Preparatoria Abierta

Material de apoyo didáctico:

(25) Apreciación
estética (pintura)

“ACTUALIZACIÓN”
Segundo Semestre

Consideraciones para uso:

- El material didáctico sólo es un referente para la mejor comprensión

de los libros de texto y alcanzar los objetivos planteados.
- Está basado en los libros de texto y programas de estudio que
comprende el Plan Tradicional de Preparatoria Abierta.
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 APRECIACIÓN ESTÉTICA PINTURA

La Pintura

Una pintura es:

 Color aplicado en una superficie.

 Un arreglo de formas y colores.
 Composición creativa que usa color, línea y forma, en armonía, para transmitir
un tema de acuerdo a la personalidad de un autor y a la filosofía de su tiempo.
 El reflejo de las ideas de un artista y la de su época, mediante la composición de
colores, formas y signos sobre una superficie.

Toda pintura puede tener un significado que sobrepase lo concerniente a un hombre o

a un solo espacio. Toda pintura principia por el tema, por ejemplo, una hermosa mujer,
un paisaje, una marina, la vista de una ciudad, un tazón con frutas, etc. Pero el tema ha
de ser sólo el punto de partida.

Por ejemplo, el cuadro conocido como la Madre de Whitsler, cuyo nombre correcto es:
Arreglo en Gris y Negro, su verdadero tema es un estado de ánimo, una tónica espiritual
compuesta de nobleza, dignidad, reflexión y resignación. En el cuadro Arreglo en Gris y
Negro podemos observar una actitud de serenidad y dulzura, evoca un estado de
introspección.

Lám. 1 Arreglo en Gris y Negro Whistler Museo de Louvre, París

Auguste Dominique Ingres fue el representante de la tradición académica de Francia en

los momentos en que los pintores detenidos de aquella escuela neoclásica estuvieron
bajo el ataque de los nuevos románticos. Ingres fue el más eminente retratista de su

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tiempo. En sus cuadros Ingres buscaba magnificar cualidades y minimizar defectos de
las personas retratadas. Esta es una intención legítima, aunque limitada.

Renoir, pintor francés, uno de los líderes del movimiento impresionista en Europa.
Renoir fue un gran pintor porque tuvo una gozosa adoración por la vida y la habilidad
de traducirla en términos visuales, tal y como lo refleja en su obra Madame Renoir en
el cual muestra su visión optimista de la vida o en el cuadro En la Pradera, en el cual
Renoir resume su sentido de la dicha, en una fresca y deliciosa pintura, el significado
profundo es una diosa terrestre.

Lám. 3 Madame Renoir Renoir Museo de Lám. 4 En la Pradera Renoir Museo

Arte de Filadelfia Metropolitano de Arte, Nueva York

Así como Renoir, Edgar Degas fue un representante del impresionismo; fue un pintor
escéptico de la bondad de la vida; su arte revela a un hombre esencialmente pesimista.

En el cuadro Mujer con Crisantemas de

Degas podemos deducir elementos tan
específicos como el nivel social y la situación
económica del personaje, sabemos también
que es una persona capaz de pensar y actuar
en determinados sentidos y en ciertas
circunstancias. Sin embargo, sigue siendo
enigmática, como seguramente quiso Degas
que lo fuera. Medio se esconde y medio
sonríe.
Lám. 5 Mujer con Crisantemas Degas Museo
Metropolitano de Arte, Nueva York

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Aquella otra mujer que nos es conocida por ser el retrato más famoso del mundo es La
Mona Lisa, pintura de Leonardo Da Vinci.

La leyenda más irritante de La Mona Lisa es

la que refiere que los ojos “te siguen
alrededor del cuarto”. Sugiere un carácter
enigmático, símbolo de misterios
intemporales. Leonardo Da Vinci inventó un
paisaje mitad fantástico y mitad lógico, tanto
el tiempo como el lugar son misteriosos. El
significado verdadero de esta pintura es la
idealización del enigma femenino.

Lám. 6 Mona Lisa Leonardo Da Vinci Museo

de Louvre, Paris

Pensamiento, Sentimiento y Pintura

Aparte del tema, nuestro goce de la pintura se inclina a veces del lado del pensamiento,
a veces del lado del sentimiento, y el artista trabaja bajo este mismo doble estímulo.

La pintura romántica es aquella que pone primordialmente en movimiento las

emociones, el aspecto emotivo es liberado. Los principales elementos de la pintura
romántica son: libertad expresiva, imaginación y estática.

La pintura clásica es aquella que hace referencia sobre todo a la inteligencia. Los
principales elementos de la pintura clásica son: orden, emoción controlada y exotismo.

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Durand pintó en los Estados Unidos de
América a mediados del siglo XIX, cuando
más popular era la glorificación romántica
de la naturaleza. El Paisaje Imaginario de
Durand, es una pintura romántica en un
estilo tradicional, que hace sentir seguro
al observador profano. Dicho cuadro es un
ejemplo de pintura romántica en tanto
que estimula la fantasía. Durand mira la
naturaleza como una manifestación de
fuerzas misteriosas, y busca abrir su
Lám. 7 Paisaje Imaginario Durand Museo
paisaje a las capacidades infinitas de la
Metropolitano de Arte, Nueva York
imaginación.
Símbolos

Un símbolo es la representación convencional de un objeto, cuya significación,

tácitamente aceptada en un momento histórico dado, trascienda la individualidad del
objeto para representar un contenido ideológico o conceptual afín a la naturaleza del
propio objeto.

EL Matrimonio de Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami de Jan Van Eyck, fechado en

1434, es uno de los cuadros más preciosos del mundo. Los personajes de El Matrimonio
de Giovanni Arnolfini y Giovanna Cenami son serios y elegantes, solemnizaron su propio
matrimonio en completa soledad. El Matrimonio de Giovanni Arnolfini y Giovanna
Cenami considera las cosas triviales como referencias simbólicas a la naturaleza
sacramental de la escena:

o Los zuecos tirados refieren al mandamiento bíblico “Saca tus sandalias de

tus pies, porque el lugar en que estás es sagrado”. La santidad de la
alcoba nupcial.
o El perro simboliza la fidelidad.
o La fruta se refiere a la fruta de Jardín del Edén.
o La solitaria vela refiere la lámpara de las procesiones de boda o el ojo
omnividente de Dios.
o El espejo sobre la pared simboliza la pureza.
o La figura labrada en la silla es Santa Margarita, patrona del parto.

