1

TEMA 24: GRANDES PERIODOS DE LA HISTORIA DE LA

MÚSICA: DESDE LOS ORÍGENES HASTA EL BARROCO.

El tema que a continuación vamos a desarrollar lo hemos estructurado en los

siguientes apartados:

 Empezaremos con una introducción al tema.

 Después, una primera parte en la que haremos un recorrido por uno de los grandes
periodos de la historia de la música, abarcando la música desde el clasicismo
hasta el Siglo XX viendo sus características generales.

 A continuación le seguirá una segunda parte en donde propondremos unos criterios

para hacer una selección de fragmentos musicales para el alumnado de
Primaria.

 Finalizaremos el desarrollo del tema con una conclusión y una bibliografía.

Una vez explicado el esquema que mantendremos durante el tema, comenzaremos

diciendo a modo de INTRODUCCIÓN que la música es una de las actividades
humanas más extendidas y constantes en la vida cotidiana de nuestra sociedad, no sólo
nutre una de las industrias que más dinero mueve a nivel mundial, sino que acompaña al
individuo en todos los días de su vida. En tal sentido podemos afirmar que difícilmente
pasaremos un día de nuestra vida sin escuchar por lo menos un poco de música.

A continuación pasaremos a desarrollar la primera parte del tema: GRANDES

PERIODOS DE LA HISTORIA DE LA MÚSICA: LA MÚSICA EN EL
CLASICISMO, EN EL ROMANTICISMO Y EN EL SIGLO XX.

Intentar abordar la Historia de la Música es algo muy profundo y extenso, por eso
nosotros haremos una síntesis en donde veremos a grandes rasgos las
CARACTERÍSTICAS GENERALES de cada periodo y las innovaciones más
representativas que tienen lugar.
 2

Por orden cronológico empezaremos analizando LA MÚSICA EN EL

CLASICISMO.
El clasicismo abarca aproximadamente desde la Segunda mitad del Siglo XVIII hasta
principios del Siglo XIX. Representa el equilibrio, orden, claridad y frío
academicismo.

Es un movimiento corto y opuesto al Barroco que trata de expresar lo bello y lo ideal

del hombre y la sociedad.

Son varias las fechas tomadas como referencia para considerar el final del Barroco y el
principio del Clasicismo.

 El fallecimiento de BACH en 1750.

 La publicación del Tratado de Armonía de RAMEAU en 1750.

 Importantes transformaciones instrumentales de la orquesta en 1760 (GEUDERT).

Lo esencial de la música clásica era conmover y agradar a través de la armonía. Su

lenguaje debía ser universal, noble, entretenido, expresivo y equilibrado.

Otras características fundamentales de la música del Clasicismo son:

 Las melodías son claras y simples, con frases cortas y regulares.

 La armonía se centra en la tonalidad bimodal y domina el modo vertical sobre el

contrapunto horizontal. Desaparece el bajo continuo y se sustituye la polifonía por el
estilo homófono de melodía acompañada.

 La forma musical se perfecciona y el discurso musical presenta coherencia y

unidad de forma clara. La sonata es la forma esencial, junto con sus derivados: la
sinfonía, el cuarteto, el trío y el concierto.

 Predomina la música instrumental sobre la vocal y se crean las bases de la

moderna orquestación. Se fijan las normas de los efectos orquestales y de los
contrastes expresivos (crescendo y diminuendo). El piano va a ser el instrumento
que destaque como solista.
 3

A) MÚSICA INSTRUMENTAL Y FORMAS MUSICALES: En la

música instrumental la melodía va sustituyendo al contrapunto de BACH y la música
orquestal se va a desarrollar a partir de las composiciones para conjuntos instrumentales
(SONATA) y la música para la ÓPERA.

La escuela de la ciudad alemana de MANNHEIM crea una orquesta que servirá de

modelo de la orquesta clásica y fijará las bases de la música orquestal y de una forma
musical nueva: la SONATA. Al mismo tiempo que va eliminando el bajo continuo,
desarrollando contrastes expresivos y niveles sonoros. Las experiencias de Mannheim
son tomadas por la ESCUELA DE VIENA, que llegará a través de HAYDN y
MOZART a la SINFONÍA.

