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PEC ARQUITECTURA Y VANGUARDIA EN EL PERIODO DE ENTREGUERRAS
[Link] ROMERO MARTINEZ - CURSO 2023/2024
DNI 07556021S
“La escultura ideal: de la escultura en el período de entreguerras al arte cinético y el OpArt”
________________________________________________________________________
INDICE
1. INTRODUCCIÓN
2. LISTADO DE ESCULTURAS
3. CONTENIDO
4. CONCLUSIÓN
5. BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA
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1. INTRODUCCIÓN
Al comenzar mi búsqueda y mis lecturas para centrar la idea de la escultura en las vanguardias
doy con un fragmento de un escrito que constituye la piedra de toque de este trabajo:
“Al espectador se le exige una nueva actitud ante la obra de arte. Los estilos dejan de ser
internacionales para ser característicos de un grupo de artistas.”(1). Y en estas frases se
encuentra las dos ideas fundamentales que han echado a rodar estas reflexiones. Cuando se me
presenta la ocasión de escribir algo sobre escultura vanguardista viene a mi cabeza la necesidad
de ir al museo a “experimentar” las esculturas que tengo cerca para poder hablar desde la
vivencia. Las obras de arte que revisito me acercan a la teoría, a los escritos a los que acudo para
llevar a cabo este trabajo. Es claro que al espectador se le exige una actitud ante ellas: o
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participas, y la vives o no se completa el trabajo del autor. Por otro lado, la segunda idea de que
los estilos dejan de entenderse así, como hasta la fecha, como tendencias internacionales para
caracterizar las líneas de actuación de un grupo de artistas también se pone de manifiesto con
claridad al estudiar algunas de estas obras de la primera mitad del siglo XX. Y ello me lleva
indefectiblemente a observar largamente otra serie de obras, posteriores en el tiempo aunque
cercanas, que han tenido influencia en otros artistas o que han supuestos “piedras para cruzar el
río” del camino artístico de un mismo autor a lo largo del tiempo.
Es por ello que he planteado esta práctica como la comparación entre 5 obras de la primera mitad
del siglo XX con otras 5 que he vuelto a visitar al Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, tan
estrecha era la relación entre ellas.
Confío en que este recorrido me permita transitar siquiera levemente por la evolución y los
planteamientos de la escultura en el período de entreguerras y acabar visitando algunas de las
esculturas que más me han impresionado como espectador de la llamada escultura cinética, y
algunos ejemplos de Op-Art que para mí supone el final del camino comenzado por las
vanguardias que estudiamos en esta materia.
Para esta exposición he partido de cinco esculturas de reconocidos artistas del período de
entreguerras (Brancusi, Henry Moore, Calder, Julio González y Picaso) y las he contrapuesto con
cinco obras que se hallan en el citado museo. He buscado en las primeras la génesis de las
segundas (Pablo Gargallo, Eduardo Chillida, Calder, Vasarely, Pablo Serrano).
Veremos si la comparación está justificada y si mis líneas de pensamiento y exposición resultan o
no válidas. Con ese ánimo comienzo este camino.
La razón de mi elección a la hora de decantarme por las cinco obras de comparación de un
museo cercano la aporto con la presentación de la Colección Arte SIGLO XX -donada por el
artista alicantino Eusebio Sempere a la ciudad de Alicante- y que se encuentra expuesta en las
paredes del museo. Cito textualmente:
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“La COLECCIÓN ARTE SIGLO XX(…) es el pilar de este nuevo Museo. Compuesta por 177
piezas entre esculturas, pinturas, dibujos y obra gráfica, fechadas entre los años veinte hasta los
primeros ochenta, es el fruto de una ríigurosísima labor de selección y adquisición de obras de
los más grandes artistas de la modernidad y las vanguardias del pasado siglo”.
