MEMORIA
CULTURA AUDIOVISUAL CONTEMPORÁNEA
ÁNGELA ÁLVAREZ GONZÁLEZ
2º DIRECCIÓN ESCÉNICA Y DRAMATURGIA
LAS VANGUARDIAS
Las vanguardias cinematográficas, también conocido como cine de vanguardia, fueron una
serie de movimientos cinematográficos que se desarrollaron en el siglo xx de forma paralela a
las vanguardias pictóricas.Entre las Vanguardias cinematográficas se encuentran diferentes
corrientes cinematográficas más específicas, como fueron el cine simultaneista, cine
surrealista, expresionista alemán, impresionismo cinematográfico francés, cine abstracto, cine
figurativo o el constructivismo soviético.
Los grandes cambios políticos y sociales ocasionados con la llegada del siglo XX
promovieron profundamente los rompimientos que los movimientos de vanguardia
produjeron en el arte clásico, ya que una gran parte fue causado por las guerras, que
agudizaron la idea de ponerse en contra de la lógica, la moral, el honor, la patria, la familia y
la religión. Todos estos elementos, que estaban considerados como convencionales y que
formaban parte de un pasado que los vanguardistas rechazaban desde múltiples puntos de
vista.
Diferentes libros:
Qué es el cine de André Bazin
Para él, el cine es el arte de lo estrictamente real, puesto que tiene la habilidad de captar la
realidad, no solo para poder representarla, sino para elaborar un contenido fílmico verdadero
aunque este no lo sea. En sus escritos, se sostiene la teoría de que la realidad y el arte
alcanzan su mayor conexión en el cine, debido a que es el único soporte capaz de
representarla fielmente, sin ninguna manipulación de por medio. A raíz de todo lo bueno que
otorga la realidad a la imagen, el cine confecciona un lenguaje con el fin de crear su propio
espacio, promulgando que a través de sus palabras, el cine tenía las herramientas necesarias
para poder crear un mundo imaginario y artificial, de modo que el espectador, acepte que
dicha ilusión es real. Con esto, André Bazin divulgaba la necesidad ontológica del cine, ya
que no sólo buscaba reproducir lo real gracias al respeto fotográfico de la unidad de la
imagen, sino honrar a la acción dentro de un espacio. Todo esto viene a decir que el cine
debe buscar tanto la sumisión a lo real como al tiempo y a la acción dentro del espacio
cinematográfico. El autor dice <<el montaje sólo se puede utilizar en sus límites precisos
(…) Cuando lo esencial de una situación depende de una presencia simultánea de dos o
más factores de la acción, el montaje está prohibido>>
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Teorías del cine de Robert Stam
Este libro ofrece una historia exhaustiva de las teorías del cine durante el siglo XX.
El texto recorre el camino que va desde teóricos del cine mudo, como lo son Vachel
Lindsay y Hugo Munsterberg, hasta los últimos capítulos de la teoría cinematográfica
y los estudios culturales, como la teoría cognitiva, Deleuze, la teoría homosexual, la
teoría poscolonial o la teoría digital. Este autor contextualiza la teoría del cine dentro
de corrientes históricas y filosóficas de carácter general.
Así se hacen las películas de Sidney Lumet
El libro combina las lecciones sobre cine con algunas anécdotas sobre las estrellas de la
industria, haciendo así una lectura muy entretenida para el lector. Sidney Lumet repasa
su filmografía y cuenta cómo se enfrentó a todo tipo de problemas, desde los ensayos y
la preproducción, al rodaje, el montaje y el estreno de las películas. También se habla de
guión, de cámara y de cómo tratar con los actores, poniendo de ejemplo películas
clásicas y muy recomendadas. A lo largo de 13 capítulos, te habla de una manera
sincera y exhaustiva sobre el cómo se ha trabajado en sus películas, dando información
sobre los retos, los desencuentros, las alegrías, los fracasos… pero sobre todo, el amor por
contar historias a través de una cámara.
Lecciones de cine
En este libro, Laurent Tirard entrevista a 21 de los directores de cine más importantes
del momento y nos deja ver cual es la verdadera esencia del oficio cinematográfico. En
estas entrevistas los directores hablan tanto de su visión del cine como de sus técnicas,
enseñando las diferencias entre personas, al tiempo que nos ayudan a entender lo que
hace único a cada cineasta, enseñando así que todos los cineastas poseen un método
secreto y puntos de vista diferentes para realizar sus películas.