Las grandes formas musicales que se desarrollan en este periodo son:

 SONATA: Es distinta a la barroca. Se estructura en cuatro movimientos o tiempos.

1º tiempo: allegro / 2º tiempo: Andante / 3º tiempo: Minué o Scherzo / 4º tiempo:

Rondó o Allegro.

Al primer tiempo se le llama también “tiempo de sonata” y su esquema es:

A) Exposición / B) Desarrollo / A) Reexposición.

 SINFONÍA: Es como una gran sonata para orquesta. Sus antecedentes hay que
situarlos en la Obertura de óperas (de tres tiempos) y en la Escuela de Mannheim.
En el Siglo XVIII, la sinfonía adopta los cuatro tiempos de la forma sonata.
HAYDN.

 CONCIERTO: Es una composición escrita para instrumento solista y orquesta. Se

da un diálogo entre ambos. Utiliza la estructura de la forma sonata y el instrumento
solista más frecuenta será el piano. HAYDN, MOZART, BEETHOVEN.

 MÚSICA DE CÁMARA: Igualmente asume la forma sonata y adquiere

protagonismo el cuarteto de cuerda pero también se escriben dúos, tríos, quintetos,
…HAYDN, MOZART, BEETHOVEN.
 4

B) En la MÚSICA VOCAL destacamos LA ÓPERA EN LA SEGUNDA

MITAD DEL SIGLO XVIII.

En la segunda mitad del Siglo XVIII van a aparecer nuevas formas operísticas:

 ÓPERA BUFFA: Aparece en Italia. Destacan la naturalidad del diálogo, la frescura

de la música y las situaciones de la vida cotidiana, de las calles, de las tabernas, Se
tratan comedias ligeras.

 OPERA CÓMICA: Es creada en Francia y no posee el realismo de la ópera buffa.

Esta se inspira, idealizándola, en la vida de los bajos fondos.

 SINGSPIEL: Aparece en Alemania y es un drama musical que contiene diálogos

hablados. Se expresan sentimientos inocentes y naturales del pueblo llano y de la
baja burguesía. MOZART (La Flauta Mágica).

C) Por último no podemos dejar de hablar de tres de los autores más importantes del
CLASICISMO VIENÉS.

 FRANZ JOSEPH HAYDN (1732/1809)

Compositor austríaco. A los ocho años entró en la escuela coral de la catedral de San
Esteban, en Viena, donde recibió su única formación académica.

Vivió al servicio de un príncipe húngaro, con una orquesta a su disposición para

experimentar sus descubrimientos, es decir, que fue autodidacta. Abarcó todos los
géneros: vocales, instrumentales, religioso y seglares.

Es conocido como el padre de la Sinfonía clásica: fija su esquema a la sinfonía y funda

el cuarteto de cuerdas. Compuso mas de 100 sinfonías, conciertos, música de cámara,
oratorios, música religiosa.

 WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756/1791)

Fue uno de los compositores austríacos más influyentes en la historia de la música

clásica occidental. Asimila desde su infancia el lenguaje musical, siendo un niño
prodigio: a los siete años compuso su primera sonata para clavecín.
 5

Es el gran genio del clasicismo, su inspiración melódica es extraordinaria y de una gran

tensión emocional. Compuso 41 sinfonías y cerca de 800 obras a pesar de morir joven.
En la ópera es la gran figura del Siglo XVIII, creando un nuevo estilo.

 LUDWING VAN BEETHOVEN (1770/1827)

Compositor alemán. Su música nace en el clasicismo de HAYDN y MOZART y

evoluciona hacia el Romanticismo. En su obra distinguimos tres etapas:

Primer Período Clásico: alterna las composiciones basadas en modelos clásicos, con las
inspiradas en estructuras italianas más imprecisas. Destacan sus composiciones para
piano.

Segundo Período Heroico: comienza su sordera y retorna a las estructuras vienesas

clásicas y a desarrollar las formas empleadas por HAYDN y MOZART. Destacan sus
Sinfonías.

Tercer Periodo de Interiorización: aceptación de su sordera. Sus obras ya tienen más

características románticas. Es el prototipo del genio romántico que hace libre al artista
músico y supone la cumbre del sinfonismo.

