Icíar Lomas Losa

3º Historia del Arte

Curso 2023/2024
Arte Barroco y de la Ilustración

El arte de Jean Simeón Chardin

Figura 1: Autorretrato de Chardin

<<Si todo esto ahora te parece hermoso a la vista, es porque a Chardin le

parecía hermoso pintar, y si él encontró esto hermoso para pintarlo fue
porque él pensó que era hermoso para la vista.>>

– Marcel Proust
EL ARTE DE JEAN SIMEÓN CHARDIN 1

1. COMIENZOS 3
2. EL PODER DE LA ACADEMIA 5
3. PRIMERAS OBRAS 6
4. CRECIMIENTO ARTÍSTICO 8
5. DESARROLLO DE SUS OBRAS DURANTE SU SEGUNDO MATRIMONIO 9
6. CAMBIO DE TEMA A LA COTIDIANEIDAD 11
7. TEMAS DE MUJERES Y NIÑOS 13
8. ÉPOCA DE DECLIVE 18
9. VUELTA A SUS INICIOS 20
10. FINAL DE SU VIDA Y OBRA; INFLUENCIAS EN ARTISTAS POSTERIORES 23
11. CONCLUSIÓN 24
12. BIBLIOGRAFÍA 25
13. GALERÍA DE IMÁGENES 25

2
 1. Comienzos
El artista Jean Simeón Chardin nació en París en el año 1699, esta fecha es un tanto
significativa, ya que las pinturas de Chardin contienen mucha influencia del arte del siglo
XVII y del siglo XVIII, (principalmente de los pintores holandeses) en estos siglos se
desarrolló el arte del rococó, que frecuentemente era asociado a imágenes de frivolidad y
de placer, encontramos interesantes figuras que salían de las ideas de Jean Antoine
Watteau (1648-1721) además de eróticos desnudos salidos del pincel de François Boucher
(1703-1770) que nos llevas a las exuberantes escenas amorosas de Jean Honoré Fragonard
(1732-1806). Tanto la verdad como la simplicidad se ven absentas de este mundo
artificial, estas cualidades se verán presentes a lo largo de la obra de Chardin, lo que hace
de este pintor, una figura única del siglo XVII. El trabajo de Chardin no solo beberá de
otros artistas, también tendrá sus toques propios que asombrarán a los espectadores y le
convertirán en una figura muy importante durante su vida. Pertenecerá al realismo
tradicional siendo uno de los primeros en desarrollar este arte en Francia, las vidas de sus
cuadros no se adornarán, las lavanderas y todos sus personajes son reales, sus niños son
serios y absortos lo que les otorgará una gran carga simbólica. Chardin nos enseña el
mundo real, el mundo que él conoce, alejándose así de las fantasías del Rococó y así se
adelanta a los pintores realistas del siglo XIV.
Al igual que su compañero Boucher, Chardin nace en el seno de una familia humilde,
con un pasado artesano. Su padre fue un artesano independiente y un maestro carpintero
que se especializó en hacer mesas de billar, incluso mandaría algunas a la casa real. El
hermano de Chardin, Juste, también estuvo involucrado en los negocios familiares.
Durante su vida nunca saldrá de su ciudad natal, excepto en dos ocasiones, cuando trabaja
para las ciudades vecinas de Versalles y Fontainebleau. En 1729, Chardin pertenece a uno
de los equipos encargados para trabajar en una escena que se colocará sobre una de las
chimeneas del palacio de Versalles para celebrar el cumpleaños del delfín, hijo de Luis
XV. Dos años después Chardin asiste a una restauración de frescos italianos de la galería
de François I, datados del siglo XVI y ubicados en el castillo real de Fontainebleau.
Chardin era un ferviente seguidos de la iglesia de Saint-Sulpice de París, y continuó
viviendo en el mismo distrito de la iglesia hasta su muerte, aunque también contó con una
habitación en el Louvre.
El padre de Chardin siempre lo apoyó en su carrera artística, tanto es así que le envió
a estudiar con un artista reconocido en la época que hoy en día ha perdido su fama, Pierre-
Jacques Cazes (1676-1754) quién le enseñaría a dibujar. Los métodos de enseñanza de
Cazes no transmitían inspiración, lo que quería enseñar a sus alumnos era a dibujar con
la reproducción de sus propios trabajos, no copiaban la vida real. Para la década de 1720
Chardin comenzó a trabajar con Noël Nicolás Coypel (1690-1734), artista especializado
en artes decorativas y uno de los famosos Coypel, dinastía de pintores. Chardin empezó
a pintar con él su naturaleza muerta y distintos accesorios en sus obras (bodegones). En
1724 Chardin entra en la Academia de San Luke, la institución considerada como la rival
de la Royal Academy, aunque esta no contaba con el caché real.
Chardin no comenzó pintando naturaleza muerta, su primer trabajo conocido fue una
señal de una tienda en una calle larga, él lo pintó para un amigo de su padre que era
cirujano. Se cree que el pudo haberse inspirado para esta obra en el artista Watteau, uno

3
de los artistas más famosos que trabajaba en ese campo. En el año 1720 Watteau había
pintado una señal similar para uno de sus amigos, el marchante de arte Gersaint, en el
puente de Notre Dame, para la famosa tienda de arte de Gersaint. El trabajo tuvo tal éxito
que contamos con autores contemporáneos que dicen que hasta los más habilidosos
vuelven varias veces para poder admirar bien esta obra. Todo París admiró esta obra,
nombrándola como una de las mejores de este artista, y así Chardin, como un joven de
veinte años, pudo sentirse enormemente inspirado por la magnitud de este testamento
artístico. La señal de Chardin no sobrevivió, pero sí que se pudo conservar un grabado
del siglo XIX, recogido en un sketch que recrea la imagen. En la escena pintada por
Chardin, se nos muestra una calle con mucho ajetreo y un hombre herido en un duelo que
va a la tienda del médico en búsqueda de tratamiento. Algunas de las críticas más duras
considerarán que la señal de la tienda que hace Chardin para la tienda del amigo de su
padre será un auténtico desastre.

Figura 2: La muestra de Gersaint, Watteau

En la obra ´´Hombre tirando de un carro de mano´´, se hace un estudio con carbón el

cual mostró que, en un inicio, sobre la parte derecha de la composición se hizo un estudio
preliminar, aunque pronto se rindió y dejó de hacer este estudio para pintar simplemente
lo que él veía.
La obra más antigua de Chardin que se conserva es ´´El juego de billar´´ datado entre
los años 1721 y 1725, se cree que pudo pintarla en homenaje a su padre, ya que como se
menciona con anterioridad, fue un carpintero especializado en mesas de billar. En esta
obra vemos una clara influencia una vez más del artista Watteau visible mayormente en
su estudio preliminar.

