ANÁLISIS COMPARATIVO
1. Collage con máscara étnica y Naturaleza muerta con
silla trenzada de Picasso.
Autor: Pablo Picasso
Autor: Hannah Höch
Obra: Naturaleza muerta con silla
Obra: Collage con máscara étnica.
trenzada
Cronología: Sin fecha
Cronología: 1912
Estilo: Dadá
Estilo: Sintético
Técnica: Collage
Técnica: Collage y Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Hannah Höch está realizada con la técnica del collage con
fotomontaje, en la que podemos ver 2 figuras femeninas. El rostro de
una de ellas presenta rasgos exagerados, la cabeza está en
desproporción con el cuerpo, ya que es mucho más grande. Al lado
vemos la otra figura, tiene el dorso desnudo y lleva una falda negra de
lunares blancos, el rostro de esta figura es una máscara africana del
arte precolombino. En la parte superior de esta obra vemos varias
piernas, tanto femeninas como masculinas, que llevan zapatillas de
ballet. El fondo de la obra es de color marrón, menos la esquina
inferior izquierda que es de un tono azul turquesa. La luz en esta obra
viene de esa esquina inferior.
La obra de Picasso está realizada con la técnica del collage y con óleo.
Esta obra tiene como marco una cuerda de cáñamo, tiene una forma
ovalada. En la parte baja del cuadro podemos ver la rejilla de una silla
que le da volumen a la obra, en la parte superior vemos un montón de
objetos diversos que no tienen relación ninguna; un periódico, una
copa de cristal, una rodaja de limón, etc. También vemos la aparición
de elementos tipográficos, donde aparece la palabra “JOU” en negro.
Los colores de la obra son totalmente oscuros, predominan el blanco,
el negro y el marrón dándole un aspecto antiguo a la obra. La luz en
esta obra se vería reflejada en las pinceladas blancas.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
No sabemos a que año pertenece la obra de Höch, pero si sabemos
que fue realizada con el movimiento dadá, que nace en 1916. El pleno
auge del dadá, Höch empieza a trabajar con el fotomontaje siendo
pionera en esta técnica. Höch refleja en su obra la lucha de la mujer en
la sociedad y el ámbito artístico.
En la obra de Picasso no podemos encontrar ningún significado en si,
ya que el mismo afirma que no tiene intención de la investigación para
encontrar un sentido en ella, sino que totalmente al contrario. Esta
obra está realizada en el año 1912 dando fin al movimiento cubista.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Höch pertenece al movimiento dadá, un movimiento donde
los artistas proponen la ruptura con todo orden establecido, para
comenzar directamente desde cero. En pleno auge del dadá, Höch
empieza a trabajar con el fotomontaje, esta técnica consiste en hacer
collages utilizando imágenes de la cultura visual de la época, imágenes
recortadas de los medios gráficos. El dadá repudia el orden social y
cultural, y a las provocaciones de este movimiento contra la sociedad,
el arte y la política, a las burlas contra lo establecido, contra las
convenciones, Höch le suma la temática de la mujer: su obra contiene
una dura crítica a los estereotipos tradicionales de la belleza femenina
y el rol de la mujer en la sociedad. Se dice que al principio ni sus
compañeros del grupo la tomaban muy en serio como artista debido a
su condición de mujer.
La obra de Picasso pone fin al movimiento cubista pasando al sintético,
que se caracteriza por trasponer los elementos del collage a una
pintura al óleo. Esta obra es reconocida ya que por primera vez en la
Historia del arte de pegó un trozo de plástico a un cuadro (la rejilla).
El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en
objetos artísticos tendrá mucha repercusión en movimientos
siguientes.
CONCLUSIÓN
La obra de Hannah Höch es importante, ya que tanto la obra como ella
luchan por los derechos de la mujer tanto en la vida social como en el
mundo artístico, dándole mejor visibilidad a la mujer en ese ámbito. La
obra de Picasso también es importante ya que pone fin al movimiento
cubista tradicional pasando al sintético, siendo su obra la partidaria del
uso de objetos de la vida cotidiana en materiales artísticos.
2. Fränzi ante una silla tallada de Kirchner y La raya verde
de Matisse.
