él los organistas van apreciando cada
vez más la variedad tímbrica de sus registros por el color instrumental que estos aportan y se
desarrolla una ejecución virtuosística, llena de contrastes y concertante, con marcada técnica de
pedal, que llevará a un claro entramado de líneas y enérgicos bloques de acordes. Todo este juego
de brillantes mixturas con el juego dinámico y tímbrico que implica y sus entramados tanto de
juegos armónicos como contrapuntísticos, hará que el órgano se convierta en el instrumento de los
instrumentos en este periodo.
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Véanse sobre ello los apuntes adjuntos.
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Respecto a los grupos de cámara, estos solían ser diversos, a solo, dúos, tríos, etc. pero
había sobre todo un predominio de sonatas para uno o dos instrumentos melódicos y bajo continuo.
Cuando esta sonata en trío se amplia, va a ir dando lugar al denominado concierto grosso.
RESUMEN DE CARACTERÍSTICAS DE CADA PERIODO DEL BARROCO
SEGÚN BUKOFZER
1er Barroco. (1580-1630)
Oposición al contrapunto e interpretación muy violenta de las letras, plasmada en los
recitativos afectivos con ritmo libre. Debido a ello, apareció una necesidad extraordinaria de
disonancia. La armonía tenía carácter experimental y pretonal, es decir, sus acordes aún no tenían
una orientación tonal. Por ello no se contaba todavía con la facultad de saber cómo sostener un
movimiento prolongado, y en consecuencia, todas las formas eran a pequeña escala y divididas en
secciones. Entonces se inicia la diferenciación entre los idiomas vocal e instrumental, y llevó la
batuta la música vocal.
Barroco medio. (1630-1680)
Dio pie sobre todo a la creación del estilo del bel canto aplicado a la cantata y a la ópera, y
con él surgió la distinción entre aria y recitativo, las secciones individuales de las formas musicales
empezaron a evolucionar y se volvió a utilizar la textura contrapuntística. Los modos se redujeron a
mayor y menor, y a una tonalidad rudimentaria que limitaba la disonancia libre característica del
primer barroco, regía las progresiones de los acordes. La música instrumental y la vocal tenían la
misma importancia.
Barroco tardío. (1680-1730)
Tonalidad plenamente establecida, con progresiones reguladas con acordes, tratamiento de
la disonancia, y estructuras formales. La técnica contrapuntística culminó con la absorción plena de
la armonía tonal. Las formas adquirieron grandes dimensiones, apareció el estilo de concierto. El
intercambio de idiomas llegó a su punto más alto; la música instrumental dominó la vocal.
Fuentes consultadas:
- Bucofzer, M. La música en la época Barroca. Alianza Música. Alianza Música. Madrid 1994
- Michels, U. Atlas de la Música II. Alianza Editorial. Madrid 1992
- Kühn, C. Tratado de la forma musical. Ed Labor. Barcelona 1994
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EL CONCERTO GROSSO
El concierto “Grosso”
Definición: En el barroco se tituló así a un Concierto en el que dialogaban dos
grupos: uno constituido por orquesta de cuerda (el “Grosso”) y otro formado por los dos
o tres violines solistas (los “Concertinos”). En ocasiones a la orquesta se añadía un
clavicémbalo que tocaba el “ripieno” (relleno) estructurado sobre un bajo continuo
(parte grave ininterrumpida). La arquitectura de estos Conciertos fue un tanto indefinida.
El “Grosso” exponía un Tema que luego pasaba a los “Concertinos” estableciendo así
un diálogo que iba modulando a tonalidades vecinas.
Haendel escribió obras de gran valor en este estilo, incorporando en algunas de
ellas al grupo de “Concertinos” instrumentos de viento (flautas, oboes y fagotes) como
solistas.
Puede considerarse que estos Concertinos tienen un antecedente en las Formas
de música religiosa, en las que se utiliza el coro (”Grosso”) y solistas(”Concertinos”)
que dialogan cantando los textos bíblicos, situándose en sitios distintos en el templo.
Llacer Pla, F. Guía analítica de formas musicales para estudiantes.
Ed. Real Musical. Madrid 1987. pág. 126
El “Concerto grosso”. EL compositor italiano Arcangelo Corelli (1653-1713)
creó el “Concerto grosso”, que era un Concierto escrito para orquesta de instrumentos
de cuerda-arco, en el cual se establecían dos grupos: el de los solistas – denominado
“concertini” – y el de la masa orquestal restante, constitutiva del “grosso” o “ripieno”
(relleno).
