LOS PRINCIPIOS DEL CINE

El deseo de imprimir imágenes y darle movimiento es muy antiguo. Pero fue a partir del invento
de la fotografía que se multiplicaron los intentos para obtener imágenes que se mueven.

Era un paso que requería aplicar los nuevos conocimientos científicos que la época ofrecía.

Lo que dijo sobre la imagen fotográfica inventada por Joseph Niepce en 1822 y perfeccionada a
continuación por J.Daguerre en 1839. El obturador de las cámaras necesitaba permanecer abierto
varios minutos para que una imagen quedara estampada en la placa cubierta de una sustancia de
plata. Pero ya en 1871 se logró reducir el tiempo de exposición a una centésima de segundo. En
1884 George Eastman, en vez de placas de vidrio, adopta la película de celuloide.

Faltaba nada más descubrir que forma era posible capturar el movimiento. Para eso se aplicó la
teoría óptica de la persistencia retiniana. Esta dice que nuestra retina necesita una fracción de
tiempo para leer una imagen, antes de poder ver la siguiente.

Si se estimula nuestro cerebro con una serie de fotos fijas que se van sustituyendo una por otras
en un lapso más breve que el de la persistencia retiniana, se obtiene la ilusión óptica del
movimiento.

Si has mirado una cinta de cine, habrás visto tan solo una serie de fotografías fijas, y por largo
trozos de películas, con una mínima diferencia entre unas y otras. Allí no está el movimiento; se
construye en tu cabeza cuando la maquina las proyecta a una cierta velocidad.

Un pionero que exploto esta ley fue el estadounidense Thomas a A. Edison quien, en 1894,
patento una maquina llamada kinetoscopio y que servía para ver figuras en movimiento. Pero ese
aparato era una especie de juguete, y solo servía para que mirara un espectador por vez.

En realidad fueron los hermanos Lumiere los que utilizaron por primera vez una verdadera
máquina para filmar y proyectar cine en una pantalla. Era el año 1895.

¿COMO SE LOGRO EL MOVIMIENTO CINEMATOGRAFICO?

Filmaron escenas a una velocidad de 16 tomas por segundo y luego las proyectaron a ese mismo
ritmo. Los personajes aparecían en movimiento, caminaban, corrían, saltaban etc …Eso era cine

PIONEROS DEL CINE!!!

El invento del cine fue fruto de las investigaciones realizadas en la ciudad de Lyon, en el sur de
Francia. Allí los hermanos Lumiere filmaron a modo experimental películas cortas que después
presentaron en un café de París ante una treintena de personas que pagaron su entrada. Esa fue la
primera muestra de cine con fines de entrenamiento comercial.

Los jóvenes inventores Luis y Agusto Lumiere, eran hijos de un fotógrafo y les fascinaba el
estudio de las imágenes. Tenían incluso una prospera fábrica de placas fotográficas. Tras
numerosos intentos lograron la meta que perseguían: hacer que las imágenes tomen
movimientos. Fue eso lo que más asombro al público que vio a las primeras películas en parís.
Entre 1896 a 1914 realizo alrededor de 450 películas.

LOS PRIMEROS ACTORES DE CINE.

 Los primeros intérpretes de las películas mudas, en general no eran actores profesionales de
teatro, sino gente común o actores de espectáculos de variedades. Poco a poco, sin embargo, se
fue descubriendo el rol más profundo que debía ocupar un buen actor y la importancia de una
buena actuación

EL LENGUAJE DEL CINE

PLANOS Y ELIPSIS:

Las primeras películas filmadas a fines del siglo XIX, se hicieron manteniendo la cámara fija y con
un solo plano de conjunto. Luego fueron introduciéndose los planos medios y primeros planos.
También se empezó a codificar el tiempo mediante elipsis, es decir, el uso de sugerencias fílmicas
para dar a entender el paso rápido del tiempo en una historia. Estos elementos, los planos y la
elipsis son elementos integrantes del lenguaje estético del cine

EL MONTAJE:

El es el trabajo que se realiza después de la actividad de filmación. Terminada esta, se clasifican

las tomas o planos, se ordenan, se selecciona de cada escena lo mejor, y luego se compaginan
todos estos elementos.

Hay varios tipos de montaje. El interno propio del encuadre; su función es montar el espacio
fílmico, es decir, darle coherencia a una escena sin que haya corte inadecuados, sino que el
desplazamiento interno de los elementos que lo componen este dotando de ritmo durante toda la
escena.