Autor: Ernst Ludwig Kirchner Autor: Matisse
Obra: Fränzi ante una silla Obra: La raya verde
tallada de Kirchner. Cronología: 1905
Cronología: 1910 Estilo: Fauvismo
Estilo: Expresionista alemán Técnica: Óleo
Técnica: Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Kirchner está realizada al óleo, en ella podemos observar a
una niña sentada en una silla con una figura femenina desnuda como
respaldo. La niña está situada en el lado izquierdo del cuadro, en ella
predomina el color verde, ya que su rostro y pelo son de ese color.
Lleva puesto una especie de jersey que contienen los colores verde,
azul y naranja. En el fondo del cuadro, además de la figura desnuda,
vemos varios colores que hacen que la figura del respaldo de la silla
destaque más. La luz del cuadro se podría decir que viene de frente,
iluminándole la cara a la mujer que está sentada.
La obra de Matisse también está realizada con el óleo, en ella podemos
observar un rostro femenino situado más o menos en el centro del cuadro.
la mujer lleva el pelo recogido en un moño y una especie de camiseta que
acaba en pico. En la obra podemos ver diferentes colores, el rostro de la
mujer tiene dos, vemos en la parte derecha un tono naranja suave, y en el
izquierdo un tono más amarillo, y justo en el centro de la cara una raya de
color verde lima. El color del pelo es en un tono azul muy oscuro y la
camiseta entre naranja y rosa, el cuello también tiene detalles blancos y
con colores azules y anaranjados. El fondo del cuadro tiene tres colores;
verde, rosa y naranja. La luz del cuadro viene de la parte izquierda.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
La obra de Kirchner está realizada en el año 1910 con el movimiento
expresionista alemán, caracterizado por la simplificación formal y el uso
arbitrario del color. En esta obra Kirchner, refleja la imagen de una niña
pequeña perteneciente a la clase más pobre, que se convertiría en la
musa y modelo de los artistas del movimiento.
La obra de Matisse está realizada en 1905 con el fauvismo. Matisse pinta
en esta obra el retrato de su mujer sobre un fondo plano que puede
recordar a la influencia de la estampa japonesa donde destaca el uso
arbitrario del color. Es la imagen interna que tiene el autor de su esposa.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Kirchner pertenece al movimiento expresionista alemán
caracterizado por la representación subjetiva, distorsionada y deformada
de la realidad. Fue uno de los padres del movimiento expresionista
alemán, su obra se caracteriza por la simplificación formal y un uso
arbitrario del color. Las típicas formas de Kirchner recuerdan a la xilografía,
con sus contornos de líneas gruesas y una autonomía del color sin
precedentes.
La obra de Matisse pertenece al fauvismo, que caracterizó por un empleo
excesivo del color. El revolucionario uso del color de Matisse cambió la
pintura y encabezó el fauvismo, siendo líder de este grupo.
CONCLUSIÓN
La obra de Kichner es muy importante para el expresionismo alemán,
además de ser él muy reconocido por sus maravillosos cuadros, esta obra
destaca por sus colores llamativos. La obra de Matisse también es muy
importante ya que da nombre al fauvismo, destacando su obra por el uso
del color.
3. Dance de Matisse y Las tres gracias de Rubens.
Autor: Pedro Pablo Rubens Autor: Henri matisse
Obra: Las tres Gracias Obra: La Danza
Cronología: 1630–1635 Cronología: 1910
Estilo: Barroco Estilo: Fovismo
Técnica: Óleo Técnica: Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Rubens está realizada al óleo, en ella podemos observar a tres
mujeres, las mujeres de los extremos están de perfil y la del centro de
espaldas. Las tres están representadas de manera interconectada, con
gestos y miradas que indican una relación cercana entre ellas. La
expresión facial y el gesto de las manos sugieren alegría y afecto. Las tres
figuras son robustas, con curvas pronunciadas, esta representación refleja
la la belleza femenina de manera sensual. Los colores son vibrantes; el
rosa, el dorado y el blanco, contribuyen a la sensación de lujo. La luz cae
sobre las figuras, realzando sus formas.