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 Lám. 10 El Matrimonio de Giovanni Arnolfini Jan Van Eyck
Galería Nacional, Londres

Realismo

El expresionismo pictórico es la combinación de espacios y formas que manifiestan

impulsos espontáneos. Toda pintura constituye una triple experiencia: visual, emocional
e intelectual.

Para entender el realismo (visión objetiva), el expresionismo (visión subjetiva) y el

abstraccionismo (visión intelectiva), compararemos 3 pinturas de violines: El Viejo Violín
de Harnett, El Violín Amarillo de Dufy y Formas Musicales de Braque.

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Lám. 13 El Viejo Violín Harnett Lám. 14 El Violín Amarillo Dufy Lám. 15 Formas Musicales Braque
William J William, Cincinnati Samuel J. Sacks, Toronto Museo de Arte de Filadelfia

El Viejo Violín de Harnett, es una pintura realista que sorprende y fascina por su
ilusionismo, que tiene como elemento predominante un enfoque objetivo. El Viejo
Violín de Harnett es el tipo de pintura que a la gente se le antoja tocar por el modo tan
convincente porque cada elemento expresa una textura diversa.

El realismo es el medio por el cual el pintor se aproxima a la apariencia real de los

objetos, no es una imitación, sino una interpretación. Una característica de la pintura
realista es la objetividad, una manifestación fidedigna de las cosas. Una pintura es
realista cuando logra una cabal y justa aproximación al aspecto que presentan las cosas.

El Violín Amarillo de Dufy tiene claridad, vivacidad y alegría. En la partitura, las notas
constituyen sucesiones de brillantes acentos independientes, sólo en una muy libre
relación con una partitura legible. Todo expresa vida, espontaneidad, improvisación.

La idea rectora del expresionismo considera que la apariencia real de los objetos puede
ser distorsionada en cualquier forma. Generalmente se asocia con temas morbosos,
violentos o patéticos. Sin embargo, los objetos, a pesar de la distorsión, son
generalmente reconocibles.

Formas Musicales de Braque es una pintura abstracta, donde el autor pretende

representar en su forma más pura la textura de los objetos. Formas Musicales de Braque
no es ya un cuadro de un violín, es un arreglo de líneas, de formas, de colores y de
texturas. Braque prescinde de la apariencia de las cosas, porque quiere capitalizar al
máximo los elementos de abstracción.

En la abstracción los objetos tienden a perder su identidad como tales objetos y a existir
como formas puras.

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 El Realismo en la Historia

La mayor parte de la pintura es realista (con excepción del arte moderno). Sin embargo,
el mundo real de una época no es el mundo real de otra. El mundo que rodea al artista
cambia no sólo superficialmente, como es obvio, en la diversidad de construcciones,
vestimentas y cosas semejantes, sino en lo más fundamental, ya que, al cambiar los
tiempos, los hombres ven el mundo, y lo piensan, de manera distinta, y, por ello, lo
pintan de modo diferente, aun cuando empiecen por imitar el aspecto de las cosas.

La función del arte se define como la creación del orden fuera del caos de la experiencia
humana. Sin embargo, entre más nos adentramos en el mundo del arte, más nos damos
cuenta de que no existe una manera única de lograr una expresión de orden y de
armonía. San Francisco recibiendo los Estigmas de Van Eyck pintura medieval de hace
unos quinientos años, refiere la ordenación de modo contrario, en vez de simplificar, el
pintor multiplica los detalles.

El mundo medieval fue rico, violento, caótico, complicado, de mucho colorido y

contradictorio. Época de crueldades extremas, plagas terribles, pobreza, sufrimiento. Y
también de refinamiento, mística fe religiosa, opulencia, cinismo y piedad, de plebeyez
y elegancia.

San Francisco recibiendo los Estigmas es una pintura que se comprime en unos cuantos
centímetros cuadrados, sin que dé la impresión de aglomeración o desorganización.

Lám. 16 San Francisco recibiendo los estigmas Jan

El Renacimiento Van Eyck Galería de Sabauda, Turín puede ser descrito
como una “Edad de Búsqueda” donde
el hombre se empeñó en descubrir una armonía más terrenal y racional.

El pintor medieval busca dar sentido a la complicación del mundo; el pintor renacentista
busca clarificar el sentido oscurecido por la complicación del mundo. El artista del
Renacimiento imprime en sus obras un carácter de liberalismo intelectual y distinción.

Cuando una persona ordinaria mira un cuadro no está interesada, ni en el espíritu de la

época, ni en los medios que el artista empleó para lograr su efecto. Y lo que al propio
cuadro se refiere significa para él “lo que en el cuadro está sucediendo” entre más cosas

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sucedan, más gusta de él. Así tenemos que en el realismo barroco un rasgo típico es sin
duda la exageración. Un ejemplo de esto es el cuadro de Velázaquez, Las Meninas. La
belleza del realismo de Velázquez está en su consistencia. En sus cuadros, los objetos, a
medida que se retraen a distancia, van perdiendo su precisión, y, a medida que se
acercan al primer plano, más acusadamente se definen; cada brochazo, cada tono, cada
modulación del color está en perfecta relación con todo lo demás.

Lám. 19 Las Meninas Velázquez Museo del Prado, Madrid

El siglo XIX fue un siglo en el que la ciencia había demostrado que ningún hombre puede
conocer el universo por completo, por ello Edouard Manet no estaba interesado en
tratar de hacer ninguna afirmación universal, ideal o de cualquiera otra índole. Manet
en En La Barca parece decir: “He aquí un fragmento del mundo, un momento, un
instante de un día, que hay que apreciar por sí mismo, sin que importe mucho cuál es
su lugar en el vasto e incomprensible esquema de las cosas”. El deseo de Manet es
enaltecer lo cotidiano de la vida, es decir imprime un carácter realista.

Lám. 23 En la Barca Manet Museo Metropolitano

de Arte, Nueva York

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 Expresionismo

El término expresionismo es usado frecuentemente al considerar la pintura moderna

pero es aplicable también a las pinturas de antiguos maestros. En el expresionismo las
pinturas son más intensas y personales. En la pintura el expresionismo es la distorsión
de la forma y del color para una expresión emocional. La pintura expresionista es una
libre expresión, que puede parecer muy libre o igualmente una pintura calculada en
extremo. Ejemplo perfecto de ello es La Noche Estrellada de Vincent Van Gogh, quien
es el padre del expresionismo moderno.

