ÍNDICE

CONCIERTO INAUGURAL
Orquesta Sinfónica Nacional
José Luis Castillo, director invitado
Sala Principal, Palacio de Bellas Artes
Viernes 6, 20 h 8

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 7, 11:30 h 22

Ónix Ensamble
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 7, 18 h 31

Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM)

Sylvain Gasançon, director titular
Sala Nezahualcóyotl,
Centro Cultural Universitario, UNAM
Sábado 7, 20 h y Domingo 8, 12 h 39

Laboratorio de Música Nueva

Fractal Guitar Trio
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Domingo 8, 11:30 h 46

Cuarteto de Cuerdas de Bellas Artes

Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Domingo 8, 18 h 53

Diren Checa, violín

Ensamble Black Noise
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Lunes 9, 19 h 58

Pink Noise
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Martes 10, 19 h
Auditorio Silvestre Revueltas,
Conservatorio Nacional de Música
Miércoles 11, 17 h 66

Ensamble de cámara
Rodrigo Cadet, director
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Miércoles 11, 19 h 72

Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Carlos Aransay, director artístico  
Colegio de San Ildefonso, UNAM | Viernes 13
C O N V E R S A T O R I O | 16:30 h
C O N C I E R T O | 18:00h 78
Aldo Aranda, percusiones
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Viernes 13, 19 h 85

Kanira Ensamble
Casa Nuestra. Sede Histórica del Senado de la República
Viernes 13, 19:30 h 91

Cuarteto de Cuerdas Raberi

Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 14 de octubre, 11:30 h 101

Ensamble Cepromusic
José Luis Castillo, director artístico
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 14, 19 h 109

Marisa Canales, flauta

Jaime Márquez, guitarra
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Domingo 15, 11:30 h 119

Santiago Piñeirúa, piano

El Colegio Nacional
Domingo 15, 13 h 126

Iván Cipactli Hernández, marimbas y vibráfono

Museo Universitario Arte Contemporáneo
Domingo 15, 13:30 h 133

Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Carlos Aransay, director artístico
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Domingo 15, 18 h 138

Duplum
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Lunes 16, 19 h 149

Ángel Flores, contrafagot y electrónica

Xavier Frausto, trombón invitado
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Martes 17, 19 h 155

Laboratorios sonoros
Manuel Rocha Iturbide
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Miércoles 18, 19 h 164

Zinc & Copper

Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Jueves 19, 18 h  166
Diego Sánchez-Villa, piano
Lidia Guerberof, clavecín
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Viernes 20, 18 h 170
Zinc & Copper
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Viernes 20, 19 h 177

Ensamble de Música Contemporánea

de la Escuela Superior de Música
Ensamble de Música Nueva de la Facultad
de Música de la UNAM
Germán Tort, director artístico
Edgar Castillo, coordinador
Casa Nuestra. Sede Histórica del Senado de la República
Viernes 20, 19:30 h 182

EMAC (Ensamble Modular de Arte Contemporáneo)

Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 21, 11:30 h 190
Israel Barrios - Sebastián Espinosa, pianos
Sala Carlos Chávez, Centro Cultural Universitario,
UNAM
Sábado 21, 13 h 196

Trio d’Argent - Souffle Nomade

Diana Syrse, voz
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 21, 18 h 200

CONCIERTO DE CLAUSURA
Orquesta de Cámara de Bellas Artes
Luis Manuel Sánchez Rivas, director artístico
Auditorio Silvestre Revueltas,
Conservatorio Nacional de Música
Domingo 22, 12 h 205

CONCIERTO DE CLAUSURA
Iracema de Andrade, violonchelo
Fernando Domínguez, clarinete
Alfredo Fenollosa, corno
Ángel Flores, fagot
Ricardo Gallardo, percusiones
Vladimir Ibarra - Mario Ortiz, guitarras
Diego Sánchez-Villa, piano
Sala Carlos Chávez,
Centro Cultural Universitario, UNAM
Domingo 22, 18:00 h 212
EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS
Noodus Ensamble
Sala Chopin, Escuela Superior de Música
y Danza de Monterrey, Nuevo León
Martes 10, 19:30 h 220

Marketo String Quartet

Teatro Socorro Astol, Culiacán, Sinaloa
Miércoles 11, 19 h 228

TEMPLUM ensamble
Universidad Autónoma de Occidente,
Unidad Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa
Jueves 12, 19 h 234

Q-Sion, ensamble de percusiones

Sala Chopin, Escuela Superior de Música
y Danza de Monterrey, Nuevo León
Viernes 13, 19 h 237

Cronopio Ensamble
Galería Libertad, Querétaro, Querétaro
Sábado 14, 20 h 242

Ensamble Danaus
Unidad Académica Cultural del Campus Morelia,
UNAM, Michoacán
Martes 17, 18 h 248

Víctor Taboada, electroacústica

Universidad Autónoma de Occidente,
Unidad Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa
Martes 17, 19 h 255

Fausto Arellano, guitarra eléctrica

y procesos electrónicos
Universidad Autónoma de Occidente,
Unidad Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa
Viernes 20, 19 h 257

3 geometrías encontradas.
Música visual y electroacústica
Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras,
Morelia, Michoacán
Viernes 20, 19 h 259

Orquesta de Cámara Higinio Ruvalcaba

de la Universidad de Guadalajara
Centro Universitario de Ciencias Exactas e Ingeniería,
Universidad de Guadalajara, Jalisco
Viernes 20, 16:00 h
Sala 2 del Conjunto Santander de Artes Escénicas,
Guadalajara, Jalisco
Sábado 21, 19:30 h 264
Laura Carrasco, órgano
Capilla del Instituto Superior de Música Sacra
de Morelia, Michoacán
Sábado 21, 13 h 269

Israel Aragón, clarinete

Universidad Autónoma de Occidente,
Unidad Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa
Sábado 21, 18 h 276

FIMNME
ACTIVIDADES
DE EXTENSIÓN

CONFERENCIAS

Redes de nuevos medios para la composición e

interpretación musical en Descargas II, Mitote, Artificial
Collection y Modes of creativity in the digital age
Imparten: Itzá García y Tobias Fandel
Sala 4 Agustín Caballero,
Conservatorio Nacional de Música
Lunes 9, 17 h 279

Computer aided composition with LISP in Max and timbre-

based electronics
in the composition NiNe StEpS To HELL
Imparte: Simon Kanzler
Sala 4 Agustín Caballero,
Conservatorio Nacional de Música
Miércoles 11, 10 h 279

C O N V E R S AT O R I O

Allende nuestro mar

Voces de México, Cuba y Trinidad y Tobago
participan: Barbara Llanes, Dominique Le Gendre, Ana Lara y
Carlos Aransay
Colegio de San Ildefonso, UNAM
Viernes 13, 16:30 h 279

ÍNDICE DE COMPOSITORES 280

ÍNDICE DE OBRAS 282

SEDES 45 FIMNME 284

Sala Principal, Palacio de Bellas Artes
Viernes 6 de octubre, 20:00 h

Concierto inaugural
PROG R A M A

Mario Lavista
Clépsidra (1991) 8’
80 aniversario de nacimiento

Víctor Rasgado
Continuum (2001) 8’
In memoriam

György Ligeti
Apparitions (1959)* 9’
A 100 años de su natalicio

Intermedio

Dora Vera
Huaxyacac (2020) 11’

Julio Estrada
Eua-On-Ome (1995)* 11’
A 80 años de su natalicio

*Estreno en México

Orquesta Sinfónica Nacional

José Luis Castillo, director invitado

8
COM PO SITO RE S

Mario Lavista (México, 1943-2021)

Estudió composición en el Conservatorio Na-

cional de Música (CNM). Fue becado por el Go-
bierno francés para estudiar con Jean-Étienne
Marie en la Schola Cantorum de París y con
Henri Pousseur; fue alumno de Karlheinz Stock­
hausen en Alemania. Fundó en 1970 el grupo
de improvisación Quanta, interesado en la crea­
ción-interpretación simultánea y la electroacústica. Le fue conce-
dida una beca de la Fundación Guggenheim para componer su
ópera Aura. Fue nombrado miembro de la Academia de Artes. Mas
adelante recibió la Medalla Mozart e ingresó a El Colegio Nacional
de México. En estrecha colaboración con algunos instrumentistas
exploró e investigó las nuevas posibilidades técnicas y expresivas
que ofrecen los instrumentos tradicionales. Dictó cursos y semi-
narios en universidades de Estados Unidos y Canadá. Tuvo a su
cargo la cátedra de Composición, análisis y lenguaje musical del
siglo XX en el CNM. Fue fundador y director de la revista Pauta.

Clepsidra
La palabra clepsidra, que da título a la obra orquestal de Mario Lavista
que hoy nos ocupa no sólo es una palabra bella y eufónica que se re-
fiere a una máquina asombrosa, sino que también es una creación
etimológica realmente ingeniosa. En términos sencillos, una clepsi-
dra es un cronómetro que mide el tiempo a través de un flujo gradual
de agua. Algunos de los relojes de agua más antiguos que se cono-
cen provienen de Egipto, donde los arqueólogos han detectado apa-
ratos que datan de aproximadamente quince siglos antes de nuestra
era. Estos relojes estaban formados por un recipiente en forma de
cubeta del que escapaba el agua a través de un agujero hecho en la
base. En las paredes interiores del reloj estaban marcadas las escalas
del tiempo, una para cada mes del año tomando en cuenta las varia-
ciones estacionales de las horas egipcias. Así, al final de la primera
hora el agua que al principio llegaba al borde del recipiente, había
bajado de nivel hasta la primera marca del mes en cuestión. En un
principio, estas clepsidras o relojes de agua no eran muy precisos,
debido principalmente a dos factores: por un lado, la dificultad para
regular la presión de salida del agua, que se lograba parcialmente
con la forma cóncava de las paredes del recipiente; y por el otro, la
diferente viscosidad que el agua adquiría con los cambios de tempe-
ratura. Desde el antiguo Egipto estos relojes de agua fueron introdu-
cidos en el mundo grecorromano y llamados clepsydrae. Al ajustar el
flujo del agua, los griegos y los romanos lograron que las clepsidras

9
 adquirieran cierta exactitud. Así, la clepsidra romana tomó la forma
de un cilindro en el que el agua goteaba, proveniente de un depósito.
Las lecturas se hacían en una escala marcada en el cilindro, a través
de un flotador. De ese modo, con el depósito lleno, las irregularida-
des en el flujo de agua se mantenían al mínimo. Hacia el primer siglo
antes de nuestra era, el notable arquitecto e ingeniero Vitruvio publi-
có su tratado De architectura, uno de cuyos capítulos está dedicado
a los relojes, las medidas y la astronomía. En este capítulo de su mag-
na obra, Vitruvio describe una clepsidra con un mecanismo de esca-
pe a base de ruedas dentadas. Un eje fijo al flotador tenía dientes
que enganchaban un engrane con una aguja que se movía sobre
una escala. Algunos modelos de relojes de agua descritos por Vitru-
vio en uno de los capítulos de De architectura fueron perfeccionados
más tarde por los árabes y los chinos, y tales clepsidras se utilizaron
en Europa hasta el siglo XVI. Ahora bien, ¿qué tienen que ver las clep-
sidras del mundo antiguo con esta obra sinfónica de Mario Lavista?
La respuesta me llega a través del fax, que es un aparato más sofisti-
cado, pero menos poético que la clepsidra. El texto enviado por La-
vista dice así:
“Escribí Clepsidra para orquesta en 1991 por encargo de la Or-
questa Sinfónica de San Antonio, para conmemorar el 300 aniversa-
rio del descubrimiento del río San Antonio. Se estrenó en abril de ese
mismo año en la ciudad de San Antonio, bajo la dirección de Zdenek
Macal. Su estreno en México se llevó a cabo en noviembre de 1992
con Enrique Diemecke al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional.
Me gusta pensar que tanto el río como la música son imágenes del
ritmo del tiempo, son una narración del tiempo. El río nos cuenta la
historia de las aguas, mientras que la música nos relata la historia de
los sonidos. Ambos son, de alguna manera, clepsidras, esto es, relojes
de agua para observar y medir el tiempo. Las clepsidras, al igual que
la música y el río, transforman el desorden en orden, lo continuo en
discontinuo, y el ruido y el sonido en sentido. La obra está habitada
de recuerdos de mi propia música. Es una especie de diario íntimo
en el que están escritos motivos, frases, fragmentos de mis obras
orquestales anteriores, reunidos en un orden diferente. Intenté con
esto crear una estructura, una forma musical que fuese la deposita-
ria de mi memoria. La obra está dedicada a mi amigo el escritor Gui-
llermo Sheridan”.
De este breve texto se desprende que en Clepsidra se sintetizan
de manera elegante y expresiva dos de los temas fundamentales del
pensamiento musical de Mario Lavista: las citas y el tiempo. A lo largo
de su producción, el compositor ha creado varias obras en las que cita
fragmentos brevísimos, desprovistos de valor anecdótico, de obras
de algunos de sus compositores favoritos. Tal es el caso de piezas su-
yas como Continuo (1971) para orquesta, Contrapunto (1972) para me-
dios electrónicos, Quotations (1976) para violon­
chelo y piano, Trío
(1976) para violín, violonchelo y piano, y Lyhannh (1976) para orquesta.

10
 Por otra parte, es evidente que un compositor que escribe Kronos
(1969) para varios relojes despertadores y Diacronía (1989) para cuar-
teto de cuerdas, es un músico preocupado a fondo con la idea del
tiempo. No es casualidad que Mario Lavista sea admirador y profundo
conocedor de la obra de los músicos medievales y renacentistas para
quienes el tiempo adquirió dimensiones filosóficas profundas, como
tampoco es casual su admiración por compositores de nuestra época
como Conlon Nancarrow (1912-1997) y John Cage (1912-1992), también
muy atentos a las cuestiones relativas al tiempo. Pareciera que el
compositor quiere, con su música, convertirse él mismo en una clep-
sidra y robarse el tiempo para detenerlo, estudiarlo, comprenderlo,
poseerlo. De las raíces griegas kleptein, robar; e hydor, agua, resulta
finalmente que una clepsidra no es más que una ladrona de agua.

Víctor Rasgado (México, 1959-2023)

Comenzó sus estudios de piano a los seis años

y posteriormente cursó Composición en la Es-
cuela Nacional de Música y en el Centro de In-
vestigación y Estudios Musicales en México.
En 1984 estudió en la Royal School of Music en
Reino Unido, y en Italia de 1985 a 1993, en el
Conservatorio G. Verdi de Milán, la Academia
Chigiana de Siena y la Academia de Alto Perfeccionamiento Lo-
renzo Perosi de Biella. Sus principales maestros fueron María An-
tonieta Lozano y Franco Donatoni. Durante su carrera obtuvo be-
cas de instituciones como: INBAL, SEP, Fonca, Academia Chigiana,
UNESCO-Gaudeamus y Arts International; y obtuvo el primer lu-
gar en los concursos internacionales de composición Olympia en
Grecia, 1993, Alfredo Casella en Italia, 1993, Iberoamericano en Es-
paña, 1992, y Orpheus en Italia, 1994. Sus obras abarcan los géneros
de ópera, música sinfónica, música electroacústica, ballet, obras
de cámara y para instrumentos solistas, y han sido grabadas en
México e Italia y publicadas por Ediciones Mexicanas de Música y
Ricordi-Italia. Organizó en México los Cursos Internacionales de
Composición Franco Donatoni (1993-1998). Fue distinguido con la
Medalla Mozart y como Creador Artístico del Sistema Nacional de
Creadores de Arte en México.

Continuun
Después de su educación básica, complementada con una licencia-
tura en historia, Víctor Rasgado continuó los estudios musicales ini-
ciados desde temprana edad, abordando rigurosamente numerosos
temas y materias: piano, contrapunto, fuga, composición, música

11
 electrónica, órgano, instrumentación, canto gregoriano, etnomusi-
cología. En esta intensa etapa de estudios, las escalas del trayecto
fueron fundamentalmente México, Inglaterra e Italia. Su presencia
en Italia, fructífera e importante, tuvo como uno de sus puntos cul-
minantes una sólida preparación en el ámbito de la composición
bajo la guía de Franco Donatoni (1927-2000), una de las figuras más
importantes en la música contemporánea. Como consecuencia de la
tutela del destacado compositor italiano, Rasgado fundó y dirigió en
México los Cursos Internacionales de Composición Franco Donatoni.
Y como una especie de espejo o contraparte, en Italia fundó el en-
samble Sones Contemporáneos. Es probable que el legado más inte-
resante de este proyecto (en el que contó con la experta complicidad
de su colega y amigo Juan Trigos (1965), sea un disco compacto titu-
lado, también, Sones Contemporáneos. La lista de títulos, diplomas y
reconocimientos obtenidos por Víctor Rasgado es amplia y variada, y
su actividad concertística, emprendida desde muy joven, cubrió un
vasto espectro de espacios y públicos en México. Además, numero-
sas obras de su catálogo han sido interpretadas dentro y fuera del
país con frecuencia, en sedes que incluyen el Concertgebouw de
Ámsterdam y varias salas de conciertos en Holanda, Italia, España,
los Estados Unidos, Dinamarca y diversas locaciones en la República
mexicana. De particular importancia en la historia de Víctor Rasgado
fue el estreno de sus óperas Anacleto Morones, El conejo y el coyote,
Paso del Norte y La Muerte pies ligeros. Con la primera de ellas, basa-
da en Juan Rulfo y estrenada en 1994 en el Festival de Spoleto, Italia,
obtuvo una mención especial en el Premio Orpheus.
En la audición de algunos fragmentos de estas óperas suyas, así
como en la exploración de composiciones en otras formas y géneros,
el oyente puede descubrir un lenguaje poderoso, complejo y muy
personal, en el que aquí y allá se asoman algunas influencias intere-
santes: los italianos contemporáneos, Alberto Ginastera (1916-1983),
György Ligeti (1923-2006). En su música es claramente perceptible
también un profundo conocimiento de las técnicas contemporáneas
de producción sonora y una gran capacidad para la organización de
materiales musicales muy complejos. De particular interés en la va-
riada producción de Víctor Rasgado es el hecho de que está presente
en su pensamiento musical una tendencia a utilizar, en los títulos y en
las obras mismas, referencias específicas a asuntos de las culturas
mexicanas tradicionales, y al mismo tiempo una gran habilidad para
que estas referencias se integren en un lenguaje totalmente contem-
poráneo, sin recaídas en el neo-nacionalismo ni en otras tendencias
de lo que un crítico sagaz bautizó como la vanguardia de antier. So-
bre esta faceta de su trabajo creativo ha incidido, sin duda, el hecho
de que Víctor Rasgado es nieto del notable compositor y cantante
(cantautor, pues, a la usanza moderna) Chuy Rasgado (1907-1948), fi-
gura destacada de la cultura popular de su natal Oaxaca.

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 La obra sinfónica Continuum de Rasgado está escrita para una
orquesta grande, que incluye una nutrida sección de percusiones.
Quien se acerque a Continuum encontrará una música de arquitec-
tura aparentemente engañosa y contradictoria, puesto que el flujo
sonoro es de una gran coherencia y, a la vez, se pueden detectar
episodios claramente diferenciados. En todos ellos hay un cuidado
detallista de los colores orquestales, además de potentes y expresi-
vos contrastes dinámicos. En la segunda parte de la obra, el piano se
hace más presente, no en el espíritu virtuoso-concertante tradicio-
nal, sino como un elemento más de la orquestación, hábilmente in-
tegrado a la partitura. Traducido al castellano, el título de la obra es
Movimiento continuo.
Continuum, que data del año 2001, le fue encargada a Víctor Ras-
gado por el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura. El compo-
sitor redactó la partitura en el Centro Banff de las Artes en Canadá,
gracias a un apoyo del Fondo Nacional Para la Cultura y las Artes.
Además de Continuum, el catálogo de música orquestal de Víctor
Rasgado incluye obras como Quetzaltepec (1994), Alebrijes (1994),
Fanfarria (2001) y Body Notes (2004-2005).

György Ligeti (Rumania, 1923 – Austria, 2006)

Estudió en el Conservatorio de Klausenburg

con Ferenc Farkas, y en la Franz Liszt Academy
de Budapest con Sándor Veress, Pál Járdányi y
Lajos Bárdos. Dejó su país natal en 1956. Em-
prendió un intensivo estudio de la música de
Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel y Pie-
rre Boulez, mientras trabajaba en el Estudio
para Música Electrónica de Colonia, Alemania. Fue profesor aso-
ciado de la Summer School for Contemporary Music en Darm­
stadt, Alemania, y profesor huésped en la Royal Swedish Academy
of Music en Estocolmo. Fue becario del German Academic Exchan-
ge Programme de 1969 a 1970, y compositor en residencia de la
Universidad de Stanford en 1972, antes de ser nombrado profesor
de composición en la Hamburg Musikhochschule en Alemania, al
año siguiente. Logró un sustancial impacto en la escena interna-
cional de la música contemporánea en la docencia, que ejerció
hasta 1989, y como integrante activo de la escena musical, convir-
tiéndose en una referencia estética para toda una generación.

13
 Apparitions
En el año 1968, el gran compositor húngaro György Sándor Ligeti pasó
a engrosar las filas de aquellos compositores académicos cuya músi-
ca, siendo antes materia de estudio y apreciación de los melómanos
de élite, pasó a ser conocida, si no por las masas, sí por un número
apreciable de amantes de la música que hasta entonces poco o nada
sabían de él. Y este cambio ocurrió, como en tantos otros casos, a tra-
vés del cine. Ese año fue estrenada la imprescindible película 2001: A
Space Odyssey (‘2001: Odisea del espacio’) de Stanley Kubrick, quien
además de lograr con ella uno de los hitos más importantes en la his-
toria de la cinematografía, nos dio a los cinéfilos-melómanos una lec-
ción exquisita sobre cómo musicalizar no sólo imágenes, sino tam-
bién conceptos. Además de piezas de Richard Strauss (1864-1949),
Johann Strauss Jr. (1825-1899) y Aram Khachaturian (1903-1978), Ku-
brick incorporó a su notable soundtrack tres obras de Ligeti: Atmos-
phères (1961), el Requiem (1963-1965), y Lux aeterna (1966). Obras todas
ellas de gran calidad y, contradiciendo a los detractores de la música
contemporánea, cargadas de una gran expresividad.
Muchos años antes de adquirir esta notoriedad a trasmano, Lige-
ti había seguido una trayectoria académica bastante convencional
en Hungría. Al huir de la invasión soviética en 1956 a la Europa Occi-
dental, cayó de inmediato bajo la influencia de los círculos musicales
más avanzados, particularmente en Austria y Alemania y, como con-
secuencia de ello, su lenguaje compositivo comenzó a experimentar
una serie de cambios de orientación muy rápidos y muy notorios. Así,
varios textos dedicados a Ligeti coinciden en marcar un claro partea-
guas en el catálogo de sus obras: las creadas antes de 1956, y las es-
critas después de marchar al exilio. Más específicamente: ¿cuál es la
obra que marca el surgimiento del nuevo Ligeti? Sobre este asunto,
hay algunas discrepancias: mientras que algunos expertos afirman
que el punto de inflexión está marcado por la creación de la breve
pieza de música electrónica Artikulation (1958), realizada en el estu-
dio de la Radio del Oeste Alemán en Colonia, otros dicen que Ligeti
es Ligeti a partir de su obra orquestal Apparitions, presentada ante
una sorprendida (y escandalizada) audiencia en el festival de la ISCM
(Sociedad Internacional para la Música Contemporánea) en 1960.
Escrita para gran orquesta, Apparitions es una obra en la que ya
son perceptibles algunos de los elementos fundamentales del len-
guaje de Ligeti: apretadas texturas instrumentales, la tendencia a la
micropolifonía, técnicas de ejecución extendidas, contrastes extre-
mos en la dinámica y los registros, etc. El propio Ligeti decía que
Apparitions representaba su regreso a la composición instrumental
después de sus primeros experimentos electroacústicos, y mencio-
naba que en la primera parte de la obra había retomado y desarrolla-
do materiales de una pieza orquestal anterior, Viziók, compuesta
cuando aún estaba en Budapest. (Viziók, inconclusa, data del fatídico
año de 1956). En un texto sobre Ligeti y su música, el destacado escri-
tor y crítico Alex Ross dice:

14
 “En su obra de 1960 Apparitions, los fagotistas tocan sus instru-
mentos sin las cañas, los ejecutantes de metales golpean sus boqui-
llas con las manos, y un percusionista tiene la indicación de destro-
zar una botella sobre una caja llena de placas metálicas. (La partitura
indica ‘No olvide utilizar goggles protectores’)”.
Una buena muestra del apego de Ligeti a las mejores tradiciones
musicales de su tiempo es el hecho de que en Apparitions es posible
detectar algunos procedimientos constructivos tomados, probable-
mente, de su destacado predecesor Béla Bartók (1881-1945). Compues-
ta entre 1958 y 1959, Apparitions fue estrenada el 19 de junio de 1960, en
Colonia, con Ernest Bour al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio
de Hamburgo. La partitura está dedicada al polifacético Herbert Ei-
mert (1897-1972), compositor, musicólogo investigador, editor, produc-
tor de radio, pionero de la música electrónica y crítico alemán.

Dora Vera (México, 1968)

Nació en Tuxtla Gutiérrez. Miembro del Sistema

Nacional de Creadores de Arte. Estudió Com-
posición en el Taller de Creación Musical de Oa-
xaca con Víctor Rasgado. Cursó la maestría de
segundo nivel en Composición en el Conserva-
torio de Milán con Klaus Lang, George Benja-
min, Marco Stroppa, Unsuk Chin y Alberto Po-
sadas. Licenciada en Gestión cultural por la UABJO. Su obra artística
comprende música contemporánea para instrumento solo, vocal,
de cámara y para banda y orquesta sinfónica. Sus obras han sido
interpretadas por ensambles y orquestas como Syntax Ensemble
de Milán, Trio d’Argent de París, Paramaribo Ensemble de Montreal,
cuarteto de cuerdas Q-Arte de Colombia, Cuarteto Arcano, Du-
plum, Banda Sinfónica del Estado de Oaxaca, Orquesta Sinfónica
de Oaxaca y Orquesta Sinfónica del IPN, en el marco de festivales
como el FIMNME, Instrumenta, Eduardo Mata, y la Semana de la
América Latina y el Caribe en París, entre otros.

Huaxyacac
Hay en el perfil biográfico de la compositora, directora coral y gesto­
ra cultural Dora Vera una doble raíz que apunta al México profundo y
originario: nació en Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, y a los diez años de edad
se mudó para radicar en Oaxaca. Es en la Escuela de Bellas Artes de
la UABJO de esta entidad que realiza sus estudios musicales bási­
cos; además de las materias teóricas de rigor, elige un instrumento:
la flauta. Más tarde, se perfecciona en pedagogía musical y dirección
coral en Hungría, donde sus estudios son influidos por las importan-
tes enseñanzas del compositor y pedagogo magyar Zoltán Kodály
(1882-1967). (De interés anecdótico pero significativo: Dora Vera realiza
esos estudios en Kecskemét, ciudad natal de Kodály).

15
 Obtiene una maestría en el Conservatorio de Milán, y para sus estu-
dios de gestión cultural y desarrollo sustentable acude, de nuevo, a
la Universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca. Otra área desta-
cada de su preparación académica: el estudio de la composición
para banda sinfónica. La benéfica influencia de sus numerosos tuto-
res está equilibradamente dividida en dos grupos: los compositores
mexicanos y extranjeros de quienes ha sido alumna. Los primeros:
Víctor Rasgado, Juan Trigos, Hebert Vásquez, Mario Lavista, Georgina
Derbez, Armando Luna, Ana Lara y Marcela Rodríguez. Los segun-
dos: Klaus Lang, Marco Stroppa, George Benjamin, Unsuk Chin y Al-
berto Posadas. En el campo específico de la dirección coral, sus
maestros han sido Jorge Córdoba, Marco Antonio Ugalde, Alejandro
León, Lilla Gábor, Péter Erdei, Katalin Kiss, Werner Pfaff, y Josep Prats.
Si la lista de sus profesores es notable, no lo es menos la de aquellos
músicos que han interpretado sus obras, tanto en México como en el
extranjero: Syntax Ensemble de Milán, Trio d’Argent de París, Parami-
rabo Ensemble de Montreal, Cuarteto de Cuerdas Q-Arte de Colom-
bia, Cuarteto de Cuerdas Arcano, Duplum, la Banda Sinfónica del
Estado de Oaxaca, la Orquesta Sinfónica de Oaxaca y la Orquesta del
Instituto Politécnico Nacional.
Dora Vera es miembro del Sistema Nacional de Creadores de
Arte, y sus obras han sido interpretadas en contextos importantes
como el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, el
Festival Instrumenta, el Festival Eduardo Mata, Festival Humánitas
de Oaxaca y la Semana de la América Latina y el Caribe en París. En
agosto de 2019 el H. Ayuntamiento de Oaxaca de Juárez encargó a
Dora Vera una obra para orquesta sinfónica con motivo del aniversa-
rio de la ciudad. La obra orquestal resultante se titula Huaxyacac y
data de ese año. Sobre esta partitura, Víctor Rodríguez Ugalde co-
menta lo siguiente:
“Así como antes de la música existió el ruido, así el origen de esta
ciudad, llamada Huaxyacac por los prehispánicos; reverberación de
dioses ahora inexistentes, un misterio como la no-música al inicio de
la obra, donde la línea del tiempo evoluciona hacia disonancias acu-
muladas, que conducen a rompimientos sonoros de temas musica-
les oaxaqueños y a su inmediata deconstrucción musical, reflejando
inevitablemente el periodo de las vivencias inéditas de una pande-
mia, que ha roto los esquemas sociales de la cotidianeidad oaxaque-
ña, como las fiestas de la Guelaguetza, las fiestas patronales, o los
festejos sociales. En contraparte, la sonoridad de la sección final ma-
nifiesta una luz esperanzadora, concluyendo con un desenlace sutil
del Dios nunca muere, recordando la vuelta al origen de la tradición,
la inmanente mortalidad del ser o la fugacidad de la vida”.
Vale anotar aquí que Dios nunca muere es un hermoso vals del
compositor oaxaqueño Macedonio Alcalá (1831-1869), que se ha con-
vertido en una especie de himno regional de Oaxaca. Huaxyacac
está escrita para orquesta sinfónica grande, con un buen arsenal de

16
 percusiones que incluye, además de numerosos instrumentos tradi-
cionales de esa sección, fibra-esponja de cocina, copas de cristal afi-
nadas con agua, hojas de papel aluminio, una regla de metal, un
plectro de guitarra, etc. La música codificada en la partitura viene
precedida de dos páginas de precisas y detalladas instrucciones so-
bre notación y técnicas de ejecución extendidas. El estreno de Huax-
yacac ocurre el 25 de noviembre de 2022, en el emblemático Teatro
Macedonio Alcalá de la ciudad de Oaxaca, con la Orquesta Sinfónica
de Oaxaca dirigida por la compositora. Huaxyacac, el antiguo nom-
bre de la ciudad y estado de Oaxaca, significa en náhuatl “en la pun-
ta del guaje” o “en la nariz del guaje”.

Julio Estrada (México, 1943)

Estudió composición con Julián Orbón y fue

alumno de Henri Pousseur, Jean-Étienne Ma-
rie, Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen y
György Ligeti. Es doctor en Música y Musicolo-
gía por la Universidad de Estrasburgo II. Es
compositor e investigador de la UNAM. Es au-
tor de varios libros y ha publicado gran canti-
dad de investigaciones, artículos en libros, revistas y periódicos.
Ha escrito sobre teoría del arte, teoría, análisis y filosofía de la mú-
sica, y filosofía de la historia e historia musical de México y Latinoa-
mérica. Desarrolló una filosofía propia en teoría musical y, junto
con Jorge Gil, escribió Música y teoría de grupos finitos. Coordinó
la edición de La música de México en 10 volúmenes y ha sido ase-
sor y productor de radio y televisión. Es profesor en la Facultad de
Música de la UNAM, integrante del Instituto de Investigaciones
Estéticas de la UNAM. Ha ocupado cargos institucionales, entre
ellos la dirección del Departamento de Música y la dirección gene-
ral de Difusión Cultural de la UNAM y es integrante de la Academia
Mexicana de Ciencias. Entre los premios que ha recibido, desta-
can el de Darmstadt, del Centro de Difusión de la Música Contem-
poránea de Madrid y la Radio Nacional de España. En 1982 y 1986,
Francia le confirió la Orden de las Artes y de las Letras. Recibió la
Medalla Bellas Artes en 2016.

Eua-On-Ome
Decir que Julio Estrada es uno de los compositores mexicanos más
destacados de su generación es apenas una parte de la historia. Su
música es compleja, retadora, ajena a la complacencia, en muchos
casos especulativa, en otros arriesgadamente experimental. Pero
Julio Estrada es reconocido, además, como investigador, musicólogo,

17
 maestro y divulgador. Entre los numerosos hitos de esa trayectoria
multifacética, vienen a la memoria algunos que dan cuenta de su
amplitud de miras e intereses: su labor como editor y coordinador de
la obra La música de México (UNAM, 1984), que se mantiene hasta la
fecha como una importante fuente de referencia; su autoría, coauto-
ría, trabajo editorial y prólogos de libros sobre compositores como
Silvestre Revueltas, Conlon Nancarrow, Julián Orbón, Jacobo Kos-
takowsky y Manuel M. Ponce, y sobre temas como el concepto del
sonido en la obra de Juan Rulfo o la teoría de grupos finitos. Estrada
tiene en su haber, además, una vasta labor académica desarrollada
en instituciones tanto de México como del extranjero, y pertenece a
diversos seminarios, órganos colegiados y academias. Es particular-
mente destacada su larga y fructífera asociación con el Instituto de
Investigaciones Estéticas de la UNAM.
Todo ello, junto con muchas otras cosas, conforma una versión
mínima del perfil profesional de Julio Estrada. En un plano más per-
sonal, estoy cierto de que muchos melómanos fuimos marcados en
nuestro aprendizaje temprano por algunas de sus labores. En parti-
cular, menciono los eventos y personajes del Festival Creación Musi-
cal y Futuro que organizó y dirigió en 1978, la fundación y dirección,
en 1979, de la Compañía Musical de Repertorio Nuevo, la divulgación
que por esos años hizo en México del sistema UPIC (Unidad Poliagó-
gica Informática del CEMAMu) y, de modo importante, su destacada
labor de divulgación de la música (de toda la música) en sus series
radiofónicas.
Para entrar en materia, va el dato de que en el catálogo de com-
posiciones de Julio Estrada se encuentra un buen número de obras
cuyos títulos están en lengua náhuatl; en algunos casos, los títulos se
repiten con alguna variante en el entendido de que se trata de series
o grupos de obras relacionadas entre sí. Cronológicamente, la prime-
ra de estas obras es eua’on (1981) una pieza de música electroacústi-
ca (eua, echar a volar; on, a la distancia). La obra fue dedicada por
Julio Estrada a la memoria de su padre, Manuel Estrada (1902-1980).
Cabe anotar que eua’on fue realizada por el compositor en el sistema
UPIC. Dice Julio Estrada:
“Luego de un largo duelo en silencio tras la muerte de mi padre,
empecé con emoción a dibujar sin detenerme una obra a partir de mi
voz digitalizada: descubrí mi música al desnudo: eua’on —en náhuatl,
‘aquel que emprende el vuelo a la distancia’—, largo aúllo transcrito
años después para la orquesta, eua’on’ome”.
La versión orquestal fue creada en el contexto de los Días de la
Música de Donaueschingen, y su forma final data de 1995; en el título
de la obra orquestal, ome es la palabra que designa al número dos. En
un ensayo sobre los elementos que definen el lenguaje de Julio Estra-
da, publicado en los anales del Instituto de Investigaciones Estéticas
de la UNAM, titulado El arte de frontera en la música de Julio Estrada
y firmado por Velia Nieto (quien fuera esposa del compositor), la auto-
ra dedica un apartado al concepto de la espacialización, y afirma:

18
 eua’on’ome muestra una distribución no ortodoxa de los músicos
en la que violonchelos y contrabajos se encuentran al frente de la
orquesta, mientras que dos pianos de cola sin tapa, ubicados a am-
bos costados del conjunto orquestal, mantienen el pedal de reso-
nancia para dar mayor sensación de profundidad.
En ese mismo texto, Velia Nieto destaca los aspectos específi-
cos del ritmo y la espacio-temporalidad que están presentes en
eua’on’ome. La obra fue estrenada en Donaueschingen en 1995.
Notas de Juan Arturo Brennan

19
I N T É RPRETES

Orquesta Sinfónica Nacional

Es la agrupación musical más representativa de nuestro país. Su

primer antecedente es la Orquesta Sinfónica de México, fundada
por Carlos Chávez en 1928. Con la creación del Instituto Nacional
de Bellas Artes en 1947, la Sinfónica de México se convirtió, prime-
ro, en Sinfónica del Conservatorio Nacional de Música y, final-
mente, en la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha obtenido diversos
reconocimientos, entre ellos la nominación al Grammy Latino
2002 al Mejor Álbum Clásico y el premio Lunas del Auditorio en
2004 como mejor espectáculo clásico. La han encabezado, entre
otros, Moncayo, Herrera, Mata, Cárdenas, Flores, Savín, Diemecke
y Prieto. Figuras legendarias la han dirigido, como Monteux, Bern­
stein, Stravinski, Solti, Copland, Penderecki, Klemperer, Celibida-
che, Villa-Lobos, Dutoit. Los solistas que ha presentado incluyen a
Arthur Rubinstein, Yo-Yo Ma, Mstislav Rostropovich, Carlos Prieto,
Jessye Norman, Frederica von Stade, Kiri Te Kanawa, Francisco
Araiza, Plácido Domingo y Joshua Bell, entre otros. Participa con-
tinuamente en festivales como el Internacional Cervantino y el
Internacional de Música de Morelia. En 2016 realizó una nueva
gira por Europa, en la que se presentó en la Musikverein de Viena,
la Grosses Festspielhaus de Salzburgo, la Alte Oper de Fráncfort y
en la Philharmonie de Colonia.

20
José Luis Castillo

Director artístico del Centro de Experimenta-

ción y Producción de Música Contemporánea
(Cepromusic) y director titular de la Orquesta
Filarmónica de Jalisco. Estudió composición,
análisis y dirección de orquesta en Valencia,
Salzburgo, Luxemburgo y París con Manuel
Galduf y Alexander Müllenbach. Radica en
México desde 1997. Fue director artístico del programa académico
de perfeccionamiento musical Instrumenta Oaxaca, coordinador
del ciclo de Música Contemporánea del Festival Internacional
Cervantino, profesor de composición en el Instituto de Cultura de
Guanajuato, director artístico de la Orquesta Sinfónica de la Uni-
versidad de Guanajuato, director artístico de la Orquesta de Cá-
mara de Bellas Artes y director musical de la Camerata de las
Américas. Ha sido reconocido en dos ocasiones por la Unión Mexi-
cana de Críticos de Teatro y Música y premiado en Luxemburgo,
Países Bajos e Italia. Más de setenta orquestas en 25 países y una
discografía de 15 títulos avalan la trayectoria de Castillo quien,
además de ópera, ballet, repertorio camerístico y sinfónico, cuen-
ta con un amplio catálogo de películas silentes con musicaliza-
ción en vivo, más de doscientos estrenos mundiales y cientos de
estrenos en México. Como compositor, sus obras se interpretan en
importantes foros y festivales de música contemporánea. Es pro-
fesor de composición en la Escuela Superior de Música del INBAL
y realiza la edición crítica de las obras de Silvestre Revueltas en
colaboración con Roberto Kolb.

21
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 7 de octubre, 11:30 h

PROG R A M A

Oscar Alcalá
Calaveras garbanceras (2023) 8’

Ángel Castro
3:05 (2023) 5’

Javier Álvarez
De hormigas y estrellas (2013) 13’
In memoriam

Inte rm e d i o

Carole Chargueron
Murmuration para quinteto (2023)* 14’

Víctor Rasgado
Axolote (1988) 11’
In memoriam

Nubia Jaime Donjuán

Camino al paraíso (2019) 5’

Aurés Moussong
And the cat spun round like a top (2022)** 9’

* Estreno mundial
** Estreno en México

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

Asako Arai, flauta
Joseph Shalita, oboe
Rafael Prado, clarinete
Wendy Holdaway, fagot
Cristian Cornejo, corno

22
COM PO SITO RE S

Oscar Alcalá (México, 1978)

Se graduó con mención honoríf ica de la

maestría en Composición de la UNAM. Ganó
el VI Concurso Internacional de Composición
para Cuarteto de Cuerdas Nuestra América
2016 y el III Concurso Nacional de Composi-
ción Manuel M. Ponce 2017. Su música ha sido
escuchada en el Seminario Iberoamericano y
Concurso Nacional de Guitarra del Conservatorio del Tolima, Foro
Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, Festival Interna-
cional Cervantino, Jornadas INBAL-SACM, Salón Latino Chamber
Music Series en Universidad de Indiana y Music Mexico 2023 Sym-
posium en la Universidad de Houston, entre otros. Sus obras han
sido interpretadas por Cuauhtémoc Rivera, Nathan Fischer, Clara
Loisch, Manuel Espinás; Túumben Paax, Cuarteto José White,
Cuarteto Latinoamericano, Orquesta Filarmónica de Zacatecas,
Orquesta Filarmónica 5 de Mayo y Orquesta Sinfónica de la Uni-
versidad Panamericana, entre otros.

Calaveras garbanceras
En México, a finales del siglo XIX, se llamaba garbancero a quien, sien-
do de clase social baja, aparentaba un estilo de vida lujoso y refinado,
renegando de sus propios orígenes. La alusión a los garbanzos se
debe a que, durante el Porfiriato, indígenas que solían vender maíz
en las esquinas de la Ciudad de México cambiaron su vestimenta tra-
dicional por ropaje europeo y el maíz por garbanza. Como sabemos,
la condición política y social del México de aquel entonces era convul-
sa. Comenzaron a aparecer los llamados periódicos de combate,
como El Hijo de Ahuizote, Regeneración o El Jicote, que en noviembre
incluían suplementos con las típicas calaveras literarias ilustradas con
grabados satíricos. Fue en uno de estos suplementos que apareció
por vez primera la calavera garbancera del grabador José Guadalupe
Posada, quien representó a los garbanceros utilizando una calavera
desnuda, símbolo de pobreza, pero con un gran sombrero de estilo
europeo adornado con plumas, símbolo de presunción y falsedad.
Décadas después, en 1947, Diego Rivera incluyó como figura central a
la calavera garbancera en su mural Sueño de una tarde dominical en
la Alameda Central, pero esta vez ataviada con un lujoso vestido por-
firiano. Al lado izquierdo aparece Posada y a la derecha un Diego Ri-
vera adolescente y Frida Kahlo. El humilde pasado de la garbancera
fue borrado, naciendo así la famosa Catrina. Mi obra es un homenaje
a la garbancera original y al huesudo mundo de su brillante creador:
José Guadalupe Posada.

23
Ángel Castro (México, 1988)

Es licenciado en Guitarra clásica con mención

honorífica por la Escuela Superior de Música
del INBAL, donde también participó en el Ta-
ller de Composición de Jorge Torres Sáenz.
Ha tomado clases magistrales con Pablo Ga-
ribay, Hugo de Rodas, Alejandro Córdova,
Marcin Dylla, Hopkinson Smith y Xavier Díaz
Latorre. En 2015 estrenó en México la obra 5 Impromptus de José
Mora-Jiménez. En 2017 grabó con la Orquesta Filarmónica de las
Artes el disco Las Cuatro Estaciones. Antonio Vivaldi, interpre-
tando el continuo en guitarra barroca. En 2018 su proyecto Ban-
quete barroco, música para laúd y guitarra barroca, resultó gana-
dor del Programa de Fomento a Proyectos y Coinversiones
Culturales que otorga el Fonca. En 2023 el Quinteto de Alientos
de la Ciudad de México realizó el estreno de su obra 3:05.

3:05
Es una obra para quinteto de alientos que consta de tres movimien-
tos. Cada uno representa un momento relacionado con el sueño: pri-
mero, la sensación de somnolencia tras enfrentarse a varias horas de
insomnio; luego, la entrada a un sueño ligero, una etapa intermedia
entre la vigilia y el sueño y, al final, un sueño profundo. Somnolence,
el primer movimiento, está compuesto principalmente a partir de un
acorde disminuido con séptima menor que se va fragmentando. Es
de un carácter tranquilo y pausado, similar a la respiración de antes
de conciliar el sueño. El segundo movimiento, Homenaje a Maurice
Ravel, es un minueto ligero y rítmico que contrasta con el carácter
del anterior; sin embargo, en la sección intermedia hay un cambio de
tempo en el que están presentes sonoridades que evocan el primer
movimiento, pero con un tratamiento similar al de la música del
compositor francés. Por último, el Romance posee un carácter más
relacionado con el sueño profundo. Se presentan dos melodías: una
misteriosa y la otra tranquila. Primero dialogan, y luego entran en
contrapunto. Finalmente, reaparece la sonoridad del primer movi-
miento para dejar atrás la melodía inquietante y dar paso a la melo-
día apacible completa.

24
Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Músi-

ca con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universidad
de Wisconsin, el Royal College of Music y la
City University de Londres. Recibió becas del
Fonca, las fundaciones Mendelssohn y Civite-
lla Ranieri, y fue miembro de la Academia de
Artes de México. En 2013 recibió el Premio Nacional de Ciencias y
Artes. En 2014 el INBAL le otorgó la Medalla Bellas Artes en recono-
cimiento a su contribución al arte y la cultura de México. Su obra
ha sido interpretada por orquestas y ensambles como el New
London Chamber Choir, London Sinfonietta, L'Orchestre Nationa-
le de France, Los Angeles Philharmonic, Tambuco, Ictus, Brodsky
Quartet, Cuarteto Latinoamericano, Chicago Symphony New Mu-
sic Group y BBC Concert Orchestra, así como por las orquestas
Sinfónica de Xalapa, Sinfónica de Yucatán, de Cámara Europea,
Filarmónica de Jalisco, Sinfónica Nacional de México y Filarmóni-
ca de la Ciudad de México. Fue profesor en el Royal College of Mu-
sic y en la Universidad de Hertfordshire, en Reino Unido. Fue pro-
fesor visitante en el Conservatorio de París y en la City University
de Londres. En México fue fundador de la Escuela Superior de Ar-
tes de Yucatán y entre 2011 y 2015 fue rector del Conservatorio de
las Rosas, en Morelia.

De hormigas y estrellas
Inventar música para quinteto de alientos presenta retos muy parti-
culares. En primer lugar, los timbres de cada uno de los instrumen-
tos que lo conforman son muy disímiles y al mismo tiempo, caracte-
rísticos. Por otro, sus registros se entrecruzan de tal forma que a
menudo resulta difícil establecer una mezcla balanceada entre ellos.
Tras varios meses de darle vueltas a estas problemáticas decidí in-
cluir un clarinete bajo, de tal suerte que pudiera yo ampliar el regis-
tro inferior y de esta forma reasignar las voces para lograr un color
que me complaciera. Al estar ponderando estas consideraciones
técnicas, me crucé con un poema de Federico García Lorca que me
dio pie para encontrar el ángel poético de mi invención: Los encuen-
tros de un caracol aventurero. Como desde siempre he estado fasci-
nado por los insectos, el texto, que narra las aventuras de un caracol
en una alameda habitada por ranas ciegas y hormigas que miran las
estrellas, me sugirió el perfil inquieto pero agridulce que caracteriza
mi pieza.

25
Carole Chargueron (Francia, 1966)

Tiene licenciatura y maestría en Música y ha

estudiado Música electroacústica en los Con-
servatorios de Niza y Lyon, en Francia, con Mi-
chel Pascal, Philippe Manoury y Denis Lorrain.
Durante su estancia en CalArts, en Estados
Unidos, estudió con Morton Subotnick. Desde
1998 reside en México. Es compositora-artista
sonora y enseña música electroacústica en la Escuela Superior de
Música. Está particularmente interesada en componer para músi-
ca electroacústica mixta, piezas acusmáticas estéreos y multica-
nales. Obtuvo becas del Fonca, del INBAL y de Ibermúsicas. Sus
piezas fueron tocadas en el Festival Cervantino, el Foro Internacio-
nal de Música Nueva Manuel Enríquez, el Espacio de Experimen-
tación Sonora (MUAC-UNAM), y el Espacio Sonoro de la Casa del
Lago, entre otros. Su obra se ha presentado en Estados Unidos,
Europa y Latinoamérica.

Murmuration
Patrones colectivos que surgen de interacciones individuales, susu-
rro de miles de pares de alas.

Víctor Rasgado (México, 1959-2023)

Comenzó sus estudios de piano a los seis años

y posteriormente cursó Composición en la Es-
cuela Nacional de Música y en el Centro de In-
vestigación y Estudios Musicales en México.
En 1984 estudió en la Royal School of Music en
Reino Unido, y en Italia de 1985 a 1993, en el
Conservatorio G. Verdi de Milán, la Academia
Chigiana de Siena y la Academia de Alto Perfeccionamiento Lo-
renzo Perosi de Biella. Sus principales maestros fueron María An-
tonieta Lozano y Franco Donatoni. Durante su carrera obtuvo be-
cas de instituciones como: INBAL, SEP, Fonca, Academia Chigiana,
UNESCO-Gaudeamus y Arts International; y obtuvo el primer lu-
gar en los concursos internacionales de composición Olympia, en
Grecia, 1993, Alfredo Casella en Italia, 1993, Iberoamericano en Es-
paña, 1992, y Orpheus en Italia, 1994. Sus obras abarcan los géne-
ros de ópera, música sinfónica, música electroacústica, ballet,
obras de cámara y para instrumentos solistas, y han sido grabadas
en México e Italia y publicadas por Ediciones Mexicanas de Música
y Ricordi-Italia. Organizó en México los Cursos Internacionales de
Composición Franco Donatoni (1993-1998). Fue distinguido con la

26
Medalla Mozart y como Creador Artístico del Sistema Nacional de
Creadores de Arte en México.

Axolote
La obra se basa en diferentes planos sonoros por medio de meta-
morfosis tímbricas, calculadas sobre el uso de los distintos registros
instrumentales, de la intensidad y de las técnicas de emisión. Las
posibilidades de cada instrumento se presentan al inicio muy dilui-
das en el tiempo; la tensión crece gradualmente hasta llegar a un
punto culminante, en donde se incorporan nuevas articulaciones. El
trayecto de la composición está definido por tres metamorfosis de
planos sonoros diferentes: después del punto culminante se encami-
na un nuevo proceso (casi de evaporación) y la obra termina en la
nada, en un estado de extrema rarefacción: movimiento espectral
que acaba con una multitud de sonidos a modo de soplo, extremo
confín entre silencio y sonido. Obtuvo el segundo premio del Con-
curso de Composición Alicia Urreta en la Ciudad de México en 1988.
Luca Cori

Nubia Jaime Donjuán (México, 1984)

Realizó sus estudios profesionales en la Uni-

versidad de Sonora. Ha estudiado composi-
ción con Arturo Márquez y Alexis Aranda, or-
questación con David H. Bretón y tomó clases
magistrales con Brian Banks. Su música ha
sido interpretada por las orquestas Filarmó-
nica de Sonora, Sinfónica del IPN, Filarmóni-
ca del Tzinzuni, Iberoamericana, Sinfónica de la BUAP, University
of North Florida Wind Symphony y por Keene State College Mu-
sic, Smith College Wind Ensemble, Musikgesellschaft Konkordia
Reinach, Camerata Internacional de Barcelona, y University of
Houston Wind Ensemble, entre otras. Ha participado en el Music
Mexico Symposium 2022, Midwest Clinic 2022, Chicago, Texas
Music Educators Association, Festival Internacional de Saxofón
Bellas Artes, en Cali, Colombia 2023. Es compositora residente
del Dartmouth College Wind Ensemble y de la Orquesta Filar-
mónica del Tzintzuni. Es fundadora de la Orquesta Filarmónica
de Sonora, donde es violonchelista coprincipal. Forma parte del
proyecto Las Montoneras, que busca visibilizar el trabajo de las
mujeres en la escena musical del país.

27
 Camino al paraíso
En enero de 2019 mi abuelo dejó este plano de la existencia y, en
medio del dolor y la tristeza, dediqué la obra a esta irremediable pér-
dida con la esperanza de que su viaje fuera placentero y llegara con
bien a su nuevo hogar. Siempre he tenido una fuerte atracción por lo
desconocido, y creo que muchos, si no es que todos, en algún mo-
mento nos hemos preguntado: ¿qué hay después de la vida? Imagi-
no un camino lleno de aromas y sabores, colores, sonidos, imágenes,
recovecos y obstáculos, posiblemente encuentros inesperados, y
que en algún punto nuestra esencia se va transformando para llegar
al paraíso.

Aurés Moussong (México, 1984)

Estudió composición en la Escuela Superior

de Música donde se graduó en 2012 bajo la
tutela de José Luis Castillo. Recibió la beca
UNESCO-Aschberg para una residencia en el
IMEB en Bourges, Francia. Recibió el apoyo
Jóvenes Creadores del Fonca en 2011, 2013 y
2019. En 2020 fue aceptado en la Academia
de Música Ferenc Liszt en Budapest para realizar la maestría en
Composición, la cual terminó en la Universidad de las Artes en
Berlín en 2022 bajo la tutela de Marc Sabat. En 2021 ganó el Con-
curso de composición y estreno de obra Ibermúsicas con su obra
Desde el lugar del misterio, estrenada en Portugal por el Pulsat
Percussion Group. El mismo año obtuvo el segundo lugar en el
Concurso de Composición de Música de Cámara de la Unión de
Academias China-CEEC, en Hangzhou, China, y obtuvo el primer
premio en el Concurso de Composición Egidio Carella de la Fon-
dazione Val Tidone Musica, Italia. Su concierto para orquesta de
vientos y percusión, Impulse Momentum, fue seleccionado fina-
lista en el concurso de composición convocado por la World Asso­
ciation of Symphonic Bands and Ensembles. Actualmente cursa
un programa de especialización en composición en el Conserva-
torio de Estrasburgo, con Daniel D'Adamo.

28
And the cat spun round like a top
Es una obra para quinteto de alientos que toma su título de una de
las líneas, ligeramente modificada, del poema The cat and the moon
de W.B. Yeats:

The cat went here and there

And the moon spun round like a top,
And the nearest kin of the moon,
The creeping cat, looked up.
Black Minnaloushe stared at the moon,
For, wander and wail as he would,
The pure cold light in the sky
Troubled his animal blood.

La sustitución de la palabra luna por gato subraya el carácter inquieto

y travieso felino que caracteriza la obra ya que, cómo toda composi-
ción que parte de una idea extra musical, en este caso un texto poéti-
co, tiene la intención de absorber la esencia o parte del mismo, acto
también creativo de reinterpretación e interpolación entre dos me-
dios de expresión. Está dividida en cuatro secciones, siendo la prime-
ra y la tercera las más sustanciales, y la segunda y cuarta dos breves
momentos de música nocturna, que acaso permiten vislumbrar la
luna del texto de Yeats. De carácter ágil y dinámica, proclive a las sor-
presas inesperadas, claro rasgo gatuno. Musicalmente se encuentra
más cercana al mundo sonoro de las Seis bagatelas de Ligeti o el
Quinteto de Alientos, Op. 2 de Kurtág. Fue compuesta para la convo-
catoria que organizaron en conjunto Winds of Central Europe (WoCE)
y la Asociación de Compositores Húngaros, donde obtuvo el primer
lugar. La finalidad de dicha convocatoria fue escoger tres obras que
representarían a la Academia de Música Ferenc Liszt de Budapest,
lugar donde el compositor llevó a cabo su maestría en composición,
durante el marco del Festival de la WoCE. Se estrenó el 9 de julio de
2023 en Budapest.
Aurés Moussong

29
I N T É RPRETES

Quinteto de Alientos de la Ciudad de México

Su repertorio es una mezcla de obras tradicionales y modernas

con un enfoque especial en obras contemporáneas mexicanas y
latinoamericanas. Sus discos Nueva música mexicana, Imáge-
nes latinoamericanas (reeditado como Salsa para vientos), Vi-
siones panamericanas y Sueños de una América son un ejem-
plo de la dedicación que tiene el grupo para promover y difundir
la composición mexicana en el mundo. El Fonca le ha otorgado
becas desde 1994, consistentes en comisionar, interpretar y gra-
bar quintetos de alientos de los principales compositores mexi-
canos y latinoamericanos. Ha participado en el programa Méxi-
co en Escena, que le permitió realizar giras a Francia, Costa Rica,
Puerto Rico y Estados Unidos. Regularmente imparte talleres a
alumnos de composición, compartiendo su conocimiento y ex-
periencia sobre aspectos prácticos de un quinteto de alientos.
Con el apoyo del Quinteto, las mejores obras de los jóvenes com-
positores fueron publicadas en la compilación Puentes hacia el
Futuro en 2016.

30
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 7 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Iván Adriano Zetina

Drill-FR21 (2021)** 6’

Eduardo Herrera Arévalo

Mitla, lugar de los muertos (2022) 7’

Georgina Derbez
La canción del glaciar, sobre la serie
Finlandia de Gerardo Montiel Klint (2022)* 11’

Ana Paola Santillán

Chronicle of a Mad Hatter (2012) 12’

Jordan Berg
La danza de la peste (2020) 9’

Neil Rolnick
En la frontera (2023)** 15’

*Estreno mundial
**Estreno en México

Ónix Ensamble
Alejandro Escuer, dirección artística
Felipe Pérez Santiago, dirección musical
Fernando Domínguez, clarinete
Abel Romero, violín
Edgardo Espinosa, violonchelo
Edith Ruiz, piano
Iván Manzanilla, percusiones
Ernesto Diez de Sollano, flauta

31
COM PO SITO RE S

Iván Adriano Zetina (México, 1985)

Estudió Guitarra clásica en la Facultad de Mú-

sica de la UNAM y una maestría en Musicología
en la Universidad Sorbona de París. Ha obteni-
do diplomas de Interpretación y Composición
en la Accademia Chigiana en Italia, el Conser-
vatorio de Boulogne-Bilancourt en Francia y
del Festival de Darmstadt en Alemania. Finali-
za un doctorado en Música y musicología en la Sorbona. Obtuvo el
primer premio en composición en el concurso internacional
Ecoute 2017 en Francia, y fue finalista del concurso nacional de
composición Interciclos 2019. Sus primeras obras han sido estre-
nadas por los ensambles Liminar, l’Itineraire, Ecoute, Psappha y
Moscow Contemporary Music en México, Francia, Reino Unido,
Israel, Austria y Rusia. Ha dictado conferencias en las universida-
des Complutense de Madrid, Nova Lisboa en Portugal, de Tübin-
gen, Alemania, y de Manchester en Reino Unido, además del IR-
CAM de París y el Centro de Músicas Árabes y Mediterráneas en
Túnez. Fue maestro en la Universidad Paris 8 Saint-Denis, profe-
sor-investigador de tiempo completo para la Universidad de Lille
y profesor-investigador de tiempo completo para la Sorbona.

Drill-FR21
Fue compuesta en el marco del ReMusik Festival en San Petersbur-
go, Rusia. La obra fue estrenada por el Ensamble de Música Contem-
poránea de Moscú. El proceso creativo parte de una serie de graba-
ciones realizadas con personas que mostraban problemas sicológicos
y hacían manifestaciones sonoras en las calles de París. El material es
abstraído en su forma esencial y organizado en una forma concer-
tante. La práctica instrumental se extiende al empleo de la voz para
producir sonoridades concretas, apoyados por un dispositivo corpo-
ral que en ocasiones se acerca a la danza. Durante el proceso fueron
empleados recursos provenientes de las prácticas de la Drill en los
suburbios de la capital francesa. De este modo la obra pretende
acercarse al fenómeno ritual haciendo un llamado primitivo al cuer-
po y a la escucha.

32
Eduardo Herrera Arévalo (México, 2000)

Profesor de Teoría musical y Adiestramiento

auditivo en la Escuela de Bellas Artes de la
Universidad Panamericana. Asistente de pro-
ducción en la Orquesta Juvenil Eduardo Mata.
Estudió en el Gabriela Ortiz Composing Stu-
dio at OAcademy, recibió un Artist Diploma,
en asociación con la Harvard University, por
la Universidad Panamericana en donde también estudió la licen-
ciatura en Música e Innovación, y cursó el diplomado en Herra-
mientas metodológicas para la enseñanza del entrenamiento
auditivo con Germán Romero. Ganó el Concurso de Composición
Festival Congruencias, y obtuvo una mención honorífica en el
Concurso Nacional de Composición #Estar Mejor. Entre sus últi-
mos conciertos destacan: Destellos de colores, para orquesta,
Odisea concierto: un viaje a través de la música, Into the Hydros-
phere, para quinteto de alientos y piano y Bam Bam, para percu-
sionista solista, todos llevados a cabo en 2022.

Mitla: lugar de muertos

Mitla (Mictlán o lugar de muertos en náhuatl) es una zona arqueoló-
gica localizada en el municipio de San Pablo Villa de Mitla, en Oaxaca.
Allí hay evidencias de ocupación humana desde principios de nues-
tra era (siglo I). Ante la desaparición de Monte Albán como núcleo de
poder, Mitla se convirtió en una población muy importante que fun-
cionó como centro de poder político y religioso para los zapotecas del
valle. En algunos de sus patios se muestra parte de la historia de la
destrucción y vandalismo que sufrió Mitla a causa de la conquista
española. Algunos edificios fueron desmantelados y destruidos en su
totalidad. Se destruyeron con el simple objeto de reutilizar los mate-
riales de antiguas edificaciones para construir el Templo de San Pa-
blo. La construcción de éste buscó acabar con los vestigios de poder
de la cultura prehispánica para, de esa forma, imponer tanto la civili-
zación como la religión occidentales. Esta obra nace del deseo de
plasmar musicalmente algunas de mis vivencias y sensaciones al co-
nocer este espacio arqueológico de suma importancia en México.