4
 Figura 3: El juego de billar

2. El poder de la academia
El desarrollo de todo pintor francés del siglo XVIII debe verse en el contexto artístico
de su época. La reputación y los medios de vida de los artistas dependían, no sólo al
comienzo de sus carreras sino a lo largo de sus vidas, del patrocinio real y de las
comisiones de la aristocracia. La Royal Academy de pintura y escultura era la encarnación
de este patrocinio real. Fundada en 1648, la Academia era una poderosa institución que
contaba con una notable jerarquía y unas reglas muy rígidas, eran estrictos. El primer
director de la academia fue el artista Charles Le Brun. El director a su vez también era
responsable de la supervisión general de los edificios reales. El supervisor general contaba
con un gran poder, por ejemplo, este supervisor podía recomendar un artista al Rey para
realizarle una pintura o un decorado. Esta figura también tenía el poder de contratar a
artistas con un sueldo anual o incluso recompensarles con una habitación en el Louvre,
que en ese momento era uno de los palacios reales. Como una institución de enseñanza,
el objetivo de la Academia era transmitir los principios del arte a todos sus miembros, a
través de conferencias, lecturas y de clases prácticas. La financiación de esta academia
provino de parte de los propios estudiantes y por parte del Rey.
En el año 1656 la Academia contó con algunas habitaciones del Louvre, la primera
exhibición de trabajos tuvo lugar allí en 1699, se ubicó en la Grande Galerie,
trasladándose de 1725 al Salon Carré. Fue de esta forma en la que la exhibición anual del
Salón evolucionó. La abertura de esta exhibición se celebraba siempre el 25 de Agosto,
cuando tenía lugar la festividad de San Louis, en honor al Rey. El premio más grande que
se otorgaba y que podía ganar uno de los estudiantes era el Prix de Rome, este premio
permitía al ganador estar viviendo durante 4 años en la French Academy de Roma. Esta
oportunidad para aprender de la naturaleza y las antigüedades de las calles y la pintura
italiana fue un estímulo invaluable para los jóvenes artistas de la Academia. Para pintores
como Boucher, y después Fragonard y Hubert Robert (1733-1808), Roma les proporcionó
una fuente inagotable de inspiración. Después de volver de Roma, cuando habían
completado sus estudios en la Academia, todos los estudiantes debían pasar por una
prueba, tenían que estar aprobados tras mandar a sus profesores una de sus piezas a
evaluar. Cuando los estudiantes aprobaran, tenían que presentar una pieza de recepción
sobre el tema deseado en el plazo aproximado de un año, si la obra se trataba de un retrato

5
o una naturaleza muerta, debían presentar dos obras y las piezas de recepción en ese caso
eran para la Academia.
En el siglo XVII la Academia estableció una jerarquía de géneros pictóricos que fue
codificada en 1667 por el secretario, André Félibien en una famosa conferencia. Él
clasificó los temas de las obras sujeto a una tabla de clasificación, los temas historicistas,
bíblicos y literarios, estaban en la parte alta debido a que eran temas moralizantes o
nobles. Estos temas destacaban en la clasificación como grand genre. Las demás formas
de pintar, como los retratos, el paisaje y los bodegones, era considerados inferiores y
estaban calificados bajo petit genre. Los artistas, asimismo, también estaban clasificados
acorde a la importancia del tema que pintaban. La crítica La Font de Saint-Yenne dijo
<< El solitario pintor historicista es el pintor del alma; los demás artistas son solamente
para el ojo>>1. Chardin no tuvo una educación formal, tampoco tuvo un entrenamiento
convencional en el arte, no estudió en la Academia ni fue a Italia, esto hizo que a lo largo
de su vida y su carrera él se sintiera tremendamente inferior, incluso de mayor, dijo que
estaba muy dolido por la crítica del artista Jean-Baptiste Marie Pierre (1713-1789) en la
que decían que nunca había practicado el grand genre. Sin embargo, para principios del
siglo XVIII el poder de la academia había empezado a decaer debido a un cambio gradual
en el gusto. Luis XIV el monarca absolutista, murió en 1715 y lo relevante al gusto
artístico y el dogma, había muerto con él. Su sucesor, el duque de Orleans, regente desde
1715 a 1723, prefirió vivir en Paris en vez de en Versalles y la vida en la corte se centró
en su residencia real, el Palais Royal. La aristocracia le siguió de vuelta a Paris,
construyéndose para ellos pequeñas residencias y desarrollando el gusto por las pinturas
holandesas, las cuales se empezarían a usar para el nuevo estilo de decoración.

3. Primeras obras

Figura 4: Rabbit or hare

Charles Nicolás Cochin (1715-1790) y Mariette, comentan que uno de los momentos
decisivos de la carrera de Chardin fue cuando se le escogió para pintar la obra ``Hare or
rabbit´´. Su pintura fue todo un éxito, tanto que incluso la comisión de bodegones del

1
La Font de Saint-Yenne del año 1747

6
duque, tras este cuadro, inmediatamente siguieron de cerca el trabajo del artista. Las
palabras del propio artista nos revelan las preguntas que se hizo al dedicarse a este género:
`<<Puede que olvide todo lo que he visto hasta ahora e incluso la manera en la
cual esto es objetos han sido tratados por otros… puede que coloque (el objeto) a
una distancia donde no pueda ver los detalles. Debo ocuparme de limitar las
masas generales, correctamente y con la mayor verdad - esas sombras de color,
el volumen, los efectos de la luz y las sombras.>>
Cuando menciona, lo que él había visto ahora, Chardin probablemente estaba
pensando en dos de los pintores de naturaleza muerta más grandes de tiempos de Chardin,
Alexandre-François Desportes (1661-1743) y Jean-Baptiste Oudry (1686-1755). Estos
dos artistas estaban especializados en bodegones, muchas veces conectados a la caza y
los dos recibieron patronazgo real. En 1728, Oudry fue fijado oficialmente como el pintor
de caza real. En sus pinturas, las cuales deben mucho a las naturalezas muertas del siglo
XVII, se representan animales vivos y muertos, junto con toda la parafernalia de la caza,
perros, pistolas y bolsas destinadas a la caza, con fondos pertenecientes a festivales de
caza, frecuentemente representados. Estas obras de rica concepción eran altamente
demandadas por la aristocracia. La caza tenía tanta importancia que como se mencionó
de Luis XV, cuando no estaba cazando, la entrada de ese día en su diario no decía nada.
Las pinturas tempranas de Chardin como ``El perro de caza´´ o ``El buffet´´ beben mucho
de la influencia de Oudry y Desportes, con imágenes típicas de la caza.

Figura 5: El perro de caza Figura 6: EL buffet

El artista enseña sus primeras obras de naturaleza muerta, esta exhibición contó con
más o menos diez u once cuadros, salieron a la luz en la exposición de la Jeaunesse de
1728. Fue en esta exhibición al aire abierto en la que los jóvenes artistas podían enseñar
su trabajo al público. Entre las exhibiciones de Chardin de 1728 una de ellas contó con
ahora la famosa pintura ``La raya´´. El realismo de esta pintura fue chocante para el
público, ya que estos estaban muy acostumbrados a las producciones ligeras y
convencionales de Oudry y Desportes.

7
 Figura 7: La raya

Los trabajos que se enseñaron en la exposición de la Jeunesse fueron criticados en la

revista Mercure di France, el editor, Chevalier Antoine de la Roque, patrón y también
amigo de Watteau, fue uno de los primeros admiradores de Chardin y uno de los primeros
colectores de sus naturalezas muertas. Fue en una de sus revistas donde publicó una
impresión de una de las primeras pinturas de Chardin, creada en 1738. Cundo murió de
la Roque en el año 1744, diez pinturas del artista aparecen en su inventario. Debido al
éxito de ``La raya´´ Chardin fue persuadido por otros artistas para presentar su trabajo a
la Academia. Chardin mandó su pintura ``El buffet´´ y como resultado fue aceptado como
pintor de experto en animales y fruta. Fue nombrado como asociado y académico en el
mismo día, algo raro para cualquier pintor y especialmente para uno que no había sido
enseñado por la Academia. Él apenas tenía 29 años.