La Noche Estrellada parece que se arremolina en una furiosa embravecida energía,

alejada de asociaciones ordinarias con una noche de estrellas. La Noche Estrellada está
llena de fervor emocional, se siente que fue creada en una especie de combustión
espontánea. El goce proviene de sentir la comunicación emocional directa con el pintor.

El Greco fue un expresionista trescientos años antes, de que el término existiera. Cristo
en Getsemaní del Greco, fue pintado casi tres siglos antes de La Noche de Estrellas, sin
embargo, es expresionista como la pintura moderna.

La Noche de Estrellas y El Cristo de Getsemaní emplean recursos similares como formas

entrelazadas, colores vivos y la deformación de las figuras.

La composición del Getsemaní es más compleja, su característica de misticismo es

resultado de un cálculo más frío y más sutil, a pesar de su vertiginosa brillantez. Hay una
línea en el Getsemaní que puede ser trazada en torno a la extraña forma que encierra a
los discípulos dormidos, subiendo a la roca puntiaguda y a las nubes. Esta línea sinuosa
es muy parecida a la línea de la Vía Láctea en el cuadro de Van Gogh, aunque es menos
evidente.

Lám. 25 La Noche Estrellada Van Gogh Museo de Lám. 25 Cristo en Getsemaní El Greco Museo de
Arte Moderno, Nueva York Arte de Toledo, Ohio

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Para Van Gogh el expresionismo fue un desahogo personal y para el Greco fue una
realización intelectual.

Dos Desnudos de George Rouault óleo sobre papel, es un desaforado grito de protesta
contra la inhumanidad del hombre con el hombre, contra la corrupción, la insensatez y
la degradación humana, es un cuadro moral. Rouault utiliza el manejo de la fealdad
como un recurso expresivo. Rouault en Dos Desnudos expresa su propia ira, y la
brutalidad de las mujeres al distorsionar los cuerpos en formas pesadas y groseras, sin
embargo, es bello técnicamente por el dominio absoluto del dibujo.

Podemos apreciar la tristeza en el expresionismo al observar Dos Damas en la Calle de

Kirchner, un expresionista alemán. Este cuadro fue pintado en 1922 en Alemania a sólo
cuatro años de la derrota de Alemania en la Primera Guerra Mundial. El terrible período
de trauma y de dislocación era constante de algunas de las peores deformaciones
sociales en la historia de nuestra civilización; Kircher expresó lo anterior mediante el
empleo de tonalidades irreales, desde el verde oliva de la piel hasta los encendidos rojos,
azules y amarillos del fondo.

Lám. 30 Dos Damas en la Calle Kirchner Museo de

Arte Moderno, Nueva York

La pintura infantil es considerada expresionista ya que da la libertad a los niños de ser

inhábiles para aplicar reglas y teorías al pintar, les permite dar una respuesta natural a
los valores psicológicos de los colores, las líneas y las formas.

Convencionalismo Expresivo

El expresionismo en muchas pinturas comienza a tener mayor significación,

refinamiento y simbolismo, hasta llegar a la expresión emocional. El espacio ultraterreno
a base de formas confusas y luces mágicas son un elemento expresionista que se puede
apreciar en el cuadro Cristo en la Cruz de Rubens.

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Rubens tenía todos los conocimientos para crear efectos de luz y sombra, diversas
maneras para realizar la ilusión de profundidad y de construir formas que parecieran
sólidas y rotundas. Cristo en la Cruz, obra maestra de Rubens, es tan real que hace sentir
que estamos ahí y expresa un naturalismo extremo, constituye una interpretación fiel
del modelo lo que hace que no se considere una obra expresionista. Entre las
características que impiden considerar a Cristo en la Cruz como una obra expresionista
está el marcado naturalismo de la escena.

En el cuadro Cristo en la Cruz con Paisaje, el Greco logra que la figura parezca estar
mágicamente suspendida como si fuese ingrávida, todo es irreal o semirreal, que
expresa un acontecimiento divino.

Lám. 34 Cristo en la Cruz con Paisaje El Greco Lám. 33 Cristo en la Cruz Rubens Museo Real de
Museo de Arte de Cleveland Bellas Artes, Amberes

Abstracción

La pintura abstracta es probablemente la más complicada del arte moderno, porque

frecuentemente se es incapaz de identificar las líneas, los ángulos, las formas y los
colores.

Una de las razones que motivan al artista a pintar formas abstractas es que estas se
manejan libremente.

Una pintura abstracta tiene significación en términos de línea, forma y relaciones

espaciales.

Recordemos el cuadro La Madre de Whistler para mostrar que el atractivo de tal cuadro
proviene mucho más de elementos abstractos, aún cuando el observador no tenga idea

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de lo que son tales elementos abstractos. Whistler insistió en los elementos abstractos
de forma y color de su cuadro, tanto que lo denominó Arreglo en Gris y Negro.

En el Retrato de la esposa de Renoir también son subrayados los elementos abstractos,

las formas naturales son reducidas a simples equivalencias geométricas, en términos de
cilindros y óvalos.

En El Edificio Singer de John Marin se encuentra que los elementos abstractos

predominan sobre los elementos realistas. En la mitad inferior del cuadro, Marin, en
efecto, expresó el ruido, el movimiento, la excitación de la ciudad, por medio de ángulos
que se intersectan y por líneas y colores que sólo a medias se parecen a los objetos
reales implicados. El artista parece decir que si un tema puede ser expresado por medio
de ángulos, líneas, formas, colores, arreglo y otros elementos abstractos, no tiene por
qué depender ya más de realidades aún semifotográficas.

Una de las razones por la que algunos artistas no pintan figuras realistas, es que el uso
de formas puras produce un mayor placer estético.

Lám. 29 El Edificio que Canta Marin Museo de

Arte de Filadelfia
Compararemos dos cuadros, cuyo tema
común es “un artista trabajando en su estudio”: El Artista en su Estudio, del maestro
del siglo XVII, Vermeer y El Estudio, del líder del arte moderno, Pablo Picasso.