La Colección atesora auténticas piezas maestras que representan los principales nombres y
movimientos del arte español, donde alcanza sus más altas cimas. Con decidida vocación
internacional, su creador, Eusebio Sempere, deja patente su gran sensibilidad, su visión de futuro
y sobre todo su voluntad de difundir los valores estéticos del arte del siglo XX. Algunos de los más
importantes creadores de nuestro siglo están representados aquí: Picasso, Braque, Julio
González, Juan Gris, Gargallo, Delaunay, Arp, Cocteau, Chagall, Giacometti, Miró, Dalí, Max
Ernst, Calder, Bacon, Matta, Fautrier, Clavé, Tàpies, Chillida, Millares, Saura, Vasarely, Agam,
Soto, Rosenquist, Oldenburg, Rauschenberg, Adami, Dine… entre otros. Pero es en el ámbito
propio del arte español del siglo XX donde encontramos las mejores obras de la Colección y una
más extensa relación de tendencias, movimientos y grupos significativos del arte de vanguardia
en nuestro país con obras de Alberto Sánchez, Ferrant, Palazuelo, Guerrero, Viola, Feito, Rivera,
Canogar, Juana Francés, Pablo Serrano, Alfaro, Guinovart, Ràfols Casamada, Hernández Pijuán,
Farreras, Manrique, Mompó, Torner, Rueda, Zóbel, Lucio Muñoz, Equipo Crónica, Julio López
Hernández o Genovés, entre otros…Una impresionante muestra de pinturas, esculturas, obras
mixtas adosadas, dibujos, grabados, litografías y serigrafías viene a completar la extensa nómina
de artistas imprescindibles, recorriendo los territorios más sugerentes del entramado artístico del
siglo pasado”. (2)
(1)[Link]
d258b46f1ad7
(2) [Link]
2. LISTADO DE ESCULTURAS
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1. “Unidad Yunta” - Pablo Serrano (1970-1973)
2. “Venecia”. Eusebio Sempere (1976) (IMAGEN CON ENLACE A VÍDEO)
3. “Typographie”. Alexander Calder (1972) (IMAGEN CON ENLACE A VÍDEO)
4. “Recumbent Figure”. Henry Moore. (1938)
5. “Leku III”. Eduardo Chillida (1976)
6. “La musa dormida”. Constantin Brancusi (1912)
7. “Kikí de Montparnasse”. Pablo Gargallo (1928)
8. “Chronos X”. Nicolas Schafer (PINCHAR EN IMAGEN PARA ACCESO A VÍDEO)
9. “Kroa B”. Victor Vasarely (1971)
10. “Noon. Yaacob Agam (1975) (PINCHAR EN IMAGEN PARA ACCESO A VÍDEO)
Autor: Pablo SERRANO
Título: Unidad Yunta
Fecha: 1970-1973
Material: Bronce fundido y pulido en algunas zonas
Dimensiones: 38x81x47 cms
Movimiento: Surrealismo
Localización: Colección Arte Siglo XX - MACA
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1.
En esta obra realizada en bronce pulido el artista parte de una
de las formas básica, el ovoide para ir experimentando con el
vacío que se produce al imaginar el interior de la forma natural
al abrirse, imaginemos, por la acción de la fuerza. Este
protagonismo que cobra el vacío en la escultura, ya presente
desde las reflexiones y los primeros trabajos de Henry Moore,
nos atrapa en la contemplación de la obra y nos hace pensar en
el espacio que ocupa el vacío, y en cómo toma protagonismo
en consonancia o incluso en contraposición con las formas
rotundas del bronce, con el peso y la presencia de un material tan lejos de lo etéreo.
Es una pauta general en toda la escultura del período que recorre los primeros 50 años del siglo
XX y que rompe con todo lo que había venido siendo la escultura hasta el momento. Como dice
Maderuelo: “ Para que la escultura pudiera ser moderna y vanguardista, los escultores debieron
renunciar a algunas de las cualidades que mejor la caracterizan, tales como el tamaño
monumental, la masa compacta, el volumen sólido y opaco, el empleo de materiales nobles, el
antropomorfismo o los temas heroicos que trabajo, con el fin de poder parecerse a la pintura y
conseguir estar a la altura de los éxitos que ésta obtuvo”: (3)
Aunque en esta primera escultura de Pablo Serrano que aquí presentamos no se darían todos las
características rupturistas de la escultura del período de entreguerras (sí que se usan materiales
pesados, como el bronce), el resto de notas sí que nos van dirigiendo por el camino hacia el que
transitaremos a lo largo de este trabajo, hasta llegar a esculturas tan etéreas, tan livianas y sutiles
que uno de los “materiales” que usan en su construcción es simplemente la luz, el movimiento, el
juego de los ojos del espectador cambiando de perspectiva en su contemplación de la obra o
unos simples alambres ensartados en un bastidor de madera.