4. Crecimiento artístico
Hasta finales de la década de 1720, Chardin continuó pintando naturalezas muertas,
aunque ninguno llegaría a la magnitud de sus dos piezas de la Academia. Él pintó muchos
bodegones pequeños, con apenas un par de objetos, como una botella de vino, un cáliz y
fruta, o conejos y pájaros muertos colgados de paredes de piedra `` Dead hare with red
partridge´´. Lo que distingue a este artista del trabajo de sus predecesores fue su extrema
simplicidad y su abrumador realismo. Por primera vez, los espectadores sentían que
podían tocar el pelo del conejo o incluso probar los melocotones.

8
 Figura 8: Dead hare with red partridge

Algunas de estas pinturas tempranas fueron compradas por amigos de Chardin y

pequeños artistas, como, por ejemplo, el retrato del pintor Joseph Aved (1702-1766), del
pintor historicista Michael-François Dandré Bardón (1700-1783) y el del escultor
Philippe Caffiéri (1714-1774).
En 1730, puede que gracias a la intervención de su amigo Aved, Chardin conoció a su
primer mecenas, Conrad-Alexandre de Rothenbourg (1683-1735) quien, tras una carrera
militar brillante, fue elegido como embajador de la corte de España. Chardin fue elegido
para pintar tres grandes obras con temas musicales, los cuales encajarán entre los paneles
ubicados sobre las puertas del salón de la casa de Conrad-Alexandre En París. Además,
él fue encargado para pintar dos obras para la librería, ´´ Los atributos de las artes`` y ´´
Los atributos de las ciencias``. Las pinturas son musicales y cuentan con un claro estilo
italiano que aún contiene reminiscencias de las obras de Oudry. Las obras del salón eran
seductivamente bonitas, mientras que las obras de la librería eran más austeras y
simbólicas. El globo, mapas y esculturas de Turquía representadas en la obra
simbolizaban el conocimiento del embajador y su vida itinerante. Descrita como una de
las obras de arte juveniles de Chardin, estas ilustraban como rápidamente el artista había
aprendido a satisfacer las demandas de los clientes en sus pinturas y cómo de lejos había
llegado desde su primer ejercicio de naturaleza muerta.

Figura 9: Los atributos de las ciencias

En 1731 Chardin ya estaba suficientemente establecido como artista para ganar un

sueldo de sus pinturas. Así que decidió casarse con su prometida de ocho años, Marguerite
Saintard, además debido a la fama de sus pinturas lograron convertirse en una familia
burguesa. Tuvieron dos hijos, un niño, Jean-Pierre, que nació el mismo año en el que se
casaron, y una hija, Marguerite-Agnès, que nació en 1733 y murió muy joven. El contrato
de boda entre Chardin y su mujer nos cuenta mucho sobre los estándares de belleza, en
cuanto a decoración, de la joven pareja, que tenían un estilo simple y confortante. Muchos
de los objetos de la casa que aparecieron en las pinturas de Chardin en la década de 1730
se encontraron en este contrato y en el inventario que encontramos tras la temprana
muerte de Margarita en 1735.
5. Desarrollo de sus obras durante su segundo matrimonio
En 1744 Chardin se casó con una viuda, Françoise-Margarite Pouget, y se mudó a la
casa de su nueva mujer. Los objetos que aparecieron en las pinturas más tardías de

9
Chardin cómo ´´Naturaleza muerta con tetera de porcelana´´, pertenecían al artista más
próspero de su segunda casa. En los principios de la década de 1730 debido tal vez a su
asentada vida doméstica, Chardin empezó a pintar series de naturaleza muerta en cocina,
que comprendía pequeñas pinturas de utensilios de cocina como sartenes de cobre,
utensilios de madera y morteros entre otros. Los juegos con animales muertos
desaparecieron de sus pinturas y se reemplazó con comida simple; pescado, huevos,
cebolla entre otros. El artista reunía estos objetos con dedicada atención, cerca siempre
de una mesa de piedra sobre la que él pintaba cuidadosamente su firma. Todo por lo que
le preocupaba era la forma de los objetos-redondo o angulares, afilado o no y la belleza
de sus materiales, el hierro en los utensilios, o el brillo del cobre. Chardin pintaba la luz
y cómo esta caía sobre los objetos, reflejándose sobre las superficies pulidas. Pintaba con
tonos de gris, con marrones y rojos sobre el oscuro fondo neutro de una pared de piedra.
La única materia cruda en estas pinturas era el escurridizo pez o la carne cruda que
colgaba de un paño blanco para brindar una textura más blanda entre esos tonos duros de
piedra y metal. No hay detalles superfluos, sin embargo, hay búsqueda de un efecto
decorativo. La belleza en estas pinturas permanece en su minimalismo.

Figura 10: Naturaleza muerta con porcelana

Sobre los siguientes cinco años, Chardin creó variaciones en los temas, sin límite en
su repertorio. Experimentó pintando sobre diferentes soportes. La más famosa de sus
pinturas de estas series fueron, ´´The feast day meal´´ y ``the fast day meal´´ pintados en
cobre, siendo uno de los más perfectos ejemplos de esta serie, la pequeña ``copper
cauldreon with three eggs`` pintada en un panel. La inspiración para este tipo de
naturaleza muerta en cocina eran los trabajos holandeses del siglo XVII, de pintores como
Willem Kalf, cuyo trabajo fue extremadamente popular en Francia. El tratamiento de
Chardin sobre este tema es enteramente original. En estas pinturas, que son casi sombríos
en esta materia, él da vida a objetos inanimados, fusionándolos con calidez y magia. Las
pinturas qué forman el clímax de esta serie son ``the copper water urn´´. Los objetos una
vez más son cuidadosamente descritos en el inventario de Chardin, esta urna pertenece a
los efectos de su primera mujer. La urna esta hecha de cobre rojo con manillas también
de cobre y situada en un pie de madera chinesco. Aunque Chardin usó también esta urna
de cobre en dos de sus más famosas pinturas, ´´woman at the urn´´ y ´´the return from
market´´, en esta pintura esta urna toma proporciones monumentales. Este trabajo

10
influenció en las naturalezas muertas francesas del siglo XIX, en pintores cómo François
Bonvin y en el siglo XX esta influencia es muy notable en el artista Paul Cézanne.