Lo que se mira en El Artista en su Estudio de Vermeer es una configuración cúbica del

estudio de un artista, donde la interrelación de los objetos es perfecta; es una obra
realista, en la que las figuras no deben ser observadas como siluetas planas si no como
volúmenes sólidos en un espacio tridimensional, donde la forma de los espacios vacíos
entre los objetos es igualmente interesante.

El cuadro El Estudio de Picasso tiene un paralelo estrecho con el de Vermeer, pero

Picasso decide trabajar el arte abstracto y enigmático, a través del manejo libre de las
formas. En su obra El Estudio se puede apreciar la búsqueda de la pureza, de forma,
color y composición.

13
 Lám. 37 El Artista en su Estudio Vermeer Museo Lám. 38 El Estudio Picasso Museo de Arte Moderno,
de Historia del Arte, Viena Nueva York

Todos los artistas pueden clasificarse en dos grupos: los que vuelven intelectual su tema
y los que lo conmueven, un ejemplo de este grupo es la pintura Líneas Negras de
Kandisky. La abstracción emocional o pintura emocional no objetiva se manifiesta en
Líneas Negras de Kandisnsky, pintor ruso que trabajó con los expresionistas alemanes.
El expresionismo alemán se caracterizó por las libres distorsiones de forma y por el
arbitrario uso del color.

El realismo, el expresionismo y la abstracción se fusionan en diferentes proporciones en

todos los cuadros, el mundo que rodea las emociones y el intelecto puro son partes de
la misma entidad, que integran el mundo de la pintura. Una característica que distingue
al expresionismo intelectual del expresionismo abstracto es que en este último el pintor
tiende principalmente a evitar el cálculo.

Pero ¿por qué cada quien no puede sencillamente sentarse con unos botes de pintura e
improvisar una obra abstracta como Líneas Negras? Cualquiera puede hacerlo con un
cuadro de Kandinsky en frente para copiarlo; pero, quien intentara hacerlo, estaría en
el caso de una persona que se dispusiera a preparar una comida complicada sin haber
cocinado nunca un huevo revuelto. Podemos proporcionarle las rectas y todos los
ingredientes, hasta los mínimos detalles; pero la comida quedará incomible. Las
“recetas” de Kandinsky consisten en una acumulación de conocimiento y experiencia,
como la que posee todo buen pintor, ya sea moderno, conservador, abstracto o lo que
fuese. Por su espontaneidad, Líneas Negras es una aplicación de este conocimiento y
experiencia. La pintura es una improvisación, pero improvisa a partir de recursos que se
han vuelto una segunda naturaleza para el pintor.

14
 Lám. 44 Líneas Negras Kandisnsky Museo
Salomón R. Guggenheim, Nueva York

La Orana María, pintada por Gauguin, un bohemio parisiense, es un cuadro que no

encaja en ninguno de los grupos definidos anteriormente: no es realista, pero posee
elementos realistas; no es expresionista, pero usa la distorsión para comunicar su
calidad emotiva, que es un principio expresionista; no es abstracto, salvo que cualquier
composición, estudiada atentamente, posee un interés abstracto.

Lám. 48 Ia Orana María Gauguin Museo

Metropolitano de Arte, Nueva York

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La Composición

La composición de una pintura es el “arreglo” de cómo utilizar los elementos del color,
la línea y la forma. La composición es muy importante en el proceso creativo, al
observador ordinario es lo que menos le interesa, a pesar de ser el factor principal de su
reacción frente al cuadro.

La composición puede clasificarse en dos amplios órdenes:

o Las composiciones bidimensionales (de dos dimensiones)
o Las composiciones tridimensionales (de tres dimensiones)

En las composiciones bidimensionales se estrecha el arreglo de líneas y de formas planas

sobre la superficie pictórica. Las composiciones tridimensionales eliminan el lienzo,
como si el cuadro se ahondará en el espacio, implica un arreglo de espacio y volumen.

Algunos muralistas incorporaron en su tema la representación de arcos y columnas

como si más allá de ellos se abriera la distancia. En las pinturas de dos dimensiones el
artista reduce sus medios de expresión a la línea, la forma plana y el color.

Esther Tuttle de Joseph H. Davis es una pintura primitiva por ser el artista autodidácta
e instintivamente creativo, no trabaja con base en teorías, conocimientos y experiencias
técnicas. En Esther Tuttle, composición bidimensional, no se sabe si el efecto de las
manos y los pies extremadamente pequeños se debe a las limitaciones técnicas o para
expresar el refinamiento y delicadeza de una gran dama.

Lám. 50 Retrato de Esther Tuttle Joseph H.

Davis Sociedad Histórica de Nueva York

Matisse figura prominente de la primera mitad del siglo XX define la composición como
un arreglo “en una manera decorativa”. Su obra destaca más como decoración que
como expresión. Para él, la finalidad de la composición es expresión, el modo de sentir
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la vida es de jovialidad y elegancia, cualidades no ciertamente profundas, pero sí muy
significativas, tal como están representadas en su Dama Vestida de Azul.

La Dama Vestida de Azul empezó siendo un cuadro aparentemente realista. Matisse en

su método lo conformó con gracia y encanto, dibujó las líneas esenciales, para hacer una
síntesis de lo que este cuerpo significaba y lograr el equilibrio de las líneas curvas. Si la
Dama Vestida de Azul a veces no logra conmover, es porque tal vez se persiste en buscar
tras sus líneas, forma y color, un cuadro realista, cuando éstos elementos son
eminentemente abstractos. Matisse alguna vez expresó: “Sueño en un arte de
equilibrio, de pureza y de serenidad, libre de penas y de estados depresivos”, lográndolo
en La Dama Vestida de Azul.

Los pintores de Esther Tuttle y La Dama Vestida de Azul, partiendo de extremos tan
opuestos como la inocencia y el refinamiento, trabajaron en forma esencialmente
paralela. En ambas pinturas, la modelo, el vestido y los accesorios únicamente
constituyen la materia prima. El modo de pintar planiforme, ornamental y expresivo, se
manifiesta en cada uno de estos cuadros de manera propia y distinta.

Semejanzas importantes de estas pinturas son: Davis en Esther Tuttle trabajó

necesariamente en dos dimensiones y Matisse en La Dama Vestida de Azul desecha con
toda intención la perspectiva para lograr una composición estática y planiforme.