La obra de Matisse también está realizada al óleo, en ella podemos ver
figuras humanas desproporcionadas en círculo agarradas de la mano,
como si estuvieran bailando. Los cuerpos de los bailarines están
estilizados y reducidos a formas esenciales, eliminando detalles y
centrándose en el movimiento y la conexión entre las figuras. Los colores
vibrantes, como el verde intenso, el azul y el naranja, crean una sensación
de vitalidad y energía.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
La obra de Rubens está realizada entre los años 1630 y 1635, en la época
del barroco, que se caracteriza por el realismo, los colores ricos e intensos,
y fuertes luces y sombras, en oposición al arte renacentista. En esta obra,
Rubens representa a las tres diosas de la mitología griega: Aglae, Eufrosina
y Talía, cada una de las diosas simboliza un aspecto diferente de la gracia y
la belleza, y juntas personifican la armonía y la plenitud. La mitología
clásica proporciona un trasfondo rico que agrega profundidad y
significado a la obra.
La obra de Matisse está realizada en el año 1910, con fovismo, que se
caracterizó por un empleo excesivo del color. Matisse representa con esta
obra, como una representación de la alegría y la liberación. Las figuras
parecen estar inmersas en un estado de éxtasis, sugiriendo la importancia
del arte y la expresión creativa como formas de liberación y escape. Los
colores reflejan la pasión y la intensidad del acto de la danza.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Rubens pertenece al barroco, más concretamente al barroco
flamenco, caracterizado por el realismo y los colores ricos e intensos.
Rubens es uno de los artistas más importantes del barroco, siendo uno de
los mejores pintores de Europa en su época. La obra de Matisse pertenece
al fovismo, que se caracterizaba por el uso excesivo del color. El uso del
color de Matisse cambió la pintura, y se convirtió en el líder de este grupo,
es una de las piezas más icónicas del arte moderno y representa una
ruptura significativa con las convenciones artísticas tradicionales.
CONCLUSIÓN
La obra de Rubens, es una obra que encapsula la estética barroca,
destacando la maestría técnica del artista y su habilidad para representar
la belleza, la sensualidad y la vitalidad. La obra de Matisse ha dejado una
marca duradera en la historia del arte moderno gracias a su empleo del
color.
4. El papa Inocencio X de Francis Bacon y El papa
inocencio de Velázquez.
Autor: Francis Bacon Autor: Velázquez
Obra: El papa inocencio Obra: El papa inocencio
Cronología: 1953 Cronología: 1650
Estilo: Nueva figuración Estilo: Barroco
Técnica: Óleo Técnica: Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Bacon está realizada al óleo, es una transformación del cuadro
de Velázquez a uno más siniestro. En la obra se ve la figura del papa
sentado como en el cuadro original, solo que con el rostro desencajado.
En el cuadro destacan los colores; morado, amarillo, blanco y negro. El uso
de tonos en contraste (morado y amarillo, por ejemplo) da un realce al
personaje, destacando las pinceladas gruesas y difuminadas del fondo, la
figura emerger de entre la cortina de pintura utilizada con principal
protagonismo en su rostro y manos del Papa.
La obra de Velázquez es un retrato del papa Inocencio, está sentado en
una silla con una mirada que parece que este observando a quién mire la
obra. Los colores destacados son el rojo, que lo vemos en diferentes
tonalidades, el blanco y el amarillo. La luz le da directamente en frente,
iluminando su cara y la vestimenta.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
La obra de Bacon está realizada en el año 1953, con la Nueva
Configuración, un movimiento artístico, es una vuelta a la pintura
figurativa después de tanto expresionismo abstracto y otros tipos de
abstracción. Esta obra de Bacon es un estudio al cuadro original de
Velázquez transformado de manera que busca transmitir la belleza de la
putrefacción humana como fin necesario y no negociable con la vida.
la obra de Velázquez está realizada en el año 1650 en la época barroca,
caracterizada por el uso excesivo del color. Velázquez consigue que esta
obra te produzca un impacto psicológico al mirarlo. Aunque se abandona
el tenebrismo, se siguen marcando los contrastes entre luces y sombras.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Bacon pertenece a la nueva configuración, un movimiento
artístico que vuelve a la pintura figurativa, donde se le da más
protagonismo a la figura humana. Bacon consigue con esta obra una
nueva forma de ver este cuadro tan famoso de manera más siniestra pero
a la vez bonita de ver. La obra de Velázquez pertenece al periodo del
barroco que se caracteriza por sus colores intensos.