El montaje externo se hace con los planos, escenas y secuencias, a fin de montar el tiempo
fílmico y crear el ritmo de la historia narrada en la película.

Los primeros montajes seguían una simple ordenación lineal del relato, pero sin explotar
demasiado la expresividad de la imagen y todo lo que se podía narrar con ella. Recién en 1902
con “Asalto y robo a un tren” del director estadounidense Edwin Porter se considera que nace el
relato cinematográfico, o sea, la narración de una historia que hizo tomando en cuenta los
recursos expresivos del montaje. Fue un aporte considerado como una nueva revolución en la
realización argumental: iniciaba el cine de acción. Se pasaba así de los temas simples y
cotidianos, a los melodramas, al western y al relato de hechos históricos que, entonces, se
pensaba era una manera excelente de difundir ideas.

LAS PRINCIPALES ESCUELAS DEL CINE

EL EXPRESIONISMO ALEMAN:

Esta corriente artística presente en la literatura y en el teatro, apareció en el cine en 1919 con la
película “El gabinete del Dr. Caligari” del director Robert Wiene. Duro hasta 1926, año en que la
industria norteamericana importa la mayoría de los principales alemanes, quienes huían del
nazismo.
 El expresionismo antinaturalista, con escenarios que no imitan la realidad, sino que reflejan los
estados anímicos de sus personajes. La iluminación es de choque, da realce a las sombras y a los
objetos que parecen cobrar una vida distinta. Este estilo, heredero de la tradición gótica de la
literatura alemana, justifico que se lo llamara cine diabólico o demoniaco

LA VANGUARDIA RUSA:

Después de la Revolución Rusa de 1917, se tomó al cine como un propagador político. Se quiso
hacer un cine revolucionario, sin por ello dejar la experimentación

Einaestein es sin duda el más famoso cineasta de ese periodo. Elaboro la teoría del montaje
intelectual, es decir, aquella síntesis y compresión del montaje que realizaba el mismo espectador
en su mente; eso era posible con la ayuda de la comunidad narrativa ofrecida por el cine y basada
en choques de imágenes. El montaje, para Einsestein, era la esencia misma del cine. Muchos de los
descubrimientos de esta vanguardia no fueron entendidos por el poder político soviético, y fueron
sofocados por el temor a perder el dominio de la situación.

EL SURREALISMO:

La obra surrealista en el cine es bastante escasa. Algunos artistas veían en el cine el lugar ideal
para volcar el mundo de lo inconsciente, lo reprimido y los sueños en lo sueño en la pantalla. El
cineasta español Luis Buñuel, fue uno de los más importantes representantes de esta corriente.

EL NEORREALISMO ITALIANO:

Este movimiento se gesto en Italia a fines de la segunda guerra mundial. Un grupo de cineastas
jóvenes deciden arriesgarse a mostrar la realidad de consecuencias de la guerra y el sufrimiento de
la gente: la pobreza, la desocupación, la vejez, la delincuencia, la situación de la mujer. Los
principales directores de movimiento fueron entre otros Vittorio De Sica, Luchino Visconti y
Roberto Rosellini. Este último decía que el cine neorrealista pretendía hacer no pensar.

La cámara neorrealista era tipo no documental, tomando la realidad sin arreglos muchas veces
utilizando como protagonista a gente de la gente de la calle, respetando su forma cotidiana de
hablar. Es un cine de encuentro con la vida real.

LA “NOUVELLE VAGUE” FRANCESA:

El aire fresco que trajo este movimiento duro menos de una década, (1958 a 1965) aunque su
gestación fue mucho más prolongada en el tiempo. Un grupo de jóvenes críticos cinematográficos
y de cineastas (admiradores en general del neorrealismo italiano), deciden tomar las cámaras y
realizar el cine que deseaban ver. Contaban con pocos recursos, por ese motivo también
impulsaron un nuevo lenguaje más simple, que luego fue aplaudido mundialmente por la crítica.
Los principales representantes de esta corriente fueron el crítico de cine André Bazin quien
formulo la teoría de nuevo cine y que murió sin ver ninguna de las nuevas películas fruto de su
orientación André Bazin fue además el fundador una de la revista de cine más prestigiosa: “Cahiers
du cinema” y sus redactores fueron e importantes directores del cine francés: François Truffaut,
Jean Luc Godard, Claude Chabrol y Eric Rohmer. La síntesis del pensamiento de esta nueva ola la
expreso así uno de ellos: “El autor escribe con su cámara de la misma manera que el escritor lo
hace con su estilográfica”
 LA INDUSTRIA CINEMATOGRAFICA