Lám. 51 La Dama Vestida de Azul Matisse Sra. John

Wintersteen Filadelfia

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La pintura oriental, ajena siempre a nuestra preocupación occidental por la realidad
fotográfica, pudo alcanzar desde una etapa muy antigua ese balance entre el tema y la
abstracción que no han logrado nuestras corrientes de arte, ni el realismo, primero, ni
después el estilo abstracto. Apegándose a una tradición de muchos siglos, los artistas
japoneses y chinos perfeccionaron el valor expresivo de una composición bidimensional
(aplastamiento de las formas) donde el tema y la abstracción se vivifican mutuamente
sin contradicciones. Ejemplos de lo anterior son las estampas japonesas La Danzante
con Abanico y Vara de Kiyonobu I así como el Actor Danzante de Kiyotada, pintores
japoneses.

Lám. 53 La Danzante con Abanico y Vara Kiyonobu I Lám. 54 Actor Danzante Kiyotada Museo
Museo Metropolitano de Arte, Nueva York Metropolitano de Arte, Nueva York

Línea y Expresión

El retrato de Cristina de Dinamarca de Holbein, es una pintura bidimensional, con un

grado mayor de realismo, muy elaborado en cuanto a su composición, aprovechada
como un medio para expresar la personalidad de un ser individual.

Cristina de Dinamarca es una composición de tres áreas luminosas que rompen la

oscuridad del fondo: la del trozo rectangular del papel prendido al muro, la del óvalo del
rostro y la del esplendor de los puños, expandido en las manos y en el guante. La
sensación ante Cristina de Dinamarca, es la de hallarse frente a una persona real, de
carácter reservado y aguda inteligencia, atractiva mujer, pero inaccesible.

Holbein pinta a Cristina de Dinamarca en 1538, por envío de Enrique VIII, para poder
conocerla y ocupar el sitio que dejaba vacante su tercera esposa, pero ella, por la
reputación del viudo palaciego, no se dejó cautivar. La figura de Cristina, fascina desde
el centro del cuadro, sin embargo, se encuentra ligeramente desplazada hacia la
izquierda y su eje desplazado hacia la izquierda del centro, por eso se queda el
observador atrapado.
18
 Lám. 55 Cristina de Dinamarca Holbein el Joven
Galería Nacional, Londres

La composición en todas las artes, particularmente en la pintura siempre es asunto de

creatividad y las reglas son únicamente una guía.

En el arte del pintor renacentista Botticelli cada función de la línea se integra a las demás
funciones. La línea es lo que identifica a este pintor. La Primavera de Botticelli es una
sucesión inagotable de invenciones lineales. El tema es una alegoría que ha tenido
diferentes interpretaciones. En La Primavera la línea es expresiva y apropiada, se integra
a la idea que se comunica: una fiesta lírica de gracia, refinamiento y sensibilidad por la
belleza. Es en virtud de esta fuerza que las líneas de Botticelli viven.

Lám. 58 La Primavera Botticelli Galería de los

Oficios, Florencia

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Otra forma de arte es el cartel o “poster” como se dice ahora, que alude a anuncios en
las revistas o propaganda, en el que se implica un conjunto de líneas, colores y formas,
cuya finalidad es transmitir algo a primera vista. Algunos grabados japoneses ejercieron
una influencia directa en los carteles.

Toulouse-Lautrec pintor francés en Aristide Bruant en su Cabaret captó la personalidad

de un popular cantante, reduce el modelo a un mínimo de formas, aprovecha las áreas
vigorosas del color plano, destacándolas con unas cuantas líneas. El Cartel Aristide
Bruant en su Cabaret es realmente una obra de arte por la gran habilidad de su autor al
combinar la línea y la forma.

Lám. 60 Aristide Bruant en su Cabaret Touluse Lautrec

Museo Metropolitano de Arte, Nueva York

Estructura en la Composición

La composición en dos dimensiones o bidimensional es el arreglo de líneas y formas

planas.

La composición en tres dimensiones o tridimensional es el arreglo del espacio y del

volumen, mediante el uso de la perspectiva y otros recursos afines.

Uno de los propósitos fundamentales del artista al realizar una composición pictórica
tridimensional es representar la solidez de los objetos. Con respecto a la composición
de tres dimensiones existen dos concepciones fundamentales: la del espacio cerrado y
la del espacio abierto o bien espacio clásico y espacio romántico.

La Ultima Cena de Leonardo Da Vinci es una obra religiosa por asociación de ideas,
Leonardo tuvo solamente la intención de captar el momento en que Cristo dice a sus
discípulos: “Alguno de ustedes me traicionará”, un drama humano sin paralelo en la
historia.

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La Última Cena se constituye en una acción recíproca de tres estados de mente y
espíritu:
o El de Cristo quien anuncia con su clarividencia que han iniciado los
acontecimientos que lo llevarán a la crucifixión.
o El de los fieles discípulos que se llenan de confusión.
o El de Judas quien ha concertado la traición

La expresión de la atmósfera total de este momento en que los tres estados psicológicos
se contrastan dentro de un todo unificado, se logra a través de la composición.

La Última Cena fue pintada a todo lo ancho de la parte superior de la pared, las líneas
de la perspectiva dentro de la pintura confluyen en un solo punto, son una continuación
de la arquitectura real del mismo salón en que se encuentra el cuadro. Estas líneas se
unen a través del arco formado por el perfil superior de la ventana con frontón que se
ve por encima de la cabeza de Cristo. Este arco es la única línea curva, es un segmento
de un círculo invisible, cuyo centro es el mismo punto donde convergen las líneas de la
perspectiva.

En la Última Cena la figura de Cristo, tal como aparece ante la mesa, presenta una forma
triangular integrada a las líneas de la arquitectura. No podría haber una forma más
apropiada: el triángulo es la más simple, la más estable y, con cúspide, la más culminante
de las formas geométricas; sus líneas pueden ser prolongadas en las líneas de la
perspectiva del piso para formar un triángulo más grande con las mismas proporciones.

La figura de Cristo unificada con las formas estáticas de la arquitectura, se halla investida
con la divina calma que contrasta con la agitación humana de los discípulos, formados
de tres en tres, en cuatro grupos, que repiten la figura del triángulo más débilmente
hasta llegar al clímax en la figura de Cristo.