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA:
(3) MADERUELO, J: “El campo expandido de la escultura”. (Pág. 89). “Medio siglo de arte.
Últimas tendencias 1955-2005”. Madrid. 2006. Abada Editores
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Inventario: [Link]
[Link]
2.
Autor Eusebio SEMPERE
Título Venecia
Fecha 1976
Material Acero inoxidable pulido
Dimensiones 200x110x50 cm
Movimiento Arte cinético/Abstracción Geométrica
Localización Colección Arte Siglo XX -
Detrás de esta obra hay mucho más que la breve descripción que se nos ofrece en el vídeo que
el MACA (Museo de Arte Contemporáneo pone a nuestra disposición). La simplicidad de los
materiales usado por Sempere (varillas metálicas) que flotan en su ingravidez juegan con el
movimiento, la luz y nuestra estupefacción cuando vemos la obra en todo su esplendor, en un
espacio para el cual, quizás, no fue ideada, pero que no hacen más que engrandecer su
simplicidad. El ingeniero y artista alicantino, una de las principales figuras de la abstracción
geométrica española, nos ofrece todas las características de las que hemos hablado en el punto
anterior que Maderuelo nos cuenta que ha de reunir una escultura para romper con todos los
cánones anteriores. Tal vez la fecha de realización de la obra no nos encaje temporalmente con
los límites que nos marca la asignatura. Pero no así todo el trabajo que lleva detrás y todo el
recorrido que el artistas y sus contemporáneos recorrieron para culminar en este movimiento, el
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arte cinético, que sí que hunde sus raíces en las de una de las vanguardias más relevantes de la
primera mitad del siglo XX, la abstracción geométrica. Quiero poner de relieve que, cuando
estudiamos arte, hemos aprendido que los movimientos, las tendencias, los estilos.. no empiezan
en una fecha determinada y acaban en otra. Los límites son móviles, todo se va desarrollando a
la vez y fluye para converger en una misma corriente: el arte. Sin tiempo, sin barreras, a veces sin
reglas… Todo se alía y nos conduce al momento mágico de vivir una obra que nos interpela
acerca de qué hemos aprendido, qué significa ese momento, qué quería transmitirnos el artista
cuando ideó la obra y la convirtió en algo real para que nosotros lo pudiéramos experimentar.
“A mi arte lo denominan “cinético”, pues tiene algo de cinematográfico por sus formas
cambiantes. Esta técnica es novísima y fue el resultado de incorporar a la pintura -siempre en
evolución- elementos nuevos. Algunos pintores han introducido a sus óleos tierras, arpilleras,
entramados de hilos. Yo incluí en ellos la técnica: la luz, el movimiento…
… Mi arte es eminentemente decorativo. Es arte para Mural, para frontales inmensos. Tengo
ilusión por decorar una iglesia. Seguramente será grandioso ver tras el altar mayor este muro
luminoso, cambiante. Va parejo con el sentido litúrgico y solamente de nuestro culto”. (4)
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA:
PASTOR IBÁÑEZ, M.V.: “ Eusebio Sempere”. Instituto de Estudios Alicantinos. Excma..
Diputación Provincial de Alicante. (1978). Alicante
Inventario: [Link]
[Link]
(4) Declaraciones de Eusebio Sempere a Carmen Deben Diario Pueblo. Madrid, 02/02/1960)
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3.