Uno de los ejemplos es que a Martin Scorsese le gusta preparar diferentes tomas y de
manera muy precisa, para tener la oportunidad de cambiarlo todo si lo considera necesario.
En cambio, Lars von Trier no busca un plano reflexionado con anterioridad hasta que no llega
el momento de comenzar a rodar.
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La sociedad del espectáculo de Guy Debord
A través de las 221 tesis cortas que posee el libro, Debord habla sobre el desarrollo
de una sociedad moderna en la que, y cito textualmente, todo lo que una vez fue
vivido directamente se ha convertido en una mera representación, argumentando así
nuestro autor que la historia de la vida social se puede entender como la declinación
de un ser en tener, y de tener en simplemente parecer. El espectáculo es la imagen
invertida de la sociedad, dejando claro que las relaciones entre mercancías han
suplantado relaciones entre la gente, en quienes la identificación pasiva con el
espectáculo suplanta la actividad genuina.
La sociedad del espectáculo proporciona una reinterpretación extensa del trabajo de Marx,
sobre todo en su aplicación del fetiche de la mercancía a los medios de comunicación
contemporáneos, ampliando los conocimientos en el concepto de la enajenación para incluir
la actividad más allá del trabajo, y exponiendo la política espectacular común de los
regímenes soviético y estadounidense.
La cita 29 es una de mis favoritas y dice lo siguiente: El origen del espectáculo es la pérdida
de unidad del mundo, y la expansión gigantesca del espectáculo moderno expresa la
totalidad de esta pérdida: la abstracción de todo trabajo particular y la abstracción general
del conjunto de la producción se traducen perfectamente en el espectáculo, cuyo modo de ser
concreto es justamente la abstracción. En el espectáculo una parte del mundo se representa
ante el mundo y le es superior. El espectáculo no es más que el lenguaje común de esta
separación. Lo que liga a los espectadores no es sino un vínculo irreversible con el mismo
centro que sostiene su separación. El espectáculo reúne lo separado, pero lo reúne en tanto
que separado.
También me gusta mucho la cita 54: El espectáculo, como la sociedad moderna, está a la vez
unido y dividido. Como ella, edifica su unidad sobre el desgarramiento. Pero la
contradicción, cuando emerge en el espectáculo, es a su vez contradicha por una inversión
de su sentido; de forma que la división mostrada es unitaria, mientras que la unidad
mostrada está dividida.
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Muchos artistas que ampóllanos la rev de Lenin como einstentein ven limitada la posibilidad
de crear y se su Ida no mueren por el régimen de stalin cuando sube al poder con la muerte de
Lenin
Películas
Barrejón: El encargado
Este corto nominado a los Goya en 2009, y dirigido por Sergio Barrejón, nos ayuda a
llegar a una reflexión sobre el bullying y el acoso escolar. Habla sobre la propia
responsabilidad que tenemos todos y todas ante otros y habla también sobre la necesidad
de la víctima ante un altercado de que se demuestre la verdad, añadiendo así la búsqueda
de empatía, cercanía, y observación del resto.
El final, muy metafórico, tapa los nombres escritos en la pizarra , entre el que se
encuentra el del alumno que molesta a Martín, siendo este su agresor. El nombre queda
oculto, pero el daño queda ahí, reclamando que algún adulto o algún observador de los
hechos persistentes desvele la verdad y saque a la luz ese maltrato para poder actuar y ponerle
fin. PODEMOS VER EL PLAN DE RODAJE EN LA CARPETA DE LA ASIGNATURA.
Sidney Lumet: Tarde de perros
La película transcurre en el verano de 1972, donde la canícula se abate sobre Nueva York.
La trama habla sobre dos vecinos de Brooklyn, Sonny Wortzik y Salvatore Naturile, los
cuales asaltan un banco con un plan absurdo, donde los ladrones sin ningun tipo de
experiencia buscan conseguir un botín que permita a Sonny pagar la operación de cambio
de sexo de su novio, Leon Shermer. Lo que ellos no saben es que el banco no tiene
fondos, pues estos han sido retirados unas horas antes. Sonny y Salvatore se ven atrapados en
un callejón sin salida y cuando son cercados por la policía, deciden secuestrar a un grupo de
rehenes y plantean sus exigencias. El suceso llama la atención de los medios de
comunicación, que informan del atraco, planteando así una historia basada en hechos reales.