Georgina Derbez (México, 1968)

Fue escogida por el Utopik Ensamble de Fran-

cia para representar a su país en un concierto
dedicado a la música contemporánea de Mé-
xico. Su catálogo comprende obras para solos,
dúos, tríos, cuarteto de cuerdas, ensambles de
cámara y orquesta sinfónica, y han sido inter-
pretadas en Francia, Alemania, España, Brasil,

33
Italia, Países Bajos, Dinamarca, Japón, Canadá y Estados Unidos.
Becaria del Sistema Nacional de Creadores de Arte por cuarta
ocasión, es maestra de Composición, Análisis y Orquestación en
la Escuela Superior de Música del INBAL. Estudió con Marta Gar-
cía Renart y Ana María Tradatti (piano), y con Arturo Márquez y
Ana Lara (composición), complementando con múltiples cursos
europeos con Toshio Hosokawa, Klaus Huber, Mauricio Sotelo,
José Manuel López López, Brian Ferneyhough, Chaya Czernowin
y Theo Loevendie. Está por ver la luz su disco monográfico Being
Intangible bajo el sello Il Pirata Records, y actualmente colabora
con la dramaturga Verónica Musalem para la creación de una
nueva ópera.

La canción del glaciar

Obra para clarinete, violonchelo, piano, electroacústica y video, es el
resultado de la colaboración entre la compositora y el fotógrafo y vi-
deasta, Gerardo Montiel Klint. En ella el discurso sonoro dialoga con
la serie fotográfica Finlandia, dando pie a un entramado audiovisual
complejo que deriva en la elaboración de un discurso en torno a la
vida y la muerte.

Ana Paola Santillán Alcocer (México, 1972)

Inició sus estudios en el Centro de Investiga-

ción y Estudios de la Música (CIEM) con María
Antonieta Lozano, Gerardo Tamez, y Alejan-
dro Velasco. Obtuvo la licenciatura en Com-
posición en el Trinity College de Londres, bajo
la guía de Vincent Carver, y la maestría en la
Universidad Rice en Estados Unidos, con Shih-
Hui Chen y Arthur Gottschalk. Estudió el doctorado en Composi-
ción con la asesoría de John Rea en la Universidad McGill en Ca-
nadá. Ha participado en múltiples festivales, y sus composiciones
han sido premiadas en diversos concursos e interpretadas nume-
rosas veces en Alemania, Argentina, Canadá, la República Checa,
Francia, Reino Unido, Italia, Estados Unidos y México. Su obra in-
cluye desde piezas para electrónica y video, hasta partituras or-
questales y es distribuida vía digital por BabelScores. Actualmen-
te es profesora del CIEM y del Núcleo Integral de Composición.

34
 Chronicle of a Mad Hatter
Durante el siglo XIX el mercurio era el elemento químico utilizado
para la manufactura de sombreros de fieltro en Inglaterra. Durante
el proceso de convertir el pelaje a fieltro, los sombrereros (mad hat-
ters) inhalaban los vapores de este metal altamente tóxico, debido a
la mala ventilación en la mayoría de las fábricas. Desafortunadamen-
te, dicha exposición provocaba en los sombrereros un envenena-
miento por mercurio que de forma gradual ocasionaba demencia.
La exposición severa de mercurio puede causar reacciones psicóti-
cas caracterizadas por fatiga, delirio, alucinaciones, irritabilidad, des-
lizamiento de lenguaje, temblores musculares incontrolables (cono-
cidos como temblores Danbury) y eretismo (también conocido
como Síndrome del Mad Hatter). El personaje de “El Sombrerero” en
la obra literaria Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll se
ha asociado frecuentemente con los efectos de la exposición de
mercurio en humanos. Esta pieza refleja cada una de estas reaccio-
nes sicóticas, utilizando en cada sección un pequeño motivo de seis
notas tomado del tema musical de la película de 1951 Alicia en el País
de las Maravillas. De esta forma, se crea una analogía entre el perso-
naje ficticio de “El Sombrerero” y los síntomas y reacciones reales del
síndrome del Mad Hatter.

Jordan Berg (Canadá)

Originario de Alberta. Su música ha sido inter-

pretada por ensamble, solistas y orquestas de
Canadá, México, Estados Unidos, Reino Unido,
Portugal, Rusia, Alemania e Italia. Tiene una
licenciatura en Composición, con Arlan Schultz,
en la Universidad de Lethbridge, y en los últi-
mos años ha asistido a talleres en institucio-
nes como el Conservatorio de Música de la Universidad de Cincin-
nati, NYU Steinhardt, el Atlantic Music Festival de Waterville, Maine,
y el festival highSCORE de Pavia, Italia. También ha estudiado en
el Musicians Institute de Hollywood, en la Universidad de Toronto
con Roger Bergs, en el Berklee College of Music y en la Juilliard
School of Music. Actualmente es locutor de radio en Leth­bridge y
está por cursar una maestría en Composición.

35
 La danza de la peste
Fue escrita durante la pandemia de Covid-19. La visión original de
este proyecto consistía en una colaboración en persona entre artis-
tas mexicanos y canadienses. Plan que tuvo que ser retrasado por
varios años y que tuvo que ser alterado por el avance del virus. El
concepto danza era representar cómo fueron alteradas todas nues-
tras actividades durante la pandemia (tanto individual como colecti-
vamente) y tras una importante investigación sobre la rica historia
de la danza en México se utilizaron muchas, muchas capas de ritmos
de danza tradicional mexicana. Mientras escribía la pieza, por des-
gracia, contraje el virus y durante una noche con fiebre surgió en un
sueño un fragmento melódico que se repite, se desarrolla y se altera
con frecuencia a lo largo de la pieza. La obra es una danza frenética
y delirante con una melodía que procede de un sueño febril real.

Neil Rolnick (Estados Unidos, 1947)

Pionero en el uso de la computadora en con-

ciertos desde finales de los años 1970. Su mú-
sica se ha interpretado en Cuba, China, Méxi-
co, Estados Unidos y Europa, y está plasmada
en 22 grabaciones. Desde 2016 ha recibido
apoyo de CEC ArtsLink, la Bogliasco Founda-
tion, New Music USA, la Marion Foundation,
Millay Arts, el Wurlitzer Foundation y NYSCA. En los años 1980 y
1990, desarrolló el First Integrated Electronic Arts Graduate and
Undergraduate Programs, en Estados Unidos, en el Rensselaer
Polytechnic Institute. A pesar de que mucho de su trabajo conec-
ta la música y la tecnología, y por lo mismo es considerado expe-
rimental, su música siempre ha sido muy melódica y accesible.

36
En la frontera
Video por Diego Dávila
Desde mediados de la década de los años 2000 he estado viajando
con cierta regularidad a México, presentándome en Morelia y en la
Ciudad de México. Me han fascinado las diferencias de la cultura, la
política y la economía entre México y mi país natal, Estados Unidos,
pero también soy muy consciente de nuestras similitudes. Cuando
Alejandro Escuer me buscó con la propuesta de que escribiera una
pieza para Ónix, pensé en cómo encarnar en una pieza musical las
comparaciones e intersecciones de nuestras naciones. Me pareció
que el lugar en donde entran en contacto de manera más directa es
en la frontera común de Estados Unidos y México. El espacio
fronterizo es un foco perenne de conflicto y cooperación política, de
mezcla y separación cultural. Trabajando con el videasta Diego
Dávila, residente de El Paso, creamos En la frontera, para Ónix
Ensamble y video. La música deriva, de varias formas, de la música
que oí en mis visitas a los territorios de la frontera, mientras que el
video captura imágenes de la realidad cotidiana, de la vida en un
constante cruce, de la frontera.

37
I N T É RPRETES

Ónix Ensamble

Es un grupo de música contemporánea con 25 años de trayectoria

dedicado al repertorio de su país y de Latinoamérica. Ha estrenado
más de trescientas obras, muchas de ellas dedicadas a la agrupa-
ción, realizando una gran cantidad de giras en México, Estados Uni-
dos, Sudamérica, Europa y Asia. El grupo fue fundado en 1996 por
Alejandro Escuer, bajo los principios de apertura a la diversidad mu-
sical de alta calidad y originalidad artística. El principal interés del
ensamble es promover a los nuevos compositores con la visión artís-
tica de expandir y desarrollar nuevas formas de música contempo-
ránea. Sin embargo, Ónix es mucho más que eso. Se trata de una
compañía que difunde música no sólo desde la plataforma del
quinteto, sino también mediante formatos complementarios adi-
cionales que le otorgan gran flexibilidad: Programa Lumínico, Du-
plum, Solistas de Ónix, Seminario de música contemporánea (SE-
MUC) fundado en colaboración con la Facultad de Música de la
UNAM, y el programa de radio Música por descubrir en Opus 94
del IMER. El grupo ha ganado premios y reconocimientos del Fon-
ca, premio México en Escena, de Fomento a Proyectos y Coinver-
siones Culturales y Premio Rockefeller Foundation México-US
Fund for Culture, entre otros. Otras instituciones que han apoyado
al ensamble son la Fundación BBVA Bancomer, la Coordinación
Nacional de Música y Ópera del INBAL, la UNAM, el Festival Inter-
nacional Cervantino, el Cenart, el Foro Internacional de Música
Nueva Manuel Enríquez y el Festival de México en el Centro Histó-
rico, entre otros.

38
Sala Nezahualcóyotl, Centro Cultural Universitario,
UNAM
Sábado 7, 20:00 h
Domingo 8, 12:00 h

PROG R A M A

Kaija Saariaho
Asteroid 4179: Toutatis 4’

David Hernández Ramos

La Cetra ossia Il capriccio stravagante*+ 15’
Suona la Cetra
Alcuni piaceri
Alcuni dolori
Gli indolenti decreti della vita
Un Parentesi
Alcuni Ricordi
L’Essere

Krzysztof Penderecki
Concierto para corno, Winterreise 18’

Radovan Vlatković, corno

Inte rm e d i o

Federico Ibarra
Sinfonía núm. 5, Inasible* 35’
Allegro moderato
Tema y variaciones
Scherzo
Finale

*Estreno mundial
+ Obra ganadora del Premio Nacional
Federico Ibarra-Nueva Música Orquestal 2023

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM)

Sylvain Gasançon, director titular

39
COM PO SITO RE S

Kaija Saariaho (Finlandia, 1952 - Francia, 2023)

Fue integrante de un prominente grupo de

compositores e intérpretes finlandeses de
gran impacto mundial. Estudió Composición
en Helsinki, Friburgo y París, donde vivió des-
de 1982. Sus estudios e investigaciones en el
IRCAM tuvieron gran influencia en su músi-
ca, así como sus texturas característicamen-
te frondosas y misteriosas, a menudo creadas mediante la com-
binación de música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de
su catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de
los años 1990 se dedicó, cada vez más, a componer estructuras
más amplias, como las óperas L’amour de loin, Adriana, y el ora-
torio La pasión de Simone.

Asteroid 4179: Toutatis

En los tiempos en los que los cómics formaban parte importante de
la cultura popular, la historieta creada por los guionistas e ilustrado-
res franceses René Goscinny y Albert Uderzo, Astérix el galo, sembró
en las frágiles y tiernas circunvoluciones cerebrales de muchos jóve-
nes, y otros no tanto, la expresión “¡Por Tutatis!”, con la que los prota-
gonistas invocan constantemente a uno de los principales dioses
celtas: Toutatis, nombre con el que se bautizó al asteroide descubier-
to en 1989 por el astrónomo francés Christian Pollas, y que en 2004
causó gran preocupación por la proximidad de su trayectoria con la
de nuestro planeta, lo que hizo temer una posible y catastrófica coli-
sión. Inspirada en este hecho, e interesada por lo irregular y comple-
jo del movimiento de rotación de este enorme objeto en forma de
patata sideral, la compositora finlandesa Kaija Saariaho compuso en
2005 su pieza sinfónica Asteroid 4179: Toutatis. A lo largo de los cua-
tro minutos y medio que dura la ejecución de su único movimiento,
se caracteriza por los fugaces trazos melódicos en los instrumentos
de aliento, que contrastan con las densas texturas sonoras de las
cuerdas frotadas y los metales, así como con la inquietud de los pa-
trones rítmicos presentes en las percusiones, con lo que se crea una
atmósfera que oscila entre la incertidumbre y la grandiosidad.

Roberto Ruiz Guadalajara

40
David Hernández Ramos (México, 1975)

Es miembro del Sistema Nacional de Creado-

res del Arte. Estudió Violín en la Facultad de
Música de la UNAM con Manuel Suárez, así
como Composición en París con Jean-Luc Her-
vé en el Conservatorio de Boulogne-Billancourt
y en el Conservatorio de Nanterre, posterior-
mente en la Universidad de Evry val d'Essone,
y Análisis musical con Vincent Decleire en el Conservatorio de Se-
vran. En 2009 obtuvo el Premio de Composición en el Conservato-
rio de Boulogne-Billancourt. Sus obras han sido interpretadas en
Francia, Suiza, España, Cuba, Estados Unidos, Colombia, Chile,
Brasil y México, por el Ensemble Court-circuit, el Cuarteto de Cuer-
das Arditti, el Cuarteto de Cuerdas José White, el Grup Instrumen-
tal de Valencia, el Grupo LIM, Vertixe Sonora, Ensemble Vertebrae
y Cepromusic, entre otros. Realizó prácticas con Bruno Mantovani
y Hughes Doufour en el Centro Acanthes de Metz y con Luca Fran-
cesconi, Yan Maresz y Jesús Rueda en Mollina, España.

La cetra, ossia il capriccio stravagante

Cuenta el mito que Orfeo, con su lira, hechizaba por igual a hombres
y bestias, calmando las pasiones de su alma. Tan poderoso era el efec-
to de aquel instrumento que el mismo Apolo perdonó a Hermes a
cambio de su mágica lira. Inspirado por el poderoso influjo de aquel
instrumento musical, David Hernández Ramos creó La cetra, ossia il
capriccio stravagante, obra que establece un diálogo constante en-
tre el pasado y el presente. Esta pieza no sólo evoca el encanto de la
cetra (cítara o lira), sino que también alude la esencia de los concier-
tos instrumentales italianos de los siglos XVII y XVIII, como los ciclos
homónimos de Vivaldi, convirtiendo la obra en una “alegoría poética
del pasado”. Compuesta por siete secciones sin pausa —Suona la ce-
tra, Alcuni piaceri, Alcuni dolori, Gli indolenti decreti della vita, Un pa-
rentesi, Alcuni ricordi y L’Essere—, la obra se convierte en una evoca-
ción de la lira, en la alusión de aquellos sonidos míticos. Cada sección
se convierte en una alegoría del instrumento, comenzando con un
gran golpe orquestal que recuerda el primer rasgueo del instrumen-
to. Las cuerdas de la cetra se renuevan, se transforman en las voces
de la orquesta, creando momentos de gran contraste a lo largo de la
obra, que van desde lo vivaz y placentero hasta otros de profundo
dolor. Un breve paréntesis onírico da paso a una sección que evoca
algunos recuerdos, “memorias del pasado y del presente, recuerdos
de lo que se ha vivido”. El clímax orquestal de la última sección es
“agridulce” pues, en palabras del compositor “aquella intensidad se
desvanece con un soplido”, invitando a una reflexión sobre el ser. Y
así, aquel mágico sonido se desvanece, como las últimas vibraciones
del instrumento.
Montserrat Pérez-Lima

41
Krzysztof Penderecki (Polonia, 1933-2020)

Compositor y director de orquesta polaco,

conocido por su estilo compositivo, específi-
camente reconocible en sus obras atonales.
Sus primeras obras muestran la influencia de
Stravinski, Webern y Boulez. La pieza que
realmente concitaría atención internacional
hacia él fue el Treno a las víctimas de Hiroshi-
ma, escrita para 52 instrumentos de cuerda frotada. En ella Pen-
derecki hace uso de técnicas instrumentales extendidas (por
ejemplo, tocar en el lado erróneo del puente o tocar con el talón
del arco). Hay muchas texturas novedosas en la obra, que hace
mucho uso de los clústeres (notas adyacentes tocadas al mismo
tiempo). También sobresalen Dies Irae (1967), escrita en memo-
ria de los caídos en Auschwitz, y La pasión según San Lucas
(1966). La continuación de La pasión según San Lucas, Utrenia (o
Misa rusa 1970-1971), está basada en el ritual ortodoxo. Doctor ho-
noris causa por distintas universidades, fue objeto de numero-
sos reconocimientos.

Concierto para corno, Winterreise

Cuenta el Cantar de Roldán que el protagonista, que da su nombre
al poema épico francés por excelencia, era capaz de hacer llegar has-
ta lugares muy remotos el sonido de su olifante, instrumento que en
la Edad Media se confeccionaba a partir del colmillo de un elefante,
y que forma parte del árbol genealógico del corno moderno, conoci-
do también como trompa. Al igual que su lejano pariente, el corno
posee un sonido capaz de abarcar grandes espacios y recorrer largas
distancias, por lo que se le ha utilizado tanto para hacer llamadas
entre las montañas, como para anunciar la llegada del correo en los
pueblos de Europa. Además de su potencia, el corno es capaz de
producir tonos profundos y sombríos, así como otros de una textura
aterciopelada e íntima, como ningún otro de sus hermanos de alien-
to metal. Estas y otras cualidades son aprovechadas por el composi-
tor polaco Krzysztof Penderecki para construir su Concierto para cor-
no, denominado Winterreise (Viaje de invierno, en alemán), pues fue
escrito durante una temporada invernal en la que el compositor viajó
por países de culturas tan diferentes como China y Venezuela. Cons-
truido en un solo gran movimiento dividido en fragmentos contras-
tantes, el concierto fue compuesto por encargo del cornista croata
Radovan Vlatković, quien se refirió a él como “una obra fascinante
porque tiene muchos contrastes, y difícil por su complejidad al re-
crear diversos caracteres y atmósferas.”
Roberto Ruiz Guadalajara

42
Federico Ibarra (México, 1946)

Estudió Composición en la Escuela Nacional

de Música de la UNAM. Radio UNAM y Radio
Televisión Francesa le otorgaron una beca
para seguir su instrucción en París. Posterior-
mente fue becado para tomar un curso en
España. Ha destacado por su labor de investi-
gación, recolección y ejecución de la música
mexicana del siglo XX. Obtuvo una mención honorífica en el
Concurso de Composición Silvestre Revueltas y el primer lugar
del concurso Lan Adomian. Fue coordinador del Taller de Com-
posición del Centro Nacional de Investigación, Documentación
e Información Musical Carlos Chávez. Además de sus activida-
des como compositor y pianista, escribe regularmente en publi-
caciones mexicanas y tiene a su cargo diversas cátedras en la
Facultad de Música de la UNAM.

Sinfonía núm. 5, Inasible

Desde su surgimiento a mediados del siglo XVIII, la sinfonía se afirmó
como uno de los géneros musicales más importantes, por ofrecer a
los compositores la posibilidad de desarrollar en una sola obra una
gran variedad de ideas, recursos y maneras de organizar el material
sonoro. De la mano de Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert, Schu-
mann, Mendelssohn, Brahms, Bruckner, Mahler, Chaikovski, Shos-
takóvich, entre otros muchos compositores, la sinfonía ha experi-
mentado todo tipo de transformaciones hasta alcanzar enormes
grados de complejidad, sobre todo formal e instrumental. En México,
las sinfonías de Federico Ibarra ocupan un lugar de gran importan-
cia, no sólo porque son muy pocos los compositores que han cultiva-
do de manera consistente el género en nuestro país (Carlos Chávez y
Candelario Huízar, principalmente), sino por la manera en la que ha
evolucionado su tratamiento de este género, desde sinfonías en un
solo movimiento (Sinfonías 1 y 2), hasta el regreso a una división de la
obra en varios movimientos (tres en su Sinfonía núm. 3 y cuatro en la
Cuarta). En esta nueva aproximación a la sinfonía, y dentro del marco
del Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, Federico
Ibarra regresa en su Quinta sinfonía, denominada Inasible, a la es-
tructura en cuatro movimientos que fuera consagrada por Mozart y
Beethoven, pero con un lenguaje que podría considerarse la síntesis
de su larga y prolífica trayectoria musical.
Roberto Ruiz Guadalajara

43
I N T É RPRETES

Orquesta Filarmónica de la UNAM (OFUNAM)

Fundada en 1936, es una de las orquestas más importantes de

México y su sede es la Sala Nezahualcóyotl, en Ciudad Universita-
ria. En sus más de ochenta años de historia la OFUNAM ha pasa-
do por la batuta de José Rocabruna, José Francisco Vásquez, Ici-
lio Bredo, Eduardo Mata, Héctor Quintanar, Enrique Diemecke,
Eduardo Diazmuñoz, Jorge Velazco, Jesús Medina, Ronald Zoll-
man, Zuohuang Chen, Alun Francis, Jan Latham-Koenig y Massi-
mo Quarta como directores titulares, además de docenas de di-
rectores huéspedes. Su director actual es Sylvain Gasançon. Ha
comisionado y estrenado obras de varios compositores mexica-
nos y ha tenido dos giras internacionales: Italia en 2014 y Reino
Unido en 2015. La OFUNAM ofrece tres temporadas de concier-
tos al año, realizadas en la Sala Nezahualcóyotl. La orquesta tam-
bién realiza giras por diferentes escuelas y facultades de la UNAM.

Sylvain Gasançon

Designado director titular de la Orquesta Fi-

larmónica de la UNAM (OFUNAM) en enero
de 2023, Sylvain Gasançon nació en Metz, Fran-
cia; estudió violín en su país natal y ofreció sus
primeros conciertos a una edad muy tem-
prana. Posteriormente se graduó del Conser-
vatorio Real de Bruselas con Endre Kleve. Es-
tudió Dirección orquestal con Jean-Sébastien Béreau, Gerhard
Markson, Gianluigi Gelmetti, Pinchas Zukerman y Jorma Panula
en Salzburgo, Siena, Ottawa, Lausanne y San Petersburgo. Se ti-
tuló del Conservatorio Nacional Superior de Música de París y
obtuvo un título de maestría en musicología de la Universidad
de París. Fue ganador del Premio Internacional Eduardo Mata de
Dirección de Orquesta en México (2005, con la OFUNAM) y el Se-

44
gundo Premio del Concurso Internacional Jorma Panula en Fin-
landia (2006). Ha dirigido orquestas en países de América, Euro-
pa y Asia, como la Orquesta Sinfónica Portuguesa, la Filarmónica
de Magdeburgo, la Sinfonía Rotterdam, la Filarmónica de Hong
Kong, la Filarmónica de Buenos Aires, la Orquesta del Estado de
São Paulo y las orquestas sinfónicas nacionales de Argentina,
Chile, Colombia y México.

Radovan Vlatković

Originario de Zagreb, en Croacia, Radovan

Vlatković completó sus estudios en la Acade-
mia de Música de Zagreb y en la Academia de
Música de Detmold en Alemania. Ha ganado
numerosos premios, entre los que se incluye
el Premio Ancona y el Concurso Internacional
de Música ARD en Múnich, con que se convir-
tió en el primer cornista en recibir ese premio en catorce años. En
2014 fue reconocido como integrante honorario de la Academia
Real de Música en Londres. De 1982 a 1990 fue cornista principal
de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Berlín, donde trabajó
bajo la dirección de Riccardo Chailly y Vladimir Ashkenazy, entre
otros. Ha sido solista con la Orquesta Sinfónica de Londres, la Fi-
larmónica de Londres, la Sinfónica de la BBC, la Orquesta Metro-
politana de Tokio, la Filarmónica de Bremen en Alemania y la
Sinfónica Giuseppe Verdi de Milán en Italia. A lo largo de su carre-
ra, Vlatković ha estrenado obras de Elliott Carter, Sofia Gubaidú-
lina, Heinz Holliger y Krzysztof Penderecki. Además de su carrera
como intérprete, Vlatković ha impartido clases en la Escuela
Superior de Música de Stuttgart, el Mozarteum de Salzburgo, la
Universidad de Artes de Zúrich y la Academia Real de Música de
Londres.

45
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Domingo 8 de octubre, 11:30 h

PROG R A M A

José Luis Hurtado

The Untitled 3s (2019)* 5’

David Hernández Ramos

Sérénade (2019) 12’
Intrada
Metamorfosi d’una marcia
Aria malinconica
Intermezzo in modo di canon
Rondo in tempo di polaca

Sofia Gubaidúlina
Trío de cuerdas (1988) 20’

Laboratorio de Música Nueva

Leonardo Chávez, violín
Alena Stryuchkova, viola
Diego Gutiérrez, violonchelo

Marcus Siqueira
Some Visions Flowing into the Allegoric Sea... (2019)* 15’

Mauricio de Bonis
Teledescante núm. 2 (Там, вдали за рекой) (2020)* 15’

James Banner
Two movements for three guitars (2020)* 10’

Fractal Guitar Trio

Miguel Ángel Rivera
Raúl Rocha
Ramón Hernández

*Estreno mundial

46
COM PO SITO RE S

José Luis Hurtado (México, 1975)

Su música es constantemente interpretada

en los más prestigiados festivales y foros de
Asia, Europa, Latinoamérica, Canadá y Esta-
dos Unidos por ensambles como The Boston
Modern Orchestra Project, Le Nouvel Ensem-
ble Moderne, The International Contempo-
rary Ensemble, Pierrot Lunaire Ensemble Wien,
Tony Arnold, Garth Knox y el Cuarteto Arditti, entre muchos otros.
Ha sido merecedor de premios como Kompositionspreis der Sta-
dt Wolkersdorf de Austria, The Harvard University Green Prize for
Excellence in Composition, el Premio Iberoamericano de Compo-
sición Musical Rodolfo Halffter de México y el premio del Troisie-
me Concours International de Composition du Quatuor Molinari
de Canadá. Es doctor por la Universidad de Harvard, donde estu-
dió Composición bajo la guía de Davidovsky, Czernowin, Lindberg,
Ferneyhough y Lachenmann.

The Untitled 3s
Forma parte de una colección de piezas escritas para un tipo y nú-
mero variable de instrumentos de una misma familia, en este caso
particular, para cuerdas frotadas. La partitura puede adoptar cuatro
formas distintas: como solista, como solista más electrónica, como
dúo o trío. El título cambia de acuerdo a la instrumentación, en este
caso 3s se refiere a las 3 cuerdas (strings en inglés). La obra está cons-
truida por cinco módulos distintos cuyo orden es fijo, pero distinto
para cada uno de los intérpretes participantes. Aunque cada pará-
metro y aspecto de la pieza se controla cuidadosa y meticulosamen-
te, la partitura representa una serie de estímulos abiertos que deben
estar permeados por la experiencia y el gusto individuales del intér-
prete. Por lo tanto, sin ser improvisatoria, la pieza trata a cada uno de
los instrumentistas como solistas y debido a que las coincidencias
rítmicas no son necesarias, puede tomar formas y trayectorias varia-
das. El objetivo es construir una textura caleidoscópica de sonidos y
colores resultado de las interacciones espontáneas y únicas de los
numerosos impulsos.

47
David Hernández Ramos (México, 1975)

Es miembro del Sistema Nacional de Creado-

res del Arte. Estudió Violín en la Facultad de
Música de la UNAM con Manuel Suárez, así
como Composición en París con Jean-Luc
Hervé en el Conservatorio de Boulogne-Bi-
llancourt y en el Conservatorio de Nanterre,
posteriormente en la Universidad de Evry val
d'Essone, y Análisis musical con Vincent Decleire en el Conserva-
torio de Sevran. En 2009 obtuvo el Premio de Composición en el
Conservatorio de Boulogne-Billancourt. Sus obras han sido inter-
pretadas en Francia, Suiza, España, Cuba, Estados Unidos, Colom-
bia, Chile, Brasil y México, por el Ensemble Court-circuit, el Cuarte-
to de Cuerdas Arditti, el Cuarteto de Cuerdas José White, el Grup
Instrumental de Valencia, el Grupo LIM, Vertixe Sonora, Ensemble
Vertebrae y Cepromusic, entre otros. Realizó prácticas con Bruno
Mantovani y Hughes Doufour en el Centro Acanthes de Metz y con
Luca Francesconi, Yan Maresz y Jesús Rueda en Mollina, España.

Sérénade
Esta pieza pretende ser un homenaje al trío de cuerdas clásico y a
sus orígenes como música utilitaria y frecuentemente nocturna, de
este modo, cada uno de sus movimientos tiene un nexo con el tipo
de piezas que integraban normalmente una serenata o divertimento
para trío, pero buscando una transformación propia al mundo sono-
ro de nuestra actualidad.

Sofia Gubaidúlina (Rusia, 1931)

Nació en la antigua Unión Soviética. Estudió

piano en el conservatorio de Kazan, después,
en Moscú, estudió composición con Nikolai
Peiko y Vissarion Shebalin. En 1975 formó,
junto a Viktor Suslin y Vyacheslav Artyomov,
el Ensemble Astreia. Su reconocimiento in-
ternacional se produjo en la década de 1980,
gracias al decidido apoyo de músicos como Gidon Kremer. La
fuerte impronta espiritual y religiosa de la obra de Gubaidúlina le
acarreó más de un contratiempo con las autoridades soviéticas,
hasta el punto de ser incluida en 1979 en una lista negra de com-
positores sospechosos para el régimen. Gubaidúlina permane-
ció en Rusia hasta 1992, y desde entonces reside en un pueblo
cerca de Hamburgo, en Alemania. Sus obras han sido estrenadas
por intérpretes y directores de la talla de Simon Rattle, Anne-So-
phie Mutter, Gustavo Dudamel, Kent Nagano y el Kronos Quartet.

48
 Trío de cuerdas
Fue escrito justo después del Tercer cuarteto de cuerdas y es tre-
mendamente emocionante. El primer movimiento comienza con
una austeridad áspera y eventualmente se desatan todas las interac-
ciones imaginables entre las cuerdas. El segundo movimiento tiene
un ritmo de relojería reminiscente del Segundo cuarteto de cuerdas
de Ligeti, mientras que el tercer y último movimiento resume lo ocu-
rrido anteriormente y lo descompone en una calma meditativa.

Marcus Siqueira (Brasil, 1974)

Artistas como el Cuarteto Arditti, el Trio Brasi-

leiro, Icarus Ensemble, Michele Serra, Claudio
Cruz, Simona Cavuoto y la Banda Sinfónica de
São Paulo, han estrenado sus obras en Brasil,
Europa y Norteamérica. Autor de 29 bandas
sonoras para cine y 13 para teatro, destacando
colaboraciones con Evaldo Mozarzel, Jorge
Bodansky y el Teatro da Vertigem. Participó como compositor en
las Bienales de Música Brasileña Contemporánea, y en los festiva-
les Música Estranha, Babel, Música Nova y Campos do Jordão.
También ha participado en las Fiestas de Ourinhos, Vital Medeiros
y el Festival de Invierno de la Ciudad de Prados. Actualmente en-
seña música en la Scuola Paritarie Maestre Pie en Rimini, Italia, y
guitarra clásica en la Scuola Comunale Di Musica en Cervia Giaco-
mo Rossini.

Some Visions Flowing into the Allegoric Sea...

Esta obra se inspiró en la idea de que el mar tiene el poder de la me-
tamorfosis, partiendo de sus múltiples significados alegóricos en el
campo de la literatura y las artes. Las tres guitarras representan el
fluir del agua en el mar y la navegación en la misma. Cada músico
tiene sus propios escenarios sonoro-gestuales, mientras que la suma
de sus frecuencias y gestos crean diferentes flujos y paisajes sonoros,
utilizando el contrapunto como técnica compositiva expresiva.

49
Mauricio de Bonis (Brasil, 1979)

Nació en São Paulo. Se graduó en Composi-

ción en la ECA-USP y completó el doctorado
en 2012. Es profesor del Instituto de Artes de
la UNESP. Sus obras se han presentado en
Alemania, Chile, México, Panamá, Italia, Co-
lombia, Estados Unidos y Canadá. En 2023 su
obra Teledescante núm. 2 ganó el premio
Ibermúsicas en colaboración con Fractal Guitar Trio. Desde 2022
forma parte del comité organizador del Festival Polifernália de
Música Contemporánea. En 2021 su obra Os Circunvagantes fue
comisionada para la temporada de ópera del Palácio das Artes
de Belo Horizonte y en 2022, el drama lírico Primavera fue comi-
sionado para el ciclo Ópera Fora da Caixa, del Teatro Municipal de
São Paulo. Ha colaborado con los ensambles Land's End e Icarus,
y en Brasil con Abstrai Ensemble, Camerata Aberta, Percorso En-
semble, Duo Materiales y Núcleo Réplica. Como pianista, actúa
en dúo con la soprano Caroline De Comi.

Teledescante núm. 2 (Там, вдали за рекой)

Fue concebida entre octubre de 2020 y enero de 2021, durante la
pandemia de Covid-19. Se puede realizar de forma presencial o remo-
ta (de forma sincronizada o pregrabada por separado por cada parti-
cipante). En cualquier caso, no se debe utilizar referencia de pulsos
para la sincronización, y no se recomienda la dirección para la sincro-
nización de las partes en ejecución presencial. La pieza se divide en
12 cuadros independientes, que deben ejecutarse sin interrupción.
Excepto por el comienzo de cada cuadro y por algunos puntos de
encuentro precisos para los tres participantes, la superposición de
las partes queda previamente indeterminada, y debe resultar de la
conjunción imprevista de la lectura aislada de cada ejecutante. En el
décimo cuadro de la pieza, la guitarra III hace oír la canción Tam,
vdali za rekoj, símbolo de la Revolución de Octubre.

50
James Banner (Reino Unido, 1991)

Creador de música electrónica y acústica. Ha

colaborado con compositores, improvisado-
res y escritores de diversas localidades del
mundo. Dentro de su actuación en conjuntos
de música de cámara destaca su participa-
ción en los festivales PODIUM, Beethovenfest
Bonn e IMPULS; y forma parte de la escena
berlinesa de jazz y la echtzeitmusik. Su obra se basa en la protesta
contra el conservadurismo, el colonialismo británico y la política
aislacionista contemporánea. Su trabajo como contrabajista abar-
ca encargos a compositores vivos, su Taller de composición para
contrabajo y músicos improvisadores, y actuaciones improvisa-
das en donde hace uso de diversos recursos técnicos e interpreta-
tivos.

Two movements for three guitars

Esta pieza fue escrita como una colaboración a distancia al principio
de la pandemia, para Arc Project Music y grabada por Dominic Mat-
thews. El primer movimiento es, a nivel macro, esencialmente una
ralentización de un trémolo, que entra y sale en oleadas, pasando
armónicamente de la inquietud a una especie de melancolía no re-
cordada. A nivel micro, aparecen acentos extremadamente agresi-
vos en triple estéreo, y hay un solo que sube y baja dentro del formato
de trío. El segundo movimiento es para mí un estado onírico, calien-
te y como un espejismo. De nuevo, hay un solista que toca en los lí-
mites de lo que es un solo: a veces está en primer plano y a veces
desaparece por completo. Los diferentes tempos dan un breve esta-
llido de energía, antes de que todo se vuelva quebradizo y se aleje
flotando, o más bien se seque.

51
 I N T É RPRETES

Laboratorio de Música Nueva

Es un trío de cuerdas enfocado en repertorio del siglo XX y XXI.

Fundado en 2021, está conformado por intérpretes profesionales
con amplia trayectoria en música contemporánea. Su objetivo
es promover y difundir la música actual por medio de conciertos,
estrenos de obras, grabaciones y colaboración con compositoras
y compositores. El trío reside en la Ciudad de México.

Fractal Guitar Trio

Formado en 2017, su principal interés es la interpretación y difu-

sión de la música contemporánea en México. En 2023 estrenó el
disco Neologismo Sonoro: Vol. 1 integrado por obras compuestas
y dedicadas al ensamble. En el mismo año impartió el Laborato-
rio de Composición para terceto de guitarras en colaboración
con el FEC. En 2022 ganó el premio Ibermúsicas en Composición
y Estreno de obra con la pieza Teledescante núm. 2 del composi-
tor brasileño Mauricio de Bonis. Se ha presentado en el FIMNME,
el FEC, II Maratón de Música Contemporánea, y Diferencial, Mú-
sica Nueva en el Cenart. En 2020 obtuvo el apoyo de la UNAM por
medio del Programa de acompañamiento: Piso 16, Laboratorio
de Iniciativas Culturales.

52
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Domingo 8 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Agustín Calabrese
Hoquetus-canon (2019)* 8’

Germán López Vargas

La oscuridad más allá de la concepción (2019) 7’

Arvo Pärt
Fratres, para cuarteto de cuerdas (1989) 10’

György Ligeti
Cuarteto de cuerdas núm. 2 (1968) 20’

*Estreno mundial

Cuarteto de Cuerdas de Bellas Artes

Ilya Ivanov, violín
Carlos Quijano, violín
Félix Alanís, viola
Manuel Cruz, violonchelo

53
COM PO SITO RE S

Agustín Calabrese (Argentina, 1985)

Nació en Mar del Plata. Se graduó con hono-

res en Composición en la Universidad Católica
Argentina en 2010. En 2018 obtuvo la maestría
en Composición con mención honorífica en la
Universidad Veracruzana bajo la tutela de Emil
Awad. Actualmente estudia un doctorado en
Composición en la UNAM con Francisco Cor-
tés Álvarez, María Granillo y Emil Awad. Es profesor de Composi-
ción y Orquestación en la Benemérita Universidad Autónoma de
Puebla. Entre los solistas y ensambles que han interpretado su
música se cuentan la Orquesta Sinfónica del Estado de Puebla, el
Mivos Quartet, Composers Conference Ensemble, Miguel Ángel
Villanueva, Elisa Ávalos, el Cuarteto Chroma y la Orquesta Sinfóni-
ca de la Universidad Veracruzana, entre otros.

Hoquetus-Canon
Es un cuarteto de cuerdas en el que la polifonía renacentista convive
con un entramado de ritmos complejo, que se desarrolla a través de
cánones estrechos y abigarrados. Hay amplios pasajes imitativos y
exposiciones de fuga. Las modulaciones métricas, a través de las
cuales la obra se acelera cada vez a medida que se acerca al final,
aportan dimensión estructural al diferenciar los sectores. En los pa-
sajes homófonos, los miembros del cuarteto deben tocar sin vibrado,
como si fueran un consorte de violas da gamba.

Germán López Vargas (México, 1989)

Graduado con mención honorífica de la li-

cenciatura en Composición Musical por la
Universidad Autónoma de Querétaro, sus
maestros fueron Ignacio Baca Lobera y Juan
José Bárcenas. De forma paralela asistió a
cursos de composición con Michael Pisaro,
Germán Romero, José Luis Hurtado, Juan Se-
bastián Lach, Javier Torres Maldonado, Marisol Jiménez e Iván
Naranjo. Su trabajo incluye obras para solista, grupo de cámara,
orquesta, música mixta y acusmática, las cuales han sido inter-
pretadas en México, Costa Rica, Argentina, Polonia, Alemania y
Portugal. Ha recibido los estímulos y becas del Programa de Es-

54
tímulos a la Creación y Desarrollo Artístico de Oaxaca 2015, del
Festival Visiones Sonoras 2011 y 2013. Participante del programa
Prácticas de Vuelo del CMMAS en 2014 y 2017 y del Programa de
Estímulos a la Creación y Desarrollo Artístico de Querétaro 2017.

La oscuridad más allá de la concepción

La obra se concibió a partir de varias ideas musicales resultantes de
una búsqueda por establecer un comienzo/inicio. Ninguno de los
bocetos se eliminó, por el contrario, se buscó y se estableció como
reto el utilizarlos para dar estructura, coherencia y forma al discurso
musical.

Arvo Pärt (Estonia, 1935)

A Pärt se le identifica como precursor de la

música minimalista, y más específicamente
del minimalismo sacro. Es considerado un
pionero en ese estilo, como sus contemporá-
neos Henryk Górecki y John Tavener y es más
conocido por sus trabajos corales de su se-
gundo periodo compositivo. Como uno de
los representantes más radicales de la vanguardia soviética, la
obra de Pärt ha pasado por un profundo proceso evolutivo: des-
de la música neoclásica para piano al uso individual de la dode-
cafonía, la composición con masas sonoras, música aleatoria y
técnica de collage. Después de Credo (1968), su última y más dra-
mática pieza de collage, Pärt se retiró de la composición durante
casi ocho años. En 1976, tras el estudio intensivo del canto grego-
riano, la Escuela de Notre-Dame y la polifonía vocal clásica, apa-
reció con un nuevo y extremadamente original lenguaje musical
que llamó tintinnabuli de tintinnabulum (campanilla en latín) y
que ha marcado su obra hasta hoy.

Fratres, para cuarteto de cuerdas

Fratres (lat. hermanos) fue escrita en 1977 por el compositor estonio
Arvo Pärt. Esta obra, al igual que Für Alina, Cantus y Tabula rasa, en-
tre otras, fue una de las primeras escritas bajo la técnica tintinnabuli,
caracterizada por dos tipos de voz: la primera, llamada "voz tintinabu-
lar", toca en arpegio la tríada tónica, y la segunda se desplaza por la
escala diatónica escalonadamente.
Mariana Hijar Guevara

55
György Ligeti (Rumania, 1923 – Austria, 2006)

Estudió en el Conservatorio de Klausenburg

con Ferenc Farkas, y en la Franz Liszt Academy
de Budapest con Sándor Veress, Pál Járdányi y
Lajos Bárdos. Dejó su país natal en 1956. Em-
prendió un intensivo estudio de la música de
Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel y Pie-
rre Boulez, mientras trabajaba en el Estudio
para Música Electrónica de Colonia, Alemania. Fue profesor aso-
ciado de la Summer School for Contemporary Music en Darm­
stadt, Alemania, y profesor huésped en la Royal Swedish Academy
of Music en Estocolmo. Fue becario del German Academic Exchan-
ge Programme de 1969 a 1970, y compositor en residencia de la
Universidad de Stanford en 1972, antes de ser nombrado profesor
de composición en la Hamburg Musikhochschule en Alemania, al
año siguiente. Logró un sustancial impacto en la escena interna-
cional de la música contemporánea en la docencia, que ejerció
hasta 1989, y como integrante activo de la escena musical, convir-
tiéndose en una referencia estética para toda una generación.

Cuarteto de cuerdas núm. 2

El segundo Cuarteto de cuerdas de Ligeti se caracteriza por su inno-
vadora utilización de una idea musical recurrente a lo largo de sus
cinco movimientos. En el primer movimiento, la música se sumerge
en el caos, con cambios abruptos entre velocidades extremas. El se-
gundo movimiento, en cambio, adopta una estática interrumpida
por elementos del primer movimiento, creando un diálogo sonoro
único y una especie de rima entre ambos. El tercer movimiento rinde
homenaje a Bartók mediante el pizzicato, aunque sin citar directa-
mente su obra.
Mariana Hijar Guevara

56
I N T É RPRETES

Cuarteto de Cuerdas de Bellas Artes

Ensamble gestado en Xalapa en 2015 bajo el nombre de Cuarte-

to Chroma. En 2022 ganaron la audición para conformar el Cuar-
teto de Cuerdas de Bellas Artes, pasando a formar parte del gru-
po de Concertistas de Bellas Artes en 2023. Sus integrantes han
realizado estudios de posgrado individualmente, pero sobresale
su maestría en ejecución en cuarteto de cuerdas de la Universidad
de Victoria, Canadá, bajo la tutela del Lafayette String Quartet en
2019. Ha recibido asesorías de los cuartetos Penderecki, Latinoa-
mericano, Dover y José White, así como de James Ehnes, Paul
Katz, Ivo Jan Van Der Werff, Gerald Stanick y Alain Durbecq. Han
obtenido los premios Manuel M. Ponce en el Festival de Música
de Cámara de Aguascalientes y el primer premio en el Concurso
Nacional de Música de Cámara Mateo Oliva. El Cuarteto se ha
presentado como solista con varias orquestas y ha participado
en festivales y foros en México, Canadá y Costa Rica. Sus inte-
grantes forman parte del cuerpo académico de la Facultad de
Música de la Universidad Veracruzana. Han impartido semina-
rios y clases magistrales en Estados Unidos, Brasil, Costa Rica y
México.

57
 Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Lunes 9 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Liliana Zamora del Río

El fuego que todo lo consume (2000) 3’

Samuel Adler
In memory of Milton (2012) 5’
95 aniversario de su nacimiento

Kaija Saariaho
Frises (2011) 23’
Frise jaune
Frise de fleurs
Pavage
Frise grise
In memoriam

Diren Checa, violín

Mauro Godoy Villalobos

Svart Brus (2023)* 9’

Leo Brouwer
Exaedros (1969) 10’

Iván Naranjo
Caminos (Molloy) (2008) 7’

Nur Slim
Stress (2023)* 10’

*Estreno mundial

Ensamble Black Noise

Rocío Durán, flauta; Rolando Cantú, oboe; Braulio Hernán-
dez, fagot; Miguel Ángel Rivera, guitarra; Abraham Parra,
percusiones; Alena Stryuchkova, viola; Alejandro Martínez,
contrabajo; Guillermo Cuéllar, piano; Victoria Amaro, direc-
ción y voz.

58
COM PO SITO RE S

Liliana Zamora del Río (México, 1987)

Licenciada en Composición musical por la West

London University, inició sus estudios en el
Centro de Investigación de Estudios de la Mú-
sica. Entre sus maestros se encuentran Víctor
Rasgado e Ignacio Baca Lobera. Ha sido bene-
ficiaria de los programas nacionales: Fonca
Jóvenes Creadores 2015, Cátedra Extraordina-
ria Arturo Márquez UNAM 2017, Programa de Fortalecimiento para
Jóvenes Compositores Cepromusic y Sistema de Apoyos a la Crea-
ción de Proyectos Culturales Jóvenes Creadores 2020. Su música
ha formado parte de los festivales y foros Eduardo Mata, Expresio-
nes Contemporáneas, de Mujeres en la Música Nueva (comisión,
Colombia), Internacional Cervantino (comisión) y Foro Internacio-
nal de Música Nueva Manuel Enríquez. Sus obras han sido inter-
pretadas en México, Colombia, Estados Unidos, Francia, Suiza, Es-
paña y Reino Unido.

El fuego que todo consume

Fuego apasionado y arrollador, elemento ambivalente.
Transmutador de oscuridad.

Samuel Adler (Alemania, 1928)

Nació en Mannheim, Alemania, y llegó a los Es-

tados Unidos en 1939. Fue incluido en la Aca-
demia Estadounidense de las Artes y las Letras
en 2001 y en el Salón de la Fama de la Música
Clásica Estadounidense en 2008. En 2018 fue
galardonado con el Bundesverdienst­kreuz (pri­
mera clase), el máximo galardón civil otorga-
do por el Gobierno alemán. Es profesor emérito de la Eastman
School of Music, donde enseñó de 1966-1995. Es el compositor de
más de cuatrocientas obras publicadas, incluidas 5 óperas, 6 sin-
fonías, 17 conciertos, 8 cuartetos de cuerda, 5 oratorios y muchas
otras obras y canciones para orquesta, banda, cámara y coro, que
se han interpretado en todo el mundo. Sus obras han sido inter-
pretadas últimamente por las orquestas Filarmónica de Berlín, de
Cleveland, Sinfónica de Pittsburgh, Filarmónica de Nueva York,
Sinfónica de Chicago, Filarmónica de Los Ángeles y Sinfónica de la
Radio de Berlín, entre otras.

59
 In memory of Milton
Esta melancólica elegía fue compuesta en memoria de Milton Babbit.
Es un conmovedor tributo de uno de los grandes compositores esta-
dunidenses a otro.

Kaija Saariaho (Finlandia, 1952 - Francia, 2023)

Fue integrante de un prominente grupo de

compositores e intérpretes finlandeses de
gran impacto mundial. Estudió Composición
en Helsinki, Friburgo y París, donde vivió des-
de 1982. Sus estudios e investigaciones en el
IRCAM tuvieron gran influencia en su músi-
ca, y sus texturas característicamente fron-
dosas y misteriosas, a menudo creadas mediante la combina-
ción de música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su
catálogo comprende obras de cámara, desde mediados de los
años 1990 se dedicó, cada vez más, a componer estructuras más
amplias, como las óperas L’amour de loin, Adriana, y el oratorio
La pasión de Simone.

Frises
Nació a partir del encargo del violinista Richard Schmoucler quien
me contó su idea de combinar diferentes obras alrededor de la Se-
gunda partita para violín solo de Bach, particularmente en relación a
la última parte, la Chacona. Me pidió escribir una obra para ser inter-
pretada a partir de la Chacona de Bach y que la empezara con la
nota que termina este segundo movimiento de la partita, re. Mi obra
tiene cuatro partes. Me enfoqué para cada una en la idea de una va-
riación histórica del ostinato, usando como punto de partida carillón,
passacaglia, bajo continuo y chacona. Hay cuatro variaciones alrede-
dor de un tema, un proceso armónico u otro parámetro musical. Para
expandir las ideas y posibilidades del instrumento, agregué una di-
mensión electrónica a la obra.

Mauro Godoy Villalobos (Chile, 1967)

Creció en Suecia y es hoy compositor activo

con residencia en Estocolmo. Estudió Guitarra
clásica en el Conservatorio de Música de Mila-
no, Cívica Scuola di Música. Se ha especializa-
do en el mundo de la composición musical
educándose bajo la tutela de Henrik Strind-
berg, Per Mårtensson y Johan Hammerth. Sus

60
composiciones han sido interpretadas tanto por solistas como por
orquestas. En su repertorio se encuentran piezas musicales para
solistas en guitarra, dúos para piano, quintetos para instrumentos
de cuerdas, orquesta de cuerdas, coros y orquestas sinfónicas. Ha
ganado el primer lugar en siete concursos internacionales de
composición: Mozart on… International Composition Competition
de Osaka, Japón, 2016, Claxica International Composition Compe-
tition en Bologna, Italia, 2015, conDiT Concerts of Technological
District en Buenos Aires, Argentina 2014, CGSV Villa-Lobos Interna-
tional Competition de Melbourne, Australia 2014, así como innu-
merables segundos y terceros lugares.

Svart Brus
Es una obra que consta de dos partes muy diferentes entre sí, tanto
en la forma como en la expresión. El movimiento de apertura es bas-
tante corto, estático y tiene notación poco tradicional, es como un
preludio para el resto de la obra. El segundo movimiento tiene una
notación más convencional, es más vivo y contrapuntístico. Cuando
el Ensamble Black Noise me contactó y me preguntó si podía escri-
bir algo para ellos primero pensé en arreglar una pieza ya existente
pero cuando me enteré de la inusual constelación de instrumentos,
me emocioné mucho y quise crear algo nuevo. Quise aprovechar la
diversidad del ensamble y combinar los diferentes grupos de instru-
mentos y crear sonidos y timbres interesantes. Svart Brus es sueco y
significa ruido negro.

Leo Brouwer (Cuba, 1939)

Estudió guitarra con Isaac Nicola entre 1953 y
1954; continuó en el Conservatorio Ellade de
La Habana, acercándose a la composición de
forma autodidacta. En 1960 dirigió el Departa-
mento de Música del Instituto Cubano de Arte
e Industria Cinematográficos, donde creó en
1968 el Grupo de Experimentación Sonora del
ICAIC. Como intérprete debutó en 1955 en La Habana y en el piná-
culo de su carrera, una lesión en su mano izquierda lo obligó a
dejar la interpretación y se dedicó de lleno a componer. Ha sido
director general de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba,
miembro del Consejo Internacional de la Música, consejero artís-
tico del Festival de Martinica, miembro de la Academia de las Ar-
tes de Berlín, miembro honorario de la Sociedad Internacional de
Autores de Música, director artístico del Festival Internacional de
Guitarra de La Habana y presidente de la Federación de Festivales
Internacionales de Guitarra. Es considerado una figura imprescin-
dible y un referente obligado en el panorama de la guitarrística
mundial.

61
 Exaedros
Escrita para cualquier combinación instrumental a seis partes. Es esta
una obra de escritura gestual en donde se priorizan los procesos sobre
el resultado sonoro final, que corresponde al periodo vanguardista de
Brouwer, en donde exploró distintos grados de libertades para los in-
térpretes. Dicho periodo se dio a finales de los años 1960 y primer lus-
tro de los años 1970, y se caracterizó por el cuestionamiento de los
parámetros técnicos y filosóficos de la música. Las corrientes de pen-
samiento oriental fueron decisivas influencias en las nuevas formas de
componer; como el zen y la idea de no intervención en el flujo natural
de los sucesos, que devino en una nueva concepción musical donde el
intérprete es el eslabón final del proceso compositivo.

Iván Naranjo (México, 1977)

Estudió en el Conservatorio de las Rosas, tie-

ne una maestría en Música experimental por
la Wesleyan University y es doctor en Compo-
sición por la Stanford University. Sus princi-
pales maestros de composición han sido
Germán Romero, Ron Kuivila, Erik Ulman y
Brian Ferneyhough. Su música ha sido inter-
pretada por la LA Philharmonic, Arditti Quartet, Liminar, Cepro-
music, International Contemporary Ensemble, Dal Niente, Dis-
tractfold, Adapter, Elision, Sigma Project, KNM Berlin, Wilfrido
Terrazas, Natalia Pérez-Turner, Julián Martínez, Alexander Bruck,
David Núñez, Séverine Ballon, Tony Arnold, Dustin Donahue y
Scott Worthington. Es miembro del SNCA y fue coordinador de
Tecnologías aplicadas a la creación musical y Cepromusic. Es
miembro del ensamble Mice Corpus y Fear of the Object, y ha
trabajado en proyectos colaborativos como Resonance y Vuel-
cos: Cartografía Íntima. Es profesor de Análisis, Composición y
Composición algorítmica con SuperCollider en la Academia de
Arte de Florencia, en la Ciudad de México.

62
 Caminos (Molloy)
Está escrita para tres o más instrumentos de cualquier tipo. Su parti-
tura consiste de una sola página que es recorrida a través de itinera-
rios individuales decididos en tiempo real. Más que una composición,
es el diseño de un genoma sonoro o un espacio de posibilidades. To-
das las conexiones entre diferentes lugares-módulo y sus grados de
libertad están cuidadosamente descritos sobre la partitura-mapa. El
recorrido a través del espacio y su articulación revelan, a través del
lento despliegue de la música, su identidad armónica y algunas de
sus posibles configuraciones y distorsiones. El material itera sin real-
mente repetirse. Una envolvente dinámica contiene la totalidad del
espacio flexible, proveyendo de un marco, pero también de una capa
de transformación lineal que tiene efecto en otros aspectos del soni-
do. Tras terminar la partitura, y tras experimentar diversas camina-
tas, la imagen de Molloy, el personaje de Beckett, vino a mi recuerdo,
tanto las caminatas y recorridos en bicicleta, como las de su pensa-
miento y narración; extrañas, circulares e iterativas y también por la
calidad evanescente y volátil de algunos de los personajes que apa-
recen a lo largo de la novela.

Nur Slim (México, 1986)

Egresada de la licenciatura en Composición

en la Escuela Superior de Música del INBAL
bajo la cátedra de José Luis Castillo. Estudian-
te de maestría en Educación musical en la
UNAM. Recibió las becas y premios: Artes por
Todas Partes 2000-2004, Jóvenes Creadores
Fonca 2013 y 2017, Fomento y Coinversiones
Culturales 2014 y Encuentro Nacional de las Artes Escénicas 2018.
Con el Amity Trío y el proyecto multimedia Lucrecia The T- Rex ha
obtenido los premios de IU Global Remixed Arts and Humanities
Award, Women’s Philanthropy Leadership Council Grant Indiana
University y el Puffin Foundation West Grant, IU. Algunos estre-
nos de su obra son Días flor en el Music Mexico Symposium at the
University of Houston con el UTEP Clarinet Choir, 2023; Nubecita,
interpretada por Jezreel Sanchez en la University of Redlands Me-
morial Chapel, California, 2023. Break Up, interpretada por Ro-
berto Campos Salcedo, estrenada en ArtEZ hogeschool voor de
kunsten, Países Bajos, 2021 y El mito de Coronis, para el Amity
Trío, obra grabada en su disco Between Us Now en 2022.

63
 Stress
Es una pieza que enmarca la gestualidad escénica. A manera perso-
nal y buscando el sarcasmo, la voz expresa la búsqueda del estado
de paz el cual es difícil encontrar siendo una persona citadina. En
general, el estrés está relacionado con factores externos e internos.
Los factores externos incluyen su entorno físico, el trabajo, las rela-
ciones humanas, el hogar y todas las situaciones, desafíos, dificulta-
des y expectativas a las que se enfrenta a diario. Stress usa esos cri-
terios para plasmar la profunda relación que existe entre la
afectividad, la expresión y la notación musical, así como del papel de
los elementos que entran en juego durante su ejecución.

64
I N T É RPRETES

Dirén Checa

Ha desarrollado una carrera de solista inter-

pretando música nueva, trabajando con com-
positores y creando experiencias sonoras de
vanguardia. Comenzó a tocar a los ocho años,
estudió la preparatoria con enfoque en violín
en la Interlochen Arts Academy en Michigan,
Estados Unidos, y se tituló de la licenciatura
del Eastman School of Music en Nueva York. Ha estudiado y toma-
do clases magistrales con Adrián Justus, Federico Agostini, Bin
Huang, Irvine Arditti, Martin Chalifour e Igor Petrushevski, y ha
sido ganadora de premios internacionales. Ha participado en los
festivales Mostly Modern, Internacional Cervantino y Meadow-
mount School of Music. Ha estrenado cuatro obras y cuenta con
dos dedicadas a ella. Su proyecto, Music of Sound, en el que toca
música contemporánea para violín solo y violín y electrónica de
una forma accesible para todo público ha sido un éxito ofreciendo
múltiples conciertos cada semestre en recintos de todo tipo.

Ensamble Black Noise

Se consolida en 2021 como un ensamble multinstrumental de for-

mación variable, nacido de la necesidad de explorar y explotar
nuevos recursos expresivos en el contexto de la música contempo-
ránea de concierto. Su campo de acción interpretativa tiene tres
vertientes principales: la música nueva de jóvenes compositores, el
repertorio ya clásico de los referentes obligados del siglo XX que
constituyen un parámetro de las estéticas de vanguardia actuales
y la improvisación libre. Ha participado en el II Maratón Ónix de
Música contemporánea, en el SEMUC de la Facultad de Música de
la UNAM, en el festival Signos sonoros, el Conservatorio de Música
del Estado de México, y en distintas sedes del Impro random ses-
sions, realizando estrenos mundiales y nacionales en cada presen-
tación.

65
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Martes 10 de octubre, 19:00 h

Auditorio Silvestre Revueltas,

Conservatorio Nacional de Música
Miércoles 11 de octubre, 17:00 h

PROG R A M A

Simon Kanzler
Eins** 13’

Luis Fernando Amaya

Bestiario: cuatro* 12’

Natacha Diels
2.5 Nightmares, For Jessie** 10’

Itzá García
Términos* 8’

Tobias Fandel
Burnishing* 8’

*Estreno mundial
**Estreno en México

Pink Noise
Johnna Wu, violín
Simon Kanzler, electrónica
Roberta Michel, flauta
Kaichi Hirayama, clarinete
Iva Casian Lakos, violonchelo
Andrew Zhou, piano

66
COM PO SITO RE S

Simon Kanzler (Alemania, 1987)

Compositor, improvisador y vibrafonista radi-

cado en Nueva York que, actualmente, vive en
París y es participante del programa Cursus
en el IRCAM. Sus obras para ensamble han
sido interpretadas por los ensambles Mosaik y
el Modern Art. Estudió composición con Mau-
ro Lanza en la UdK Berlin de 2015 a 2017, y vi-
bráfono de jazz con David Friedman en el Jazz-Institute Berlín de
2009 a 2013. Es fundador del colectivo KIM en Berlín el cual ha co-
laborado recientemente con el Jazzfest Berlin. Ha publicado cuatro
álbumes de sus proyectos de banda Talking Hands, Double Identity
y Nodía, en los sellos discográficos Unit Records y WhyPlayJazz.

Eins
Fue compuesta usando procesos generativos algorítmicos que usan
el principio de un secuenciador de pasos en música electrónica de
base. Este secuenciador de pasos es inducido por un comportamien-
to caótico que introduce la impredecibilidad de la música Al mismo
tiempo, métodos estocásticos guían la música a través de procesos
lineales formales hasta un estado de calma meditativa antes de que
nuevos impulsos energéticos se introduzcan. El título Eins surge de
la idea de construir una pieza de una idea sencilla, una secuencia
musical, un proceso musical y crear una unidad global formal. Las
armonías se construyen desde las posibilidades tímbricas de los ins-
trumentos y el uso instrumental de multifónicos superpuestos.

Luis Fernando Amaya (México)

Estudió composición y teoría musical en el

Centro de Investigación y Estudios de la Músi-
ca y tiene un doctorado en Composición y tec-
nología musical por parte de la Northwestern
University. Su música ha sido interpretada en
América y Europa por intérpretes como el Ce-
promusic, Arditti Quartet, Lucerne Festival
Contemporary Orchestra, Ensemble Dal Niente, Fonema Consort,
Yarn/Wire y Quartetto Indaco, entre otros. Ha recibido la beca Fon-
ca-Conacyt para Estudios en el Extranjero, una Presidential Fe-
llowship, y el representar a México en la 61 Tribuna Internacional
de Compositores de la UNESCO en Helsinki, Finlandia. Es miembro
del trio de composición colectiva e improvisación libre Fat Pigeon.

67
 Bestiario: cuatro
Es una colección de piezas en las que se pide a los intérpretes encar-
nen a un animal imaginario a través del sonido. De un modo, este
animal participa en el proceso de composición al revelarse gradual-
mente en sus cualidades sónicas que ayudan a dictar el discurso de
la pieza (forma, técnicas, contrastes, gestos). Esto significa que el ani-
mal imaginario tiene injerencia en la obra, lo que me hace tomar
decisiones que de otro modo no podría. Este Bestiario es un intento
de remover lo humano, como concepto, del centro de atención y
deshumanizar mi oído para poder escuchar mejor a esos otros que
rara vez consideramos nuestros iguales. Está es la cuarta pieza de la
colección, compuesta y dedicad a Theo Epsy.