Autor Alexander CALDER
Título Typographie
Fecha 1972
Material Chapa y alambre
Dimensiones 125 x 95 cms
Movimiento Arté cinético
Localización Colección Arte Siglo XX MACA
Los móviles de Calder constituyen un
género único dentro de las vanguardias del arte desde 1932. Es necesario estudiar la trayectoria
del artista para entender que este tipo de construcciones que flotan en el aire (es una experiencia
de los sentidos interactuar con la obra) nos necesitan como espectadores para lucir en todo su
esplendor. El movimiento, el espacio, los sentidos, el equilibrio, los materiales y por último,
nuestra interacción, será lo que nos enseñe la aprehensión de la idea de arte. Cuando fotografías
la escultura en movimiento, cuando la haces girar y desequilibrarse en su equilibrio al soplarle,
cuando la miras desde todos los ángulos posibles, todo lo aprendido en libros, conferencias,
internet… se concentra en tu cabeza ( y en tu alma, si es el caso) y toma forma la experiencia. Es
la mejor manera de comprender la síntesis del trabajo de toda una vida hecho arte. Las formas
geométricas básicas, los colores primarios (que ya le fascinaban desde que visitó a Piet Mondrian
en su taller y tuvo la idea de dar movimiento a sus rectángulos de colores), el alambre, el aire, el
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vacío, la luz… todo se alía para que podamos entender la esencia que el artista trata de
transmitirnos. Tipografía es una obra atemporal, pero increíblemente moderna a la vez, que
gusta, entretiene, enseña y transmite todas las ideas básicas necesarias para comprender el arte.
En este texto he sido conducida hacia el arte cinético que tan mágico nos parece hoy en día en
un museo de arte contemporáneo. Es necesario que sepamos que no es, ni mucho menos, nueva
la idea de la necesidad que tiene la obra de arte para consumarse, para perfeccionar el acto que
el artista perseguía con su creación, hasta que no la vivimos, no la convertimos en una vivencia
propia y la incorporamos a nuestro acerbo cultural y vital. Eso es Calder en este época de su
producción, y eso es el arte cinético en su esencia.
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA:
• . GIMÉNEZ, C.; S.C. ROWER, A.: “Calder: La gravedad y La gracia”. Catálogo Museo
Guggenheim Bilbao (2003). Tf. Editores . Madrid
• “Desplazamientos del modernismo: Greenberg en el pensamiento artístico de José Luis
Castillejo”.Anuario del Departamento de Historia y Teoría del Arte .Vol. 31, 2019, pp. 57-74
ISSN: 1130-5517, ISSN: 2530-3562 . [Link]
• Inventario:
[Link]
[Link]
• [Link]
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4.
Autor Henry MOORE
Título Recumbent Figure
Fecha 1938
Material Green Hornton Stone
Dimensiones 889 x 1327x 737 mm, 520 kgs
Movimiento Abstracción
Localización Tate - Londres
“Esta es una de las primeras obras en las que Moore muestra la figura femenina ondulando como
el paisaje. Fue encargado por el arquitecto Serge Chermayeff para colocarlo en la terraza de su
casa en Downs. Visualmente, la figura habría actuado como un puente entre las colinas y la casa
ultramoderna. Moore, como otros, utilizó muchas piedras nativas británicas en esta época. Esta
piedra de Hornton procedía de una cantera cerca de Banbury, en [Link] label, July
2007”
“(…) Desde Brancusi como punto de partida, Moore propone nuevos desarrollos para la escultura
contemporánea; dicho de otra menta, considera que era necesario que se acometiese ese
proceso de simplificación, casi como una tabula rasa, desde la cual entonces podían empezar a
construirse nuevas relaciones, ese liberar la escultura. Ahí sin duda cabría hablar de las propias
creaciones escultóricos de Moore, y sus ciertas afinidades con Brancusi”. (5)
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA
(5) Texto traducido del enlace que se cita:
[Link]
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Autor Eduardo CHILLIDA
Título Leku III
Fecha 1976
Material Vaciado de piedra, cemento y hormigón
Dimensiones 82,[Link]:500kg
Movimiento Abstracción geométrica
Localización Colección Arte Siglo XX MACA
5.