En el análisis de La Última Cena se puede agregar que la cabeza de Cristo contra la luz
de la ventana constituye el contraste más fuerte de luz y sombra en el cuadro. Su
inclinación, descentrándose ligeramente a la derecha, se debe a dos razones: la actitud
expresiva y la compensación simétrica necesaria. Gracias a la inclinación de la cabeza de
Cristo se evita la rigidez y se rompe la monotonía.

Lám. 61 La Última Cena Leonardo da Vinci Refectorio de

Santa María de las Gracias, Milán

21
 Formas de Composición

En contraste con La Última Cena, el cuadro de La Transfiguración, de Rafael, pintor

italiano es una de las composiciones más confusas en el mundo del arte. En La
Transfiguración, es imposible decir exactamente cuál de todas las conmovidas y
gesticulantes figuras que se agrupan en la parte inferior del cuadro es la que invita a
mirar, los ojos del observador son llamados a moverse en múltiples direcciones. La única
figura que se mantiene con propiedad dentro de toda esta confusión es la de la mujer
arrodillada que domina el primer término y la que predomina en la totalidad del cuadro.
En La Transfiguración, la importancia debería ser para el muchacho epiléptico que está
a la derecha, su cura milagrosa realizada por Jesús maravilla a los espectadores. La
Transfiguración de Rafael falla en virtud de que le falta unidad y concentración, lo único
que logra es confundir al observador y oscurecer el significado narrativo.

No es válido comparar esta composición con la de La Última Cena dado que el tema de
Leonardo es más sereno e implica sólo trece figuras en vez de veintisiete. Sin embargo,
La Transfiguración puede ser comparada, aún desventajosamente, con un tema todavía
más complicado y violento y que implica aún más figuras como es el cuadro El Rapto de
las Sabinas.

Lám. 61 La Transfiguración Rafael El Vaticano, Lám. 63 El Rapto de las Sabinas Poussin Museo
Roma Metropolitano de Arte, Fondo Dick, Nueva York

El Rapto de las Sabinas, de Nicolás Poussin está construida sobre un triple sistema:

 Primero el vigoroso movimiento diagonal hacia arriba, de derecha a izquierda,

expresado por el guerrero desnudo.

22
  En segundo lugar, este agitado movimiento encuentra su balanceo con otro en
dirección opuesta, como los pliegues hacia arriba del vestido rojo.
 El tercero es una repetición estabilizadora de horizontales y verticales que son
más notables en las líneas de arquitectura.

En el Renacimiento los retablos eran el principal medio de expresión de los pintores, y

la composición triangular llegó a ser una fórmula. La Crucifixión con Santos, de Perugino
es un caso de aplicación pura de la fórmula triangular. La fórmula para la composición
triangular tan repetida en Crucifixiones, Natividades, así como Vírgenes con Santos,
requiere de un triángulo central con el punto focal de la pintura en su cúspide y de un
triángulo invertido secundario más débil que se le opone.

La pintura de retablo es, entre todos los géneros artísticos, el que pierde su valor
estético cuando se le traslada de su sitio original a los museos. No fue creado para ser
un elemento de una colección de objetos históricos.

Parecería impropio que La Crucifixión con Santos de Perugino pudiera servir para
comprender una obra tan violenta y complicada como el Guernica de Picasso, sin
embargo, los cuadros presentan una similitud:

El retablo de Perugino es un tríptico, hecho con tres paneles laterales. La pintura

de Picasso, no está dividida en paneles, pero está compuesta a manera de un
esquema central con dos alas.

Cualquier similitud entre ambos cuadros se agota en su estructura compositiva:

Perugino es sereno y convencional, Picasso es violento y original.

El cuadro de Guernica es una violenta acusación. Durante la guerra civil española, los
bombardeos germanos destruyeron la ciudad de Guernica en la práctica de un
experimento masivo preliminar a la segunda guerra mundial. Representa los estragos
de la muerte, la destrucción y el aniquilamiento de seres humanos y animales mutilados.
Guernica de Picasso permanecerá como una obra maestra de nuestro siglo.

Tanto La Crucifixión como Guernica tienen como tema un crimen social, la diferencia es
que en La Crucifixión el crimen social resuelve la divina salvación del hombre. Y Guernica
es una muestra desconcertante, pintado con tanta fealdad que se considera la pesadilla
del crimen mismo.

Lám. 64 La Crucifixión con Santos Perugino Galería Figura 6 Guernica Picasso

Nacional de Arte, Washington Colección Mellon

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 La Dimensión

Se reconoce de inmediato la fórmula de la composición triangular en El Martirio de San

Sebastián, de Pollaiuolo. Los arcos y las flechas de los ejecutores definen el esquema
como líneas direccionales. Las flechas de los dos hombres que se hallan de pie en el
primer plano señalan hacia la cúspide del triángulo, y sus arcos en ángulos rectos con las
flechas forman parte del esquema establecido.

En El Martirio de San Sebastián se tiene una variación importante de la fórmula, es decir,

requiere ser vista con profundidad en tres dimensiones para una mayor efectividad. Los
ejecutores forman un anillo alrededor de la estaca, de este modo en vez de una
composición triangular plana, está una figura cónica o composición piramidal. Pollaiuolo
dirige hacia esta profundidad mediante una serie de transiciones entre los planos:
primero, medio y último.

Los pintores pusieron gran interés en el espacio de tres dimensiones, a pesar de tener
grandes posibilidades en dos dimensiones. Se puede argumentar que un pintor al
trabajar sobre una superficie de dos dimensiones respetándola como tal, deja el diseño
de tres dimensiones a los escultores, los arquitectos, los escenógrafos y demás artistas
cuyos medios implican la tercera dimensión. Los japoneses y chinos, con sus tradiciones
pictóricas altamente cultivadas jamás sintieron la necesidad de crear ilusión de espacio.
Se conformaron con expresar cadenas de montañas con unas cuantas tintas lavadas.

Los artistas de acuerdo con su época no se conformaron con los símbolos pictóricos,
buscaron pintar el mundo con imágenes aproximadas a lo real en un sentido tangible.
Para pintar estas imágenes estudiaron anatomía, inventaron la perspectiva y exploraron
las del movimiento, la luz y el color. El problema de la composición dejó de ser el arreglar
formas planas sobre una superficie plana y paso a ser el arreglar las relaciones de espacio
entre los objetos dentro de la profundidad.

