Leonardo da Vinci

Considerado el paradigma del homo universalis, del sabio renacentista versado en todos los
ámbitos del conocimiento humano, Leonardo da Vinci (1452-1519) incursionó en campos tan
variados como la aerodinámica, la hidráulica, la anatomía, la botánica, la pintura, la escultura y
la arquitectura, entre otros. Sus investigaciones científicas fueron, en gran medida, olvidadas y
minusvaloradas por sus contemporáneos; su producción pictórica, en cambio, fue de
inmediato reconocida como la de un maestro capaz de materializar el ideal de belleza en obras
de turbadora sugestión y delicada poesía.
En el plano artístico, Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los
grandes maestros del Cinquecento, y, pese a la parquedad de su obra, la historia de la pintura
lo cuenta entre sus mayores genios. Por los demás, es posible que de la poderosa fascinación
que suscitan sus obras maestras (con La Gioconda a la cabeza) proceda aquella otra fascinación
en torno a su figura que no ha cesado de crecer con los siglos, alimentada por los múltiples
enigmas que envuelven su biografía, algunos de ellos triviales, como la escritura de derecha a
izquierda, y otros ciertamente inquietantes, como aquellas visionarias invenciones cinco siglos
adelantadas a su tiempo.

La Mona Lisa, 1503

Si toca hablar de las obras de Leonardo Da Vinci por orden de importancia, sin duda debemos
hablar de la Gioconda en primer lugar. Esta famosa pintura es un retrato de la esposa de
Francesco de Gocondo. Esta es una de las pinturas más apreciadas del mundo entero, en gran
parte por las técnicas que se usaron.
Un gran ejemplo de las grandes técnicas que usó el pintor se ven en la sonrisa, la cual parece
aparecer y desaparecer, gracias al juego de sombras que la circunda. Además, el hecho de que
los paisajes se pierdan en el fondo del recuadro hacen que el observador pueda fijar su vista en
la modelo, sin perderse el paisaje.
La Última Cena, 1493

Esta pintura fue hecha sobre un mural, que por las técnicas novedosas que usó el artista en esta
ocasión, no se conserva con tanta calidad. Se trata de una representación de Cristo y sus 12
apóstoles en la última cena antes de morir. La escena más específica es cuando Jesús les revela
que uno de sus discípulos lo traicionaría, un momento bien representado por la gesticulación
entre ellos.
En la última cena de Leonardo Da Vinci se usa la arquitectura de fondo para remarcar ciertas
cualidades en Cristo. Por ejemplo, la ventana abierta le da más brillo a Jesús que al resto de los
presentes, así como una aureola que se dibuja con frontón en la parte superior. Aunque no se
encuentra en perfecta condiciones, se han realizado muchas réplicas de ellas.
Hombre Vitruvio, 1487

No se trata propiamente de una pintura, más bien es un dibujo de un estudio realizado por Da
Vinci. En este dibujo vemos la figura de dos hombres sobrepuestas, con los brazos y las piernas
abiertas, y están dentro de un cuadrado, que está justo en un círculo.
Este es visto como un estudio de las proporciones, y se considera una yuxtaposición entre la
ciencia y la anatomía. Es una muestra de la versatilidad de la que disfrutaba el artista, llegando
incluso a realizar estudios científicos. A pesar de las intenciones de Leonardo, este dibujo es
ampliamente conocido hoy en día.
Claude Monet
(Claude Oscar Monet; París, 1840 - Giverny, 1926) Pintor francés, figura clave del movimiento
impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Eugène Boudin en Le Havre,
y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo
de su pintura.
Después del servicio militar en Argelia, regresó a París, donde en el estudio de Gleyre conoció a
jóvenes artistas como Renoir, Sisley y Bazille, y en el popular café Guerbois contactó con un
grupo de intelectuales, literatos y pintores como Émile Zola, Nadar, Cézanne y Degas, que junto
con Manet comenzaban a oponerse al arte establecido.
La pintura rápida como las pochades o études era, en aquella época, del agrado de la sociedad
siempre que ésta se circunscribiera al tema del paisaje en pequeño formato. La temprana obra
de Monet, La costa de Sainte-Adresse (1864, Institute of Arts, Minneapolis), recuerda a su
iniciador, Boudin, pero adquiere mayor alcance al aplicar la pintura directa a temas y formatos
de mayor complejidad y tamaño.

"Impresión, sol naciente"