LA GUERRA DE LAS PATENTES EN LOS ESTADOS UNIDOS:

En la primera década del 1900, la demanda de películas de parte del público era cada vez mayor,
especialmente en los estados unidos. En los primitivos cines (los llamados de “nickelodeon”), se
llegaban a cambiar la programación casi todos los días para atraer a los espectadores. Entre 1908 y
1914 se duplico la necesidad de mano de obra en la industria cinematográfica. Los trabajos se
fueron especializando.

El negocio era realmente prospero por lo cual muchos jóvenes se acercaron a la nueva mina de
oro. Y como siempre sucede en las películas de acción, aparecieron también los problemas.

Comandados por el señor Thomas A. Edison que tenía sus laboratorios en NEW JERSEY, se
unieron los nueves más importantes grupos cinematográficos de estados unidos. Ambicionaban
controlar la producción y la distribución de películas. Crearon así un monopolio llamado “Motion
Pictures Patent”, que duro casi cuatro años. A tal punto quisieron resguardar su negocio que
realizaron un contrato con Eastman Kodak para que les vendiera la película virgen en exclusividad.

Su control prácticamente llego a ser total. Ante una presión tan feroz, se creó un sistema en
negro, que trataba de realizar y exhibir películas no pertenecientes al trust. Dicho sistema era
considerado ilegal, y el trust respondía con represalias mafiosas a todos los que querían escaparse
de su control: quema de salas y de películas, asaltos, rotura de equipos, violencia física, etc.

Tantas dificultades solo consiguieron agudizar el talento de las productoras independientes.

Favorecieron notablemente el cine experimental que buscaba diferenciarse y captar nuevos fans.
Lo más oportuno fue huir lejos de garras del trust que operaba en NEW JERSEY. Muchos fueron a
otro lado, a menudo llevándose a sus operarios con la promesa de mejores sueldos. Esa huida al
oeste llevo, en 1911, a los pioneros de la industria independiente a un pequeño suburbio de Los
Angeles. El lugar tenía un doble beneficio: estaba lo suficientemente lejos del trust y tenía mucho
sol para producciones baratas en exteriores. Ese suburbio se llamaba “Hollywood”.

El más famoso pionero instalando en Hollywood fue William Selig que creo grandes estudios de
cine, con parques y zoológicos para realizar filmaciones de selva. Como instrumento de lucha
contra gran enemigo, en Hollywood se inventó el sistema de estrellas, tanto a nivel de actores y
actrices, así como de directores.

EL CINE DE HOLLYWOOD

El cine de Hollywood durante año ha reinado sobre los realizados en otros países. Su poderío
económico radica en una centralización de las materias primas y en una distribución y publicidad a
nivel mundial que no tiene competencias con otros cines. Se calcula un gasto en publicidad que
puede duplicar el producto en su realización. El cine norte americano vivió una crisis profunda n la
década de 1970, porque el público en vez de ir a las salas, prefería quedarse frente a l televisor.

Actualmente la industria cinematográfica de Estados Unidos es una de las más prosperas porque
descubrió que puede alimentar tantos las pantallas de los cines, como las hogareñas; ya sea en el
formato de videos o telefilmes. Ya existen canales de televisión que se dedican a pasar durante
todo el día películas, reutilizando así viejas producciones y restableciendo el peso y el mito que
tiene el cine en las nuevas generaciones.

EL CINE Y SU SIGNIFICADO

La semiología ayuda a descubrir el sentido más profundo del cine, porque observa los elementos
y las estructuras que integran las obras y los mensajes audios visuales (cine, televisión y video).
Tiene a revelar las significaciones que se esconde detrás de las ricas expresiones de esos lenguajes

LA IMAGEN SE ANIMA:

Emprendamos un acercamiento básico al cine, tomando en cuenta el análisis que hemos hecho
anteriormente de la imagen y los discursos. La imagen cinematográfica no es una imagen fija, si no
“ANIMADA”. Este fenómeno de la “Animación “propio del cine, abrió el camino a la creación de un
lenguaje especifico cinematográfico; y del cual emerge la construcción de sentidos del “séptimo
arte”.