CONCLUSIÓN
Las dos obras son importantes en el mundo del arte, ya que la de
Velázquez nos produce un sentimiento al verla gracias a su perfección del
color y acabado impresionante, siendo una de las obras más destacadas
del barroco. Y Bacon nos hace ver este cuadro de manera diferente
causando otro tipo de sentimiento al verlo.
5. La libertad guiando al pueblo de Delacroix y El
Fusilamiento de 2 de mayo de Goya.
Autor: Eugène Delacroix Autor: Francisco Goya
Obra: La libertad guiando al pueblo Obra: Fusilamiento del 2 de mayo
Cronología: 1830 Cronología: 1814-1815
Estilo: Romanticismo Estilo: Romanticismo
Técnica: Óleo Técnica: Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Delacroix está realizada con óleo, en ella podemos ver varias
figuras humanas, unas en el suelo y otras de pie, en una guerra. El
personaje principal de la obra es una mujer situada casi en el centro
sosteniendo una bandera de Francia. Delacroix utiliza una composición
dinámica, La diagonal formada por la barricada y la figura de la Libertad
crea un sentido de movimiento ascendente, simbolizando la lucha y la
aspiración hacia la libertad. Los colores vibrantes y expresivos son una
característica distintiva del estilo de Delacroix. Utiliza tonos cálidos y
contrastantes para destacar la intensidad emocional del momento.
La obra de Goya también está realizada al óleo, en ella podemos ver como
un grupo de personas colocado en fila apunta a otro con rifles. Goya
emplea una composición dramática para resaltar la brutalidad del evento.
El punto focal es el grupo de ciudadanos españoles que están siendo
ejecutados por un pelotón de fusilamiento francés. La disposición de los
personajes y la iluminación enfocan la atención del espectador en la
tragedia central.
Goya utiliza hábilmente el contraste de luz y sombra para enfocar la
atención en las figuras principales y crear un ambiente oscuro y sombrío.
La luz ilumina la escena central, destacando la tragedia y acentuando las
expresiones faciales. El color en la pintura es sombrío y apagado,
contribuyendo a la atmósfera de tristeza y desesperación. La paleta de
colores oscuros refuerza el tono sombrío de la obra. A pesar de la
tragedia, algunos de los ciudadanos representados en la obra muestran
signos de resistencia y coraje. Un hombre levanta el brazo en un gesto de
desafío, simbolizando la resistencia ante la opresión.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
La obra de Delacroix está realizada en 1930 y pertenece al romanticismo.
Delacroix incluye una variedad de personajes en la pintura, desde
estudiantes y trabajadores hasta soldados. Esta diversidad representa la
participación generalizada en la lucha por la libertad y refleja la idea de
que el pueblo unido puede lograr un cambio significativo. La figura de la
Libertad, representada como una mujer, sostiene la bandera francesa y
lleva con ella un rifle. Su postura erguida y decidida simboliza la
determinación y el liderazgo en la búsqueda de la libertad.
La obra de Goya está realizada entre 1814 y 1815 y pertenece al
romanticismo. La pintura puede interpretarse como una condena de la
violencia de la guerra y la brutalidad de la ocupación extranjera. Goya, a
través de esta obra y otras relacionadas con la Guerra de la
Independencia, ofrece una visión cruda y crítica de los horrores de la
guerra.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Delacroix celebra la Revolución de julio de 1830 en Francia, que
llevó a la caída del rey Carlos X. El tema central es la personificación de la
Libertad liderando a un grupo diverso de revolucionarios hacia la victoria.
La obra de Goya captura un momento clave durante la ocupación francesa
de España en 1808 y la subsecuente Guerra de la Independencia Española.
El 2 de mayo de 1808, los madrileños se levantaron contra las tropas
francesas, y la obra representa la brutal represión que siguió a esta
revuelta.
CONCLUSIÓN
El impacto visual y simbólico de la obra de Delacroix, la ha convertido en
una de las pinturas más emblemáticas de la historia del arte francés.
La obra de Goya es una obra maestra que va más allá de la representación
histórica para capturar la esencia humana en medio de la guerra y la
opresión. Es un testimonio conmovedor y potente de los horrores de la
guerra y la lucha por la libertad.
