La retícula es posiblemente el sistema compositivo más utilizado en la cultura
occidental, empleada desde las civilizaciones egipcias, indostánicas y mesopotámicas,
tanto para realizar representaciones pictóricas como en la elaboración de sus ciudades.
Durante el Renacimiento la retícula se incorpora como herramienta para la distribución
de la imagen en un espacio perspectivo, tramado y matemático. La retícula es
impermeable a los cambios y se resiste a cualquier tipo de desarrollo. Así pues, en sus
inicios la retícula se emplea como una base sobre la que se proyecta la obra.1
Pero no sería hasta la aparición de Paul Cézanne en el panorama artístico, que la
retícula tomaría un camino y una relevancia destacable para el porvenir del arte
moderno. Tras la muerte de su padre, Paul Cézanne se encontró con una gran cantidad
de dinero y una propiedad en Aix, donde decidió mudarse, quedando prendado del
paisaje, los colores y las formas de la pequeña localidad provenzana, lugar donde
continuaría desarrollando su arte y donde comenzaría a ver el paisaje de una forma
completamente distinta al resto, fijándose más en las formas que en los detalles,
reduciendo la tierra, los edificios e incluso a las personas a una simple sucesión de
formas geométricas, planteamiento que llegaría con el paso de los años a su conclusión
más lógica, la abstracción total.
Aunque “El maestro de Aix” no había terminado todavía, pues trató de tomar su idea
de simplificar el paisaje en grupos de formas interconectados y llevarlo más allá, con la
introducción de algo semejante a una retícula, pues opinaba que las líneas en paralelo a
las del horizonte hacían respirar al paisaje, mientras que las líneas perpendiculares
generaban profundidad. Tras su fallecimiento, sus ideas sobre la retícula y la
simplificación de las formas se verían presentes en la obra de Le Corbusier, de los
artistas de la Bahaus, el cubismo y, principalmente, en la obra de Piet Mondrian.2
Así pues, la retícula llegaría a su máxima expresión con Mondrian que, tomando la
retícula pictórica del cubismo sintético,3 buscaría desarrollar una clase de pintura que
destilara todo lo que sabemos y sentimos en un sistema simplificado y, con ello,
reconciliar los grandes conflictos de la existencia. Su intención fue expresar
plásticamente lo que todas las cosas tienen en común, en lugar de aquello que las
1
RODRÍGUEZ, S. (2005): Materia ritmada: la retícula como sistema de orden. En: Arquitectura COAM:
Revista del Colegio de Arquitectos de Madrid, pp.106-111.
2
GOMPERTZ, W. (2016); ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos,
Barcelona, Ed. Penguin Random House, pp.112-114.
3
WILLIAMSON, J. H. (10 de marzo de 2010). El Rehilete. Obtenido de:
[Link] [Última consulta: 06/05/2022].
separa. Para llegar a ello, necesitaba reducir el arte a su mínima esencia: color, forma,
línea y espacio. El color quedaría a su vez simplificado a los tres primarios, las formas
al cuadrado y el rectángulo, mientras que la línea solo a rectas verticales y horizontales.
Además, consideraba que el grosor de estas líneas brindaba de una velocidad de lectura
distinta, por ejemplo, las líneas más finas daban una mayor velocidad de lectura,
mientras que, por el contrario, las más gruesas la reducían. Únicamente con estas
herramientas Mondrian creyó que podía dar sentido a la vida, armonizando los
elementos opuestos de la naturaleza, mezclando todas ellas con la intención de
conseguir el equilibrio, tensión e igualdad que buscaba. 4 Con estas premisas y junto al
artista holandés Theo van Doesburg, crearía la revista De Stijl, dando fruto a un
movimiento artístico nuevo y autónomo, donde visualizó ese continuo espacio físico, no
en términos materiales, sino, más bien, en los términos de las leyes matemáticas que
rigen la materia, el espacio y el tiempo.5
Soledad Sevilla
Soledad Sevilla (1944-) es una de las artistas valencianas más destacas de los últimos
años, se formó en la escuela de Bellas Artes de Sant Jordi de Barcelona entre 1960 y
1965, y al año siguiente marchó a Madrid, donde conoció a Eusebio Sempere, una
figura que fue de gran influencia en su obra artística. Sempere había pasado varios años
empapándose del arte de las vanguardias en París, donde conoció algunos de los
supervivientes de ésta, como Braque o Arp, y lugar en el que se instruyó en los
fundamentos del arte moderno con obras de artistas como Mondrian o Klee, hasta su
regreso a la capital española en el año 1960.
Ambos artistas, rigurosos e interesados en las formas geométricas y el uso de las
tramas, mallas y retículas en sus obras, asistieron juntos al Centro de Cálculo de la
Universidad de Madrid, acción vista por ambos como una rección a la academia donde
se habían formado, pero que, sin duda, ayudó a que Soledad Sevilla se acercara aun más
al uso de las formas, la línea y el color como base normativa de su obra pictórica.
Disfrutó, entre otras, de una beca específica en la Universidad de Harvard para la
realización de estudios técnicos en el departamento de artes, momento en el que
4
GOMPERTZ, W. (2016); Op. Cit., pp. 217-223.