Su forma resultaba poco definida, y oscilaba entre la Fuga y la Suite.
Zamacois, J. Curso de formas musicales.
Ed. Labor. Barcelona 1993. Pág. 207
Los conciertos de Vivaldi (1678-1741)
Las obras instrumentales de Vivaldi, y en especial los conciertos, resultan
siempre atractivos a causa de la frescura de sus melodías, su vigor rítmico, su hábil
tratamiento del colorido solístico y orquestal y la claridad de su forma. En muchas de
las sonatas, así como en algunos de sus primeros conciertos, se palpan las deudas de
este músico con Corelli. Sin embargo, en su primera antología publicada de conciertos
(Opus 3, ca 1712), Vivaldi ya demostraba que era plenamente consciente de las
tendencias nuevas hacia la forma musical clara, el ritmo vigoroso y la escritura solística
específicamente instrumental, ejemplificadas en las obras de Torelli y Albinoni.
Groud, D.J. -Palisca, C.V. Historia de la música Occidental, 2
Ed. Alianza Música. Madrid 1996. Pág. 499
Op. 3 Nº 2
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LA SUITE Courante: Danza rápida y alegre (francesa).
Compás de 3/4 ó 3/2 ( a veces 3/8 ó 6/4). Comienza anacrúsico. Puede ser una especie
Es una reunión de piezas instrumentales independientes entre sí unidas por la misma de movimiento de corcheas perpetuo, pero también se la puede encontrar con una
tonalidad, elementos temáticos comunes y una estructura similar para cada una de las piezas prolongación del primer tiempo sobre el segundo por medio de un puntillo. Es norma que su
con lo que todas ellas unidas forman un todo. La Suite es una de las formas instrumentales estructura contenga dos partes, generalmente de 16 o 32 compases cada una.
más antiguas, su origen se remonta, por mediación del Madrigal, a las danzas y canciones de
la Edad Media, alcanzando su plenitud en el siglo XVII. A partir del siglo XVIII la Suite se Ritmos iniciales más habituales: ó
transforma y pasa a denominarse Divertimento, Serenata, Sonata, Partita y Casación.
Su época de esplendor, se cerró con Bach. La Suite recibe el nombre de Sonata en Zarabanda: Danza lenta (española).
Italia, de Ordre en Francia y de Partita en Alemania. Compás de 3/4 movimiento pausado y carácter noble.Comienza en primer tiempo. El
2º tiempo se prolonga sobre el 3º con un puntillo y a veces fundido a él. Contiene frecuentes
Los elementos básicos de la suite son: terminaciones femeninas, y melodía de valores largos sobrecargada de adornos. A diferencia
- La Allemande. de otras danzas de estilo más polifónico, en ésta la melodía se apoya en acordes
- La Courante preferentemente arpegiados.
- La Zarabanda
- La Giga. Figuración rítmica más habitual: ó
Entre ellas suelen intercalarse las demás danzas (Gavota, Minué, Pavana, etc.). La
Alemanda suele estar precedida por una pieza introductoria: Preludio, Fantasía, Overtura, o Giga: Danza rápida (inglesa).
Tocata. Tras la Giga puede aparecer una forma variada tal como la Chacona o el Rondó. Aunque parece ser de origen inglés, también tomó carta de naturaleza en Italia donde
Estructurados de acuerdo con la forma binaria denominada tipo suite. A veces la Giga se tuvo su máximo esplendor. Compás de 3/8 y 6/8. Movimiento muy vivo. El inicio es
sustituía por el rondó y se incluían intermedios entre la Zarabanda y la Giga. En las suites en anacrúsico, pero en ocasiones puede ser tético. Empezó prolongando el 1º tiempo sobre el 2º
que aparecen dos piezas del mismo nombre, (Minué I y Minué II) estas formaron una sola y con un puntillo, pasando posteriormente al uso de tres figuras iguales. Se suele emplear la
se ejecutaron sin interrupción y después de II se volvía a I sin repetir entonces las partes. escritura imitativa.
En el orden de sucesión de las danzas se observa el criterio de alternar los
movimientos lentos con los rápidos. Figuración rítmica más habitual:
ESTRUCTURA DE LAS DANZAS OTROS ELEMENTOS DE LA SUITE
La estructura suele ser muy parecida en todas las danzas: forma bipartita A-B. En la
mitad de las danzas se halla la doble barra de repetición que separa dichas secciones. Rondó: Danza francesa.