Natacha Diels (Estados Unidos)

Su obra combina movimientos coreográficos,

improvisación, video, práctica instrumental
para crear mundos de curiosidad e inquietud.
Es integrante fundadora del Ensemble Pam-
plemousse. Ha recibido encargos del Boreal
Festival, la Fromm Foundation, Nadar Ensem-
ble, Los Angeles Philharmonic y Deustchland
Radio Kultur en Berlín. Su obra ha sido interpretada por los en-
sambles y solistas Adapter, Intercontemporain, Nadar, hand werk,
Decoder, TAK, Quatuor Impact, JACK Quartet, Jay Campbell, Lau-
ra Cocks, Samuel Favre, Ross Karre, Rane Moore y Charlotte Mundy.
Tiene títulos en Performace, Medios digitales y Composición por
la New York University y la Columbia University. Enseña Composi-
ción y Música por computadora en la UC San Diego, así como en la
University of Pennsylvania.

2.5 Nightmares for Jessie

Cuentos de hadas para intérpretes
Descenso a la urna de las pesadillas
Las cabezas se bambolean mientras los asistentes
baten una taza llena de canción-
el terror olvidado cerca del fin
Melancólica caída delicado chirrido
¡Poseen la cuidadosa esencia de las pesadillas!
Un turbulento unísono descubren los asistentes-
en lo profundo del alcance de las pesadillas
La dama aprende cada gesto lentamente
absorbe y desgarra las notas en pedazos
Pronto ella será abandonada
Al terrible retumbo de las pesadillas.

68
Itzá García (México, 1993)

Su enfoque creativo es la relación entre tem-

poralidad y unión en contextos musicales que
involucran interacciones con tecnología. Ac-
tualmente reside en Nueva York, donde cursa
un doctorado en Composición en The Gradua-
te Center CUNY con el apoyo de la Beca Fulbri-
ght García-Robles. Es miembro actual de la
iniciativa Art Science Connect, donde coorganiza la serie de char-
las innovation:SOUND:technology.

Términos
Dedicada a Pink Noise Ensemble. En mis obras recientes, he trabaja-
do con un sistema de creación musical en donde los intérpretes es-
tán conectados en una red de comunicación que transmite y distri-
buye la información de pulso musical en tiempo real. Además de las
cualidades técnicas y estéticas que surgen en esta forma de conecti-
vidad, han emergido, muchas veces de manera inesperada, una se-
rie de protocolos incidentales a mi proceso creativo. Estos términos y
condiciones que aparecen al abordar modos de creación no-conven-
cional son creados, muchas veces inadvertidamente, y negociados
en cada paso composicional e interpretativo. Al igual que en la colec-
ción y almacenamiento de información en sistemas de comunica-
ción actual, Términos combina el carácter tecnológico, computacio-
nal, del sistema de conectividad con la interacción entre intérpretes
humanxs para recuperar su significado experiencial.

Tobias Fandel (Alemania, 1986)

Doctorado en Música por la Universidad Chi-

na de Hong Kong, es un compositor con un
interés creativo centrado en las implicaciones
estéticas de la cultura digital. Sus proyectos
recientes proyectos recientes involucran la
fricción entre aplicaciones de Inteligencia Ar-
tificial y sombras algorítmicas, investigando
sus cualidades elusivas dentro de medios naturales. Ha colabo-
rado previamente con los ensambles Modern, de Música Con-
temporánea de Moscú, Meitar, Mise-En y Soyuz21, entre otros.
Enseña en el Baruch College y actualmente estudia un doctora-
do en CUNY The Graduate Center bajo la guía de Jason Eckardt
y Douglas Geers.

69
 Burnishing
Exploro los medios digitales inspirado por varios métodos de impri-
mación mientras inyecto una dimensión sónica. Mi meta es experi-
mentar la interacción de la tecnología, la cultura digital y el arte,
alentando a la audiencia a reflexionar sobre las sensaciones de la
vida. El proceso de pulido, que implica un frotado cuidadoso, esculpe
un ambiente texturizado dentro de la composición, lenándola con
capas de experiecias sensoriales.

70
I N T É RPRETES

Pink Noise

Es un ensamble de cámara radicado en Nueva York (flauta, clari-

nete, violín, violonchelo, piano y electrónica) dedicado a la impro-
visación musical e interpretación de composiciones con medios
acústicos y electroacústicos como una reacción y en respuesta a
las condiciones de nuestra comunidad y nuestra sociedad. La mi-
sión del ensamble es revelar cómo la improvisación musical yace
en la intersección de obras históricas y contemporáneas, y cómo
es una síntesis de diversas culturas y estilos del pasado y del pre-
sente que nos conectan con nuestra consciencia en la sociedad.
Pink Noise es beneficiario de premios y distinciones como el
USArtists International Grant, Ernst von Siemens Stiftung, Amphion
Foundation, el Fritz Reiner Center para la Música Contemporánea
y el Puffin Foundation.

71
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Miércoles 11 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Nur Slim
En busca del instrumento perdido* 7’

Carlos Iturralde
Metal trenzado* 12’

Iván Naranjo
Dilatable* 8’

Inte rm e d i o

Vladimir Aranda Rosales

Memorial* 12’

Gonzalo Tonatiuh Alonso

Encarnación del espectro temporal* 8’

Alejandro Romero
Nómada etérea* 9’

*Estreno mundial

OBRAS SELECCIONADAS EN LA CONVOCATORIA

RESILIENCIA SONORA DE MÚSICA UNAM

Ensamble de cámara
Rodrigo Cadet, director
Astrid Cruz, viola; Luz del Carmen Águila, violonchelo, Juan
José García, contrabajo; Vladimir Ibarra, guitarra eléctrica;
Rolando Cantú, oboe, Diego Cajas, clarinete; Juan Luis
González, trompeta; Alfredo Fenollosa, corno; Edwin Tovar,
percusiones; Cecilia Cirión, piano

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

72
COM PO SITO RE S

Nur Slim (México, 1986)

Egresada de la licenciatura en Composición

en la Escuela Superior de Música del INBAL
bajo la cátedra de José Luis Castillo. Estudian-
te de maestría en Educación musical en la
UNAM. Recibió las becas y premios: Artes por
Todas Partes 2000-2004, Jóvenes Creadores
Fonca 2013 y 2017, Fomento y Coinversiones
Culturales 2014 y Encuentro Nacional de las Artes Escénicas 2018.
Con el Amity Trío y el proyecto multimedia Lucrecia The T- Rex ha
obtenido los premios de IU Global Remixed Arts and Humanities
Award, Women’s Philanthropy Leadership Council Grant Indiana
University y el Puffin Foundation West Grant, IU. Algunos estre-
nos de su obra son Días flor en el Music Mexico Symposium at the
University of Houston con el UTEP Clarinet Choir, 2023; Nubecita,
interpretada por Jezreel Sanchez en la University of Redlands Me-
morial Chapel, California, 2023. Break Up, interpretada por Ro-
berto Campos Salcedo, estrenada en ArtEZ hogeschool voor de
kunsten, Países Bajos, 2021 y El mito de Coronis, para el Amity
Trio, obra grabada en su disco Between Us Now en 2022.

En busca del instrumento perdido

Es una obra didáctica infantil para ensamble de cámara diseñada
para introducir a los niños en el mundo de la música de concierto de
manera lúdica. La historia se desarrolla como un juego en el que un
misterioso instrumento desaparece, lo que lleva a los niños a cono-
cer las diferentes familias de instrumentos mientras intentan descu-
brir cuál se ha perdido. Una aventura musical que educa y entretiene
a las infancias.

Carlos Iturralde (México, 1976)

Ha ganado premios como Impuls, Austria,

2005 IceLab, 2012 y New Voices, 2014, ambos
en Estados Unidos. Su obra se ha presentado
en Australia, Europa, Norte y Sudamérica, en
los festivales de Arte Sonoro, México, New Art
Festival, Polonia, Today’s Art, Holanda, Gau-
deamus, Países Bajos, Foro Internacional de
Música Nueva Manuel Enríquez e Internacional Cervantino. Ob-
tuvo la licenciatura en Composición por el CIEM, bajo la tutela de
Alejandro Velasco y Víctor Rasgado. Continuo sus estudios con

73
Ignacio Baca Lobera y posteriormente se especializó en Compo-
sición y Sonología en el Conservatorio Real de La Haya, Países Ba-
jos, donde estudió con Richard Ayres, Clarence Barlow, Paul Berg
y Gilius van Bergeijk, y obtuvo el título de maestro en Composi-
ción. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores del Fonca
(SNCA) y miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte de
2013 a 2015. Es docente en la Escuela Ollin Yoliztli. Es miembro
fundador de Liminar, del cual es también productor, codirector y
ejecutante de electrónica y guitarras.

Metal trenzado
Es la primera obra de un ciclo de trabajos escénicos modulares para
diversos tríos, como aliento metal amplificado (en este caso corno),
percusiones y electrónica en tiempo real, cuyo tema es la fusión de
los instrumentos, su sonido y su espacio.

Iván Naranjo (México, 1977)

Estudió en el Conservatorio de las Rosas, tiene

una maestría en Música experimental por la
Wesleyan University y es doctor en Composi-
ción por la Stanford University. Sus principa­
les maestros de composición han sido Ger-
mán Romero, Ron Kuivila, Erik Ulman y Brian
Fer­ney­hough. Su música ha sido interpretada
por la LA Philharmonic, Arditti Quartet, Liminar, Cepromusic, In-
ternational Contemporary Ensemble, Dal Niente, Distractfold,
Adapter, Elision, Sigma Project, KNM Berlin, Wilfrido Terrazas, Na-
talia Pérez-Turner, Julián Martínez, Alexander Bruck, David Núñez,
Séverine Ballon, Tony Arnold, Dustin Donahue y Scott Worthing-
ton. Es miembro del SNCA y fue coordinador de Tecnologías apli-
cadas a la creación musical y Cepromusic. Es miembro del ensam-
ble Mice Corpus y Fear of the Object, y ha trabajado en proyectos
colaborativos como Resonance y Vuelcos: Cartografía Íntima. Es
profesor de Análisis, Composición y Composición algorítmica con
SuperCollider en la Academia de Arte de Florencia, en la Ciudad
de México.

Dilatable
Es el corte de un canon de cinco voces que converge en su momen-
to final. Las voces, junto con los espacios armónicos que visitan, se
expanden o contraen, al mismo tiempo que se distorsionan para
crear un efecto de reflexiones entrelazadas, como reflejos de reflejos.

74
Vladimir Aranda (México, 1992)

Nacido en la Ciudad de México. Se introdujo al

mundo del sonido y la música desde su infan-
cia, al explorar la batería y el teclado de mane-
ra autodidacta. Estudió Composición en la
Escuela Superior de Música con Jorge Torres
Sáenz. Su enfoque se centra en la exploración
auditiva profunda, la construcción de espa-
cios sonoros a partir de la incertidumbre y la intuición, así como
en la esencia de la materia vibrante y el movimiento. Explora las
conexiones entre el cuerpo, la memoria, las sensaciones y el pen-
samiento, además de la relación entre escucha, trazo y escritura.
Su enfoque artístico abarca el dibujo, la improvisación y la com-
posición.

Memorial
Es una obra para clarinete, corno, contrabajo, batería y electrónica; la
amplificación del cuarteto se realiza a través de procesos algorítmi-
cos y aleatorios basados en patrones y estructuras generativas. La
génesis de Memorial reside en un proceso a manera de espejos que
reflejan y deforman en distintas intensidades. Estos reflejos se ali-
nean, refractan y fracturan, y generan huellas que el cuarteto produ-
ce y la electrónica replica y procesa, explorando una disección tem-
poral que se aproxima y aleja. La obra nació tras meses de pausa
durante la pandemia, un periodo de meditación personal y global.
También marca la primera incursión del artista en la integración del
dibujo como punto de partida para la improvisación, dado su vínculo
con el acto de escuchar y el estado meditativo que provoca.

Gonzalo Tonatiuh Alonso (México, 1991)

Compositor y artista sonoro. Es licenciado en

Composición por la Escuela Superior de Músi-
ca. Su obra se ha presentado en el Festival
Ecos Urbanos y el Foro Internacional de Músi-
ca Nueva Manuel Enríquez, el Festival Asimtria
en Perú y el New Music on the Point en Esta-
dos Unidos. Ha participado en diversos talle-
res de composición en España. Su trabajo explora la intersección
entre improvisación, composición y tecnología, y su impacto en
la percepción del tiempo, espacio y cuerpo. Desde 2022 está a
cargo del Laboratorio de Audio del Centro Multimedia del Centro
Nacional de las Artes.

75
 Encarnación del espectro temporal
Es un audaz intento de forjar un espacio de confluencia entre la vo-
luntad, el orden y el poder a través de un tejido sonoro enigmático.
Esta creación despierta lo predecible de manera paradójica, y busca
transmitir sus valores de apertura desde un texto fijo, mientras des-
dibuja la autoridad del manuscrito. Este proceso, a su vez, descon-
cierta la intuición de los participantes, lo que genera una compleja
interacción entre el texto, los intérpretes y los espacios sonoros resul-
tantes.

Alejandro Romero (México, 1970)

Estudió la licenciatura en Composición en la

Escuela Superior de Música del INBAL (ESM)
con Arturo Márquez y de forma particular con
Ana Lara e Hilda Paredes; obtuvo la maestría
en Composición musical por la Facultad de
Música de la UNAM. Tomó cursos de compo-
sición con Franco Donatoni. Ha sido miembro
del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2005, 2010 y 2014.
Su música se ha interpretado en Alemania, Austria, Francia, Espa-
ña, Italia, Suiza, Canadá, Brasil, Chile, Argentina y Colombia, por
músicos y ensambles como Alberto Rosado, Vincent Lhermet,
Ute Wassermann e Irvine Arditti, así como por los ensambles In-
tercontemporain, Platypus y Cepromusic, entre otros. Su música
se caracteriza por una escritura muy personal y expresiva en don-
de el trabajo profundo con el sonido devela su fuerte interés por
el timbre, siendo los sonidos complejos su principal eje de cons-
trucción sonora. Es profesor de Composición, Análisis y Orquesta-
ción en la ESM.

Nómada etérea
Surge de la idea de lo inasible, aquello que escapa al tacto, pero pue-
de sentirse. La sensación de lo efímero, lo cambiante y lo que deja
una marca en la memoria, es el punto de partida para esta partitura
concebida durante la pandemia. Un tiempo que a veces se llenaba
de horas interminables en un soliloquio inevitable, sordo y mudo. La
pieza fue creada para un septeto mixto (oboe, trompeta, percusión,
guitarra eléctrica, piano, viola y violonchelo), finalizada en febrero de
2021 con el apoyo de Resiliencia sonora de la UNAM.

76
I N T É RPRETES

Rodrigo Cadet

Originario de la Ciudad de México. Egresado

de la Escuela Superior de Música, ha escrito
obras para orquesta, ensambles de cámara y
coro. Estudió composición y orquestación
con Hugo Rosales, Alejandro Romero, Georgi-
na Derbez, Arturo Márquez y Mario Lavista; de
dirección coral con Alfredo Mendoza, Sergio
Cárdenas y Digna Guerra, y dirección orquestal con Enrique Artu-
ro Diemecke. Ha sido director asociado del ensamble Tempus
Fugit, director asistente en la Compañía Nacional de Ópera y di-
rector invitado del ensamble del Cepromusic. Ha sido director
huésped en las orquestas Sinfónica Nacional, Sinfónica del IPN,
Filarmónica de Sonora y de Cámara de Bellas Artes. Ha dirigido el
estreno de las óperas El día que María perdió la voz de Marcela
Rodríguez y Titus de Guillermo Eisner. Le han sido comisionadas
nuevas obras por instituciones como la Universidad de Yale, el
VocalEssence Ensamble y la asociación Classical Movements.

77
Colegio de San Ildefonso, UNAM
Viernes 13 de octubre, 18:00h

CO NVER SATOR IO
Viernes 13 de octubre, 16:30 h

Allende nuestro mar

Voces de México, Cuba y Trinidad y Tobago

PROG R A M A

I
Bárbara Llanes
En retaguardia (2020)
Letra de Gloria Fuertes

Canto negro y blanco (2021)

Obra finalista en el Concurso de Composición de música coral Alumni
Universidad de Salamanca Jesús García-Bernalt

Apasoeconga (2023)
Letras de Bárbara Llanes

Dominique Le Gendre
Songs of the Islands (Canciones de las islas)
John Wrote
Tradicional, arreglo de Dominique Le Gendre

Jehú Sánchez, barítono

Till I Collect
Letra de Martin Carter, West Indian Poetry

Mónica Vélez, mezzosoprano

Blow Nelson Blow

Tradicional, arreglo de Dominique Le Gendre

Frida Portillo, mezzosoprano

José Luis González, piano

78
II
Ana Lara
Requiem. Missa pro defunctis (1997)
Introito
Kyrie
Gradual
Sequentia:
Dies Irae
Recordare
Ingemisco
Lacrimosa
Ofertorio
Sanctus
Agnus Dei
Lux aeterna

Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Carlos Aransay, director artístico

79
COM PO SITO RA S

Bárbara Llanes (Cuba, 1970)

Es una de las sopranos líricas cubanas más

reconocidas. Ha conquistado varios premios
en certámenes de alto nivel, entre ellos, los
concursos nacionales de canto Alejandro
García Caturla en La Habana y el Rodrigo
Prats en Holguín, además del Concurso Ibe-
roamericano de Canto en México, el Interna-
cional de Canto de Trujillo en Perú y el Bidu Sayão, en Brasil. En
Cuba ha interpretado importantes óperas; realiza conciertos y
giras nacionales e internacionales con la Orquesta Sinfónica Na-
cional; ha ofrecido conciertos en festivales internacionales de
música. Paralelamente a su carrera como cantante, ha escrito
música para cine y teatro. Ha grabado varios discos, entre ellos
Amor y dolor con el pianista cubano Frank Fernández y La misa
cubana de la Caridad del Cobre e Iré Habana con el compositor
y pianista José María Vitier.

Dominique Le Gendre (Trinidad y Tobago, 1960)

Estudió guitarra clásica en París con Ramón

de Herrera, al mismo tiempo que componía
música para películas experimentales. Vive en
Londres desde hace 30 años, su trayectoria
musical abarca performance, composición,
dirección musical, docencia, curaduría y pro-
ducción de eventos musicales. Ha compuesto
música para teatro, danza, instalaciones, cine, radio y televisión.
Escribió y produjo la música para las 38 obras de teatro de Shakes-
peare grabadas en la colección The Complete Arkangel Shakes-
peare, dirigida por Clive Brill. Fue artista asociada de la Royal Ope-
ra House, institución que le comisionó la ópera Bird of Night. Sus
piezas de cámara han sido comisionadas e interpretadas por en-
sambles y orquestas como The Royal Opera House chamber so-
loists, Philharmonia Orchestra, Manning Camerata, Lontano Or-
chestra, Tête-a-tête Opera, Ibis Ensemble, Metamorphosis Dance,
Ensemble du Monde y Calabash Foundation for the Arts. Es direc-
tora artística de Strong Back Productions, una asociación cuya vi-
sión es lograr una Inglaterra culturalmente vibrante que se inspire
en su rica diversidad histórica y cultural con el Caribe.

80
Ana Lara (México, 1959)

Su música ha sido ejecutada en gran parte del

mundo e incluye principalmente obra para
escena, orquesta y de cámara. Estudió compo­
sición en el Conservatorio Nacional con Daniel
Catán y Mario Lavista, y asistió al taller de com­
posición de Federico Ibarra en el Cenidim. Rea-
lizó estudios de posgrado en Composición en
la Academia de Música F. Chopin en Varsovia, y la maestría en
Etnomusicología en la Universidad de Maryland, Estados Uni-
dos. Ha sido miembro de la mesa directiva de la Sociedad Inter-
nacional para la Música Contemporánea, compositora residente
de la Orquesta Sinfónica Nacional y miembro del consejo editorial
de la revista Heterofonía. Produce el programa Hacia una nueva
música en Radio Universidad y es directora artística del Festival
Internacional Música y Escena. A nivel internacional, ha sido jura-
do en diversos concursos e invitada a numerosas universidades
para hablar de su obra. Ha recibido múltiples premios y recono-
cimientos, destacando ser miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte en varias ocasiones y seleccionada para parti-
cipar en el Programa de Residencias Artísticas de la Fundación
Rockefeller en Bellagio, Italia.

81
I N T É RPRETES

Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Fundado en 1938 por Luis Sandi, tuvo desde su origen la misión de

llevar lo mejor del arte coral a las instituciones educativas de todos
los niveles, teatros y salas de concierto, objetivo que ha cumplido
en sus 85 años de actividades. Han sido sus directores artísticos
Luis Sandi, Jesús Macías, Jesús Carreño, Rufino Montero, Pablo
Puente, Jorge Córdoba, Antonio López- Ríos, Samuel Pascoe, Ja-
mes Demster, Digna Guerra y Carlos Aransay. Su repertorio abarca
desde las primeras manifestaciones musicales en Occidente, has-
ta las obras corales contemporáneas. Ha estrenado numerosas
composiciones algunas de ellas escritas especialmente para la
agrupación. Ha participado en los principales festivales de México:
el Internacional Cervantino, el Internacional de Música de Morelia,
el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, Retros-
pectiva Musical del Siglo XX, el Alicia Urreta y el Internacional Esto
es Mozart, estableciendo además lazos con la UNAM y el Museo
Rufino Tamayo. Ha grabado cinco discos con repertorio diverso,
en 2004 fue galardonado con el reconocimiento que otorga la
Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música y en 2018 recibió
la Medalla de Oro Luis Sandi al mérito coral. Ha brindado concier-
tos en gran parte del territorio nacional y en varias ciudades de
Estados Unidos, en 2013 realizó una gira en España y en 2018 cul-
minó las celebraciones por su 80 aniversario con un concierto en
el emblemático Gran Teatro Nacional de Lima, Perú. Ha colaborado
con la Orquesta de Cámara de Bellas Artesl, Orquesta Sinfónica
Nacional, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta del Tea-
tro de Bellas Artes, Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México,
Tambuco, Capella Barroca de México, La Academia Colonense,
Antiqva Metrópoli, Camerata Salzburg y la Orquesta Barroca de
Friburgo.

82
Integrantes
Guadalupe Jiménez, Blanca Rodríguez, Karla Muñoz, Cynthia
Sánchez, Alejandra Cadenas, Anabel García, Akemi Endo, Marle-
ne Palomares, sopranos; Nurani Huet, Mónica N. Vélez, Mayté
Cervantes, Julietta Beas, Martha Domínguez, Ruth Ramírez, Fri-
da McNally, altos; Aarón Medrano, Orlando Pineda, Gerardo Ma-
tamoros, Eduardo Díaz Cerón, Gerardo Reynoso, Josué Hernán-
dez, tenores; Daniel Cervantes, Salvador Guízar, Vladimir Rueda,
Marco Antonio Talavera, Jehú Sánchez, Alberto Albarrán, Edgar-
do Nieto, bajos; José Luis González, piano

Natalia García, jefa de personal; Orlando Peralta, apoyo logístico;

Carlos Flores, Mónica Núñez, asistentes; Carla Barajas, bibliotecaria

Carlos Aransay

Tras realizar los graduados de Composición,

Teoría (Premio Extraordinario de Armonía) y
Piano en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid, y de estudiar Canto en la
Escuela Superior de Canto de Madrid, obtuvo
en Londres los títulos de maestría de Compo-
sición, Piano y Dirección de orquesta en el
Royal College of Music, y en la Universidad de Sheffield (GB) el
posgrado en Psicología de la música. Estudió Dirección de or-
questa en la República Checa, y en Viena con Jacques Delacôte,
quien lo invitó a ser su asistente en la producción de Carmen de
Bizet en Múnich, Berlín y Zúrich, y maestro de coro asistente del
Ambrosian Opera Chorus. En 1995 fundó el Coro Cervantes en
Londres, dedicándose a la investigación y divulgación del reper-
torio ibérico y latinoamericano, plasmado en cinco discos CD
presentándose en México, España, Rusia, Inglaterra y Holanda.
Ha dirigido el Coro Nacional de España, Coro de RTVE, Coro de la
Comunidad de Madrid, Coro del Festival Campos de Jordao de
Brasil, Coro Joven de Andalucía, y en México el Coro de la Ópera
de Bellas Artes y el Ensamble Escénico Vocal. Fundó el London
Lyric Chorus con el que grabó un CD junto a la Philharmonia Or-
chestra de Londres. Además, ha dirigido la London Symphony
Orchestra (grabación para el Sello Autor), las Orquesta Naciona-
les de Cuba, Perú, Costa Rica y Panamá, Orquesta del Sodre de
Uruguay, Orquestas Sinfónicas de Falcón (Venezuela) y Trujillo
(Perú) y Orquesta de la Radio de Pilsen (República Checa). En
México ha dirigido la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Or-
questa Típica de la Ciudad de México y Antiqva Metrópoli, ade-
más de haber sido maestro de coro en conciertos de la Orquesta
Sinfónica Nacional y la Orquesta Júvenil Eduardo Mata, Freibur-
ger Barockorschester y Orquesta de la Universidad Sorbonne de

83
París. En Londres estudió pedagogía vocal con Janice Chapman,
y formó parte de su equipo pedagógico. Ha impartido cursos y
clases de dirección coral, de orquesta y de pedagogía vocal en
España, Francia, Italia, Alemania (con el Coro de la RTV de Ham-
burgo), Países Bajos, Reino Unido, México, Costa Rica, Panamá,
Trinidad y Tobago, Cuba, Perú, Uruguay, Argentina, Brasil y Ecua-
dor. Durante 17 años fue director y jurado del Concurso Interna-
cional de Canto de Trujillo (Perú), y ha sido jurado de los concur-
sos de canto María Callas de São Paulo, Teatro Maestranza de
Sevilla, Internacional de Rosario (Argentina), Nacional de Canto
de Trinidad y Tobago, Linus Lerner (Brasil y México), Nacional de
Canto Carlo Morelli y de Ópera Irreverente. Durante seis años fue
profesor del Jette Parker Young Artist Programme de la Royal
Opera House de Londres, ha colaborado como profesor de técni-
ca vocal con el EOBA en México, y entre sus alumnos hay jóvenes
cantantes de los estudios nacionales de ópera de Londres, París,
Múnich, Zúrich y Ámsterdam. En Londres fundó el Festival de
Canción Española y Zarzuela, e impartió clases de repertorio es-
pañol en la Guildhall School of Music and Drama. Fue productor
de la grabación de la ópera Juan José de Pablo Sorozábal en
España, y como coach de las sopranos Patricia Petibon y Pume-
za Matshikiza, para los sellos Deutsche Grammophon y Decca,
respectivamente. Desde 2018 es profesor de técnica vocal de la
Academia de Musique Baroque de Périgord Noir (Francia) y di-
rector artístico titular del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes.
Carlos está celebrando este año 25 años de presencia en México,
tras su debut en el Festival Internacional Cervantino de Guana-
juato en octubre de 1998.

84
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Viernes 13 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Wilfrido Terrazas
Flying Bear (2014)** 16’
Wind
Water
Earth
Fire

Andy Akiho
Stop Speaking (2011)** 5’

Alejandro Romero
Instante y fragmentación en el espacio de fases (2019)** 8’

Arturo Fuentes
Kubel (2020)** 7’

Caleb Pickering
Tinfoil (2020)** 9’

**Estreno en México

Aldo Aranda, percusiones

85
 COM PO SITO RE S

Wilfrido Terrazas (México, 1974)

Es un flautista, improvisador, compositor y do-

cente mexicano cuyo trabajo explora los terri-
torios fronterizos entre improvisación, nota-
ción musical y creación colectiva. Es miembro
de Generación Espontánea, Liminar, Filera y el
Wilfrido Terrazas Sea Quintet, y ha realizado
más de 400 estrenos mundiales, escrito más
de 70 composiciones, y grabado más de 50 álbumes, ocho de
ellos como solista o líder. Wilfrido ha presentado su trabajo en 22
países. Es coorganizador de la Semana Internacional de Improvi-
sación en Ensenada y profesor de la University of California San
Diego.

Flying Bear
Esta pieza es un ensayo en improvisación compuesta para un solo
percusionista. Los textos originales fueron escritos por Nuria Manzur
(en español) y Ronnie Yates (en inglés). Fue escrita y dedicada a Aldo
Aranda, en reconocimiento a la encarnación ritual que los percusio-
nistas alrededor del mundo representan.

Andy Akiho (Estados Unidos, 1979)

Nació en Carolina del Sur. Es un músico y

compositor estadunidense de música clásica
contemporánea. Percusionista virtuoso con
sede en Nueva York, su principal instrumento
de interpretación son las cacerolas de acero.
Se interesó en convertirse en percusionista
cuando su hermana mayor le presentó una
batería a la edad de nueve años. Primero probó suerte con los
steelpan cuando se graduó en la Universidad de Carolina del Sur.
Comenzó a hacer varios viajes a Trinidad después de la universi-
dad para aprender y tocar música. A partir de ahí, comenzó a
escribir piezas propias.

86
 Stop Speaking
Escrita para tarola y reproducción digital, la voz electrónica que se
escucha es Vicki, del Speech Preference Center de Apple. Akiho creó
la reproducción utilizando un documento de Microsoft Word leído
por Apple: Vicki. No hay métrica en esta pieza, lo que requiere que el
intérprete toque muchos tempos diferentes sin tener un tempo ano-
tado, lo que la dificulta ya que muchos pasajes son iguales, solo que
a diferentes velocidades. Otro desafío de esta pieza es la alineación
de la voz de Vicki con la caja mientras se ejecutan técnicas difíciles,
como giros de pulgar, el uso de diferentes baquetas y tocar con los
dedos; por el contrario, algunas partes requieren que el intérprete
elogie la voz de Vicki en forma de acompañamiento. Esta pieza exige
que el intérprete use un estilo orquestal, rudimentario y de batería.

Alejandro Romero (México, 1970)

Estudió la licenciatura en Composición en la

Escuela Superior de Música del INBAL (ESM)
con Arturo Márquez y de forma particular con
Ana Lara e Hilda Paredes; obtuvo la maestría
en Composición musical por la Facultad de
Música de la UNAM. Tomó cursos de compo-
sición con Franco Donatoni. Ha sido miembro
del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2005, 2010 y 2014.
Su música se ha interpretado en Alemania, Austria, Francia, Espa-
ña, Italia, Suiza, Canadá, Brasil, Chile, Argentina y Colombia, por
músicos y ensambles como Alberto Rosado, Vincent Lhermet,
Ute Wassermann e Irvine Arditti, así como por los ensambles In-
tercontemporain, Platypus y Cepromusic, entre otros. Su música
se caracteriza por una escritura muy personal y expresiva en don-
de el trabajo profundo con el sonido devela su fuerte interés por
el timbre, siendo los sonidos complejos su principal eje de cons-
trucción sonora. Es profesor de Composición, Análisis y Orquesta-
ción en la ESM.

Instante y fragmentación en el espacio de fases

Se trata de una pieza mixta en donde a partir de un objeto dinámico
y complejo se busca dar la sensación de la descomposición o frag-
mentación de la captura de un instante a través de lo sonoro. En
otras palabras, se pretende a partir de una escucha aguda singular,
descomponer un hecho sonoro en su mínima expresión. Así, se in-
tenta con esta idea, abrir ese segmento, estirarlo, acentuar la expe-
riencia sensible desde la interiorización del instante dado, vivido,
multiplicado, iterado, plegado y desplegado; o como diría Henri Mi-
chaux, cavarlo de infinito.

87
Arturo Fuentes (México, 1975)

Durante los últimos 20 años ha logrado reco-

nocimiento internacional con la publicación
de más de cien obras a través de LondonHall
Editions. Sus composiciones se han grabado
en CD en tres monográficos por Neos y Kai-
ros, y también se han incluido en numerosas
recopilaciones. Ha incursionado en la puesta
en escena de sus propias obras de teatro musical, ópera y danza.
Ha compuesto para ensambles mixtos y coros. Ha experimenta-
do diversas fases en su trabajo artístico, que él mismo denomina
periodos de exploración. Inició componiendo piezas complejas,
luego se acercó a la forma armónico-espectral y, más reciente-
mente, ha descubierto una sonoridad microtonal-minimalista.
Ha llevado a cabo investigaciones teóricas en el campo de la in-
formática musical y los aspectos filosóficos de la composición.
Ha publicado varios artículos sobre estos temas, basándose en
Wittgenstein y en la crítica hermenéutica de la representación.

Kubel
Esta obra es una creación colaborativa, un work in progress muy cer-
cano a lo que he realizado en mis últimos proyectos donde una dosis
de teatralidad se incorpora a la música. Invitado por Aldo Aranda, mi
idea fue componer una obra-mix a la manera de un DJ, es decir, mez-
clando diferentes extractos superpuestos para generar algo nuevo.
Así, la electrónica de la obra está hecha de una paleta múltiple de
citaciones. El resultado es una obra que retoma un personaje creado
con referencias a Saramago (Ensayo sobre la ceguera), proyectando
una nueva “dramaturgia concertante” junto con la percusión. Kübel
en alemán significa cubeta; para mi es ese recipiente donde todo
cabe, incluida esta mezcla sonora poliédrica. Gracias a Aldo por su
apertura para la realización de este proyecto.

Caleb Pickering (Estados Unidos, 1990)

Es profesor asistente de percusión y teoría

musical en la Universidad Estatal de North-
west. Sus obras se interpretan regularmente a
nivel internacional, incluidas actuaciones en
la Convención Internacional de la Sociedad de
Artes de Percusión, la Convención de la Aso-
ciación de Educadores de Música de Texas y el
Festival de Percusión Phonon de Taiwán. Fue compositor residen-
te del World Percussion Group, dirigido por Maraca2. Fue semifi-
nalista en el Concurso de Tambores de la Sociedad de Artes de

88
Percusión de Italia 2017 en Pescara, Italia. Obtuvo el doctorado en
Artes musicales de la Universidad James Madison, la maestría en
Interpretación musical de la Universidad de Nevada Las Vegas, y la
licenciatura en Educación musical de Texas A&M University-Com-
merce. Es miembro de la Sociedad de Artes de Percusión, la Aso-
ciación de Educadores de Música de Texas y la Sociedad Estadou-
nidense de Compositores, Autores y Editores.

Tinfoil
Obtiene su título de la representación cómica de los sombreros de
papel aluminio que usan los teóricos de la conspiración extrema. La
pista de audio está fuertemente inspirada en la música heavy metal
y el intérprete usa una batería modificada para la parte solista. La
pista de audio contiene numerosas grabaciones de creencias y pun-
tos de vista conspirativos. Estas grabaciones van desde lo ridículo y
tonto hasta lo absurdo y peligroso. Al mezclar varias teorías de cons-
piración y oradores que tienen diferentes niveles de compromiso
con estas teorías, mi intención con esta pieza es examinar el punto
en el que las teorías de conspiración dejan de ser divertidas y co-
mienzan a volverse peligrosas para la sociedad.

89
I N T É RPRETE

Aldo Aranda

Ha trabajado con Plácido Domingo, Neeme

Jarvi, Jan Fabre, Louis Andriessen, Gabriela Or-
tiz, Heiner Gobbels, Asko-Schönberg Ensem-
ble, Ictus Ensemble, Orquesta Sinfónica de
la Universidad de Guanajuato, Orquesta del
Teatro de Bellas Artes, Noord Netherlands
Orchestra, y Antwerp Symphony Orchestra.
Premiado con menciones honoríficas en el 1er y 2do Concurso y
Festival Internacional de marimbistas en Chiapas. Graduado de
maestría en el Real Conservatorio Flamenco de Amberes, Bélgi-
ca, y posteriormente en el Real Conservatorio de La Haya, Países
Bajos. Recibió la maestría por la Universidad y Conservatorio de
Amberes en Educación musical. Fue premiado por la Secretaría
de Cultura como Creador Artístico con Trayectoria. Se ha presen-
tado en los festivales de Aviñón, Edimburgo, Wiener Festwo-
chen, Gaudeamus Music Week, Internacional Cervantino y Aar-
hus Festuge, por mencionar algunos. Actualmente reside en
Amberes donde desarrolla su más reciente performance de tea-
tro musical contemporáneo con el uso de nuevas tecnologías,
además de componer música para su segunda producción dis-
cográfica solista.

90
Casa Nuestra. Sede Histórica del Senado de la República
Viernes 13 de octubre, 19:30 h

PROG R A M A

Reza Vali
Calligraphy núm. 5 (2003) 10’

Kaija Saariaho
Nocturno para violín solo (1994) 6’

John Corigliano
Stomp (2010) 6’
85 aniversario de su nacimiento

Abel Romero, violín

ES PARTE DEL PROYECTO DE SOLISTAS DE ÓNIX MÚSICA CONTEMPORÁNEA
SISTEMA DE APOYOS A LA CREACIÓN Y PROYECTOS CULTURALES

Karlheinz Stockhausen
Traum-Formel (1981)** 8’
A 94 años de su nacimiento

Diego Tedesco
Solo, for basset horn (2022)** 8’

Antonio Rosales, corno di bassetto

José Luis Hernández Septién

Azulín (2022) 10’

Diego Alonso Piñera

Trío (2019) 6’

Roberto Sierra
Trío núm. 1, Tropical (1991) 17’
En do
Habanera nocturna
Intermezzo religioso y movimiento perpetuo

**Estreno en México
Kanira Ensamble
Fernanda Villalvazo, violín
Carlos Adriel Salmerón, piano

Pablo Rainier Reyes, violonchelo invitado

91
COM PO SITO RE S

Reza Vali (Irán, 1952)

Inició sus estudios de música en el Conserva-

torio de Música de Teherán. Estudió Educación
musical y Composición en la Academia de
Música de Viena. Después de graduarse emi-
gró a Estados Unidos para continuar sus es-
tudios en la Universidad de Pittsburgh, obte-
niendo su doctorado en Teoría de la música y
composición en 1985. Es académico de la Escuela de Música de
la Universidad Carnegie Mellon desde 1988. Recibió el premio de
honor del Ministro Austriaco de Artes y Ciencias, la beca Andrew
W. Mellon, así como comisiones de la Pittsburgh Symphony Or-
chestra, la Boston Modern Orchestra Project, el Pittsburgh New
Music Ensemble, el Kronos Quartet, el Carpe Diem String Quar-
tet, Seattle Chamber Players y the Arizona Friends of Chamber
Music. Sus composiciones orquestales han sido ejecutadas en
Estados Unidos por las orquestas sinfónicas de Pittsburgh, Sea-
ttle, Baltimore, Memphis y la Orchestra 2001. Su música de cá-
mara ha sido interpretada por el Cuarteto Latinoamericano, el
Pittsburgh New Music Ensamble, el Carpe Diem String Quartet,
el Kronos Quartet, Seattle Chamber Players y Da Capo Chamber
Players. Su música se ha presentado en Europa, Chile, México,
China, Hong Kong y Australia.

Calligraphy núm. 5
El material musical de esta obra deriva de la música tradicional persa.
Las características modales de la pieza, así como la afinación, ritmo y
forma, se relacionan al sistema modal iraní, el Dástgâh. La estructura
tonal de la composición está basada en el Dástgâh de Návâ persa.
Návâ (pronunciado nah-Voh) es uno de los más antiguos modos del
sistema modal persa. La escala del Návâ que uso para esta pieza es:
re-mip-fa-sol-la-sí bemol-do-re. La nota mip es aquella afinada un
cuarto de tono más alto que el mi bemol. El modo consiste en dos
tetracordes entrelazados con la nota sol como el finalis (la tónica). El
orden descendiente es: sol-fa-mip-re, y la serie ascendente es: sol-la-
sí bemol-do. Los dos tetracordes son elaborados a lo largo de la pieza
sometiéndose a series de permutaciones y expansiones.

92
Kaija Saariaho (Finlandia, 1952 - Francia, 2023)

Fue integrante de un prominente grupo de

compositores e intérpretes finlandeses de
gran impacto mundial. Estudió Composición
en Helsinki, Friburgo y París, donde vivió des-
de 1982. Sus estudios e investigaciones en el
IRCAM tuvieron gran influencia en su música,
y sus texturas característicamente frondosas
y misteriosas, a menudo creadas mediante la combinación de
música en vivo y electrónica. Aunque gran parte de su catálogo
comprende obras de cámara, desde mediados de los años 1990
se dedicó, cada vez más, a componer estructuras más amplias,
como las óperas L’amour de loin, Adriana, y el oratorio La pasión
de Simone.

Nocturno
Fue escrita a principios de 1994 y está dedicada a la memoria del
compositor polaco Witold Lutoslawski. En esta pieza, la compositora
explora las ideas, los trazos y colores que usaría más adelante para su
concierto para violín, Graal Théâtre. Nocturno fue estrenada a nivel
mundial en febrero de 1994 en Helsinki.

John Corigliano (Estados Unidos, 1938)

Estudió Composición en la Universidad Co-

lumbia y en la Escuela de Música de Manha­
ttan. Sus maestros fueron Otto Luening, Vit-
torio Giannini y Paul Creston. Ha escrito tres
sinfonías: para orquesta, orquesta de cuerdas
y vientos, conciertos para clarinete, flauta,
violín, oboe y piano, bandas sonoras de pelí-
culas, varias obras de cámara y una ópera, Los fantasmas de Ver-
salles. En 1991 recibió el premio Premio Grawemeyer de Compo-
sición por su Sinfonía no. 1. En 2001 ganó el Premio Pulitzer por su
Sinfonía no. 2 para orquesta de cuerdas. Su música para la pelí-
cula El violín rojo ganó un premio Oscar a la mejor banda sonora.
Es profesor distinguido de música del Colegio Lehman de la Uni-
versidad de la Ciudad, en Nueva York. En 1991 fue nombrado ca-
tedrático de la Juilliard School y ese mismo año fue nombrado
miembro de la American Academy and Institute of Arts and Le­
tters. Ha recibido becas de la Fundación Guggenheim, National
Endowment for the Arts y Meet the Composer. Su música ha
sido grabada por Sony, RCA, BMG, Telarc, Erato, New World y CRI
y publicada exclusivamente por G. Schirmer.

93
 Stomp
Presenta desafíos de tipo auditivos, artísticos y físicos al violinista
más que al intérprete. En primer lugar, tanto la cuerda más aguda
como la más grave del instrumento tienen que ser afinadas con no-
tas fuera de lo convencional. Ésta, llamada scordatura, amplía el ran-
go del instrumento y reemplaza los intervalos de quintas justas entre
las cuerdas con disonancias entrecruzadas. El oído del ejecutante es
forzado a escuchar notas que normalmente no salen de su instru-
mento, además de tocar notas en cuerdas y posiciones diferentes a
las que está acostumbrado. En segundo lugar, la pieza no se basa en
modelos clásicos sino en música de violín tradicional estadunidense,
bluegrass y jazz. En tercer lugar, así como en la música tradicional,
en algunos momentos el violinista debe golpear el piso con el pie
mientras toca su instrumento, poniendo a prueba la coordinación
del ejecutante y extendiendo las habilidades físicas requeridas en
una manera normal de ejecutar el violín. Stomp precisa de una men-
te histriónica, de un oído infalible y de una capacidad para hacer mú-
sica usando todo el cuerpo. La idea es que sea divertida para la au-
diencia y un ejercicio físico para el violinista.

Karlheinz Stockhausen (Alemania, 1928-2007)

Fue un compositor alemán, ampliamente re-

conocido por la crítica como uno de los más
importantes, pero también controvertidos
compositores del siglo XX y principios del XXI.
Es conocido por su trabajo innovador en mú-
sica electrónica, por introducir el azar contro-
lado (técnicas aleatorias) en la composición
en serie y por la espacialización musical. Fue educado en la Hoch­
schule für Musik Köln y la Universidad de Colonia, luego estudió
con Olivier Messiaen en París y con Werner Meyer-Eppler en la
Universidad de Bonn. Fue una de las figuras principales de la Es-
cuela de Darmstadt, sus composiciones y teorías fueron y siguen
siendo muy influyentes, no solo en los compositores de música
artística, sino también en el jazz y la música popular. Sus obras,
compuestas durante un período de casi sesenta años, huyen de
las formas tradicionales. Además de música electrónica, con y
sin intérpretes en vivo, van desde miniaturas para cajas de músi-
ca pasando por obras para instrumentos solistas, canciones, mú-
sica de cámara, música coral y orquestal, hasta un ciclo de siete
óperas de larga duración.

94
 Traum-Formel (Fórmula de sueños)
Es una concentración lineal de cinco capas de fórmulas del Sueño de
Lucifer. Fue escrita para Suzanne Stephens con motivo de su cum-
pleaños el 28 de julio de 1981 y está dedicada a ella. El estreno de la
obra tuvo lugar en un concierto Nachmusik im WDR el 29 de enero
de 1983 a las 22:00 h. en un gran auditorio de la estación de radio en
Colonia. Markus Stockhausen, Suzanne Stephens y Majella Stock­
hausen interpretaron un programa ininterrumpido con las composi-
ciones Aries (trompeta y electrónica), Traum-Formel y Klavierstück
XIII. Las tres obras fueron interpretadas seguidas una detrás de otra
sin interrupciones con movimientos escénicos e iluminación arregla-
dos especialmente para la ocasión. Suzanne tocó la primera nota de
Traum-Formel simultáneamente con la última nota de la trompeta
en Aries: un sol alto en ambos instrumentos. Durante las últimas no-
tas del corno di bassetto, Majella entró en escena y comenzó a tocar
la Klavierstück XIII inmediatamente después de la última nota de
Traum-Formel con la misma nota, un la bemol grave. Por muchos
años, los tres músicos han interpretado numerosas composiciones
mías en programas ininterrumpidos (tocados como un largo archivo
musical), durando hasta 90 minutos de principio a fin.

Diego Tedesco (Argentina, 1974)

Nació en Buenos Aires. De formación inicial-

mente autodidacta, estudió composición con
Julio Viera y Francisco Kröpfl. Estudió Bellas
Artes y es Diseñador gráfico por la UBA. Ob-
tuvo el primer premio en el Concurso Juan
Carlos Paz del Fondo Nacional de las Artes en
2007. En 2011 fue becado por el mismo ente.
En 2014 obtuvo el segundo Premio Nacional (Música sinfónica y
de cámara), otorgado por el Ministerio de Cultura y ese mismo
año fue premiado con la Stephan Kaske Felowship de la Compo-
sers Conference, dirigida por Mario Davidovsky. En 2016 estrenó
su ópera El fiord, encargo del Teatro Colón. En 2017 le fue otorga-
do el Premio Koussevitzky. En 2018 ganó nuevamente el premio
Juan Carlos Paz y fue becado por la Fundación Williams. En 2019
recibió un premio del Consejo Argentino de la Música, Unesco, y
en 2021 ganó el Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires.
Sus obras se han interpretado en Argentina, Estados Unidos y
Europa.

95
 Solo, for Baset Horn
La amplitud de registro de este singularísimo instrumento, el corno
di bassetto, fue el catalizador de muchas de las ideas que hacen que
esta obra se desarrolle en el tiempo. Abundan los grandes saltos, la
polifonía oblicua y las líneas en los límites, agudo y grave, de la tesi-
tura. Esto genera un espacio virtual, ya establecido o sugerido por la
primera figura de la obra, en el cual la música se desplegará: estable-
ce un espacio y luego comenzará a habitarlo. La forma, entonces,
será el resultado de la exploración de ese portal que se ha abierto
con el gesto inicial, y esa exploración devendrá en el drama, drama
musical, como en los clásicos, que dará sentido al fluir de la obra. Un
epílogo elegíaco y despojado da por concluida la pieza.

José Luis Hernández Septién (Venezuela, 1991)

Se formó como compositor en la New World

School of the Arts de la University of Florida
como estudiante de Susan Epstein-García y
actualmente continúa sus estudios de maes-
tría en Música de películas en el Berklee Co-
llege of Music. Como pianista y compositor ha
obtenido los premios 1er lugar en el Robert
Avalon International Composition Competition for Composers
en la categoría música de películas-Emerging Artist en Houston,
2020, 1er lugar en la Competencia de Composición Jane Pyle en
el Miami Dade College en 2015 y 2016, y 3er lugar-Nivel 5 en la
Competencia Nacional de Piano Silvia Eisenstein en la EEMMAL
en Caracas, 2011.

Azulín
El trío de piano fue influenciado por diferentes estilos de música bra-
sileña como bossa nova, samba, choro, partido alto, entre otros. Fue
inspirado por personas que marcaron mi vida con su forma de ser.
Tenían almas felices, humildes y con esperanza en el mañana. Esta
pieza fue dedicada a mi familia, a mi padre, quien falleció a causa de
Covid-19 en 2021, y a la humanidad. “Azulín” era un apodo que mi
padre le puso a un arrendajo azul que solía visitar nuestro patio. La
pieza fue comisionada por el South Beach Chamber Ensemble en
2022.

96
Diego Alonso Piñera (México, 1995)

Estudió en la Escuela Superior de Música del

INBAL, y continuó sus estudios en la Universi-
dad de Barcelona. Como miembro de conjun-
tos de música de cámara ha participado en
festivales como el Seminario Internacional de
Música de Cámara del Cuarteto de Cuerdas St.
Lawrence en California, Festival Internacio-
nal de Música de Cámara en Aguascalientes y Festival Interna-
cional de Música en San Miguel de Allende, entre otros. Su pieza
Detonadores fue seleccionada para la 5ª edición del festival fran-
cés Exhibitronic, y se presentó en Alemania, Francia, Polonia, Re-
pública Checa, Croacia y España. En 2021 fue becario del progra-
ma Jóvenes Creadores en Composición de música acústica y
electroacústica. Actualmente estudia una maestría en Música
por computadora y arte sonoro bajo la tutela de Marko Ciciliani
en la Universidad de Música y Artes Escénicas de Graz, Austria.

Trío
Obra camerística que, a través de la clásica dotación del trío violín,
violonchelo y piano, expone breves tejidos melódicos y gestualida-
des contenidas que buscan constantemente la evasión de una linea-
ridad discursiva por medio de la alternancia de ciclos interrumpidos
de desarrollo de sus elementos.

Roberto Sierra (Puerto Rico, 1953)

Después de estudiar en Puerto Rico, conti-

nuó su educación en Inglaterra y Alemania, y
luego trabajó con György Ligeti en Hamburgo
durante tres años. Su pieza más importante
fue Júbilo, que fue estrenada en el Carnegie
Hall por la Sinfónica de Milwaukee, posterior-
mente se convirtió en el compositor en resi-
dencia de esa orquesta durante tres años. Sierra llama a su fusión
de modernismo europeo y elementos folclóricos latinoamerica-
nos tropicalización. Ha escrito una ópera de cámara y varias
obras corales, pero es más conocido por sus composiciones ins-
trumentales orquestadas, incluyendo varios conciertos. Desde
1992 ha enseñado composición en la Universidad de Cornell.

97
 Trío núm. 1, Tropical
Mi primer Trío para piano, violín y violonchelo Tropical pretende des-
de su origen tropicalizar un género que posee una larga tradición en
la música occidental. Los tres movimientos reflejan gestos rítmicos,
timbres y giros melódicos de la música que escuché durante mi in-
fancia y juventud en Puerto Rico. El último movimiento contiene una
introducción lenta Intermezzo religioso, seguida de un Movimiento
perpetuo veloz. Durante el Intermezzo, al tiempo que se escucha una
textura a la manera de un coral religioso, el piano irrumpe con ideas
provenientes de la música salsa desembocando en exploraciones
atrevidas de polirritmia en el Movimiento perpetuo.

98
I N T É RPRETES

Abel Romero

Integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional

y miembro de Ónix Ensamble. Sus presenta-
ciones a nivel internacional incluyen las ciu-
dades de Nueva York, Chicago, Austin, Mon-
treal, Londres, París, Cartagena, San José y
Caracas. En México participa constantemen-
te en los festivales más importantes del país:
Internacional Cervantino, Foro de Música Nueva Manuel Enrí-
quez, de México en el Centro Histórico y de Música de Morelia.
Asimismo, se presenta con regularidad en las más importantes
salas de concierto de la Ciudad de México y de los estados de la
República. Como integrante de Ónix Ensamble lleva a cabo gra-
baciones y estrenos de innumerables obras de los más impor-
tantes compositores de nuestro tiempo. Recientemente publicó
su primer material discográfico como solista Convergencias,
música para violín y medios electrónicos bajo el sello Urtext Di-
gital Classics.

Antonio Rosales

Dal Niente de Helmut Lachenmann, Itou de

Pascal Dusapin, Echange de Iannis Xenakis,
Konzertstuck núm. 2, Op. 114 de Mendelsshon
y el Concierto para corno di bassetto de Carl
Stamitz, son algunos de los títulos que han
sido interpretados por primera vez en México
bajo la iniciativa de Antonio Rosales. Se ha
presentado como solista con la OCBA, la Camerata de Coahuila y
el Ensamble Tempus Fugit. Ha presentado conciertos de música
de cámara en México, Estados Unidos, Alemania, Países Bajos,
Francia, Italia y Argentina. Ha sido becario por del Fonca, del pro-
grama Creadores Escénicos con Trayectoria en 2016-2018 y del
programa de Residencias Artísticas Fonca-Conacyt en 2012.
Maestro en Interpretación de corno di bassetto por parte de la
Facultad de Música de la UNAM, posee también un posgrado en
Interpretación de clarinete bajo por parte del Conservatorio de
Ámsterdam. Estudió la licenciatura en Clarinete en la Escuela
Superior de Música del INBAL. Es director artístico de Quartz En-
samble, así como miembro de Low Frequency Trio.

99
 Kanira Ensamble

Fundado en 2021, es un proyecto de música

de cámara cuyos integrantes son egresados
de la Escuela Superior de Música del INBAL
(ESM), y con estudios de posgrado en Europa.
Iniciaron esta colaboración con la finalidad
de interpretar las obras representativas de su
dotación y de difundir a autores poco frecuen-
tados y creaciones nuevas del repertorio camerístico. Se han pre-
sentado en el Auditorio Blas Galindo del Cenart, en la Sala Ma-
nuel M. Ponce del Palacio de Bellas Artes, en la Sala Carlos Chávez
del Centro Cultural Universitario de la UNAM y en el Estudio Allai-
re. Han participado en el Foro Internacional de Música Nueva
Manuel Enríquez 2022, en las Jornadas de Mujeres en la Música
de la UNAM, y en los festejos conmemorativos por los 85 años de
la fundación de la ESM. En 2023 ofrecen un concierto y clase ma-
gistral en el marco del 2º Encuentro Internacional de Música de
Cámara en el Centro de las Artes de San Luis Potosí.

Pablo Rainier Reyes

Inició sus estudios con Natella Zakharian, y

Ludmila Beglarian. Continuó sus estudios en
la Texas Christian University bajo la tutela de
Jesús Castro-Balbi y en el Conservatorio Clau-
dio Monteverdi de Bolzano, con Roberto Traini-
ni. Realizó también un curso de especialización
en cuartetos de cuerda con Andrea Repetto.
Integrante fundador del Cuarteto Ighme, con el cual ganó el pri-
mer lugar en el Concurso de Cuartetos de Cuerda de la Universi-
dad de Nueva York en 2009. Desde 2012 es director artístico del
Ensamble+Cello, con el cual ha ofrecido conciertos en Morelos,
Ciudad de México, Aguascalientes, Estado de México y Oaxaca. Es
integrante de la Orquesta Sinfónica Nacional de México y estudia
una maestría en Música de cámara bajo la supervisión de Pierpao-
lo Maurizzi, en el Conservatorio de Parma, Italia, gracias al apoyo
del INBAL.

100
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 14 de octubre, 11:30 h

PROG R A M A

Mario Lavista
Cuarteto núm. 6, Suite en cinco partes (1999) 14’
Danza
Motete
Canon
Coral
Estudio
In memoriam

Joaquín Gutiérrez Heras

Cuarteto núm. 1 (1988) 9’
Lento
Allegro
Allegro non troppo
Andante

Javier Álvarez
Metro Chabacano (1991) 7’
In memoriam

Inte rm e d i o

Leonardo Coral
Quinteto para cuarteto de cuerdas y clarinete (2023)* 15’
En las entrañas del silencio
Agua en ecos resonantes
Aire volátil en los pasos que se alejan y se acercan
Angustia de clamor nocturno
Y las memorias sepultadas

Luis Humberto Ramos, clarinete

101
 Addi Corpus Ramírez
Páramo de sueños (2022)* 12’
Ce-Acatl
Lugar de las nubes de agua. Tamtoc
“…a los desiertos me voy…”
Fandango bullicioso
Nocturno elegiaco
Estancilla campestre, pastoril
La región intransigente
*Estreno mundial

Cuarteto de Cuerdas Raberi

Pablo Martínez, violín I
Arturo Rodríguez, violín II
Jorge Delezé, viola
Salomón Guerrero, violonchelo

102
COM PO SITO RE S

Mario Lavista (México, 1943-2021)

Estudió composición en el Conservatorio Na-

cional de Música (CNM). Fue becado por el Go-
bierno francés para estudiar con Jean-Étienne
Marie en la Schola Cantorum de París y con
Henri Pousseur; fue alumno de Karlheinz Stock­
hausen en Alemania. Fundó en 1970 el grupo
de improvisación Quanta, interesado en la crea­
ción-interpretación simultánea y la electroacústica. Le fue conce-
dida una beca de la Fundación Guggenheim para componer su
ópera Aura. Fue nombrado miembro de la Academia de Artes. Mas
adelante recibió la Medalla Mozart e ingresó a El Colegio Nacional
de México. En estrecha colaboración con algunos instrumentistas
exploró e investigó las nuevas posibilidades técnicas y expresivas
que ofrecen los instrumentos tradicionales. Dictó cursos y semi-
narios en universidades de Estados Unidos y Canadá. Tuvo a su
cargo la cátedra de Composición, análisis y lenguaje musical del
siglo XX en el CNM. Fue fundador y director de la revista Pauta.

Cuarteto núm. 6, Suite en cinco partes

Escrito para una formación de cuarteto de cuerdas, esta obra pre-
senta una combinación única de elementos vanguardistas y referen-
cias a la tradición musical. Consta precisamente, de cinco movimien-
tos, cada uno con atmósferas diversas y contrastantes. Es una obra
desafiante tanto para los intérpretes como para el público. Su len-
guaje musical intrigante y su exploración de nuevas sonoridades lo
convierten en una experiencia auditiva única y cautivadora. A través
de su inventiva composición y su habilidad para equilibrar elemen-
tos vanguardistas y tradicionales, Lavista demuestra ser uno de los
compositores más importantes de nuestra época.

103
 Joaquín Gutiérrez Heras (México, 1927-2021)

Su música abarcó una amplia variedad de

géneros y estilos, desde obras sinfónicas has-
ta música coral y electroacústica. Gutiérrez
Heras se destacó por su capacidad para fu-
sionar elementos tradicionales con la innova-
ción contemporánea, creando un lenguaje
musical único y personal. Sus composiciones
transmitían una profunda sensibilidad artística, explorando te-
mas emotivos y espirituales. Mediante el uso magistral del color
orquestal y ricas melodías, creaba paisajes sonoros evocadores
que invitaban a la reflexión. A lo largo de su carrera, Gutiérrez
Heras recibió numerosos premios y reconocimientos, y su músi-
ca fue interpretada en festivales y conciertos tanto en México
como en el extranjero. Además de su labor como compositor, fue
un destacado educador musical, formando a varias generacio-
nes de compositores mexicanos.

Cuarteto núm. 1
La obra destaca por su exploración de la forma y la estructura. Gutié-
rrez Heras equilibra cuidadosamente los elementos temáticos y las
secciones contrastantes, creando una narrativa musical cohesiva y
convincente. Su habilidad para construir tensiones y liberarlas hábil-
mente proporciona una experiencia auditiva dinámica y cautivadora.
Es un testimonio de la riqueza y la originalidad de su estilo composi-
tivo. La pieza encapsula su visión artística y su dedicación a la explo-
ración de nuevas ideas musicales. Es un ejemplo destacado de la
música contemporánea mexicana y una contribución significativa al
repertorio del cuarteto de cuerdas.

Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Músi-

ca con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universidad
de Wisconsin, el Royal College of Music y la
City University de Londres. Recibió becas del
Fonca, las fundaciones Mendelssohn y Civite-
lla Ranieri, y fue miembro de la Academia de
Artes de México. En 2013 recibió el Premio Nacional de Ciencias y
Artes. En 2014 el INBAL le otorgó la Medalla Bellas Artes en recono-
cimiento a su contribución al arte y la cultura de México. Su obra
ha sido interpretada por orquestas y ensambles como el New
London Chamber Choir, London Sinfonietta, L’Orchestre Nationa-
le de France, Los Angeles Philharmonic, Tambuco, Ictus, Brodsky

104
Quartet, Cuarteto Latinoamericano, Chicago Symphony New Mu-
sic Group y BBC Concert Orchestra, así como por las orquestas
Sinfónica de Xalapa, Sinfónica de Yucatán, de Cámara Europea,
Filarmónica de Jalisco, Sinfónica Nacional de México y Filarmóni-
ca de la Ciudad de México. Fue profesor en el Royal College of Mu-
sic y en la Universidad de Hertfordshire, en Reino Unido. Fue pro-
fesor visitante en el Conservatorio de París y en la City University
de Londres. En México fue fundador de la Escuela Superior de Ar-
tes de Yucatán y entre 2011 y 2015 fue Rector del Conservatorio de
las Rosas, en Morelia.