“Leku III de Eduardo Chillida sobresale en esta exposición por su presencia. Vehemente, dura,
enraizada en la tradición, fuerte y pesada, esta obra conjuga todas las preocupaciones de la
escultura contemporánea: el volumen, el vacío, los límites, la materia, la arquitectura... El
hormigón coloreado a modo de tierra convertido en un contundente volumen dialoga una y otra
vez sobre el espacio y el equilibrio de masas. Los huecos y vacíos casi laberínticos dotan sin
embargo a esta pieza de una paradójica [Link] esta escultura existen tres variantes: una de
ellas se conserva en la Colección del artista, otra en la Galería Maeght de París y la tercera en
esta Colección Arte Siglo XX. Con Leku III, Chillida comienza una nueva serie de hormigón que
se caracteriza por su potencia constructiva. Una figura cúbica con un tratamiento volumétrico
regido por la geometría y un planteamiento formal y espacial emparentada con sus obras en
alabastros. Chillida utiliza el hormigón como un material de gran rugosidad y rica textura:
coloreado y mezclado con virutas de hierro que se han ido oxidando semeja la tierra o el barro. El
hormigón necesita de un encofrado realizado con tablas que imprimen en las superficies un
característico dibujo de bandas horizontales y paralelas y nos descubren en la obra, la
característica de su interior, su estructura más íntima. Compacta y estática, los espacios interiores
permiten la circulación del aire y de la visión cada vez distinta. Eduardo Chillida explicaba el
sentido de la escultura geométrica más allá del ángulo recto, de la horizontal y la vertical que
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estructura y ordena cada obra pero de la que ya no puedes salir: hablamos de la virtud que está
cerca del ángulo recto pero no en él.
“¿El espacio? Las esculturas son una función del espacio. No hablo del espacio que está fuera
de la forma, que rodea el volumen y en el cual viven las formas, sino que hablo del espacio que
las formas crean, que vive en ellas y que es tanto más activo, cuanto más oculto actúa. Lo podría
comparar con el aliento que hace que la forma respire y se contraiga de nuevo, que abre en ella
el espacio de la visión –impenetrable y oculto al mundo exterior. Para mí no se trata con ello de
algo abstracto, sino de una realidad que es tan física como la del volumen que lo envuelve. Este
espacio debería poderse percibir tanto como la forma en que se
manifiesta. Tiene cualidades expresivas. Pone en
movimiento la materia que lo configura, determina sus
proporciones, mide y ordena sus ritmos. Tiene que
encontrar sus correspondencias, su eco en nosotros,
debe poseer una especie de dimensión espiritual”. (6)
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA:
• [Link]
[Link]
• (6) Vicente Jarque [Ed.]: Andreu Alfaro. Catálogo razonado, Escultura 1957-1989, Vol. I,
Valencia, IVAM, Generalitat Valenciana, 2005, pág. 144.
Ibidem, pág. 172.
6.
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Autor Constantin Brancusi
Título La musa dormida
Fecha h.1912
Material Bronce
Dimensiones 27x30x17 cm
Movimiento Precubismo
Localización Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou,
París
En los primeros años del siglo XX la vuelta al uso de las formas elementales, a la utilización de
materiales naturales como piedra o madera y a la figura maciza marcó tendencia y fue punto de
partida e inspiración para artistas como Picasso o Brancusi. El acusado primitivismo que
observamos en las piezas de esta época y las propias influencias que traía el artistas de su
Rumanía natal le configuran como uno de los más destacables durante el precubismo. Tiene
influencias de Rodin, Medardo Rosso y técnicas expresionistas que se van diluyendo a medida
que evoluciona hacia su propio estilo. Aunque tuvo contacto con Modigliani, Duchamp, o Braque,
su estilo independiente no puede ser considerado bajo ninguna de las tendencias de estos otros
artistas. Hacia 1907, declaró en palabras del autor, "por encima de toda mi obra tiende al
realismo, busco la realidad interior, oculta, la esencia inherente a las cosas en su naturaleza
invariable". En sus propias palabras "lo que es real no es la forma externa, sino la esencia de las
cosas".