Figura 11: The feast day meal Figura 12: the fast day meal

Figura 13: copper cauldreon with three eggs Figura 14: the copper water urn

6. Cambio de tema a la cotidianeidad

Para 1732 Chardin ya había reemplazado a Oudry cómo el pintor favorito del público
en la exposición de la Jeunesse. Sus naturalezas muertas fueron descritas por un crítico
de esta forma: <<uno se ve reducido al punto de que es absolutamente necesario colocar
una mano sobre el lienzo y tocar el cuadro para comprender el artificio del pintor>>. A
pesar de este suceso, fue en este momento cuando él decidió abandonar la naturaleza
muerta. Acordé a una evidencia anecdótica, Chardin fue herido por un comentario burlón
y desafortunado de su amigo, Aved, que dijo que pintar retratos no era tan fácil como
pintar naturalezas muertas. Además, debido al éxito en el Salón, Chardin no encontró
nuevos compradores o mecenas entre la aristocracia o los nuevos ricos.
Él decidió volver, al género pictórico con el que había experimentado en el principio
de su carrera, a lo largo de la década de 1730 él exhibió muchos temas en el Salón, el cual
había reabierto en 1737 tras muchos años de clausura debido a falta de fondos. Sus nuevas
pinturas no guardaban relación con sus primeros trabajos, sin embargo, sí que contenían
elementos de las naturalezas muertas. Estas obras se dividían en tres grupos; pinturas de
la figura femenina, retratos de niños, o una combinación entre mujeres y niños. A
diferencia de los ornamentos de Boucher y del rococó, las figuras de Chardin eran simples
y envolventes y, a diferencia de los elegantes modelos de Boucher, las mujeres de Chardin

11
eran retratadas casi exclusivamente en el trabajo. Ellas son sirvientes, madres,
gobernadoras y raramente mujeres en un ámbito más de ocio. Sus niños, sin embargo,
eran retratados casi exclusivamente jugando a sus juegos con un simbolismo subyacente.
Estos niños eran de la burguesía, no de la aristocracia.
Como mucho de su arte, esta nueva rama de pinturas de Chardin está influenciado por
el trabajo de los artistas holandeses del siglo XVII, cuyo trabajo estaba en apogeo en el
París del siglo XVIII. Las pinturas de los pequeños gabinetes holandeses se ajustaban más
a la íntima escala de decoración que se buscaba en las décadas que siguieron la muerte de
Luis XIV, cuando la gente reaccionó contra la grandeza exuberante de la vida aristocrática
durante el reinado de este rey. La marquesa de Argens quien ayudó a este gran estilo de
pintura escribió <<Hoy, a la perdurable vergüenza de las artes, uno ve a los llamados
amantes de la pintura formando grandes colecciones de pequeño arte holandés que
compran a precios exorbitantes>>.
Cuando la condesa de Verrue murió en París y su colección de pintura fue vendida al
año siguiente, se encontró que contaba con veinticinco trabajos de pintores holandeses
como David Teniers. Las pinturas holandesas fueron popularizadas con finales de
engrandecer a artistas y la colección de estos, frecuentemente los artistas francese usaban
estas obras cómo recursos para sus propias pinturas. El principio de las pinturas de
Chardin fue sujeto a artistas del siglo XVII como Gabriel Metsu o Gerard Ter Borch.
´´Lady sealing a letter´´ se exhibió en 1734. Está pintado en gran escala y casi barroca
en términos de tamaño y sentimientos generados, la niñera de Chardin es representada
inusualmente rica y envuelta en telas de seda. La prisa en enviar la carta a su amante es
simbolizada por el galgo que hay en su regazo. Esta pintura está muy cerca de los temas
amorosos que se pintaban en ese tiempo por los contemporáneos a Chardin cómo Jean-
Françoise de Troy. La monumentalidad de la figura femenina se convirtió en un recurso
de las pinturas de Chardin en la década de1730. ´´lady taking tea´´ pintada dos años más
tarde nos enseña nuevamente a la niñera llevando el mismo vestido y según los estudios,
ambos cuadros pueden representar a la primera mujer de Chardin.

Figura 15: Lady sealing a letter. Figura 16: lady taking tea

12
 La elección de los temas de Chardin importa y se puede vincular a cada una de las
etapas de su vida, el retrato de la vida diaria también tiene sus raíces en las pinturas
holandesas, puede que también haya florecido el uso de este tema por su feliz vida
doméstica. Él se había casado en 1731 y para 1733 sus dos hijos habían nacido. Los temas
del siguiente grupo de pinturas describen la vida rutinaria de la crianza, pero la naturaleza
muerta y sus elementos siguen dominando las composiciones. La figura femenina en ``
Mujeres en la urna´´ es secundaria y parece formar parte de una naturaleza muerta, debido
a que la cara está casi cubierta para el espectador. Aunque ella esté presente en la pintura,
no hay elemento humano. Chardin frecuentemente pintó sus obras por pares, pero esta
pintura es única. Por lo tanto, siguiendo la lógica, de esta obra su compañera debería ser
``La lavandera´´. Estas obras fueron encargadas por la Roque, y fueron expuestas en la
exposición de la Jeunesse de 1734 o 1735, cuando las obras del artista fueron descritas
usando el término estilo de Teniers. Las pinturas de Teniers eran extremadamente
populares en el siglo XVIII en Francia; el duque de Orleans tuvo nueve de sus trabajos.

Figura 17: Mujeres en la urna. Figura 18: La lavandera

7. Temas de mujeres y niños

Las exhibiciones de Chardin fueron adoradas por la gran verdad de sus obras.
Además, contenían un elemento que era característico de todas estas pinturas y que lo
hacían único, su habilidad para capturar la absorción de las niñeras en su trabajo y el
silencio que las envolvía. Nos aparecen como de otros mundos y alejadas de la realidad,
aunque están recreando la tarea más mundana que hay. La mujer de ``la lavandera´´ está
tan perdida en sus pensamientos como el chico que sopla las burbujas de jabón a sus pies,
el motivo de las pinturas holandesas simboliza la naturaleza transitoria de la vida humana.
Comparables a este par son las famosas pinturas de ´´the scullery maid´´ y ´´the cellar
boy´´, estas obras fueron compradas cuando el artista seguía vivo por el físico escocés Dr.
William Hunter y posteriormente fueron cedidas a la Hunterian Art Gallery, en Glasgow.
De nuevo reconocemos los objetos familiares de la cocina de Chardin y sus naturalezas
muertas, pero ahora las figuras humanas predominan. La cumbre de los logros de Chardin
en este género es indudablemente `` The return from market´´ en el cual Chardin pintó

13
dos versiones, una en 1738 y otra en 1739, una de las cuales enseñó en el Salón en 1739.
En esta pintura Chardin repite una composición frecuentemente encontrada en las
pinturas holandesas del siglo XVI, también la ha usado en el cuadro `` La lavandera´´,
una puerta se abre desde un interior oscuro a un espacio cubierto de luz.`` The return from
market´´ es una de las creaciones más bonitas del artista, no solo por su perfección en
cuanto a la composición y el uso del color sino también por la sensibilidad que se observa
en la chica del campo, colmada con provisiones, cuando ella se agacha un momento para
descansar contra una pesada pared. Aunque para los espectadores del siglo XX ella se
parece a la `` la lechera´´ de Jan Vermeer, también lo hacen muchas de las figuras
femeninas de Chardin, además, el trabajo de Vermeer aún era desconocido en la Francia
de Chardin.