Prestamos atención a los siguientes elementos para comprender mejor como es el lenguaje del
cine. La “secuencialidad” es la unidad del sentido y de tiempo que se imprime a las imágenes y las
escenas. Se relaciona directamente con la coherencia del desarrollo visual del filme. La
“temporalidad” vincula el desarrollo del relato con el tiempo (real o aparente) de su narración. En
el ejemplo del asalto al banco, es necesario que el espectador en que se desarrolla la historia de la
película. El tiempo fílmico es distinto del tiempo físico (que tiene una sola dirección y una sola
marcha). En el cine el tiempo es variable y depende del guionista o del gusto del realizador. Puede
emplear la simultaneidad con el tiempo real, o bien condensarlo o extenderlo, o hacer saltos atrás
(flashback)

MONTAJE Y OTRAS YERBAS

El montaje es el ordenamiento de las escenas una vez terminado la filmación. Es la compaginación

de todos los elementos de la película. No se trata solo de un trabajo mecánico, sino de una
verdadera expresión de arte. Es el montaje el que produce el sentido de la película porque monta
los espacios, los tiempos y los ritmos, que permiten al espectador entender el desarrollo de todo
el relato. El estudioso de cine y semiólogo Christian Metz acerca del montaje: …”es evidente que
sigue siendo una fase indispensable de la creación fílmica: es necesario saber elegir lo que se filma
y montar lo que se ha filmado. Y puesto que es necesario montar y ajustar, ¿Cómo no querer
hacerlo lo mejor posible?, ¿Cómo no tratar de cortar en el lugar adecuado?... El gran realizador
ruso Einsenstein decía que todo es montaje; el veía la presencia de un montaje en relaciones
establecidas por artistas de distintas aéreas, por ejemplo, en la relación entre dos ideas, dos
colores, dos temas.

Hay varios tipos de montaje. El “interno” que realiza el “encuadre”: su labor es montar el espacio
fílmico. El “externo” se hace con los planos, escenas y secuencias, para montar el tiempo fílmico y
crear el ritmo de la película.
¿COMO CUENTA EL CINE SUS HISTORIAS?

La narración y el relato depende del modo como se organizan y se expresan las ideas y los
elementos que aparecen en el cine. La historia de una película se construye mediante una
sucesión de hechos contados cinematográficamente en forma coherente y comprensible, donde
todas las partes se generan y condicionan mutuamente. Los espectadores al denotar y connotar lo
que ven, comprende el sentido que brota del filme. Una película está bien hecha cuando la
narración presenta los hechos artísticamente elaborados y con imágenes y sonido correctamente
hilvanados, hasta construir la significación global del filme.

El cine no es fácil narrar bien; porque hay que “hablar con imágenes” y con ritmos adecuados al
tema. Hoy la técnica cinematográfica ha hecho grandes progresos y permite la construcción de
relatos con imágenes, tomas, colores y sonidos atractivos. Sin embargo, siempre es necesaria la
visión artística del realismo (guionista, director), para imprimirle al conjunto de una película aquel
toque original propio de una obra de arte.

EL CINE PRODUCE SENTIDO:

La producción de sentido del cine emerge de la combinación de todos los elementos que hemos
citado: la secuencialidad, la temporalidad, el montaje, la utilización de los planos, el texto, la
música, etc. Es la obra global la que, en definitiva, es productora de sentidos cinematográfico. La
que da lugar a significaciones específicas.

La producción de sentido de una película surgirá, entonces, de la interacción de todos los

componentes que participaran de ella. Se abre el abanico de múltiples significaciones del cine, a
medida de que las obras fílmicas son más elaboradas, simbólicas y artísticas. El crítico Jean Mitry
afirma con razón; “Se puede escribir un volumen acerca de un cuadro, analítico desde el punto de
vista pictórico, simbólico, metafísico, pero ningún texto podrá nunca expresar lo que expresa.
Ninguna película, ninguna imagen puede traducir lo expresado verbalmente. Y tampoco lo que una
película da a entender.

Cualquier traducción, cualquier adaptación no serán más que un “aproximadamente”, ni siquiera

un equivalente.

EL CINE LATINOAMERICANO

Desde que el cine se arraigó como una industria a inicios del siglo XX, la producción y distribución
de películas estuvo bajo el control de Europa y cada vez más, de estados unidos. Un control
apoyado en fuertes recursos económicos.

Esto hizo difícil el surgimiento de un cine propio en los países de América Latina, cuyas economías
eran más débiles. Sin embargo, en tonos menores, poco a poco se fue delineando la silueta del
cine latinoamericano.