5
WILLIAMSON, J. H. (10 de marzo de 2010)., [Link].
empieza a trabajar en la serie de Las Meninas, aplicando una estructura reticular para
reinterpretar los espacios y las atmósferas del importante cuadro de Velázquez. A esta
serie le siguió La Alhambra, en la que buscó una reinterpretación del palacio nazarí,
serie en la que usa también como base de referencia la retícula, aunque el uso del color
es muchos más medido.6 La serie de Los Toros pone fin a este periodo de su vida
artística de mayor empleo de las tramas, retículas y mallas como herramientas y forma
de transformar los motivos que la inspiran, el momento donde las líneas se cruzan con
los colores, dando como resultado esa presencia espacial, depurada y reducida para
expandir el espacio y experimentar con la luz y el color.7
Victor Vasarelly
Artista de gran capacidad para el dibujo, Victor Vasarely estudió en la Escuela Mühely
de Budapest, dirigida por el artista y diseñador gráfico Sándor Bortnyik, quien estaba
conectado con las ideas de la Bahaus de Weimar. Además, asistía con asiduidad a las
tertulias del café del Danubio, lugar de encuentro de la sociedad culta de la ciudad,
donde se trataban, entre otros, temas científicos, matemáticos y del arte de vanguardia. 8
Durante esta época, Vasarely se interesa por los problemas formales del arte
geométrico, tomando como maestros espirituales a artistas modernos como Mondrian,
Theo van Doesburg y Malevich entre otros, periodo que se prolonga hasta 1939, con
obras que aun no son abstractas, pero cuyas paradojas opticas generan retículas de lineas
y cruces.
En 1953 creció en Vasarely la necesidad de que sus obras se multiplicaran y
adquirieran una amplia difusión, así pues, en su Manifiesto Amarillo de 1955 resumió
sus ideas sobre recreación, multiplicación y expansión. La idea cosistía en generar, a
partir de un conjunto básico de elementos corpusculares 9 y mediante un algoritmo, un
número virtualmente infinito de composiciones diferentes, cuyos colores, tonos y
formas podrían representarse de forma numérica, dando la posibilidad de crear
6
VVAA. (12 de septiembre de 2019). Eusebio Sempere y Soledad Sevilla. líneas paralelas. Obtenido de:
[Link]
[Última consulta: 06/05/2022].
7
CORRAL, M. (1 de febrero de 2018). Espacios de la mirada. Soledad Sevilla. Obtenido de:
[Link] [Última consulta: 06/05/2022].
8
TARÍN, M.I. (2004). Vasarely: De la abstracción geométrica a la utopía social. En: Revista del Open
Matemático, XVIII, Requena, pp.79-92.
9
Partículas de la materia de tamaño microscópico.
reproducciones exactas. Con el incremento de elementos en la composición, la ilusión
óptica generada se volvería cada vez más compleja, aunque siempre sirviendose de la
retícula, reinterpretandola o deformándola, para componer sus obras. Así pues, genera
imágenes en 3 dimensiones a partir de composiciones reticulares de dos dimensiones.
Vasarely reduce su obra a un pequeño numero de formas regulas y crea una veintena
de tonos distintos para cada uno de los colores que emplea con mayor frecuencia,
generando una gama total de 220 tintas debidamente codificadas. 10 A comienzos de los
años sesenta Vasarely propuso la implementación de un lenguaje visual universal,
formulados según los conceptos de la unidad plástica, que denominó “Folclore
planetario”. Opinaba que los colores y formas eran capaces de comunicar y reintegrar el
placer estético en el entorno cotidiano de forma eficaz. 11 Esta posibilidad de hacer arte
siguiendo un sistema modular se coloca en la tradición artística defendida en este
trabajo, proviniente de movimientos como neoplasticismo, constructivismo o la Bahaus
entre otros, poniendo la estética mecánica al servicio de la sociedad.
Conclusiones
Ambos artistas reflejan en gran parte de su obra los conceptos defendidos por Rosalind
Krauss en su artículo sobre la retícula, ya que Victor Vasarely reduce su obra pictórica a
un limitado número de formas regulares y a una concreta cantidad de tonos, encajados o
distribuidos a modo de malla o retícula, con la intención de ordenar y allanar unas
composiciones virtualmente infinitas y artificiales, mientras que, por su parte, Soledad
Sevilla aplica estructuras reticulares en tres de sus series principales, buscando ordenar
y geometrizar su obra con el fin de reinterpretar determinanos espacios y atmósferas
mediante el uso de la malla, la linea, el color y la forma.
10
TARÍN, M.I. (2004)., Op. Cit., pp. 79-92.
11
THYSSEN BORNEMISZA (18 de Julio de 2018). Museo Nacional Thyssen Bornemisza. Obtenido de:
[Link] [Última consulta:
07/05/2022].
Anexo
Soledad Sevilla, Las Meninas, 1983, Acrílico sobre tela.
Victor Vasarely, Kezdi-Domb, 1968, Acrílico sobre lienzo.
Victor Vasarely, Orion Blanc Positive, 1970 Poliestireno BASF.
Victor Vasarely, Sende, 1972, Acrílico sobre lienzo.
Bibliografía
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de: [Link] [Última consulta:
06/05/2022].
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cerrar de ojos, Barcelona, Ed. Penguin Random House, pp.112-114.
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