Figura 19: the scullery maid. Figura 20: the cellar boy

Comparativa entre la figura 21: The return from market y la figura 22: la lechera de Veermer

Mientras estaba interesado en pintar la figura femenina en sus pinturas, Chardin

también trató el tema de la niñez y la adolescencia en un amplio número de retratos de
niños. A pesar de que algunas fueron encargadas específicamente, como los dos retratos

14
separados de los hijos del joyero, Charles Godefroy, otros aparecían cómo simples
retratos de niños jugando; ellos soplaban burbujas, daban vueltas o construían casas con
cartas. El simbolismo en las pinturas holandesas del siglo XVII es una vez más inherente
a las pinturas de Chardin, las burbujas significaban la transitoriedad de la vida humana o
la inconstancia del amor, las casas hechas con cartas aludían a la inutilidad de la ambición
humana. A pesar de que los niños jugaban, sus caras eran serie y a menudo estaban
absortos; los suyos eran mundos privados. Chardin frecuentemente pintaba retratos de
niños en parejas igual que él hizo con sus pinturas sobre mujeres. ´´Muchacha con el
juego de la pluma ´´ (FIGURA 23) es la pareja de ´´the house of cards´´ (FIGURA 24)
otro de los temas favoritos de Chardin era el de la joven pintora o el dibujante con el que
sin duda se identificaba. La hermosa `` Young student drawing´´ (FIGURA 25) es una
imagen convincente. Fue pintada como pareja de ``the embroider´´ (FIGURA 26), su
concentración es aparente en su espalda curvada y sus hombros mientras la otra figura da
puntadas sobre el papel, copiando cuidadosamente otra de las obras del artista. Sin
embargo, en esta pintura, exhibida en el Salón en 1738, Chardin estaba rememorando sus
duros días como estudiante, días vividos tarde en su vida, él escribió que este trabajo
usualmente le redujo a lágrimas. Chardin pintor seis versiones de este pequeño trabajo,
más de las que pintó en cualquier otro tema en su obra. Más o menos al mismo tiempo el
satirizó la idea del pintor como un copista en su pintura `` El mono como pintor´´
(FIGURA 27) un tema que también trató en su obra Teniers. Estas pinturas de mono
también las recrearon pintores holandeses y los flamencos, estos temas normalmente
conocidos como singeries y eran extremadamente populares en el París del siglo XVIII.

Figura 23: Muchacha con el juego de la pluma. Figura 24: the house of cards

15
 Figura 25: Young student drawing. Figura 26: the embroider.

Es posible que Chardin fuera consciente de la preocupación que se sentía en la Francia

de principios del siglo XVIII por el bienestar y la educación de los niños, y esto pudo
llevarle a su nueva decisión en cuanto a los temas de sus obras. En 1678 François Fénelon,
el tutor del nieto de Luis XIV, el duque de Burgundy, escribió los tratados en educación
de las niñas y en 1699, el año del nacimiento de Chardin, él escribió una novela
pedagógica para el joven duque titulada las aventuras de Telemachus. Este libro fue
ampliamente leído en la primera mitad del siglo XVIII, hablaba de las transmitir, a través
de la pintura, el afecto de una hermana a su hermano menor, y el alucinante diálogo que
tiene lugar entre ellos. Se busca transmitir virtudes como la verdad, la sinceridad y la
inocencia de los niños. Esta novela era un fino velo que atacaba el lujo y la decaída moral
de la vida en la corte de Luis XIV. Las ideas del filósofo inglés John Locke, también
tuvieron gran influencia en Francia. De acuerdo a teorista franceses la educación de un
hijo tenía que ser la tarea más importante de una madre; Por tanto, era natural que
escritores y filósofos se preocuparan por la posición de la mujer en la sociedad. Dos
famosos escritores ingleses, Joseph Addison y Richard Steele, quienes fundaron los
periódicos de Tatler y el Espectador, fueron muy influentes en Francia, ambos favorecidos
por el ascenso en la posición de la mujer. En los principios de la década de 1720 Marivaux,
el escritor y editor del periódico el Espectador francés, expresó progresivamente sus
visiones en cuanto a la mujer, el matrimonio y el parto en sus obras como la escuela para
madres y la madre como confidente. En 1745 una crítica escribió sobre él: << Marivaux
es el genio más excepcional de Francia… él escribe como las pinturas de Chardin.>>

16
 Figura 27: El mono como pintor

Coypel, director de la Academia desde 1714, aconsejó a los pintores en su discurso

de 1721 a buscar inspiración en el teatro. En el clima artístico, no era antinatural para
Chardin pintar imágenes idealizadas de la maternidad y retratar a su mujer e hijos en el
hogar, quitándolos de la corrupción de la sociedad. Que el papel de la mujer es educativo,
se encuentra evidente en obras como "La maestra de escuela" (FIGURA 28) y más tarde
´´la institutriz´´ (FIGURA 29). Chardin, sin embargo, no solo está pintando con los temas
contemporáneos. Estas dos figuras son un desarrollo en los retratos de niños y al mismo
tiempo enseñan cómo es artista podía convencer, a través de la pintura, el afecto de una
hermana a su hermano menor incluso el diálogo que tiene lugar entre ellos. ´´La
institutriz``, cuadro que fue enseñado en el salón en 1739, es una de las pinturas más
sobresalientes de Chardin en este género. Un drama tiene lugar entre el adulto y el niño
que se va a la escuela, sus juguetes abandonados, mientras mira con remordimiento a su
obediente institutriz que limpia su sombrero. El mismo diálogo, como una acción en un
teatro, tiene lugar en ´´ la madre diligente´´, en esta obra que Chardin muestra en el salón
en el año siguiente junto a la más famosa aún ´´saying grace´´. Este par de pinturas
representa la suma de los éxitos de Chardin en este género de pintura. Reciben una
aclamada crítica en el salón de 1740 y en noviembre de ese año, cuando el artista es
presentado a Luis XV en Versalles por el ministro de Cultura, Philibert Orry, él regala
este cuadro al rey. Orry fue el responsable de la reapertura de las exhibiciones en el salón
en 1737. Sin embargo, en el siglo XIX la obra ´´saying grace´´ (FIGURA 30) se pensó
qué indicaba el principio de un cambio en el estilo de Chardin.

17
 Figura 28: La maestra de escuela Figura 29: La institutriz

Figura 30: Saying grace

8. Época de declive
Las pinturas de Chardin de la década de 1740 tienen un estilo diferente y un
sentimiento también diferente. En 1742, debido a una enfermedad seria, él no enseña nada
al salón y a lo largo de la década de 1740 sus exhibiciones en el salón empiezan a decaer.
En 1743 fue elegido como consejero de la Academia, una importante función en la cual
estuvo aparentemente dedicado y sin ninguna duda le dejó con mucho menos tiempo para
sus pinturas. En 1745, un año después de su segundo matrimonio con Françoise-Margarite
Pouget, su único hijo, Angelique-Françoise, murió cuando apenas tenía los 6 meses de
edad. Todos estos acontecimientos contribuyeron a los visibles cambios del trabajo del
artista. La crítica, la Font de Saint-Yenne, fue probablemente la voz de la opinión general
cuando escribió en 1747 que Chardin estaba pintando <<Solo por su propia diversión y
por lo tanto muy poco>>. Aunque Chardin continuó pintando sus temas, tiende a hacer
solamente figuras femeninas que son elegantes burguesas, en vez de robustas sirvientas.
Los interiores, igual, son más refinados y todas estas obras delatan un aire de moderación
y melancolía. Algunos críticos creen que en estas pinturas de Chardin se refleja la vista
contemporánea de la mujer ideal. La contribución a la enciclopedia de Diderot en 1751
define el ideal femenino criticando lo coqueto, y la mujer materialista a la cual vemos