Charles Laughton : La noche del cazador
Durante los años de la depresión, un padre de familia, cansado de la miseria decide
atracar un banco, siendo por ello juzgado y en la cárcel lo condenan a la ejecución.Al no
haber dicho donde había escondido el dinero la pena aumenta, compartiendo celda con
Harry Powell, conocido como el Predicador, siendo este un enemigo que había sido
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detenido por una pena menor. Ben está casado con Willa y tiene dos hijos, John y Pearl,
estando los menores con él cuando le detuvieron, por lo que ellos saben dónde está el dinero
del robo, pero han jurado no decirlo a nadie. Ben morirá en la horca y el Predicador, una vez
cumplida su condena, llegará un día al pueblo donde malviven Willa y los pequeños John y
Pearl.
David Lynch; Terciopelo azul
La historia sigue a Jeffrey Beaumont, un joven estudiante universitario que regresa a su
tranquila ciudad natal después de la hospitalización de su padre.
Un día, mientras camina por un descampado, Jeffrey encuentra una oreja humana cortada
y decide investigar el asunto por su cuenta, lo que le lleva a adentrarse en un oscuro y
perturbador submundo que existe bajo la fachada de su ciudad. Con la ayuda de la hija de
un detective llamada Sandy (interpretada por Laura Dern), Jeffrey se sumerge en un
peligroso juego de secretos, sadomasoquismo y corrupción.
Terciopelo azul es conocida por su atmósfera inquietante y su narrativa surrealista, añadiendo
temas perturbadores, explorando la dualidad de la vida suburbana y los deseos oscuros que
pueden esconderse detrás de las apariencias.
Zach Lipovsky y Adam B. Stein: Freaks
Es un thriller de ciencia ficción que sigue la historia de una niña llamada Chloe, que vive
con su padre encerrado en su casa. Su padre le ha inculcado el miedo al mundo exterior y
le ha enseñado a ocultar sus habilidades especiales, ya que Chloe tiene poderes
telequinéticos y la capacidad de leer la mente de las personas. Su padre la mantiene
oculta para protegerla de una misteriosa agencia gubernamental, la cual busca a personas
con habilidades especiales como ella. Chloe decide escapar de su encierro.
Chloe descubre a un grupo de personas marginadas conocidos como "freaks". Entre ellos se
encuentra Mr. Snowcone (interpretado por Bruce Dern), un hombre con poderes similares a
los de Chloe. Freaks es una película que explora temas de identidad, discriminación y la
lucha por la aceptación en una sociedad que teme y rechaza a aquellos que son diferentes.
Ernst Lubitsch: Ninotchka
Esta es una comedia romántica estadounidense, la cual sigue la historia de Nina
Ivanovna "Ninotchka" Yakushova, una estricta comisaría soviética enviada a París para
supervisar la venta de joyas confiscadas durante la Revolución Rusa.
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Ella llega a París con la misión de asegurar que el comerciante capitalista Leon d'Algout
pague al gobierno soviético lo que le corresponde por las joyas, pero será su actitud fría y
rígida hará que se enamore de ella al instante. La visión de la vida de la muchacha cambia
radicalmente tras su visita a París, descubriendo la libertad y el amor. Finalmente ella se
enfrenta a un dilema entre sus sentimientos y su lealtad hacia su país y sus ideales
comunistas, presentando en la película una visión humorística de los estereotipos y las
diferencias culturales entre el Este y el Oeste.
Luis Buñuel: Simón del desierto
Es una película estrenada en 1965 y es considerada una de las obras más
emblemáticas y controvertidas del director. La película narra la historia de Simón, un
santo eremita que vive en la cima de una columna en medio del desierto,intentando
buscar la santidad y resistir así a las tentaciones del mundo terrenal. A lo largo de la
película, Simón es tentado por el diablo en diversas formas y se enfrenta a pruebas
que ponen a prueba su fe y su determinación.
Es de estilo surrealista y da una gran crítica social y religiosa, utilizando elementos
simbólicos y surrealistas para explorar la naturaleza humana, la tentación y la lucha entre el
bien y el mal.
