Trabajo Práctico de Cine – TP3:
Análisis comparativo de films
Artes Visuales y Escénicas
Miércoles turno mañana
Docentes:
Valeria Goldstein vgoldstein@[Link]
Leilen Aurado laraudo@[Link]
Integrantes:
- Kucan, Mora LU:1154162
- Malignani, Jazmín LU:1154540
- Papp, Valeria LU: 1152365
- Vila Sanchez, Delfina LU: 1152277
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Análisis comparativo entre: “Casablanca” y “Eterno resplandor de una mente
sin recuerdos”
Índice
Contexto histórico, social y la influencia de las vanguardias o movimientos del
periodo.................................................................................................................3
“Casa Blanca”........................................................................................... 3
“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”..................................... 4
Cine de autor y Cine clásico................................................................................ 6
Comparación de los aspectos de la estructura narrativa.................................... 8
Análisis y comparación del montaje en secuencias, cortes y la estética en
general...............................................................................................................10
Conclusión......................................................................................................... 13
Bibliografía.........................................................................................................13
Anexos...............................................................................................................14
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Contexto histórico, social y la influencia de las vanguardias o movimientos del periodo:
“Casa Blanca”
Dirigida por Michael Curtiz (con la que logró ganar su único Oscar), comenzó su
rodaje en mayo de 1942 y se estrenó el 26 de noviembre del mismo año en el
Hollywood Theatre de Nueva York dentro de un contexto de la 2da Guerra Mundial y de
la compleja situación de los refugiados en el mundo, dentro del mismo equipo de
producción habían verdaderos refugiados y parte de la historia está basada en
experiencias propias del elenco (eso vuelve a la película más fuerte, impactante y real).
El mismo director, cuando fue ganando más dinero, empezó ayudar a los refugiados
europeos de la industria del cine (para que éstos se puedan establecer en Estados
Unidos) aportando parte de su salario al Fondo de Cine Europeo.
El tema igualmente se introduce en la apertura del film cuando el narrador dice:
"Con la llegada de la Segunda Guerra Mundial muchos ojos en la aprisionada Europa
miraron esperanzados, o con desesperación, hacia la libertad de las Américas. Lisboa
se convirtió en el gran punto de embarque. Pero no todo el mundo podía llegar a
Lisboa directamente. Por ello, surgió una tortuosa y enrevesada ruta de refugiados. De
París a Marsella, a través del Mediterráneo hasta Orán, luego por tren, o auto, o a pie,
a través del borde de África hasta Casablanca, en el Marruecos francés".
La película también muestra la postura de Estados Unidos frente a la guerra, una
postura neutral entre los conflictos de los japoneses en busca de su expansión por
China y ante la acción de Hitler (Alemania) en Europa. Ésto lo vemos a través del
protagonista Rick, que no muestra interés por la guerra sino solo por su negocio.
“Casablanca” se da durante el periodo clásico del cine de Hollywood, que
explicaremos en el siguiente punto, éste era representado principalmente por el código
Hays, la creación de las estrellas, la definición de la estructura narrativa y los géneros
marcados. Dentro de este periodo clásico del cine, podemos hablar también del
género noir que nace con la Segunda Guerra Mundial, a través de cambios sociales y
culturales producidos por la guerra. Tiene influencia de la literatura pulp, revistas de
consumo popular y baratas, y en la literatura negra, en éstas se planteaba un crimen a
ser resuelto, ambas muy populares en los años 30 ́. El cine noir tiene un mayor auge a
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partir de 1940 y hasta 1950, la primera película considerada dentro de este género fue
“El halcón maltes” de John Huston protagonizada por Humphrey Bogart (que también
protagoniza “Casablanca”) y Mary Astor. Dentro de este movimiento, Bogart, era
considerado un ícono del mismo, y Curtiz habría aportado al género con varias
películas. Hay una disputa sobre si “Casablanca” pertenece o no a este género, pero sí
se puede decir que toma algunos elementos del mismo. La creación de una atmósfera
marcada por la iluminación expresionista, oscura, con mucho contraste y sombras que
generan ambientes misteriosos y oscuros (ver anexo 1 y 2 para la comparación entre
Casablanca y El sueño eterno en cuanto a la iluminación), es lo que caracteriza al
género y lo podemos ver en el film. Por otro lado sus personajes son ambivalentes, con
comportamientos contradictorios y pasados oscuros, sin motivaciones claras, llenos de
grises, son personajes complejos con los que se busca abordar temas más profundos
(por ejemplo, morales), esto lo vemos reflejado en Rick Blaine que a lo largo de la
película debe tomar decisiones moralmente difíciles (el amor o lo correcto). Además, el
aparenta una posición neutra al principio cuando se muestra con una máscara de
cínico, sin interés por otra cosa que no sea su famoso bar pero vemos que cambia de
perspectiva cuando se involucra en Casablanca en la resistencia contra los nazis, esto
lo hace con la llega de Ilsa y por sus antecedentes idealistas (en París había estado
involucrado en la resistencia), de ser alguien solo preocupado por sus propios
intereses se vuelve un hombre dispuesto a sacrificarlos por un interés mayor.