18
muy frecuentemente representada en las pinturas de Francia del siglo XVIII y
especialmente en el trabajo de Boucher.
En 1741 el Conde Carl Gustav Tessin, el embajador sueco de la corte francesa desde
1739 a 1742, le encargó a Chardin `` El baño de la mañana´´, el cual el artista lo mostró
en el salón este mismo año. El Conde Tessin era un gran admirador y colector de pinturas
francesas contemporáneas y también era coleccionista de las pinturas francesas en la corte
sueca, ahora núcleo del Museo Nacional de Estocolmo. El Conde Tessin amó el trabajo
de Chardin y cuándo la Roque murió en 1745 él adquirió cuatro de las pinturas de Chardin
a la venta, además encargo versiones de ´´ la madre diligente´´ y ´´saying grace´´. `` El
baño de la mañana´´ en el cual muestra una madre ajustando el sombrero de su hija antes
de ir a la iglesia, tuvo un enorme éxito en el Salón. Un crítico del siglo 20 escribió: <<A
la burguesía parisina de sus días, Chardin les presentó una autoimagen; ellas miraban y
veían reflejadas en su arte la imagen de un ideal de vida diaria al cual ellas aspiraban>>

Figura 31: El baño de la mañana

El entusiasmo del Conde Tessin por el trabajo de Chardin, pudo inspirar confianza a
la princesa Louise Ulrike de Suecia, hermana de Frederick de Prusia, que encargó dos
obras del artista en 1745. A pesar de los temas que la princesa había pedido, ´´the gentle
educator´´ y ´´the severe education´´ no fueron ejecutadas, Chardin envió en su lugar dos
pinturas denominadas ´´ placeres domésticos`` y ´´household economy´´. A Chardin le
tomó sobre un año terminar de pintar estas obras, y en un intercambio de cartas que ha
sobrevivido, la princesa frecuentemente se quejaba de la lentitud del artista,
comparándolo con Boucher, el cual era capaz de trabajar a gran velocidad. Cuando las
pinturas fueron finalmente enviadas en 1747, la princesa escribió una carta a su madre,
(que estaban en posición del Conde Tessin) comentando que, las pinturas de Chardin eran
tales que uno sentía que caía a sus rodillas en frente de ellas al contemplarlas. En 1749 la
princesa encargo dos obras más, ´´ la buena educación´´ y ´´ el estudio de dibujo``.
El éxito de Chardin con este tipo de pinturas tan elegantes le llevó a recibir un gran
número de encargos de la aristocracia europea, especialmente aquellas que residían en
París. El príncipe Joseph Wenzel de Liechtenstein, el cual era embajador austriaco en la
corte francesa desde 1737 hasta 1741, había adquirido en ese tiempo tres de las pinturas
de Chardin ´´La institutriz´´ ``El regreso del mercado´´ y ´´The turnip scraper´´. Sobre
1747 él encargó al artista pintar la maravillosa ´´convalescent meal´´, que, a pesar de ser

19
expuesto en el salón de 1747, permaneció sin ser visto hasta el siglo XIX cuando los
hermanos Goncourt, visitaron la Liechtenstein Gallery en 1860. El misterio de este trabajo
recae en la combinación del artista de un perfecto equilibrio entre elegancia y naturaleza
muerta y la fragilidad de la figura femenina. Finalmente, en 1751, Chardin recibe el
reconocimiento real cuando Le Normand de Tournehem, supervisor general de los
edificios del Rey, encargó la primera pintura para el rey, ´´the bird-song organ´´. El artista
admitía su deuda a Coypel y sus pinturas las cuales son vistas en la sala de pintura. Es
probable que la modelo de esta imagen y los ´´placeres domésticos´´ sea la segunda mujer
del artista y que el sofisticado gusto en el interior representado es probablemente una
representación del interior de su casa. Mirando atrás en los trabajos de Chardin de la
década de 1740, podemos ver qué tan lejos ha ido este género de pinturas y cómo ha
evolucionado desde sus primeras experimentaciones diez años antes, pero también cómo
nos recuerda una vez más a las pinturas holandesas del siglo XVII.

Figura 32 the bird-song organ

9. Vuelta a sus inicios

Así como Chardin había abandonado sus exitosos bodegones para experimentar con
otros géneros de pintura, en el apogeo de su fama decidió volver a su primer amor, la
naturaleza muerta. Para entonces su trabajo había recibido la aprobación real y en
términos sociales y económicos él estaba cómodo, vivía una vida feliz y acomodada. Los
ingresos de la venta de grabados después de sus pinturas le aseguraron un ingreso estable.
En 1752 el rey le había premiado con el primero de un gran número de pensiones y en
1757 le regalan un apartamento en el Louvre. Fue en este año cuando el hijo de Chardin,
que fue entrenado para ser pintor en la Academia, peleó violentamente con su padre sobre
la voluntad de su madre. Ese mismo año su hijo se fue a Roma. Para ese tiempo las
responsabilidades de Chardin en la Academia iban creciendo; él fue designado tesorero
en 1755 y en 1761 se le puso a cargo de la exhibición del Salón, una tarea extremadamente
delicada. Colgar las pinturas del salón era una tarea inviable, ya que el tapissier tenía que
intentar y satisfacer las exhibiciones de los artistas con sus arreglos. A pesar de que
Chardin continuó exhibiendo diversas pinturas en el salón, eran o repeticiones de trabajos
anteriores u obras que había pintado algunos años antes.

20
 Su naturaleza muerta de la década de 1750 sin embargo, eran bastante diferentes de
aquellas pintadas en la década del 1720. En un principio había un gran rango de objetos
que ahora incluía porcelana fina y fruta exótica. Por primera vez, el artista experimentó
con lienzos ovalados. Generalmente, sin embargo, los objetos eran más ricos pero las
composiciones eran más clásicas. El artista le daba sus objetos más espacio. Su estilo era
más suave y pulido, la dureza de los personajes en sus obras jóvenes había desaparecido.
En las pinturas con animales muertos había habitualmente un toque conmovedor o
detallado, como en la delicada cuerda que se encuentra cerca de la garganta de una perdiz
muerta. Tal como Chardin nos hizo sentir con sus sirvientas cansadas, así es como nos
sentimos con las aves muertas que aparecían como inocentes víctimas de caza en lugar
de trofeos deportivos. De este período fecha la única pintura floral que ha sobrevivido, a
pesar de que se sabe que había pintado más; esta es la maravillosa ´´ Vase flower´´ . Desde
su elegante arreglo floral, un par de pétalos caen, una imagen simbólica de la transición
de la vida y de la belleza. Como en sus producciones tempranas en los finales de la década
de 1720 y principios de 1730, Chardin frecuentemente pinta estas naturalezas muertas en
parejas. Dos de las más llamativa son un par de óvalos que se vio en el Salón en 1761,
´´the jar of appricots´´ y ´´the sliced melon``. Diderot, sin embargo, el crítico más
influyente de la década de 1750 y 1760 reservó elogios inequívocos para ´´la tinaja de
aceitunas´´, enseñada en el salón de 1763. Diderot dijo que, si él quería que su hijo se
convirtiera en pintor, él le habría enseñado a copiar este trabajo una y otra vez. Él también
destaca que el joven artista Jean-Baptiste Greuze Se dice que lanzó un suspiro mientras
caminaba por las pinturas de Chardin en el salón y en palabras de Diderot, <<Ese elogio
es más breve pero mejor que el mío>>. En este periodo Chardin también produjo algunas
pinturas de gran simplicidad cómo `` la canasta de flores salvajes´´`` vaso de agua y
cafetera``. Trabajos como estos tuvieron una enorme influencia en él realismo francés y
en los pintores del siglo XIX.