Ingmar Bergman: Persona
Película sueca de 1966. Este se trata de un drama psicológico que abarca temas como
la identidad, la comunicación y la naturaleza de la realidad, centrando su trama en dos
mujeres, siendo estas Alma, una enfermera y Elisabet, una actriz famosa que
repentinamente ha quedado en silencio y tendrá que ser cuidada. Alma lleva a Elisabet
a una casa de verano aislada para facilitar su recuperación y con el paso del tiempo
Alma empieza a abrirse emocionalmente a Elisabet, compartiendo sus pensamientos
más profundos y sus experiencias personales. Sin embargo, Elisabet se mantiene en
silencio y parece estudiar y analizar a Alma en silencio.Durante la obra las dos mujeres
Esta es una película que desafía las convenciones narrativas tradicionales y explora la
psicología humana de una manera introspectiva y profunda.
Robert Aldrich: ¿Qué fue de Baby Jane?
Es una película estadounidense de 1962, siendo un thriller psicológico que sigue la
historia de dos hermanas, antiguas estrellas del cine, que viven juntas en una mansión
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en decadencia. La historia habla de Jane Hudson la cual fue una estrella infantil conocida
como "Baby Jane" en la década de 1920, mientras que su hermana Blanche tuvo una carrera
muy exitosa en su juventud, pero esta quedó paralizada en un misterioso accidente
automovilístico del cual Jane fue considerada responsable. Con el paso de los años Jane se
vuelve cada vez más amargada y su relación se vuelve tóxica y destructiva teniendo una
tensión entre las hermanas, la cual crece cuando Jane descubre que Blanche planea vender la
casa familiar y alejarse de ella, dejando a Jane ahogada en un bucle de locura y crueldad,
llevando a cabo actos sádicos para mantener a Blanche cautiva en la casa.
Nacho G. Velilla: Guia para pervertidos
Es una película española de comedia la cual cuenta la historia de un vendedor de
enciclopedias sin éxito que se encuentra en una situación financiera desesperada.
Cuando este se encuentra al borde de la quiebra laboral, se le presenta la oportunidad
de convertirse en guía turístico para un excéntrico cliente inglés llamado Edward, sin
embargo, hay un giro inesperado y es que Edward no está interesado en los lugares
turísticos típicos, sino en explorar el lado más oscuro y pervertido de la ciudad de
Madrid. A lo largo de la película, el protagonista se encuentra con una variedad de
personajes y situaciones hilarantes y controversiales, mientras Edward le enseña a disfrutar
de la vida de una manera inusual.
Orson Welles: Ciudadano Kane .
Nos habla sobre la vida del magnate de los medios de comunicación, Charles Foster
Kane. La historia comienza con la muerte de Kane, quien pronuncia su última palabra,
"Rosebud", antes de fallecer, lo que despierta la curiosidad de un grupo de periodistas,
quienes se proponen descubrir el significado detrás de esa palabra y qué impulsó a
Kane a convertirse en un hombre tan poderoso y controvertido.
La película desvela la historia de su ascenso al poder y las circunstancias que lo
llevaron a su caída. A pesar de su riqueza y éxito, Kane se enfrenta a la mayor soledad
y la insatisfacción emocional, buscando el amor y la felicidad en su vida, sin
conseguirlo. "Ciudadano Kane" es aclamada por su técnica cinematográfica innovadora,
como el uso del montaje, la profundidad de campo y la narrativa no lineal.
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Fritz Lang: El vampiro de Düsseldorf .
Está basada en los crímenes reales cometidos por Peter Kürten, conocido como el
"Vampiro de Düsseldorf", un asesino en serie que aterrorizó a la ciudad en la década de
1920. La trama sigue los pasos de Hans Beckert, el cual es un perturbado asesino en
serie que selecciona a niños como sus víctimas, causando un gran alboroto y pánico en
la ciudad de Düsseldorf, ya que las autoridades y la población están desesperadas por
capturarlo. "El vampiro de Düsseldorf" es considerada una obra maestra del cine
expresionista alemán, conocido por su estilo visual impactante y atmosférico, siendo
un thriller psicológico que habla sobre la moralidad, la responsabilidad colectiva y la
relación entre el individuo y la sociedad.