Otro movimiento del que podemos ver cierta influencia es el realismo, el cual nace
en Europa a mediados del siglo XIX, caracterizado por las descripciones detalladas de
los personajes, paisajes y escenas, tratando de reflejar objetivamente la realidad. Si
bien hay cierta disonancia en “Casablanca” ya que esta es una historia de amor (o
desamor) y espionaje, como nombramos previamente transcurre en un contexto de 2da
Guerra Mundial por lo que en cuanto al ámbito político e histórico trata de
representarse de una forma más realista, así mismo como las actividades cotidianas
que realizaban los personajes en un contexto de crisis global.
“Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”
Es una película de origen estadounidense, dirigida por Michel Gondry y guionada por
Charlie Kaufman, que fue estrenada en el año 2004. La idea original nace en 1998 a
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partir de una conversación de dos amigos, Michel Gondry (quién luego sería el director
del film) y Pierre Bismuth (co-creador), donde este último había concebido la idea de
borrar a ciertas personas de la memoria después de que una amiga de ellos se haya
quejado sobre su pareja de ese momento, y él le preguntó si lo borraría de su mente, a
lo que ella contestó que sí.
En un comienzo, Pierre Bismuth, iba a realizar un experimento artístico donde iba a
enviar cartas a distintas personas afirmando que un conocido los había borrado de su
memoria. Luego de hablarlo con Michel Gondry, la historia fluctuó a qué situaciones se
desprenderían si aquello fuese científicamente posible.
El director contactó a Charlie Kaufman, con quien ya había trabajado previamente en
la película Human Nature, y le presentó la idea y juntos comenzaron a desarrollar la
historia y el guión, y si bien ninguno de los creadores le tenían mucha fe a que el
proyecto fuese vendible, el productor de cine americano Steve Golin apostó por ellos y
financió su proyecto.
A la par de que Kaufman estaba escribiendo el guión se estaba estrenando en el
mundo la película “Memento” de Christopher Nolan, la cual trata el tema de la memoria,
su pérdida y la reconstrucción de la historia a través de recuerdos; todo ésto puso en
estado de alerta a los creadores por la parecido argumento inicial. Igualmente tiempo
después decidieron continuar con el proyecto, queriéndole dar más peso a las
relaciones entre los personajes y minimizar los elementos de ciencia ficción y traer a
éste género a un mundo más cotidiano, donde no hay una conspiración oscura y
máquinas rebuscadas y amenazadoras que borren la memoria, sino son las mismas
personas quienes voluntariamente eligen hacerse el procedimiento “médico” para
olvidar.
Kaufman cuenta que fue todo un desafío escribir el guión y que sus 2 principales
problemas fueron: mostrar los recuerdos de Joel (y la reacción que éste tenía a los
mismos) y la interacción de Joel con Clementine dentro y fuera de los recuerdos. La
solución que encontraron fue que Joel sea consciente de que está en un recuerdo de
su memoria y que viva una especie de sueño lúcido donde puede comentar y actuar
sobre lo que está sucediendo, y que los recuerdos se degradarían pero que no
desaparecerían por completo hasta que Joel se despertara después del procedimiento.
Si hablamos de vanguardias, en la película podemos ver la presencia del
surrealismo, movimiento creado en 1924 por André Bretón, el cual plantea temas
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como la libertad del pensamiento y la imaginación sin intervención de la razón y ajena
a la preocupación estética y moral, además del mundo onírico, el subconsciente y lo
irracional (basado en ideas de Freud).