Metro Chabacano
Está inspirada en la vida y la energía frenética de una estación de
metro de la Ciudad de México. A través de su música, Álvarez cap-
tura la esencia de este entorno caótico. Es una fusión de estilos mu-
sicales, que abarcan desde la música clásica contemporánea hasta
elementos de la música tradicional mexicana y ritmos urbanos. El
resultado es una experiencia sonora única que combina melodías
cautivadoras, armonías ricas y ritmos pulsantes que evoca imágenes
de la vida cotidiana, la prisa, la interacción humana y la complejidad
de la ciudad, reflejando diferentes aspectos de esta realidad urbana
que invitan al oyente a reflexionar sobre la vida en la ciudad. La obra
cautiva al escucha con sus melodías evocadoras y su enérgica eje-
cución, brindando una experiencia musical única y estimulante.

Leonardo Coral (México, 1962)

Estudió con Federico Ibarra en la Escuela Na-

cional de Música de la UNAM. Obtuvo la Maes-
tría en Composición en la UNAM. Ha com-
puesto más de 130 obras y se han ejecutado
en México, Europa, Estados Unidos, Canadá,
Asia, Australia y Latinoamérica. Ha recibido di-
versos apoyos del Fonca. Ha formado parte
del Sistema Nacional de Creadores. Existen 23 discos con su músi-
ca. Las principales orquestas del país y ensambles nacionales han
estrenado sus obras, así como los solistas María Teresa Frenk,
Mauricio Náder, Juan Carlos Laguna, Gonzalo Gutiérrez, Ignacio
Mariscal y Alejandro Escuer. Ha obtenido los premios Circulo Diso-
nus, Melesio Morales, Sistema de Fomento Musical, SACM y Mu-
seum Geelvinck en Ámsterdam. Es profesor de tiempo completo
en la Facultad de Música de la UNAM y enseña en la Escuela Vida
y Movimiento.

105
 Quinteto para cuarteto de cuerdas y clarinete
Está dedicado a Luis Humberto Ramos y fue compuesto en 2023 con
el apoyo del Sistema Nacional de Creadores. La obra tiene cinco mo-
vimientos inspirados en un poema de mi propia creación:

En las entrañas del silencio,

oquedades de la historia.
Como si las piedras hablaran,
Zócalo paisaje mítico.
Agua en ecos resonantes
de la antigua Tenochtitlan.
Fuego en eras traslapadas
del acero al rojo vivo.
Aire volátil en los pasos
que se acercan y se alejan.
Son los rumores de la tierra.
Angustia del clamor nocturno
y las memorias sepultadas
en las entrañas del silencio.

Addi Corpus Ramírez (México, 1992)

Nació en San Luis Potosí. Fue arreglista instru-

mental del Coro Universitario Potosino y el
Coro Normalista de SLP. Formó parte, como
violista, de la Orquesta Sinfónica Infantil de
México. Ingresó a la Orquesta Escuela Carlos
Chávez (OECCH), donde tomó clases de ar-
monía y contrapunto con Agustín Carmona,
análisis musical y orquestación con Alejandro Saqui y, tiene como
mentor y maestro a Jorge Delezé. Ha recibido clases magistrales
de Horacio Franco, Manfredo Kraemer y Marc Destrubé. Sus obras
han sido tocadas por la OECCH, la Camerata Metropolitana, la Or-
questa Sinfónica Nacional y el Cuarteto de Cuerdas Carlos Chá-
vez.

Páramo de sueños
Toma su nombre del homónimo libro del poeta Alí Chumacero, con
el cual, conserva cierta influencia en tanto a las ideas poéticas que se
desprenden del mismo: el amor, la soledad, la muerte y la vida. Con
la metáfora y el discurso que el poeta aborda dichos temas, el com-
positor trata de representar musicalmente, las distintas secciones de
su obra y las respectivas sensaciones que de ella se desprenden. La
obra tiene momentos álgidos y otros más amables, que se enlazan
entre sí y que conforman un discurso musical completo; de manera
que todos los materiales convergen al sueño musical, en medio de
un páramo visible e indisoluble, que viene a ser la partitura misma,
cumpliendo a la vez, con su función de contener o atrapar la música.
Se podría resumir, en una metáfora, que esta obra tiene la intensión
de ser una suerte de atrapasueños musical.

106
I N T É RPRETES

Cuarteto de Cuerdas Raberi

Es un conjunto compuesto por talentosos músicos que forman

parte de la Orquesta Sinfónica Nacional. Estos cuatro instrumen-
tistas han alcanzado una reconocida reputación tanto individual-
mente como en conjunto, destacándose por su pasión y habili-
dad interpretativa. El Cuarteto ha cautivado al público con su
maestría interpretativa y su pasión por la música. Su habilidad
para comunicarse musicalmente entre sí y su compromiso con la
excelencia artística los han convertido en un conjunto destacado
en el ámbito de la música de cámara. Las interpretaciones emo-
tivas y la sólida técnica del Cuarteto Raberi los hacen merecedo-
res de elogios y admiración en la escena musical.

Luis Humberto Ramos

Egresado del Conservatorio Nacional de Músi-

ca y con estudios en la Academia de Música
de Viena. Ha sido principal de las orquestas
Filarmónica de la Ciudad de México, del Teatro
de Bellas Artes, Sinfónica Nacional, Sinfónica
de Jalapa, y Sinfónica de Minería, e integrante
de la OFUNAM y la Filarmónica de las Améri-
cas. Le han sido dedicadas innumerables obras por autores mexi-
canos y latinoamericanos, entre ellas Zarabandeo (A. Márquez),
Madrigal (M. Lavista), Quinteto (J. Gutiérrez Heras), Amaru (Garri-
do Lecca), Con tres (R. Sierra), Jardín de Otoño (J. Álvarez), Diverti-
mento (G. Ortiz), Sonata (L. Coral), Quinteto (A. Luna) y Cántaros
(A. Lara). Docente por décadas en las principales escuelas de mú-
sica del país, ha sido maestro invitado en escuelas de música del
extranjero y jurado de concursos internacionales. Su discografía
es muy amplia, en ella se encuentran diversos géneros musicales

107
 y combinaciones instrumentales, desde jazz y valses mexicanos
hasta lo más actual de la música contemporánea. Entre sus reco-
nocimientos se encuentran el Premio a la Docencia del INBAL, la
Medalla Mozart de la Embajada de Austria, las medallas al Mérito
Musical Manuel M. Ponce y Candelario Huízar, así como múltiples
subsidios a sus proyectos musicales otorgados por instituciones
nacionales e internacionales.

108
Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 14 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Víctor Báez
White Rubber (2012)** 8’

Rodrigo Valdez Hermoso

XLV Piano kammerkonzert (2023)* 20’

Gonzalo Gutiérrez, piano

Inte rm e d i o

Víctor Zavala
El primer día de junio (2022)* 6’

Ricardo Zohn-Muldoon
Irisada de estrellas (2021)** 22’

Tony Arnold, soprano

Jimmy Brown, tenor
Dieter Hennings, guitarra

*Estreno mundial
**Estreno en México

Ensamble Cepromusic
José Luis Castillo, director artístico

Maximiliano Trigo, flauta; Arielle Amezcua**, oboe; Gabriel Padilla,

clarinete; Erick Carmona, clarinete bajo; Ángel Flores, fagot; Rodri-
go Garibay**, saxofón; Alfredo Fenollosa, corno; Diego Velásquez,
trompeta; Xavier Frausto, trombón; Juan Gabriel Hernández, per-
cusión; Abraham Parra, percusión; Gonzalo Gutiérrez, piano; Carla
Benítez, violín; Leonardo Chávez, violín; Juanmanuel Flores, violín;
Carlos Lot, violín; Dirén Checa**, violín; Francisco Ageo**, violín; Da-
vid Hernández**, violín; Eduardo Cabrera, viola; Alena Stryuchko-
va**, viola; Valeria Espinosa**, viola, Diego Gutiérrez, violonchelo;
Ana Karen Rodríguez, violonchelo; Alejandro Motta, contrabajo

Juan Carlos Cáceres, coordinador de nuevas tecnologías aplica-

das a la creación musical

* Beneficiarios del Programa de Residencias Artísticas

en Grupos Estables del INBAL
** Músico invitado

109
 COM PO SITO RE S

Víctor Báez (México, 1985)

Realizó estudios de Composición en el Con-

servatorio y la Universidad de Música y Artes
Escénicas de Viena. Fue becario Fulbright
García-Robles para trabajar por su título doc-
toral en la Manhattan School of Music en
Nueva York, mismo que obtuvo en 2020. Sus
reconocimientos incluyen más de diez comi-
siones anuales por parte del Ministerio de Artes, Educación y Cultu-
ra de Austria para la creación de obra nueva, el premio Musik im
Bild 2017 de composición para orquesta sinfónica, y la convocato-
ria Tesselat Call for Scores 2021 en todas sus categorías. Su música
ha sido interpretada en los festivales Wien Modern, Klangspuren
Schwaz, OME Phoenix y el Foro Internacional de Música Nueva
Manuel Enríquez, por ensambles como Ónix, Yarn/Wire, Ekmeles,
Contemporaneous, Blueshift, la Webern Symphony Orchestra de
Austria, Makrokosmos y otros. Su música para cine se ha escucha-
do en festivales en San Sebastián-Donostia, Guadalajara, Dubái y
otros.

White Rubber
La idea principal de esta obra me vino inesperadamente y de mane-
ra tan repentina que no fui capaz de expresarla plenamente tal y
como figuraba en mi cabeza. Los bocetos languidecieron en el cajón
durante casi un año hasta que un día, tan repentinamente como el
primer destello, una sensación de desenredo interno me poseyó y
me arrastró y, cuando volví a mirar, la obra estaba terminada tal y
como la había imaginado aquella primera vez. Durante un tiempo fui
incapaz de pensar en un título que me pareciera apropiado. Reflexio-
né sobre las circunstancias que rodeaban la forma, el contenido y la
génesis de la obra, y me pareció verlas unidas por una noción de
elasticidad, una especie de redondez elástica. La idea invocó la ima-
gen natural de un anillo de goma blanca (white rubber), y así fue
como esta obra encontró su título.

110
Rodrigo Valdez Hermoso (México, 1978)

Creador artístico honorífico del Sistema Na-

cional de Creadores de Arte del Fonca. Es
maestro en Composición y Cultura musical
por el London College of Music, University of
West London, así como maestro en Teoría de
la música por el Victoria College of Music and
Drama de Londres. Bajo la tutoría de María
Antonieta Lozano y Víctor Rasgado, estudió la licenciatura en
Composición en el CIEM, donde enseña Composición. Obtuvo la
beca Ibermúsicas 2014-2015; fue residente artístico del Consejo
Nacional de la Cultura de Venezuela en 2006, del Ministerio de
Cultura de Colombia en 2009 y del Conseil des Arts et des Lettres
du Quebec en 2013. Obtuvo el Premio Nacional de Composición
Coral 2005 Conaculta-SNFM, el Premio Nacional de la Juventud
en Artes 2004. En 2005 fue delegado mexicano durante la 52 Tri-
buna Internacional de Compositores de la UNESCO en Viena.

XLV Piano kammerkonzert

Sin lugar a dudas, el Foro Internacional de Música Nueva Manuel En-
ríquez (FIMNME) se ha constituido como el festival de música con-
temporánea de mayor trascendencia y prestigio en Latinoamérica.
Durante más de cuatro décadas, el FIMNME ha realizado un papel
imprescindible en el quehacer musical de nuestro país, al dotar a los
creadores e intérpretes la posibilidad de dar vida a la música de con-
cierto más reciente y al ofrecer al ávido escucha la posibilidad de
acceder a las más variadas experiencias estéticas auditivas. De igual
manera, generaciones de compositores mexicanos han encontrado
en el FIMNME un espacio que les ha brindado voz, al tiempo de po-
tenciar su desarrollo creativo. La composición de esta obra cumple
con un doble propósito, conmemorar la cuadragésima quinta edi-
ción de este magno evento realizado por primera ocasión en 1979; así
como continuar con la escritura de obras dedicadas al estudio de la
espacialización. En gran medida, el esfuerzo creativo de la obra y su
concepción formal, obedecen a una búsqueda obsesiva por encon-
trar diferentes disposiciones escénicas que favorezcan la difusión del
sonido y las ideas musicales en la sala de concierto. Fue comisionada
por la Coordinación Nacional de Música y Ópera del INBAL, está de-
dicada al pianista Gonzalo Gutiérrez y al Ensamble del Cepromusic.

111
 Víctor Zavala (México, 1996)

Originario de Guanajuato. Es egresado de la

carrera de Composición musical por parte de
la Universidad de Guanajuato, y del Taller del
compositor Víctor Ibarra. Sus maestros de pia-
no han sido Pedro Tudon Toledo y Elena Po-
dzharova en Guanajuato, y David Gutiérrez
Ledesma en Salamanca. Ha recibido clases
magistrales de Ana Lara, David Hernández Ramos, José Luis
Hurtado, José Luis Castillo, Daniel D’Adamo, y Philippe Manoury.
Participó en el laboratorio de composición de ecología acústica
impartido por el CEARG dirigido por Tania Rubio, Iván Manzanilla
y Fernando Domínguez. Su música se ha estrenado en festivales
internacionales como El callejón del ruido, el Foro internacional
de Música Nueva Manuel Enríquez y en el aniversario del Cenart.

El primer día de junio

Surge a partir de las nuevas búsquedas del compositor por generar
procesos creativos basados en la intuición y el instinto musical; to-
mando como punto de partida las ideas y gestos musicales prima-
rios, surgidos en el tiempo mismo en que se va construyendo la pie-
za, tratando de crear una atmósfera y sensación de que la pieza está
siendo compuesta en tiempo real, similar a los procesos de improvi-
sación libre y que, posteriormente dichos gestos son refinados me-
diante recursos de orquestación enfocados a explotar la riqueza
acústica y tímbrica proporcionada por nuevas técnicas y posibilida-
des instrumentales particulares de este ensamble.

Ricardo Zohn-Muldoon (México, 1962)

Recibió un doctorado en Composición musi-

cal de la Universidad de Pennsylvania, dónde
estudió con George Crumb. Sus obras han
sido presentadas en los foros Lincoln Center,
Akademie der Schönen Kunste, Aspen Musi-
cal Festival, Festival del Centro Histórico, Fes-
tival A'DEvantgarde, Festival SpazioMusica,
Tanglewood Music Festival, ISCM World Music Days, Gaudeamus
International Music Week, Festival Cervantino, y el Metropolitan
Museum of Art, entre otros. Ha sido distinguido por instituciones
culturales en México, Estados Unidos y Europa, incluyendo: Sis-
tema Nacional de Creadores de Arte, Guggenheim Foundation,
Fromm Foundation, Meet the Composer, INBAL, Instituto Cultu-
ral Domecq y Embajada de Austria (Medalla Mozart), Aaron Co-
pland Fund, Tanglewood Music Center (Omar del Carlo Fellows-

112
hip), Globusklänge (Initiative Neue Musik Berlin), entre otras. Fue
compositor residente en la Camargo Foundation, en Francia, y
en la Fondazione William Walton, en Italia. Es maestro de Com-
posición musical en la Eastman School of Music, en Rochester,
Nueva York.

Irisada de estrellas
Fue escrita a petición de la Sinfónica de Riverside y está compuesta
para soprano, tenor, guitarra concertante y una pequeña orquesta
de cámara. Se trata de una suite de canciones extraídas de mi canta-
ta escénica Comala, una obra nocturna basada en la hermosa novela
Pedro Páramo de Juan Rulfo. Las canciones seleccionadas para la
suite interpretan breves monólogos de Susana San Juan, personaje
trágico central de la novela y de los dos hombres que dicen amarla
pero que, en realidad, la llevan a la locura: su abusivo padre, Bartolo-
mé San Juan y el despiadado Pedro Páramo, enamorado de Susana
desde la infancia. Entre estas canciones se intercalan breves textos
que representan el agua, una imagen recurrente que podría simbo-
lizar la esperanza perdida.

113
 I N T É RPRETES

Cepromusic

El Centro de Experimentación y Producción de Música Contempo-

ránea (Cepromusic), creado en 2012, es un espacio en el que con-
vergen actividades artísticas y académicas en favor de la creación,
desarrollo y difusión de la música contemporánea en México. Ade-
más de sus temporadas regulares en el Palacio de Bellas Artes, el
Ensamble Cepromusic ha realizado ocho giras internacionales
con gran éxito de crítica y público, por Alemania, Colombia, Esco-
cia, España, Inglaterra, Brasil y dos por Estados Unidos; así como
residencias artísticas y académicas en Colombia, España, Estados
Unidos, México y Reino Unido. En 2018, su trayectoria fue recono-
cida con una invitación al Festival de Verano de Darmstadt. El re-
pertorio del ensamble trata de convocar a lo más amplio de la es-
cena actual: de la nueva complejidad a la improvisación o del
macro timbre al código en tiempo real. El Cepromusic ha tenido
residencias y colaboraciones con compositores e intérpretes como
Anna Göckel, Chris Cogburn, Christian Wolff, Dafne Vicente, Irvine
Arditti, James Dillon, John Butcher, Joshua Fineberg, Kaija Saa-
riaho, Katalin Károlyi, Klaus Lang, Peter Ablinger, Sigma Project
Quartet, Susan Platts, Tiffany DuMouchelle, Tony Arnold, UMS‘n
JIP y Ute Wassermann, entre otros. Además de su decidida voca-
ción latinoamericana, el Ensamble Cepromusic es el instrumento
de gran parte de los compositores mexicanos contemporáneos,
habiendo colaborado, encargado, interpretado y grabado a com-
positores nacionales de varias generaciones. El ensamble colabo-
ra habitualmente con otras disciplinas como la fotografía, el video,
el teatro, el cine silente, la danza y la multimedia, y cuenta con tres
producciones discográficas. Desde su creación, el ensamble ha
ejecutado más de 265 conciertos en los que ha interpretado más
de 650 obras y 205 estrenos.

114
José Luis Castillo

Director artístico del Centro de Experimenta-

ción y Producción de Música Contemporánea
(Cepromusic) y director titular de la Orquesta
Filarmónica de Jalisco. Estudió composición,
análisis y dirección de orquesta en Valencia,
Salzburgo, Luxemburgo y París con Manuel
Galduf y Alexander Müllenbach. Radica en
México desde 1997. Fue director artístico del programa académico
de perfeccionamiento musical Instrumenta Oaxaca, coordinador
del ciclo de Música Contemporánea del Festival Internacional
Cervantino, profesor de composición en el Instituto de Cultura de
Guanajuato, director artístico de la Orquesta Sinfónica de la Uni-
versidad de Guanajuato, director artístico de la Orquesta de Cá-
mara de Bellas Artes y director musical de la Camerata de las
Américas. Ha sido reconocido en dos ocasiones por la Unión Mexi-
cana de Críticos de Teatro y Música y premiado en Luxemburgo,
Países Bajos e Italia. Más de setenta orquestas en 25 países y una
discografía de 15 títulos avalan la trayectoria de Castillo quien,
además de ópera, ballet, repertorio camerístico y sinfónico, cuen-
ta con un amplio catálogo de películas silentes con musicaliza-
ción en vivo, más de doscientos estrenos mundiales y cientos de
estrenos en México. Como compositor, sus obras se interpretan en
importantes foros y festivales de música contemporánea. Es pro-
fesor de composición en la Escuela Superior de Música del INBAL
y realiza la edición crítica de las obras de Silvestre Revueltas en
colaboración con Roberto Kolb.

Gonzalo Gutiérrez

Estudió piano bajo la cátedra de Néstor Casta-

ñeda de la Escuela Nacional de Música de la
UNAM y con Ludovica Mosca en Barcelona.
Como solista se ha presentado con las orques-
tas Filarmónica de la Ciudad de México, Sinfó-
nica Nacional, Filarmónica de Sonora, de Cá-
mara de Bellas Artes y Filarmónica de Tokio,
entre otras. Su dominio en música contemporánea le ha permiti-
do realizar el estreno mundial y nacional de numerosas obras y los
compositores Leonardo Coral, Georgina Derbez y Marcela Rodrí-
guez le han dedicado obras. En 2013 dirigió el espectáculo Huey
Mecatl para el Festival de México y para el Aarhus Festuge de Di-
namarca. Como residente del Ensamble Cepromusic se ha pre-
sentado en el Festival Huddersfield en Inglaterra y el Festival de
Darmstadt en Alemania. Además, ha realizado varias giras por
Brasil, Escocia, Colombia, España y Estados Unidos, y se ha pre-

115
 sentado en festivales internacionales como el FIC y el FIMNME en
México; el FMNOVA en España y FIMU en Francia.

Tony Arnold

Es aclamada internacionalmente como una

de las principales exponentes de la música
contemporánea en conciertos y grabaciones,
habiendo estrenado cientos de obras de com-
positores consolidados y emergentes. Tony Ar-
nold ha colaborado con los compositores e
instrumentistas más destacados en música
nueva a nivel mundial. Como soprano del International Contem-
porary Ensemble (ICE), Arnold es catalizadora de decenas de pro-
yectos innovadores. Ha sido invitada como artista destacada en
festivales internacionales en cuatro continentes y se presenta re-
gularmente con ensambles como el JACK Quartet, Orion Quartet,
Ensemble Modern, Talea Ensemble, Chicago Symphony Orches-
tra Music Now, Los Angeles Philharmonic Green Umbrella, y el
Chamber Music Society of Lincoln Center. Con más de treinta dis-
cos en su haber, Tony Arnold ha grabado un amplio segmento del
repertorio vocal moderno con colegas de música de cámara. Ade-
más, el creciente repertorio de música vocal de cámara ahora in-
cluye obras importantes escritas para su voz por Georges Aper-
ghis, Eric Chasalow, Philippe Manoury, Josh Levine, George Crumb,
Pamela Madsen, Fredrick Gifford, David Liptak, Brett Dean, Chris-
topher Theofanidis, Jason Eckardt, Hans Tutschku, Ricardo Zo-
hn-Muldoon, Jesse Jones, Nathan Davis, Carlos Sánchez-Gutiérrez,
John Zorn y David Gompper, entre otros. Tony Arnold se graduó en
Oberlin College y en la Northwestern University. Actualmente es
profesora de la Wellesley Composers Conference; el festival
soundSCAPE de Italia; y en New Music on the Point. Se ha presen-
tado, ha dado conferencias y dictado clases magistrales como invi-
tada en más de 50 universidades de todo el mundo.

James M. Brown

Mantiene una carrera multifacética como te-

nor, director de orquesta y director de escena.
Estudió canto en la Universidad Loyola de
Nueva Orleans, Juilliard School y la Universi-
dad Estatal de Nueva York en Stony Brook. Es
Coordinador de Estudios vocales en la Pacific
Lutheran University de Tacoma y, como direc-
tor del Taller de Ópera de dicha universidad, ha recibido varias be-
cas, entre ellas una Regency Scholarship Grant y una Production
Grant de la Kurt Weill Foundation for Music de Nueva York. Ha sido

116
elogiado por Opera News y Early Music America. Ha cantado con
New York City Opera, New Orleans Opera, Opera Company of Phi-
ladelphia, Bronx Opera, Rogue Opera, Oregón, Chautauqua Ope-
ra, Seattle Early Music Guild, Pacific Musicworks, Skylight Opera
Theatre, Milwaukee, Aspen Opera Theater y The Spoleto Festival
en Italia. Ha cantado papeles bajo la batuta de James Conlon,
John DeMain, Richard Hickox, Julius Rudel y Robert Spano y direc-
tores de música antigua como Rinaldo Alessandrini, Arthur Haas,
Andrew Lawrence King y Stephen Stubbs. Ha presentado nume-
rosos estrenos mundiales en los últimos años, entre los que desta-
can: The Border Between Light and Darkness del compositor
ruso Vladimir Ryabav, The Thief of Love de Sheila Silver (editada en
DVD), The Equilibrists de Jack Beeson y Mercury on the Moon de
Scott McAllister, en Reno, con el Pacific Lutheran University Wind
Ensemble. Como solista de concierto, ha actuado en el Alice Tully
Hall del Lincoln Center, en el Town Hall de Seattle, en el Harris Con-
cert Hall del Festival de Aspen, en el Festival Ravinia de Chicago y
en la Music Academy of the West de Santa Barbara. También ha
actuado como solista en la Universidad Central de Washington,
Pacific MusicWorks y la Sinfónica de Tacoma.

Dieter Hennings

Guitarrista apasionado de diversas áreas de la

música de concierto, desde la música con-
temporánea para guitarra hasta la música an-
tigua en el laúd, guitarra barroca y tiorba. Ha
dedicado gran parte de su trayectoria como
guitarrista a la música contemporánea lati-
noamericana lo cual le ha llevado a colaborar
con compositores como Mario Davidovsky, Carlos Sánchez Gutié-
rrez, Juan Trigos y Ricardo Zohn-Muldoon. En los últimos años ha
ofrecido conciertos en Toronto, Milán, Roma, Ciudad de México y
Nueva York, así como en instituciones académicas y salas de gran
prestigio como el Conservatorio de las Rosas en Morelia, Palacio
de Bellas Artes, Claustro de Sor Juana, Festival Internacional Cer-
vantino, la Universidad de Chicago, Oberlin Conservatory of Mu-
sic, Eastman School of Music, Juilliard School of Music en Nueva
York y el Conservatorio de Nueva Inglaterra en Boston, entre otros.
Ha sido solista con las orquestas do Rio Grande do Norte (Brasil),
Sinfónica de Guanajuato, Sinfónica de Oaxaca, Eastman School
Symphony, Filarmonia de la Universidad de Arizona, Juvenil de
Monterrey, Sinfónica de Lecce (Italia), Sinfónica de la Universidad
de Kentucky y Juvenil de Sonora, entre otras. Ha ganado varios
concursos de guitarra de los cuales cabe destacar el Eastman Gui-
tar Concerto Competition, el Concurso Internacional de Villa de
Petrer, Alicante, categoría juvenil, el Aaron Brock International
Competition de Toronto y el Portland Guitar Competition.

117
 Dieter Hennings ha sido becario del Fonca en el rubro de coin-
versiones culturales, gracias al cual dio una gira de música mexi-
cana por Italia. También ha sido becario del Fondo Estatal para la
Cultura y las Artes de Sonora, del fondo Howard Hanson para la
difusión de música estadunidense , del Undergraduate Research
Grant de la Universidad de Arizona, y del Professinoal Develop-
ment Committee Grant de la Eastman School of Music. En el
área de música barroca Dieter Hennings ha sido parte del en-
samble de música Folger’s Consort, del Kentucky Baroque band
y del Collegium Musicum de Rochester, Nueva York, dirigido por
el laudista Paul O’Dette con el cual ha colaborado en la primera
producción moderna de dos óperas del compositor Francesco
Cavalli: Apolo y Dafne y La virtu de stralli d’amore. Además, ha
acompañado a la famosa soprano de música barroca Ellen Har-
gis y la violinista Monica Huggett. Dieter Hennings es director
del departamento de guitarra clásica de la Universidad de Ken-
tucky, en Lexington.

118
Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Domingo 15 de octubre, 11:30 h

Música mexicana para flauta y guitarra

PROG R A M A

Alexis Aranda
Nyx (2022)* 6’

Ernesto García de León

Suite núm. 2, Op. 44 para flauta y guitarra (1995)* 12’
Preludio
Soliloquio
Son

Gabriela Ortiz
Cinco pa’ dos (1997) 10’
Rítmico
Dialogando
Suave
Jícamo
Rápido

Jorge Ritter
Cygnus para guitarra sola (1998) 11’
Allegro rítmico
Canción de cuna
Son

Erick Tapia
El peso en el aire (2017) 5’
Haiku
Ráfagas de viento

Eduardo Angulo
Tocata para flauta y guitarra (1998) 13’

*Estreno mundial
Obras dedicadas a los intérpretes

Marisa Canales, flauta

Jaime Márquez, guitarra

119
 COM PO SITO RE S

Alexis Aranda (México, 1974)

Sus composiciones han sido interpretadas

por más de treinta orquestas en Europa, Esta-
dos Unidos y América Latina, además de las
orquestas más importantes de México, entre
los solistas que han interpretado su música
están Carlos Prieto, Jorge Federico Osorio, Eva
María Zuk, Guadalupe Parrondo y Marisa Ca-
nales, con quien ha tenido una fructífera colaboración. Sus com-
posiciones han sido interpretadas en algunos de los recintos
más importantes del mundo y ha participado en diversos festi-
vales internacionales tanto en México como en el extranjero. Pa-
ralelo a su catálogo de obras de música de concierto, también ha
compuesto música para cine, televisión, teatro y danza.

Nyx
Dentro del catálogo de obras de Alexis Aranda, hay varios títulos que
hacen referencia a la mitología griega, tales como Thánatos, Mne-
mósine, Khronos y un proyecto con los signos zodiacales. Nyx es la
diosa griega de la noche y esta pieza, es un nocturno con un carácter
melancólico y contemplativo que representa la quietud y tranquili-
dad de la noche. Es un encargo de Marisa Canales y Jaime Márquez,
a quienes está dedicada.

Ernesto García de León (México, 1952)

Estudió Guitarra en la Escuela Nacional de

Música de la UNAM y presentó los exámenes
finales de Guitarra en The Royal School of Mu-
sic en Londres. Es fundador del Premio de Mu-
sicología Casa de las Américas en La Habana.
Ha participado como intérprete y compositor
en los festivales Jornadas de la Guitarra en
Berlín Oriental, Ressegna di Nuova Música en Macerata, Italia, y el
Festival Hispano-Mexicano de Música Contemporánea en Madrid
y México. Ha escrito cerca de ochenta obras que incluyen música
para orquesta, clavecín, cuartetos de cuerda, música de cámara y
guitarra.

120
 Suite núm. 2, Op. 44 para flauta y guitarra
Está suite está basada en piezas de mi autoría escritas anteriormen-
te para una y dos guitarras. En 1995, el guitarrista mexicano Jaime
Márquez, me encargó una obra para flauta y guitarra y me sugirió, en
ese momento, usar los temas de esas tres piezas, que a él le gusta-
ban mucho. Lo pensé y me pareció atractiva la idea y al final me
gustó trabajarlas en una suite para esta dotación. Las piezas usadas
para esta obra son: Preludio y Son núm. 2 Op. 30, para dos guitarras
(1989) y el tercer movimiento, Palmeras, de la Suite Tropical, Op. 17,
para guitarra de ocho cuerdas (1982-84). La obra está dedicada a Ma-
risa Canales y Jaime Márquez.

Gabriela Ortiz (México, 1964)

Nominada al Grammy Latino. Ha recibido en-

cargos de las orquestas Filarmónica de Los Án-
geles, BBC Scottish Symphony, Malmo Sym-
phony, South West Chamber Music y Simón
Bolívar, así como del Kronos Quartet, Cuarteto
Latinoamericano y Ónix Ensamble. Es la pri-
mera compositora mexicana en ingresar como
integrante de número a la Academia de Artes y la primera mexicana
en su especialidad en recibir invitación para la residencia artística de
la Civitella Ranieri Foundation en Italia. Es profesora de tiempo com-
pleto en la Facultad de Música de la UNAM. Su música ha sido publi-
cada por Ediciones Mexicanas de Música, Arla Music y Schott Music.

Cinco pa’ dos

Escrita en 1997 gracias a un encargo de Marisa Canales y Juan Carlos
Laguna, la obra se compone de cinco breves piezas en las que se
exploran diversos aspectos musicales, entre los cuales destaca prin-
cipalmente el uso del ritmo dentro de un contexto de alto virtuosis-
mo para cada uno de los instrumentos. La tercera pieza es la única
realmente contrastante pues es mucho más contemplativa y está
escrita para flauta en sol, aunque también existe la versión para
flauta en do. Una de las características que más llama la atención de
la obra es el uso constante de ritmos irregulares los cuales están
llenos de síncopas. De ahí nace el título de la obra, un juego de pala-
bras que hace referencia al hecho de que las cinco piezas fueron
compuestas para dos instrumentistas (cinco para dos), lo cual a su
vez significa que ambos intérpretes se encuentran en síncopa (sin-
copados).

121
 Jorge Ritter (México, 1957)

Nació en la Ciudad de México. Estudió compo­

sición en el Conservatorio Nacional de Música,
con Mario Lavista y Daniel Catán. Sus obras han
sido ejecutadas y grabadas en varios países de
Europa, Estados Unidos, Japón y México, por
orquestas como la de la Radio de Irlanda, del
Estado de México, Sinfónica Carlos Chávez,
Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional, de Cámara de Bellas
Artes; el Cuarteto Latinoamericano, el Cuarteto de Cuerdas José
White, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, y solistas
como Juan Carlos Laguna, Marco Antonio Anguiano, Adam Ho-
llzman, Roberto Limón, Jaime Márquez, Robert Guthrie, Norio
Sato y Wendy Holdaway. Es miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte. Además de obra orquestal y de cámara, cuen-
ta con una extensa obra para guitarra.

Cygnus
Fue escrita en 1998 y dedicada al guitarrista Marco Antonio Anguia-
no. Si bien el título puede hacer referencia a la constelación del mis-
mo nombre, no existe una relación programática entre ellas, Ritter
tomó el nombre por la simple musicalidad de la palabra. El primer
movimiento, Allegro rítmico, tiene una clara influencia de la música
latina con un sorpresivo final en el estilo del jazz. El segundo movi-
miento, Canción de cuna, hace referencia al bossa nova con una cla-
ra referencia del blues y a la técnica de la guitarra de jazz. El tercer
movimiento, Son, es un rondó que tiene una gran fuerza y energía
que contrasta con episodios de gran expresividad.

Erick Tapia (México, 1991)

Inició sus estudios en la Facultad de Música

de la UNAM, bajo la tutela de Leonardo Coral,
Gabriela Ortiz y Francisco Cortés Álvarez. Ha
recibido una beca de la Cátedra Extraordina-
ria Arturo Márquez en 2019 y su inclusión en
el programa Jóvenes Creadores del Fonca en
2020. Además, obtuvo el primer lugar en el
Concurso Nacional de Composición #EstarMejor 2020, y la beca
Emerging Composers Fellowship 2021-2022 en Houston. Su obra
se ha interpretado en Estados Unidos, Costa Rica, Colombia, Chi-
na y Finlandia. En 2021 tuvo el honor de ser el primer mexicano
seleccionado para interpretar una obra en el Foro Internacional
de la Alianza de Educación Musical del Conservatorio Central de
Música de Beijing. Sus composiciones han sido ejecutadas por

122
las orquestas Sinfónica Nacional, Filarmónica de Jalisco y Juvenil
Eduardo Mata de la UNAM.

El peso en el aire
Haiku está inspirado en la obra del compositor Toru Takemitsu, su
estructura e ideología tienen que ver con los poemas haiku en cuan-
to al uso de pequeños elementos motívicos y a su forma corta. Ráfa-
gas de viento está inspirado en el bosque de Arashiyama ubicado en
la ciudad de Kioto en Japón, en el sonido que el aire produce al cho-
que con los bambús, en sus ráfagas.

Eduardo Angulo (México, 1954)

Originario de Puebla. Comenzó su formación

musical a los siete años en el Conservatorio
Nacional de Música, donde estudió violín con
Vladimir Vulfman y se graduó en 1973; ese
mismo año, el Gobierno de Países Bajos, en
colaboración con el Ministerio Neerlandés de
Cultura, le otorgó una beca para hacer un
posgrado en Violín y Composición en el Conservatorio Real de La
Haya. Entre sus obras destacan la música sinfónica, música de cá-
mara, piezas corales, así como conciertos para piano, arpa, clavecín,
viola, guitarra y flauta. En 1994 estrenó su Concierto para viola
con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo
León, en donde participó como solista. Su obra Dos plegarias
recibió una mención honorífica en el Segundo Concurso Inter-
nacional de Composición Alberto Ginastera en Buenos Aires.

Tocata para flauta y guitarra

Compuesta en 1998, esta obra, escrita con una sola C por el composi-
tor mismo, fue comisionada por y dedicada al guitarrista Andrés Li-
ceaga quien también la estrenó. La toccata como forma musical
data del siglo XVI y aunque no tiene una estructura definida siempre
tiene un estilo improvisatorio y sumamente brillante. La obra de An-
gulo consta de tres grandes secciones en las que a su vez hallamos
numerosos cambios de compás y de tiempo. El discurso melódico es
a menudo interrumpido por pasajes virtuosos de escalas, arpegios y
progresiones armónicas que representan un reto técnico y de en-
samble para ambos instrumentos, es sin duda una obra de gran luci-
miento para ambos intérpretes.

123
 I N T É RPRETES

Marisa Canales

Obtuvo la licenciatura (Magna Cum Laude)

en la Universidad de las Artes de Filadelfia y
más tarde, estudió el posgrado en el Conser-
vatorio de Versalles donde obtuvo medallas
de oro tanto en Flauta como en Música de cá-
mara. Fundó en 1995 el sello discográf ico
Urtext Digital Classics cuyo catálogo incluye
más de trescientos títulos y se distribuye en todo el mundo. Re-
cibió una nominación al Grammy Latino por Mejor álbum clásico
en la categoría de productora musical. En 2020 creó el Primer
Festival Urtext. En 2023 Miguel Ángel Villanueva, creador del
Concurso Nacional de Flauta, le entregó en la final una medalla
como reconocimiento a su ardua labor por la promoción de la
música y los músicos de México y Latinoamérica. Entusiasta pro-
motora de la música nueva, ha comisionado y estrenado cerca
de cincuenta obras para su instrumento, incluyendo flauta y or-
questa, así como obras de cámara. Le han dedicado obra Lalo
Schifrin, Samuel Zyman, Arturo Márquez, Eugenio Toussaint, Ma-
nuel Enríquez, Ian Krouse, Gabriela Ortiz, Abraham Barrera, Alexis
Aranda, Eduardo Angulo, Guillermo Diego, Julio César Oliva, Ar-
mando Luna, Leonardo Coral, Eduardo Gamboa, Lucía Álvarez,
Andrés Posadas y François Daudin Clavaud, entre otros. Se ha
presentado con las principales orquestas sinfónicas, filarmóni-
cas y de cámara en México, España, Alemania, Francia y Estados
Unidos, y ha participado en diversos festivales internacionales en
México y el extranjero.

Jaime Márquez

Estudió con Ramón Donadío y Enrique Velas-

co, y en España con José Tomás y José Luis
González. Obtuvo el título superior de Guita-
rra del Real Conservatorio Superior de Músi-
ca de Madrid y el Diploma de virtuosismo de
la Schola Cantorum de París. Ha participado
en cursos de perfeccionamiento con José
Luis Rodrigo, Oscar Ghiglia, Manuel Barrueco y Andrés Segovia.
Compositores como Manuel Enríquez, Joaquín Gutiérrez Heras,
Leonardo Velázquez, Manuel de Elías, Francisco Núñez, Jorge
Córdoba, Eugenio Toussaint, Alexis Aranda, Jorge Ritter, Ernesto
García de León, Julio César Oliva, José Luis Martínez, Guillermo
González Phillips, Orlando García, Gabriela Ortiz, Enrico Chapela,

124
Javier Álvarez y Samuel Zyman, le han dedicado su obra. Su dis-
cografía incluye la grabación del Concierto para dos guitarras y
orquesta, obra dedicada a él, de Manuel Enríquez, el CD Cuando
Dos al lado de la mezzosoprano Encarnación Vázquez, un disco
con música italiana para flauta y guitarra con el flautista Raúl
Falcó, la grabación del Concierto para guitarra y orquesta de Eu-
genio Toussaint, también dedicado a él, y por la cual fue nomina-
do al Grammy Latino 2001 como Mejor álbum clásico del año, y
su participación en el disco Fragmentos del Pasado con música
de Orlando García al lado del Cuarteto Latinoamericano. En 2014
estrenó la Suite para dos guitarras y dos violonchelos de Samuel
Zyman con Antonio López, Carlos Prieto y Yo-Yo Ma. Es profesor
de guitarra en la Escuela Superior de Música del INBAL.

125
 El Colegio Nacional
Domingo 15 de octubre, 13:00 h

Herencias
PROG R A M A

Carlos Chávez
Preludio núm. 1
Preludio núm. 5
Preludio núm. 9

Mario Lavista
Simurg

Armando Luna
TrAveSuRas, Op. 9
Allegro
Allegro
Vivace

Gabriela Ortiz
Patios serenos

Pedro Pablo Núñez

Cuatro piezas para piano

Francisco Cortés
Canicas e Ilusiones

Santiago Piñeirúa, piano

CONCERTISTA DE BELLAS ARTES

126
COM PO SITO RE S

Carlos Chávez (México, 1899-1978)

Nació en la Ciudad de México. Renombrado

compositor, director y educador. Su obra in-
cluye cinco ballets, siete sinfonías, cuatro con-
ciertos, una cantata, una ópera e innumera-
bles piezas para voz, piano y ensambles de
cámara. Es autor de dos libros y de más de
doscientos artículos sobre música. Sus inves-
tigaciones sobre las culturas indígenas y elementos y danzas nati-
vas le dieron vigor y visibilidad a la música mexicana del siglo XX.
Maestro de la orquestación que integró los instrumentos nativos
con polirritmos, síncopas y métricas irregulares a la estructura de
la obra. Impartió clases en Harvard; fue director del Conservatorio
Nacional de Música de México y director de la Orquesta Sinfónica
Nacional. Fue hecho miembro honorario de la American Aca-
demy of Arts and Sciences y del American Institute of Arts and
Letters.

Preludios núm. 1, 5 y 9
Tras una temporada en Nueva York, el compositor mexicano Carlos
Chávez escribió los Diez Preludios en 1937, dos años después de com-
poner su Sinfonía India.

Mario Lavista (México, 1943-2021)

Estudió composición en el Conservatorio Na-

cional de Música (CNM). Fue becado por el Go-
bierno francés para estudiar con Jean-Étienne
Marie en la Schola Cantorum de París y con
Henri Pousseur; fue alumno de Karlheinz Stock­
hausen en Alemania. Fundó en 1970 el grupo
de improvisación Quanta, interesado en la crea­
ción-interpretación simultánea y la electroacústica. Le fue conce-
dida una beca de la Fundación Guggenheim para componer su
ópera Aura. Fue nombrado miembro de la Academia de Artes. Mas
adelante recibió la Medalla Mozart e ingresó a El Colegio Nacional
de México. En estrecha colaboración con algunos instrumentistas
exploró e investigó las nuevas posibilidades técnicas y expresivas
que ofrecen los instrumentos tradicionales. Dictó cursos y semi-
narios en universidades de Estados Unidos y Canadá. Tuvo a su
cargo la cátedra de Composición, análisis y lenguaje musical del
siglo XX en el CNM. Fue fundador y director de la revista Pauta.

127
 Simurg
El Simorg, el Rey de los pájaros, es un ave de la mitología persa cuyo
aspecto representa la síntesis de los cuatro elementos: tiene atribu-
tos de ave, de pez, lanza fuego como dragón y tiene patas por las que
se mueve en la tierra. En El coloquio de los pájaros, libro escrito por el
místico persa Farid al Din Attar alrededor del siglo XII, se narra cómo
treinta mil aves atravesaron siete valles para visitar al rey pájaro. So-
bre la mitología en torno a esta ave, Mario Lavista compuso Simurg
para piano en 1980. En relación a ella, nos dice Lavista: “Lo que hice
musicalmente en Simurg fue inventar un sistema armónico que, si
uno lo usa mecánicamente, si hay una estrategia al principio, al final
de la obra se da uno cuenta de que hay que regresar al principio. Es
una forma circular. Eso me lo dio la armonía que en ese momento
estaba utilizando. Generalmente, la armonía tradicional se mueve de
izquierda a derecha, siempre termina en la cadencia y acaba en la
obra. Yo quería algo que no terminara, que simplemente se separara,
que ‘la’ última nota que se oye pudiese ser llevada al principio de la
obra, de hacer una forma circular”.

Armando Luna (México, 1964-2015)

Originario de Chihuahua. Comenzó su forma-

ción con Juan Manuel Medina Díaz. En 1980
ingresó al Conservatorio Nacional de Música
como discípulo de Salvador Jiménez y Gonza-
lo Ruiz. En 1984 entró al Taller de composición
con Mario Lavista. En 1989 cursó la maestría en
Composición guiado por Leonardo Balada,
con una beca de la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh.
Fue compositor residente de la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez
y la Orquesta Sinfónica Nacional. Fue titular en cátedras de Com-
posición, Análisis, Armonía e Instrumentación del Conservatorio
Nacional de Música y el Conservatorio del Estado de México, así
como integrante del Sistema Nacional de Creadores de México.

128
TrAveSuRas, Op. 9
Sin ser una excepción al frecuente uso de recursos humorísticos en
la obra de Luna, esta pieza es un ejemplo más de la genialidad del
compositor para hacer sonar su producción de forma ingeniosa-
mente original a través del empleo tradicional de los elementos más
básicos de la música. Esta pieza, rara vez tocada, y, al parecer, nunca
antes grabada de manera formal, resume de manera breve el arte de
este gran compositor chihuahuense, quien se distingue por su vivaz
ritmo y texturas colorísticas. TrAveSuRaS op. 9 (alternando mayúscu-
las y minúsculas en su título, probablemente sin ninguna razón en
particular más allá de crear confusión por diversión personal) es una
pieza para piano que consta de tres movimientos muy breves de
gran complejidad y virtuosismo. El elemento unificador de los tres
movimientos es, en esencia, construir una infinidad de texturas e
ideas musicales sobre un ostinato (del italiano obstinado, que signi-
fica una idea rítmica que se repite insistentemente durante una pie-
za o un pasaje en particular), y mediante el cual abastece al oyente
de la estabilidad de un pulso que se ve constantemente alterado por
un contrapunto que va desplazando los acentos naturales de las fi-
guras hacia tiempos inesperados. El primer movimiento presenta el
ostinato en 7/8, ritmo irregular, con una idea en semicorcheas que
permanece de principio a fin. El contrapunto se presenta tanto en la
voz superior como en la inferior, lo cual explora un sinnúmero de
posibilidades rítmicas y armónicas que dan estructura a los temas.
En el segundo movimiento el ostinato es más simple y con un com-
pás mucho más regular: 6/8; sin embargo, a través de agrupaciones
irregulares, articulaciones, acentos y dinámicas consigue romper el
rigor del compás para dar mucha variedad y riqueza a la textura de la
música. El último movimiento es el más largo de los tres; el ostinato
sobre el cual está basado alterna un compás de 5/8 y uno de 3/4 du-
rante todo el movimiento, con excepción de una breve sección inter-
media. El contrapunto con el cual trabaja Luna explora distintas téc-
nicas de composición mucho más antiguas, como mostrar un tema
y luego invertirlo o utilizar patrones de intervalos que después se
presenten con diferentes ritmos. Esta obra es, sin duda, una breve
muestra del gran genio de Armando Luna.
Santiago Piñeirúa

129
 Gabriela Ortiz (México, 1964)

Nominada al Grammy Latino. Ha recibido en-

cargos de las orquestas Filarmónica de Los Án-
geles, BBC Scottish Symphony, Malmo Sym-
phony, South West Chamber Music y Simón
Bolívar, así como del Kronos Quartet, Cuarte-
to Latinoamericano y Ónix Ensamble. Es la
primera compositora mexicana en ingresar
como integrante de número a la Academia de Artes y la primera
mexicana en su especialidad en recibir invitación para la resi-
dencia artística de la Civitella Ranieri Foundation en Italia. Es
profesora de tiempo completo en la Facultad de Música de la
UNAM. Su música ha sido publicada por Ediciones Mexicanas de
Música, Arla Music y Schott Music.

Patios serenos
“La serenidad es el más grande y único antídoto contra la angustia y
el temor, y hoy en día, más que nunca, es el deber del arquitecto ha-
cer de ella un invitado permanente en el hogar”, aseguró el arquitec-
to Luis Barragán para quien “la gran arquitectura expresa alegría
silenciosa y serena”. Inspirada en la quietud propia de la arquitectura
de Barragán, Gabriela Ortiz compuso en 1986 Patios serenos, una de
sus primeras obras.

Pedro Pablo Núñez (México, 1996)

Cursó estudios de música con José Luis Agua-

yo en el Instituto Aguayo de Educación Mu-
sical. Estudió la licenciatura en Música e In-
novación en la Escuela de Bellas Artes de la
Universidad Panamericana, con Francisco Cor-
tés Álvarez y bajo la tutela de Mario Lavista. Ha
tomado clases maestras con Samuel Zyman,
Gabriela Ortiz, Mario Lavista y Javier Álvarez. Su música ha sido
interpretada y grabada por los pianistas Santiago Piñeirúa y Ana
Paula Rojo Muro, y figura en el proyecto discográfico México Ac-
tual del Fonca. Desde 2018 compone en colaboración con Rayue-
la, colectivo de compositores e intérpretes del que es miembro
fundador y flautista. En la Universidad Panamericana ha impar-
tido materias en las licenciaturas de la Escuela de Comunica-
ción, así como en la Escuela de Bellas Artes.

130
 Cuatro piezas para piano
Me llevaron a escribir estas piezas las inesperadas virtudes de los lí-
mites. Y digo inesperadas porque, cuando uno es ingenuo y pregona
la espontaneidad sin entenderla del todo, uno suele rechazar los lí-
mites por creer en libertades sin fondo. Escribir estas cuatro piezas
para piano me ha enseñado no sólo que no existe relación alguna
entre el límite y la incapacidad creativa, sino también que el primero
pertenece también a esa inteligencia o juego fascinante que llama-
mos creatividad. ¿Y cuáles son esos límites? La primera pieza figura
una sola nota desplegada en los distintos registros del piano; la se-
gunda es un juego de colores sobre un solo tipo de acorde; la tercera
utiliza un modo que (seguramente no) inventé yo, mientras que la
cuarta fue compuesta sobre la escala octatónica. Estos límites me
exigieron, me permitieron divertirme con otros elementos de la mú-
sica. Y así, los límites se transformaron en posibilidades.

Francisco Cortés (México, 1983)

Cursó la licenciatura en Composición musi-

cal en la UNAM donde recibió la medalla Ga-
bino Barreda y la maestría y doctorado en
Música en la Universidad de Indiana (IU) don-
de obtuvo el Dean’s Prize. Fue maestro ad-
junto y director del Latin American Music En-
semble en la IU. Es maestro y fundador del
programa en Composición musical de la Escuela de Bellas Artes
de la Universidad Panamericana, profesor de carrera en la Facul-
tad de Música de la UNAM y becario del Programa Jóvenes Crea-
dores de Fonca. Ganó los premios Morton Gould Composition
Award (ASCAP) y Jacob Druckman Orchestal Composition Award.
Su música se ha escuchado en América, Europa, África y Asia.

Canicas e Ilusiones
Del Proyecto Discográfico de Música Contemporánea Mexicana que
emprendió Santiago Piñeirúa con el apoyo del Fonca, surgió el álbum
México actual. Este programa integra dos de las obras que confor-
man dicho álbum. Canicas e ilusiones de Cortés-Álvarez, tuvo su es-
treno mundial en julio de 2022 en el Salón de Recepciones del Museo
Nacional de Arte. Esta obra está inspirada en el dinamismo del juego
de canicas y tablero que suele montarse en las ferias populares.

131
 I N T É RPRETE

Santiago Piñeirúa

Ingresó a Concertistas de Bellas Artes en 2010.

Se ha presentado en Estados Unidos, Espa-
ña, Francia, Inglaterra, Italia, Austria, Repúbli­
ca Checa, Hungría, Chile, Uruguay, Argentina,
Argelia y Túnez. Ha tenido conciertos con Brian
Lewis, Manuel Ramos, Zulyamir Lopezríos,
Rosa María Diez, Mauricio Náder, Elizabeth
Means, Juan Pablo Horcasitas y Carlos Prieto. Ha sido becario del
Fonca y obtuvo el estímulo el Premio Nacional de la Juventud
en 2011 y ha sido galardonado en diversos concursos nacionales
e internacionales. Estudió con Mauricio Náder y en 2002 inició
sus estudios de licenciatura en la Manhattan School of Music de
Nueva York con Nina Svetlanova. Obtuvo el título de Bachelor of
Music; más tarde terminó la maestría, becado en dicha institu-
ción, bajo la tutela de Horacio Gutiérrez y Nina Svetlanova. Es
profesor de piano en la Universidad Panamericana.

132
Museo Universitario Arte Contemporáneo
Domingo 15 de octubre, 13:30 h

Marimba microtonal
PROG R A M A

Iván Cipactli Hernández

Improvisación núm. 1
para marimba en cuartos de tono y vibráfono (2010) 5’

Vytautas Germanavicius
Continental Sundown
para marimba en cuartos de tono y vibráfono (2021) 5’

Agustín Castilla-Ávila
Canto de la huida para marimba
en cuartos de tono (2019) 5’

Iván Cipactli Hernández

Amaneceres (Sunrises) (2017) 5’

Nicola Visali
Qidra para marimba en cuartos de tono (2019) 4’
Niquitoa para marimba en cuartos de tono
y vibráfono (2019) 5’

Iván Cipactli Hernández

Pakal para marimba en cuartos de tono,
marimba de 5 octavas cromática y vibráfono (2019) 12’

Iván Cipactli Hernández, marimbas y vibráfono

133
 COM PO SITO RE S

Iván Cipactli Hernández (México)

Estudió en la Universidad de Ciencias y Artes

de Chiapas y en la Facultad de Música de la
UNAM con Jesús Morales, Israel Moreno y Ga-
briela Jiménez. Tomó un curso de composi-
ción con Hans Tutschku y fue becario de la
Microtonal University, modalidad virtual, con
Johnny Reinhard. Asistió a clases magistrales
con Keiko Abe, Bogdan Macanu, Vasilena Serafimova, Emicko
Uchiyama. Ha sido becario del Fonca en 2009 y 2017. Fue solista
con la OFUNAM, percusionista y marimbista de la Camerata de
las Américas, la Marimba Nandayapa, el Mario Nandayapa Quar-
tet y la Marimba de los Hermanos Aquino, además de tocar al
lado de William Anderson, Agustín Castilla, Juan Carlos Laguna y
Marisa Canales, entre otros. Se ha presentado como concertista y
conferencista en los festivales Lisboa DME 2019, Microtone Sym-
posium Small is beautiful en Salzburgo, Austria, en 2017, 2019 y
2021, IGEM Salzburgo 2018, Microfest Croacia 2019 y Microfest Li-
tuania 2021. Es miembro de la Ekmelic Music Society de Salzburgo.

Improvisación núm. 1
Esta pieza se estrenó en 2010 en la Ciudad de México en la sala Carlos
Chávez. Es una obra donde se mezcla el sistema de 12 sonidos de la
escala cromática con el de 24 sonidos; el vibráfono tiene acordes que
funcionan como un pedal con el acorde C E F # A # y la marimba de
cuartos de tono se mantiene con melodías al unísono, con la voz bus-
cando recordar algunos pasajes del compositor microtonal mexica-
no Julián Carrillo. El timbre también se experimenta con instrumen-
tos de percusión, como gongs y platillos chinos. Esta pieza permite la
libre experimentación y búsqueda de sonoridades y armonías.

Amaneceres (Sunrises)
Esta pieza de improvisación y técnica extendida permite una explo-
ración del instrumento, no sólo en cuartos de tono, sino con todo
tipo de posibilidades percusivas. En los cajones también se explora el
timbre utilizando baquetas que normalmente se usan con tambo-
res. Esta obra se estrenó en Salzburgo, en la Universidad Mozarteum,
durante el Simposio Small is Beautiful 2017.

134
 Pakal
Inspirada en el mítico rey Pakal de la cultura maya al sur de Chiapas,
es un homenaje a los conocimientos astronómicos y cosmogonía
que tuvieron los mayas tanto en las matemáticas como en el conoci-
miento arquitectónico, y que nos deja el cuestionamiento y ejemplo
de las catástrofes en las civilizaciones antiguas. La obra tiene una
atmósfera de los sonidos producidos con radiotelescopios, con silba-
tos prehispánicos marimba en cuartos de tono, vibráfono y marimba
cromática de 5 octavas y otras percusiones, en la obra se mantiene
una improvisación con ciertos patrones establecidos haciendo un
discurso con todos los instrumentos y la instalación sonora.

Vytautas Germanavicius (Lituania, 1969)

Compositor lituano que estudió en Vilnius,

Dartington y San Francisco. Sus profesores in-
cluyen a Julius Juzeliknas, Osvaldas Balakaus-
kas, Jonathan Harvey y Alvin Curran. Recibió la
beca UNESCO-Aschberg para residencia en el
Centro de las Artes de Banff, Canadá, en 2000,
así como becas del Open Society Fund Li-
tuania para participar en proyectos multiculturales en Ucrania,
Moldavia, Mongolia y China. En 2007 presentó una conferencia
titulada Interacción en tiempo real con la computadora en el
rendimiento, en el Asia Pacific Festival & Conference en Welling-
ton, Nueva Zelanda. Recibió el premio del concurso anual a la me-
jor composición de la Unión de Compositores de Lituania por Geo-
metría submarina para saxofón y orquesta en 2016.

Continental Sundown
Esta composición se basa en las escalas de las sutartinas, canciones
tradicionales lituanas, en varias partes, a través de la identificación
de su estructura interna, de tres canciones en varias partes se eligió:
G+ A B C; -F# GA C+1/4; -F# SOL -A -B -C. Los microtonos de las sutar-
tinas se integraron en una escala de 17 sonidos. Sin embargo, dada la
especificidad del instrumento, todos los microtonos han sido reem-
plazados por cuartos de tono. El título transmite el concepto y el sig-
nificado de las obras de Oswald Spengler cuya transformación se
siente y se ve especialmente en la cultura occidental contemporá-
nea. El ritmo tranquilo y palpitante de la composición crea proyec-
ciones de sonidos que cambian linealmente, como si reflejaran las
reminiscencias de tiempos pasados ​​y la puesta del sol del continente
que se desvanece gradualmente. Esta obra fue comisionada por y
estrenada en el Microfest en Lituania en 2021.

135
 Agustín Castilla Ávila (España, 1974)

Nació en Jerez de la Frontera. Estudió guita-

rra en el Conservatorio Superior de Sevilla con
Josefina Calero, el London College of Music
con Carlos Bonell, la Guildhall School of Music
con Robert Brightmore, el Mozarteum de
Salzburgo con Isabel Siewers y en la Arizona
State University con Frank Koonce. Estudió
composición en el Mozarteum con Adriana Hölzsky y Reinhard
Febel y en el Conservatorio de Luxemburgo con Alexander Mu-
llenbach. Asistió a clases magistrales de composición con S. Scia-
rrino, C. Halffter, T. Marco, A. Posadas, K. Schwertsik, D. Schnebel,
J. Taipainen y J. Tiensuu, entre otros. Fue vicepresidente de la In-
ternationale Gesellschaft für Ekmelische Musik y director del
simposio Mikrotöne: Small is beautiful 2017. Ha publicado para
Doblinger Verlag, Joachim Trekel, Verlag Neue Musik, Da Vinci
Editions y Bergmann Edition. Su música ha sido grabada en 12
discos. Sus obras se extienden desde solo a orquesta, incluyendo
coreografías, obras para coro, obras de teatro y cinco óperas de
cámara.

Canto de la huida
La obra comienza con una introducción y un tema rítmico utilizando
motivos rítmicos de la música tradicional, con tiempos compuestos,
melodía que recuerda pasajes sinfónicos utilizados a la marimba con
lenguaje idiomático propio para la marimba en cuartos de tono. Será
una gran referencia en la escritura en cuartos de tono en un solo
pentagrama con el sistema Skinner, implica un estudio de las nuevas
alteraciones que presentan nuevas dificultades para la ejecución de
acordes y melodías y también un estudio de la técnica nuevas armo-
nías y melodías que nos recuerdan al estilo makam, escalas en cuar-
tos de tono utilizadas en los instrumentos árabes. La obra basada en
el poema del rey azteca Nezahualcóyotl, nos permite meditar sobre
este mítico personaje cuyo pensamiento y concepto de la vida y la
muerte sigue presente hasta nuestros días. Estrenada en el IGEM
Festival Salzburgo en 2019.

136
Nicola Visali (Italia, 1968)

A los 18 años empezó a componer de forma

sistemática. En composición es autodidacta.
Sin embargo, asistió a los cursos de verano en
la Academia Chigiana impartidos por Dona-
toni, y al proyecto Toys en Módena bajo la di-
rección de Adriano Guarnieri y Alvise Vidolin.
Desde 2004 colabora activamente con Ostap
Shutko, con grabaciones de sus obras y estrenos mundiales en
festivales de música contemporánea en Ucrania. Desde 2009
está asociado al Centro de Música Contemporánea de Milán.
Fue compositor residente de la Orquesta Júpiter de Brianza.
Desde hace varios años su actividad de investigación musical
se dirige hacia la música microtonal, en una fase inicial dirigida
a instrumentos de la tradición occidental pero ahora también
dirigida a nuevos instrumentos de culturas no occidentales y a
sonidos de síntesis.

Qidra
Dentro de las piezas, Visali tiene dos líneas con movimientos inde-
pendientes y resoluciones en dos cromáticas, una en cuartos escrita
en un pentagrama arriba y el pentagrama abajo representa el tecla-
do templado; una obra virtuosa donde la independencia de las voces
hace que sea difícil de abordar; está realizada con las formas para
este instrumento y tiene un bicromatismo por llamarlo de alguna
manera ya que las dos voces no resuelven por grados conjuntos en
cuartos de tono.

Niquitoa
Pieza basada en el poema de Nezahualcóyotl. Esta obra concibe al in-
térprete no solo como músico sino como narrador, actor, filósofo y bai-
larín en un solo intérprete. Es una pieza que exige otras habilidades que
no son puramente musicales, como agregar un texto del poema en
náhuatl y español; frases hechas sobre el texto original. El dramatismo
del poema que cuestiona la vida y la muerte como en casi todos sus
poemas, logra permanecer en la conciencia del mundo actual. Tam-
bién se representa una dualidad en dos instrumentos, el náhuatl en la
parte de la marimba en cuartos y el español en la parte del vibráfono, es
sin duda una referencia del trabajo realizado para este instrumento y
otros, formando un conjunto de multipercusión o multiteclado.