Lumiere: L'arrivée d'un train à La Ciotat
Este es un cortometraje francés de los hermanos Lumière, Louis Lumière y Auguste
Lumière, producido en 1895, siendo considerado uno de los primeros filmes de la
historia del cine. Este cortometraje muestra una escena muy simple a ojos de la
actualidad, ay que es la llegada de un tren a la estación de La Ciotat en Francia. La
cámara está ubicada en un ángulo que da la sensación de estar justo en el camino del
tren. A medida que el tren se acerca a toda velocidad, parece que se dirige
directamente hacia el espectador. "L'arrivée d'un train à La Ciotat" representa un
momento muy importante dentro de la historia del cine, ya que marcó el comienzo de
la proyección pública de películas
Chris Marker: La Jeteé
Este es un cortometraje francés experimental, siendo conocido por su estilo narrativo
único y su uso de fotografías fijas en lugar de secuencias de imágenes en movimiento.
Su trama se basa en un futuro post apocalíptico, después de la Tercera Guerra Mundial,
contando la historia de un hombre que, de niño, experimentó un episodio traumático en
el aeropuerto de Orly, donde vio a una mujer y a un hombre desconocido, siendo ahora
usado para experimentos por diferentes científicos, los cuales realizando viajes en el
tiempo, buscan enviar al hombre al pasado y al futuro para encontrar una solución a la
crisis del presente. A través de su viaje en el tiempo, el protagonista encuentra a la
mujer que vio en su infancia y se enamora de ella. Sin embargo, sus intentos por cambiar el
pasado y salvar el presente están condenados al fracaso.
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Antonio Mercero: La Cabina
Es un thriller psicológico que cuenta la historia de un hombre común Español de la
época que se encuentra atrapado en una cabina telefónica,la cual ha cerrado. Una vez
dentro, la puerta se queda atascada y no se puede salir. A medida que pasa el tiempo,
él se da cuenta de que está atrapado y que nadie parece ser consciente de su situación,
hasta que ciudadanos de a pie empiezan a intentar ayudarle, sin éxito. Es objeto de
burla, manipulación y experimentos por parte de aquellos que parecen ser conscientes
de su encierro, pero que se niegan a ayudarlo o no lo consiguen.
Esta obra es una crítica social y una alegoría sobre la falta de empatía en la sociedad,
mostrando cómo una persona común puede convertirse en víctima y hasta donde llega el
pasotismo y crueldad de los demás.
El suspense y la tensión se mantienen durante toda la película, ya que el espectador se
pregunta si José logrará escapar de la cabina y descubrirá quién o qué está detrás de su
encierro. Con sutileza se genera una atmósfera con influencia de Hitchcock, utilizando una
cabina que encima al final queda abierta de nuevo, como esperando al siguiente. La música es
muy importante en este mediometraje, creando tensión al espectador. Se puede parecer a un
capítulo de la serie Black Mirror.
F.W. Murnau: Nosferatu.
Es considerada una de las obras maestras del cine expresionista y una de las primeras
películas de vampiros en la historia del cine.
La trama de "Nosferatu" está basada en la novela "Drácula" de Bram Stoker.
La historia sigue a Thomas Hutter, un agente inmobiliario que es enviado a
Transilvania para cerrar un trato con el enigmático conde Orlok.Una vez en el castillo
de Orlok, Hutter descubre que el conde es en realidad un vampiro sediento de sangre.
Orlok decide viajar a la ciudad de Wisborg, donde comienza a sembrar el terror y la
muerte. Mientras tanto, Hutter intenta regresar a casa para advertir a su esposa Ellen
sobre el peligro que se avecina. “Nosferatu” es conocida por su estilo expresionista, con
sombras alargadas, ángulos inusuales y una intensidad dramática que refleja el estado de
ánimo y la psicología de los personajes.
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Tim Burton: Vincent
Este cortometraje es un tributo al cine de horror y cuenta la historia de un niño
llamado Vincent Malloy, el cual es muy introvertido y está obsesionado con el
mundo de los monstruos y el terror. Su sueño es convertirse en Vincent Price, un
actor famoso conocido por sus interpretaciones en películas de terror.
El cortometraje muestra la vida cotidiana de Vincent, sus obsesiones y su
imaginación desbordante.
"Vincent" es una representación de la visión única y oscura de Tim Burton. Combina
elementos del cine de terror clásico con la imaginación y la estética distintiva del
director. El cortometraje se destaca por su estilo visual en blanco y negro, su narración
poética y su música evocadora.