Figura 33: Vase flower

21
 Figura 34: The jar of appricots Figura 35: The sliced melon.

En 1764 Cochin, un amigo de Chardin y el secretario de la Academia, envió al

marqués de Marigny, el hermano de Madame de Pompadour y supervisor general de las
estructuras del Rey, un proyecto decorativo para dos de los salones de la Real château en
Choisy, ubicado en las afueras de París. Su plan era encargar artistas como Carle van Loo
y Boucher hacer las pinturas historicistas en la sala de los juegos y para Chardin pintar
tres lienzos que irían sobre las puertas en el salón de compañía. Los tres temas de Cochin
fueron `` los atributos de las artes´´, `` los atributos de la ciencia´´ y `` los atributos ya
la música´´ a diferencia de las pinturas históricas, los trabajos de Chardin encontraron
favoritismo con el rey, aunque él no recibió el pago de estas obras hasta 1772. Estas
permanecieron en el château hasta la revolución y ahora están en el Louvre, todas excepto
una, `` los atributos de la ciencia´´, la cual desapareció y probablemente fue vendida por
la administración revolucionaria. Estos trabajos son mucho más sofisticados. En ``El
atributo de las artes´´, Chardin hizo un especial homenaje a su amigo, el escultor Edme
Bouchardon, el cual había muerto dos años antes, incluyó en ella uno de sus yesos.
Chardin y Bouchardon fueron amigos desde la época de 1730 y el escultor tenía una de
las naturalezas muertas de Chardin. El crítico Téophile Thoré, pudo haber pensado en
estas pinturas cuándo fue contrastando los talentos de Chardin y de Oudry, diciendo que
todas las decoraciones de Chardin eran verdaderas y poderosas pinturas, y las de Oudry
estaban inteligentemente decoradas. La cultura fue una gran inspiración para Chardin en
este periodo. Esto es evidente en algunas de las maravillosas grisallas que pintó en
imitación a la cultura a finales de la década de 1760 y a principios de 1770. Chardin
experimentó primero con grisallas esculturales y en 1730 es cuándo estas serán bien
recibidas en la exposición de la Jeaunesse. En estas obras Chardin había copiado los
trabajos de los flamencos escultores Duquesnoy. Su obra ´´Ocho niños jugando con una
cabra´´ fue un tema frecuentemente incorporado por los artistas holandeses del siglo
XVII en sus obras, y a veces aparecerán en los trabajos de Gerard Dow, por ejemplo, en
su ``trumpet player´´. Sin embargo, Chardin estuvo más inspirado por el trabajo de los
escultores contemporáneos, en una de sus más bonitas grisallas ``Autumn´´, copia de los
platos de Bouchardon, por los bajorrelieves de las estaciones que adornan su fuente. El
plato enseñado en el salón de 1741 fue extremadamente popular debido a su tema
juguetón muy típico del rococó.
22
 En 1776 Luis XV decide restaurar para sus hijas el château de Bellevue, el cual había
sido construido para Madame de Pompadour en 1748. Su hermano, el marqués de
Marigny, nuevamente llamó a Cochin para idear un programa decorativo. Los pintores,
Jean-Jacques Lagrenée y Fragonard entre otros fueron reclutados para realizar las
decoraciones. Cochin sugirió que Chardin debía producir las pinturas que irían sobre las
puertas en la sala de música en sus propias palabras: <<este artista ha logrado un punto
de percepción único en su género>>. Los trabajos de Chardin, `` los atributos de la
música civil´´ y `` los atributos de la música militar´´ fueron terminados para el verano
de 1767 y se enseñaron en el Salón ese mismo año. estas obras no fueron confiscadas en
el momento de la revolución, pero fueron vendidas cuando se subastó todo lo que había
en el château en 1794. Como las pinturas para el château de Choisy, estos dos óvalos eran
composiciones suntuosas, pero eran pintadas en una escala aún mayor. El contraste gentil
de instrumentos, violín flauta y tambor, con los instrumentos de la guerra; batería,
trompeta y platillos. Fue probablemente el resultado del éxito de las pinturas para el
château de Choisy en el Salón de 1765. Catherina la grande de Rusia encargó a Chardin
el siguiente año pintar lienzos que irían sobre la puerta de la Academia de finas artes de
San Petersburgo, en otra pintura de `` los atributos de las artes y sus recompensas´´ tal
como había hecho anteriormente un homenaje a Bouchardon en la pintura para Luis XV,
en el trabajo para Catherina la grande, él hizo homenaje a otro amigo suyo, el gran escultor
Jean-Baptiste Pigalle. Haciendo su yeso `` Mercurio´´, del cual ha sobrevivido más de
una sola versión, y se hizo el centro de la composición. Catalina la grande tenía cinco
pinturas de Chardin y estaba tan encantada con su trabajo cuando llegó a San Petersburgo,
que se lo quedó en sus apartamentos privados.

Figura 36: los atributos de la música civil Figura 37: los atributos de la música militar

10. Final de su vida y obra; influencias en artistas posteriores

En 1767 un trágico evento ocurrió en la vida de Chardin. Su hijo Jean-Pierre, el cual
fue enseñado para ser pintor en la Academia y había ganado el primer premio en pintura,
se suicidó en Venecia ahogándose en un canal. Él estaba viajando con el marqués de
Paulmy, el embajador de Francia en Venecia.
Para el comienzo de la década de 1770, Chardin empezó a sufrir una parálisis en el
ojo, lo que le impidió seguir pintando con óleos. Esta enfermedad fue causada ya que el
pigmento usado para el blanco contenía veneno, este color era muy frecuente en sus
pinturas lo que le llevó a acabar así, y, de hecho, por todos los pintores del siglo XVIII,

23
ya que la base del pigmento estaba basada en plomo. Tal como el famoso pintor
impresionista, Edgar Degas, Chardin abandonó la pintura al óleo y la cambió por el pastel.
Por esta razón, desde 1771 el exhibió en el salón un número de dibujos de cabezas en
pastel. Algunos de estos estudios eran pertenecientes de modelos como la obra de ``
Cabeza de hombre´´; otras son entrañables retratos de niños reminiscentes del trabajo de
dos pintores franceses de una generación anterior, estos eran Alexis Grimou y Jean Raoux,
y una la copia después Rembrandt. La más llamativa obra de pastel fue su autorretrato y
él `` Retrato de Madame Chardin´´, su segunda mujer, de la cual hay dos versiones, una
se encuentran en el Louvre y la otra en el Instituto de arte de Chicago. Estos últimos
trabajos, teñidos con melancolía, son imágenes del artista en la vejez.
Desde un punto de vista profesional los últimos años de Chardin fueron muy difíciles.
La marquesa de Marigny, quien al final de la vida del artista le había confiado importantes
encargos reales, fue reemplazada como supervisora general de las estructuras del Rey por
el comité d´Angiviller y Pierre se convirtió en el primer pintor del Rey. Pierre forzó al
amigo de Chardin, Cochin para retirarse de secretaria de la Academia y en 1774 el propio
Chardin renunció hacer el tesorero y el tapissier del salón. A la edad de 80 años Chardin
murió, en su apartamento en el Louvre.
Chardin no dejó pupilos, pero sí varios imitadores. Artistas como Henry Roland de la
Porte y Anne Vallayer Coster le deben mucho a Chardin. Fragonard fue brevemente su
aprendiz, pero se le recuerda como alumno de Boucher. Greuze tuvo un gran éxito en el
Salón con sus pinturas, pero tenían un contenido narrativo y un tono moralizante. En el
año de la muerte de Chardin, el joven pintor Jacques- Louis David, ganador del premio
de Roma, embarcó su viaje a Italia destinado a cambiar el curso de las pinturas francesas
para siempre.
Tras su muerte, Chardin fue olvidado pronto. No fue hasta la mitad del siglo XIX
cuando él fue redescubierto por críticos de artes y artistas de los que fue una figura de
culto. Él inspiró a Eduard Manet, Bonvin y los pintores de la escuela realista. En el siglo
XX su gran influencia fue indudable en Cézanne.