I N T É RPRETE

Iván Cipactli
Ver página 134

137
 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Domingo 15 de octubre, 18:00 h

Allende nuestro mar

Voces de México, Cuba y Trinidad y Tobago

Recital de solistas
PROG R A M A

Bárbara Llanes
Tres canciones para soprano y viola (2017)
He dormido el amor
Quién pudiera como el río
No te nombro
Texto de Dulce María Loynaz

Barbara Llanes, soprano

Matthew Schubring, viola

Cuatro canciones para soprano, flauta y piano (2022)

Todo está en calma
En la blancura de la sal
Ay, amor, que duermes en mi regazo
Dónde dejé mi abanico
Texto de Bárbara Llanes

Bárbara Llanes, soprano

Rafael Urrusti, flauta; José Luis González, piano

Dominique Le Gendre
Tongoy Triptych (Tríptico de Tongoy) para dos guitarras (2020)
Tongoy Sea (El mar de Tongoy)
Tololo Sky (El cielo de Tololo)
Elqui, Earth (Elqui, Tierra)

Morgan Szymanski - Marina Tomei, guitarras

138
Cuatro canciones
Agua, ¿dónde vas? (1998)
Texto de Federico García Lorca

Cynthia Sánchez, soprano

4 Arms, 2 Necks (1999)

Anónimo del siglo XVI

Karla Muñoz, soprano

In my own Home (1999)

Texto de Dominique Le Gendre

Julietta Beas, mezzosoprano

Song of Orpheus (2020)

Texto de William Shakespeare

Frida Portillo, mezzosoprano

José Luis González, piano

Ana Lara
8 haikus (2000)
I. Otoño asoma, cae la lluvia contra lluvia, hoja tras hoja
(Kyorai)
II. El rocío se va…Este mundo es rocío fresco y fugaz (Issa)
III. Noche estival: de nueve en nube, rauda la luna va (Ranko)
IV. Invierno yerto: el mundo es de un color y suena el viento
(Basho)
V. Bruma en la tarde: acuden los recuerdos de días
distantes (Kito)
VI. Hierba de estío: sueño de mil guerreros de tiempos idos
(Basho)
VII. ¡ Oh! ¡ Cuán extraño despertar en tu casa un día de mayo!
(Basho)
VIII. Viento de invierno, en el rugir del mar encuentras eco
(Gonsui)

Morgan Szymanski - Marina Tomei, guitarras

139
 Epitafios y otras muertes
I. Don Quijote
II. De la dulce mi enemiga
III. Epitafio
IV. Dulcinea
V. Sancho Panza

Alberto Albarrán (I y IV), Vladimir Rueda (II y III),

Jehú Sánchez (IV), barítonos
José Luis González, piano

Solistas del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Carlos Aransay, director artístico

Barbara Llanes, soprano

Matthew Schubring, viola
Rafael Urrusti, flauta
Morgan Szymanski, guitarra
Marina Tomei, guitarra
José Luis González, piano

140
COM PO SITO RA S

Bárbara Llanes (Cuba, 1970)

Es una de las sopranos líricas cubanas más

reconocidas. Ha conquistado varios premios
en certámenes de alto nivel, entre ellos, los
concursos nacionales de canto Alejandro
García Caturla en La Habana y el Rodrigo
Prats en Holguín, además del Concurso Ibe-
roamericano de Canto en México, el Interna-
cional de Canto de Trujillo en Perú y el Bidu Sayão, en Brasil. En
Cuba ha interpretado importantes óperas; realiza conciertos y
giras nacionales e internacionales con la Orquesta Sinfónica Na-
cional; ha ofrecido conciertos en festivales internacionales de
música. Paralelamente a su carrera como cantante, ha escrito
música para cine y teatro. Ha grabado varios discos, entre ellos
Amor y dolor con el pianista cubano Frank Fernández y La misa
cubana de la Caridad del Cobre e Iré Habana con el compositor
y pianista José María Vitier.

Dominique Le Gendre (Trinidad y Tobago, 1960)

Estudió guitarra clásica en París con Ramón

de Herrera, al mismo tiempo que componía
música para películas experimentales. Vive en
Londres desde hace 30 años, su trayectoria
musical abarca performance, composición,
dirección musical, docencia, curaduría y pro-
ducción de eventos musicales. Ha compuesto
música para teatro, danza, instalaciones, cine, radio y televisión.
Escribió y produjo la música para las 38 obras de teatro de Shakes-
peare grabadas en la colección The Complete Arkangel Shakes-
peare, dirigida por Clive Brill. Fue artista asociada de la Royal Ope-
ra House, institución que le comisionó la ópera Bird of Night. Sus
piezas de cámara han sido comisionadas e interpretadas por en-
sambles y orquestas como The Royal Opera House chamber so-
loists, Philharmonia Orchestra, Manning Camerata, Lontano Or-
chestra, Tête-a-tête Opera, Ibis Ensemble, Metamorphosis Dance,
Ensemble du Monde y Calabash Foundation for the Arts. Es direc-
tora artística de Strong Back Productions, una asociación cuya vi-
sión es lograr una Inglaterra culturalmente vibrante que se inspire
en su rica diversidad histórica y cultural con el Caribe.

141
 Ana Lara (México, 1959)

Su música ha sido ejecutada en gran parte

del mundo e incluye principalmente obra para
escena, orquesta y de cámara. Estudió com-
posición en el Conservatorio Nacional con Da-
niel Catán y Mario Lavista, y asistió al taller de
composición de Federico Ibarra en el Cenidim.
Realizó estudios de posgrado en Composi-
ción en la Academia de Música F. Chopin en Varsovia, y la maes-
tría en Etnomusicología en la Universidad de Maryland, Estados
Unidos. Ha sido miembro de la mesa directiva de la Sociedad
Internacional para la Música Contemporánea, compositora resi-
dente de la Orquesta Sinfónica Nacional y miembro del consejo
editorial de la revista Heterofonía. Produce el programa Hacia
una nueva música en Radio Universidad y es directora artística
del Festival Internacional Música y Escena. A nivel internacional,
ha sido jurado en diversos concursos e invitada a numerosas uni-
versidades para hablar de su obra. Ha recibido múltiples premios
y reconocimientos, destacando ser miembro del Sistema Nacio-
nal de Creadores de Arte en varias ocasiones y seleccionada para
participar en el Programa de Residencias Artísticas de la Funda-
ción Rockefeller en Bellagio, Italia.

142
Tres canciones para soprano y viola de Bárbara Llanes, proveniente
de Cuba, emerge como una obra artística rica en conexiones cultu-
rales y literarias. La pieza, que une la expresividad musical con letras
de la renombrada escritora cubana Dulce María Loynaz Muñoz, des-
taca por su fusión de la música contemporánea y la poesía de una
figura literaria universal. Dulce María Loynaz, galardonada con el
Premio Miguel de Cervantes en 1992, ha dejado un legado literario
significativo en la escena cubana y mundial. Estas canciones están
dedicadas a la violista cubana Nolan González Morejón.
Dominique Le Gendre, reconocida compositora, ha dejado una
huella notable en la escena musical contemporánea con sus obras de
cámara, encargadas y ejecutadas por destacadas agrupaciones como
The Royal Opera House Chamber Soloists, Philharmonia Orchestra,
Manning Camerata, y más. Le Gendre ha contribuido al mundo tea-
tral como directora musical y compositora para producciones acla-
madas, desde el Shakespeare’s Globe hasta el Talawa Theatre, así
como en el ámbito cinematográfico con obras notables como Dreams
in Transit y Sixth Happiness.
Ana Lara, destacada compositora mexicana, ha dejado una mar-
ca significativa en la música contemporánea. Formada en el Conser-
vatorio Nacional de Música y el CENIDIM, complementó sus estudios
en la Academia de Música de Varsovia. Maestra en Etnomusicología
por la Universidad de Maryland, ha contribuido activamente como
Compositora Residente de la Orquesta Sinfónica Nacional y directo-
ra artística del Festival Internacional Música y Escena. Su obra, que
abarca desde composiciones para instrumentos solistas hasta piezas
coreográficas, refleja una versatilidad única. Además, su compromi-
so con la música contemporánea se evidencia en su programa de
radio y roles curatoriales en festivales internacionales.
Mariana Hijar Guevara

143
 I N T É RPRETES

Coro de Madrigalistas de Bellas Artes

Fundado en 1938 por Luis Sandi, tuvo desde su origen la misión de

llevar lo mejor del arte coral a las instituciones educativas de todos
los niveles, teatros y salas de concierto, objetivo que ha cumplido
en sus 85 años de actividades. Han sido sus directores artísticos
Luis Sandi, Jesús Macías, Jesús Carreño, Rufino Montero, Pablo
Puente, Jorge Córdoba, Antonio López- Ríos, Samuel Pascoe, Ja-
mes Demster, Digna Guerra y Carlos Aransay. Su repertorio abarca
desde las primeras manifestaciones musicales en Occidente, has-
ta las obras corales contemporáneas. Ha estrenado numerosas
composiciones algunas de ellas escritas especialmente para la
agrupación. Ha participado en los principales festivales de México:
el Internacional Cervantino, el Internacional de Música de Morelia,
el Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, Retros-
pectiva Musical del Siglo XX, el Alicia Urreta y el Internacional Esto
es Mozart, estableciendo además lazos con la UNAM y el Museo
Rufino Tamayo. Ha grabado cinco discos con repertorio diverso,
en 2004 fue galardonado con el reconocimiento que otorga la
Unión Mexicana de Cronistas de Teatro y Música y en 2018 recibió
la Medalla de Oro Luis Sandi al mérito coral. Ha brindado concier-
tos en gran parte del territorio nacional y en varias ciudades de
Estados Unidos, en 2013 realizó una gira en España y en 2018 cul-
minó las celebraciones por su 80 aniversario con un concierto en
el emblemático Gran Teatro Nacional de Lima, Perú. Ha colaborado
con la Orquesta de Cámara de Bellas Artesl, Orquesta Sinfónica
Nacional, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, Orquesta del Tea-
tro de Bellas Artes, Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México,
Tambuco, Capella Barroca de México, La Academia Colonense,
Antiqva Metrópoli, Camerata Salzburg y la Orquesta Barroca de
Friburgo.

144
Integrantes
Guadalupe Jiménez, Blanca Rodríguez, Karla Muñoz, Cynthia
Sánchez, Alejandra Cadenas, Anabel García, Akemi Endo, Mar-
lene Palomares, sopranos; Nurani Huet, Mónica N. Vélez, Mayté
Cervantes, Julietta Beas, Martha Domínguez, Ruth Ramírez, Fri-
da McNally, altos; Aarón Medrano, Orlando Pineda, Gerardo Ma-
tamoros, Eduardo Díaz Cerón, Gerardo Reynoso, Josué Hernán-
dez, tenores; Daniel Cervantes, Salvador Guízar, Vladimir Rueda,
Marco Antonio Talavera, Jehú Sánchez, Alberto Albarrán, Edgar-
do Nieto, bajos; José Luis González, piano

Natalia García, jefa de personal; Orlando Peralta, apoyo logístico;

Carlos Flores, Mónica Núñez, asistentes; Carla Barajas, bibliotecaria

Carlos Aransay

Tras realizar los graduados de Composición,

Teoría (Premio Extraordinario de Armonía) y
Piano en el Real Conservatorio Superior de
Música de Madrid, y de estudiar Canto en la
Escuela Superior de Canto de Madrid, obtuvo
en Londres los títulos de maestría de Compo-
sición, Piano y Dirección de orquesta en el
Royal College of Music, y en la Universidad de Sheffield (GB) el
posgrado en Psicología de la música. Estudió Dirección de or-
questa en la República Checa, y en Viena con Jacques Delacôte,
quien lo invitó a ser su asistente en la producción de Carmen de
Bizet en Múnich, Berlín y Zúrich, y maestro de coro asistente del
Ambrosian Opera Chorus. En 1995 fundó el Coro Cervantes en
Londres, dedicándose a la investigación y divulgación del reper-
torio ibérico y latinoamericano, plasmado en cinco discos CD
presentándose en México, España, Rusia, Inglaterra y Holanda.
Ha dirigido el Coro Nacional de España, Coro de RTVE, Coro de la
Comunidad de Madrid, Coro del Festival Campos de Jordao de
Brasil, Coro Joven de Andalucía, y en México el Coro de la Ópera
de Bellas Artes y el Ensamble Escénico Vocal. Fundó el London
Lyric Chorus con el que grabó un CD junto a la Philharmonia Or-
chestra de Londres. Además, ha dirigido la London Symphony
Orchestra (grabación para el Sello Autor), las Orquesta Naciona-
les de Cuba, Perú, Costa Rica y Panamá, Orquesta del Sodre de
Uruguay, Orquestas Sinfónicas de Falcón (Venezuela) y Trujillo
(Perú) y Orquesta de la Radio de Pilsen (República Checa). En
México ha dirigido la Orquesta de Cámara de Bellas Artes, la Or-
questa Típica de la Ciudad de México y Antiqva Metrópoli, ade-
más de haber sido maestro de coro en conciertos de la Orquesta
Sinfónica Nacional y la Orquesta Júvenil Eduardo Mata, Freibur-
ger Barockorschester y Orquesta de la Universidad Sorbonne de

145
 París. En Londres estudió pedagogía vocal con Janice Chapman,
y formó parte de su equipo pedagógico. Ha impartido cursos y
clases de dirección coral, de orquesta y de pedagogía vocal en
España, Francia, Italia, Alemania (con el Coro de la RTV de Ham-
burgo), Países Bajos, Reino Unido, México, Costa Rica, Panamá,
Trinidad y Tobago, Cuba, Perú, Uruguay, Argentina, Brasil y Ecua-
dor. Durante 17 años fue director y jurado del Concurso Interna-
cional de Canto de Trujillo (Perú), y ha sido jurado de los concur-
sos de canto María Callas de São Paulo, Teatro Maestranza de
Sevilla, Internacional de Rosario (Argentina), Nacional de Canto
de Trinidad y Tobago, Linus Lerner (Brasil y México), Nacional de
Canto Carlo Morelli y de Ópera Irreverente. Durante seis años fue
profesor del Jette Parker Young Artist Programme de la Royal
Opera House de Londres, ha colaborado como profesor de técni-
ca vocal con el EOBA en México, y entre sus alumnos hay jóvenes
cantantes de los estudios nacionales de ópera de Londres, París,
Múnich, Zúrich y Ámsterdam. En Londres fundó el Festival de
Canción Española y Zarzuela, e impartió clases de repertorio es-
pañol en la Guildhall School of Music and Drama. Fue productor
de la grabación de la ópera Juan José de Pablo Sorozábal en
España, y como coach de las sopranos Patricia Petibon y Pume-
za Matshikiza, para los sellos Deutsche Grammophon y Decca,
respectivamente. Desde 2018 es profesor de técnica vocal de la
Academia de Musique Baroque de Périgord Noir (Francia) y di-
rector artístico titular del Coro de Madrigalistas de Bellas Artes.
Carlos está celebrando este año 25 años de presencia en México,
tras su debut en el Festival Internacional Cervantino de Guana-
juato en octubre de 1998.

146
Matthew Schubring

Estudió en su ciudad natal, Ashland, Estados

Unidos. Recibió una beca para estudiar con
Gunnar Saevig en Bergen, Noruega. Se gra-
duó en la Universidad de Wisconsin-Eau Clai-
re con diplomas en viola y canto. Reside en
México desde 1978, en donde ha tocado con
sinnúmero de agrupaciones sinfónicas y de
cámara. Fue principal de la OFUNAM y de la Sinfónica de Minería.
Desde 1990 forma parte del grupo Concertistas de Bellas Artes.
Fue integrante de Solistas de México, dirigido por Eduardo Mata.
Ha sido músico invitado con agrupaciones como la Academia
Bizantina de Boloña y el Cuarteto Latinoamericano.

Rafael Urrusti

Estudió en la Escuela Nacional de Música de la

UNAM y en el Conservatorio Nacional de Músi-
ca. Fue discípulo de Héctor Jaramillo, Rubén
Islas, Luis Cuevas, Brenda Sakofsky, Judith Jo-
hanson, James Walker y James Dower. Fue
integrante fundador de la Orquesta Filarmó-
nica de la Ciudad de México y primera flauta y
jefe de sección de la Orquesta Sinfónica Nacional, puesto que de­
sempeñó hasta 1999. Cursó un posgrado becado en Londres. Ha
realizado grabaciones con obras de compositores mexicanos y
europeos. Es profesor de flauta en la Escuela de Perfeccionamien-
to Vida y Movimiento del Conjunto Cultural Ollin Yoliztli, e inte-
grante del grupo Concertistas de Bellas Artes.

Morgan Szymanski

Nació en la Ciudad de México. Desde sus ini-

cios en la Escuela Nacional de Música de la
UNAM y la Edinburgh Music School de Esco-
cia, ha sido galardonado con premios como el
primer lugar en el Concurso Nacional de Gui-
tarra en México y el Young Concert Artists
Trust en Londres, entre otros. Sus estudios en
el Royal College of Music de Londres fueron apoyados por el Fon-
ca, y los Munster Musical Trust, Tillett Trust, Wall Trust y Leverhul-
me Trust. En 2007 fue el primer guitarrista en ser merecedor de la
Junior Fellowship. Se ha presentado en Reino Unido, Francia, Aus-
tria, Alemania, Bélgica, Islas Bermudas, Países Bajos, Suiza, Italia,
España, Portugal, Macedonia, Sudáfrica, Zimbabue, China, Méxi-

147
 co, Guatemala, Chile, Argentina y Estados Unidos. Ha actuado al
lado de la Royal Philharmonic Orchestra y la Orquesta de Halle, al
igual que con las orquestas Britten Sinfonia, Scottish Sinfonia,
Welsh Chamber, City of Birmingham Youth Orchestra, Bourne-
mouth Symphony, Academy of St. Martin in the Fields, Of the Swan,
Filarmónica de Macedonia, Filarmónica de Bahía Blanca, Argenti-
na, Andrés Bello de Chile, Stellenbosch Symphony de Sudáfrica,
Filarmónica de la Ciudad de México y Juvenil Eduardo Mata.

Marina Tomei

Originaria de Roma. Estudió guitarra con Bru-

no Battisti D’Amario. Continuó sus estudios en
Florencia como becaria en el Conservatorio
Luigi Cherubini y se tituló con Arturo Tallini en el
Conservatorio di Musica Santa Cecilia en Roma.
Participó en cursos de perfeccionamiento con
Ricardo Gallén, Dusan Bogdanovich y Magnus
Andersson. Fue seleccionada para estudiar en el Aspen Music Fes-
tival and School con Sharon Isbin y en la Academia Chigiana en
Siena, con Oscar Ghiglia. Ha ofrecido recitales en diferentes tem-
poradas y festivales en Europa y América. Ha sido solista con las
orquestas sinfónicas del Estado de México y del Estado de Puebla,
así como de las orquestas de cámara del Estado de Zacatecas y de
Bellas Artes. Cursó una segunda maestría en la Accademia Inter-
nacional de Imola. Es docente de Guitarra en la Facultad de Música
de la UNAM (FaM) en donde concluyó como becaria sus estudios
de maestría en Interpretación musical, bajo la guía de Juan Carlos
Laguna. Estudia el doctorado en Interpretación musical en la FaM.

148
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Lunes 16 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Voro García Fernández

Oscura raíz del sueño (2011)** 8’

Alejandro Castaños
Switch (2003) 7’

Germán Romero
El lado inmóvil del tiempo (2023)* 6’

Sean Griffin
Pattycake (2002) 13’

James Dillon
Todesengel (1996)** 9’

*Estreno mundial
**Estreno en México

Duplum
Fernando Domínguez, clarinete
Iván Manzanilla, percusiones

Parte del proyecto de Ónix Música Contemporánea

149
 COM PO SITO RE S

Voro García Fernández (España, 1970)

Titulado en diferentes especialidades, estudió

en el Conservatorio Superior de Música de Va-
lencia. Amplió su formación con Mauricio So-
telo y José Manuel López, entre otros. Doctor
por la Universitat Politécnica de Valencia. Ha
recibido encargos de instituciones e intérpre-
tes, como INAEM, JONDE, CDMC, IVC, Audito-
rio Nacional, Festclásica, Ensems, Rafel Festival, Festival Mixtur,
Ministerio de Cultura Francés, Spanish Brass y Ensemble Ascolta.
Entre los galardones obtenidos destaca el premio del Instituto
Nacional de la Juventud 2004 o el Méliès d’argent. Fundador y
creador del Ensemble Espai Sonor en 2003. En su faceta de direc-
tor ha realizado el estreno absoluto en España de multitud de
obras. Ha sido compositor residente del Grup Instrumental de
València en 2001 y 2002, y director artístico de la Mostra Sonora
de Sueca. En la actualidad es catedrático de Composición en el
Conservatorio Superior de Música de Valencia y director artístico
del festival Ensems. Publica sus obras en Babelscores, SB edi-
cions y Ed. Piles.

Oscura raíz del sueño

El título pretende ser un claro reflejo del planteamiento de esta obra:
la elaboración de un discurso sonoro a partir de una expansión orgá-
nica de un germen inicial. Gestos sonoros, como raíces adormecidas
en la oscuridad de los sueños que poco a poco, mediante variados
cromatismos sonoros, van configurando una trama donde los gran-
des contrastes de cada uno de los parámetros dominan la escena. La
organización del espacio y la reducción del efectivo sonoro a temas
muy concentrados contrastan con polifonías de eventos donde, fun-
damentalmente el clarinete bajo desprende una energía desgarra-
dora. La obra es un encargo de Dometrie y está dedicada a sus des-
tinatarios, Carlos Gálvez y Enric Monfort.

Alejandro Castaños (México, 1978)

Graduado de la maestría en Composición del

Conservatorio Real de La Haya, Países Bajos,
en 2004-2005. Realizó el curso anual de músi-
ca por computadora del IRCAM/Centro Pom-
pidou en París, Francia. Comenzó su carrera
profesional en el Centro de Investigación y Es-
tudios Musicales y en los talleres de Juan Tri-

150
gos e Ignacio Baca Lobera. En 2007 la Sociedad de Música de
Cámara de Luxemburgo le dedicó un concierto integral a su obra
y, en 2008, fue finalista del concurso Gaudeamus en Ámsterdam.
Ha recibido encargos de los ensambles Concorde de Irlanda, Mo-
delo 62, Klang, Maarten Altena, New Juilliard, así como del violista
Garth Knox, el Birmingham Contemporary Music Group y el Gru-
po de Música Nueva de la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles,
entre otros. Su trabajo y sus estudios han sido apoyados por la
Fundación Royaumont, el VSB Fonds, Prins Bernhard Cultuur-
fonds, Fonds voor de Podiumkunsten y el Fonca en el marco del
Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Switch
Esta pieza fue escrita, en gran medida, a partir de la noción de polifo-
nía virtual donde los cambios de registro y la alternancia de distintas
técnicas de ejecución pudieran generar un discurso que aproveche
lo más posible los alcances que tiene la instrumentación propuesta.
Según el contexto en que se use, la palabra switch, en inglés, puede
implicar múltiples significados. En este caso se refiere a los métodos
descritos anteriormente, al intercambio y desplazamiento de la
acentuación al interior del pulso, así como al hecho de que, formal-
mente, las distintas partes de la obra se activan sin preámbulos. Esta
partitura fue compuesta por encargo de Erik-Jan de With y Joey Ma-
rijs en el marco de nuestros estudios en el Conservatorio Real de La
Haya, Países Bajos.

Germán Romero (México, 1966)

Realizó sus estudios profesionales en la UNAM

con Julio Estrada. Ha sido miembro del Siste-
ma Nacional de Creadores en los periodos
2013-2015 y 2017- 2020. En 2023 recibió la Me-
dalla Bellas Artes otorgada por el gobierno del
estado de Yucatán. Su interés por la pedago-
gía lo ha llevado a la investigación y enseñan-
za del entrenamiento auditivo, disciplina sobre la que ha imparti-
do numerosos cursos y conferencias en México, España y Chile. Es
autor de Formar el oído, metodología y ejercicios de 2011, y coau-
tor de la serie Escucha-Imagina-Representa, cuadernos de en-
trenamiento auditivo (vol. 1 ,2015 y vol. 2, 2019). De 1998 a 2008 fue
coordinador de las áreas de Composición y de Educación auditiva
en el Conservatorio de las Rosas, del cual fue rector entre 2004 y
2007. Actualmente es Coordinador del Área de Teoría de la Escue-
la de Bellas Artes de la Universidad Panamericana.

151
 El lado inmóvil del tiempo
En esta obra exploro una organización del tiempo sinuosa: eventos
sonoros que parecen tener una duración mayor o menor de lo espe-
rado se concatenan con otros eventos que no son tan fácilmente
predecibles. Eso no significa, sin embargo, caos formal, ya que la na-
turaleza de los eventos, así como la repetición, transformada, de los
mismos contrarresta la incertidumbre creada por las pocas posibili-
dades de predicciones formales.

Sean Griffin (Estados Unidos)

Ha compuesto, dirigido y producido nuevas

obras en formato multimedia, dando vida a
interpretaciones deslumbrantes y únicas en
el escenario con su diseño de ópera y consor-
cio de artistas intérpretes llamado Opera Po-
vera. Sus creaciones se han presentado en
EMPAC, MoMA, Brooklyn Museum, RedCat,
LACMA, MAK en Schindler House, 56th Venice Biennial, Chica-
go’s MCA, Ostrava Days Festival, 2017 Ojai Festival, The Broad Mu-
seum, Green Umbrella Series de LA Philharmonic y Performance
Space New York. En 2020 durante el confinamiento por el Co-
vid-19, Opera Povera creó una versión de la ópera lunar de Pauli-
ne Oliveros llamada Full Pink Moon con más de doscientos se-
tenta participantes internacionales. Descrita como la primera
ópera de Zoom, fue reconocida y archivada por la Biblioteca del
Congreso por sus contribuciones a las artes durante la pande-
mia. Tiene un doctorado en Composición musical por la Universi-
dad de California en San Diego.

Pattycake
Fue estrenada por Iván Manzanilla y Aiyun Huang en San Diego en
2001 y sigue siendo mi obra más interpretada. La simetría activa un
tipo especial de visualización. Ver pasajes al unísono de larga dura-
ción es un tipo diferente de experiencia musical. Surge un lenguaje
de urgencia. ¿Lo lograrán? Puedes ver el lenguaje del esfuerzo como
un sistema para ayudar, fallar y recuperarse, emparejándose con
esta forma implacable e invisible que se detalla en la imagen del es-
pejo. Este lenguaje secreto tiene lugar en los ojos y manos virtuosas
de los dos intérpretes. El último movimiento nos lleva a un sistema
de intercambio de memoria entre los intérpretes a través de una es-
tructura similar pero suspendida en aplausos y pausas fantasiosas.

152
James Dillon (Reino Unido, 1950)

Nació en Glasgow. Ha recibido los premios

Kranichsteiner Musikpreis y la Japan Founda-
tion Artist Scholarship, y ha ganado cuatro
premios de la Royal Philharmonic Society. En
1983 el primer Cuarteto de cuerda de Dillon
fue estrenado por el Cuarteto Arditti en el
Festival de Música Contemporánea de Hud-
dersfield, en donde fue Compositor en residencia en 2014. A me-
diados de los años 1980, Dillon inició un Tríptico alemán, un con-
junto de obras basadas en la idea de “la iluminación como
emanación de la oscuridad”, que Richard Toop describió como
“una música llena de figuras que, como las estrellas, son inten-
sas, y sin embargo parecen casi infinitamente lejanas”. Otras
obras agrupadas incluyen L’évolution du vol, un ciclo de cancio-
nes para voz femenina y The Book of Elements, un ciclo en cinco
volúmenes para piano. Su música ha sido publicada en exclusiva
por Peters Edition desde 1982.

Todesengel (Ángel de la muerte)

Un ángel de la muerte es el que trae la muerte a los muertos, acom-
paña al fallecido al más allá o recibe y dirige. En el Corán se mencio-
na explícitamente un ángel de la muerte, identificado en la tradición
islámica como Azrael. En la Biblia un ángel de la muerte se mencio-
na en la Primera carta de Corintios. La idea de un ángel-muerte en la
esfera cristiana proviene probablemente de la tradición medieval. En
particular, me refiero al ángel que mató en la Pascua judía a todos
los primogénitos entre los egipcios, aunque la Biblia no menciona
un ángel. En el segundo libro de Samuel también aparece el Ojo de
la Muerte, este ángel trae la plaga sobre el reino de David. La imagen
de un ser sobrenatural como el compañero del fallecido en el más
allá existe en la mayoría de los pueblos.

153
 I N T É RPRETES

Duplum

Inició con el clarinetista Fernando Domínguez

y el percusionista Iván Manzanilla presentán-
dose por primera vez durante los Internatio-
nalen Ferienkursen für Neue Musik en Darm-
stadt, Alemania, en 2004. Debido a que sus
fundadores son también miembros de Ónix
Ensamble, a partir de 2017 y de manera natu-
ral, Duplum se incorpora a este grupo instrumental con el fin de
sumar proyectos de percusión que además del clarinete y la per-
cusión como instrumentos centrales integren obras con piano,
flauta, violín, violonchelo, electrónica e invitados, enriqueciendo el
proyecto del dúo original y robusteciendo las posibilidades musi-
cales de Ónix alrededor de la percusión. Además del repertorio
tradicional, Duplum ha experimentado con el uso de nuevas tec-
nologías, la improvisación o el teatro musical. El proyecto ha ofre-
cido conciertos en Estados Unidos, España, Guatemala y Austria,
así como en las principales salas de concierto y festivales de Méxi-
co como el Internacional Cervantino, el Foro Internacional de Mú-
sica Nueva Manuel Enríquez, El Colegio Nacional, Instrumenta en
Oaxaca, Interciclos en Querétaro y Visiones Sonoras en Morelia, en
donde fue grupo residente del Conservatorio de las Rosas en 2006.
En 2020 Duplum llevó a cabo su primera grabación, que incluye
obras dedicadas al dúo por compositores de México, Portugal y
Costa Rica.

154
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Martes 17 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Jean Angelus Pichardo

Desfundación (2021)* 9’

Alejandro Cardona
Con nuestras cabezas acorazadas
trituraremos el aire nuevo (2019)* 10’

Riccardo Massari Spiritini

Ritual (2020)* 15’
Danza de transformación
Meditación - Zen garden
El canto de la vida

Edgardo Espinosa, violonchelo y electrónica

Es parte del proyecto de Solistas de Ónix Música Contemporánea

Ismael Morales
Alotropías: Butes (2023)* 7’

Bernardo Cáceres Martínez

Jörmungandr (2022) 10’

Carlos Arellano
Bestiario (2023) 18’

*Estreno mundial

Ángel Flores, contrafagot y electrónica

Xavier Frausto, trombón invitado

155
 COM PO SITO RE S

Jean Angelus Pichardo (México, 1984)

Su música ha sido interpretada en más de

quince países de América, Europa y Asia en
festivales como el NYCEMF, Diffrazioni, Nou-
velles Musiques, Internacional Cervantino, Foro
Internacional de Música Nueva Manuel Enrí-
quez, e Internacional de Música de Morelia, en-
tre otros. Ha sido invitado a colaborar en pro-
yectos como MXTX por Golden Hornet y Las 30 promesas del arte
y la creatividad en México por Cultura Colectiva, y ha recibido va-
rios reconocimientos nacionales e internacionales, que incluyen
la Residencia en Composición Coral por invitación de VocalEssen-
ce, Jóvenes Creadores del Fonca; Creadores Pecda; reconocimien-
tos por parte del CMMAS, la UNAM y Conaculta. Se graduó de la
licenciatura en Composición de la Facultad de Música de la UNAM,
donde actualmente concluye sus estudios de maestría.

Desfundación
La poeta argentina Alejandra Pizarnik fue la fuente de inspiración
para la creación de la obra. Decidí trabajar con un poema homónimo
de su antología Extracción de la piedra de la locura y vincularlo con
otros textos que brindaran aspectos relevantes de su vida y obra. Co-
mencé por escribir una serie de sustantivos y adjetivos que me die-
ron ideas sobre las características de la obra y, posteriormente, orga-
nicé una serie de sonoridades y gestos musicales de mi imaginario a
partir de la lectura e interpretación del poema seleccionado. Vinculé
elementos de lo gótico terrorífico de La condesa sangrienta, primer
libro que leí de Pizarnik, con el tópico de la locura desarrollado en la
antología poética antes mencionada, y su relación con las represen-
taciones pictóricas de los artistas flamencos del siglo XVI. Asimismo,
relacioné lo anterior con procesos de creación que Pizarnik utilizó a
lo largo de su obra literaria. Por último, hice uso de la transposición
(relación intermedial) de imágenes tanto visuales como sonoras que
me permitieron dar estructura a la re-creación de la obra en el ámbi-
to musical.

156
Alejandro Cardona (Costa Rica, 1959)

Estudió composición con Luis Jorge Gonzá-

lez. Sus estudios superiores se llevaron a cabo
en la Universidad de Harvard, donde trabajó
con Leon Kirchner, Ivan Tcherepnin y Curt
Cacioppo, la Escuela Superior de Artes de
Utrecht donde obtuvo la maestría, y la Facul-
tad de Música de la UNAM, donde terminó
sus estudios doctorales. Ha vivido y trabajado durante más de
cuarenta años entre Costa Rica y México. Como compositor ha
participado en los foros de Compositores del Caribe e Internacio-
nal de Música Nueva Manuel Enríquez, y los festivales Latinoa-
mericano de Música de Venezuela, World Music Days, Interna-
cional Cervantino, Iberoamericano de las Artes en Puerto Rico,
Focus en Nueva York, Klangspuren en Austria, Transart en Italia,
y Otoño de Varsovia, entre otros. En Costa Rica fue cuatro veces
Premio Nacional Aquileo J. Echeverría en Música en 1999, 2000,
2002, 2014.

Con nuestras cabezas acorazadas trituraremos el aire nuevo

Esta obra, compuesta en 2019, se inspira en las variaciones con basso
ostinato –pasacalles (o chaconas)– en donde tradicionalmente los
ejecutantes podían improvisar su parte. Esto, desde luego, también
se manifiesta en muchas músicas tradicionales de distintas partes
del mundo. En este caso, la idea de un bajo de estructura circular se
expande y se expresa como una especie de tala isorrítmico con un
patrón de 31 pulsos: 3+2+2+2+2 + 3+2+3 + 3+2 + 2+2 + 2+1 (11+8+5+4 + 3).
Éste se desarrolla cíclicamente con cinco velocidades diferentes. Las
alturas del material melódico del violonchelo surgen de largos bor-
dones, cuya sonoridad es acumulativa a lo largo de la obra (de menor
a mayor densidad). Simultáneamente este material melódico catali-
za ciertas resonancias, casi canónicas, en el material de la pista, que
se incorporan al desarrollo sonoro del bordón. La obra fue compues-
ta expresamente para Edgardo Espinosa. Su título viene de un poe-
ma del martiniqués Aimé Césaire.

157
 Riccardo Massari Spiritini (Italia, 1966)

Estudió composición en Verona y arquitectura

en Venecia. Viajó a Países Bajos para estudiar
en el Real Conservatorio de La Haya, donde sus
principales profesores fueron Clarence Balrow,
Martijn Padding y Luis Andriessen. Asistió a
clases magistrales con György Ligeti, Alessan-
dro Solbiati, Walter Zimmerman y György Kur-
tág. Entre los festivales en que ha participado, destacan: de Música
2004 en Metrònom (Barcelona), Taktlos (Berna y Zúrich) Angelica
(Boloña), Big Torino Biennale Arte (Turín), Rumori Festival (Ámster-
dam), Terza Prattica (Ámsterdam), Variazioni di Pressione (Verona),
Bit Shift (Liubliana, Eslovenia), Avuimúsica (Barcelona), Festival do
Novas Músicas (Guarda, Portugal), Visiones Sonoras (2018, México)
y Veronetta Contemporanea (Italia). Su obra combina los lengua-
jes contemporáneos de modo original, sirviéndose de escritura
tradicional, partitura gráfica, medios electrónicos digitales y ana-
lógicos, e instrumentos inventados (como el tarcordium).

Ritual
Los tres movimientos de la pieza se conciben como una secuencia
de construcción-meditación-elevación. 1 Danza de transformación -
El músico inicia con una figura rítmica de pizzicato que se desarrolla
en ramas de ecos, pulsaciones danzantes, y ya aparece una coda
cantada tal vez premonición de cómo terminará todo el ritual. Los
sonidos de la orquesta electrónica que acompaña al solista están he-
chos con tarcordium y sintetizadores analógicos. 2 Meditación - Zen
Garden - El segundo y lento movimiento es una contemplación, un
estado de ánimo cercano a la capacidad zen de desapego, donde el
instrumento solista nos habla con pocos, pero muy articulados tonos
y gestos. Luego aparece un eco de lo que el violonchelo ha tocado en
el sonido ambiental (obtenido con el tarcordium), y el solista interac-
túa con él con gestos más libres (modulares). Suspensión y atención,
observación y comprensión del entorno, sensibilidad y compasión. 3
El canto de la vida - El último movimiento parece ser el más sencillo
de los tres. De hecho, la melodía y el acompañamiento pueden re-
cordar alguna música afín a la India, en la tonalidad solar y luminosa
de sol mayor. Como sucede con la música simple, es fundamental la
misma pronunciación del sonido, la forma en que se comunica ex-
presivamente cada frase. Fue compuesta en 2020 a petición de Ed-
gardo Espinosa, a quien está dedicada.

158
Ismael Morales (México, 1993)

Nació en la Ciudad de México. Asociado en

Composición Musical por la University of West
London y egresado de la licenciatura en Len-
gua y literaturas hispánicas en la UNAM. Ha
tomado clases magistrales en composición
con José Luis Hurtado y Gonzalo Macías. Ha
tomado diplomados en Composición en la
Facultad de Artes de la Benemérita Universidad Autónoma de
Puebla. Estudió Dirección coral con Alejandro Navarro. Su música
ha sido presentada en México, Colombia, Argentina, Chile y Espa-
ña. Sus obras se han estrenado en el Foro Internacional de Música
Nueva Manuel Enríquez, las Jornadas de Música Contemporánea
del Círculo Colombiano de Música Contemporánea y el Festival
Expresiones Contemporáneas, por mencionar algunos. Sus in-
fluencias artísticas provienen de múltiples fuentes, el cine, la cul-
tura popular, la filosofía y principalmente de la literatura. La poe-
sía siempre ha sido una fuente constante de inspiración en su
quehacer artístico, las correlaciones entre la teoría semiótica del
lenguaje y los procesos de significación del sonido son un punto
recurrente de su obra.

Alotropías: Butes
Esta pieza tiene su origen en el libro homónimo de Pascal Quignard,
donde este reflexiona alrededor de la figura de Butes. Según la his-
toria, cuando los argonautas pasaron por la isla de las sirenas, estas
cantaron y hechizaron a los tripulantes provocando que todos rema-
ran rumbo a la isla. En ese instante, Orfeo ejecutó un contra-canto
que rompió el hechizo y les devolvió la cordura, permitiéndoles esca-
par. Sin embargo, una vez liberado del hechizo y, en pleno uso de su
razón, Butes decide arrojarse al mar y entregarse a las sirenas. Afro-
dita, quien presencia todo, decide salvarlo y entregarse a él. Según
Quignard, esta acción revela en su interior una vuelta a lo animal, al
deseo reprimido, pero también a la búsqueda de aquellos sonidos
primitivos que llegan a lo más profundo del alma, porque, a diferen-
cia de los sonidos humanos y ordenados, la música primigenia está
más cerca de la verdad que la palabra, que tan sólo la nombra y des-
cribe. Butes representa el salto a lo innombrable o, como dice Quig-
nard: “¿Qué es la música originaria? El deseo de arrojarse al agua”. En
este sentido, mi obra busca conjurar aquella música primigenia. El
contrafagot representa a Butes; mientras que el instrumento abier-
to, la pasión, la locura, el deseo, aquella verdad que nunca es revela-
da por completo pero que puede ser escuchada a través del sonido
desconocido e indomable. Estructuralmente, la pieza posee tres sec-
ciones: la primera representa el encanto, el hechizo, donde no existe
razón sino deseo, pero un deseo inducido; la segunda representa la
vuelta a la razón, el orden y lo humano; y la tercera este regreso vo-
luntario a lo animal, la entrega a lo desconocido, el arrojarse al agua.

159
 Bernardo Cáceres Martínez (México, 1988)

Cursó la carrera de Composición en el Centro

de Investigación y Estudios de la Música (CIEM),
donde obtuvo el grado de licenciado en Mú-
sica teórica avalado por el London College
of Music. Entre sus maestros se encuentran
José Julio Díaz Infante, Enrico Chapela, Víctor
Rasgado y Luis Santiesteban. En el clarinete,
ha estado bajo la tutela y enseñanza de Fernando Domínguez
de 2016 a la fecha. Ha tomado clases magistrales y talleres con
Irvine Arditti, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México y
UMSn ́JIP. En 2018 tomó el curso de composición con Marcelo
Toledo en la Academia ASAI y en 2022 el Laboratorio de Compo-
sición para Contrafagot en Anachrony producciones en colabo-
ración con el Festival FEC. Sus obras han sido estrenadas por Li-
minar, Jeanette Paulus, Irvine Arditti y Ángel Flores, entre otros.
Desde 2012 es compositor e intérprete residente en la compañía
de danza Moving. De 2016 a la fecha imparte las materias de Ar-
monía, Música teórica y Fuga en el CIEM.

Jörmungandr
Esta obra toma inspiración en Jörmungandr, figura emblemática de
la mitología nórdica. Esta divinidad fue una serpiente que, ante el
presagio de que traería el final de los tiempos, fue desterrada por
Odín al fondo del océano donde, sola y olvidada, creció tanto que
terminó por darle la vuelta al mundo. La obra, en un aspecto formal,
toma esta imagen circular, tan reproducida en otras culturas, de la
serpiente que vuelve sobre sí. Por otro lado, la obra trata de reprodu-
cir la monumentalidad de este animal en un desarrollo tímbrico con-
tinuo y agresivo que parte de las sonoridades propias del contrafa-
got, sobre todo aquellas de su imponente registro más grave, y
haciendo referencia a la figura Jörmungandr y su monstruosidad.

Carlos Arellano (México, 1986)

Galardonado con comisiones, becas, y pre-

mios como Jóvenes Creadores Fonca 2020,
mención honorífica en el Concurso Interna-
cional de Composición Orquesta Marga Mar-
ga 2017 y beca Amigos del Conservatorio Na-
cional de Música 2012, entre otros. Su música
ha sido interpretada en Estados Unidos, Chi-
le, España, Suiza y México, por agrupaciones e intérpretes como
Cepromusic, Ensamble de Música Contemporánea del CNM, Or-

160
questa Marga Marga, Román Bayani, Ángel Flores, Paulina Casas
y Carlos Larrauri. Es egresado con honores de las licenciaturas en
Composición y Guitarra del Conservatorio Nacional de Música
bajo la catedra de Armando Luna y Juan Fernando Durán. Ha
tomado clases y cursos con Mario Lavista, David Hernández Ra-
mos, José Luis Castillo, Ignacio Baca Lobera y Alejandro Romero.
Es acreedor a la beca Teaching Assitant para cursar una maestría
en música con enfoque en teoría y composición en la Universi-
dad de Nuevo México bajo la tutela de José Luis Hurtado.

Bestiario
El proceso creativo de la obra es con base en la fragmentación de la
continuidad del sonido y el tiempo, en donde la acentuación, articu-
lación y el impulso determinan los rasgos de cada parte. Es estructu-
rada en cinco movimientos que referencian criaturas imaginarias
que coexisten en distintos ámbitos. Está dedicada al contrafagotista
Ángel Flores.

161
 I N T É RPRETES

Edgardo Espinosa

Con una larga trayectoria como músico de cá-

mara, ha colaborado en múltiples conciertos
de música nueva en Londres, Edimburgo,
Glasgow, Nueva York, Washington, Los Ánge-
les, Chicago, Beijing, Tianjin, Montreal, Cara-
cas, París y Cardiff, entre otras ciudades, ade-
más de haberse presentado extensivamente
en múltiples escenarios de todo el país en el marco de los festiva-
les Internacional Cervantino, Discantus, Camaríssima, de Música
de Cámara de San Miguel de Allende, Internacional de Música
Contemporánea de Morelia, Interfaz, Visiones Sonoras e Interna-
cional Miguel Bernal Jiménez. Su discografía incluye más de una
docena de discos, de entre los que destacan Cello Alterno: Música
para dos violonchelos y piano de compositores mexicanos y Codi-
ficaciones con obras para violonchelo solo y con electroacústica.
Ha sido becario del Fonca en repetidas ocasiones, y es miembro
de los ensambles Cello Alterno y Ónix. Es coordinador de los en-
cuentros En torno al violonchelo, y del Seminario de Música Con-
temporánea de la Facultad de Música de la UNAM (FaM). Es profe-
sor de tiempo completo en la FaM, institución en donde realiza
estudios de doctorado en Interpretación musical. Cuenta con una
maestría en Música por la Thames Valley University de Londres, y
una licenciatura con mención honorífica por la Escuela Nacional
de Música de la UNAM.

Ángel Flores

Originario de Tlaxcala. Estudió fagot con Wendy

Holdaway en la Escuela de Música Vida y Mo-
vimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli, don-
de se tituló con honores. Continuó su forma-
ción con cursos de perfeccionamiento en la
Escuela Superior de Música de Cataluña en
Barcelona con David Tomàs Realp y Amrei Lie-
bold. Formó parte de la Orquesta Sinfónica de la Escuela Nacional
de Música dirigida por Sergio Cárdenas (2005-2007) con la cual
participó en el Young Euro Classic 2016 en la Konzerthaus de Ber-
lín. También fue integrante de la Sinfónica Juvenil Carlos Chávez
de 2007 a 2012, con la que se presentó en el festival Chicago Youth
in Music 2011 bajo la batuta de Riccardo Muti. Ha sido músico extra
de las orquestas Filarmónica de la Ciudad de México, Filarmónica
de la UNAM y Sinfónica Nacional. Ha sido solista de la Sinfónica de

162
la Escuela de Música Vida y Movimiento, la Camerata Palafoxiana
de Puebla y la Filarmónica 5 de Mayo. Fue becario del Fondo Esta-
tal para la Cultura y las Artes de Tlaxcala 2006, obtuvo el premio
estatal a la juventud Tlaxcala 2013 y ganó el II Encuentro Nacional
de Fagot Ollin Yoliztli 2011.

Xavier Frausto

Comenzó estudios musicales en la Casa de la

Cultura de Real de Asientos, en el Centro de
Estudios Musicales Manuel M. Ponce y en la
Universidad Autónoma de Aguascalientes.
Realizó estudios de maestría en Improvisa-
ción en la Hochschule für Musik de Basilea en
Suiza, estudió Trombón en el Conservatorio
de Estrasburgo y Musicología en la Universidad de Estrasburgo
en Francia. Fue trombonista principal en la Orquesta Sinfónica
de Chiapas y profesor de trombón e improvisación en la Facultad
de Música de la UNICACH. Ha participado en festivales naciona-
les e internacionales y se ha presentado en diversos espacios en
México, Haití, Francia, Alemania, Suiza, Austria y Dinamarca. Es
trombonista residente del ensamble del Cepromusic e improvi-
sador activo en la Ciudad de México.

163
 Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Miércoles 18 de octubre, 19:00 h

Laboratorios sonoros
PROG R A M A

Manuel Rocha Iturbide

SL-9 11’

Móin Mor 10’

Purusha Prakrti 13’

El baño de Frida Kahlo 9’

Fidicula Lyrae 15’

Semi No Koe 9’

Urform Piano 10’

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

164
COM PO SITO R

Manuel Rocha Iturbide (México, 1963)

Compositor, artista, investigador y curador.

Realizó estudios de Composición en la UNAM,
una maestría en Música electrónica del Mills
College, en California, y un doctorado en Mú-
sica y tecnología de la Universidad de París
VIII. Su música se ha presentado en diversos
países de varios continentes. Ha recibido en-
cargos del Cuarteto Arditti, el ensamble Liminar y el Instituto IMEB
de Bourges, Francia, entre otros. Ha realizado esculturas e insta-
laciones sonoras en exposiciones internacionales como la Bienal
de Sídney 1998, Arco 1999 y Fundación Prada 2011. Ha recibido
becas del Centro de Artes y Creatividad de Banff en Canadá y la
Fundación Japón, además fue integrante del Sistema Nacional
de Creadores de Arte de México. Ha ganado premios en concur-
sos internacionales como el Luigi Russolo en Italia, Synthèse de
Bourges en Francia y Ars Electronica en Austria. Es profesor titu-
lar en el Departamento de Artes y Humanidades en la Universi-
dad Autónoma Metropolitana Lerma y maestro de Composición
en la Facultad de Música de la UNAM.

Con una amplia trayectoria en la música contemporánea y experi-

mental, Manuel Rocha Iturbide ha dejado una marca significativa en
la escena musical. Sus obras abarcan diversos géneros, desde músi-
ca de cámara hasta composiciones electroacústicas e instalaciones
sonoras. En este concierto auto biográfico de obras electroacústicas,
para dos pistas digitales, destinadas para ser interpretadas en una
orquesta de altavoces que puede variar desde cuatro hasta varias
decenas de ellas, se incluyen obras que fueron compuestas desde
1995 hasta 2020. En ellas podemos encontrar varios temas: sonidos
orgánicos y paisajes sonoros de la naturaleza procesados (insectos,
agua, sonidos urbanos, etcétera); sonidos de instrumentos acústicos
(piano, guitarra, flauta transversa) y voces habladas. La estructura y
forma de las obras son variadas, y van desde la abstracción musical
total (como en Fidicula Lyrae y Urform Piano), hasta la idea progra-
mática de contar historias a partir de sonidos cotidianos (como Móin
Mor, Purusha Pradkrti, El baño de Frida Kahlo); pero también incluye
obras como SL-9, situada entre estas dos estéticas.

165
 Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Jueves 19 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Éliane Radigue
Occam Océan - Occam Delta X (2018)** 50’

**Estreno en México

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

Zinc & Copper

Elena Margarita Kakaliagou, corno
Robin Hayward, tuba microtonal
Hilary Jeffery, trombón, trompeta

166
COM PO SITO RA

Éliane Radigue (Francia, 1932)

Comenzó a componer en los años 1950 y sus

obras se presentaron hasta finales de los años
1960. Hasta el año 2000 su obra fue creada casi
exclusivamente con el sintetizador modular
ARP 2500 y cinta. En 2001, a petición del bajis-
ta eléctrico y compositor Kasper T. Toeplitz,
creó su primera obra instrumental, Elemental
II. Desde 2004 ha compuesto para instrumentos acústicos, prime-
ro con el violonchelista estadunidense Charles Curtis, y después
con los intérpretes de corno di bassetto Carol Robbins y Bruno
Martínez. En 2011 su obra Occam I, escrita para el arpista Rhodri
Davies, se estrenó en Londres, y le siguieron más obras del ciclo
Occam entre ellas Occam Ocean - Occam Delta X, de 2018, com-
puesta para Zinc & Cooper.

Occam Océan - Occam Delta X

Fue hecha entre 2016 y 2018. Dos intensos periodos de ensayos con
Éliane se llevaron a cabo en París, y entre estos tocamos la pieza du-
rante nuestros ensayos regulares en Berlín. Para el primer ensayo en
la primavera de 2016, Éliane nos introdujo a su concepto del ciclo
Occam Océan y discutimos juntos un adecuado punto de partida
para nuestro trabajo. Una imagen que resonaba en todos nosotros
era la de las profundidades del océano y empezamos por ahí. La pro-
fundidad extrema y la oscuridad sugieren de modo natural un tono
subarmónico de la tuba que es el punto de partida de nuestro viaje,
como lo imagino Éliane, desde las profundidades hasta la superficie.
Los sobretonos altos contenidos en este tono son traídos a cuenta de
modo gradual por el corno y el trombón mientras los músicos se
mueven a través de un mar extremamente denso y complejo de ar-
mónicos. Nuestro viaje se mueve lentamente y casi de manera im-
perceptible desde la profundidad a la superficie, pero nunca de ma-
nera lineal. Nos encontramos con remolinos y vórtices, a veces
ganando claridad y otras ensombreciéndose de nuevo, a veces ca-
yendo a niveles bajos, pero gradual e inevitablemente ascendiendo.
Mientras nos acercamos a nuestro destino todo se vuelve más claro
y comenzamos a gravitar y a rodear clusters de cerca, a veces aproxi-
mándonos a un casi unísono. En el rompimiento final hacía la super-
ficie el corno y la tuba se desdibujan lentamente dejando al trombón
apagado, bailando en la superficie brillante al final de la pieza. Oc-
cam Delta X requiere que entremos en un estado meditativo en
donde perdamos el sentido de nuestra interpretación individual y

167
 nos fundamos en cuerpo de sonido en constante cambio. Esto es
muy demandante ya que la interpretación exige fuerza física y con-
trol extremos, pero al mismo tiempo debemos dejarnos ir y dejar
que la música nos lleve. Mientras tocamos navegamos internamente
a través de nuestro océano imaginario y al mismo tiempo tocamos y
damos forma al espacio externo en el cual se proyecta el sonido. La
presentación de esta pieza requiere de mucho tiempo y necesita un
ambiente calmado para los intérpretes y público para poder entrar a
un estado mental relajado abierto y alerta. El confort físico de la au-
diencia es esencial, lo mismo que una buena acústica y una ilumina-
ción no invasiva. Los inevitables sonidos externos como tosidos o el
tráfico externo, no perturban el estado al que entramos, siempre y
cuando haya tiempo suficiente para relajarse. Ensayar esta pieza re-
quiere también de un tiempo considerable y Éliane nos pidió defini-
tivamente no apresurarnos al interpretarla, sino que dejemos que la
pieza crezca en nuestras mentes y que comencemos los conciertos
en el momento correcto. Este momento apareció de modo natural
cuando tuvimos la oportunidad de tocar en la exposición de Leonor
Antunes The last days in Gallliate, curada por Pedro Rocha, en el Pire-
lli Hangar Bicocca en Milán, el 18 de diciembre de 2018. La misma
Leonor es una gran admiradora de la obra de Éliane y le encantó que
estrenáramos la pieza en su ambiente. El enorme y amplio espacio
nos ofreció una rica acústica y suficiente espacio físico para que el
público experimentara el viaje oceánico. Antes de esta presentación
viajamos una vez más a París para trabajar con Éliane para hacer la
pieza con ella, así que de hecho ¡el estreno verdadero se llevó a cabo
en su departamento!

168
I N T É RPRETES

Zinc & Copper

Ensamble de metales bajos fundado en 2005 por Robin Hayward,

que trabaja junto a Elena Kakaliagou y Hilary Jeffery desde 2014.
A través de una exploración intensiva de afinaciones microtona-
les y naturales, Zinc & Copper ha desarrollado un sonido de con-
junto único caracterizado por la calidez de los instrumentos de
metales bajos y una amplia gama de técnicas de interpretación
extendidas. Desde 2015 las colaboraciones con compositores
como Ellen Arkbro, Hayden Chisholm, Amir ElSaffar, Hanna Hart-
man, Catherine Lamb, Simon Martin, Phill Niblock, Duane Pitre,
Éliane Radigue, Jan-Peter E.R. Sonntag y Keith Tippett han dado
como resultado un repertorio diverso en la frontera de la música
contemporánea, buscando inspiración en formas musicales ex-
perimentales y no europeas, así como colaboraciones con otras
formas artísticas. En la época de Giovanni Gabrieli, mucho antes
de que se inventaran los modernos instrumentos de viento con
válvulas, el conjunto de metales tenía la misma categoría que
otros conjuntos de música de cámara. Mediante la investigación
de enfoques alternativos de la interpretación, Zinc & Copper ex-
plora el potencial de este medio en el siglo XXI.

169
 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Viernes 20 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Graciela Paraskevaídis
Tres piezas infantiles para piano (1986)** 4’
Pedal
Extremos
Calesita

Otra vez (1994)** 5’

En abril (1996)** 6’

Contra la olvidación (1998) 6’

Dos piezas para piano (2001)** 5’

Preguntas inútiles para este invierno
Quemando miedos

Viva voce (2015)** 8’

Diego Sánchez-Villa, piano

Ana Bofill Levi

Alea itineribus** 7’

Marisa Manchado Torres

Il tempo sospéso** 7’

Teresa Catalán Sánchez

Sine die** 6’

Beatriz Arzamendi
Al otro lado del sirimiri** 7’

Carme Fernández Vidal

György Ligeti in memoriam 4’

Rosa María Rodríguez Hernández

Laguna insomne** 5’

Lidia Guerberof, clavecín

**Estreno en México

170
COM PO SITO RA S

Graciela Paraskevaídis (Argentina, 1940 – Uruguay, 2017)

Cursó estudios en el Conservatorio Nacional

de Música de Buenos Aires. Fue becaria del
Centro de Altos Estudios Musicales del Institu-
to Torcuato Di Tella y luego del Servicio de In-
tercambio Académico Alemán en Friburgo.
Sus composiciones se han interpretado en
Alemania, Argentina, Bolivia, Brasil, Canadá,
Chile, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Escocia, España, Estados
Unidos, Francia, Gran Bretaña, Grecia, México, Rumania, Suecia,
Suiza, Turquía, Uruguay y Venezuela. De su producción discográ-
fica destacan los tres discos monográficos magma (1996) y libres
en el sonido (2003) y libres en el sonido (2019), póstumo, grabado
por el Ensemble Aventure. Dictó seminarios y conferencias en nu-
merosos países. Fue invitada a integrar jurados de composición
nacionales e internacionales. Escribió numerosos ensayos sobre
música latinoamericana contemporánea y colaboró regularmen-
te con Pauta, Revista Musical Chilena, MusikTexte y el diccionario
Komponisten der Gegenwart. Entre 1990 y 2000 fue coeditora del
World New Music Magazine, anuario de la Sociedad Internacional
de Música Contemporánea (SIMC). En 1994 el Instituto Goethe de
Múnich le otorgó la Medalla Goethe, y en 2006 recibió el Premio
Morosoli de la Fundación Lolita Ruibal en Uruguay.

Tres piezas infantiles para piano

Un mínimo de elementos musicales logra excelentes resultados
donde predominan claramente las fuertes disonancias y cierto grado
de austeridad.
Fernando Manfredi.

171
 Otra vez
Paraskevaídis logra en su pieza otra vez una referencia explícita, sin
que por ello la música quede limitada a ese efecto. La obra, en su di-
mensión temporal y en su carácter poético, podría emparentarse con
una pieza de carácter: “otra vez pulsan timbres de puertas que se
abren al mundo exterior del agosto montevideano de 1994” [Paraske-
vaídis, G. Contra la olvidación… p. 2.]. El motivo concreto para esta
composición fue el horror frente a duras represalias contra manifes-
tantes, muchos de los cuales fueron lastimados y alguno incluso
muerto, que defendían el derecho de asilo para extranjeros. El mate-
rial sonoro no podría ser más reducido. [...] Paraskevaídis logra una
representación alegórica de aspectos esenciales de la comunicación
humana: el valor de una escucha reflexiva, el carácter suspensivo de
preguntas no contestadas y la paciente espera de una reacción que
no llega.
Thomas Beimel

En abril
Es un buen ejemplo de invariabilidad de la repetición: la obra consiste
en la alternancia constante entre dos notas, que se repiten cierta can-
tidad de veces. La rítmica de la pieza es inmutable: corcheas revol-
cándose una sobre la otra velocidad de negra=92. Además de la ho-
mogeneidad rítmica de la obra, otros elementos también gozan de
inmutabilidad absoluta: la obra debe ser interpretada una corda y en
pianissimo. A nivel de registro, la quietud es absoluta: la obra utiliza
únicamente seis notas de la octava más central del piano (en contra-
partida al uso de los extremos registrales de los instrumentos, típicos
de Paraskevaídis). Los materiales son planteados desde el principio y
permanecen inmutables, solo siendo interrumpidos por silencios, es-
tos a su vez, mesurados estrictamente en unidades equivalentes a la
duración de las dos corcheas.
Daniel Áñez

Dos piezas para piano

El verso de Preguntas inútiles para este invierno aparece en el poe-
ma Glorias de Juan Gelman “La reconstrucción de la memoria de los
dieciséis fusilados de Trelew no será suficiente para sofocar el dolor
que abarca a los sobrevivientes y al país que se bañó en sangre”.
Daniel Daniel Áñez

172
 Contra la olvidación
El título se extrae de un poema que aparece en el libro Incompleta-
mente (1997) de Juan Gelman, el personaje (la panadera), guarda en
cada parte de su cuerpo el dolor de la memoria (de su país), [...] el
ritmo permanece igualmente estático. También a velocidad metro-
nómica de 92, la obra toda está escrita en negras que se repiten sin
cesar, excepto por el final, donde aparece una corchea atravesada
(tipo de broma que nos juega también en abril). El pedal se mantie-
ne abajo durante toda la obra. La obra solo alterna dos planos diná-
micos que permanecen estáticos: mf y f.
Daniel Áñez

Viva voce
Ultima obra de Graciela Paraskevaídis, donde se ven claramente los
recursos utilizados a través de su obra para piano, aquí podremos
escuchar una percepción temporal de los elementos en un tiempo
que pasa cada vez más lento en fricción con el silencio.
Diego Sánchez Villa

Ana Bofill (España, 1944)

Estudió composición con Joseph Cercós y

Xavier Montsalvatge; contrapunto y fuga con
Mestres Quadreny; y elctroacústica con Ga-
briel Brncic y Luis Calleja en laboratorio Pho-
nos. Asistió a los cursos de Luigi Nono y Iannis
Xenakis. Sus obras abarcan conjuntos instru-
mentales e instrumentos solos. Es autora de
varios llibros, entre ellos Los sonidos del silencio de 2015, sobre la
presencia de las mujeres compositoras en la música.