En el Siglo XIX empieza el periodo del ROMANTICISMO. En el terreno

musical abarcará desde 1815 hasta 1880 y será la época más importante de la historia
de la música.

Las características generales que predominan en la música romántica son:

 Es el lenguaje vivo y expresivo de la fantasía y los sentimientos. La melodía supera

en importancia al ritmo. Comienza la separación entre la música culta y de
entretenimiento.

 El aspecto instrumental predomina sobre el vocal. Aparecen nuevos pequeños

géneros como NOCTURNOS, IMPROMPTUS, PRELUDIOS, etc. El piano será el
instrumento favorito.

 Aparece la figura del virtuoso.

 6

A) Respecto a la MÚSICA INSTRUMENTAL, comparado con el clasicismo, el

romanticismo se va a preocupar más por plasmar la inspiración y emotividad
expresiva que por la forma externa y estructural.

Según su extensión podemos distinguir dos tipos de FORMAS instrumentales:

 Formas breves: El LIED será muy usado por los compositores románticos.
También se desarrollan la ROMANZA, PRELUDIO, NOCTURNO, BALADA,
FANTASÍA, ESTUDIO, CAPRICHO.

 Grandes formas: el POEMA SINFÓNICO va a ser la gran aportación del

romanticismo a la música orquestal. Consta de un movimiento, de forma libre, en el
que se desarrolla un tema o idea cuyo argumento procede de algún texto literario.

Entre los muchos AUTORES que sobresalen en el Romanticismo, vamos a resaltar:

ALEMANIA:

 FELIX MENDELSSOHN (1809/1847): Posee gran maestría en todos los géneros,

excepto en la ópera que apenas cultivó. Tiene un dominio magistral en la
consecución del colorido instrumental.

 ROBERT SCHUMANN (1810/1856): Se caracteriza por la expresión de su

sentimiento poético y la originalidad de su estilo.

 JOHANNES BRAHMS (1833/1897): En su música sinfónica se inspira en

Beethoven, un hecho un tanto anacrónico para su época.

AUSTRIA:

 FRANZ SCHUBERT (1797/1828): Es el creador y representante más genial del

LIED.

 ANTON BRUCKNER (1824/1896): Sobresalió como organista. Se aprecian en sus

obras instrumentales influencias de Beethoven y de Wagner.
 7

FRANCIA:

 HÉCTOR BERLIOZ (1803/1869): “Padre de la instrumentación moderna”. Su

intuición para escoger los timbres y su profundo conocimiento de los instrumentos,
hicieron de él el primer maestro de la SINFONÍA ROMANTICA.

 CÉSAR FRANK (1822/1890): Sobresalió como organista.

 CAMILO SAINT-SAENZ (1835/1921): Toma como referencia a los autores

clásicos.

B) A continuación veamos en qué va a consistir la MÚSICA VOCAL y sus

FORMAS.

 LIED: Es una canción para voz solista con acompañamiento, generalmente

pianístico. En él tiene importancia tanto la música como el texto, el cual es tomado
de poemas ya escritos. Melodía y acompañamiento son igual de importantes y
subrayan la intención y sentido del texto.

Algunos importantes autores que lo cultivaron son: BEETHOVEN, y sobre todo

SCHUBERT y SCHUMANN.

 ÓPERA: Va a ser un género ampliamente cultivado durante el romanticismo y

alcanza una relevancia espectacular dentro de la música del Siglo XIX. Su
desarrollo va a adquirir su máxima relevancia principalmente en Italia, Alemania y
Francia.

En Italia destaca GUISEPPE VERDI

En Francia, destaca BERLIOZ y surge la opereta: género de tema humorístico y frívolo,

en el que figuran pasajes hablados y cantados. (OFFEBACH).

En Alemania, figura CARL MARÍA VON WEVER como creador de la ópera alemana.
Con una instrumentación brillante unida a los buenos efectos dramáticos. Con
WAGNER la ópera alemana alcanza auténtico valor; después decaerá.

 ZARZUELA: En España influye la ópera italiana, sin embargo el intento de imitarla

fracasa. Sin embargo, triunfa la Zarzuela en donde se reflejan las costumbres propias
del pueblo. En contraste con la zarzuela de tres actos, denominada “ZARZUELA
 8

GRANDE” aparecen las de un solo acto, y de temas más populares, que se llamo
“GÉNERO CHICO”.