Autor: Claude Monet

Estilo: Impresionismo
Género: Marina
Título original: Impression, soleil levant
Título (inglés): Impression Sunrise
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Tela
Año: 1872
Se encuentra en: Museo Marmottan Monet, París
La obra muestra la salida del sol en un paisaje marino brumoso.
Se trata del primer cuadro impresionista, el que dio nombre al estilo.
"Campo de amapolas"
Autor: Claude Monet
Estilo: Impresionismo
Género: Paisajes
Título original: Coquelicots
Título (inglés): Poppies
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1873
Medidas (original): 65 x 50 cm.
Se encuentra en: Museo de Orsay, París
Realizó el cuadro observando los campos de flores silvestres a las afueras de la ciudad que da
título a la obra, este cuadro revela la pasión de Monet por el color. Con pintas de rojo dispersa
las flores en una profusión natural a través de los exuberantes campos verdes.
La composición es de estilo impresionista, muestra un paisaje en el cual se esbozan en primer
plano las figuras de Camille y Jean (esposa e hija del pintor, respectivamente) con trazos de
violeta, negro y amarillo. Siluetas similares vuelven a aparecer a lo lejos en las cima de unas
colinas más como una sugerencia de color que como unas figuras bien delineadas.
"Jardín de Giverny"
Autor: Claude Monet
Estilo: Impresionismo
Tema: Naturaleza
Título original: Le jardin de l'artiste à Giverny
Título (inglés): The Artist's Garden at Giverny
Tipo: Cuadro
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Año: 1900
Se encuentra en: Museo de Orsay, París
Cuando las lilas florecieron, Monet las pintó con pinceladas cortas y gruesas de color
concentrado, en esta obra aparece el efecto flotante de una capa de flores, la cual se reparte
entre zonas soleadas y sombreadas.
Al artista no le gustaba el caracter formal del camino principal que conducía a la puerta de su
casa en Giverny, en lugar de los árboles que había en el paseo, Monet esparció toda clase de
flores en colores: rosa, fucsia, verde, amarillo, rojo y blanco.
Miguel Ángel
(Miguel Ángel Buonarroti, en italiano Michelangelo; Caprese, actual Italia, 1475 - Roma, 1564)
Escultor, pintor y arquitecto italiano. Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran
figura del Renacimiento italiano, un hombre cuya excepcional personalidad artística dominó el
panorama creativo del siglo XVI y cuya figura está en la base de la concepción del artista como
un ser excepcional, que rebasa ampliamente las convenciones ordinarias.
Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la
pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas
facetas artísticas; en este sentido superó a los otros dos grandes maestros del Cinquecento:
Rafael Sanzio, centrado casi exclusivamente en la pintura, y Leonardo da Vinci, tan polifacético
y excelso como él pero parco en realizaciones efectivas. Sus coetáneos vieron en las creaciones
de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de
su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el
entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este artista que les confieren su
grandeza y su personalidad inimitables.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma, ciudades en las que dejó sus obras
maestras. Aprendió pintura en el taller de Domenico Ghirlandaio y escultura en el jardín de los
Médici, que habían reunido una excepcional colección de estatuas antiguas. Dio sus primeros
pasos haciendo copias de frescos de Giotto o de Masaccio que le sirvieron para definir su
estilo.

La Crucifixión de San Pedro de Miguel Ángel en la Capilla Paulina

Enfrente de La conversión de San Pablo de la Capilla Paulina se encuentra La Crucifixión de San
Pedro. Desde 1545 hasta 1550 Michelangelo se ocupó de trasladar al fresco el martirio del
primer Papa de Roma, el apóstol San Pedro.
La Creación de Adán de Miguel Ángel Buonarroti es la escena más famosa del techo de la
Capilla Sixtina. Con sus dimensiones de 280 x 570 cm, se ha convertido en una de las obras de
arte universal más citada, homenajeada y parodiada.
Esta pintura al fresco forma parte del enorme conjunto pictórico de la Capilla Sixtina que se
ejecutó entre 1508 y 1512. El papa Julio II había encargado esta obra de arte para decorar este
espacio del Vaticano.

Entierro de Cristo o Santo Entierro

Otros de los cuadros que Miguel Ángel dejó sin acabar es el Santo Entierro, también ubicado
en la National Gallery de Londres.
Todavía hay muchas discusiones en torno a esta pieza, incluida la atribución al maestro
florentino. Es una obra que se fecha en torno a 1501.
El Santo Entierro de Miguel Ángel es una pintura mixta (óleo y temple) sobre tabla y representa
el pasaje evangélico en el que llevan a Jesucristo a su sepulcro, curiosamente sin la presencia
de la Virgen María.
Gustav Klimt
(Viena, 1862 - id., 1918) Pintor austriaco. Fue la figura más representativa del modernismo
pictórico (Jugendstil) en el mundo de habla alemana. Se formó en la escuela de artes aplicadas
de su ciudad natal y triunfó como autor de grandes pinturas decorativas en un estilo de corte
academicista, del que constituyen un buen exponente las pinturas de la escalera del Museo de
Historia del Arte de Viena.
En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la Asociación de Artistas
Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa Secesión Vienesa, de la que fue el primer
presidente y máximo exponente. Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena,
en las que se advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo que el
artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había concluido las destruyó un
incendio en 1945).
Como consecuencia de este episodio, ya no volvió a recibir encargos oficiales, pese a lo cual
realizó gran cantidad de telas, en primer lugar paisajes plasmados con una concepción muy
peculiar de la perspectiva y en los que predominan las tonalidades verdes, y después, sobre
todo, figuras femeninas, que constituyen lo más conocido y valorado de su producción.

"Retrato de Adele Bloch-Bauer I"

Según los expertos el Retrato de Adele Bloch-Bauer I, es el cuadro más representativo de toda
la carrera de Gustav Klimt. Pintado durante la llamada "época dorada", en la cual el artista
desarrolló toda clase de obras utilizando oro.
Esta pintura fue hecha en 3 años (terminada en 1907), lo que denota la gran dedicación y valor
que Klimt le ot
"Danae"
El cuadro Danae de Gustav Klimt es una de las obras más representativas de la colección de
desnudos femeninos del artista. En ella demuestra la maestría de su trazo al delinear formas
de mujer. Aunque el estilo de Klimt es único y rompe con algunas reglas clásicas de la
composición artística, en esta pintura demuestra que ha dominado las reglas antes de
romperlas, lo que a ojos de los especialistas le confiere la autoridad de maestro.

"Mada Primavesi"
Retrato de Mada Primavesi, amiga de Klimt, pintado en 1912. La despampanante belleza del
rostro femenino que exhibe este cuadro es uno de las pocas iniciativas del artista en retratar
la pureza e inocencia infantil. El resultado es esta obra maestra que rezuma el cariño que
Gustav Klimt tenía hacia la familia Primavesi.