Tema 7

La forma artística
Metodologías de la imagen
Las metodologías, aunque partan de la documentación, se aproximan a la imagen que ofrece la Hª
del arte. Las distintas metodologías son:
➢ Formalismo: Estudia las relaciones formales que la imagen lleva en su propia existencia.
➢ Iconología: Necesita la imagen en todo momento pues sobre esa imagen descansa toda su
interpretación.
➢ La Gestalt o Psicología de la Forma: Se ocupa de la obra en términos plásticos como
color, línea, movimiento y forma, pero desde la percepción de la obra, desde la estética.
Introducción al Formalismo
Antecedentes
Desde la época de Vasari, a mediados del siglo XVI, el análisis de las formas fue ya una de las
bases tradicionales de la historiografía artística. De hecho, Vasari en su obra, su esquema general de
ordenación de artistas y su propio juicio artístico descansan en la observación formal de las obras.
Durante el siglo XVII, la Academia Francesa de Bellas Artes dedicó amplios esfuerzos a la
reflexión sobre la descripción formal de las obras de arte. Surgió así el atribucionismo, ideado por
Giovanni Morelli, que se basaba en el análisis de elementos particulares, atendiendo a la
comparación de detalles. Un ejemplo de esto es la obra de “La Piedad”, de Luis de Morales.
Las direcciones en las que el formalismo se desarrolla son numerosas, aunque todas coinciden en
relegar el contenido de la obra en favor de la forma representativa. Estas son:
 Teoría de la Pura Visibilidad: Núcleo de arranque del formalismo. Estética postkantiana.
Desarrollada principalmente en Alemania por Heinrich Wölfflin.
 Formalismo antihistoricista: Desarrollado en Francia por Henri Focillon.
 La crítica formalista: Desarrollada en Inglaterra y Roger Fry.
 La escuela italiana: Desarrollada en Italia por Lionello Venturi.
 Combinación del análisis formal y el filológico: Representado por Bernard Berenson.

Teoría de la Pura Visibilidad

Johann Friedrich Herbart (1776-1841)
Fue el pionero en la actitud objetiva y no idealista de la estética del momento, siendo así maestro de
Zimmermann. Surge, así, el análisis de la belleza simple de las cosas.
Al igual que Kant, busca las formas puras, que son un sistema de relaciones formales que dan
uniformidad a la apariencia sensible, en contra de su significado.
Robert Von Zimmermann (1824-1898)
En la misma linera que Herbart y Fiedler, propone el estudio del contenido (Psicología) y el análisis
de la imagen (Estética). Se preocupa por la clasificación de las artes de un modo más elaborado
(material, percepción y pensamiento).
Introduce la subjetividad en la elaboración de las formas que son elegidas por el pensamiento
(grande, pequeña, fuerte...).
Konrad Fiedler (1841-1895)
Formula la teoría revisando ciertos principios kantianos, tomando para ello 2 afirmaciones que son:
- La existencia de formas a priori para el conocimiento.
- La distinción entre una percepción objetiva y otra subjetiva.
Según Fiedler, la recogida de datos es un trabajo previo y necesario para “seguir la historia de las
formas en las que se revela la capacidad artística del hombre”.
Adolf Von Hildebrand (1847-1921)
Amigo de Fiedler, fue quien reelaboró la teoría de la Pura Visibilidad hasta convertirla en un
auténtico formalismo, partiendo de la identificación entre forma y visión. Para ello, propone un
modelo de estudio centrado únicamente en el análisis de la forma y su percepción, proponiendo las
relaciones entre forma y movimiento, efecto, apariencia, espacio, superficie, profundidad, relieve y
función.
Además, define el arte por su relación estrecha con las leyes de la forma, en detrimento de la
independencia del artista.
En su propuesta distingue 2 formas de visión: la visión cercana o táctil, que sería la analítica e
impresiones del ojo; y la visión lejana u óptica, que sería la mirada del propio artista.
Este desdoblamiento de la visión se reproduce al intentar una definición formal de la realidad.
Así, distingue entre:

• Formas reales (Daseinsform): Es la forma que reconocemos como aquel factor de la

apariencia que solo depende del objeto.
• Formas aparentes (Erscheinungsform): Es el modo como se muestra la realidad, la forma
del efecto que la realidad produce en nosotros, compuesto por el producto común del objeto,
por una parte, y de la iluminación, del entorno y del punto de vista cambiante, por otra. Este
tipo de formas despierta en el espectador sensaciones de espacio, movimiento y sentimiento
que dan lugar a la creación artística.
Métodos formalistas
Heinrich Wölfflin (1864-1945)
Wölfflin fue un historiador del arte, que definió esta disciplina como una historia sin nombres, en la
que los estilos están desligados del contexto socioeconómico y la cultura, a través de dos conceptos
fundamentales: Renacimiento y Barroco, entendidos no como momentos históricos concretos, sino
como categorías universales opuestas.
Para Wölfflin lo prioritario es la evolución de la forma, sujeta al cambio de mentalidad y
sensibilidad de la época, pero, sobre todo, sujeta a unas leyes que hace que evolucione, llamadas
leyes del estilo.
Para indagar en la configuración del estilo, prescinde de los artistas y parte de una Hª del arte sin
nombres. Así, para él, el estilo posee 3 vertientes:
• Componente individual
• Componente nacional
• Componente de la época.
Para ello, Wölfflin introduce un relativismo fundamental por el cual los estilos no deben compararse
con un modelo exterior considerado superior, sino que los estilos deben considerarse en sí mismos.
Uno de los aspectos más conocidos de la sistematización de Wölfflin es la elaboración de cinco
conceptos, en los cuales se encierra la evolución del Renacimiento al Barroco:

1. Evolución de lo lineal a lo pictórico: Paso de la representación basada en líneas, donde los

elementos se aíslan a la basada en la apariencia ilimitada.
2. Evolución de lo superficial a lo profundo: La visión clásica es a base de planos o capas y
la barroca a base de acentuar el deseo del espacio en profundidad.
3. Evolución de la forma cerrada a la forma abierta: Toda obra de arte debe estar cerrada
sobre sí misma, pero el Barroco acentúa esta apertura hasta convertirla en un rasgo de su
estilo a diferencia del clasicismo.
4. Evolución de lo múltiple a lo unitario: En ambos estilos se busca la unidad. El clasicismo
lo hace mediante la armonía y el barroco mediante la concentración de partes en un motivo o
la subordinación de elementos bajo la hegemonía de otro.
5. Evolución de la claridad absoluta a la claridad relativa de los objetos: Se identifica con
los conceptos de lo lineal, que lleva a la claridad de percepción; y lo pictórico, que lleva a la
difusión de contornos.
Estos 5 conceptos elaborados para dar respuesta al paso de la forma de representación renacentista a
la barroca son principios universales. Gracias a ellos, hay una capacidad de evolución del arte lineal
al pictórico.
Criticas al método de Wölfflin
Este método es criticado por la idea de el arte, no necesariamente tiene esa polaridad entre
Renacimiento y Barroco; ni las vertientes de cada periodo se presentan siempre con la misma
exactitud; ni nada puede ser siempre tan rígido, pues siempre hay matices.
Henri Focillon (1881-1943)
Su postulado central, resumen de su visión del arte, desde la naturaleza formal es: "La obra de arte
sólo existe en cuanto que es forma". Analiza las formas y sus relaciones entre sí.
En su obra “Vida de las formas” de 1934, es la obra culmen de su teoría formalista. Para él, la forma
ostenta la primacía absoluta de la obra, dado a que configura el espacio y es invariable, mientras su
significación se someten constantemente a cambios. Los significados se unen a las formas.
La forma se significa y se expresa a sí misma, no es imagen ni signo y no hay definición de forma.
“La vida es forma y la forma es el modo en que acontece la vida”. La vida de las formas es la vida
de los estilos. El estilo “son los elementos formales que componen un repertorio, un vocabulario”.
Cada estilo atraviesa varias edades:
• Experimental: Periodo de tentativas hacia la definición (Se suceden con rapidez).
• Clásica: Fijación de las formas.
• Refinada: Recreación y explotación del fragmento (manifestación de individualidades).
• Barroca: Las formas se liberan y se vuelve a lo ornamental (convergencia con la 1º fase).
Además, Focillon define la vida de las formas en 5 apartados que son:
1. El mundo de las formas.
2. Las formas en el espacio.
3. Las formas en la materia.
4. Las formas en el espíritu.
5. Las formas en el tiempo.
Bernard Berenson (1865-1959)
Berenson fue uno de los grandes divulgadores del formalismo, siendo su objetivo la búsqueda de
estímulos psicológicos, sensaciones o estados de ánimo que produce la obra en el espectador y que
son causados por las formas a través de la visión. Perfeccionó el método atribucionista de Morelli y
lo aplicó a la pintura italiana primitiva y del Renacimiento.
La obra de arte es el producto de la actividad de la mente, pero no de la actividad misma. Así,
define al arte como un medio para intensificar la vida y vincula los problemas del pasado con los
del presente, llegando a la conclusión de que la Historia debe reescribirse continuamente. Además,
piensa que cada estilo aspira a la exclusividad, por lo que el arte debe prescindir de personalidades.
Los medios formales de los que dispone la obra son:
 Valores táctiles: Son los que componen la propia forma figurativa, el dibujo que despierta
una ilusión de realidad y produce una sensación táctil.
 Movimiento: Es la energía manifiesta que vitaliza los trazos que limitan una obra y los
delineamientos de todas las partes dentro de esos límites, la composición espacial de valores
respiratorios.
 Proporción, disposición y color: Son medios formales que se encuentran en 2º término.
Roger Fry (1866-1934)
Influenciado por Berenson, este pintor e historiador inglés dirigió el Metropolitan Museum de NY y
en 1910 organizó la 1º exposición postimpresionista. Divide la actividad mental en dos vertientes:
➢ Instintiva: Dominada por el espíritu práctico. La actividad y la conducta son su expresión.
➢ Imaginativa: Contemplativa y sintetizadora, ajena a la finalidad práctica y a los problemas
morales.
Esta actividad se expresa por el arte (óptica) con la visión estética, que afecta a todos, y la visión
creativa, exclusiva de los artistas.
Su obra, “Ensayo sobre estética” (1909), cataloga los medios sobre los cuales el arte obtiene los
valores emocionales que son: ritmo de la línea, masa, espacio, luz y sombra, color y, por último,
inclinación del plano.
Clive Bell (1881-1964)
Colaborador de Fry. En 1910 publica “Arte”, en el que expresa su concepto de “significant form”,
donde explica que la forma del arte, combinación de líneas, colores, espacios... es la causa de la
emoción estética.
Reniega del valor científico de la Hª del arte. Para él, el rasgo distintivo del arte es la creación de
formas significantes, una organización de formas dentro del significado completo de una emoción
particular. La forma significante es una evidencia que se manifiesta como algo misterioso, es decir,
como una experiencia religiosa o mística.