B) LOS NACIONALISMOS: Hasta mediados del Siglo XIX la música había

estado centralizada en Francia, Italia y los países germánicos (Alemania y Austria).
En estas circunstancias, dentro del Romanticismo, surge una corriente llamada
NACIONALISMO que sitúa a una serie de países, de escasa trayectoria musical,
en primera línea de la creación musical.

Según ZAMACOIS, “esta corriente tiene por fin el valorar y dar relieve a lo
característico de un país, por parte de sus naturales”.

Supone la utilización de la música popular folklórica como fundamento de la gran parte

de las obras y pretende despertar los conceptos de temperamento, raza o nación.

 NACIONALISMO RUSO: Aquí nace el primer nacionalismo con MIHAEL

GLINKA, que será el primero en recoger el folklore ruso. Debido a su influencia
surgen dos movimientos:

El nacionalismo puro, integrado por el “grupo de los cinco”: BORODÍN, CESAR CUI,
BALAKIREV, MUSSORGSKY y RIMSKY KORSAKOV.

El nacionalismo fusionado, más cosmopolita y de influencia europea pero sin abandonar

la esencia nacional. Así destacan: ANTON RUBINSTEIN y, sobre todo,
TCHAIKOVSKY.

 NACIONALISMO BOHEMIO: Se desarrolla sobre todo en Praga. El primer

compositor que tendrá en cuenta la lengua y el folklore bohemio será BEDRIDCH
SMETANA. Otro compositor importante es ANTON DVORAK.

 NACIONALISMO HÚNGARO: En Hungría se va a llevar a cabo un trabajo

importantísimo de recopilación de toda la música popular del país. Esta labor se
debe a tres músicos: primero a BELA BARTOK y seis años más tarde a BELA
BARTOK y ZOLTAN KÓDALY.

En el campo de la Educación Musical, KODÁLY renovó totalmente el sistema de

enseñanza de música en las escuelas a través de su método.
 9

 NACIONALISMO ESCANDINAVO: En Noruega destaca EDWARD GRIEG,

quien crea sus composiciones tomando como base las canciones populares noruegas.
En Finlandia destacan JEAN SIBELIUS.

 NACIONALISMO ESPAÑOL: Destacan las figuras de:

FELIPE PEDRELL, quien da a la música un verdadero sentido nacional y recopila todo

el cancionero español en una obra de cuatro volúmenes: “Cancionero popular español”.

ISAAC ALBÉNIZ

ENRIQUE GRANADOS, que centra su obra en torno al Madrid ochocentista.

MANUEL DE FALLA, considerado como el compositor hispano más universal. Con él,
nuestra música vuelve a ocupar un lugar en la música mundial.

JOAQUIN TURINA.

El siguiente periodo con el que nos encontramos es EL IMPRESIONISMO

MUSICAL.
El término impresionismo procede del mundo de la pintura, y su origen se debe al pintor
francés CLAUDE MONET, quien expuso en París un cuadro con el título “Impresión-
Amanecer”.

Los músicos impresionistas consideran que lo que importa es el colorido o sonoridad de

cada acorde en sí mismo, sin que importen los choques o disonancias.

La música impresionista sólo sugiere pensamientos y emociones, sin describir ni imitar

la naturaleza. Es música subjetiva, de sensación y de corazón, no de cerebro.

A continuación vamos a resaltar algunas de sus características generales:

 Se busca una “impresión” personal de la Naturaleza.

 El sonido es considerado en sí mismo como objeto de placer, hay una preocupación

por obtener el ambiente sonoro adecuado.

 Las melodías son fragmentarias y se utilizan diferentes escalas.

 Hay cambios en las estructuras formales.

 10

A) En cuanto a los AUTORES principales de este movimiento podemos citar a dos:

 CLAUDE DEBUSSY (1862/1918): Inicia el impresionismo musical. Su música es

para los sentidos y en ella son fundamentales la belleza y el placer. En el piano
realiza una verdadera revolución.

Rompe con las formas tradicionales, hace uso de una libre disposición de los acordes.
Para él la música es un fin en sí misma.