Lám. 65 El Martirio de San Sebastián Pollaiuolo

Galería Nacional, Londres

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La Virgen y el Niño con Ángeles y Santos adorada por Federigo de Montefeltro, de
Piero della Francesca, larguísimo título, fue sustituido por El Retablo de Brera, nombre
tomado de la gran galería de Milán donde actualmente está la pintura. Lo compacto de
la escena es una de las características fundamentales del espacio cerrado que se observa
en la composición del retablo.

El Retablo de Brera es tan importante que nos acercaremos a él a través de una pintura
más temprana, La Virgen de la Misericordia, donde el artista logra de modo magnífico
la composición espacial. La Virgen de la Misericordia presenta la figura de María
geometrizada en una forma que se aproxima a una columna acanalada, que remata en
una cabeza y un cuello de carácter aún más geométrico. Extiende sus brazos para
amparar bajo la capa a las figuras que se agrupan a sus pies.

Piero Della Francesca fue un pintor italiano considerado pionero de la composición

tridimensional. En El Retablo de Brera, Piero intensificó los aciertos y corrigió las fallas
que cometió en La Virgen de la Misericordia. El Retablo de Brera es por completo
tridimensional por su concepción.

Lám. 68 Virgen de la Misericordia Piero della Lám. 67 La Virgen y el Niño con Ángeles y Santos
Francesca Palacio Comunal, Borgo Santo Sepolcro Piero della Francesca Galería Brera, Milán

Escritura Arquitectural

El Retablo de Brera utiliza arquitectura pintada para crear y comprender los valores
arquitectónicos, lo contrario en Los Jugadores de Cartas, de Cézanne en el que no se
utiliza la arquitectura pintada. Cézanne realizó diversas versiones de este tema, variando
el número de figuras, pero dándoles siempre la misma calidad de solidez que presentan
en este cuadro. La idea de Cézanne era que el orden de la significación de la vida podía
ser mejor expresado mediante formas geométricas de gran solidez.

25
Las formas en las pinturas de Cézanne a veces son seres humanos, a veces montañas, a
veces simples frutos, vasos o recipientes dispuestos sobre una mesa. La importancia que
tiene Cézanne como padre del arte abstracto moderno es que casi nunca ha puesto
atención en los asuntos que le sirven de tema. Sus Jugadores de Cartas no le interesaron
como miembros de cierta clase social con determinados problemas; lo importante es
que estos hombres son llanos, gente mundana. Los Jugadores de Cartas no es un cuadro
que represente a cuatro hombres honestos de un nivel sin pretensiones. Es una
estructura de formas sólidas con volúmenes espaciales. Erróneo es decir que el tema no
tenga ninguna importancia como dicen muchos pintores contemporáneos. Cézanne es
uno de los más grandes pintores en la historia debido a que en sus cuadros ha logrado
fundir perfectamente los valores abstractos y los realistas. El cuadro Los Jugadores de
Cartas fue terminado en 1892. Hoy en día, aún para quienes no les gusta el arte
moderno, resulta difícil comprender el que Cézanne fue atacado injustamente como
pintor incompetente y degenerado.

Lám. 69 Los Jugadores de Cartas Cézanne Colección

Stephen C. Clark, Nueva York

Theodore Géricault, pintor francés optó por la pasión romántica expresada en sus
imágenes realistas; su obra más representativa es La Balsa de la Medusa, donde
aparecen algunas figuras naturalistas, unas del estilo de Miguel Ángel y otras del estilo
de los clasicistas.

La Balsa de la Medusa es una pintura de composición dinámica, que implica a la vez una
estructura y una expresión de movilidad violenta, donde los sobrevivientes de un
naufragio en medio de un mar tormentoso, se aglomeran sobre la balsa, al lado de los
que agonizan y de los que han muerto.

La Balsa de la Medusa es una composición construida por medio de un triángulo en cuya

cúspide una figura representa el clímax del cuadro. La diferencia es que el triángulo está
empujado fuera del centro de modo que se carga hacia el lado derecho. Géricault
restablece el equilibrio de este cuadro, al crear un segundo triángulo, que se inclina en
la dirección diagonal opuesta. El mástil de la balsa y las dos sogas que lo soportan
determinan este triángulo opuesto.

26
El resultado de la composición de La Balsa de la Medusa llegó a ser caballo de batalla a
favor del famoso movimiento romántico, que hizo hincapié en el emocionalismo e
invención individual en lugar del intelectualismo.

En espacio romántico o abierto está pintada La Balsa de la Medusa, porque se mueve

frente a un horizonte lejano y las figuras no se suman al espacio, están arregladas como
un monumento contra un distante horizonte.

Lám. 71 La Balsa de la Medusa Géricault Museo de

Louvre, París

Composición

La composición puede ser diseño o estructura, pero en ambos casos, y siempre, es

también expresión. De hecho, es expresión primordialmente, ya que la organización en
un cuadro determina su efecto.

 Las tres primeras reproducciones a color fueron:

o La Compañía de Tiradores del Capitán Frans Banning Cocq y el
Lugarteniente Ruytenburgh llamado La Ronda de Noche de Rembrandt.
o La Familia Peale de Charles Willson Peale y
o La Familia Bellelli de Degas

Las anteriores obras fueron pintadas respectivamente: por un holandés del siglo XVII,
un americano del siglo XVIII y un francés del siglo XIX. Los tres cuadros son retratos de
grupo, considerado un problema reto que exige siempre al pintor una solución. En un
retrato de grupo todos los miembros tienen igual importancia, el problema es
integrarlos en una composición que sea interesante en sí misma y no en mera alineación
de figuras como fotografía de graduados.