Marisa Manchado Torres (España, 1956)

Es doctora en Musicología, pionera en el cam-

po de los estudios de género en España. Estu-
dió en el Real Conservatorio de Madrid, luego
en Turín y Darmstadt. Tomó cursos con Luis de
Pablo y Olivier Messiaen. Su producción abar-
ca 150 composiciones que comprenden ópe-
ra, obras para orquesta, instrumentos solistas,
música de cámara, vocal y música electroacústica. Autora del libro
Música, mujeres, Género y poder.

173
 Teresa Catalán Sánchez (España, 1951)

Estudió en el Conservatorio Pablo Sarasate de

Pamplona. Fue alumna de los cursos de Ra-
món Barce y Agustín González Acilu. Se per-
feccionó en la Academia Chigiana de Siena
con Franco Donatoni y tomó clases con Luigi
Nono, Leo Brouwer y Samuel Adler. Premio
Nacional de la Música 2017. Es catedrática de
Composición, Instrumentación y Formas musicales en el Real
Conservatorio de Madrid. Miembro de número de la Academia de
las Ciencias, las Artes y las Letras del País Vasco. Ha escrito obras de
cámara, ballet y para instrumentos solistas.

Beatriz Arzamendi (España, 1961)

Inició sus estudios de violín en la Academia

Arrasate Musical continuando en el Conserva-
torio Donostiarra y en Madrid, donde se espe-
cializa en Composición, Dirección de coro y de
orquesta. Tomó cursos de dirección con Ser-
giu Celebidache, Antoni Ros Marbá, Sergiu
Comisiona, y composición con Joan Guinjoan,
Luis de Pablo y Ramón Barce. Es vicepresidenta de la Asociación
de Mujeres en la Música. Ha escrito obras sinfónicas, de cámara,
instrumentos solistas, coral y electroacústica.

Carme Fernández Vidal (España, 1970)

Estudió con Teresa Catalán y piano con Ramón

Coll. Doctora por la Universidad de Baleares.
Autora de libros sobre técnica y teoría musical,
y el tratado Técnicas compositivas antitonales,
entre otros. Profesora del Conservatorio Supe-
rior de Islas Baleares y jefa del departamento
de Composición. Ha escrito obras sinfónicas,
vocales, para conjuntos diversos e instrumentos solistas.

174
Rosa María Rodríguez Hernández (España, 1963)

Estudió composición, dirección de coro y de

orquesta, musicología en el Conservatorio
de Palma de Mallorca, en Madrid y Valencia.
Tomó cursos con Eduardo Cifre, Manuel Gar-
duf, composición con Franco Donatoni, Leo-
nardo Balada, Alejandro Yague y León Schid-
lowsky. Fue investigadora del Laboratorio de
Creaciones Intermedia del departamento de escultura en el
proyecto Recuperación de obras, pionera del arte sonoro de la
vanguardia histórica española y revisión de su influencia actual.
Compuso obras para diferentes conjuntos instrumentales, ins-
trumentos solistas, orquesta y coro. Es fundadora y directora de
la revista Itamar de investigación musical, miembro del taller
Mujeres y creación musical contemporánea, y coordinadora de
los libros Análisis de la Música Contemporánea.

Estas composiciones tienen títulos muy significativos que se reflejan

en su elaboración con diferentes recursos técnicos y tímbricos. Todas
las obras, muy diferentes entre sí, demuestran un serio conocimien-
to del instrumento y sus posibilidades. Transmiten tensión, emoción
y hasta algo de suspenso.
Lidia Guerberof Hahn

175
 I N T É RPRETES

Diego Sánchez-Villa

Realizó sus estudios de Piano en la Facultad de

Música de la UNAM (FaM) bajo la tutela de Erik
Cortés, Gabriela Pérez Acosta y Edith Ruiz, y en
composición con Julio Estrada, Mario Stern y
Raúl Dávila. Ha sido solista de la Orquesta Sin-
fónica Estanislao Mejía y del Ensamble de Mú-
sica Nueva de la FaM; realizó en 2022 el estreno
en México del Concierto para piano orquesta de cuerdas y timba-
les de Galina Ustvolskaya con la Orquesta de Cámara de Bellas Ar-
tes bajo la dirección de Ludwig Carrasco. Recientemente grabó el
CD con la obra completa para piano de Aquiles Lázaro, Multitud, en
el sello Tempus Clásico; además ha participado en una decena de
grabaciones de música inédita de compositores (as) de su tiempo.
Su interés en la difusión de música latinoamericana lo ha llevado a
colaborar estrechamente con los compositores más destacados
de su generación, creando así proyectos culturales y conciertos en
las salas más importantes en México, España, Francia y Austria.

Lidia Guerberof Hahn

Nacida en Buenos Aires. Obtuvo, a los 17 años,

una beca de la Academia C. Porumbescu de
Bucarest. Se perfeccionó en piano con Bruno
Seidlhofer, y análisis con Erwin Leuchter. Des-
de 1970 se dedica a la interpretación del clave-
cín. En Barcelona, como clavecinista, fue inte-
grante de la Orquesta Catalana de Cámara y
del grupo GIC de música contemporánea. Ha sido solista en festi-
vales internacionales y presentaciones en Estados Unidos, Argen-
tina, España, Perú y México, país donde reside desde 1986. En 1988
fue distinguida por el Gobierno de Brasil con la Medalla Heitor
Villa-Lobos. Se dedica especialmente al rescate y difusión de la
música de compositoras del mundo tanto en clavecín como en
piano de los siglos XVIII al XX. Ha estrenado obras de compositores
contemporáneos escritas para ella.

176
Museo Universitario Arte Contemporáneo, UNAM
Viernes 20 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Marisol Jiménez
Instalación para mecanismos de sonido autónomos
e instrumentos de viento (2023)** 25’

Eleni Poulou
Tetra Palta para metales y sintetizador (2023)** 25’

Juan Felipe Waller

Die sprechenden Stummen para metales
y electrónica (2022)** 30’

**Estreno en México

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

Zinc & Copper

Elena Margarita Kakaliagou, corno
Robin Hayward, tuba microtonal
Hilary Jeffery, trombón, trompeta
Marisol Jiménez Becerra, electrónica
Eleni Poulou, Korg PS3100
Juan Felipe Waller Vigil, electrónica

177
 COM PO SITO RE S

Marisol Jiménez (México)

Nació en Guadalajara y vive en Berlín. Su mú-

sica expresa una intensa fascinación con los
procesos táctiles de la producción del sonido.
Sus obras incluyen música de cámara, música
electrónica e instalaciones sonoras. La mayo-
ría de sus piezas incluyen esculturas sonoras
caseras, con objetos encontrados, materiales
sonoros grabados por ella misma, improvisaciones y performan-
ces. Su música se ha interpretado y ha sido comisionada por en-
sambles de música nueva y artistas de toda Europa, Estados Uni-
dos, Latinoamérica y Japón.

Instalación para mecanismos de sonido autónomos e instrumen-

tos de viento
La obra consiste en un entorno sonoro inmersivo en el que tres me-
canismos de sonido autónomos, junto con tres instrumentistas de
metal, crean una estructura musical no lineal y siempre cambiante.
Las máquinas de sonido producirán diferentes tonos de la serie de
armónicos naturales. Los músicos tocarán afinaciones específicas
relacionadas con las de las máquinas, explorando resonancias co-
munes y los espacios intermedios.

Eleni Poulou (Grecia)

Ha grabado y realizado giras por todo el mun-

do con numerosos grupos, entre ellos The Fall
y Shizuo. Actualmente trabaja con Wolfgang
Seidel, Bomb Sniffing Dogs y con James “Jea-
nette” Main. Conduce los programas radiofó-
nicos Elope en Cashmere Radio y Kastra en
Movement Radio. Es Dj y escribe poesía, crea
collages sonoros y edita fanzines. Es integrante, junto a Petr Step
Kišur de NOHE NOSHE, y es parte del colectivo artístico Honey
Sucle Company de Berlín. Formó en 2022 Organiza Ray con Hilary
Jeffery. Su más reciente álbum se titula Karta en donde mezcla
música póntica griega con sonidos y beats.

178
 Tetra Palta
Una nueva colaboración con la músico, compositora y poeta Eleni
Poulou (The Fall) para metales microtonales y sintetizador, que ex-
plora la antigua teoría musical griega en un contexto contemporá-
neo. Poulou dispone de una amplia gama de instrumentos electróni-
cos, entre ellos el rarísimo Korg PS3100. Una característica especial
de este instrumento es que cada octava puede afinarse indepen-
dientemente. Poulou está interesada en explorar aspectos de la an-
tigua teoría musical griega, en específico la afinación pitagórica, y su
combinación con la entonación justa, presente en el Hayward Tu-
ning Vine, software creado por el tubista del ensamble.

Juan Felipe Waller (México, 1971)

Estudió en París y continuo su educación mu-

sical en México en el Centro de Investigación y
Estudios de la Música. Participó en clases ma-
gistrales de L. Berio, J. Tiensuu, M. Stachowski,
P. Bujarski, F. Donatoni y G. Brophy. En algu-
nas de sus obras como El culto, para cuatro
cantantes y ensamble, y En el allure del frene-
sí, hay una obvia influencia de la instrumentación, el color y el esti-
lo mexicanos, mientras que otras piezas, como Jeu de Dames y
Eye Masking, la fuente musical brota de una inspiración oscura y
sicológica. En ambos casos el surrealismo juega un papel princi-
pal. Escribe música para ensambles de cámara, compañías de
danza o proyectos multimedia.

179
 Die sprechende Stummen
La investigación y composición estudian el rol de las sordinas que los
instrumentos usan normalmente para atenuar su sonido o cambiar
el tono de estos. La transformación da a las sordinas otra capa de
participación dentro de su original propósito. Esto significa que, apar-
te de atenuar, de modo contradictorio, también se obtiene una parte
sonora, por medio de la amplificación. Las sordinas se reconstruyen
con amplificación mediante el uso de bocinas y/o transductores. El
intérprete tendrá la posibilidad de afectar su sonido mediante otro
sonido directo en la campana de los instrumentos. Esto tendrá dife-
rentes implicaciones y consecuencias en la experiencia sonora, pri-
mero para el intérprete y finalmente para el oyente. La clase de soni-
dos que son amplificados se originarán de tres fuentes diferentes: 1)
amplificando el tono de un músico en vivo directamente en la cam-
pana del instrumento de otro intérprete. 2) sonidos grabados que
tengan como característica un tono o rango de sonido similar a los
propios instrumentos de metales. Tonos largos y de registro similar,
de modo que ambos tonos puedan mezclarse y el intérprete pueda
moverse con o contra los sonidos producidos por la sordina. 3) Soni-
dos contrastantes y percusivos como de voces, diferentes al rango de
sonido del propio instrumento. Algunos ejemplos de sordinas dife-
rentes creadas, probadas usando las tres diferentes aproximaciones
de tono incluyendo: sordina harmon con exciter/transducer (sonando
dentro de la campana, la sordina se vuelve el elemento amplificador,
el sonido es “objetivado”), sordina straight con bocina integrada (so-
nido exterior desde la campana del instrumento), sordina plunger
con bocina (sonido interior, hacía la campana del instrumento).
Investigaciones y conclusiones adicionales para la pieza enfocan
la clase de amplificación. En los años 1970 surgió una técnica espe-
cial de amplificación diseñada por Barcus Barry, donde un micrófo-
no de contacto es insertado directamente en la boquilla. El sonido
amplificado sólo registra el sonido directamente de la boquilla vi-
brando, obteniendo un tono de color especifico. Usando este méto-
do de amplificación en un trío les permitirá tocar a través de sordinas
amplificadas directamente en las campanas de los demás, consi-
guiendo así un feedback particular “controlado”, ampliando las reac-
ciones en cadena de cada uno.
Desde el principio, el característico sonido y enfoque de Zinc &
Copper ha estado en temperamento justo, donde las relaciones in-
terválicas se basan marcadamente en series de armónicos, las cuales
son la fuente de la propia construcción de los instrumentos de metal.
Esta obra ahonda en este sistema de afinación, ayudada por la inter-
faz Tuning Vine de Robin Hayward.

180
I N T É RPRETES

Zinc & Copper

Ensamble de metales bajos fundado en 2005 por Robin Hayward,

que trabaja junto a Elena Kakaliagou y Hilary Jeffery desde 2014. A
través de una exploración intensiva de afinaciones microtonales y
naturales, Zinc & Copper ha desarrollado un sonido de conjunto
único caracterizado por la calidez de los instrumentos de meta-
les bajos y una amplia gama de técnicas de interpretación exten-
didas. Desde 2015 las colaboraciones con compositores como
Ellen Arkbro, Hayden Chisholm, Amir ElSaffar, Hanna Hartman,
Catherine Lamb, Simon Martin, Phill Niblock, Duane Pitre, Éliane
Radigue, Jan-Peter E.R. Sonntag y Keith Tippett han dado como
resultado un repertorio diverso en la frontera de la música con-
temporánea, buscando inspiración en formas musicales experi-
mentales y no europeas, así como colaboraciones con otras for-
mas artísticas. En la época de Giovanni Gabrieli, mucho antes de
que se inventaran los modernos instrumentos de viento con vál-
vulas, el conjunto de metales tenía la misma categoría que otros
conjuntos de música de cámara. Mediante la investigación de
enfoques alternativos de la interpretación, Zinc & Copper explora
el potencial de este medio en el siglo XXI.

181
 Casa Nuestra. Sede Histórica del Senado de la República
Viernes 20 de octubre, 19:30 h

PROG R A M A

Nadia Borislova
Espejismos (2014) 6’

Carlos Díaz, clarinete

Sebastián Betancourt, guitarra

Rogelio Ramírez
Cuatro piezas de lluvia (2016)* 4’

Jimena Palma
El vuelo de las mariposas monarca (2022)* 6’

Eduardo Trillo
Letanía del atardecer (2023)* 6’

Galina Ustvolskaya
Concierto para piano y orquesta (1946) 20’

Diego Sánchez-Villa, piano

Enrique González Medina

7 Poemínimos, Op. 7 (1995) 15’

Verónica Murúa, soprano

*Estreno mundial

Ensamble de Música Contemporánea de la Escuela

Superior de Música
Ensamble de Música Nueva de la Facultad de Música
de la UNAM
Germán Tort, director artístico
Edgar Castillo, coordinador

182
COM PO SITO RE S

Nadia Borislova (Rusia, 1969)

Nació en Moscú y adquirió́ la nacionalidad

mexicana en 1995. Su catálogo musical consta
de más de cien obras. Ha grabado más de
treinta discos y recibido numerosos premios
nacionales e internacionales como intérprete,
compositora, docente, investigadora, gestora
y directora de grupos. Su trayectoria como
concertista inició en 1988, la cual incluye conciertos, cursos y con-
ferencias en importantes foros de Rusia, Francia, Hungría, España,
Italia, Estados Unidos, Canadá, Costa Rica, Brasil, Panamá, Perú,
Cuba, Chile, Paraguay, Marruecos y México. Su obra ha sido publi-
cada en Rusia, México, Italia, Suecia, España, Panamá, Argentina,
Estados Unidos y Canadá. Desde 1994 es docente de la Facultad
de Artes de la Benemérita Universidad Autónoma de Puebla.

Espejismos
Exploran una combinación poco usual en la música de cámara, dúo
para clarinete y guitarra. Dice la autora: “Me interesó explorar esta
combinación haciendo al principio varias transcripciones, después
decidí crear una obra para este dúo, pues las combinaciones de los
timbres de estos dos instrumentos me parecieron muy peculiares y
únicos, y me inspiraron a escribir este ciclo donde la guitarra y el
clarinete en algunos momentos de la obra se funden en el color y
atmósferas como un sólo instrumento, un alma, un corazón”.

Rogelio Ramírez Sánchez (México, 1990)

Es egresado de la licenciatura en Música-­

Composición en la Facultad de Música de la
UNAM bajo la cátedra de Leonardo Coral. Sus
obras han sido interpretadas por diversos en-
sambles y orquestas en el país bajo la direc-
ción de Miguel Salmon del Real, Germán Tort,
David Olmedo y Jesús Medina. Acreedor a dos
estímulos del Programa Estatal PECDA Puebla en sus ediciones
2018 y 2022. Ganador de varios concursos nacionales de composi-
ción entre ellos el Nacional de Composición Arturo Márquez 2019
y Nacional de Composición Raíces, en 2020 y 2021.

183
 Cuatro piezas de lluvia
Es una obra que compuse en 2016 como una adaptación para en-
samble de una colección de cuatro piezas cortas para piano del mis-
mo nombre. Cada movimiento está inspirado en distintas formas de
la lluvia, a veces ligera y con movimiento interno, otras estruendosa
y violenta. La obra es atonal, utilizo en particular los intervalos de 4a
y 2a como colores armónicos característicos, también es importante
la búsqueda de ritmos irregulares y contrastantes lo cual me permite
lograr las atmósferas de lluvia.

Jimena Palma (México, 1993)

En 2018 ingresó al propedéutico en Composi-

ción con José Francisco Cortés Álvarez, y cur-
sa el último año de licenciatura. Ganó la men-
ción honorífica en el primer concurso Matices
para ensamble de violín, clarinete y piano
2019. Finalista en el String Quartet Smack-
down VII organizado por The Golden Hornet
Project en 2021. Participó en el festival Aires 2019, 2022 y 2023.
Compositora comisionada para el Programa de Estímulo a la
Creación y Desarrollo Artístico Chihuahua por la guitarrista Eliza-
beth Córdova en 2021. Compositora comisionada para el proyec-
to Nuoboe del Fonca, de la oboísta Montserrat García Campos en
2023.

El vuelo de las mariposas monarca

Esta obra representa la migración anual de las mariposas monarca
hacia México. Este lepidóptero recorre miles de kilómetros en su re-
corrido a nuestro país. Con esta pieza también quiero representar el
peligro de extinción de esta especie y el esfuerzo que se está hacien-
do para preservarlo.

Eduardo Trillo (México, 1994)

Es egresado de la licenciatura en Composi-

ción del Conservatorio Nacional de Música
bajo la tutela de Itziar Fadrique y Juan Fer-
nando Durán. Su música se ha presentado en
foros nacionales e internacionales en México,
Bulgaria y Malasia. Como orquestador su tra-
bajo ha sido interpretado por las orquestas
Sinfónica Nacional y de Cámara de Bellas Artes, y ha sido galar-
donado con el primer lugar en los concursos de orquestación

184
Leona Vicario 2020, y de obra para piano Noche de la Indepen-
dencia 2021, ambos convocados por el Cenidim. Ha colaborado
en proyectos con artistas plásticos entre los que destacan: Anta-
náklasis en 2022 de Ernesto Alva, la revisión e instrumentación
de la obra interdisciplinaria Primer ensayo en 2022 de Omar Ro-
dríguez-Graham, así como en la instalación multimedia Nican
Mopohua en 2021, de C.V. Brumund.

Letanía del atardecer

Dedicada a Itziar Fadrique. “Desde el fondo de una ambición, clamé
una vez: ¡Quiero ser Arcángel! No me basta con ser hombre” escribe
José Vasconcelos. El clamor sólo al repetirse se vuelve oración, y es
esta repetición de una idea lo que dota a la obra de una característi-
ca mágica-ritualista. Primero se navegan mundos etéreos, en donde
el sonido flota en el plano en el cual se conceden los actos mágicos a
quienes los invocan; este es su núcleo gestual y espiritual. Después
un responsorio entre el arpa y el piano se da lugar a la explosión de
un acto mágico, un ritual de vitalidad en búsqueda de la invocación
de los favores de quién sea que pueda otorgarlos. El atardecer rompe
la barrera entre el día y la noche y propicia los efectos de la repeti-
ción. Crescendos súbitos llevan la potencia de los actos para poder
reposar en cantos líricos y serenos. La oración es la voz y de la voz
emana toda repetición y magia.

Galina Ustvolskaya (Rusia, 1919-2006)

Nació en Petrogrado. Estudió en la Capella

de Leningrado y luego en el Conservatorio
Rimsky-Korsakov de Leningrado donde ob-
tuvo un posgrado en Composición y pasó a
enseñar Composición en la Facultad de Mú-
sica. Su profesor de composición fue Dmitri
Shostakóvich, quien era tacaño con los elogios
y a menudo sarcástico, describió a Ustvolskaya así: “Creo que la
música de Ustvolskaya obtendrá el reconocimiento mundial de
todos los que aprecian la verdadera creatividad”. La actitud de
Shostakóvich hacia su alumna recuerda en cierto modo a la acti-
tud de Schönberg hacia Webern. La música de Ustvolskaya no es
vanguardista en el sentido habitual de la palabra. Quizás sea
precisamente por esta razón que su obra nunca fue objeto de la
misma condena pública que la música de varios de sus colegas
en la antigua URSS.

185
 Concierto para piano y orquesta
“...Es muy difícil hablar de mi propia música. Desafortunadamente
mi capacidad para componer no coincide con la capacidad para
escribir sobre mi música. En general existe la creencia de que lo uno
incluso excluye lo otro... Todas mis composiciones son espiritualmen-
te independientes; mi obra no está vinculada de ninguna manera
con la de ningún otro compositor. Desafortunadamente, los musicó-
logos generalmente piensan de manera estereotipada e inmediata-
mente comienzan a buscar parentescos (quiénes son el padre y los
antepasados, etc.). La originalidad es fundamental en el trabajo crea-
tivo. Todo talento, incluso el más modesto, sólo resulta interesante
cuando encuentra su propio camino e inmediatamente deja de ser
interesante si no puede producir nada original. Quienes estén en con-
diciones de juzgar y analizar mis composiciones desde un punto de
vista teórico deben hacerlo en un monólogo consigo mismos. Aque-
llos que no puedan hacer esto, simplemente escuchen mis composi-
ciones; esta es la mejor manera. Aunque mis composiciones no son
religiosas en el sentido estrictamente litúrgico, están llenas de espíri-
tu religioso y creo que suenan mejor cuando se interpretan en un
ambiente eclesiástico, sin prefacios ni análisis musicológicos. En la
sala de conciertos, es decir, en un ambiente secular, suenan comple-
tamente diferentes…”

Enrique González Medina (México, 1954)

Nació en Tijuana. Inició sus estudios de com-

posición en la UNAM. Es graduado de la li-
cenciatura en The Mannes College of Music y
de la maestría en CSU-LA. Desde 2013 es pro-
fesor de Composición en la Escuela Superior
de Música del INBAL. Sobre su labor compo-
sicional comenta: “Hoy, creo que todas mis
experiencias, las dulces, así como las duras, han tenido un im-
pacto en mis pensamientos cuando compongo. Siento muy
fuerte la convicción de componer la mejor música de la que soy
capaz y además me desafío a que sea muy atractiva para los mú-
sicos.” Compositor de óperas, ciclos de canciones, conciertos,
música sinfónica, música de cámara, música coral y música para
solistas. Fue becario del Fonca-Creadores de Arte de 2016 a 2019.

186
Siete poemínimos
Soy originario de Tijuana, y en la década de los años 1970 viví en la
ciudad de México, donde estudiaba música. En aquellos años, re-
cuerdo claramente la primera vez que leí los Poemínimos de Efraín
Huerta. Un grupo de ellos aparecieron en un ejemplar del periódico
Uno más uno que yo leía mientras viajaba en autobús rumbo a la
escuela de música. Recuerdo que me impresionaron, y sentí que se-
ría estupendo ponerles música. Sin embargo, como son las cosas,
tuvieron que pasar varios años después de este descubrimiento para
llevar a cabo esta idea. Finalmente, compuse el ciclo en 1995, para
soprano y orquesta.

187
 I N T É RPRETES

Ensamble de Música Contemporánea de la Escuela

Superior de Música
Ensamble de Música Nueva de la Facultad de Música
de la UNAM

Integrantes
Abril Aguilar, Jorge Bautista, Raúl Calva, Rafael Flores, Jennifer
Jiménez, Julio Lozano, Saúl Miranda, Huitzilli Montes, Manuel
Ruiz, Estefaní Sotelo, violines; Jocelín Díaz, Abraham Escutia,
Alejandra Granados, Deni Medina, Román Reyes, Samuel Rojas,
Paola Romanillo, violas; Carmilla Álvarez, Jazmín Balbuena, Da-
niel Sosa, Karla Valdez, violonchelos; Hans Gundermann, Adrián
Escobar, Betzabet López, contrabajos; Daniel Cuevas, flauta;
Miguel Espino, oboe; Carlos Díaz, Rodrigo Hernández, Lizbeth
Salas, clarinetes; Gerardo Gil, fagot; Rolando Mendoza, saxofón;
Carlos Frausto, corno; Luis Cortés, Misael Granados, trompetas;
Ángel López, trombón; César Aranda, Isaac Hernández, Mirian
Mendoza, percusiones; Sebastián Betancourt, guitarra; Marla
Rincón, arpa; Alexis Martínez, Estefanía Zayas, pianos.

Germán Tort

Es licenciado en Dirección de orquesta por el

Conservatorio Nacional de Música de México.
Obtuvo la maestría en Dirección de orquesta
por el Conservatoire de Noisy-le-Sec en Fran-
cia. Realizó estudios en los conservatorios de
Evry, Frédéric Chopin, de Noisy-le-Sec, L’Ecole
Grégorien de París, L’Ecole Normale de Musi-
que de París y The Pierre Monteux School for Conductors and Or-
chestra Musicians en Estados Unidos. Ha dirigido las orquestas
Filarmónica del Estado de Querétaro, Sinfónica de Yucatán, Sinfó-
nica de Oaxaca y Sinfónica de la Marina, así como al Cepromusic y
a Solistas Ensamble de Bellas Artes. Es director del Ensamble de

188
Música Nueva de la Facultad de Música de la UNAM y del Ensam-
ble de Música Contemporánea de la Escuela Superior de Música,
con quienes ha estrenado en México diversas obras de composi-
tores mexicanos y extranjeros. En 2018 bajo su dirección, y a casi
treinta años de su estreno, se volvió a representar la ópera Aura de
Mario Lavista.

Diego Sánchez-Villa

Realizó sus estudios de Piano en la Facultad

de Música de la UNAM (FaM) bajo la tutela de
Erik Cortés, Gabriela Pérez Acosta y Edith Ruiz,
y en composición con Julio Estrada, Mario
Stern y Raúl Dávila. Ha sido solista de la Or-
questa Sinfónica Estanislao Mejía y del En-
samble de Música Nueva de la FaM; realizó en
2022 el estreno en México del Concierto para piano orquesta de
cuerdas y timbales de Galina Ustvolskaya con la Orquesta de Cá-
mara de Bellas Artes bajo la dirección de Ludwig Carrasco. Recien-
temente grabó el CD con la obra completa para piano de Aquiles
Lázaro, Multitud, en el sello Tempus Clásico; además ha participa-
do en una decena de grabaciones de música inédita de composi-
tores (as) de su tiempo. Su interés en la difusión de música lati-
noamericana lo ha llevado a colaborar estrechamente con los
compositores más destacados de su generación, creando así pro-
yectos culturales y conciertos en las salas más importantes en Mé-
xico, España, Francia y Austria.

Verónica Murúa

Nació en la Ciudad de México. Realizó la licen-

ciatura en Canto en la Manhattan School of
Music y la maestría en la Universidad de Illinois
y concluyó el doctorado en Interpretación
musical en la Facultad de Música de la UNAM.
En 2006 debutó en el Carnegie Hall con la Eve-
rett Symphony Orchestra. Ha sido solista en
las óperas Cavalleria rusticana, La vida breve, Il Guarani, El elixir
de amor, La Valquiria, Nabucco, Carmen, La voz humana, Paya-
sos, Tosca y La bohème, tanto en México como en el extranjero. Ha
sido artista residente del Banff Centre for the Arts en Canadá. Par-
ticipó como solista en grabaciones con las orquestas Sinfónica de
Minería, Juvenil Eduardo Mata y Filarmónica de la Ciudad de Mé-
xico. Es catedrática de tiempo completo en canto, música vocal
mexicana, Lied y ópera de cámara. Ha recibido las becas Fonca-­
Intérpretes, Coinversiones y Residencias artísticas.

189
 Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte
Sábado 21 de octubre, 11:30 h

PROG R A M A

M. William Karlins
Music for tenor saxophone and piano (1969) 10’

Giacinto Scelsi
Tre pezzi (1956) 10’
A 35 años de su muerte

Alberto Alcalá
Nocturno elegiaco (2020)* 5’

Rodolfo Halffter
Secuencia, Op. 39 (1977) 11’

Alberto Alcalá
Nocturno después de la lluvia (2022)* 3’

Armando Luna
Sonata (2013)** 13’

*Estreno mundial
**Estreno en México

EMAC
(Ensamble Modular de Arte Contemporáneo)
Jorge Hoyo, saxofón
Sergio Solís, piano

190
COM PO SITO RE S

M. William Karlins (Estados Unidos, 1932-2005)

Originario de Nueva York, realizó sus estudios

en la Manhattan School of Music, y en 1965 ob-
tuvo un doctorado por la Universidad de Iowa.
Entre sus principales maestros figuran Frede-
rick Piket, Stefan Wolpe y Vittorio Giannini. Im-
partió la clase de Teoría y composición en la
Northwestern University. Su amplio catálogo
incluye obras para orquesta, ensambles de cámara y coro. Su par-
ticular interés por el saxofón lo motivó para incluirlo en varias de
sus partituras con formaciones diversas. Fue compositor en resi-
dencia en los Congresos Mundiales de Saxofón en Londres, Bur-
deos y Nuremberg. Su obra ha sido grabada en los sellos Centaur,
Hungaroton, Opus One, ACA Digital Audio, Music from Northwes-
tern, Arizona University Recordings, Equilibrium, Soundwind,
RIAX & Arktos CDS.

Music for tenor saxophone and piano

Utiliza un lenguaje atonal característico de los años 1970 con seccio-
nes precisamente notadas en la partitura que alternan con otras que
introducen cierta aleatoriedad y otras que requieren de los intérpre-
tes una improvisación semiestructurada. El segundo movimiento
está dedicado a Coleman Hawkins y cita uno de sus temas más co-
nocidos: Body and Soul.

Giacinto Scelsi (Italia, 1905-1988)

Estudió composición en Roma, Génova y Vie-

na, donde trabajó con alumnos de Arnold
Schönberg. En sus primeras piezas, Scelsi si-
guió los dogmas del neoclasicismo que des-
pués abandonó para dedicarse al dodecafo-
nismo y a la música de Alexander Scriabin. Sus
composiciones más importantes datan a par-
tir de la década de los años 1950, al final de severas crisis psicológi-
cas cuya terapia incluía largas horas al piano, escuchando una sola
nota. Desarrolló un concepto personal de la expresión musical in-
fluenciado por el estudio de filosofías orientales en las que el rit-
mo y las relaciones interválicas pasan a segundo plano mientras
que su genio creativo se concentra en el universo de los tonos y los
sonidos. Su estilo ha sido una fuerte influencia en la generación de
compositores de música espectral.

191
 Tre pezzi
Es una obra representativa del segundo período creativo del autor,
durante el cual su ideología estuvo fuertemente influida por filoso-
fías orientales. Durante este período, su proceso compositivo co-
menzaba con sesiones de improvisación que eran grabadas y poste-
riormente transcritas y depuradas. Paradójicamente, esta libertad y
el carácter repentista de esta música se plasman en la partitura me-
diante una notación escrupulosamente precisa. Cada uno de los tres
movimientos se desarrolla a partir de nodos tonales que funcionan
como pilares que sostienen la composición. Existen motivos melódi-
cos recurrentes que aparecen siempre con sutiles variaciones lo que
aporta unidad a la obra a la vez que mantiene un discurso libre y
elocuente.

Alberto Alcalá (México, 1986)

Estudió el nivel técnico de Guitarra y poste-

riormente la licenciatura en Composición en
el Conservatorio Nacional de Música. Cursó la
licenciatura y maestría en Matemáticas, en la
UNAM; actualmente realiza un proyecto de
doctorado en Matemáticas aplicadas a la mu-
sicología sistemática. Sus obras se han estre-
nado en destacados recintos y festivales de México. Ha sido tres
veces acreedor a la beca para Jóvenes Creadores del Fondo Espe-
cial para la Cultura y las Artes del Estado de México. En 2015 ganó
el segundo lugar en el VI Concurso Internacional de Composición
del Museo Iconográfico del Quijote. Su música se caracteriza por
un lirismo onírico influido por músicas tradicionales originarias de
diversas latitudes, planteado mediante un florido contrapunto or-
gánico de armonías recargadas y texturas dinámicas.

Nocturno elegiaco
Nocturno después de la lluvia
Forman una colección de obras para distintos saxofones (soprano,
contralto, tenor, etcétera) y piano. Estas piezas evocan ambientes y
atmósferas diversas, inscritas en el tema lírico general de la noche.
En particular, el Nocturno elegíaco para saxofón tenor y piano se ins-
cribe, además, en el género de la elegía. La pieza presenta distintas
frases elaboradas a partir de motivos lamentosos, en las que notas
sostenidas son perturbadas por crecientes vibratos, y contrastadas
con micromelismas y abalanzantes súbitos.

192
Rodolfo Halffter (España, 1900 - México, 1987)

Compositor español nacionalizado mexicano,

realizó sus estudios musicales en el Conserva-
torio de Madrid. Coincidiendo con la Genera-
ción del 27, fue miembro activo del grupo co-
nocido como “El grupo de los Ocho” durante
los años 1930. Se estableció en México en 1939
debido a la Guerra Civil en España. Obtuvo la
nacionalidad mexicana y fue en México donde compuso la parte
sustancial de su obra. Fue director de las Ediciones Mexicanas de
Música y durante 30 años impartió la cátedra de Análisis en el Con-
servatorio Nacional de Música. En 1976 recibió el Premio Nacional
de Bellas Artes. Su música evidencia una búsqueda por mantener
el espíritu de la música española combinando serialismo, dodeca-
fonismo y politonalidad, además de una factura transparente, rit-
mos vigorosos y formas claras.

Secuencia
Es la penúltima obra para piano escrita por el compositor. En ella
podemos encontrar abundantes elementos que recuerdan el carác-
ter de la música española. La obra viene a inscribirse en la última
manera halffteriana. Todos los procedimientos y aún ciertos giros
personalísimos parecen reunirse en esta última partitura, lo que po-
dría llevarnos a la estimación de compendio reafirmativo de una ac-
titud estética.

Armando Luna (México, 1964-2015)

Originario de Chihuahua. Comenzó su forma-

ción con Juan Manuel Medina Díaz. En 1980
ingresó al Conservatorio Nacional de Música
como discípulo de Salvador Jiménez y Gonza-
lo Ruiz. En 1984 entró al Taller de composición
con Mario Lavista. En 1989 cursó la maestría en
Composición guiado por Leonardo Balada,
con una beca de la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh.
Fue compositor residente de la Orquesta Sinfónica Carlos Chávez
y la Orquesta Sinfónica Nacional. Fue titular en cátedras de Com-
posición, Análisis, Armonía e Instrumentación del Conservatorio
Nacional de Música y el Conservatorio del Estado de México, así
como integrante del Sistema Nacional de Creadores de México.

193
 Sonata
Para saxofón y piano es una obra de madurez que presenta los ele-
mentos característicos de la escritura de Luna: texturas musicales
densas, una intrincada figuración rítmica, uso extendido de la armo-
nía con disonancias frecuentes, exigencias técnicas que van hasta el
límite de las posibilidades del instrumento... todo ello en un discurso
desenfadado que revela un amplio conocimiento de las formas mu-
sicales clásicas y populares. Ésta será, sin duda, una obra de referen-
cia en el repertorio mexicano para saxofón y piano.
Notas de Jorge Hoyo

194
I N T É RPRETES

EMAC (Ensamble Modular de Arte Contemporáneo)

Creado en 2015, EMAC es un ensamble a dotación variable que

busca desarrollar un lenguaje musical apropiado para el siglo
XXI. Nace a partir del interés común de sus fundadores por difun-
dir el repertorio del siglo XX aún poco conocido, así como dar voz
a creaciones recientes, colaborando con compositores en la con-
cepción y ejecución de obras nuevas. Parte esencial de su activi-
dad se basa en la estrecha relación que sus integrantes han de-
sarrollado con creadores de disciplinas diversas para dar forma a
expresiones artísticas propias de nuestro tiempo.

195
 Sala Carlos Chávez, Centro Cultural Universitario, UNAM
Sábado 21 de octubre, 13:00 h

Ligeti / Nancarrow
PROG R A M A

György Ligeti
Sonatina de Cinco piezas
para cuatro manos núm. 4 (1950) 5’
Allegro
Andante
Vivace

Conlon Nancarrow
De la Suite Boogie-Woogie (1949-1950) 10’
Estudios núms. 3b, 3c, y 3d para piano mecánico
Versión a cuatro manos de Amy Williams

György Ligeti
Estudios para piano. Primer Libro (1985) 30’
Désordre. Molto vivace, vigoroso, molto ritmico, = 63
Cordes à vide. Andantino rubato, molto tenero, = 96
Touches bloquées. Vivacissimo, sempre molto ritmico -
Feroce, impetuoso, molto meno vivace - Feroce, estrepitoso
- Tempo I
Fanfares. Vivacissimo, molto ritmico, = 63, con alegria e slancio
Arc-en-ciel. Andante con eleganza, con swing ca. 84
Automne à Varsovie. Presto cantabile, molto ritmico e
flessibile, = 132

Conlon Nancarrow 10’

Estudio núm. 14 para piano mecánico (1948 y 1960)
Versión para piano a cuatro manos de Helena Bugallo

Estudio núm. 6 para piano mecánico (1948 y 1960)

Versión para piano a cuatro manos de Erik Oña

Estudio núm. 9 para piano mecánico (1948 y 1960)

Versión para piano a cuatro manos de Helena Bugallo

Israel Barrios - Sebastián Espinosa, piano

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

196
COM PO SITO RE S

György Ligeti (Rumania, 1923 – Austria, 2006)

Estudió en el Conservatorio de Klausenburg

con Ferenc Farkas, y en la Franz Liszt Academy
de Budapest con Sándor Veress, Pál Járdányi y
Lajos Bárdos. Dejó su país natal en 1956. Em-
prendió un intensivo estudio de la música de
Karlheinz Stockhausen, Mauricio Kagel y Pie-
rre Boulez, mientras trabajaba en el Estudio
para Música Electrónica de Colonia, Alemania. Fue profesor aso-
ciado de la Summer School for Contemporary Music en Darm­
stadt, Alemania, y profesor huésped en la Royal Swedish Academy
of Music en Estocolmo. Fue becario del German Academic Exchan-
ge Programme de 1969 a 1970, y compositor en residencia de la
Universidad de Stanford en 1972, antes de ser nombrado profesor
de composición en la Hamburg Musikhochschule en Alemania, al
año siguiente. Logró un sustancial impacto en la escena interna-
cional de la música contemporánea en la docencia, que ejerció
hasta 1989, y como integrante activo de la escena musical, convir-
tiéndose en una referencia estética para toda una generación.

Conlon Nancarrow (Estados Unidos 1912 – México, 1997)

Compositor nacionalizado mexicano en 1955.

En su juventud tocó la trompeta en bandas
de jazz, para luego estudiar formalmente mú-
sica con Walter Piston. Durante la guerra civil
española se unió a una brigada para comba-
tir en contra de Franco. A su regreso a Estados
Unidos sintió el acoso del gobierno por ser ad-
junto del partido comunista, y es entonces que decide mudarse
a México para no vivir bajo vigilancia. En su música se pueden
identificar propuestas novedosas, como la orientación rítmica
de la polifonía; la disonancia temporal basada en el uso simultá-
neo de tempi distintos, y, con esto, la concepción de una polifo-
nía contrapuntística derivada de secuencias melódicas tempo-
ralmente independientes.

197
 En este concierto, los pianistas Israel Barrios y Sebastián Espinosa
presentan obras de dos destacados compositores del siglo XX: Györ-
gy Ligeti y Conlon Nancarrow, con piezas que desafían los límites
técnicos y expresivos del piano. El programa incluye la Sonatina para
piano a cuatro manos de Ligeti (1950), una obra que muestra la in-
fluencia de Bartók y Stravinski en los primeros trabajos del composi-
tor. También se presentan las complejas polirritmias desarrolladas
por Ligeti en sus Estudios para piano, escritos entre 1985 y 2001. Ade-
más, el concierto ofrece una selección de estudios para piano mecá-
nico de Conlon Nancarrow, el excéntrico compositor estadouniden-
se radicado en México, que se dedicó a componer principalmente
para piano mecánico, o pianola, y cuya principal influencia fue el len-
guaje de Ligeti. Los complejos estudios para pianola elaborados por
Nancarrow presentan una impresionante complejidad rítmica que
hasta hace poco sólo podía ser interpretada con pianos adaptados
para tal fin. En esta ocasión, serán interpretados en arreglos para
cuatro manos, lo que permite disfrutar de su asombrosa música, que
el propio Ligeti describió como “algo totalmente diferente”.

198
I N T É RPRETES

Israel Barrios

Licenciado en Piano con mención honorífica

por la Escuela Nacional de Música (actualmen-
te Facultad de Música) de la UNAM. Ha ofreci-
do numerosos recitales en el Palacio de Be-
llas Artes, el Lunario del Auditorio Nacional, la
Sala Carlos Chávez, la Casa del Lago y el Tea-
tro Helénico, entre otros escenarios en Méxi-
co. En 2010 participó en la Feria Mundial en Shanghái en China.
Como acompañante de cantantes de ópera, ha colaborado en la
preparación de más de cincuenta óperas de Verdi, Bizet y Doni-
zetti, por mencionar algunos. Fue pianista repetidor en El juego
de los insectos de Federico Ibarra, Salsipuedes de Daniel Catán y
otras obras. Ha sido director musical en producciones de ópera
para niños de Arpegio Producciones. Ha colaborado con los co-
lectivos Ópera Cinema, Centrópera Enrique Jaso y AcercArte,
con el que participa en el rescate de óperas mexicanas en cali-
dad de editor, revisor y director musical. Es coach de ópera para
el Estudio Ópera de Bellas Artes y docente en la Facultad de Mú-
sica de la UNAM.

Sebastián Espinosa

Egresado del Conservatorio Nacional de Músi-

ca, también estudió en la Escuela de Música y
Drama Guildhall en Reino Unido. Su actividad
pianística incluye música contemporánea, de
cámara, improvisación y actuación escénica.
Participó en un ciclo de música de cámara de
la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de Méxi-
co en 2023, donde compartió escenario con Scott Yoo. También se
ha presentado en la UNAM en 2022 y en los conciertos Chopin a
la luz de las velas 2021. Actuó en la obra Triple concierto dirigida
por Claudio Valdés Kuri. Ha sido solista con las orquestas de Cáma-
ra de Bellas Artes, Filarmónica de la Ciudad de México y otros con-
juntos. Se ha presentado en escenarios de Shanghái, Nueva York,
Vancouver y Londres. Es integrante del oírTrìo Ensamble y ha sido
invitado recurrente del ensamble Liminar.

199
 Sala Manuel M. Ponce, Palacio de Bellas Artes
Sábado 21 de octubre, 18:00 h

¡¡¡Indecible!!!
PROG R A M A

François Daudin Clavaud

O’Banaki 1 - Mégueso
O’Banaki 2 - Nebi

Bruno Letort
XH

Diana Syrse
Una plaga de fantasías

François Daudin Clavaud

O’Banaki 3 - Awan

Gualtiero Dazzi
La forza del passato

Andreas Eduardo Frank

The Mouth of Sound

François Daudin Clavaud

O’Banaki 4 - Ya nigawé
O’Banaki 5 - L’aigle blessé

Trio d’Argent - Souffle Nomade

François Daudin Clavaud, flautas y director artístico
Xavier Saint-Bonnet, flautas
Michel Boizot, flautas

Diana Syrse, voz

200
COM PO SITO RE S

Gualtiero Dazzi (Italia, 1960)

Durante sus años de formación trabajó con

Paolo Arata, Angelo Paccagnini, Laurent Petit-
girard, Franco Donatoni, Ivanka Stoïanova, Da-
niel Charles, Luigi Nono, Brian Ferneyhough,
Tristan Murail y Pascal Dusapin. Ha compues-
to música instrumental, música vocal, teatro
musical, óperas, música electrónica y le gus-
ta confrontar su escritura musical con otras disciplinas artísticas
u otras prácticas musicales vinculadas a la oralidad y la música
experimental. Entre sus creaciones recientes se encuentran Am
Saum des Gedankens para voz, doble coro y orquesta y Réquiem
por Anna Akhmatova, encargada por el conjunto Hanatsu mi-
roir, con el apoyo de la SACEM y la Fondation Salabert. Recibió los
premios Florent Schmitt de la Academia de Bellas Artes del Ins-
tituto de Francia en 2009, del Estudio de Música Contemporánea
de Toulouse en 1986, de la Joven Orquesta Nacional de España
en 1992 y el Villa Médicis hors les murs en 1998.

La forza del passato

El compositor musicaliza un poema de Pasolini, Poesia in forma di
rosa, que evoca nuestro vínculo con el pasado. Una comunicación con
nuestras tradiciones a condición de que sigan siendo libres y vivas.

Diana Syrse (México, 1984)

Estudió Composición en la Facultad de Músi-

ca de la UNAM y una maestría en el Compo-
ser- Performer Program en el California Insti-
tute of the Arts. Realizó una segunda maestría
en la Hochschule für Musik und Theater en
Múnich. Realiza el doctorado en el Musikthea-
ter en la Universidad de Birmingham, Reino
Unido. Entre sus maestros se encuentran Gabriela Ortiz, Wolfgang
von Schweinitz, Don Freund, Marc Loweinstein, Andreas Kissen-
beck y Moritz Eggert. Ha participado como compositora, confe-
rencista y cantante en festivales y conciertos en Estados Unidos y
Canadá; Asia, Europa y Latinoamérica. Fue la primera mexicana en
ser comisionada como compositora y cantante para la Ópera de
Hamburgo y para la Academia Bávara de las Bellas Artes.

201
 Una plaga de fantasías
Nos sumerge en el mundo de un sueño sonoro. La compositora ima-
gina la lluvia como una música que recoge las voces del mundo, una
multitud de lágrimas o llantos de recién nacidos. En el entrelaza-
miento de las líneas musicales de la voz y las flautas, mezcla un poe-
ma de su autoría con los sonidos de los animales simbólicos mexica-
nos utilizando instrumentos prehispánicos. Una obra onírica, volátil,
extraña, sin forma real, que nos lleva hacia lo inexplicable.

Andreas Eduardo Frank (Suiza, 1987)

Estudió en la HFM de Würzburg y en el estu-

dio de electrónica de la Musikhochschule de
Basilea. Su trabajo se enfoca en el medio en-
tre lo real y lo virtual, entre la música, el per-
formance, el video y el teatro. Sus obras se han
presentado en Europa, Asia y América. Desde
2018 es codirector artístico, con Ricardo Eizi-
rik, del Lemniscate Ensemble. Fue becario de la Akademie Mu-
siktheater Heute, nominado para la residencia interdisciplinaria
Gargonza Arts Award 2016, seleccionado para el MATA Festival
2018 en Nueva York, laureado del Protonwerk-núm. 6, nomina-
do para la beca Progetto Positano 2018 de la Fundación EVS, en
colaboración con Ensemble Mosaik, y para una residencia en el
SWR-Experimentalstudio en 2020, recibió también el 64º Pre-
mio de Composición de la Capital del Estado de Stuttgart en
Alemania.

The Mouth of Sound

En esta pieza los músicos forman un cuerpo sonoro poético, repre-
sentando todos juntos una gran boca monstruosa, amplificada sóni-
camente para buscar todo el reino de los sonidos, los significados y el
lenguaje oculto que hay entre las palabras claramente pronunciadas.

François Daudin Clavaud (Francia, 1959)

Nació en Lille. Recibió su formación musical

en el CRR de su ciudad natal, más tarde en el
Conservatorio del Distrito 10 y en la École Nor-
male de Musique de París. Es miembro fun-
dador del Trio d’Argent-Le souffle nomade y
ha escrito numerosas piezas para las produc-
ciones del conjunto. En 2011 realizó una resi-

202
dencia en el INA-GRM. Ese mismo año compuso Otro día en Oa-
xaca para tres flautas solistas y una banda mexicana, en el marco
del año Francia-México. En 2015 compuso La noche oscura basa-
da en el poema de San Juan de la Cruz para tres flautas solistas y
orquesta sinfónica. La pieza fue estrenada por el Trío d’Argent y la
Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México ese mismo año. La
obra se reestrenó en 2017 y 2018 en una adaptación para tres
flautas y cuarteto de cuerdas con el Trío d’Argent y el Cuarteto
Latinoamericano en el Festival Internacional Cervantino, el FIM-
NME y en Ars Musica en Bruselas.

Ô›Banaki
Rinde homenaje a la lengua y la cultura Abénaki, autóctonos de las
Primeras Naciones de Quebec. La obra en cinco partes gira en torno
a los cuatro elementos: agua, tierra, aire y fuego, así como en su sim-
bolismo animal. Para esta canción el compositor explora un mundo
sonoro en el que la comunicación con la naturaleza adquiere un sig-
nificado singular. La última parte está inspirada en el poema L’om-
bre de l’aile de Jeanne Gatard.

Bruno Letort (Francia, 1963)

Compone para teatro, cine, danza, vídeo y

escenografía. Retoma las técnicas de escri-
tura desarrolladas por los minimalistas, cuya
relación con el pulso le fascina, e integra ele-
mentos personales. Ha colaborado estre-
chamente con el artista visual y escenógrafo
François Schuiten y el escritor Benoit Pee-
ters en numerosos proyectos. Desde 2000 su catálogo ha esta-
do estrechamente vinculado a las artes plásticas y a todo tipo
de exposiciones: desde la exposición de Blake y Mortimer en el
Musée des Arts et Métiers (2019), hasta Comès, d’ombre et de
Silence en el Museo Bellevue de Bruselas (2020), pasando por la
Exposición Universal de Aichi, Japón (2005), Atturaif Living Mu-
seum en Arabia Saudita (2010), y El ferrocarril transiberiano –
Europalia, en Rusia (2005).

Se inspira en la lengua xhosa, hablada en Sudáfrica. En esta lengua,

todas las palabras que empiezan por las letras «XH» van acompaña-
das de un sonido de chasquido de la lengua en el paladar. Junto a las
palabras y sus significados se produce una comunicación subyacen-
te, en forma de polirritmia.
François Daudin Clavaud

203
 I N T É RPRETES

Trio d’Argent - Souffle Nomade

Fundado en París en 1984. En la frontera de la creación contem-

poránea y las músicas del mundo, su proyecto artístico se defi-
ne por la elaboración de conciertos-escénicos a menudo en co-
nexión con otras disciplinas artísticas como las artes visuales, el
circo, la danza o el teatro. Sus conciertos suelen ser escenifica-
crédit photos : Christophe Lebedinsky & Astrid Ackermann

dos y pueden utilizar las nuevas tecnologías digitales para el

tratamiento del sonido y la imagen en tiempo real. Cada año
crean nuevas piezas para trío de flautas, en ocasiones esas crea-
ciones incluyen voz y otros instrumentos en colaboración con
compositores de diferentes países y estilos musicales. De esta
manera desarrollan un repertorio específico para esta agrupa-
ción particular y al mismo tiempo interpretan el repertorio clá-
sico existente para trío de flautas de los siglos XVIII y XX. Desde
la creación del ensamble, sus integrantes han realizado giras
por todo el mundo y son invitados regularmente a festivales de
música nueva como el Foro Internacional de Música Nueva Ma-
nuel Enríquez, el Festival Ars Musica de Bruselas y el Festival
Détours de Babel de Grenoble entre otros. El trío ha grabado
numerosos discos que están producidos actualmente por Ur-
text Digital Classics y distribuidos por Naxos.

Diana Syrse
Ver página 201

204
Auditorio Silvestre Revueltas,
Conservatorio Nacional de Música
Domingo 22 de octubre, 12:00 h

CONCIERTO DE CL AUSURA
PROG R A M A

Dmitri Dudin
Toccata (2021) 7’

Eduardo Soto Millán

20-21. Homenaje 7’

Eddie Mora
El laberinto del mInotauro 10’

Manuel Garnica, violonchelo

Inte rm e d i o

Maria Grenfell
Clockwerk**

Wojciech Kilar
Orawa 11’

Gabriela Ortiz
La calaca 10’
Versión para orquesta de cuerdas

**Estreno en México

Orquesta de Cámara de Bellas Artes

Luis Manuel Sánchez Rivas, director artístico

ORQUESTA DE CÁMARA DE BELLAS ARTES

205
 COM PO SITO RE S

Dmitri Dudin (Rusia, 1965)

Nacido en Ekaterimburgo. Graduado en el

Con­servatorio Estatal de Moscú en 1990 y des-
de ese año radica en México donde ha traba­
jado como compositor, arreglista, pianista y
maestro en materias teóricas musicales y com­
posición. Entre sus obras relevantes se encuen­
tran las óperas La emperatriz de la mentira,
Chamánika y El ocaso, la cantata de cámara Ofrenda del tiempo,
además de conciertos para violín, violonchelo y flauta. Ha estrena-
do obras propias, hecho numerosos arreglos orquestales y para
ensambles de cámara, participó como pianista en conciertos so-
bre todo de música de cámara y acompañando a solistas mexica-
nos e internacionales, así como cantantes de ópera y populares,
haciendo estrenos mundiales de varios compositores. Ha imparti-
do clases de composición, orquestación y armonía clásica. Fue
ganador del primer premio en la categoría Arreglo para Quinteto
de Cuerdas del Segundo Concurso Nacional La Música Popular
Mexicana en la Intimidad de la Música de Cámara en 2002. Fue
miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2015-2018.

Toccata
Es una obra brillante y virtuosa, donde la energía y elegancia de las
cuerdas se complementa con la calidez y potencia de los cornos y
los arrebatos dramáticos se combinan con fragmentos de una ínti-
ma delicadeza.

Eduardo Soto Millán (México, 1956)

Realizó sus estudios musicales en la Escuela

Nacional de Música de la UNAM; además, es-
tudió armonía con Ramón Barce, análisis con
Rodolfo Halffter, así como microtonalismo y
acústica musical con Jean Etienne Marie. Ha
sido programador musical en Radio Educación,
jefe del Departamento de Música de Cámara
de la Dirección de Música de Difusión Cultural-UNAM, presidente
fundador de la Sociedad Mexicana de Música Nueva, fundador del
Centro de Apoyo para la Música Mexicana de Concierto, coordina-
dor nacional de Música y Ópera del INBAL, director artístico del
Foro Internacional de Música Nueva Manuel Enríquez, director de
Grupos Artísticos de la Dirección General de Difusión Cultural de

206
la Universidad Veracruzana e integrante del Consejo Consultivo
del Centro Latinoamericano para la Música en Venezuela. Ha es-
crito para periódicos y revistas como World New Music Magazine,
Pauta, La Jornada y Proceso. Miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte

20-21. Homenaje
Nos tomó por sorpresa, y claro, no podía haber sido diferente. El Co-
vid-19 alcanzó a la raza humana, hubo sufrimiento, dolor, muerte... Y
nos aislamos en nuestros hogares, nos alejamos de los demás, y sen-
timos con intensidad lo más cercano que tenemos: ¡nosotros mis-
mos! Un impulso emocional me indicaba componer una obra desde
mi propia e íntima experiencia de la debacle mundial, pero me resis-
tía, no deseaba correr riesgo de representar ninguna aparente acción
obvia y oportunista. Sin embargo, un día recibí invitación de mi ami-
go, el también compositor Horacio Rico, para componer una obra con
el fin de estrenarla en Viña del Mar, Chile, en noviembre de 2021. Fue
el motor imparable y a la vez, quizá, destino. Escribí 20-21. Homenaje,
para corno y orquesta (o quinteto) de cuerdas, estableciendo por ob-
jetivo, crear una obra para homenajear y expresar mi agradecimiento
a todos aquellos quienes cuidaron, e inclusive, dieron su vida en el
intento por salvaguardar la de los demás a pesar de los embates de
polémicas, escepticismo y violencia. Con un lenguaje austero y de ex-
trema sencillez, 20-21. Homenaje es un sutil flujo sonoro en el que las
cuerdas parecen surgir del silencio para convertirse, entonces, en nu-
bes de sonidos, mientras que el corno constituye una voz lejana, eté-
rea, casi espiritual. Al final, corno y cuerdas juntos, arriban a una cima
esperanzadora de luz y agradecimiento.

Eddie Mora (Costa Rica, 1965)

Ganador del Grammy Latino 2017 como di-

rector de la Orquesta Sinfónica Nacional de
Costa Rica (OSNCR) en la categoría Mejor ál-
bum de música clásica. Es egresado del Con-
servatorio Chaikovski de Moscú. En 2014-2015
fue director residente de la OSNCR. Director
invitado y artista en residencia en la Universi-
ty of South Dakota en 2018. Como compositor y director ha gra-
bado discos producidos en Costa Rica, Inglaterra y España. Su
catálogo reúne obras para los formatos sinfónico, cámara, instru-
mentos solos e incidental. Su música ha sido interpretada y gra-
bada por grupos de cámara y músicos de prestigio internacional.
Es director titular de la Orquesta Sinfónica de Heredia. Ha sido re-
conocido con los premios más importantes en el área de la com-
posición y dirección musical de su país.

207
 Maria Grenfell (Malasia, 1969)

Compositora australiana. Estudió Composi-

ción en Christchurch, Nueva Zelanda. Obtuvo
una maestría en la Eastman School of Music en
Nueva York y el doctorado en la Universidad
del Sur de California en Los Ángeles. Sus maes-
tros fueron Stephen Hartke, Erica Muhl, James
Hopkins, Morten Lauridsen, Joseph Schwant-
ner y Samuel Adler. Su música orquestal ha sido comisionada, in-
terpretada y grabada por las principales orquestas sinfónicas de
Australia y Nueva Zelanda. Su música de cámara ha sido interpre-
tada por integrantes del ensamble eighth blackbird, el Australia
Ensemble, el Vienna Piano Trio, New Zealand Trio y ACO Collective,
entre otros. Es profesora asociada del University of Tasmania Con-
servatorium of Music. Ha impartido clases magistrales en Estados
Unidos, Nueva Zelanda, Singapur y Australia. Fue compositora en
residencia en el Oberlin Conservatory en Estados Unidos.

Wojciech Kilar (Polonia, 1932-2013)

Fue galardonado con diversos premios por

sus trabajos, y perteneció, junto con Krzysztof
Penderecki y Henryk Górecki, a la vanguardia
polaca de la década de 1960. Cursó estudios
de piano en la Academia de Música de Ka-
towice, antes de trasladarse a París en 1959
para estudiar con Nadia Boulanger en su
conservatorio. Compuso la música para películas de los directores
polacos más importantes, como Krzysztof Kieślowski, Krzysztof
Zanussi, Kazimierz Kutz, Roman Polanski y Andrzej Wajda. Tam-
bién trabajó con Francis Ford Coppola en su adaptación de Drá-
cula en 1992. Además de su obra para el cine, Kilar continuó escri-
biendo y publicando trabajos puramente clásicos, de los cuales
cabe destacar una sonata para corno, una pieza para un quinteto
de viento, unas piezas para orquesta de cámara y coro, los Baltic
Canticles, la épica Èxode, y un concierto para piano y orquesta
dedicado a Peter Jablonski.

208
Gabriela Ortiz (México, 1964)

Nominada al Grammy Latino. Ha recibido

encargos de las orquestas Filarmónica de
Los Ángeles, BBC Scottish Symphony, Malmo
Symphony, South West Chamber Music y Si-
món Bolívar, así como del Kronos Quartet,
Cuarteto Latinoamericano y Ónix Ensamble.
Es la primera compositora mexicana en ingre-
sar como integrante de número a la Academia de Artes y la pri-
mera mexicana en su especialidad en recibir invitación para la
residencia artística de la Civitella Ranieri Foundation en Italia. Es
profesora de tiempo completo en la Facultad de Música de la
UNAM. Su música ha sido publicada por Ediciones Mexicanas de
Música, Arla Music y Schott Music

209
 I N T É RPRETES

Orquesta de Cámara de Bellas Artes

Surgió hace más de medio siglo. En sus orígenes fue llamada Yolo-
patli, vocablo náhuatl que significa cura para el corazón, y que se
formó con discípulos sobresalientes de las cátedras impartidas, en
aquellos tiempos, por Imre Hartmann y Joseph Smilovitz en el
Conservatorio Nacional de Música. Ya entrada la década de los
años 1960, y a instancias de Luis Sandi, cambia su nombre a Or-
questa de Cámara de Bellas Artes, con el que se le conoce hasta la
fecha y que, sin lugar a dudas, se ha consolidado como sinónimo
de pasión y calidad musical. Han pasado por sus filas una pléyade
de músicos talentosos. Asimismo, se han presentado solistas de la
trascendencia de Ramón Vargas, Gil Shaham, Bella Davidovich,
Paul Badura-Skoda, Jorge Federico Osorio, Pascual Rogé, Manuel
Barrueco, Alexander Markov y Leslie Howard, entre otros, sumados
al ímpetu que le han impreso sus directores artísticos; Hermilo No-
velo, José Guadalupe Flores, Manuel de Elías, Ildefonso Cedillo,
Francisco Savín, Luis Samuel Saloma, Enrique Barrios, Juan Trigos,
Jesús Medina, José Luis Castillo, Ludwig Carrasco y actualmente
Luis Manuel Sánchez Rivas. Se ha presentado en Alemania, Brasil,
Estados Unidos, Portugal y Costa Rica.

210
Luis Manuel Sánchez Rivas

Realizó sus estudios profesionales como tubis-

ta con Dwight Sullinger y es egresado con ho-
nores de la Facultad de Música de la UNAM
(FaM). Sus estudios de dirección los realizó bajo
la cátedra de Ismael Campos y ha tomado cur-
sos de perfeccionamiento con Ronald Zoll-
man, Enrique Bátiz, José Vilaplana, Robert
Meunier, Franco Cesarini y Fernando Lozano. Como director hués-
ped ha dirigido a las principales orquestas de México, así como
agrupaciones de Grecia, España, Costa Rica, Colombia y Estados
Unidos. Fue director titular de la Sinfónica de Alientos de la Policía
Federal y de la Orquesta Típica de la Ciudad de México. De 2019 a
2022 fue director musical asistente de la Compañía Nacional de
Ópera. En 2019 ganó el primer lugar en el Concurso de Dirección
organizado por Bilbao Musiká en España y ese mismo año fue no-
minado al Grammy Latino por su participación como director de
la Banda Sinfónica de la FaM, en el disco Vereda tropical. Es direc-
tor artístico de la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y director
titular de la Banda Sinfónica de la FaM.