 MAURICE RAVEL (1875/1937): Su impresionismo es más brillante, duro y menos

sentimental. En varias de sus obras se observa su inspiración española. Su música
para piano es numerosa (“Pavana para una Infanta difunta”) y es un gran
instrumentador en la orquesta (“Bolero”).

Otro músico independiente y especial es ERIK SATIE que, aunque no se le puede

considerar como impresionista, influye sobre ellos.

Los impresionistas tienen en París el centro musical y cultural que influyó notablemente
en Europa y en compositores españoles como MANUEL DE FALLA.

Y, por fin llegamos a la MÚSICA EN EL SIGLO XX. Veamos sus

características musicales:

El Siglo XX se va a caracterizar por la ruptura con la tradición cultural anterior y por la

diversidad de estilos. Los compositores se esfuerzan por conseguir efectos cada vez más
intensos. Se empieza a componer una música revolucionaria en dos o más tonalidades a
la vez, produciendo armonías extrañas.

 La melodía se libera e independiza de la armonía.

 El ritmo se libera de la medida, llegándose a realizar ritmos casi libres, sin

compases.

 En la armonía se utiliza todo tipo de disonancias. Se exploran nuevos efectos y

timbres.
 11

 Aparecen nuevos instrumentos electrónicos y nuevas fórmulas sonoras, así como la

incorporación del ruido a la música.

A) COMPOSITORES Y CORRIENTES MUSICALES.

Dos compositores implantarán una serie de innovaciones en la primera mitad de
Siglo. Con ellas el lenguaje musical experimentará un cambio absoluto.

 IGOR STRAVINSKY, quien investiga en todos los aspectos de la música y la

hace evolucionar desde el punto de vista rítmico, instrumental y tímbrico.

 ARNOLD SCHÖNBERG, que termina con la tonalidad y su jerarquización de

sonidos, pasando a utilizar doce sonidos independientes entre sí
(dodecafonismo).

Las distintas tendencias musicales que surgen en este siglo pueden ser clasificadas
en función de su procedencia, creándose así tres grupos o apartados
(CASANOVAS Y SUBIRA).

RELACIONAN LA MÚSICA CON LA NATURALEZA, SENTIMIENTOS,

POESÍA.

 EXPRESIONISMO: Registra las impresiones internas o subjetivas. Trata que la

música de expresión al mundo interno que crea el compositor. Pertenecieron a
éste ARNOLD SCHÖNBERG, BERG, BELA BARTOK y SHOSTAKOVICH.

 IMPRESIONISMO: que ya lo hemos tratado.

PROCEDEN DE LOS PROGRESOS LOGRADOS POR LA TÉCNICA, LA

TEORÍA O LA ACÚSTICA.

 ATONALIDAD: De Pedro lo define como el “sistema musical que rechaza las

funciones tonales propias de la tonalidad. Utiliza los doce sonidos de la escala
cromática con igualdad de funciones.

 DODECAFONISMO: Procede del atonalismo.

 SERIALISMO: Además de componer las series de sonidos según la técnica

dodecafónica, se ordenan igual el ritmo, timbre, intensidad. Así surge una
música organizada. Fue propuesta por ANTON WEBERN, discípulo de
SCHÖNBERG.
 12

 MÚSICA CONCRETA: Parte de los sonidos producidos por cualquier objeto y

que es recogido y grabado para después manipularlo.

 MÚSICA ELECTRÓNICA: Parte del sonido producido electrónicamente a

través de sintetizadores y otros sistemas electrónicos.

PROCEDEN DEL NACIONALISMO ROMÁNTICO.

 POSTNACIONALISMO: Es una continuación del nacionalismo pero más

racional, despojando sus valores de lo superficial y pintoresco. Autores:
STRAVINSKY, BARTOK, FALLA y VILLA-LOBOS.

 EXOTISMO: Estudia las músicas orientales, exóticas y primitivas. GLINKA,

RAVEL, DEBUSSY y BARTOK.

Por último no podemos dejar de mencionar LA MÚSICA POPULAR

MODERNA. Es un movimiento en el que intervienen enormemente los jóvenes
desde la década de los 50. Esto se produce al querer crear sus propios modos de vida
y la intención de transmitirlos al mayor número de personas, unidos a los grandes
intereses económicos de las casas de discos.