En la película “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” vemos
constantemente el recurso de los sueños, ya que gran parte de la película transcurre
dentro de la mente de Joel, tanto él como los espectadores viajamos por sus recuerdos
(los cuales están siendo borrados) y vamos conociendo acerca de su relación con
Clementine, el porqué ella es como es, y sobre todo porqué él como es. Recorremos
momentos desde su niñez hasta su adolescencia y adultez, explorando su
subconsciente.
Además podemos ver como crean este mundo de en sueños a través de las
imágenes, y la experimentación visual y técnica a la hora de representarlos, como se
puede ver en la escena donde Joel y Clementine se encuentran en la casa de la playa
que comienza a desmoronarse y a inundarse; también ésta secuencia podemos usarla
para explicar la utilización del simbolismo y metáforas que suelen utilizarse en el
surrealismo, la casa derrumbada representa cómo se siente Joel en ese momento, ya
que el último recuerdo que tiene de Clementine se está desvaneciendo y va a olvidarla
para siempre. La película sigue el lado irracional e ilógico que caracteriza al
surrealismo, ya que es imposible manipular la memoria de una persona y borrar todos
los recuerdos que ésta tenga sobre otra.
Cine de autor y Cine clásico
“Casablanca” no pertenece al llamado “cine de autor”, sino que como nombramos
previamente pertenece a lo que es el cine clásico de Hollywood, el cual se estableció
entre los años 1917 a 1960, y estuvo caracterizado por mantener una narrativa clásica
y homogénea, donde la figura de las empresas productoras eran de mucha importancia
y eran quienes tenían la última palabra a la hora de la realización de una película.
Solían utilizar siempre la misma “fórmula” exitosa para que sus films generen
ganancias, pero terminaban siendo muy banales. “El estilo básico del cine clásico de
Hollywood se mantiene [...]La narración lineal inteligible sigue siendo el factor
dominante en este tipo de cine” (Bordwell, D & Thompson, K. El arte cinematográfico:
una introducción).
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Otra de sus características más importantes son los “Happy Endings”, es decir, todas
las películas tenían que tener un final feliz, creaban un cine de evasión para que la
gente pudiese escapar de la realidad oscura de ese periodo (Guerras Mundiales), y
Casablanca es una de ellas, si bien el personaje principal, Rick, no termina con su
amor Ilsa, él hace lo moralmente correcto al dejarla ir con su verdadero amor, Victor
Lazlo.
Otro punto clave de la “época dorada” de Hollywood es el Star-System, el cual se
basaba en un sistema que le era funcional a las productoras que se aseguraban de
tener bajo contrato a las estrellas más famosas del cine para que actúen en sus
películas y así atraer al público a las salas de cines, y Humphrey Bogart e Ingrid
Bergman fueron los elegidos para protagonizar éste melodrama.
También podemos destacar que en esa época se encontraba activo el “Código Hays”
el cual establecía que en los films no podían mostrarse escenas de sangre explícitas,
cuchillos, sexo o cualquier cosa que se catalogue como subversiva, lo cual va de la
mano con la idea del final feliz y cine de ensueños.
Por otro lado “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos” sí pertenece al cine
de autor, que según Alexandré Astruc en su manifiesto “Caméra-Stylo”
(cámara-bolígrafo) establece que el verdadero dueño de las películas es el director de
la misma, que tiene la libertad de hacer con ella como quiera, y que como un autor
escribe con su pluma, el director puede escribir sus propias historias con una cámara.
Como nombramos en un principio Michel Gondry, el director de la película, fue quien
tuvo la idea original y junto al guionista fueron moldeando la historia dándoles su propia
impronta personal, a diferencia de como solía ser en el cine clásico.
Otra gran diferencia del cine de autor al cine de hollywood, es como se presentan la
realidad; por un lado, el cine de hollywood muestra una cara de la realidad que tal vez
no se asemeja tanto a la cotidianidad de las personas, y el cine de autor rompe un
poco con eso reflejando las diferentes vivencias, que tal vez son menos placenteras o
llevaderas de ver, pero que igualmente suceden. En palabras del guionista de Eterno
resplandor: “Siempre trato de luchar contra ese tipo de cosas en mi trabajo porque
siento que hay un mundo de fantasía que se presenta a la gente cuando va al cine.