Como afirmaban algunos artistas de la época, la vuelta a las formas esenciales (entre ellas la
forma de huevo, que también propugnaba Henry Moore al reflexionar sobre las formas sencillas
mientras paseaba por la playa, en contacto con múltiples cantos rodados que le llevaban a pensar
en esta forma) era una deriva de la que no se podía huir. Brancusi tendía al pensamiento
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especialista que le conducía geometrizar (algo común entre los artistas de la época). Vuelve a
revisitar el bloque de materia puro, como una gran piedra, o una madera y de ahí transitar hacia
tallas cilíndricas o piramidales, pero que le hacen llegar a la forma más arquetípica para él: la
esfera ovalada, dinámica y variable. Tiene múltiples versiones de esta “La musa dormida”.
Primero trabajó en mármol (“El sueño”), más tarde en alabastro (1917) y que supone su pieza de
mayor pureza en forma y claridad. La búsqueda de la perfección en las formas y los acabado
puros y pulidos denotan su obsesión por la búsqueda de la perfección. Le interesaba
experimentar, seguir un camino hacia adelante buscando una producción que fuese ajena al
tiempo y al espacio, que pudiera ser eterna.
Afirmaba que “una forma verdadera debe sugerir infinidad, las superficies deberían presentarse
como si se elevasen de la masa para convertirse en un ser perfecto y completo" Hacia la mitad
del siglo XX, la influencia de Brancusi supuso un impulso para el arte minimalista en serie de los
años sesenta.
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA
CHIPP, Herschel B.,Teorías del arte contemporáneo: fuentes artísticas y opiniones críticas,
Madrid, Akal, 1995
• CALVO SERRALLER, Francisco, GONZÁLEZ GARCÍA, Ángel y MARCHÁN FIZ, Simón,
Escritos de arte de vanguardia 1900-1945, Madrid, Istmo
• FOSTER, Hal, et al Arte desde 1900. Ediciones AKAL, 2006
• RUHRBERG, SGCNECKENBURGER; FRICKE, Honnef.
Arte del siglo XX, Volumen [Link] Taschen. Koln, 2005.
7.
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Autor Pablo GARGALLO
Título Kikí de Montparnasse
Fecha 1928
Material Bronce fundido y pulido
Dimensiones 21 x 17 x 11,5 cm
Movimiento Abstracción Geométrica
Localización Colección Arte Siglo [Link]
El escultor Pablo Gargallo realiza en 1928 una bellísima obra retrato de Alice Prin, más conocida
por el nombre de Kikí de Montparnasse. Kikí, cantante, bailarina y pintora muy popular en los
ambientes artísticos del París de los años 20 del siglo pasado, fue la reina de Montparnasse.
Musa y modelo de muchos artistas como Man Ray, Calder o Fujita, nunca posó para Pablo
Gargallo, pero el artista le consagró una de sus obras más hermosas. Se trata de una máscara
cóncava, fundida en bronce y pulida en dorado, que representa la cabeza y el rostro de la mujer.
El cabello peinado a lo garçon a modo de casco, solo un ojo alargado por el maquillaje cual
serpiente, la línea de la nariz y solo media boca de labios muy carnosos que imaginamos muy
pintados. GArgallo suprime la mitad de los elementos definidores del rostro y logra mediante la
síntesis y alternando lo lleno y lo vacío una representación de gran eficacia expresiva. Gargallo,
de formación tradicional, fue un escultor innato. Su escultura se adentra en los caminos de la
modernidad renovando su lenguaje,,creando volumen a través del vacío en un nuevo concepto
del espacio y de contrastes lumínicos siempre cargados de poesía.
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Como en Brancusi, la forma ovoidal está presente, y como en las nuevas tendencias de la
escultura, el vacío como propugnaba Henry Moore, también puede expresar tanto como la
materia.
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA:
ANGUERA, J. Gargallo. París: Editions Carmen Martínez, 1979
GARGALLO-ANGUERA, P. Pablo Gargallo. Catalogue raisonne.
París. Éditions de L’Amaterua, 1998
ORDÓÑEZ FERNÁNDEZ, R. Gargallo. Barcelona (m): Fundación
Caixa Catalunya, 2006
8.