LOS AÑOS DE ORO: ARGENTINA Y MEXICO

 México y argentina se desarrollaron como centros de gran importancia en el continente, a pesar

de la dominación de Hollywood procuraba ejercer sobre la cinematografía latinoamericana. Entre

1940 y 1960 se constituye el llamado “periodo de oro del cine argentino”. Las películas se veían en

el mundo con mucho éxito.

En México, en la película de 1940 “Allí está el detalle”, aparece el actor cómico Mario Moreno

“Cantinflas”, de gran aceptación popular. Durante medio siglo será el símbolo de humor y la

reivindicación social del pueblo siempre postergado. Diez años después, México ya producía unos

120 filmes por año y entre sus grandes directores estaba el español exiliado Luis Buñuel.

UN NUEVO ENFOQUE:

Los años 60 presencial el reflorecer de la cinematografía latinoamericana, si bien comenzó a dar

sus primeros pasos prácticamente con el nacimiento del cine. El nuevo cine argentino planto una

transformación a través de la búsqueda en el perfil Nacional en este arte, con la propuesta por

parte de los directores de temas y estilos diversos. Cuba surge como una nueva zona de

producción, en que la industria del cine es tutelada por el estado. Después de la revolución

cubana, en 1959, se crea en la isla El Famoso “Instituto cubano de arte e industria

cinematográfica”; que marcaba una nueva orientación del cine en América Latina. Entre 1966 y

1968, son realizadas por tomas Gutiérrez Alea “La muerte de un burócrata” y “estos filmes

muestran los primeros progresos del cine fomentando desde ese estado”.

También por esos años Brasil se hace presente de un modo brillante; y alrededor de 1962,

comienza a mostrar el Cinema Novo, un cine que golpea el público con imágenes reveladoras del

subdesarrollo y del hambre de Latinoamérica.

EL CINE Y LA CENSURA:
 Los cineastas latinoamericanos padecieron la censura impuesta por regímenes militares que

gobernaron diversos países del continente. En épocas de dictadoras, los grupos dejados de lado

por el poder político y económico pasan a ser principal centro de atención de estos cineastas, que

se convierten así un objeto de persecución por parte de los gobiernos de facto. Chile vio

prácticamente devastada su cinematografía y sufrió el exilio de sus principales realizadores. Loa

directores Miguel Littin y Raúl Ruiz serían los más activos fuera de su patria. “Actas de Marusia”

del Littin fue candidata al óscar. También se desarrolló un documental y Patricio Guzmán con “la

batalla de Chile” relato el progreso político que vivió su país y las luchas entre militares y civiles.

Algo similar sucedió en la Argentina, donde la censura vigilaba todo lo que se proyectase, sea

Nacional o extranjero. Brasil, sin embargo, desarrollo una importante producción y llego a

sobresalir en medio de los países latinoamericanos. Podemos mencionar también el cine de

Venezuela, que por esos años supo prosperar.

EL CINE Y LA LIVERTAD:

Con la llegada de la democracia, los años 80 presencian una cinematografía que, con la libertad,

vuelve a nacer. Nos encontramos con una nueva proyección internacional del cine argentino. Un

cine distinto, de fuerte contenido social y político.

Entre otros filmes, están “Tiempo de Revancha” de Adolfo Aristarain, “no abra más penas ni

olvido” de Héctor Olivera, “Darse Cuenta” de Alejandro Doria, la candidata al óscar “Camila” de

María Luisa Bemberg y “la historia oficial” de Luiz Puenzo que es galardonada con el óscar a la

mejor película extranjera. La trama cuenta el descubrimiento que hace una profesora de historia,

de lo que realmente paso en los años de la dictadura y como eso afecto la relación con su marido y

con su pequeña hija adoptada de forma poco clara.

 Surgen también variantes en las formas de producción llevadas hasta el momento; como

producciones con países como España y como la creación por parte de Gabriel García Márquez de

la escuela de cine y televisión de sarantonio de los baños (Cuba), intento educativo con

perspectivas de desarrollo industrial. Y hace notar una producción continua dentro del cine

mexicano, que va desde filmes comerciales de breve permanencias en las pantallas, hasta obras de

conjugan el clásico melodrama mexicano con conceptos autorales más profundos.

Titulo del libro: “EN MEDIO DE LA COMUNICACIÓN”

Autores: Victorino Zecchetto, sdb y María Laura Braga

Edicion: Don Bosco