Hablando por mí, me he sentido muy frustrado tratando de encontrar en mi vida lo que
veo en las películas, en términos de relaciones o cualquier otra cosa. La vida no es así,
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así que en mis guiones me propongo intentar escribir algo que me parezca real o
verdadero. Supongo que esto es lo que es verdad para mí”.
Comparación de los aspectos de la estructura narrativa
Cine Clásico- Casablanca Cine Moderno- Eterno Resplandor
Estructura Lineal y cerrada. Sigue la Tiene una estructura más compleja y no es
estructura clásica de presentación, lineal. De hecho la película termina
desarrollo y resolución. La historia retomando el principio de la misma y recién
se desarrolla de manera ahí entendemos el inicio, como por
cronológica y lógica. ejemplo: Joel ve que su cuaderno tiene
hojas arrancadas y ni él ni nosotros
sabemos el porqué, hacia el final
descubrimos que es porque tenía que
deshacerse de todo lo que esté relacionado
a Clementine, o también entendemos
porqué va a la playa en invierno. A su vez,
durante la película vamos reviviendo
recuerdos pasados de Joel.
Conflicto Conflicto claro y con una El conflicto no es tan claro, ¿Podrá evitar
resolución. ¿Podrá Rick ayudar al borrar sus recuerdos? ¿Volverán a estar
amor de su vida a escapar? juntos?. La resolución tampoco es clara, no
sabemos realmente si volverán a estar
juntos y si se repite la historia o no.
Transparencia Se oculta la figura del autor y Se rompe la transparencia y la fluidez con
donde se posiciona la cámara. Los los cambios de planos y cómo se mueve la
cortes son suaves y generalmente cámara, por lo que se evidencia la
invisibles Buscar ejemplos. presencia del autor/director. Como por
ejemplo en la escena donde nos
encontramos en un recuerdo de Joel, más
particularmente la noche que conoció a
Clementine, vemos como los planos dentro
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de la casa (la cual se está derrumbando)
son más desprolijos y desalineados
provocando una sensación de incomodidad
e inestabilidad (así se estaba sintiendo
Joel).
Personajes Personajes estereotipados Los personajes tienen más complejidad
Arquetipos clásicos que cumplen psicológica. La película se adentra en la
roles específicos en la trama. Por mente de los personajes, explorando sus
ejemplo, Rick encarna el arquetipo memorias y emociones de una manera que
del hombre más bien solitario pero va más allá de la superficie. Sus
codiciado por todos, poderoso, motivaciones y conflictos internos se
pero a pesar de esto sacrifica a su exploran en profundidad, y sus acciones no
amor por un bien mayor. siempre son predecibles.
Tienen una motivación que los
empuja a lo largo de la historia.
Tiempo El tiempo pasa pero no de forma Se muestra como pasa el tiempo y este
que le “pese” a la audiencia. Se tiene un peso, hay alteraciones en él. Por
realiza a través de elipsis, ejemplo en la última escena vemos a Joel y
solamente se muestra lo que le es Clementine en la nieve y la misma escena
funcional a la trama. se repite 3 veces seguidas, como si
Por ejemplo, en la escena del estuvieran rebobinando y volviéndola a
flashback, vemos solamente poner.
aquellos fragmentos de ellos
enamorados y como ella lo
abandona, que son necesarios
para explicar el porqué de su
separación en el presente.
Subjetividad Se utilizan recursos como Está muy presente a lo largo de toda la
flashbacks pero de una manera película. El espectador se confunde
clara que no da lugar a constantemente con que está pasando en
confusiones. No hay ambigüedades la realidad y qué pasa dentro de los
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y la historia transcurre de manera recuerdos. No solo en las escenas dentro
más predecible. de lo que serían los recuerdos sino también
cuándo todavía no entramos en lo que
sería la mente de Joel, por ejemplo una
escena donde él está en la librería y sin
ningún corte pasa a estar en la casa de sus
amigos. Otros ejemplos de escenas donde
vemos subjetividad e imágenes surrealistas
son cuando están en los recuerdos de la
infancia de Joel y él se vuelve una mezcla
entre niño y adulto y cuando se les borran
las caras a los personajes en el centro
médico. Se construye una especie de
mundo onírico y surrealista que habita
dentro de la mente del personaje pero por
ciertos momentos la línea entre que es un
recuerdo y qué no se borra.