Autor Nicolas SCHÖFFER
Título Chronos X
Fecha No figura en inventario
Material Acero inoxidable con motor
Dimensiones 50x54x25 cms
Movimiento Arte Cinético/ Arte Cibernético
Localización Colección Arte Siglo XX - MACA
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El movimiento, la luz, las formas geométricas sencillas, un motor… y comienza la vivencia del arte
cinético. Eusebio Sempere relaciona en alguno de sus escritos esta denominación con el “cine”
(por el juego de las esculturas que parecen reproducir imágenes al ponerse en movimiento). Al
hilo de esto he incorporado al final de este contenido un vídeo de YouTube donde se puede
experimentar esto mismo. Relaciono el cinetismo con el movimiento y eso es lo que percibí al
grabar este otro vídeo que acompaña a la ficha técnica de esta obra. Su montaje debió producirse
alrededor de 1965, ya que en la ficha del inventario no figura pero en el vídeo que he adjuntado la
instalación parece que data de 1969. Coincidiendo con la eclosión de este tipo de arte
¿escultórico? Parece que a mediados del siglo XX se entraba en discusión al respecto. ¿Es esto
una escultura? A mí me lo parece. Y al igual que en otras obras de las que hemos comentado
más arriba, incorpora los mismos componentes y ocupa un espacio a la vez que transforma el
vacío que circunda la obra cuando el motor se apaga. Sigue pareciendo una obra de rabiosa
actualidad: podría haber sido ideada, construida y montada para su exposición museográfica la
semana pasada. Y han pasado alrededor de 50 años. Una obra atemporal más.
“Nicolas Schöffer es considerado el fundador del arte cibernético, su obra fusiona conceptos
estéticos y cibernéticos con gran éxito. Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de Budapest
y más tarde en la Escuela de Bellas Artes de París, donde residió la mayor parte de su vida. Las
esculturas metálicas que creó en los años cuarenta tienen referencias en el constructivismo y el
neoplasticismo, a través de ellas comenzó a explorar las relaciones entre las formas escultóricas
tridimensionales y la cuarta dimensión del tiempo y el movimiento.
La innovación de Schöffer fue llevar las teorías de la Cibernética (particularmente las de Norbert
Wiener) al proceso de creación artística, concibiendo las obras ya no solo como objetos de arte
sino como sistemas de organización que producen diversas formas de retroalimentación entre
ellos y los espectadores. Su escultura “CYSP 1” (1956), concebida con cómputos electrónicos,
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detectó las variaciones en su entorno,
que luego produjeron reacciones
mecánicas en el resto de la pieza. A
partir de entonces, las esculturas de
Schöffer utilizaron la luz, el movimiento y
el sonido para mostrar los principios
cinéticos en acción”. (7)
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA
(7) [Link]
9.
Autor Víctor VASARELY
Título Kroa B
Fecha 1971
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Material Metal anodizado y policromado
Dimensiones 50x50x50 cms
Movimiento Op Art
Localización Colección Arte Siglo XX- MACA
Las tres imágenes que he incluido pertenecen a la misma escultura. Solo cambia el punto de vista
al hacer la toma fotográfica. He fotografiado la escultura moviéndome apenas unos centímetros.
De nuevo cobra vital importancia el rol del espectador. Ya había experimentado con este tipo de
arte con anterioridad y por eso sabía del juego que ofrece el artista. Y que la obra no está
completa si uno no se mueve. Una y otra vez repites el movimiento porque parece increíble que lo
que estás percibiendo sea la misma realidad.
“Vasarely nació en 1908 en Pècs, Hungría. Aunque en un principio pensó dedicarse a la medicina
pronto el arte le sedujo, abandonó sus estudios y asistió a clases de la Bauhaus de Budapest,
desde 1928 hasta 1929. Una exposición en la capital húngara en 1930 fue su primera
manifestación como artista plástico antes de marcharse a París. Con 31 años trabaja en
publicidad, decoración y produce, al mismo tiempo, una obra gráfica en que confronto blanco y
negro (serie “Cebras”. De 1936 a 1944 realiza una suma de trabajo de los que sacará una
semántica plástica. Su obra , figurativa hasta ese entonces, se orienta desde 1945 hacia una
abstracción constructiva y voluntariamente geométrica. Es uno de los principales artistas de la
Galería Denise René de la que es uno de los primeros artistas. A partir de aquella época, irá
exponiendo con regularidad en el Salón de las Nuevas Realidades, donde coincide con Eusebio
Sempere.