Sección I: El elemento temático principal se expone en el tono elegido para la suite, En su origen era una danza francesa cantada, en la cual una voz entonaba diversas
tras su desarrollo concluye en una amplia cadencia. Coplas, a cada una de las cuales el coro contestaba con el Estribillo. Los compositores
La tonalidad en la que finaliza puede ser: escribían el estribillo una sola vez al principio del rondó y se ha dado por sentado que debía
a) La de la dominante. repetirse invariablemente después de cada una de las coplas. El tema del Estribillo suele ser
b) La del relativo mayor (Si la tonalidad principal era menor.) alegre y juguetón (ya que es el elemento principal de la obra). y siempre aparece en la misma
c) En el mismo tono (poco usado). tonalidad. Las Coplas van cambiando y en cada una de sus apariciones puede hacerlo en
Sección II: Un proceso modulante regresivo de características similares a I nos lleva tonalidades distintas. Los temas de la Copla, de menos importancia que el del estribillo, están
de la tonalidad en que había acabado éste, a la tonalidad principal. En ella se desarrollan los desarrollados de manera que la nueva entrada del Estribillo cobre el máximo relieve.
elementos temáticos de la I Sección. Acaba también con barra de repetición
Minué: Danza francesa de origen cortesano. Puede aparecer en estructura binaria o ternaria.
ELEMENTOS BÁSICOS DE LA SUITE Compás de 3/4. Empezó siendo un movimiento lento y acabó bastante movido en la sonata.
En un principio era tético pero luego se usó el anacrúsico. Los valores suelen ser corcheas
Allemande: Danza lenta (alemana). combinadas con negras. Algunos minués de J. S. Bach contienen una parte o 2º Minué,
Compás de 4/4 ó 2/4. Movimiento; allegro-moderato y a veces moderato. contrastante con el 1º, escrito en el modo opuesto que dio lugar al establecimiento del trio.
Comienza anacrúsico, los diseños melódicos pocas veces tienen aspecto de verdadero tema,
por su brevedad y fraccionamiento con lo que, más bien parece una ininterrumpida sucesión Loure: Danza muy antigua, de procedencia normanda. Movimiento moderado con tendencia
de corcheas o semicorcheas. a lento, y compás de 3/4 ó 6/4. Si está escrita en este último compás, cada uno de sus tiempos
debe considerarse como un 3/4.
Ritmos iniciales más habituales: ó En su ritmo se encuentra frecuentemente la anacrusa de corchea seguida de una negra, que
conduce a una negra con puntillo.
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Bourré y Rigodón: Danzas originariamente francesas. Se escriben en compás binario y
suelen tener un movimiento ligero. Su ritmo más característico es el de comienzo anacrúsico.
Ambas formas constan esencialmente de dos partes conteniendo cada una de ellas 4 y 8
compases que se repiten.
Gavota: Danza con carácter reposado o moderado y compás binario "alla breve"( 2/2 ). Su
comienzo suele ser una anacrusa de medio compás y el ritmo de desarrolla de dos en dos
compases. La Gavota es frecuente en las suites si bien no está sujeta a un orden en el plan
formal general.
Pavana: Danza lenta, de origen muy antiguo, escrita en compás binario o cuaternario. Consta
de dos partes de 8 compases cada una, con repeticiones. Ocupa un lugar muy importante en la
literatura instrumental. Después de la Pavana se inserta generalmente una Gallarda.
Gallarda: Antigua danza de origen español de compás ternario, con el primer tiempo
acentuado, consta de dos partes divididas cada una en frases de 4 y 8 compases. La Gallarda
variada se denomina Passemezo o Romanesca.
Passepied: Danza en compás 3/4 ó 3/8 y movimiento rápido. Suele comenzar por una
anacrusa de corchea. Originariamente francesa su nombre significa "paso del pié".
Siciliana: Danza en compás 6/8 ó 12/8 y movimiento moderado, procedente de Sicilia. Es
muy corriente en ella el ritmo de corchea con puntillo, semicorchea y corchea.
Chacona y Pasacalle: Danzas escritas generalmente en compás 3/4 y movimiento pausado,
como la Zarabanda con la cual presentan analogías.
Musette: Danza de carácter pastoril escrita en movimiento moderado y originariamente
francesa.
Hornpipe: Danza inglesa escrita generalmente en 3/4 ó 3/2, aunque a veces la podemos
encontrar en compases binario ó cuaternario.
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Bach BWV 812
French Suites