Género Melodrama. Mezcla de géneros. El drama romántico y
la ciencia ficción.
Análisis y comparación del montaje en secuencias, cortes y la estética en general
En cuanto al montaje, Casablanca es conocida por su montaje clásico y fluido, que
contribuye significativamente a la continuidad de la acción y la intensidad emocional y
narrativa de la película. Las transiciones entre escenas son suaves para mantener la
fluidez narrativa. Por ejemplo, en la transición del flashback de Rick e Ilsa en Paris a la
realidad en Casablanca, se emplea un fundido a negro. Emplea cortes rítmicos para
mantener la tensión en situaciones cruciales, por ejemplo cuando Rick descubrió que
Ilsa está en Casablanca. Los cortes entre los rostros de los personajes y los elementos
del entorno intensifican la emoción y subrayan la revelación. A su vez, emplea cortes
de reacción, que se usan para enfocarse en las expresiones faciales de los personajes,
por ejemplo durante el discurso de Rick al final de la película, los cortes entre los
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rostros de los personajes capturan la reacción de los personajes a sus palabras,
intensificando la emotividad del momento.
La película utiliza los fundidos y las disolvencias para marcar cambios de tiempo o
lugar. Este recurso se pone en evidencia más que nada en las transiciones entre las
escenas en París y las situaciones en Casablanca. Por último, hace uso del flashback
como recurso narrativo que revela el pasado de los personajes de manera efectiva.
Hablando del montaje propuesto en Eterno resplandor de una mente sin recuerdos,
podemos referirnos a este como una estructura narrativa no lineal en la que el uso del
montaje sirve para reflejar la naturaleza fragmentada de los recuerdos y la complejidad
de las emociones. Saltando entre momentos clave de la relación de Joel y Clementine,
el montaje desafía la linealidad temporal y crea una experiencia más inmersiva.
En cuanto a los cortes, estos son abruptos y las transiciones son ingeniosas, a menudo
no son claras. Esto lo podemos ver por ejemplo en la escena donde Joel habla con
Clementine en la librería y cuando atraviesa una puerta se encuentra en la casa de sus
amigos.
También se emplea un elemento que hace alusión a que se están borrando los
recuerdos de ambos, los elementos van desapareciendo gradualmente o van
derrumbándose, técnica que evidencia el conflicto de la película.
El film utiliza, para la composición visual de la misma, una amplia variación entre
los tamaños de los planos, mucho movimiento de cámara y tomas cortas donde se
visualizan muchos cortes.
En el montaje se rompe la continuidad, como por ejemplo en la escena en el auto
dónde está yendo hacia un lado pero se invierte el lado del auto y el de Clementine.
Por último, hay escenas donde el sonido y la imagen están desconectadas.
Abordando la estética de ambos films, Casablanca presenta una estética clásica en
blanco y negro, que resalta la expresividad de las sombras y las luces. Con una paleta
de colores que se limita a los tonos del gris, este film presta especial atención a la
iluminación para crear contrastes impactantes y reflejar la dualidad de la trama.
Predominan tonos oscuros y cálidos, subrayando la intriga y el peligro. Por otro lado, los
flashbacks en París exhiben una paleta más clara y romántica, evocando la nostalgia y
la pérdida.
La escenografía es realista y aporta a la contextualización. Tanto los decorados
como el vestuario, maquillaje e iluminación están concebidos siguiendo el criterio de
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verosimilitud y espectacularidad buscando un efecto dramático eficaz. La ciudad de
Casablanca se representa con calles angostas y repletas, resaltando la tensión y la
diversidad cultural. La utilería, como los documentos de tránsito, se convierte en un
elemento clave que impulsa la trama.
Esta película usa la herramienta de contraste entre luz y sombra, creando a través la
iluminación sombras sugerentes, especialmente en el rostro de Rick. Este juego de
luces y sombras resalta la ambigüedad moral de los personajes, contribuyendo a la
atmósfera intrigante.