 Se da importancia al ritmo y la melodía.

 Se utilizan medios electrónicos

 No se sujeta a ninguna normativa musical de escuela.

 Da importancia a los conjuntos musicales.

 Acepta las aportaciones modernas y valora los folklores nacionales, las músicas
exóticas, orientales y el jazz.

Tiene su origen en los 50 con el “Rhytrn and blues” de EEUU, el “Rock and Roll”,
donde sobresale Elvis Presley. En los 60 surgen The Beatles, y The Rolling Stones que
desembocará en la música “Pop” y otros movimientos como el Folk, Hippie o el
Underground.
 13

A continuación pasaremos a proponer unos CRITERIOS para hacer una SELECCIÓN

DE FRAGMENTOS MUSICALES PARA EL ALUMNADO DE PRIMARIA.

Para trabajar una audición no es tan importante lo que se escucha sino cómo se escucha.
Es importante una motivación adecuada y trabajar la predisposición a escuchar y a
compartir el tiempo de escucha con los demás.

Para establecer unos criterios de selección antes hay que tener en cuenta los objetivos y
contenidos que queremos trabajar.

Seleccionaremos las obras teniendo en cuenta la edad, el número de alumnos, el

momento de la clase, el material sonoro a utilizar, la música que les motiva, la duración
en los fragmentos. Así en el primer ciclo las audiciones tendrán una duración de unos 2
minutos o 3 y en el segundo y tercer ciclo podrán durar de 3,5 a 4 minutos como
máximo.

Tendremos en cuenta que sea una escucha activa, con el alumno como centro. Las obras
deben contener algún recurso claramente perceptible: contrastes, estructura formal clara,
melodía cantable, ritmo que invite al movimiento, repeticiones,…lo que fuere, lo
importante es que tengan un asidero donde centrar nuestra atención

Según HERNÁNDEZ MORENO, disponemos de cinco TÉCNICAS para trabajar la

audición:

1. Narración musical

2. Expresión músico- corporal

3. Canción- audición

4. Ilustración musical

5. Dramatización musical

OTRAS: musicogramas, instrumentaciones, pulsogramas, todo aquello que lleve al niño

a producir actividad.

Una misma audición la podemos utilizar en diferentes momentos de un curso o en

distintos cursos. Siempre y cuando los objetivos y la metodología sean distintos.
 14

A modo de ejemplo vamos a poner algunas obras pertenecientes a este periodo que
pueden trabajarse en los distintos ciclos de Primaria:

CLASICISMO MUSICAL:

 BEETHOVEN: Pastoral

 HAYDN: Sinfonía de los juguetes.

 MOZART: La flauta Mágica.

ROMANTICISMO:

 BIZET: Carmen.

 BRAHMS: Canción de cuna, Danzas húngaras

 CHOPIN: Estudio nº 12.

NACIONALISMOS:

 BELA BARTOK: Danzas populares rumanas.

 KODALY: Las danzas de Kallo.

 RIMSKY KORSAKOFF: El vuelo del moscardón.

 TCHAIKOWSKY: Cascanueces.

 FALLA: El sombrero de tres picos

IMPRESIONISMO:

 DEBUSY: La caja de los juguetes, el mar, preludio a la siesta de un fauno.

MUSICA CONTEMPORANEA:

 PROKOFIEV: Pedro y el lobo.

 STRAUSS, RICARDO: Así hablo Zaratustra.

 KETELBEY: En un mercado persa.

 15

A modo de CONCLUSIÓN recordaremos las palabras de Willems, pedagogo musical,

cuando afirma que la música incide directamente sobre las facultades humanas y su
interiorización, favoreciendo el desarrollo y la respuesta de la sensibilidad, la voluntad,
el amor, la belleza, la inteligencia y la imaginación.

Aprender a escuchar música, además de ser una función perfectamente natural y simple,
se constituye en una de las maneras de estar en contacto con una de las manifestaciones
del arte.

BIBLIOGRAFÍA:

ZAMACOIS: “Teoría de la música”. Ed. Labor. Barcelona.

AA.VV: “Historia de la música”. Ed. Tuner Música. Madrid, 1987.

WILLEMS, E: “Bases psicológicos de la Educación Musical”.