211
 Sala Carlos Chávez, Centro Cultural Universitario, UNAM
Domingo 22 de octubre, Charla previa 17:00 h | Concierto 18:00 h

CONCIERTO DE CL AUSURA
In memoriam Javier Álvarez
PARTI CI PA N
Tobías Álvarez
Yael Bitrán
Fernando Domínguez
Ricardo Gallardo
José Wolffer

PROG R A M A

Javier Álvarez
Overture
para sonidos electroacústicos en estéreo (1995) 1’

Temazcal (1984) 8’
para maracas y sonidos electroacústicos a 4 canales

Almagre y azul (2010) 10’

para dos guitarras y sonidos electroacústicos
en soporte fijo en estéreo

Mambo à la Braque (1990) 3’

en estéreo

Papalotl (1987) 13’

para piano y sonidos electroacústicos en estéreo

Inte rm e d i o

Javier Álvarez
Petenera (2006) 4’
en estéreo

Le repas du serpent & retour à la raison (2004) 10’

para violonchelo, video y sonidos electroacústicos
en estéreo

212
Negro fuego cruzado (2007) 10’
para clarinete bajo, video y sonidos electroacústicos
en estéreo

Así el acero (1988) 10’

para steel pan tenor y sonidos electroacústicos
en estéreo

Dark path to a Luminous Garden (2021) 12’

para corno, fagot y sonidos electroacústicos
en soporte fijo en estéreo

59 Birds & 1 Passenger (2020) 1’

en estéreo

Iracema de Andrade, violonchelo

Fernando Domínguez, clarinete
Alfredo Fenollosa, corno
Ángel Flores, fagot
Ricardo Gallardo, percusiones
Vladimir Ibarra - Mario Ortiz, guitarras
Diego Sánchez-Villa, piano

EN COLABORACIÓN CON LA DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA UNAM

213
 COM PO SITO R

Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Músi-

ca con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universidad
de Wisconsin, el Royal College of Music y la City
University de Londres. Recibió becas del Fon-
ca, las fundaciones Mendelssohn y Civitella Ra-
nieri, y fue miembro de la Academia de Artes
de México. En 2013 recibió el Premio Nacional de Ciencias y Artes.
En 2014 el INBAL le otorgó la Medalla Bellas Artes en reconoci-
miento a su contribución al arte y la cultura de México. Su obra ha
sido interpretada por orquestas y ensambles como el New Lon-
don Chamber Choir, London Sinfonietta, L’Orchestre Nationale de
France, Los Angeles Philharmonic, Tambuco, Ictus, Brodsky Quar-
tet, Cuarteto Latinoamericano, Chicago Symphony New Music
Group y BBC Concert Orchestra, así como por las orquestas Sinfó-
nica de Xalapa, Sinfónica de Yucatán, de Cámara Europea, Filar-
mónica de Jalisco, Sinfónica Nacional de México y Filarmónica de
la Ciudad de México. Fue profesor en el Royal College of Music y en
la Universidad de Hertfordshire, en Reino Unido. Fue profesor visi-
tante en el Conservatorio de París y en la City University de Lon-
dres. En México fue fundador de la Escuela Superior de Artes de
Yucatán y entre 2011 y 2015 fue Rector del Conservatorio de las Ro-
sas, en Morelia.

Tras el sensible fallecimiento del compositor mexicano Javier Álva-

rez (1956-2023), Música UNAM presenta In memoriam Javier Álvarez,
un homenaje que incluye una selección de piezas representativas
de su destacada trayectoria musical, obras que fusionan elementos
acústicos y electrónicos en una música que no deja de asombrar-
nos. Como expresara su amigo y colega, el también desaparecido
Mario Lavista (1943-2021) “Todos los géneros han sido transitados
por él, y en cada uno de ellos se revela su destreza y solidez de orden
técnico, y una voz personal que habla, que dice, que explora un am-
plio abanico de emociones y estados de ánimo. Es una música que
recorre los más recónditos sentimientos del alma humana, una mú-
sica que hurga en ciertas esencias como el amor y el desengaño, la
vida y la muerte, la fiesta y el lamento, la risa y el llanto; una música
que no es otra cosa que una especulación, quiero decir, un juego de
espejos en el que los sonidos se reflejan unos en otros mostrándo-
nos, como diría José Gorostiza, la inmensidad de los mundos que
encierra nuestro mundo.” Este tributo celebra el legado de Álvarez,
un artista que ha dejado una profunda huella en la música contem-
poránea al explorar la riqueza de las emociones humanas y trascen-
der las barreras musicales.

214
I N T É RPRETES

Iracema de Andrade

Originaria de Brasil, estudió en la Universidad

de São Paulo, cursó una maestría en la Uni-
versidad de West London en Reino Unido, un
diploma y certificado de estudios avanzados
del Colegio de Música de Londres y un docto-
rado en Interpretación en la Facultad de Mú-
sica de la UNAM, que le otorgó una mención
honorífica y la Medalla Alfonso Caso al Mérito Académico. Tiene
una especial afinidad por las expresiones contemporáneas, es-
pecialmente en el ámbito de los medios electroacústicos, audio-
visuales y proyectos interdisciplinarios. Es investigadora del Cen-
tro Nacional de Investigación, Documentación e Información
Musical Carlos Chávez y su interés se centra en los campos de la
investigación artística y las prácticas musicales vanguardistas y
contemporáneas.

Fernando Domínguez

Egresado de la Escuela Nacional de Música,

actualmente Facultad de Música de la UNAM
(FaM). Estudió con Roger Salander en el Con­
ser­vatorio Estatal de Viena y con Harry Spar-
naay en el Conservatorio Sweelinck de Áms­
terdam. Ha sido solista con las orquestas
Sin­fónica Nacional, Sinfónica del Instituto Po-
litécnico Nacional, de Cámara de Bellas Artes y Filarmónica de la
UNAM. Ha colaborado con compositores que le han dedicado
obras entre ellos Ignacio Baca-Lobera, Juan Trigos y Carlos Sánchez
Gutiérrez. Como integrante de Ónix Ensamble y Duplum, ha
ofrecido múltiples conciertos en México y el extranjero. Ha graba-
do 15 álbumes. Desde 2000 da clases en la FaM. Es artista patro-
cinado por las empresas Vandoren, Veerkamp y Buffet Crampon.

Alfredo Fenollosa

Nacido en Carcaixent, Valencia. Comenzó sus

estudios de corno en el Conservatorio Profe-
sional de Música Mestre Vert con Encarna Grau,
José Antonio Morant y Honorio Muñoz. Conti-
nuó su formación en el Conservatorio Supe-
rior de Música Joaquín Rodrigo con Miguel To-
rres Castellanos y el posgrado en la Universidad

215
 de las Artes de Graz de Austria con Héctor McDonald. Ha colabo-
rado con la Joven Orquesta de Valencia y Castellón, además de
proyectos europeos con diversas orquestas y ensambles. Ha sido
principal en la Orquesta Sinfónica Sinaloa de las Artes. Ha tocado
con las orquestas Sinfónica de Minería, Sinfónica de Xalapa, Filar-
mónica de Guadalajara y el Ensamble Cepromusic, donde actual-
mente es residente. Asimismo, da clases de corno en la Escuela de
Música Vida y Movimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli y cola-
bora con la Sinfónica del Instituto Politécnico Nacional.

Ángel Flores

Originario de Tlaxcala. Estudió fagot con Wendy

Holdaway en la Escuela de Música Vida y Mo-
vimiento del Centro Cultural Ollin Yoliztli, don-
de se tituló con honores. Continuó su forma-
ción con cursos de perfeccionamiento en la
Escuela Superior de Música de Cataluña en
Barcelona con David Tomàs Realp y Amrei Lie-
bold. Formó parte de la Orquesta Sinfónica de la Escuela Nacional
de Música dirigida por Sergio Cárdenas (2005-2007) con la cual
participó en el Young Euro Classic 2016 en la Konzerthaus de Ber-
lín. También fue integrante de la Sinfónica Juvenil Carlos Chávez
de 2007 a 2012, con la que se presentó en el festival Chicago Youth
in Music 2011 bajo la batuta de Riccardo Muti. Ha sido músico extra
de las orquestas Filarmónica de la Ciudad de México, Filarmónica
de la UNAM y Sinfónica Nacional. Ha sido solista de la Sinfónica de
la Escuela de Música Vida y Movimiento, la Camerata Palafoxiana
de Puebla y la Filarmónica 5 de Mayo. Fue becario del Fondo Esta-
tal para la Cultura y las Artes de Tlaxcala 2006, obtuvo el premio
estatal a la juventud Tlaxcala 2013 y ganó el II Encuentro Nacional
de Fagot Ollin Yoliztli 2011.

Ricardo Gallardo

Por más de tres décadas ha dedicado su vida

a la interpretación, creación y promoción de la
música de nuestros días, mediante encargos
y estrenos de numerosas partituras que le
han sido dedicadas. Estudió en el Conservato-
rio Nacional de Música y la Escuela Nacional
de Música de la UNAM, el Centro de Bellas Ar-
tes de Banff en Canadá y la Universidad de la Ciudad de Londres,
donde obtuvo una maestría. Ha realizado actividades académicas
en cinco continentes. Es fundador y director de Tambuco Ensam-
ble de Percusiones de México. Ha recibido diversos premios, be-
cas y reconocimientos en México, Canadá, Gran Bretaña y Alema-

216
nia, entre los que destacan el Premio de Artes y Cultura de la
Fundación Japón entregado por el emperador a Gallardo y Tam-
buco, así como el Reconocimiento a la Creación Artística por parte
de la UNAM.

Vladimir Ibarra

Su repertorio incluye obras de Henze, Ohana,

Maderna, Romitelli y Crumb. De manera recu-
rrente colabora con el Inner Pulse Ensamble y
el Ensamble Cepromusic, entre otros conjun-
tos. Ha participado en estrenos de proyectos
multidisciplinarios y se ha enfocado en obras
de gran formato de los siglos XX y XXI. Grabó
los discos Marañón, música para guitarra de ocho cuerdas (2012)
con música de Ernesto García de León y The Dream of a Shadow:
Phillip Houghton Complete Solo Guitar Works (2019). Ha ganado
más de quince premios en concursos de guitarra. Como integran-
te del Cuarteto Orishas, actualmente es beneficiario del progra-
ma México en Escena Grupos Artísticos del Sistema de Apoyos a la
Creación y Proyectos Culturales 2022–2024.

Mario Ortiz

Se ha presentado en festivales y foros espe-

cializados de México, Estados Unidos, Italia,
Japón y Puerto Rico. Ha sido solista con la
Sinfonietta MIQ de Guanajuato y la Orquesta
de Cámara de Lexington en Kentucky. Ha co-
laborado con Luca Cori, Ciro Scotto, Juan Tri-
gos, Roberto Morales, Hébert Vázquez y Javier
Compeán, entre otros compositores. De 2015 a 2022 fue becario
del Programa de Estímulo a la Creación y Desarrollo Artístico, lo
que le permitió dedicarse a proyectos centrados en la música
contemporánea. Actualmente es profesor de tiempo completo
en el Departamento de Música y Artes Escénicas de la Universi-
dad de Guanajuato.

217
 Diego Sánchez-Villa

Realizó sus estudios de Piano en la Facultad

de Música de la UNAM (FaM) bajo la tutela de
Erik Cortés, Gabriela Pérez Acosta y Edith Ruiz,
y en composición con Julio Estrada, Mario
Stern y Raúl Dávila. Ha sido solista de la Or-
questa Sinfónica Estanislao Mejía y del En-
samble de Música Nueva de la FaM; realizó en
2022 el estreno en México del Concierto para piano orquesta de
cuerdas y timbales de Galina Ustvolskaya con la Orquesta de Cá-
mara de Bellas Artes bajo la dirección de Ludwig Carrasco. Recien-
temente grabó el CD con la obra completa para piano de Aquiles
Lázaro, Multitud, en el sello Tempus Clásico; además ha partici-
pado en una decena de grabaciones de música inédita de com-
positores (as) de su tiempo. Su interés en la difusión de música
latinoamericana lo ha llevado a colaborar estrechamente con los
compositores más destacados de su generación, creando así
proyectos culturales y conciertos en las salas más importantes
en México, España, Francia y Austria.

218
EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

219
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Sala Chopin, Escuela Superior de Música

y Danza de Monterrey, Nuevo León
Martes 10 de octubre, 19:30 h

PROG R A M A

Valeria Rubí
Noodus (2018)* 10’

Rodrigo Cantú
Suite Las puertas del mar (2019) 10’

Ramiro Luis Guerra

Manuel 60 (1986) 4’

Charles M. Champi
Mox Nox (2018)* 12’

Lupino Caballero
G–lobo (2022) 10’

Inte rm e d i o

Linda Aguirre
Atmósferas (2022) 20’

Miguel Vélez
Xeth (2018)* 8’

Girolamo Deraco
Dr. Streben (2018) 10’

*Estreno mundial

Noodus Ensamble
Eduardo Caballero, director artístico
Sabo Romero, saxofón
Carlos Rodríguez, trombón
Juanmanuel Flores, Ricardo Hamaury Gómez, violines
Ana Karen Rodríguez, Paloma Valencia, violonchelo
Noe Macías, Manuel Muñoz, piano
Eusebio Sánchez, Abel Gómez Rodríguez, percusión

220
COM PO SITO RE S

Valeria Rubí (México, 1991)

Desde 2013 trabaja en Radio Nuevo en Radio

Nuevo León, donde es productora y conducto-
ra de programas como Tempo Rubato, Sala
de Conciertos y Posmo, además de producir
los programas Tetralemas, Clásicos en el
Cine y Radiolectura. Es conductora y produc-
tora de Nosotras Sonamos Radio. Su música
ha sido interpretada en Monterrey, Guadalajara, San Luis Potosí y
la Ciudad de México. Ha participado en los festivales de Música
Nueva Monterrey 2016 y 2022, de Composición UANL y Ella es
Música de Radio IMER. Es una de las fundadoras de Colectiva
Tsunami. En 2022 grabaron su primer material discográfico titu-
lado Tsunami Sonoro que integra música de compositoras lati-
noamericanas. Es socia fundadora del Colegio Neolonés de Com-
positores de Música de Concierto A.C.

Noodus
Obra para ensamble mixto dedicada al Ensamble Noodus que fue
compuesta durante la residencia de la compositora en el Centro de
Compositores de Nuevo León en 2018. La obra forma parte del pro-
yecto Neofonías nuevoleonesas, vol. 1, que propuso trabajar a partir
de la música tradicional del estado de Nuevo León, donde prevale-
cen ritmos como el chotis, la polka, el huapango norteño y la redova.
Una de las características de los conjuntos tradicionales del estado,
particularmente de la zona citrícola (Montemorelos, Linares, Allen-
de), es el uso de la tambora y el clarinete, la flauta o el saxofón. Noo-
dus busca extraer ciertas características que se desarrollan desde la
tradición musical de Nuevo León, como el uso constante del ritmo
en la percusión marcando remates y cambios de compás, melodías
tonales simétricas y repeticiones. No se busca la reproducción de
una obra tradicional, sino un contorno musical que recuerde a ello, a
través de las sonoridades que la riqueza del ensamble puede ofrecer.

Rodrigo Cantú (México, 1981)

Originario de Monterrey. Como compositor,

desde 1996, su obra total comprende más de
cien piezas, que incluyen música contempo-
ránea, música electroacústica, ópera y piezas
para formato jazz standard, entre otros géne-
ros. Fue alumno de composición de Eduardo
Caballero, Axel Retif y Miguel Vélez. Ganador

221
 del primer lugar en la convocatoria Producción Musical y becario
del Sistema Nuevo León para el Impulso Artístico y la Creación en
el área de composición, ambos premios otorgados por el Consejo
para la Cultura y las Artes de Nuevo León. Tiene una maestría en
Arte sonoro por la Universidad de Barcelona, y es Asociado en
Composición por la University of West London. Fue becario del
Centro de Compositores de Nuevo León.

Las puertas del mar

Drama sicológico musical; ópera en una consulta, para ensamble de
cámara de seis instrumentos y dos cantantes; soprano y tenor, basa-
da en la historia de Keren, una mujer joven que visita a un terapeuta
de edad avanzada para profundizar sobre las adversidades que han
surgido en su vida y cuestionarse sobre el sentido de ésta. Inspirado
en el texto bíblico de Job. Proyecto becado por el Sistema Nuevo
León para el Impulso Artístico y la Creación de Conarte. En este con-
cierto se presenta en versión suite

Ramiro Luis Guerra (México, 1933-2003)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Mú-

sica. Paralelamente estudió con Alfonso de
Elías. Ingresó a la asociación Nueva Música de
México formada por Manuel Enríquez, César
Tort, Manuel de Elías, Francisco Savín, Alicia
Urreta y Joaquín Gutiérrez Heras, entre otros.
Después de sus estudios en México, ingresó a
la Academia Santa Cecilia, en Roma, para cursar un posgrado en
Composición bajo la dirección de Fredo Petrassi. Simultánea-
mente asistió a los cursos de Boris Porena, Evangelisti, Bruno Ma-
derna, Luiggi Dallapicola y Luiggi Nono, así como a los cursos de
verano dirigidos por Karlheinz Stockhausen y Pierre Boulez.

Manuel 60
Esta obra fue compuesta y dedicada a Manuel Enríquez, compañero
y amigo personal del compositor, con el motivo de su cumpleaños
número 60. Estructurada en cinco partes, esta obra de lenguaje
aleatorio contiene 60 notas que representan los 60 años del maes-
tro Enríquez. Posteriormente fue ejecutada y grabada por el propio
Enríquez.

222
Charles M. Champi (México, 1988)

Nació en Monterrey. Estudió violín con Lilia

Naydenova y Composición con Miguel Alma-
guer. Cursó la licenciatura en Música y ejecu-
ción de violín en la Facultad de Música de la
UANL, Asistió a cursos, clases magistrales y
lecciones privadas con Julio Estrada, Carola
Bauckholt, Eduardo Caballero, Peter Ablin-
ger, Marcelo Toledo, Clara Iannotta, Isabel Mundry, y Germán Ro-
mero, entre otros. Su música ha sido interpretada en México, Ale-
mania, España, Francia, Italia, y Corea del Sur, por los ensambles
Cepromusic, Manufaktur fur Aktuelle Musik, Taller Sonoro, Low
Frequency Trio, Trío Siqueiros, Kommas, InterContemporain, 4D,
y Achrome, entre otros. Cursó la maestría en Composición musi-
cal en la Facultad de Música de la UNAM, bajo la tutela de Pablo
Silva. Su música es publicada por Diaphonia Edizione Musicali, y
Babel Scores.

Mox Nox
Es un proyecto de instrumentación de datos, concepto opuesto a la
sonificación de datos. En este caso, la obra toma como punto de par-
tida los cálculos de la trayectoria del Sol durante 12 minutos de un día
y hora específicos, sobre el cielo de Monterrey. Estos datos represen-
taban las condiciones del estreno de la obra: se realizaría al aire libre,
un tipo de instalación sonora. Con estos datos se determinaron los
parámetros que regulan el devenir de la obra. Evidentemente, el mu-
sicar, o la expresión de mi propio lenguaje musical se da en el proce-
so de interpretación e instrumentación de datos, en la toma de deci-
siones que los vuelven música. Así la obra se vuelve, de alguna forma,
una especie de reloj sonoro, una interpretación personal del tiempo
y de la duración de un instante. De ahí su nombre, que significa la
noche se acerca.

Lupino Caballero (México, 1975)

Licenciado en Composición, egresado del

Conservatorio de Música de Chihuahua. Tie-
ne dos posgrados en Diseño sonoro y Crea-
ción sonora por la Universitat de Barcelona.
Su obra se ha interpretado en 13 países y ha
sido grabada en 15 producciones discográfi-
cas. Es el compositor de la música de los Him-
nos del Heroico Cuerpo de Bomberos y de la Policía Municipal de
Chihuahua. Miembro del colectivo Nuevo Frente Sonoro. Organi-
zador de la serie de conciertos Sonidos Nacientes. Es parte del

223
 comité organizador del Foro de Música Nueva Armando Luna, y
docente en el Conservatorio de Música de Chihuahua. Miembro
del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2019-2022.

G-lobo
Es una pieza para ensamble creada en las Residencias Artísticas Ger-
[Link] Primaveras Latinoamericanas, bajo la tutela de Luca
Belcastro en Santiago de Chile, en 2019, con una beca de Ibermúsicas.
La obra narra la historia de un personaje humano que se despoja de
su ropa, su carne y sus huesos, resultando ser algo similar a un globo.
Por un lado descubre aspectos fascinantes de su nueva forma, como
la capacidad de volar y, por otro lado, descubre una fragilidad que se
siente amenazada por casi cualquier cosa, especialmente por el rezo
creciente de una bestia-lobo, que termina por reventarlo.

Linda Aguirre (México, 1999)

Es egresada de la carrera Técnico superior en

Música de la Facultad de Música de la UANL.
Estudió Piano en la Facultad de Música con
Claudia Macías, Fausto Aguirre e Isaí Ibarra.
Cursa el tercer año de Composición con
Eduardo Caballero en la Escuela Superior de
Música y Danza de Monterrey (ESMDM). Ha
realizado cursos en diferentes áreas de la composición como el
uso de diferentes DAWS, entre ellos Ableton Live, y con diferen-
tes agrupaciones instrumentales como el Quasar Quartet, y di-
versas técnicas de composición como Nuevos formatos para la
ópera con Girolamo Deraco, Procesos de creación con Luca Bel-
castro y World Timbres Mixture impartido por Isabel Urrutia y
José Luis Campana. Ha sido organizadora en los Encuentros de
Composición 2021, 2022 y 2023 de la ESMDM.

224
 Atmósferas
Fue compuesta con la intención de crear de manera sonora un en-
torno. Fue inspirada en música de películas que son capaces de
transportanos a diferentes lugares y culturas a través de la música.
Inspirada también con los sonidos calmantes de los cuencos tibeta-
nos usados frecuentemente para la meditación, ayuda a través de su
espectro a la creación de este entorno sonoro. El gong que se com-
porta como un instrumento principal que guía a través de este en-
torno siendo principal, pero a la vez juntándose y combinándose de
forma sonora con los cuencos. El violonchelo que toma un papel
principal de entre estos instrumentos debido a su diferencia de tim-
bre ayuda en esta guía a través de esta atmósfera.

Miguel Vélez (México, 1986)

Estudió en la Escuela Superior de Música y

Danza de Monterrey (ESMDM), graduándo-
se en Composición con Eduardo Caballero, y
en Guitarra con Pedro Salcedo. Su música
comprende una serie de obras que van des-
de piezas solistas hasta música de cámara y
orquestal. Sus obras han sido interpretadas
en México, Austria e Italia por los ensambles Cepromusic, Ars Nova,
Cuarteto Arditti, Cuarteto José White y Noodus, entre otros. Es
integrante del Dúo Vélez. Fue Coordinador del Centro de Com-
positores de Nuevo León de Conarte en 2022, y es docente en la
Facultad de Música de la UANL y la ESMDM en el área de mate-
rias teóricas.

Xeth
La obra está inspirada en las distintas civilizaciones del México anti-
guo. Xeth significa desgajar o resquebrajar algo. A partir de esta idea
es que por medio de técnicas extendidas la música presenta diferen-
tes sonidos del tipo granular, que a su vez buscan formar texturas
tímbricas que sean convergentes o divergentes entre sí.

225
 Girolamo Deraco (Italia, 1976)

Sus óperas líricas se han presentado en Es-

tados Unidos, Italia, Hungría, Austria y Para-
guay. Recibió el Riconoscimento di merito
en el Premio Abbado Award 2015. Su ópera
Dr. Streben, un encargo del Robotic Festival
Pisa, es la primera ópera escrita con un robot
humanoide en escena. Obtuvo su maestría
en Composición musical, cum laude, del Istituto Superiore di
Studi Musicali L. Boccherini de Lucca. Su música se interpreta
en todo el mundo y es publicada por Edizioni Sconfinarte, Sco-
megna Edizioni y EMA Vinci.

Dr. Streben
Está inspirada en los grandes ejemplos del pasado: el mito de Pig-
malión de Ovidio; De rerum natura de Paracelso; el Fausto de Goe-
the. El verbo alemán streben significa buscar/aspirar a algo, en la
ansiedad de no poder obtener nunca un resultado satisfactorio. El
Dr. Richard Streben (el personaje principal de la obra) aspira al otro
amor entre él y su robot, y está dispuesto a todo para lograr su obje-
tivo. Esta versión para conjunto mixto fue escrita para el Ensamble
Noodus a pedido de Eduardo Caballero, a quien está dedicada.

226
I N T É RPRETES

Ensamble Noodus

Agrupación originaria de Monterrey. Formado en 2012, sus inte-

grantes cuentan con gran trayectoria en lo individual ganando
reconocidos premios nacionales e internacionales. Entre su re-
pertorio destacan obras de Georg Friedrich Hass, Ricardo Zohn-­
Muldoon, Mario Davidovsky, Beat Furrer, John Cage, Víctor Ras-
gado, Lupino Caballero, Girolamo Deraco, Diego Sánchez Haase
y Galia Mireles. Ha estrenado más de sesenta obras y ha inter-
pretado obras importantes del repertorio del siglo XX y contem-
poráneo. Se ha presentado en festivales y foros como el Interna-
cional de Música Nueva Manuel Enríquez, de Compositores de
Nuevo León, Visiones Sonoras 2013 del CMMAS, Internacional
Cervantino, Practicas de Vuelo CMMAS, Internacional Música
Nueva Monterrey 2014, Interfaz ISSSTE Culiacán, Territorios Ex-
tendidos, Internacional Ricardo Castro y la Muestra Estatal de
Creación Musical Chihuahua, entre otros.

227
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Teatro Socorro Astol, Culiacán, Sinaloa

Miércoles 11 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Samuel Zyman
Cuarteto de cuerdas (2002) 30’
Allegro molto
Adagio molto espressivo
Presto

Javier Álvarez
Metro Chabacano (1991) 7’
In memoriam

Astor Piazzolla
Four for tango (1989) 8’

Leonardo Cárdenas
Suite ecuatoriana (2004)** 17’
Sanjuanito
BombAlbazo
Yumbo

**Estreno en México

Marketo String Quartet

Olga Khudoblyak, violín
Xavier Tortosa, violín
Carlos Guadarrama, viola
Octavio Hidalgo, violonchelo

228
COM PO SITO RE S

Samuel Zyman (México, 1956)

Estudió piano con María Teresa Castrillón y

dirección de orquesta con Francisco Savín y
Eduardo Díazmuñoz en el Conservatorio Na-
cional de Música, y contrapunto con Hum­ber­
to Hernández Medrano. Estudió piano también
con Juan José Calatayud y Héctor Jaramillo.
Obtuvo su maestría y doctorado en compo-
sición en Juilliard, donde estudió con Stanley Wolfe, Roger Ses-
sions y David Diamond. Ha recibido múltiples reconocimientos
y encargos, incluyendo donativos de Meet-the-Composer en
Estados Unidos, el Diploma de la Sociedad Mexicana de Críticos
de Teatro y Música, nombrándolo Mejor Compositor del Año, la
Medalla Mozart, otorgada por la Embajada de Austria en México,
y la Medalla al Mérito en Artes, otorgada por la Comisión de Cul-
tura de la Legislatura de la Ciudad de México. Es profesor de Teo-
ría musical y análisis en la Escuela Juilliard de Nueva York desde
hace más de treinta años. Su catálogo consiste en 70 obras en
una gran variedad de géneros, incluyendo música de cámara,
orquestal, vocal, para danza y cine.

Cuarteto de cuerdas
Fue escrito en 2002 y está dedicado al Dr. Mark Furth

Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Mú-

sica con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universi-
dad de Wisconsin, el Royal College of Music y
la City University de Londres. Recibió becas
del Fonca, las fundaciones Mendelssohn y Ci-
vitella Ranieri, y fue miembro de la Academia
de Artes de México. En 2013 recibió el Premio Nacional de Cien-
cias y Artes. En 2014 el INBAL le otorgó la Medalla Bellas Artes en
reconocimiento a su contribución al arte y la cultura de México.
Su obra ha sido interpretada por orquestas y ensambles como el
New London Chamber Choir, London Sinfonietta, L’Orchestre
Nationale de France, Los Angeles Philharmonic, Tambuco, Ictus,
Brodsky Quartet, Cuarteto Latinoamericano, Chicago Sym-
phony New Music Group y BBC Concert Orchestra, así como por

229
 las orquestas Sinfónica de Xalapa, Sinfónica de Yucatán, de Cá-
mara Europea, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica Nacional de Mé-
xico y Filarmónica de la Ciudad de México. Fue profesor en el Ro-
yal College of Music y en la Universidad de Hertfordshire, en
Reino Unido. Fue profesor visitante en el Conservatorio de París y
en la City University de Londres. En México fue fundador de la
Escuela Superior de Artes de Yucatán y entre 2011 y 2015 fue Rec-
tor del Conservatorio de las Rosas, en Morelia.

Metro Chabacano
Está inspirada en la vida y la energía frenética de una estación de
metro de la Ciudad de México. A través de su música, Álvarez captura
la esencia de este entorno caótico. Es una fusión de estilos musicales,
que abarcan desde la música clásica contemporánea hasta elemen-
tos de la música tradicional mexicana y ritmos urbanos. El resultado
es una experiencia sonora única que combina melodías cautivadoras,
armonías ricas y ritmos pulsantes que evoca imágenes de la vida co-
tidiana, la prisa, la interacción humana y la complejidad de la ciudad,
reflejando diferentes aspectos de esta realidad urbana que invitan al
oyente a reflexionar sobre la vida en la ciudad. La obra cautiva al escu-
cha con sus melodías evocadoras y su enérgica ejecución, brindando
una experiencia musical única y estimulante.

Astor Piazzolla (Argentina, 1921-1992)

Nació en Mar del Plata, pero desde muy joven

se crió en Nueva York. Tomó clases con Alberto
Ginastera y ganó el Concurso Fabien Sevitzky,
con el cual pudo viajar a Europa para estudiar
armonía, música clásica y contemporánea con
Nadia Boulanger. Cuando comenzó a hacer
innovaciones en el tango fue muy criticado
por los tangueros de la guardia vieja, éstos lo consideraban “el
asesino del tango” y decretaron que sus composiciones no eran
tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: “Es música
contemporánea de Buenos Aires”. A pesar de esto, en Argentina
las estaciones de radio no difundían sus obras y los comentaristas
seguían atacando su arte. En sus últimos años de vida fue reivindi-
cado por intelectuales, jazzistas y músicos de rock de todo el mun-
do, al igual que por nuevos referentes del tango y hoy día se le con-
sidera como uno de los músicos argentinos más importantes de la
historia.​Compuso música para cerca de cuarenta películas.

230
 Four for tango
Obra escrita en 1988 para el Kronos Quartet. Es una pieza de un solo
movimiento, que incorpora artísticamente técnicas avanzadas de in-
terpretación para introducir algunos elementos decididamente per-
cusivos en la mezcla. Incluso sin el sonido característico del bando-
neón, el estado de ánimo sensual es evocado instantáneamente por
los sofisticados patrones rítmicos que imprimen a la música la firma
del compositor. Mucho más que un tango erótico, esta danza diso-
nante e insidiosa recuerda el humor sardónico de la música de
Prokofiev para su ballet La Cenicienta.
Dennis Bade

Leonardo Cárdenas (Ecuador, 1968)

Originario de Guayaquil. Estudió en el Conser-

vatorio de Música Salvador Bustamante Celi
de Loja, en talleres y seminarios con maestros
nacionales e internacionales y de forma auto-
didacta, también Iniciación a la composición
electroacústica y por ordenador en el Centro
de Difusión de la Música Contemporánea de
Madrid. Ganó el primer lugar en el Concurso de Composición Or-
questa Filarmónica de Guayaquil 2015. Ha sido director invitado
en importantes orquestas sinfónicas de su país y del extranjero.
Cursa la maestría en Composición musical con nuevas tecnolo-
gías en la UNIR en España, y es docente del Conservatorio de
Música Salvador Bustamante Celi de Loja, en las áreas de mate-
rias teóricas y orquestas, actividades que compagina con su per-
manente labor como compositor, investigador, productor musi-
cal y director de orquesta independiente.

231
 Suite ecuatoriana
Tres danzas populares conforman esta suite, primeramente, según
el cuarteto clásico, está compuesta en cuatro movimientos al que
pertenece inicialmente un yaraví, sin embargo, en esta versión que
está formada por tres movimientos, perfectamente esta opción lo-
gra sostener una unidad a partir del contexto de la diversidad rítmica
y de color que la conforma. Sanjuanito, con una estructura tripartita
y un lenguaje más bien tradicionalista, en donde de vez en cuando
existen giros melódico- armónicos y puentes con características un
poco más elaboradas que contrastan con el tratamiento armónico
empleado en esta pieza. BombAlbazo, es una mezcla de dos ritmos
tradicionales la bomba y el albazo, unión de lo negro y lo mestizo,
buscando confrontar pese a su similitud rítmica y estructural, la ne-
gritud festiva con la nostalgia indígena y mestiza de la serranía. Una
sonoridad áspera, incisiva y a la vez alegre, lograda a través de un
lenguaje pentafónico, polimodal y ciertos coqueteos con la escala
blues, que obedecen a una expresión más universal conservando la
esencia de ambos ritmos y con una característica interesante de tra-
tamiento del cuarteto en su tímbrica y color, a través de los recursos
técnico-interpretativos de este formato. Yumbo, es un ritmo ecuato-
riano de origen precolombino cuya mayor característica es su corte
guerrero, danzable y ritual. Inicia con una introducción nostálgica y
misteriosa en cuartas que evoca la ancestralidad, para luego, a partir
de un ostinato -que se mantiene en buena parte de la pieza- soste-
ner ese carácter aguerrido que es parte de esta música anterior a la
conquista española. Sencilla en el concepto melódico, reaviva y reco-
ge por medio de esa sencillez lo que es la música indígena del centro
y norte del país donde se estableció este ritmo. La constancia de un
ritmo repetido e insistente y de una melodía, más cercana a la pen-
tafonía nos acerca al sentir de los antiguos habitantes de estas regio-
nes. Es la más ecléctica de las tres piezas y su fuerza contundente y
el lenguaje diverso con que fue creada, le imprimen una dinámica
continua que capta un pasado traducido en modernidad.

232
I N T É RPRETES

Marketo String Quartet

Surge como una respuesta a la demandante actividad artística y

cultural en el noroeste de México. Sus integrantes son originarios
de Ucrania, España, Ecuador y México. Se han presentado en los
festivales Alfonso Ortiz Tirado 2019 y 2022, y Cultural de Sinaloa de
2018 a 2022. Son egresados del Conservatorio Estatal de Nezhda-
nova, Odesa, Ucrania, el Conservatorio Nacional de Música de
Lima, Perú, la Universidad Técnica de Manabí, Ecuador, el Conser-
vatorio Joaquín Rodrigo de Valencia, España, el Koninlinjk Con-
servatorium de Bruselas, Bélgica, la Escuela Superior de Música
del INBAL, México, y el College of Fine Arts de la Carnegie Mellon
University de Pittsburgh, Estados Unidos de Norteamérica. Han
sido galardonados en los concursos Ameropa Concertante Com-
petition de Praga y de Música Clásica Jóvenes Talentos de Ecuador.
Han recibido las becas de la fundación BBVA en España y el Fonca.
El cuarteto se ha presentado como solista con las orquestas Sinfó-
nica Sinaloa de las Artes, y Juvenil Universitaria Eduardo Mata.

233
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Universidad Autónoma de Occidente, Unidad Mazatlán,

Mazatlán, Sinaloa
Jueves 12 de octubre, 19:00 h

TEMPLUM experimental
PROG R A M A

Víctor M. Osuna - TEMPLUM ensamble 60’

Objeto imaginario A2

Repentizacón núm. 9*

TnPL (nsmVl)**

*Estreno mundial
**Estreno en México

TEMPLUM ensamble
Víctor M. Osuna, director artístico, violín y electrónica
Israel Aragón, clarinetes y saxofones
Jorge Birrueta, bajos y guitarras
Ricardo Montes, percusión

234
COM PO SITO RE S E IN T É R PR E T E S

Víctor M. Osuna (México, 1984)

Nació en Mazatlán. Inició sus estudios musi-

cales en la Academia de Artes Francisco Mar-
tínez Cabrera y el Centro Municipal de Artes
de Mazatlán. En la Ciudad de México estudió
Dirección orquestal en la Escuela de Música
Vida y Movimiento bajo la tutela de Felipe
Gordillo, Jorge Ritter, Ana Lara, Svetlana Lo-
gounova, Marklen Belenko y Gonzalo Romeu. Ha tomado clases
magistrales con Scott Yoo, y en 2012 fue seleccionado por Jan-La-
tham Koenig como finalista en el concurso a oposición para di-
rector asistente de la OFUNAM. Actualmente es presidente del
consejo directivo y miembro fundador del colectivo cultural Ma-
zatlán por el Arte A.C., coordinador académico de la licenciatura
en Música de la Universidad Autónoma de Occidente, director y
coordinador artístico de la Orquesta Sinfónica y Coro Infantil y
Juvenil de El Rosario, así como fundador y director artístico de
proyectos independientes como la Orquesta Sinfónica del No-
roeste y TEMPLUM ensamble.

TEMPLUM ensamble

Es un colectivo de músicos creado en 2018. Sus programas en di­

versos formatos como solos, dúos, cuarteto de cuerdas, ensamble
de percusiones, quinteto de alientos u orquesta de cámara, in-
tegran al espacio sonoro dentro del complejo del performance,
expandiendo los límites auditivos de las salas, teatros y espacios
públicos donde se presenta. Se ha presentado en los festivales
Internacional Cervantino 2022, Temporada SAS 2021, Cultural
Mazatlán 2019, 2020 y 2021, al igual que en espacios alternativos
como MADE en 2018, Jamm con Eddu en 2019, [Link] en
2021, Centro Estatal de las Artes - Ensenada en 2022 y el Centro

235
 Cultural Paso del Norte en 2023. Ganadores del Programa de
Estímulos a la Creación y Desarrollo Cultural del Estado de Sina-
loa 2021, de la convocatoria México: Encuentro de las Artes Escé-
nicas 2021 del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Cul-
turales de la Secretaría de Cultura Federal y Raíz México 2022.

En este proyecto los integrantes de TEMPLUM ensamble realizan

músicas al instante. En los programas se pueden escuchar obras ex-
perimentales, con dotación abierta, partituras gráficas, donde se ex-
plora la experimentación sonora y cualquier práctica improvisatoria.
Las prácticas improvisatorias y experimentales tienen un gran reco-
rrido en México cuyos creadores se interesan más por las búsquedas
y las posibilidades que por las respuestas que da la música y el soni-
do. Dentro de estas encontramos a autores como Manuel Enríquez o
Julio Estrada y más recientemente a Wilfrido Terrazas, aunque ésta
línea estética también se nutrió de las experimentaciones mecáni-
cas de personas que decidieron ser mexicanos como Conlon Nanca-
rrow. El objetivo de este proyecto es introducir al público a nuevas
experiencias estéticas a través de la escucha libre y borrar las barre-
ras entre lo musical y lo sonoro.

236
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Sala Chopin, Escuela Superior de Música

y Danza de Monterrey, Nuevo León
Viernes 13 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Ana Karen Garza

Infection (2020) 11’

Noel Reyes
Supra (2020) 12’

Daniel Román
La fragilidad de las sombras (2020) 16’

Rafael Motomochi
La danza de la lluvia (2023) 8’

Q-Sion, ensamble de percusiones

Celina Hernández Montalvo
Samuel Alejandro Reyes Guzmán
Gustavo Villegas Gámez
Abel Gerardo Gómez Rodríguez

237
 Ana Karen Garza (México)

Originaria de Monterrey. Estudió en la Facul-

tad de Música de la Universidad Autónoma de
Nuevo León (UANL), donde cursó el nivel Téc-
nico Medio en Música con acentuación en pia-
no. Continuó sus estudios universitarios en la
Licenciatura en Música con acentuación en
Composición con Roberto Carlos Flores y Ri-
cardo Martínez Leal. En 2017 realizó una estancia en la escuela
Transforming Arts Institute en Madrid y una estancia en The Man-
chester University con Philip Grange. Ha participado en los festi-
vales anuales del Departamento de Composición de la UANL des-
de 2016. Fue becaria del Centro de Compositores de Nuevo León
en 2021. Fue coordinadora de programación y asuntos internacio-
nales de la Orquesta Sinfónica de la UANL. Actualmente labora en
la coordinación de la Orquesta de Cámara de la UANL.

Infection
La idea de la obra es plasmar, musicalmente, el proceso de una infec-
ción cuando invade al cuerpo. La construcción musical está basada
en la entrada de un agente patógeno al cuerpo humano, buscando
reflejar la lucha que se enfrenta dentro del cuerpo para lograr la ex-
pulsión completa del agente infeccioso a nivel físico, también se
aborda el aspecto psicológico de incertidumbre y miedo que se vive
al ser víctima de una enfermedad infecciosa.

Noel Reyes (México, 1985)

Cursó estudios formales de piano con John

Solomons, David Josué Zambrano, Antonina
Dragan y Delia de la Torre en la Facultad de
Música de la Universidad Autónoma de Nue-
vo León (UANL); además de recibir cursos y
clases magistrales de Fabio Bidini, Frank He-
neghan, Jorge Federico Osorio y Leonel Mora-
les. Estudió composición con Ricardo Martínez Leal, asistió a los
cursos de Francisco Núñez, Julio Estrada, Javier Darias, Marcelo
Toledo, Osvaldo Budón, Rodrigo Sigal, Emil Awad, Roberto Mora-
les, Carmelo Saitta, Alejandro Cardona, Nickos Harizanos, Philip
Grange y Camden Reeves. Acreedor a la beca del PECDA en 2014
y becario por parte del Centro de Compositores en 2018 y 2020. Es
parte del Cuarteto Ictus y miembro fundador del Colegio Neolo-
nés de Compositores de Música de Concierto. Es programador en
Radio Nuevo León, docente de Teoría en la Facultad de Música de
la UANL y asistente en la dirección de cámaras en las transmisio-
nes de la Orquesta Sinfónica de la UANL.

238
 Supra
En un éxodo a través del umbral absoluto de la percepción, en la
pieza se transita desde el espectro de las pulsaciones hacia el espec-
tro de las frecuencias y viceversa, es decir, del ritmo hacia la altura y
de retorno, desplegando oscilaciones sobre el tejido del tiempo. A lo
largo de la obra se mantiene una correspondencia entre dos mane-
ras de percibir un mismo fenómeno.

Daniel Román (México, 1988)

Licenciado en Música con acentuación en

composición por la UANL. En su catálogo se
encuentran obras de música de cámara, or-
questal y música electroacústica. Ha sido be-
cario del PECDA en Durango en 2012 y en
Nuevo León en 2023, y del Centro de Compo-
sitores de Nuevo León en 2015 y 2020. Ha to-
mado cursos y clases magistrales con Ricardo Martínez Leal,
Eduardo Caballero, Emmanuel Nunes, Hébert Vázquez, Emil
Awad, Julio Estrada, João Pedro Oliveira, Camden Reeves y Philip
Grange. Ha compuesto música original para teatro como miem-
bro de las compañías La Colmena y La cuerva producciones. En
2020 participó como compositor y diseñador sonoro en el desa-
rrollo del videojuego Eagle Knight Paradox del estudio mexica-
no Playstorm Studios.

La fragilidad de las sombras

Obra para cuarteto de percusión que busca reflejar las diferentes sen-
saciones que se viven durante un episodio de ansiedad, desde los mo-
mentos más apacibles hasta los de extrema incertidumbre. Es tam-
bién una exploración de las capacidades tímbricas de los instrumentos
de percusión mediante la superposición de diferentes tipos de textu-
ras musicales, las cuales se van transformando gradualmente.

Rafael Motomochi (México, 1991)

Es catedrático en la Facultad de Música de la

UANL donde imparte Orquestación, Compo-
sición musical, Armonía y Contrapunto. Li-
cenciado en Composición musical egresado
de la UANL bajo la tutela de Ricardo Martínez
Leal y egresado de la maestría en Composi-
ción y arreglo de la Universidad Tito Puente.

239
 Ha tomado clases, talleres y clases magistrales con Panayiotis
Kokoras, Philip Grange, Julio Estrada, Víctor Rasgado, Osvaldo
Budón, Ignacio Baca Lobera, Joao Pedro Oliveira, Roberto Mora-
les y Emil Awad. En 2022 su obra Murmullos para quinteto de
percusión y electrónicos, obtuvo el primer lugar en el XII Interna-
cional Competition of Creativity ̈Music and Electronics en Moscú,
organizado por el International Center Art and Education, Edu-
cational magazine Music and Electronics y Gnesin Russian Aca-
demy of Music. En 2020 Participó con la misma obra en el docu-
mental Horizontes Tímbricos, en la edición Enartes Virtual 2020.

La danza de la lluvia
Nace de la idea de retratar la histórica sequía vivida en el estado de
Nuevo León en 2022 y comienzos de 2023. La obra presenta una co-
lección de escenas sonoras, las cuales comienzan retratando la des-
esperación y lamentos de un grupo de personas debido a la falta del
vital líquido, cuando de pronto, observan algunas nubes que se acer-
can desde el horizonte. Poco a poco el viento comienza a incremen-
tar e inician juntos una danza para provocar la lluvia.

240
I N T É RPRETES

Q-Sion, ensamble de percusiones

Ensamble de percusión conformado por percusionistas profe-

sionales radicados en el estado de Nuevo León. Desde su funda-
ción en 2018 se ha destacado por interpretar obras contemporá-
neas y explorar el uso de la tecnología, el performance y los
instrumentos de percusión no convencionales, así como la mú-
sica contemporánea utilizando instrumentos de percusión tra-
dicionales. En 2018 fueron invitados a la Bienal Internacional de
Performance Horas Perdidas, y participaron en el programa cu-
ratorial Sobre el tiempo y otras realidades en el Centro Cultural
Plaza Fátima. En 2019 el ensamble participó en el Transplanted
Roots Percussion Research Symposium en Guanajuato. En 2020
fueron seleccionados para la Temporada de Música Conarte. De-
sarrollaron el proyecto de investigación Horizontes Tímbricos,
rescatando obras de compositores pioneros en Nuevo León y co-
misionando música contemporánea a nuevos compositores de la
región. Participaron en el Encuentro de las Artes Escénicas donde
realizaron una producción fílmica titulada Horizontes Tímbricos -
Falso Documental, producción estrenada en el marco de las acti-
vidades del Festival Internacional Santa Lucía 2021. En 2022 gana-
ron la convocatoria Apoyos en la modalidad virtual del programa
Ibermúsicas donde desarrollaron el proyecto del compositor por-
tugués Joao Pedro Oliveira denominado El vehemente balance.

241
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Galería Libertad, Querétaro, Querétaro

Sábado 14 de octubre, 20:00 h

PROG R A M A

Marcela Rodríguez
Sonata Sin prisa (2019) 10’

Germán Romero
Tsai (2009) 9’

Juan Pablo Medina

Branas (2014) 12’

Erika Vega
Refractions (2016)** 13’

Valeria Jonard
Viento agua piedra (2013) 10’

**Estreno en México

Cronopio Ensamble
Karla Vasconcelos Clavel, flauta
Alejandro Díaz Toledano, guitarra
Fernanda Zúñiga Yáñez, viola
Wilson Pérez Binaghi, violín
Carlos Laguna Zárate, piano
Enrique Aguilar Canuto, contrabajo
Alejandro Huerta Rojas, dirección

242
COM PO SITO RE S

Marcela Rodríguez (México, 1951)

De sus obras más destacadas podemos men-

cionar sus cinco óperas: La Sunamita, Séneca
o todo nos es ajeno, Las cartas de Frida, Bola
negra, y El día que María perdió la voz. En 2010
estrenó su oratorio: Un réquiem mexicano.
Cuenta con varios sinfónicos para instrumen-
to y orquesta sinfónica: 1 y 2 conciertos para
piano, concierto de guitarra, conciertos 1 y 2 para percusiones,
concierto para violonchelo, conciertos 1 y 2 para flautas dulces,
obras orquestales y de cámara, todos sus conciertos estrenados
con las orquestas más importantes del país. Ha compuesto músi-
ca para teatro y danza. A nivel internacional, sus obras han sido
interpretadas en Estados Unidos, Venezuela, Grecia, España y Ale-
mania. Pertenece, desde 2014, al Sistema Nacional de Creadores
de Arte. Ha organizado encuentros de música mexicana en el ex-
tranjero como Mexartes en Berlín, y es directora del Festival Puen-
te con México y España.

Germán Romero (México, 1966)

Realizó sus estudios profesionales en la UNAM

con Julio Estrada. Ha sido miembro del Siste-
ma Nacional de Creadores en los periodos
2013-2015 y 2017- 2020. En 2023 recibió la Me-
dalla Bellas Artes otorgada por el gobierno del
estado de Yucatán. Su interés por la pedago-
gía lo ha llevado a la investigación y enseñan-
za del entrenamiento auditivo, disciplina sobre la que ha imparti-
do numerosos cursos y conferencias en México, España y Chile. Es
autor de Formar el oído, metodología y ejercicios de 2011, y coau-
tor de la serie Escucha-Imagina-Representa, cuadernos de en-
trenamiento auditivo (vol. 1 2015 y vol. 2, 2019). De 1998 a 2008 fue
coordinador de las áreas de Composición y de Educación auditiva
en el Conservatorio de las Rosas, del cual fue rector entre 2004 y
2007. Actualmente es Coordinador del Área de Teoría de la Escue-
la de Bellas Artes de la Universidad Panamericana.

243
 Tsai
Fue compuesta por encargo del guitarrista Pablo Gómez y estrena-
da junto con Wilfrido Terrazas, flauta, y Omar Hernández, viola, en la
UCSD, Es la primera obra en la que logro llevar a buen término una
escritura basada en la independencia métrica a manera de polifonía,
con la finalidad de permitir que cada instrumento pueda desplegar
una expresión musical independiente.

Juan Pablo Medina (México, 1968)

Estudió Composición en el CIEM con María

Antonieta Lozano, Alejandro Velasco, Gerardo
Tamez y Enrique Santos. Posteriormente con
Juan Trigos en el Instituto Cardenal Miranda,
además de asesorías con Jesús Villaseñor, Ma-
nuel de Elías, Víctor Rasgado y Luca Cori. Pos-
teriormente obtuvo la licenciatura del Trinity
College London, con mención, bajo la asesoría de Vincent Carver.
Su música ha participado en los festivales Internacional Franco
Donatoni de Música Contemporánea, Primer Encuentro Universi-
tario de la Composición en México, Foro Internacional de Música
Nueva Manuel Enríquez, Jornadas INBAL-SACM, Internacional
Cervantino, Giornata Internazionale per l’eliminazione della Vio-
lenza contro le Donne, en Italia, Internacional de Música electroa-
cústica Muslab, en Francia. Ha recibido los reconocimientos y pre-
mios Tribune Internationale des Compositeurs 1999 y del Centro
para la Difusión de la Música Contemporánea de Madrid. Fue fina-
lista en el concurso Confluencias de miniaturas electroacústicas,
España 2009. Perteneció al Sistema Nacional de Creadores de
Arte en 2018. En 2022 la Orchestra Sinfonica a Filarmonicii Natio-
nale de Moldavia, con Alexanddro Zavali como solista y bajo la di-
rección de Mihail Agafita, estrenó Crescent Moon en el Palacio de
la República de Moldavia.

Branas
Brana, según la teoría de cuerdas, es un término que se utiliza para
referirse a los diferentes universos que existen de manera paralela.
Se dice que cada universo es una membrana esférica cuyos bordes
forman constantes movimientos ondulatorios. Cuando estos chocan
entre sí, dan origen al big bang, el cual es un fenómeno cíclico. Esta
obra está construida a partir de la interacción entre tres niveles bási-
cos de oscilación continua.

244
Erika Vega (México)

Ha recibido diversos premios y distinciones,

entre ellos The Eight International Jurguen-
son Competition en el Conservatorio Chaiko-
vski en Moscú, Call for Scores 2015 del Odyseia
Ensamble Bélgica, el Bludenze Tagezeitge­
mässer Musik 2016 Competition de Austria, el
TACTUS Young Composer’s Forum 2017, Bélgi-
ca, LA Phil’s 2017 National Composers Intensive, la Danish Arts
Foundation Fellowship y el Henfrey Price for Composition 2019-21
en la Universidad de Oxford. Ha participado en dos ocasiones en
ManiFest en el IRCAM con el Ensamble Intercontemporain y en
Prototype VI en Royaumont 2018-2019. Ganó la beca Jóvenes Crea-
dores Fonca 2020. Desde 2022 es miembro del Sistema Nacional
de Creadores de Arte y actualmente estudia un doctorado en
Composición en la Universidad de Oxford, Inglaterra, donde ha
sido galardonada con la beca Clarendon para realizar sus estudios.

Refractions
La refracción es el fenómeno en el cual una onda cambia su direc-
ción al pasar de un medio a otro debido a la variación en su veloci-
dad. Cuando un rayo de luz atraviesa el aire y entra en el vidrio o el
agua, experimenta refracción, lo que significa que se desvía debido
a las diferencias en las velocidades de las longitudes de onda en es-
tos medios. Inspirándome en esta analogía física, he concebido la
idea de utilizar armónicos en el violín y el piano, y multifónicos en la
flauta como una representación musical de este fenómeno. Los ar-
mónicos son componentes fundamentales en la producción del es-
pectro sonoro de un sonido. Para lograr estos armónicos, el piano
requiere una preparación especial en su interior, donde se coloca un
pequeño trozo de bluetack en el nodo específico de cada cuerda. En
el caso del violín, los armónicos se obtienen al tocar la cuerda ligera-
mente en el nodo adecuado. Por otro lado, la flauta produce multifó-
nicos a través de digitaciones especiales y una embocadura precisa.
Este enfoque crea un contraste notable en términos de timbre y tex-
turas en la composición. Siempre se tocará con la resonancia produ-
cida por los armónicos y se explorarán las sutilezas del cuerpo de
resonancia de cada instrumento, lo que añade una dimensión única
a la experiencia musical.

245
 Valeria Jonard (México, 1986)

Estudió en el Conservatorio de las Rosas en

Morelia, donde obtuvo el título de licenciatu-
ra en Composición bajo la tutela de Eduardo
Solís Marín. Ha participado en el Foro Inter-
nacional de Música Nueva Manuel Enríquez
y en los festivales de música electrónica Spli-
ce, Electronic Music Midwest, Electronic Barn
Dance y Visiones Sonoras. Su música ha sido tocada en México,
Estados Unidos, Alemania, Brasil y Ecuador, y ha colaborado con
los ensambles Birds on a Wire, Liminar, Dúo Alcántara-Terrazas,
Super Cluster, Splice, Fonema Consort y el Cuarteto José White.
Obtuvo la maestría en la Western Michigan University bajo la di-
rección de Christopher Biggs. Asistió al programa de arte Sonoro
en Columbia University con. Douglas Repetto, Brad Garton y Jon
Kessler. Fue beneficiada por el programa Jóvenes Creadores del
Fonca en 2010 y 2019. En 2018 y 2019 coordinó la iniciativa Ramifi-
caciones para abrir un espacio para la música contemporánea y
con medios electrónicos en Zacatecas. Actualmente es docente
de la Universidad Autónoma de Zacatecas.

Viento Agua Piedra

Compuesta para el Ensamble Liminar como resultado de la convoca-
toria para compositores emergentes. La base armónica de esta pieza
se basó en las inflexiones de la voz de Octavio Paz leyendo el poema
Viento Agua Piedra.

246
I N T É RPRETES

Cronopio Ensamble

Creado en 2017 con la finalidad de cubrir un área de la oferta cul-

tural en el Bajío. Cronopio Ensamble se dedica a la ejecución de
música de cámara contemporánea y a la experimentación de
diversos lenguajes sonoros. Algunos de los eventos que ha pre-
sentado, han merecido reconocimiento por lo novedoso de sus
propuestas: Drum Taps, serie de tres piezas para instrumentos
de percusión y electrónica; 3 Intermezzos, basados en cuentos
prehispánicos; Músicas pictóricas, Homenaje a tres pintores
mexicanos; participación en la Exposición-Festival: La caída de
Tenochtitlán en Viena, Austria, y en el Festival de Teatros de la
Ciudad en México. Sus próximos proyectos incluyen el estreno
de la ópera Los derrumbes, de Juan José Bárcenas, y unos con-
ciertos con el Ensamble Vertixe Sonora en Galicia, España, y en
Monterrey.

247
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Unidad Académica Cultural del Campus Morelia,

UNAM, Michoacán
Martes 17 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Andrea Chamizo Alberro

Myopsita (2014) 5’

José Gurría Cárdenas

La batalla (2021)* 14’

Nubia Jaime Donjuan

Alcatraz (2021)** 4’

Daniel Martínez García

Parajes (2013) 15’
Quiatstais
El Cerrito
Guechiviyz
Las Salinas
Bazalache

Lin Nossek
Dream States (2020)** 6’

Wilfrido Terrazas
Manatees Run Sideways (2011)** 7’

*Estreno mundial
**Estreno en México

Ensamble Danaus
David Ramírez, flauta
Montserrat García, oboe
Julio Yahir Morales, clarinete
Jenny Cárdenas, corno
Everardo Gastelum, fagot

248
COM PO SITO RE S

Andrea Chamizo Alberro (México, 1988)

Realizó sus estudios en Composición y música

teórica en el Centro de investigación y Estudios
de la música (CIEM), en donde recibió el grado
de maestría en Composición musical (FLCM)
y Licenciatura en Música teórica (LMusLCM)
ambos avalados por el London College of Mu-
sic. Ha sido beneficiaria de la beca jóvenes
Creadores del Fonca en 2019-2020 y actualmente en el 2022-2023.
Con su obra Tlatelolco 68 representó a México en la 67 Tribuna de
Compositores de la UNESCO en la categoría Tesoros escondidos.
Obras suyas han sido seleccionadas e interpretadas en México, Ar-
gentina, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Gales y Ucrania, en
festivales como el Foro Internacional de música Nueva Manuel
Enríquez, las Jornadas INBA-SACM, el Arcomis International Brass
Event y el KLK New Music Forum, entre otros. Su obra Soy desierto,
recibió mención honorifica en el Concurso de Composición Artu-
ro Márquez para Orquesta de Cámara 2019.

Myiopsitta monachus
Es el nombre científico de la cotorra. Partiendo de una escena ima-
ginaria donde un grupo de estas aves conviven, surgió esta obra que
inicia con una textura cordal de notas largas con trinos, para poste-
riormente presentar una clara melodía con acompañamiento. A lo
largo de la obra se contrastan secciones con distintas texturas, te-
niendo espacios donde la melodía hace pregunta y respuesta y tam-
bién inicios que se interrumpen con cierto sentido del humor, para
llegar al final donde todas las aves logran ponerse de acuerdo y de-
ciden cantar lo mismo.

José Gurría Cárdenas (México, 1972)

Se desempeña como compositor, baterista y

director fundador del Seminario de Composi-
ción, Creatividad y Procesos. Su trabajo lo ha
llevado a presentarse en todo el mundo, ya
sea como compositor o intérprete. Ha sido co-
misionado para escribir música para Brooklyn
Symphony Orchestra, Angel City Jazz Festival,
Los Angeles Jazz Society, Arturo O’farrill’s Afro Latin Jazz Orches-
tra, Gurrisonic Orchestra, The U.S. Army Band-Big Band Pers-
hing’s Own y el Nief Norf New Music Festival, entre otros. Su música

249
 puede ser escuchada en producciones discográficas bajo los se-
llos Yarlung, Elytron, Urtext, Quindecim, Resonance y Centaur. Es
miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y miembro
votante de Laras y Naras.

La batalla
El tema se catapulta en un inicio con una llamada a la acción. Esta
llamada se produce de manera colectiva anunciando la naturaleza
coparticipativa y melodista de la pieza. Conforme progresa La bata-
lla cada uno de los instrumentos va tomando turno increpando al
resto hacia la acción y dando la señal para atacar. El ritmo a lo largo
de la pieza sirve como agente aglutinador del contrapunto el cual se
funde por momentos en pasajes fugales y puntillistas. El desarrollo
temático del comienzo funciona como ritornello creando una sensa-
ción de familiaridad y complicidad entre el intérprete y la audiencia.
La narrativa de obra es inspirada por el libro escrito por Sun Tzu, El
arte de la guerra, en donde el engaño y la disuasión son ingredientes
principales para librar una contienda y salir avante. Al componer esta
pieza intento relacionar sonidos y armar escenas por medio de gene-
radores armónicos que dictan más incrementos de tensión y relaja-
ción que centros tonales.

Nubia Jaime Donjuán (México, 1984)

Realizó sus estudios profesionales en la Uni-

versidad de Sonora. Ha estudiado composi-
ción con Arturo Márquez y Alexis Aranda, or-
questación con David H. Bretón y tomó clases
magistrales con Brian Banks. Su música ha
sido interpretada por las orquestas Filarmóni-
ca de Sonora, Sinfónica del IPN, Filarmónica
del Tzinzuni, Iberoamericana, Sinfónica de la BUAP, University of
North Florida Wind Symphony, y por Keene State College Music,
Smith College Wind Ensemble, Musikgesellschaft Konkordia Rei-
nach, Camerata Internacional de Barcelona, y University of Hous-
ton Wind Ensemble, entre otras. Ha participado en el Music Mexi-
co Symposium 2022, Midwest Clinic 2022, Chicago, Texas Music
Educators Association, Festival Internacional de Saxofón Bellas
Artes, en Cali, Colombia 2023. Es compositora residente del Dart-
mouth College Wind Ensemble y de la Orquesta Filarmónica del
Tzintzuni. Es fundadora de la Orquesta Filarmónica de Sonora,
donde es violonchelista coprincipal. Forma parte del proyecto Las
Montoneras, que busca visibilizar el trabajo de las mujeres en la
escena musical del país.