Los personajes son bien estereotipados, tienen una motivación, el amor, y actúan por
causa y efecto.
En cuanto al vestuario, las figuras importantes se destacan por tener ropa más clara.
El vestuario de Rick refleja elegancia mientras que los de Ilsa acentúan su papel como
figura de deseo y misterio.
Casablanca utiliza como leitmotiv la canción “As Time Goes By.” interpretada por Sam,
se convierte en un recordatorio persistente del pasado para Rick. Además, se utiliza
para subrayar momentos emocionales,
En Eterno resplandor de una mente sin recuerdos, la paleta de colores varían entre
colores vibrantes en los recuerdos felices y tonos más oscuros en los momentos
melancólicos. Un ejemplo es el contraste entre la escena inicial en la playa, llena de
colores brillantes y saturados, y las escenas en la oficina de Joel, donde predominan los
tonos grises y apagados, reflejando su tristeza interior.
Por otra parte, la escenografía y utilería son utilizadas para crear mundos visuales
surrealistas y oníricos que reflejan los estados mentales de los personajes.
La iluminación se adapta a las emociones de los personajes y la naturaleza de los
recuerdos. En la escena del bote, la luz natural resalta la felicidad efímera, mientras que
las escenas más oscuras de la memoria sugieren la complejidad emocional y los
aspectos más oscuros de las relaciones.
En cuanto a la actuación, Jim Carrey y Kate Winslet destacan por su autenticidad y la
capacidad de transmitir las complejidades emocionales de sus personajes.
La música de Jon Brion complementa la emotividad de la película. A menudo etérea
y melancólica, se integra perfectamente con las transiciones entre los recuerdos y el
presente, intensificando la conexión emocional del espectador con los personajes.
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Para finalizar, los cambios de vestuario de Clementine son simbólicos de su
personalidad cambiante. Desde el pelo de colores extravagantes hasta la ropa ecléctica,
el vestuario refleja la naturaleza única y multifacética de su personaje.
Conclusión
En conclusión, este análisis pone de manifiesto la riqueza y diversidad del cine a lo
largo del tiempo y las distintas corrientes cinematográficas. Desde el cine clásico de
Hollywood hasta el cine de autor contemporáneo, cada película refleja no solo la
evolución de la técnica cinematográfica, sino también la manera en que los cineastas
han respondido a los cambios culturales y artísticos. Mientras "Casablanca" representa
un punto culminante en la era dorada de Hollywood, "Eterno resplandor" refleja la
experimentación y la exploración de nuevas formas narrativas característica de las
vanguardias y movimientos artísticos del siglo XX. En conjunto, estas obras destacan
la capacidad del cine para adaptarse y reinventarse, ofreciendo a la audiencia
experiencias diversas y enriquecedoras.
Bibliografía:
- Curtiz, M (Director). (1942) Casablanca. [Película]. Warner Bros
- Gondry, M. (Director). (2004). Eterno resplandor de una mente sin recuerdos
[Película].
- Bordwell, D., & Thompson, K. (1995a). El arte cinematográfico: una introducción.
Grupo Planeta (GBS).
- Astruc, A. (1948). El nacimiento de una vanguardia: La Caméra stylo.
- BBC News Mundo. (2017, 30 diciembre). Las inesperadas lecciones que la película
Casablanca puede enseñarnos sobre la actual crisis de refugiados. BBC News
Mundo. [Link]
- Eduardo. (2019, 10 octubre). Manifiesto del surrealismo por André Breton. Revista
Ilustres.
[Link]
n-1924/#:~:text=El%20manifiesto%20relata%20un%20tono,ilusi%C3%B3n%20que
%20ahora%20le%20falta.
13
- Cohen, D. S. (2019, October 4). FROM SCRIPT TO SCREEN: “Eternal Sunshine
Of The Spotless Mind.” Script Magazine.
[Link]
- Ivanbortgual. (2017, January 27). Melodrama. Análisis Fílmico.
[Link]
- Schrader, P. (2004). “Apuntes sobre el film noir”.
Apuntes sobre el film noir ([Link])
Anexos:
Anexo 1: “Casablanca” (1942), Michael Curtiz
Anexo 2: “El sueño eterno” (1946), Howard Hawks
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