Su obra es perfecta y completa, diversa y variada, de gran estabilidad con respecto al desorden
exterior reinante en el entorno. Su trabajo constituye un largo recorrido que va integrando sus
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descubrimientos. Tras abandonar el camino figurativo, Vasarely produce un amplia gama de
geometrías frías y formas rigurosas como una ciencia. Según palabras del autor: “He realizado el
sacrificio de despojar mi pintura , sucesivamente, del tema, de la anécdota, de la figuración
identificable, del signo, pero en el camino, de algunos de mis lienzos puramente abstractos
resurge el pasado que había creído borrado para siempre. La ruptura se alarga en el tiempo:
ambiente, paisajes, fantasmas que permanecen todavía mucho tiempo”.
El arte geométrico nace del cubismo, de las investigaciones constructivistas de Malevitch,
Kandinsky o Mondrian. Todo este vocabulario de formas, arabescos, cristales que parecer brotar
de un caleidoscopio como piedras preciosas, maravillo y desconcierta en Vasarely porque es una
artista espejo que graba emociones y las refleja, siendo cada una de sus etapas el resultado de
una larga maceración”. (8)
Perderse en sus caleidoscópicas pinturas o sus geometrías cambiantes es una experiencia
difícilmente explicable. Solo puede vivirse.
BIBLIOGRAFÍA/WEBGRAFÍA
(8) SORIA, M;Vasarely, M.; Hahn, O.;Romero, A.:”Víctor Vasarely: Creador del Op- Art y del arte
cinético”. Catálogo. Exposición Caixavigo. (1998) EDELVIVES. Vigo.
10.
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Autor Yaacov Agam
Título Noon
Fecha 1975
Material Acrílico sobre láminas de metacrilato
Dimensiones 54x72x 5 cms
Movimiento Arte cinético
Localización Colección Arte Siglo XX- MACA
Como en el resto de obras de este movimiento, las obras de arte cinético exigen nuestra
participación, nuestra inmersión en la obra o no podremos apreciarla en toda su expresión. Este
arte, y, en concreto, este museo que he escogido como lugar de trabajo para llevar a cabo esta
práctica, requiere de nosotros toda nuestra atención como participantes, como “disfrutadores” de
las obras que los artistas crean para nosotros. Aunque no lo sepamos, los artistas piensan en
nosotros y nos tienen en cuenta.
“Yaacov Agam Yaacov Agam prefiere el lenguaje visual a las palabras. En 1957, hace 65 años,
ayudó a crear un movimiento artístico llamado «Arte cinético» basado en el movimiento. Es
un arte que activa al público a través de un diálogo entre la obra y el espectador. Además de
artista, Agam es un gran pedagogo. Desarrolló un método de enseñanza visual premiado por la
UNESCO en 1996: 36 folletos que permiten comprender el lenguaje visual y universal de las
formas. Nacido en 1928, es pintor, escultor, creador de vídeos y obras digitales, múltiples áreas
donde da rienda suelta a su talento. El trabajo de Agam se puede ver en todo el mundo. Está
presente en las mayores colecciones internacionales: Centre Pompidou, Centro Cultural de
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Leverkusen en Alemania, Guggenheim y MOMA en Nueva York y, más específicamente, en el
Museo Agam de Rishon LeZion, Israel.” (9)
BIBLIOGRAFÍA Y WEBGRAFÍA:
(9) [Link]
5. CONCLUSIÓN
Soy consciente de que no presento una práctica de evaluación continua al uso, pero, partiendo de
las premisas que nos marca la historia de las vanguardias he planteado un trabajo que nos
permite disfrutar del arte cercano que las mantiene vivas.