250
 Alcatraz
La Isla Alcatraz es un santuario para los lobos marinos, aves y algunas
otras especies. A pocos minutos de Bahía de Kino, en el municipio de
Hermosillo, Sonora, lugar muy frecuentado por los hermosillenses.
Como compositora, tengo la clara necesidad de plasmar en mi traba-
jo artístico las problemáticas de mi género, pero también las tradi-
ciones culturales y expresiones artísticas, así como lugares y paisajes
icónicos de mi país, en especial de mi natal estado de Sonora. La
forma clásica del rondó, generosamente nos brinda la oportunidad
de exponer una especie de tema y variaciones en la misma obra, es
por eso que he escogido esta forma para darle vida al danzón Alca-
traz, dedicado al Cuarteto Latinoamericano de Mujeres, en pro de
darle vida al trabajo de la mujer en la música. Compuse esta obra a
principios de 2021 originalmente para cuarteto de saxofones, pero
con el paso del tiempo la he transcrito para distintas dotaciones.

Daniel Martínez García (México,1986)

Originario de Oaxaca. Se graduó con mención

honorífica de la carrera de Composición en la
Facultad de Música de la UNAM con Gabriela
Ortiz. Ha tomado cursos y clases con Mario
Stern, Lucía Álvarez, María Granillo, Leonardo
Coral, Enrico Chapela, Mario Lavista, Carmen
Téllez, Irvine Arditti, Faustino Díaz, Hebert Váz-
quez, Emil Awad, Victor Rasgado, Juan Sebastian Lach, Juan Tri-
gos, Javier Álvarez y Marcelo Toledo. Su música ha sido tocada por
la Orquesta Filarmónica de Toluca, la Banda Sinfónica del Estado
de Oaxaca, la Banda Sinfónica del Estado de Hidalgo, Ónix En-
samble, el Quinteto de Alientos de la Ciudad de México, el Cuarte-
to de Cuerdas Q-Arte y Aeki Ensamble, en las salas más importan-
tes del país y en el extranjero. Fue premiado en los concursos
Universitario de Composición por el Centenario de la fundación
de la Universidad Nacional 2011, Universitario de Composición por
el 85 aniversario de la Facultad de Música de la UNAM 2015, de la
Orquesta Filarmónica de Toluca 2015 y Ciudad Sinfónica 2015.

251
 Parajes
Paraje es un término que se utiliza en los pueblos para denominar
un punto geográfico específico de alguna región o estado. Éste pue-
de estar habitado o no, y generalmente sus pobladores se encuen-
tran dispersos en un área rural. También se refiere a un pueblo o una
zona determinada en el camino de los viajeros. Los parajes normal-
mente están separados entre sí por distancias que varían según la
geografía del lugar; además, generalmente cuentan con abundante
agua para las personas que allí habitan. Desde que tengo uso de ra-
zón, mi vida ha girado alrededor de lo que mi lugar de origen, San
Juan Guelavía, en Oaxaca, me ha mostrado. Parajes es una obra en
cinco movimientos dedicados a cinco lugares ubicados en mi comu-
nidad, lugares que han sido muy importantes, porque representan
mi visión del mundo y mi realidad en la infancia.

Lin Nossek (Estados Unidos, 1999)

Es unx compositorx y clarinetista dedicadx a la

creación de obras nuevas e imaginativas ac-
cesibles a un amplio público. Su música está
influenciada por la naturaleza, los sueños, y las
relaciones interpersonales. Sus principales
fuentes de inspiración son la música folk esta-
dunidense, Radiohead, y Maurice Ravel. Ha
recibido comisiones internacionales de Don-Paul Kahl, el zooDuo,
y Susan Nigro. Sus obras para saxofón se presentaron en las confe-
rencias de la NASA de 2019 y 2021. Como ejecutante cree en la des-
colonización de la música clásica y busca presentar obras de mu-
jeres, compositores de color, y la comunidad LGBTA+. En 2021
ganó la President’s Competition de la Universidad de Arizona con
la obra Black Dog de Scott McAllister. Se identifica con género
fluido y utiliza pronombres neutros. Sus obras se han publicado
por T. U. X. People’s Music Publishing.

252
 Dream States
Siempre he tenido una fascinación profunda con el concepto del
sueño como sujeto del arte. Mi cineasta favorito es David Lynch, cu-
yas películas replican con una precisión casi aterradora la naturaleza
inconsecuente de los sueños. En esta pieza, escrita para el Vulpes
Wind Quintet, quise crear cuatro estados de sueño distintivos con
cada movimiento, algunos son caprichosos y bobos, algunos oscuros
y misteriosos. Tal vez, de manera extraña, estos movimientos no re-
flejan estados de sueño específicos que yo haya tenido, si no imáge-
nes que he conjurado de manera vívida estando despierto. Cada mo-
vimiento está colocado firmemente en su propio mundo sonoro
distintivo, y diferente a todos los demás.

Wilfrido Terrazas (México, 1974)

Es un flautista, improvisador, compositor y do-

cente mexicano cuyo trabajo explora los terri-
torios fronterizos entre improvisación, nota-
ción musical y creación colectiva. Es miembro
de Generación Espontánea, Liminar, Filera y el
Wilfrido Terrazas Sea Quintet, y ha realizado
más de 400 estrenos mundiales, escrito más
de 70 composiciones, y grabado más de 50 álbumes, ocho de ellos
como solista o líder. Wilfrido ha presentado su trabajo en 22 países.
Es coorganizador de la Semana Internacional de Improvisación
en Ensenada y profesor de la University of California San Diego.

Manatees Run Sideways

Fue escrita durante una residencia en el Atlantic Center for the Arts,
en New Smyrna Beach, Florida, Estados Unidos. Esta pieza fue un es-
labón importante en una cadena de exploraciones relacionadas con
notaciones abiertas que poco después me llevarían a diseñar mis
propias herramientas de notación. La obra pide a los intérpretes im-
provisar en distintas configuraciones y leer en voz alta el texto poéti-
co que fue expresamente escrito para ella por el poeta Ronnie Yates,
a quien la pieza está dedicada. El estreno mundial se llevó a cabo
durante la residencia, el 27 de octubre de 2011, a cargo de Robbie
Lynn Hunsinger, oboes, Dana Jessen, fagot, Jeff Kimmel, clarinetes,
Mark Taylor, corno francés y Wilfrido Terrazas, flauta.

253
 I N T É RPRETES

Ensamble Danaus

Danaus plexippus es el nombre científico de la mariposa Monar-

ca, símbolo del estado de Michoacán y nombre que toma el en-
samble por ser michoacano. Sus integrantes son músicos profe-
sionales de trayectoria que forman parte de las agrupaciones e
instituciones musicales más importantes de Morelia: Orquesta
Filarmónica del Tzintzuni, Orquesta Sinfónica de Michoacán,
Universidad Michoacana y el Conservatorio de las Rosas, entre
otras. Ha participado en festivales y ciclos de conciertos en los
festivales de Cámara 21, en Veracruz, Aires de la UNAM en 2020 y
2021, el ciclo de todos los jueves en el Conservatorio de las Rosas
o los Jueves nicolaítas de la UMSNH. Ha estrenado obras dedica-
das a la agrupación de compositores michoacanos y mexicanos,
como Juan Vázquez, Ignacio Martínez Madrigal, Rafael Cameras
y José Gurría. El ensamble está interesado en buscar voces nue-
vas usando un lienzo sonoro propositivo y fusionando música
popular y música folclórica en arreglos interesantes, que marcan
la pauta a volver la música de conciertos abierta a nuevas pro-
puestas y audiencias.

254
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Universidad Autónoma de Occidente, Unidad Mazatlán,

Mazatlán, Sinaloa
Martes 17 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Víctor Taboada
Birtok: Monólogos del encierro 60’

Víctor Taboada, electroacústica

255
 COM PO SITO R E IN T É R PR E T E

Víctor Taboada (México, 1988)

Nacido en Culiacán. Su repertorio contiene

música para orquesta, conjuntos de cámara,
acusmática e instrumental con electrónica en
soporte fijo y procesamiento en vivo. Se ha ca-
racterizado por darle importancia al aspecto
escénico y a la dramaturgia, empleando el
movimiento y la voz como material importan-
te de sus obras, además de tener varias colaboraciones con danza
y teatro. Otra particularidad en sus obras es el uso de objetos coti-
dianos como botellas de plástico, latas de aluminio, botellas de
vidrio, utensilios de cocina, globos y materiales de desecho, entre
otros. Sus inquietudes artísticas se han inclinado hacia la búsque-
da de dinámicas tímbricas, rítmicas y espaciales en paisajes sono-
ros de la vida diaria para traducirlas a material creativo.

Birtok: Monólogos del encierro

Es una obra que comprende fragmentos de una selección de obras
de Víctor Taboada que puede ser interpretada con ensamble o a ma-
nera de solista. En esta ocasión, Birtok se interpretará por 60 minutos
con un set de instrumentos, objetos cotidianos como licuadoras, cu-
charas, una piñata y herramientas tecnológicas: micrófonos y proce-
sadores de audio en tiempo real tanto análogos como digitales. La
poética de la obra surge a partir de observar la resistencia que ejerce
un cuerpo al ser sometido por una fuerza aparentemente mayor, ex-
poniéndose así a los límites de la tolerancia. Esto podría ser una me-
táfora que conecta con el comportamiento de las sociedades a partir
de los sistemas sociopolíticos que rigen el mundo. Este proyecto se
ha presentado en Linz, Viena, Lisboa y Landeck.

256
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Universidad Autónoma de Occidente, Unidad Mazatlán,

Mazatlán, Sinaloa
Viernes 20 de octubre, 19:00 h

PROG R A M A

Fausto Arellano
Junsui Keiken

Yohua

Duración 60 minutos

Fausto Arellano, guitarra eléctrica y procesos electrónicos

257
 COM PO SITO R E IN T É R PR E T E

Fausto Arellano (México 1987)

Es un guitarrista en activo por más de 20 años.

Inicialmente explorando subgéneros del me-
tal, rock y punk, durante los últimos años su
enfoque se ha dirigido hacia las posibilidades
de la guitarra en solitario y los procesos elec-
trónicos, así como la experimentación me-
diante técnicas extendidas.

Las piezas de este concierto se conforman por loops en vivo y la so-

breposición de capas sonoras, utilizando pedales y diversos objetos
como ebow, rocas obsidianas, metales, entre otros. El espacio donde
se presenta y sus características acústicas son elementos de gran
importancia para la ejecución de las piezas, influyendo e incluso dic-
tando la dinámica de la misma. En el sonido de su performance se
encuentran referencias al shoegaze, black metal, dark ambient y
drone metal, entre otros. El drone y la repetición, en los que predomi-
na el feedback y las texturas originadas por la distorsión y el volumen
de amplificadores, así como procesos electrónicos por medio de di-
versos pedales de efectos, son los elementos fundamentales y bases
conceptuales de este programa.

258
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras,

Morelia, Michoacán. Casa de la Cultura, 2° piso
Viernes 20 de octubre, 19:00 h

3 geometrías encontradas
Música visual y electroacústica
de nuestro tiempo
PROG R A M A

Javier Álvarez
Cactus geometris: Cereus Hexagonus 6’

Francesca Antonia María Caston

Canción 5: ser mujer 7’

Javier Álvarez
Cactus geometris: Lophphora Williamsii 6’

Damián Anache
Compre(n)sión de Artefactos (2023) 6’

Javier Álvarez
Cactus geometris: Parodia Penicillata 2’
In memoriam

Damián Anache
Por mi culpa (2022) 6’

Javier Álvarez
Cactus geometris: Agave Fourcroydes Lemaire 2’

Damián Anache
Desprendimiento (2020) 2’

Javier Álvarez
Cactus geometris: Dorcoba Aureispina 5’

259
 COM PO SITO RE S

Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Músi-

ca con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universidad
de Wisconsin, el Royal College of Music y la
City University de Londres. Recibió becas del
Fonca, las fundaciones Mendelssohn y Civite-
lla Ranieri, y fue miembro de la Academia de
Artes de México. En 2013 recibió el Premio Nacional de Ciencias y
Artes. En 2014 el INBAL le otorgó la Medalla Bellas Artes en recono-
cimiento a su contribución al arte y la cultura de México. Su obra
ha sido interpretada por orquestas y ensambles como el New
London Chamber Choir, London Sinfonietta, L’Orchestre Nationa-
le de France, Los Angeles Philharmonic, Tambuco, Ictus, Brodsky
Quartet, Cuarteto Latinoamericano, Chicago Symphony New Mu-
sic Group y BBC Concert Orchestra, así como por las orquestas
Sinfónica de Xalapa, Sinfónica de Yucatán, de Cámara Europea,
Filarmónica de Jalisco, Sinfónica Nacional de México y Filarmóni-
ca de la Ciudad de México. Fue profesor en el Royal College of Mu-
sic y en la Universidad de Hertfordshire, en Reino Unido. Fue pro-
fesor visitante en el Conservatorio de París y en la City University
de Londres. En México fue fundador de la Escuela Superior de Ar-
tes de Yucatán y entre 2011 y 2015 fue rector del Conservatorio de
las Rosas, en Morelia.

Cactus geometris:

1 Cereus Hexagonus
2 Lophphora Williamsii
3 Parodia Penicillata
4 Agave Fourcroydes Lemaire
5 Dorcoba Aureispina

En este trabajo elegí algunos de mis cactus favoritos como metáfo-

ras musicales para cinco posibles topologías sonoras. Durante la
composición de la obra, su geometría caprichosa y voluptuosa me
sirvió de modelo para inventar espacios virtuales, flujos, impactos,
simetrías variables, paisajes, torbellinos y trayectorias sonoras, mien-
tras que las particularidades de sus propiedades proporcionaron el
contexto para imágenes más anecdóticas.

260
Francesca Antonia María Caston

Después de una pausa de más de cuarenta

años, trabajando como docente y profesora
universitaria en el campo de la educación, re-
gresó a la música experimental en 2018. Estu-
dió música en la Universidad de East Anglia,
Reino Unido con Denis Smalley. Pronto se dio
cuenta, a medida que se sumergía gradual-
mente en la tecnología más nueva, de que aún se podía trabajar
con sonidos grabados, pero hacer el procesamiento con una DAW
y una computadora. Ha ido evolucionando como artista y una ca-
racterística de su trabajo es que antes de iniciar una obra suele
tener una narrativa interior que moldea la forma de la obra y, du-
rante la fase experimental, actúa como fuente de retroalimenta-
ción estética: ¿es que el sonido es correcto? ¿La textura es dema-
siado densa? ¿Está diciendo lo que hay en mi historia? Y en cierto
punto, después de repetidas escuchas, ligeros ajustes, etc., podría
pensar: “Creo que eso suena bien”. Otra característica que se ha
ido abriendo camino en su trabajo es el simbolismo de un sonido
o estructura particular. Aunque no son identificables para el oyen-
te, siguen siendo un principio organizativo importante para la
compositora.

Canción 5: ser mujer

¿Qué es ser mujer? Esto se basa en una grabación que hice en mi
segunda semana aquí en Morelia. Me uní al 8 de marzo, Día Interna-
cional de la Mujer en Morelia, mientras los diferentes grupos tocaban
tambores, quemaban incienso y coreaban: ¡Las mujeres de Michoa-
cán! Los tambores se convirtieron en un tema a lo largo de la pieza y,
hacia el final, separé los tambores de la grabación de vídeo original,
así como los dos coros principales, y los dispuse como si hubiera dos
grupos entrando por lados diferentes de la calle. Recordaba de mi
época universitaria una pieza de Charles Ives en la que simulaba dos
bandas de música tocando distintas melodías en distintos lados de
la calle, algo que había visto de niño en su ciudad natal. La melodía
de los contrabajos hacia el final imita el bucle de retroalimentación
en forma de pájaro utilizado en gran parte de la pieza. Por estas razo-
nes, esta pieza es bastante convencional musicalmente, pero su gé-
nesis se enmarca en la noción del arte sonoro como medio para ex-
presar una idea: cómo las mujeres reclaman sus espacios y sus
cuerpos.

261
 Damian Anache (Argentina, 1981)

Artista argentino radicado en Buenos Aires.

Sus trabajos de video y piezas sonoras exploran
expresiones no-narrativas, micro-detalles, rui-
dos y geometría. Algunas de sus piezas musi-
cales se han ejecutado en Estados Unidos, Ita-
lia, Reino Unido, Ecuador y México, además de
diferentes ciudades argentinas. Su álbum de-
but Capturas del Único Camino (2014, 2016) fue editado por los
sellos Concepto Cero (ARG), Inkilino Records (ARG), Already Dead
Tapes (USA) y Must Die Records (GBR). Es docente en la Universi-
dad Nacional de Tres de Febrero y en la Universidad Nacional de
Quilmes donde además participa en el área de investigación des-
de 2007. En 2019 compiló y publicó el libro Tekné: Apropiaciones
desde el arte actual (Fundación Alfonso y Luz Castillo).

Compre(n)sión de Artefactos
Video digital, blanco y negro
Pixelización recursiva y autoreferencialidad de datos en collage. Esta
pieza repite un material fragmentado, trastocado y desvanecido,
una y otra vez, mientras se aleja hacia degradaciones abstractas y
simulacros en loop, dando vueltas sobre sí mismo todo el tiempo
hasta el cansancio, insiste para decir lo que ya dijo en primera instan-
cia (como estas mismas líneas). Las palabras, los sonidos y las textu-
ras se fusionan y desintegran en ruido sin un patrón evidente pero
muy presente. El motivo se dilata, se comprime y expande, eviden-
ciando, una vez más que las posibilidades del replicado tecnológico
pueden generar muy malas impresiones.

Por mi culpa
Video digital, blanco y negro
Ritmo, luces y sombras; micro-detalles, granos y ruidos; superposi-
ción de capas y texturas en un espacio simulado. Por mi culpa (espa-
ñol para la frase en latín Mea culpa) oscila entre imágenes abstrac-
tas y la documentación del cuerpo del artista interactuando con la
tecnología que produce y registra a sí misma durante ese mismo
proceso de manufactura. El estrato visual está compuesto sólo por
registros de video y efectos de iluminación generados con artefactos
controladas por computadora (no se utilizó CGI). La banda sonora es
una interpretación en vivo sin edición posterior.

262
 Desprendimiento
Video digital, color
Corto de animación abstracto y geométrico, creado exclusivamente
con triángulos como elementos micro y macro formales. Tanto el so-
nido como la imagen fueron generados con algoritmos ad hoc, desa-
rrollados por el artista en los lenguajes Pure Data y Processing, res-
pectivamente.

Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras

(CMMAS)

El CMMAS fue creado en septiembre de 2006 a iniciativa del Con-

sejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través del Centro Na-
cional de las Artes y de la Secretaría de Cultura de Michoacán, y
es un proyecto de vanguardia tecnológico-musical único en
América Latina. Su misión es potenciar el desarrollo de la música
y las artes sonoras en México y se ha convertido en uno de los
principales espacios en Iberoamérica para la vinculación entre
México y el resto del mundo en todo lo referente a la música y las
artes sonoras, y promoviendo el desarrollo cultural de la comuni-
dad a la que pertenece.

263
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Centro Universitario de Ciencias Exactas e Ingeniería,

Universidad de Guadalajara, Jalisco
Viernes 20 de octubre, 16:00 h

Sala 2 del Conjunto Santander de Artes Escénicas,

Guadalajara, Jalisco
Sábado 21 de octubre, 19:30 h

PROG R A M A

Arvo Pärt
Fratres, para violín y orquesta de cuerdas

Tōru Takemitsu
Requiem

INTE R M ED I O

Arvo Pärt
Summa, para orquesta de cuerdas

Mario Lavista
Siete invenciones^
Invención I. Presto
Invención II. Moderato
Invención III. Andante con moto
Invención IV. Andante tranquillo
Invención V. Presto
Invención VI. Lento flessibile
Invención VII. Molto allegro con brio
A 80 años de su nacimiento

Javier Álvarez
Metro Chabacano
In memoriam

^Versión para orquesta de cuerdas de Sergio Ramírez Cárdenas

Orquesta de Cámara Higinio Ruvalcaba

de la Universidad de Guadalajara
Sergio Ramírez Cárdenas, director artístico

264
COM PO SITO RE S

Arvo Pärt (Estonia, 1935)

A Pärt se le identifica como precursor de la

música minimalista, y más específicamente
del minimalismo sacro. Es considerado un
pionero en ese estilo, como sus contemporá-
neos Henryk Górecki y John Tavener y es más
conocido por sus trabajos corales de su se-
gundo período compositivo. Como uno de
los representantes más radicales de la vanguardia soviética, la
obra de Pärt ha pasado por un profundo proceso evolutivo: des-
de la música neoclásica para piano al uso individual de la dode-
cafonía, la composición con masas sonoras, música aleatoria y
técnica de collage. Después de Credo (1968), su última y más dra-
mática pieza de collage, Pärt se retiró de la composición durante
casi ocho años. En 1976 tras el estudio intensivo del canto grego-
riano, la Escuela de Notre-Dame y la polifonía vocal clásica, apa-
reció con un nuevo y extremadamente original lenguaje musical
que llamó tintinnabuli (tintinnabulum – campanilla en latín) y
que ha marcado su obra hasta hoy.

Tōru Takemitsu (Japón, 1930-1996)

Entró en contacto con la música occidental

durante los años de la posguerra, a través de
la radiodifusión por las fuerzas estaduniden-
ses de ocupación. Toshi Ichiyanagui lo instru-
yó sobre el avant-garde europeo de Mes-
siaen, Nono y Stockhausen y Fumio Hayasaka
lo introdujo al mundo de la música del cine y
lo puso en contacto con Akira Kurosawa, para quien compuso
muchas partituras. En 1951 cofundó la agrupación Experimental
Workshop con otros compositores y representantes de una va-
riedad de disciplinas artísticas. Enseñó en la Universidad de Yale,
y recibió invitaciones para residencias de universidades en Esta-
dos Unidos, Canadá y Australia. Su trabajo temprano muestra
influencias de Schoenberg y Berg; sin embargo, las composicio-
nes de su segunda fase creativa reflejan su preocupación por el
Impresionismo francés, particularmente Debussy.

265
 Mario Lavista (México, 1943-2021)

Estudió composición en el Conservatorio Na-

cional de Música (CNM). Fue becado por el Go-
bierno francés para estudiar con Jean-Étien-
ne Marie en la Schola Cantorum de París y con
Henri Pousseur; fue alumno de Karlheinz
Stockhausen en Alemania. Fundó en 1970 el
grupo de improvisación Quanta, interesado
en la creación-interpretación simultánea y la electroacústica. Le
fue concedida una beca de la Fundación Guggenheim para com-
poner su ópera Aura. Fue nombrado miembro de la Academia de
Artes. Mas adelante recibió la Medalla Mozart e ingresó al Colegio
Nacional de México. En estrecha colaboración con algunos instru-
mentistas exploró e investigó las nuevas posibilidades técnicas y
expresivas que ofrecen los instrumentos tradicionales. Dictó cur-
sos y seminarios en universidades de Estados Unidos y Canadá.
Tuvo a su cargo la cátedra de Composición, análisis y lenguaje mu-
sical del siglo XX en el CNM. Fue fundador y director de la revista
Pauta.

Javier Álvarez (México, 1956-2023)

Estudió en el Conservatorio Nacional de Músi-

ca con Mario Lavista y Daniel Catán. Obtuvo
diversos grados académicos de la Universidad
de Wisconsin, el Royal College of Music y la
City University de Londres. Recibió becas del
Fonca, las fundaciones Mendelssohn y Civitella Ranieri, y fue
miembro de la Academia de Artes de México. En 2013 recibió el
Premio Nacional de Ciencias y Artes. En 2014 el INBAL le otorgó la
Medalla Bellas Artes en reconocimiento a su contribución al arte y
la cultura de México. Su obra ha sido interpretada por orquestas y
ensambles como el New London Chamber Choir, London Sinfo-
nietta, L’Orchestre Nationale de France, Los Angeles Philharmo-
nic, Tambuco, Ictus, Brodsky Quartet, Cuarteto Latinoamericano,
Chicago Symphony New Music Group y BBC Concert Orchestra,
así como por las orquestas Sinfónica de Xalapa, Sinfónica de Yuca-
tán, de Cámara Europea, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica Nacio-
nal de México y Filarmónica de la Ciudad de México. Fue profesor
en el Royal College of Music y en la Universidad de Hertfordshire,
en Reino Unido. Fue profesor visitante en el Conservatorio de París
y en la City University de Londres. En México fue fundador de la
Escuela Superior de Artes de Yucatán y entre 2011 y 2015 fue rector
del Conservatorio de las Rosas, en Morelia.

266
I N T É RPRETES

Orquesta de Cámara Higinio Ruvalcaba

de la Universidad de Guadalajara

Se fundó en 2007 con estudiantes y egresados de la Universidad

de Guadalajara, bajo la dirección musical de Konstantin Zioum-
bilov y Vladimir Milchtein. A lo largo de su trayectoria ha acompa-
ñado a destacados solistas como Artur Kaganovskiy, Eszter Szil-
veszter, David Lisker, Mauricio Monterrubio, Fernando Cornejo,
Alejandro Moreno, Santiago Cumplido, Michael Chance, Miguel
Ángel Villanueva, Angélica Olivo y Christian Jiménez. La agrupa-
ción se ha presentado en la Sala Manuel M. Ponce del Palacio de
Bellas Artes, el Teatro Degollado, Conjunto Santander de Artes
Escénicas, y los festivales Bernal Jiménez, Cultural de Mayo, In-
ternacional Cervantino y Santa Lucía. En 2017 realizó una gira por
Costa Rica, y a finales de 2021 viajó a Colombia, para tocar en el
Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo, de Bogotá. A partir de
2022 vive un proceso de reestructuración en el que se enfatizan
las actividades de perfeccionamiento, abordando distintos gé-
neros de la actividad musical.

Sergio Ramírez Cárdenas

Músico, pedagogo y gestor cultural. Realizó

sus estudios musicales en el Conservatorio
Nacional de Música, la licenciatura en Peda-
gogía en el CIDHEM y la maestría en Antropo-
logía en El Colegio de Morelos. Participó como
director en el International Institute of Music
de Santa Clarita, California. Como director del
Sistema Nacional de Fomento Musical (2001-2009), fundó y dirigió
la Orquesta Sinfónica Infantil y Juvenil de México (OSIM). Siendo

267
 subdirector General del INBAL creó 30 bandas infantiles-juveniles
en zonas de alto riesgo social en estados del norte, centro y sur de
México. Ha dirigido en los principales teatros del país, así como en
14 ciudades de Estados Unidos, España y América Latina. Actual-
mente es coordinador de Música y docente en la Universidad de
Guadalajara.

268
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Capilla del Instituto Superior de Música Sacra

de Morelia, Michoacán
Sábado 21 de octubre, 13:00 h

PROG R A M A

Dora Vera
Salve Regina (2011) 8’

Ana Lara
Altre lontananze II (2012) 11’

Ana Paola Santillán

Transt umbram, lux permanent (2009) 7’

John Cage
Souvenir (1989) 10’

Larry King
Revelations of Saint John the divine (1984) 9’

Enjott Schneider
El monje y su campanita (2011) 11’

Laura Carrasco, órgano

Amelia Sierra, mezzosoprano

269
 COM PO SITO RE S

Dora Vera (México, 1968)

Nació en Tuxtla Gutiérrez. Miembro del Siste-

ma Nacional de Creadores de Arte. Estudió
Composición en el Taller de Creación Musical
de Oaxaca con Víctor Rasgado. Cursó la maes-
tría de segundo nivel en Composición en el
Conservatorio de Milán con Klaus Lang, Geor-
ge Benjamin, Marco Stroppa, Unsuk Chin y Al-
berto Posadas. Licenciada en Gestión cultural por la UABJO. Su
obra artística comprende música contemporánea para instru-
mento solo, vocal, de cámara y para banda y orquesta sinfónica.
Sus obras han sido interpretadas por ensambles y orquestas
como Syntax Ensemble de Milán, Trio d’Argent de París, Parama-
ribo Ensemble de Montreal, cuarteto de cuerdas Q-Arte de Co-
lombia, Cuarteto Arcano, Duplum, Banda Sinfónica del Estado de
Oaxaca, Orquesta Sinfónica de Oaxaca y Orquesta Sinfónica del
IPN, en el marco de festivales como el FIMNME, Instrumenta,
Eduardo Mata, y la Semana de la América Latina y el Caribe en
París, entre otros.

Salve Regina
Es una obra para órgano y soprano que nace inspirada por la figura
mística de la mujer en las religiones. La alabanza, la súplica, el recla-
mo y la adoración son parte de los sentimientos de la pasión religiosa
que la compositora pretende manifestar a través de la obra. En cuan-
to a la armonía utiliza acordes mayores y menores para abrir y cerrar
cada sección de la obra y, al interior de las secciones, desarrolla una
armonía disonante. El primer tema es libre y el segundo tema utiliza,
para su desarrollo, los ciclos rítmicos y melódicos de diferente dura-
ción que solía utilizar Messiaen en algunas de sus composiciones. La
pieza se estrenó en 2011 dentro del XVIII Festival Eduardo Mata, inter-
pretada por Lourdes Ambriz y Eliseo Martínez.

Ana Lara (México, 1959)

Su música ha sido ejecutada en gran parte del

mundo e incluye principalmente obra para
escena, orquesta y de cámara. Estudió compo­
sición en el Conservatorio Nacional con Daniel
Catán y Mario Lavista, y asistió al taller de com­
posición de Federico Ibarra en el Cenidim. Rea-
lizó estudios de posgrado en Composición en

270
la Academia de Música F. Chopin en Varsovia, y la maestría en
Etnomusicología en la Universidad de Maryland, Estados Uni-
dos. Ha sido miembro de la mesa directiva de la Sociedad Inter-
nacional para la Música Contemporánea, compositora residente
de la Orquesta Sinfónica Nacional y miembro del consejo editorial
de la revista Heterofonía. Produce el programa Hacia una nueva
música en Radio Universidad y es directora artística del Festival
Internacional Música y Escena. A nivel internacional, ha sido jura-
do en diversos concursos e invitada a numerosas universidades
para hablar de su obra. Ha recibido múltiples premios y recono-
cimientos, destacando ser miembro del Sistema Nacional de
Creadores de Arte en varias ocasiones y seleccionada para parti-
cipar en el Programa de Residencias Artísticas de la Fundación
Rockefeller en Bellagio, Italia.

Altre lontananze II
En Altre lontananze sonoridades del pasado conviven con las del
presente, con mis propios sonidos. Mi idea era poder explorar las
múltiples voces del órgano, que es en sí una orquesta [...] Otras leja-
nías, otras ausencias, sería la traducción del título en español. Una
forma de reunir las músicas que amo del pasado y del presente, de
mi propia historia, de lo que se fue, pero existe en mí. Altre lontanan-
ze II para órgano solo fue escrita en 2012 a partir de la obra previa con
apoyo de Conaculta a través del Sistema Nacional de Creadores de
Arte y estrenada en el FIMNME 2017 en la Ciudad de México por Gus-
tavo Delgado, a quien está dedicada.

Ana Paola Santillán Alcocer (México, 1972)

Inició sus estudios en el Centro de Investiga-

ción y Estudios de la Música (CIEM) con María
Antonieta Lozano, Gerardo Tamez, y Alejandro
Velasco. Obtuvo la licenciatura en Composi-
ción en el Trinity College de Londres, bajo la
guía de Vincent Carver, y la maestría en la Uni-
versidad Rice en Estados Unidos, con Shih-Hui
Chen y Arthur Gottschalk. Estudió el doctorado en Composición
con la asesoría de John Rea en la Universidad McGill en Canadá. Ha
participado en múltiples festivales, y sus composiciones han sido
premiadas en diversos concursos e interpretadas numerosas ve-
ces en Alemania, Argentina, Canadá, la República Checa, Francia,
Reino Unido, Italia, Estados Unidos y México. Su obra incluye desde
piezas para electrónica y video, hasta partituras orquestales y es
distribuida vía digital por BabelScores. Actualmente es profesora
del CIEM y del Núcleo Integral de Composición.

271
 Transt umbram, lux permanent
El título en latín significa las sombras pasan, la luz permanece y hace
alusión a un reloj de sol. Conocido como cuadrante solar, mide el
tiempo por medio de las sombras a través de un gnomon, indicando
así la posición del sol en el movimiento diurno. Para relacionar musi-
calmente tal concepto fue necesario enfocarse al empleo de tonos
brillantes en el órgano para referirse a la luz, así como a utilizar oscu-
ros para representar las sombras. La voz describe con precisión am-
bos conceptos. La medida del tiempo en el reloj de sol (horas, minu-
tos y segundos) está musicalmente interpretada en el ritmo de la
pieza. Esto se logra manteniendo un mismo tempo pero con subdi-
visiones rítmicas, lo que se conoce como modulación métrica. Es así
como las sombras pasan y al final la luz permanece. La obra fue es-
trenada por Laura Carrasco y Ricardo Santín en el Festival Internacio-
nal de Órgano de Guanajuato. La versión para mezzosoprano fue
presentada por la misma organista y Amelia Sierra en el Festival In-
ternacional de Órgano de Saltillo.

John Cage (Estados Unidos, 1912-1992)

Fue una de las figuras más importantes en la

música del siglo XX. Como compositor y teó-
rico fue vanguardista pionero de la música
electroacústica, la aleatoriedad, y el empleo
no convencional de los instrumentos. Trabajó
como acompañante de danza en la Universi-
dad de California en Los Ángeles y en la Escue-
la Cornish de Artes en Seattle, y tuvo una importante colaboración
con la coreógrafa Merce Cunningham. Así, creo una importante
cantidad de piezas para la danza moderna. Su producción, de
alrededor de trescientas obras, incluye composiciones para todo
tipo de instrumentación y manifiesta influencia de Henrry
Cowell y Arnold Schönberg, con quienes estudió, así como de
culturas del oriente: filosofía hindú, budismo zen. Recibió múlti-
ples premios y reconocimientos.

Souvenir
John Cage escribió Souvenir en 1983 a solicitud de la American Guild
of Organists con dedicatoria al Frederick Tulan, organista y compositor.
La pieza emplea recursos aleatorios como muchas de la obra madu-
ras de Cage. Es una composición de carácter predominantemente
tranquilo la cual se desarrolla en torno a la reiteración de fragmentos
melódicos que recuerdan el canto gregoriano y racimos armónicos
contrastantes.

272
Larry King (Estados Unidos, 1932-1990)

Cursó la licenciatura en la Universidad de Red-

lands, California; la maestría en Música sacra
en el Union Theological Seminary de Nueva
York; también estudió órgano con una beca
Fulbright en la Real Academia de Música de
Londres. Fue organista y director de coros de
la Abadía de Westminster, y de varias institu-
ciones religiosas en Estadoas Unidos, incluyendo la Trinity Church
de Manhattan, donde laboró por 21 años. Como compositor y
músico al servicio de la iglesia, empleó nuevos sonidos y estilos
musicales en sus obras litúrgicas y en sus numerosas piezas para
coro y órgano.

Revelations of Saint John The Divine

Larry King escribió Revelations of Saint John The Divine, su última
obra, siendo organista y director de la Trinity Church de Nueva York.
En ella la ejecución del órgano ha de ajustarse a una serie de sonidos
de sintetizador pregrabados. La composición se basa en el Apocalip-
sis de San Juan, parte del Nuevo Testamento cristiano. Narra la des-
trucción final del planeta y el juicio final. “Soy alfa y omega; quien
fue, es y será. Vi un gran cataclismo; el sol se hizo negro, la luna de
sangre, las estrellas cayeron; todo cambió de lugar. Todo ser humano
se guareció y clamó por protección. Dios librará de cualquier pesar a
la humanidad y le dará vida eterna…”. La pieza fue estrenada por
Cherry Rhodes, a quien está dedicada.

Enjott Schneider (Alemania, 1950)

Su obra incluye piezas para la sala de concier-

to, teatro, cine y música religiosa. Destacan en
su producción siete óperas, cuatro sinfonías,
y sus composiciones para órgano, pero es
más conocido por sus más de mil partituras
para películas, incluyendo Stalingrado y Ar-
magedón, y producciones televisivas. Recibió
el doctorado en Música y musicología en Friburgo y ha sido profe-
sor de diversas instituciones de educación superior, entre ellas la
Universidad de Música y Artes Escénicas de Múnich. Ha publicado
varios libros en relación con tiempo, ritmo, y composición para la
industria fílmica. Desde su tribuna como presidente de la Socie-
dad de Compositores Alemanes promueve diversidad cultural en
oposición a las corrientes predominante. Su música refleja la in-
fluencia de numerosos géneros y busca aprovechar el potencial

273
 creativo de corrientes contrastantes. Su obra ha sido interpretada
en Alemania, Brasil, Canadá, Estados Unidos, China, Japón, Rusia
y Taiwán.

El monje y su campanita
Enjott Schneider escribió en estilo de melodrama sus Tres cuentos
para narrador y órgano en 2011, obras que fueron estrenadas el año
siguiente en su país natal. El monje y su campanita, el primero de
ellos, se basa en una historia tradicional japonesa y en su ejecución
agrega toques de color con breves intervenciones de una campana
tocada por uno de los intérpretes. Los textos originales fueron prepa-
rados en alemán por el propio compositor y su publicación incluye
traducción al inglés. El cuento se presentará en español, siendo la
inteligibilidad factor fundamental en la compresión de la obra.
Notas de Laura Carrasco

274
I N T É RPRETES

Laura Carrasco

Estudió en México y Estados Unidos obtenien-

do el doctorado en Órgano con la guía de Jack
Mitchener, Hans Davidsson y Jesse Eschbach.
Contó con apoyo de la Secretaría de Cultura
de Michoacán, Comexus (Fulbright-García Ro-
bles) y el Fonca/Conaculta. Ha sido solista de
diversas agrupaciones en México, Estados Uni-
dos y Panamá; así grabó el Concertino de Miguel Bernal Jiménez
y Música para una imagen venerada de Carlos Vidaurri. Ha ac-
tuado en México, Alemania, Austria, República Checa, Chile, Es-
paña, Estados Unidos, Francia, Japón, Italia, Liechtenstein, Pana-
má y Suiza. Actualmente reside en Morelia.

Amelia Sierra

Tras 15 años como soprano lírico-spinto, incur-

sionó en 2010 en el repertorio de mezzosopra-
no con un estímulo otorgado por el Fonca. En
esta tesitura ha encarnado a protagonistas de
diversas óperas y actuado en múltiples oca-
siones como solista con orquesta. Es egresada
de la Escuela Superior de Música del INBAL en
la Ciudad de México, donde estudió con Ricardo Sánchez, Maritza
Alemán, Alicia Torres Garza y Arturo Barrera. Actualmente forma
parte del profesorado de esa institución, así como del Conservato-
rio de Celaya.

275
 EL FIMNME
EN LOS
ESTADOS

Universidad Autónoma de Occidente,

Unidad Mazatlán, Mazatlán, Sinaloa
Sábado 21 de octubre, 18:00 h

PROG R A M A

Michael Webster
Five pieces
Fanfare
Rapsody
Ländler
Romance
Perpetual Motion

Bogdan Chirosca
Impressi Prentu

Wilson Osborne
Rhapsody

Heinrich Sutermeister
Capricho

Gabriela Ortiz
Divertimento para clarinete

Duración 60 minutos

Israel Aragón, clarinete

276
 Este programa presenta un repertorio ecléctico para clarinete solo
con músicas de compositores americanos y europeos. Destaca la
música de la mexicana Gabriela Ortiz. En este recorrido sonoro se
escuchan diversos lenguajes musicales como el atonalismo, el jazz o
los recursos sonoros como las técnicas extendidas en donde el vibra-
to, el slap y los multifónicos suenan en el instrumento predilecto de
la música tradicional sinaloense.

I N T É RPRETE

Israel Aragón (México, 1987)

Es originario de Oaxaca, donde inició sus es-

tudios musicales. En 2006 ingresó al Instituto
Superior de Música del Estado de Veracruz
bajo la tutela de Abel Pérez Pitón, formó par-
te del Cuarteto de Saxofones de México, con
quién grabó cinco discos. Ha participado con
las orquestas Sinfónica Juvenil del Estado de
Veracruz, Sinfónica de Xalapa, Sinfónica del Estado de México,
Filarmónica de Boca del Río, Sinaloa de las Artes y la Banda Sin-
fónica de las Américas. Ha colaborado con Susana Zavaleta, Na-
talia Lafourcade, Eugenia León y Templum ensamble, en diver-
sas grabaciones y conciertos. Es clarinetista de la Camerata
Mazatlán.

277
FIMNME
ACTIVIDADES
DE EXTENSIÓN
 FIMNME
ACTIVIDADES
DE EXTENSIÓN

CONFE REN CIA S

Sala 4 Agustín Caballero,

Conservatorio Nacional de Música
Lunes 9, 17:00 h

Redes de nuevos medios para

la composición e interpretación musical
en Descargas II, Mitote, Artificial Collection
y Modes of creativity in the digital age
Imparten
Itzá García y Tobias Fandel

Sala 4 Agustín Caballero,

Conservatorio Nacional de Música
Miércoles 11, 10:00 h

Computer aided composition with LISP

in Max and timbre-based electronics
in the composition NiNe StEpS To HELL
Imparte
Simon Kanzler

CONVE RSATOR IO

Colegio de San Ildefonso, UNAM

Viernes 13, 16:30 h

Allende nuestro mar

Voces de México, Cuba y Trinidad y Tobago
Participan
Bárbara Llanes, Dominique Le Gendre, Ana Lara
y Carlos Aransay

279
 ÍNDICE DE COMPOSITORES

Addi Corpus Ramírez | 102 Dmitri Dudin | 205

Agustín Calabrese | 53 Dominique Le Gendre | 78, 138, 279
Agustín Castilla-Ávila | 133 Dora Vera | 8, 269
Alberto Alcalá | 190 Eddie Mora | 205
Alejandro Cardona | 155 Eduardo Angulo | 119
Alejandro Romero | 72, 85 Eduardo Herrera Arévalo | 31
Alexis Aranda | 119 Eduardo Soto Millán | 205
Ana Bofill Levi | 170 Eduardo Trillo | 182
Ana Karen Garza | 237 Eleni Poulou | 177
Ana Lara | 79, 139, 269, 279 Éliane Radigue 166
Ana Paola Santillán | 31, 69 Enjott Schneider | 269
Andrea Chamizo Alberro | 248 Enrique González Medina | 182
Andreas Eduardo Frank | 200 Erick Tapia | 119
Andy Akiho | 85 Ernesto García de León | 119
Ángel Castro | 22 Fausto Arellano | 257
Armando Luna | 126, 190 Federico Ibarra | 39
Arturo Fuentes | 85, 88 Francesca Antonia María Caston |
Arvo Pärt | 53, 264 259
Astor Piazzolla | 228 Francisco Cortés | 126
Aurés Moussong | 22 François Daudin Clavaud | 200
Bárbara Llanes | 78, 138, 279 Gabriela Ortiz | 119, 126, 205, 276
Beatriz Arzamendi | 170 Galina Ustvolskaya | 182
Bernardo Cáceres Martínez | 155 Georgina Derbez | 31
Bogdan Chirosca | 276 Germán López Vargas | 53
Bruno Letort | 200 Germán Romero | 149, 242
Caleb Pickering | 85, 88 Giacinto Scelsi | 190
Carlos Arellano 155 Girolamo Deraco | 220
Carlos Chávez | 126 Gonzalo Tonatiuh Alonso | 72
Carlos Iturralde | 72 Graciela Paraskevaídis | 170
Carme Fernández Vidal | 170 Gualtiero Dazzi | 200
Carole Chargueron | 22 György Ligeti | 8, 53, 170, 196
Charles M. Champi | 220 Heinrich Sutermeister | 276
Conlon Nancarrow | 196 Ismael Morales | 155
Damián Anache | 259 Itzá García | 66, 279
Daniel Martínez García | 248 Iván Adriano Zetina | 31
Daniel Román | 237 Iván Cipactli Hernández | 133
David Hernández Ramos | 39, 46 Iván Naranjo | 58, 72
Diana Syrse | 5, 200 James Banner | 46, 51
Diego Alonso Piñera | 91 James Dillon | 149
Diego Tedesco | 91 Javier Álvarez | 22, 101, 212, 228,

280
259, 264 Noel Reyes | 237
Jean Angelus Pichardo 155 Nubia Jaime Donjuán | 22
Jimena Palma 182 Nur Slim | 58, 72
Joaquín Gutiérrez Heras | 101 Oscar Alcalá | 22
John Cage | 269 Pedro Pablo Núñez | 126
John Corigliano | 91 Rafael Motomochi | 237
Jordan Berg | 31 Ramiro Luis Guerra | 220
Jorge Ritter | 119 Reza Vali | 91
José Gurría Cárdenas | 248 Ricardo Zohn-Muldoon | 109
José Luis Hernández Septién | 91 Riccardo Massari Spiritini | 155
José Luis Hurtado | 46 Roberto Sierra | 91
Juan Felipe Waller | 177 Rodolfo Halffter | 190
Juan Pablo Medina | 242 Rodrigo Cantú | 220
Julio Estrada | 8 Rodrigo Valdez Hermoso | 109, 111
Kaija Saariaho | 39, 58, 91 Rogelio Ramírez | 182
Karlheinz Stockhausen | 91 Rosa María Rodríguez Hernández
Krzysztof Penderecki | 39 | 170
Larry King | 269 Samuel Adler | 58
Leonardo Cárdenas | 228 Samuel Zyman | 228
Leonardo Coral | 101 Sean Griffin | 149
Liliana Zamora del Río | 58 Simon Kanzler | 66, 279
Linda Aguirre | 220 Sofia Gubaidúlina | 46
Lin Nossek | 248 TEMPLUM | 234
Luis Fernando Amaya | 66 Teresa Catalán Sánchez | 170
Lupino Caballero | 220 Tobias Fandel | 66, 279
Manuel Rocha Iturbide | 164 Tōru Takemitsu | 264
Marcela Rodríguez | 242 Valeria Jonard | 242
Marcus Siqueira | 46 Valeria Rubí | 220
Maria Grenfell | 205 Víctor Báez | 109
Mario Lavista | 8, 101, 126, 264 Víctor M. Osuna | 234
Marisa Manchado Torres | 170 Víctor Rasgado | 8, 11, 22, 26
Marisol Jiménez | 177 Víctor Taboada | 255
Mauro Godoy Villalobos | 58 Víctor Zavala | 109
Michael Webster | 276 Vladimir Aranda Rosales | 72
Miguel Vélez | 220 Voro García Fernández | 149
M. William Karlins | 190 Vytautas Germanavicius | 133
Nadia Borislova | 182 Wilfrido Terrazas | 85, 248
Natacha Diels | 66 Wilson Osborne | 276
Neil Rolnick | 31 Wojciech Kilar | 205
Nicola Visali | 133

281
ÍNDICE DE OBRAS
2.5 Nightmares, For Jessie | 66 Dilatable | 72
3:05 | 22 Divertimento para clarinete | 276
7 Poemínimos, Op. 7 | 182 Dos piezas para piano | 170
8 haikus | 139 Dream States | 248
20-21. Homenaje | 205, 207 Drill-FR21 | 31
59 Birds & 1 Passenger | 213 Dr. Streben | 220
Alcatraz | 248, 251 Eins | 66
Alea itineribus | 170 El baño de Frida Kahlo | 164
Almagre y azul | 212 El fuego que todo lo consume | 58
Al otro lado del sirimiri | 170 El lado inmóvil del tiempo | 149
Alotropías: Butes | 155 El monje y su campanita | 269
Altre lontananze II | 269 El peso en el aire | 119
Amaneceres (Sunrises) | 133 El primer día de junio | 109
And the cat spun round like a top | 22 El vuelo de las mariposas monarca |
Apasoeconga | 78 182
Apparitions | 8 En abril | 170
Así el acero | 213 En busca del instrumento perdido | 72
Asteroid 4179: Toutatis | 39 En la frontera | 31
Atmósferas | 220 En retaguardia | 78
Axolote | 22 Epitafios y otras muertes | 140
Azulín | 91, 96 Espejismos | 182
Bestiario | 66, 155 Estudio núm. 6
Birtok: Monólogos del encierro | 255 para piano mecánico | 196
Branas | 242 Estudio núm. 9
Burnishing | 66 para piano mecánico | 196
Calaveras garbanceras | 22 Estudio núm. 14
Calligraphy núm. 5 | 91 para piano mecánico | 196
Camino al paraíso | 22 Estudios para piano. Primer Libro | 196
Caminos (Molloy) | 58 Exaedros | 58
Canción 5: ser mujer | 259 Fidicula Lyrae | 164
Canicas e Ilusiones | 126 Finlandia de Gerardo Montiel Klint | 31
Canto de la huida | 133 Five pieces | 276
Canto negro y blanco | 78 Flying Bear | 85
Capricho | 276 Four for tango | 228
Chronicle of a Mad Hatter | 31 Fratres, para cuarteto de cuerdas | 53
Cinco pa’ dos | 119 Frises | 58
Clépsidra | 8 G–lobo | 220
Clockwerk | 205 György Ligeti in memoriam | 170
Compre(n)sión de Artefactos | 259 Hoquetus-canon | 53
Concierto para corno, Winterreise | 39 Huaxyacac | 8
Concierto para piano y orquesta | 182 Il tempo sospéso | 170
Continental Sundown | 133 Impressi Prentu | 276
Continuum | 8 Improvisación núm. 1 | 133
Contra la olvidación | 170 Infection | 237
Cuarteto de cuerdas | 228 In memory of Milton | 58
Cuarteto núm. 1 | 101 Instante y fragmentación en
Cuarteto de cuerdas núm. 2 | 53 el espacio de fases | 85
Cuarteto núm. 6, Suite en cinco Irisada de estrellas | 109
partes | 101 Jörmungandr | 155
Cuatro canciones | 138 Junsui Keiken | 257
Cuatro canciones para soprano, flauta Kubel | 85
y piano | 138 La batalla | 248, 250
Cuatro piezas de lluvia | 182 La calaca | 205
Cuatro piezas para piano | 126 La canción del glaciar, sobre la serie
Cygnus para guitarra sola | 119 | 31
Dark path to a Luminous Garden | 213 La Cetra ossia Il capriccio
De hormigas y estrellas | 22 stravagante | 39
Desfundación | 155 La danza de la lluvia | 237
Desprendimiento | 259 La danza de la peste | 31

282
La forza del passato | 200 Rhapsody | 276
La fragilidad de las sombras | 237 Ritual | 155
Laguna insomne | 170 Salve Regina | 269
La oscuridad más allá de la Secuencia, Op. 39 | 190
concepción | 53 Semi No Koe | 164
Le repas du serpent & retour Sérénade | 46
à la raison | 212 Simurg | 126
Letanía del atardecer | 182 Sine die | 170
Mambo à la Braque | 212 Sinfonía núm. 5, Inasible | 39
Manatees Run Sideways | 248 SL-9 | 164
Manuel 60 | 220 Solo, for basset horn | 91
Memorial | 72 Some Visions Flowing into the
Metal trenzado | 72 Allegoric Sea... | 46
Metro Chabacano | 101, 228 Sonata | 107, 190, 242
Mitla, lugar de los muertos | 31 Songs of the Islands (Canciones
Móin Mor | 164 de las islas) | 78
Mox Nox | 220 Souvenir | 269
Murmuration para quinteto | 22 Stomp | 91
Music for tenor saxophone Stop Speaking | 85
and piano | 190 Stress | 58, 64
Myopsita | 248 Suite ecuatoriana | 228
Negro fuego cruzado | 213 Suite Las puertas del mar | 220
Niquitoa | 133 Suite núm. 2, Op. 44 para flauta
Nocturno después de la lluvia | 190 y guitarra | 119
Nocturno elegiaco | 190 Supra | 237
Nocturno para violín solo | 91 Svart Brus | 58, 61
Nómada etérea | 72 Switch | 149
Noodus | 220 Teledescante núm. 2
Nyx | 119 (Там, вдали за рекой) | 46
O’Banaki 1 - Mégueso | 200 Temazcal | 212
O’Banaki 2 - Nebi | 200 Términos | 66
O’Banaki 3 - Awan | 200 Tetra Palta para metales
O’Banaki 4 - Ya nigawé | 200 y sintetizador | 177
O’Banaki 5 - L’aigle blessé | 200 The Mouth of Sound | 200
Objeto imaginario A2 | 234 The Untitled 3s | 46
Occam Océan - Occam Delta X | 166 TnPL (nsmVl) | 234
Orawa | 205 Tocata para flauta y guitarra | 119
Oscura raíz del sueño | 149 Toccata | 205
Otra vez | 170 Todesengel | 149
Overture | 212 Tongoy Triptych (Tríptico de Tongoy)
Pakal | 133 para dos guitarras | 138
Papalotl | 212 Transt umbram, lux permanent | 269
Parajes | 248 Traum-Formel | 91
Páramo de sueños | 102 Tre pezzi | 190
Patios serenos | 126 Tres canciones para soprano y viola
Pattycake | 149 | 138
Petenera | 212 Tres piezas infantiles para piano | 170
Por mi culpa | 259 Trío | 91
Preludio núm. 1 | 126 Trío de cuerdas | 46
Preludio núm. 5 | 126 Trío núm. 1, Tropical | 91
Preludio núm. 9 | 126 Tsai | 242
Purusha Prakrti | 164 Two movements for three guitars | 46
Qidra | 133 Una plaga de fantasías | 200
Quinteto para cuarteto de cuerdas y Urform Piano | 164
clarinete | 101 Viento agua piedra | 242
Refractions | 242, 245 Viva voce | 170
Repentizacón núm. 9 | 234 White Rubber | 109
Requiem | 79 Xeth | 220
Requiem. Missa pro defunctis | 79 XH | 200
Revelations of Saint John the divine | XLV Piano kammerkonzert | 109
269 Yohua | 257

283
 SEDES 45 FIMNME
Palacio de Bellas Artes
Av. Juárez y Eje Central Lázaro Cárdenas, Centro Histórico

Salón de Recepciones, Museo Nacional de Arte

Tacuba 8, Centro Histórico

Conservatorio Nacional de Música

Presidente Mazaryk 582, Polanco

Museo Universitario Arte Contemporáneo

SalaCarlos Chávez
Sala Nezahualcóyotl
Centro Cultural Universitario, UNAM
Insurgentes Sur 3000

Colegio de San Ildefonso

Justo Sierra 16, Centro Histórico

Casa Nuestra Centro Cultural, Antigua sede del Senado

Xicoténcatl 9, Centro Histórico

El Colegio Nacional
Donceles 104, Centro Histórico

Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey, Nuevo León

Padre Mier Poniente 1720, Obispado

Universidad Autónoma de Occidente, Unidad Mazatlán, Mazatlán

Av. del Mar 1200, Fraccionamiento Tellerías

Teatro Socorro Astol, Centro Cultural Genaro Estrada,

Culiacán, Sinaloa
Malecón Niños Héroes esq. Ruperto L. Paliza, Centro

Unidad Académica Cultural UNAM, Campus Morelia, Michoacán

Antigua Carretera a Pátzcuaro 8701, Ex-Hacienda de San José
de La Huerta

Galería Libertad, Querétaro, Querétaro

Andador Libertad 56 poniente, Centro Histórico

Instituto Superior de Música Sacra de Morelia, Michoacán

Ignacio Zaragoza 226 Col. Centro

Centro Mexicano para la Música y las Artes Sonoras, Morelia, Michoacán

Casa de la Cultura, planta alta, Morelos Norte 485, Centro, Morelia

Conjunto Santander de Artes Escénicas, Guadalajara, Jalisco

Anillo Periférico Nte. 1695, Rinconada de La Azalea,
Belenes Nte., Zapopan

Centro Universitario de Ciencias Exactas e Ingeniería, Universidad

de Guadalajara, Jalisco
Blvd. Marcelino García Barragán 1421, esq. Calzada Olímpica

284
ORQUESTA DE CÁMARA DE BELLAS ARTES
 45 FIMNME

José Julio Díaz Infante

Director artístico

Alejandra Hernández
Víctor Ibarra
José Julio Díaz Infante
Comisión de selección

Ellery Tiburcio Bautista

Coordinación general

Sara Romero Rojas

Coordinación de programación

Aldo Aisemberg
Coordinación técnica

Elisa Orozco
Diseño de imagen

SUGERENCIAS

Apagar teléfonos celulares y cualquier aparato que pueda interferir con la presentación
Esperar un breve momento al término de la ejecución, antes de prorrumpir en aplausos
Guardar silencio durante el concierto, incluso entre los movimientos de las obras
Si es necesario abandonar la sala, intentar hacerlo en las pausas
No tomar fotografías, aun sin flash, o grabar los conciertos
 COORDINACIÓN NACIONAL DE MÚSICA Y ÓPERA

Graciela Martínez Corona

Subcoordinadora nacional

Sara Romero Rojas

Subdirectora de programación

Ana Carmina Muñoz Osorio

Subdirectora administrativa

Selene Sánchez Rendón

Relaciones públicas y logística

Alma García
Difusión y prensa

Javier González
Editorial

Elisa Orozco
Diseño gráfico

Arturo Hernández Amador

Vinculación artística

María Asunción Martínez, Mónica Velázquez, Karina Cardona,

Salomón Chávez, Erica Domínguez, Patricia Guzmán,
Elvira Pérez, Karla Vargas, José Luis Santiago, Pilar R. Monroy,
Ramsés García, Alberto Domínguez, Tomás Gamero,
Pedro Bautista, Julio C. Sánchez, Juana Márquez, Lourdes
González, Juan Lorenzo Bautista, Amaranta Gutiérrez,
Ricardo Becerril, personal de apoyo

[Link]
@MúsicaINBA MúsicaINBA [Link]
CENTRO DE EXPERIMENTACIÓN Y PRODUCCIÓN
DE MÚSICA CONTEMPORÁNEA
José Luis Castillo
Director

ORQUESTA SINFÓNICA NACIONAL

Ludwig Carrasco
Director

ORQUESTA DE CÁMARA DE BELLAS ARTES

Luis Manuel Sánchez
Director

UNIVERSIDAD NACIONAL AUTÓNOMA DE MÉXICO

Enrique Luis Graue Wiechers
Rector

Rosa Beltrán Álvarez

Coordinadora de Difusión Cultural

DIRECCIÓN GENERAL DE MÚSICA

José Wolffer
Director general

MUSEO UNIVERSITARIO ARTE CONTEMPORÁNEO

Amanda de la Garza Mata
Directora

CASA NUESTRA SEDE HISTÓRICA

DEL SENADO DE LA REPÚBLICA
Óscar Eduardo Ramírez Aguilar
Presidente de la Junta de Coordinación Política

Susana Harp Iturribarría

Presidenta de la Comisión de Cultura

Bernardo Noval
Titular de Casa Nuestra

Salvador Vera Islas

Coordinador General de Actividades
Artísticas y Culturales
 EL COLEGIO NACIONAL
José Sarukhán
Presidente en turno

Teresa Vicencio Álvarez

Secretaria administradora

GOBIERNO DEL ESTADO DE SINALOA

Rubén Rocha Moya
Gobernador

INSTITUTO SINALOENSE DE CULTURA

Juan Salvador Avilés García
Director

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE OCCIDENTE

Sylvia Paz Díaz Camacho
Rectora

Armando Piña López

Director de Extensión y Vinculación de la Cultura

GOBIERNO DEL ESTADO DE NUEVO LEÓN

Samuel Alejandro García Sepúlveda
Gobernador

ESCUELA SUPERIOR DE MÚSICA

Y DANZA DE MONTERREY
Diana M. Farías Ortegón
Directora

GOBIERNO DEL ESTADO DE MICHOACÁN

Alfredo Ramírez Bedolla

CENTRO MEXICANO PARA LA MÚSICA

Y LAS ARTES SONORAS, MORELIA
Rodrigo Sigal
Director
INSTITUTO SUPERIOR DE MÚSICA SACRA DE MORELIA
Pbro. Lorenzo Orozco Mata
Director académico y administrativo

GOBIERNO DEL ESTADO DE JALISCO

Enrique Alfaro Ramírez
Gobernador

Lourdes Ariadna González

Secretaria de Cultura

UNIVERSIDAD DE GUADALAJARA
Ricardo Villanueva Lomelí
Rector general

Sergio Ramírez Cárdenas

Coordinador de Música

GOBIERNO DEL ESTADO DE QUERÉTARO

Mauricio Kuri González
Gobernador

SECRETARÍA DE CULTURA
Marcela Herbert Pesquera
Secretaria

Marja Andrea Godoy González

Directora de la Galería Libertad
 SECRETARÍA DE CULTURA

Alejandra Frausto Guerrero

Secretaria de Cultura

Marina Núñez Bespalova

Subsecretaria de Desarrollo Cultural

Omar Monroy Rodríguez

Titular de la Unidad de Administración y Finanzas

Manuel Zepeda Mata

Director General de Comunicación Social

INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES Y LITERATURA

Lucina Jiménez
Directora General

Héctor Romero Lecanda

Subdirector General de Bellas Artes

Lilia Torrentera Gómez

Directora de Difusión y Relaciones Públicas

José Julio Díaz Infante

Coordinador Nacional de Música y Ópera

Silvia Navarrete
Directora del Conservatorio Nacional de Música

Silvia Carreño
Gerente del Palacio de Bellas Artes

Héctor Palhares Dos Santos Meza

Director del Museo Nacional de Arte