CINE POSMODERNO
El cine posmoderno es una corriente cinematográfica que se caracteriza por su rechazo a las
estructuras y convenciones tradicionales, su experimentación narrativa y visual, y su enfoque
en la intertextualidad y la parodia Esta surge a partir de la posmodernidad, un movimiento
cultural y artístico que se desarrolla principalmente a partir de la segunda mitad del siglo XX.
Es aquí donde se rompen las convenciones tradicionales del cine clásico y se exploran nuevas
formas de narración y representación, jugando con el tiempo y la realidad o ficción, metiendo
elementos populares en las películas.
El cine posmoderno puede presentar una mezcla de géneros y estilos, y a menudo se
caracteriza por un tono irónico y autorreflexivo. Los directores posmodernos suelen desafiar
las expectativas del público. Jorge Lucas o Scorsese.
CINE EN EL EXPRESIONISMO.
El cine expresionista es una corriente cinematográfica que surgió en la década de
1920, principalmente en Alemania. Se caracteriza por su estilo altamente
estilizado y su representación distorsionada y subjetiva de la realidad. El
expresionismo cinematográfico se inspiró en el movimiento artístico del
expresionismo, que tuvo lugar en las artes visuales, la arquitectura y la literatura.
Dentro del cine expresionista, se utilizan técnicas como la iluminación
dramática, los contrastes fuertes entre luces y sombras, los decorados expresivos
y la composición angulada y asimétrica. Además, el cine expresionista exploraba
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temas oscuros y perturbadores, como la alienación, la locura, la decadencia y la angustia
existencial.
Una de las obras más influyentes del cine expresionista es "El Gabinete del Dr. Caligari"
(1920), dirigida por Robert Wiene.
IMPORTANTE: a diferencia de los impresionistas, el expresionismo no busca imitar
la realidad encontrando una diferencia fundamental planteada. cuando hablamos de
impresionismo hablamos de la imitación de la realidad.
Thea Von Harbou: (1888-1954) fue una escritora y guionista alemana a la cual se la
reconoció primordialmente por su colaboración con el director Fritz Lang en varios
proyectos cinematográficos destacados durante la era del cine mudo y sonoro. Von
Harbou y Lang colaboraron muy unidos en numerosas películas, con ella a cargo de
escribir los guiones basados en sus historias y novelas. Uno de los trabajos más
notables de von Harbou fue el guión para "Metropolis" (1927), dirigida por Lang.
Esta película de ciencia ficción y distopía se considera una de las obras maestras del
cine expresionista alemán y ha dejado una huella significativa en la historia del cine.
DIRECTORES DE PRESENTACIONES:
● Alice Guy-Blaché fue una pionera en el mundo del cine,
considerada una de las primeras directoras de cine de la
historia. Destaca en la época del cine mudo. Dirigió "La Fée
aux Choux" ("El hada de los repollos"), considerada una de
las primeras películas narrativas de la historia. A lo largo de
su carrera, dirigió y produjo cientos de películas, explorando
una amplia gama de géneros y temáticas.Pionera en la
experimentación con efectos especiales, utilizando técnicas de coloración a mano e
incluso fue una de las primeras en utilizar la técnica del split screen (pantalla dividida)
en sus películas.
● Thea von Harbou (hablé de ella en apartados anteriores)
● Leni Riefenstahl fue una cineasta y actriz alemana. Es conocida por
su trabajo en la época del régimen nazi, especialmente por su
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película "El triunfo de la voluntad" (Triumph des Willens) y su documental
"Olympia", que retrata los Juegos Olímpicos de Berlín de 1936.Tiene un estilo
innovador y su habilidad para captar la enormidad de los eventos le valieron
reconocimiento internacional."El triunfo de la voluntad" es considerada una de las
películas más influyentes en la historia del cine documental.
● Matilde Landeta fue una destacada cineasta y guionista mexicana. Es
considerada una de las pioneras del cine mexicano y una de las primeras
mujeres en dirigir películas en el país, comenzando su carrera como
guionista. En 1944, dirigió su primera película, "María Candelaria", siendo
la película galardonada con el premio al Mejor Director en el Festival de
Cine de Cannes, convirtiéndose en la primera mujer en recibir ese
reconocimiento.