Detallaremos la Obra de Willson Peale:

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 Peale pintor norteamericano comenzó a trabajar en su retrato de grupo
alrededor de 1773. Nueve de las personas en el cuadro son miembros de su
familia por nacimiento o por matrimonio.
 La décima persona en La Familia Peale es una matriarcal nodriza que está de pie
en el fondo, las manos cruzadas con toda la majestad de un gran monumento
natural.
 Como añadidura Peale incluye tres bustos de familiares sobre la repisa de la
derecha y agrega el retrato de la cabeza del perro Argus.
 Al terminar Peale su cuadro escribió a la derecha del centro la siguiente
inscripción: “C.W. Peale pintó estos Retratos de su familia en 1773, queriendo
terminar cada obra que había emprendido, completó este cuadro en 1809”.
 En La Familia Peale se muestra que las diez personas están felizmente unidas
como grupo, gratamente dispuestas y comparten la luz sin competir por ella.
 En cuanto a la composición, los individuos están divididos en dos grupos, seis
figuras reunidas en el lado izquierdo y tres en el derecho, o cuatro, si se incluye
a la nodriza. Esta se halla en una agradable y privilegiada relación con la familia,
expresiva de su posición en la casa, estrechamente ligada a las otras figuras y, sin
embargo, un poco retirada como lo están en tonos más apagados y en la única
actitud que no colinda físicamente con el resto por el contacto de una mano o
de un hombro.
 Si todas las figuras se hubiesen aglomerado, se habrían visto amontonadas y
monótonas. De ahí, la división en dos grupos. Esta es, sin embargo, una familia,
una familia armoniosamente unida y, así es forzoso que nos demos cuenta de la
unidad de los dos grupos. Y nos damos cuenta: las dos mitades están unidas por
una leve superposición y por la fruta esparcida a lo largo de la mesa, un detalle
trivial pero muy importante para la unión de las dos mitades.

Lám. 74 La Familia Peale Charles Willson Peale

Sociedad Histórica de Nueva York

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 Elementos Ajenos

De todas las pinturas analizadas muy pocas han sido “cuadros narrativos de historias”,
debido a que debe haber un compromiso entre el arte pictórico y el arte verbal o
narración.

Se puede decir que el Prometeo Encadenado, de Rubens que pinta una pintura clásica,
El Rapto de Rebeca, de Delacroix y las distintas crucifixiones que cuentan esa
extraordinaria historia, son pinturas narrativas. Esto es ciertamente verdad, pero es
también verdad, y mucho más importante, que estas pinturas son, ante todo, cuadros
de ideas. No se necesita regresar a su forma narrativa original para conferirles
significación, ya que el recurso narrativo más eficaz del pintor es la composición.

Lám. 18 Prometeo encadenado Peter Lám. 72 El Rapto de Rebeca Eugene

Paul Rubens Museo de Arte de Filadelfia Delacroix Museo Metropolitano de Arte

San Antonio Tentado por el Demonio en forma de Mujer, de Sassetta, artista italiano
sienés, que data de hace quinientos años, es un fragmento económico y expresivo de un
relato. Sassetta en su obra revela una atmósfera dramática y psicológica a través de los
medios abstractos del color, la línea y el arreglo. En este pequeño cuadro lo relevante
no es lo que Sassetta dice, sino como lo dice. Y así Sassetta dice que una tarde, cuando
el santo que vive en el desierto dedicado a una vida de contemplación vuelve a su celda,
descubre, esperando cerca de su puerta, a una mujer deliciosamente hermosa que lo
tienta con los placeres de la carne. El modo como lo dice es este: el santo caminando
hacia la puerta de su refugio acaba de descubrir a la mujer; en una actitud
maravillosamente expresiva, titubea medio volviéndose hacia ella, levantada su mano
en un gesto de sorpresa, que puede tornarse en el momento siguiente en un gesto de
asentamiento o de rechazo; el santo está directamente en el centro del cuadro, con la
celda y la mujer a cada uno de sus lados como pesas iguales en una balanza de la que él
es el fiel.

29
La escena de este cuadro tiene carácter de aparición, creado por el fondo. Es una tierra
desértica del “nunca-jamás”, con su sendero salpicado de piedras, para mortificar la
carne de los pies desnudos del santo.

Lám. 78 San Antonio tentado por el demonio en forma de mujer

Sassetta Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven

La Caída de Ícaro del pintor flamenco del siglo XVI Pieter Bruegel (Brueghel), se refiere
a la leyenda griega según la cual el joven Ícaro halló su muerte en el mar cuando volaba
demasiado cerca del Sol, con un par de alas inventadas por su padre Dédalo. Las alas
estaban hechas de plumas y cera; el calor del Sol derritió la cera de las alas de Ícaro y
éstas se desprendieron. Dédalo en una altura más cautelosa entre el mar y el Sol no se
desplomó. Uno de los significados de tiene que ver con la vanidad de la arrogancia y la
ambición. Bruegel encuentra el significado en otra dirección: La Caída de Ícaro, tiene que
ver con la insignificancia de la tragedia personal en el inmenso esquema de cosas; la
muerte de Ícaro y la angustia de su padre no significan nada en los términos de un
esquema más amplio.

Se tiene aquí un tema que proviene de la literatura transformado en pintura. En esta

interpretación, Bruegel usó la leyenda de Ícaro para comentar la indiferencia humana
ante el sufrimiento de los demás, la soledad del individuo.

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 Lám. 79 La Caída de Icaro Pieter Bruegel El Viejo
Museo de Bellas Artes, Buselas

En La Parábola de los Ciegos Bruegel está en su madurez humana y artística. El cuadro

representa a los ciegos que avanzan en fila por la pendiente de un terreno que termina
en una zanja, el que guía ha caído en ella, el último de la fila no sospecha nada, seguirá
avanzando hasta que encuentre la catástrofe que los otros ciegos, en graduales etapas,
empiezan a sospechar. La Parábola de los Ciegos culmina en una frenética y desvalida
confusión, tal como los hombres son finalmente alcanzados por el desastre que no
pudieron prevenir al poner su confianza en otro no mejor dotado que ellos mismos para
evitarlo, por su apatía ante la vida.

Lám. 81 La Parábola de los Ciegos Pieter

Bruegel El Viejo Museo del Louvre, París

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En Proverbios Flamencos, Bruegel tiene un vehículo ya hecho, puesto que los
proverbios brotan directamente de la vida del pueblo, pero son expresados en términos
de fantasía. El hombre medio encerrado en un globo de cristal ilustra el “Debo
agacharme si quiero ir a través del mundo” y el hombre que echa rosas a los cerdos no
nos es extraño si substituimos con perlas o margaritas las rosas. Proverbios Flamencos
está concebido como una especie de humorada, aunque a la luz de las subsecuentes
realizaciones de Bruegel, a los críticos les gusta creer que el artista pretendió al pintarlo
un compendio de la locura humana.

Lám. 80 Proverbios Flamencos Pieter Bruegel El

Viejo Museo Kaiser-Friedrich, Berlin

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