11. Conclusión
La carrera artística de Chardin está bien documentada a pesar de no ser muy famoso
ya que mostró sus pinturas en el Salón de exhibiciones y también en la Jeunesse, una
exposición celebrada al aire libre que tenía lugar cada año en Junio en la casa del Delfín
de Francia). Ambas exhibiciones recibían una gran cantidad de visitantes además del
reconocimiento de la prensa. Las críticas de la prensa promovieron visiones muy
importantes para los artistas de las obras. La vista más importante fue en una de las
exhibiciones del Salón. Denis Diderot (1713-1784), el famoso filósofo francés y editor
de La enciclopedia, ayudó a recoger la información de Chardin, además su amigo y
también artista Charles Nicolás Cochin escribió una biografía del autor tras su muerte y
Pierre-Jean Mariette habla sobre Chardin en El abecedario, un libro que colecciona la
vida de diferentes artistas. De acuerdo con los distintos autores, Chardin, decidió
especializarse en naturaleza muerta porque creía que las pinturas de la naturaleza o de
objetos podría malinterpretarse y denominarse como pintura historicista, en otras
palabras, el criticó en cierto modo la doctrina académica.

24
 12. Bibliografía
NAUGHTON, Gabriel, Chardin, Londres, Phaidon, 1996
ROSENBERG, Pierre, Chardin, Munich, Prestel, 1999
Chardin, Jean Simeón, Chardin 1699-1779: (exhibition), Cleveland, Museom of Art,
1799

13. Galería de imágenes

Figura 1: https://cuadrosyvinilos.es/obras-de-arte/barroco/10389/autorretrato-con-una-
visera
Figura 2: https://educacion.ufm.edu/jean-antoine-watteau-la-muestra-de-gersaint-oleo-
sobre-lienzo-1720/
Figura 3: https://www.reprodart.com/a/chardin-jean-baptiste/the-game-of-billiards.html
Figura 4: https://en.artsdot.com/@@/AQQJGN-Jean-Baptiste-Simeon-Chardin-Hare-
with-Powder-Flask-and-Game-Bag
Figura 5: https://www.wikiart.org/en/jean-baptiste-simeon-chardin/game-still-life-with-
hunting-dog
Figura 6: https://es.wikipedia.org/wiki/El_buffet
Figura 7: https://en.wikipedia.org/wiki/The_Ray_%28Chardin%29
Figura 8: https://fineartamerica.com/featured/dead-hare-with-red-partridge-jean-
baptiste-simon-chardin-eloisa-mannion.html
Figura 9: https://es.artsdot.com/@@/8XYBQF-Jean-Baptiste-Simeon-Chardin-Los-
atributos-de-las-Ciencias
Figura 10: https://www.pinterest.es/pin/353040058290335408/
Figura 11: https://en.artsdot.com/@@/8YDFTZ-Jean-Baptiste-Simeon-Chardin-The-
Meat-Day-Meal
Figura 12: https://www.amazon.com/Fast-Day-Meal-Jean-Baptiste-Simeon-
Chardin/dp/B017HNVO52?th=1
Figura 13: https://www.bookofthrees.com/copper-cauldron-with-three-eggs/
Figura 14: https://www.wikiart.org/en/jean-baptiste-simeon-chardin/the-water-tank
Figura 15: https://www.wikiart.org/en/jean-baptiste-simeon-chardin/lady-sealing-a-letter
Figura 16: https://artuk.org/discover/artworks/a-lady-taking-tea-138380
Figura 17: https://www.etsy.com/es/listing/1170375777/jean-simeon-chardin-mujer-
sacando-agua
Figura 18: https://es.wikipedia.org/wiki/La_lavandera_%28Chardin%29
Figura 19: https://www.nga.gov/collection/art-object-page.110960.html
Figura 20: https://www.meisterdrucke.es/impresion-art%C3%ADstica/Jean-Baptiste-
Simeon-Chardin/545935/The-Cellar-Boy%2C-1738.html
Figura 21: https://en.artsdot.com/@@/ARAP7G-Joseph-Pighills-Returning-from-
Market-%28after-Jean-Siméon-Chardin%29
Figura 22: https://es.wikipedia.org/wiki/La_lechera
Figura 23: https://en.wikipedia.org/wiki/Girl_with_a_Racquet
Figura 24: https://artsandculture.google.com/asset/the-house-of-
cards/ZAGYddNraETgLQ?hl=es&ms=%7B%22x%22%3A0.5%2C%22y%22%3A0.5
%2C%22z%22%3A9.201998984226167%2C%22size%22%3A%7B%22width%22%3
A2.7074944980999236%2C%22height%22%3A1.2375000000000005%7D%7D
Figura 25: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Jean_Siméon_Chardin_-
_Young_Student_Drawing_-_Google_Art_Project.jpg
Figura 26: https://www.artsy.net/artwork/jean-simeon-chardin-the-embroiderer
Figura 27: https://historia-arte.com/obras/el-mono-pintor

25
Figura 28: https://www.evangelizarconelarte.com/cuadros-del-mes/junio-2011j-chardin-
joven-maestra-1773/
Figura 29: https://kuadros.com/es-es/products/la-gouvernante-la-institutriz-jean-
baptiste-simeon-
chardin#:~:text=La%20Gouvernante%20(The%20Governess)%20es,vibrantes%20y%2
0su%20historia%20intrigante.
Figura 30: https://en.wikipedia.org/wiki/Saying_Grace_%28Chardin%29
Figura 31: https://www.meisterdrucke.es/impresion-art%C3%ADstica/Jean-Baptiste-
Simeon-Chardin/252840/El-baño-de-la-mañana.html
Figura 32: https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Chardin_-_The_Bird-
Song_Organ_or_Lady_Varying_Her_Amusements,_about_1751.jpg
Figura 33: h-ps://www.pinterest.com.mx/pin/56506170325936660/
Figura 34: https://www.reprodart.com/a/chardin-jean-baptiste/dasaprikosenglas.html
Figura 35: https://www.reprodart.com/a/chardin-jean-baptiste/the-cut-melon.html
Figura 36: https://fr.wikipedia.org/wiki/Fichier:Chardin_attributs_musique_civile.jpg
Figura 37: https://fr.wikipedia.org/wiki/Fichier:Chardin_Attributs_musique_(1765).jpg

26