● Cecilia Bartolomé es una figura destacada en el cine español y en el
movimiento feminista. Su grandioso enfoque en la representación de las
mujeres y su compromiso con la igualdad de género la convierten en una voz
fundamental en la historia del cine y en la lucha por los derechos de las
mujeres.En 1978, esta mujer debutó como director de la película "Juguetes
rotos", siendo esta una obra que aborda la historia de una travesti y su lucha
por la aceptación y la identidad. La película fue aclamada por la crítica y consolidó a
Bartolomé como una voz importante en el cine español.
MIS PRESENTACIONES
● Gabriel Veyre
● Sergei M. Eisenstein
● James Whale
● Víctor Erice
● Jaques Tourner
DIRECTORES DE PRESENTACIONES:
● Jean Vigo fue un destacado director de cine francés, conocido por
su estilo innovador y su enfoque poético en sus películas. Este es
reconocido por sus películas "Zero en conducta" y "L'Atalante",
destacando por su enfoque realista y su crítica a la rigidez de la
sociedad y las normas establecidas. Vigo se inspiró en su propia
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experiencia y en su visión personal del mundo para retratar personajes rebeldes y
marginados en sus películas.
● Vertov Dziga Vertov, cuyo nombre real era David Abelevich
Kaufman, fue un influyente director de cine documental y teórico
del cine soviético. Vertov es conocido por su enfoque innovador y
vanguardista en el cine documental, buscando capturar la realidad
objetiva y retratar la vida cotidiana de manera auténtica posible. Su
obra más famosa es "El hombre de la cámara" (1929),
● Georges Méliès fue un director francés reconocido por ser uno
de los pioneros del cine de ficción y de los efectos especiales.
Buscaba una experimentación con la narrativa y los efectos visuales en
sus películas, siendo uno de los primeros en utilizar técnicas como la
superposición, la desaparición y la aparición de objetos, y la
manipulación del tiempo y el espacio en el cine. Sus películas, como
"Viaje a la Luna" (1902) y "El Viaje Imposible" (1904), destacaron por
su imaginación y fantasía, creando mundos irreales y escenas visualmente impactantes.
● Alfred Hitchcock fue uno de los directores de cine más influyentes
y reconocidos de la historia. No apostaba por el cine tradicional, si
no que destacó por su maestría técnica, su creatividad narrativa y
su habilidad para crear tensión y suspenso en sus películas. Dirigió
películas clásicas, como "Psicosis" (1960), "Los pájaros" (1963),
"Vértigo" (1958) y "La ventana indiscreta" (1954).
El efecto Kuleshov, siendo una técnica de montaje cinematográfico
desarrollada por el cineasta soviético Lev Kuleshov en la década de
1920. Es conocido por demostrar el poder de la edición en la creación
de significado y emociones en el cine.
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El experimento más famoso de Kuleshov, conocido como el "Experimento Kuleshov",
consistía en tomar una misma toma de rostro de uno de los actores y combinarla con
diferentes imágenes que a primera vista no tenían relación. Cuando la toma del rostro se
editaba junto a una imagen de comida, los espectadores percibían al actor como si estuviera
hambriento.
● Billy Wilder fue un aclamado director, guionista y productor de cine
austriaco-estadounidense. Su estilo se caracterizaba por su enfoque crítico y
satírico de la sociedad y la condición humana. Sus películas eran conocidas
por sus diálogos ingeniosos, sus giros argumentales sorprendentes y su
habilidad para combinar el humor con temas más profundos. Sus películas
más famosas son "Sunset Boulevard" (1950), "Double Indemnity"
(1944),"Some Like It Hot" (1959),y "The Apartment" (1960).
● Stanley Kubrick fue un influyente director, guionista y productor de cine
estadounidense, siendo conocido por su dominio técnico y su exploración
de temas profundos y provocativos.Era un gran devoto del detalle y la
búsqueda constante de la perfección estética y narrativa. Sus obras más
conocidas incluyen "2001: Una odisea del espacio" (1968), "La naranja
mecánica" (1971), "El resplandor" (1980) y "La chaqueta metálica"
(1987). El estilo distintivo de Kubrick se basaba en su cuidada composición
visual, su uso magistral del color y la luz, y su capacidad para crear atmósferas
inquietantes y desorientadoras.
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