6. La balsa de la Medusa de Géricault y La muerte de
Sardanápalo de Delacroix
Autor: Théodore Géricault Autor: Eugène Delacroix,
Obra: La balsa de la medusa Obra: La muerte de Sardanápalo
Cronología: 1818-1819 Cronología: 1827
Estilo: Romanticismo Estilo: romanticismo
Técnica: Óleo Técnica: Óleo
ANÁLISIS MATERIAL Y FORMAL
La obra de Géricault está realizada al óleo, utiliza una composición
impactante para resaltar el dramatismo de la situación. El bote, que está
en un ángulo diagonal, resalta la desesperación y el caos de la escena. La
composición también sugiere la lucha por la supervivencia en medio de las
olas tumultuosas. Emplea un realismo detallado para retratar la
desesperación y la agonía de los náufragos. Los cuerpos demacrados y los
rostros angustiados reflejan el sufrimiento humano en condiciones
extremas. La obra utiliza contrastes pronunciados de luz y sombra para
resaltar la intensidad emocional y la desesperación en la escena. La luz cae
sobre las figuras centrales, mientras que las áreas sombreadas aumentan
la sensación de desesperanza. La paleta de colores en la pintura es
sombría y dominada por tonos terrosos y grises. Este uso del color
contribuye a la atmósfera sombría y desesperada de la obra.
La obra de Delacroix también está realizada al óleo, la composición de la
pintura es caótica y dinámica. Delacroix utiliza líneas diagonales y curvas
para crear un sentido de movimiento y energía frenética en la escena. La
disposición de los cuerpos y los elementos arquitectónicos contribuye a la
sensación de caos.
Incorpora detalles exóticos y orientales en la vestimenta y la arquitectura,
lo cual refleja el interés del Romanticismo en temas exóticos y lejanos.
La paleta de colores de Delacroix es rica y vibrante, con tonos intensos de
rojo, dorado y azul. Estos colores contribuyen a la expresividad de la
pintura y refuerzan las emociones intensas que se representan.
ANÁLISIS ESTILÍSTICO
La obra de Géricault está realizada entre 1818 y 1819 y pertenece al
romanticismo. En esta obra, Géricault llevó a cabo extensos estudios
anatómicos de cadáveres y partes del cuerpo para lograr una
representación precisa de la condición física de los náufragos. Este
enfoque en la anatomía refuerza la sensación de realismo y autenticidad
en la obra. También puede interpretarse como una crítica social y política.
La pintura provocó controversia en su época debido a su representación
cruda y directa de los eventos y su comentario sobre la incompetencia y
corrupción en la gestión del desastre.
La obra de Delacroix está realizada entre 1827 y pertenece al
romanticismo, la pintura retrata un festín lujoso y opulento en el que
Sardanápalo, enfrentando la inminente derrota y muerte, ha decidido
destruir todo como un acto final de desafío. Los objetos de lujo, la joyería y
la ropa lujosa resaltan la idea de un gobernante decadente que prefiere la
destrucción antes que la derrota. Sardanápalo no está siendo asesinado
por fuerzas externas, sino que está tomando la decisión de morir
voluntariamente. Esta interpretación subraya la idea romántica de la
libertad individual frente a la opresión y la inevitabilidad de la muerte.
CONTEXTO HISTÓRICO
La obra de Géricault se basa en el trágico naufragio de la fragata Medusa,
que encalló en la costa de Senegal en 1816. Un grupo de sobrevivientes
quedó varado en un bote improvisado y tuvo que enfrentarse a
condiciones extremadamente precarias, incluyendo el hambre y la
deshidratación. La obra de Delacroix fue controversial en su época debido
a su estilo expresivo y temáticas audaces. La representación de la violencia
y la destrucción, así como la elección de un tema oriental, generaron
críticas y debate.
CONCLUSIÓN
Esta obra maestra de Géricault es conocida por su impacto emocional y su
representación realista de un momento trágico en la historia. "La balsa de
la Medusa" es un testimonio poderoso de la lucha por la supervivencia en
situaciones extremas y una obra influyente en la historia del arte francés
del siglo XIX.
La obra de Delacroix es una obra maestra del Romanticismo que
encapsula la intensidad emocional, la rebeldía contra las convenciones y la
fascinación por lo exótico que caracterizaban a este movimiento artístico
del siglo XIX.
