4.
LA MÚSICA EN EL BARROCO:
1. CONTEXTO HISTÓRICO Y CULTURAL:
El Barroco es el período artístico que comprende el siglo XVII y la primera mitad del siglo XVIII.
Musicalmente delimitamos su cronología entre dos fechas significativas: el inicio en el año 1600 con el
estreno de la primera ópera conservada y el final en 1750 con la muerte de J. S. Bach, el más famoso
representante del barroco musical.
El hombre de esta época ya no persigue la expresión ideal de la belleza, como en el Renacimiento, sino
que se siente una persona sensible a la pasión y la fantasía. El arte barroco busca la expresión de los
sentimientos, el sentido del movimiento, el contraste, el gusto por el detalle y la ornamentación.
El Barroco es una época de gran fecundidad para el mundo de la cultura, el arte y la ciencia. En esta
época se darán cita personajes importantes en el mundo de la literatura como Lope de Vega,
Calderón, o Moliere; en la pintura contaremos con artistas como Velázquez o Rembrant; además de
destacar científicos como Galileo Galilei o Newton.
El Barroco es uno de los períodos más revolucionarios de la historia de la música. Nace la orquesta y,
con ella, las grandes formas instrumentales y vocales. Se establece el uso de la tonalidad y de la
armonía. Surgen los primeros intérpretes virtuosos y los primeros grandes compositores.
La música estará al servicio de las grandes monarquías europeas, la aristocracia y la Iglesia, que la
utilizarán como una manifestación más de su poder. El papel del músico se reduce al de un sirviente de
su protector.
1
2. MÚSICA VOCAL RELIGIOSA: LA MISA, EL ORATORIO, LA CANTATA Y LA PASIÓN
La música religiosa seguirá teniendo un gran peso durante este periodo. La iglesia protestante sigue
manteniendo el coral como su género más representativo y la iglesia católica continúa usando la misa y
el motete. Sin embargo surgen nuevos géneros religiosos:
La cantata: “música para cantar”. Surge como en género profano de carácter lírico-amoroso que será
adoptado por la música religiosa cambiando el texto por fragmentos del Evangelio, de los Salmos o
textos religiosos populares.
Es un género compuesto escrito para orquesta, solistas, coro y formada por una sucesión de arias y
recitativos. En Alemania en la cantata religiosa se introduce también el coral.
Compositores: J.S. Bach y G.P. Telemann
El oratorio: se puede considerar como una ópera de tema religiosa pero sin representación escénica,
escrita para orquesta, coro y solistas y formada por la sucesión de arias, recitativa y coros. Al no ser
una obra representada, introduce la figura del narrador y se refuerza el papel del coro que irá relatando
la acción basada en los textos del Antiguo y Nuevo Testamento. El compositor más destacado es G.F.
Haendel (Oratorio “El Mesias”).
La pasión: es un tipo de oratorio que trata el tema exclusivo de la pasión y muerte de Cristo según los
Evangelios. La figura del narrador es el evangelista, que relata los acontecimientos en estilo recitativo,
los personajes del evangelio son interpretados por solistas y el pueblo lo interpreta el coro. Como
compositor destacado señalar a J.S. Bach con sus dos obras fundamentales: Pasión según San Juan y
Pasión según San Mateo.
Una de las técnicas que más se desarrollará dentro de esta música será el "policoralismo", que se dará
sobre todo en la escuela veneciana. Esta técnica que involucraba coros o conjuntos de instrumentos
separados espacialmente, tocando en forma alternada,.surge en la iglesia de San Marcos (Venecia).
Debido a la asincronía entre los sonidos a raíz de la distancia entre los coros de la basílica, los
compositores comenzaron a usar este fenómeno acústico para generar efectos especiales. Resolvieron
el problema escribiendo música antifonal en la que los coros opuestos cantaban en forma sucesiva: el
efecto estéreo mostró su popularidad, y pronto otros compositores estaban imitando la idea, no sólo en
San Marcos sino en otras grandes catedrales italianas.
3. MÚSICA VOCAL PROFANA: MADRIGAL, ÓPERA (SERIA Y BUFA) Y ZARZUELA
Los compositores barrocos siguen componiendo géneros vocales heredados del Renacimiento pero las
voces dejan de ser todas igual de importantes, destacando la voz superior sobre las demás, que quedan
subordinadas a la función de acompañamiento. A esta nueva técnica de composición se le conoce
como monodia acompañada (nueva textura) que se usará tanto en música vocal como en la
instrumental.
El protagonismo de la melodía superior implica la aparición de una nueva voz grave que hace de
sustento armónico de la composición y recibe el nombre de bajo continuo. El bajo continuo puede
estar cifrado, con cifras anotadas que representan la posición de las notas de los acordes
correspondientes, para guiar al ejecutante. Es ejecutado por uno o varios instrumentos: un instrumento
armónico (es decir, capaz de producir acordes o polifonía) como los instrumentos de teclado (clavecín,
2
órgano) u otros como el arpa y el laúd y otro instrumento de tesitura grave como el violoncello, fagot,
la viola da gamba, contrabajo y en algunas ocasiones contrafagot.
El nacimiento de la ópera
Surge dentro de la “Camerata Fiorentina” círculo cultural que reunía a nobles, sabios, filósofos,
poetas y músicos, para resucitar el teatro clásico griego, será el punto de partida de la ópera que
asumirá plenamente la monodia acompañada para facilitar que la música pueda reforzar la expresión
de la palabra, por lo que el requisito indispensable de la ópera será la inteligibilidad del texto.
Primera ópera conservada: Eurídice de Jacobo Peri, pero la considerada como la primera gran ópera de
la historia es Orfeo de Claudio Monteverdi estrenada en 1607. Además, el propio Monteverdi, creará
otras óperas que alcanzarán una gran fama como "La coronación de Popea" y "El retorno de Ulises".
Características:
Género vocal profano de carácter narrativo
que utiliza la representación escénica.
Escrita para orquesta, coros y solistas y se
desarrolla fundamentalmente en tres partes:
Obertura: introducción instrumental
que da comienzo a la obra
Partes cantadas: por solistas
(personajes principales) y coros
(personajes secundarios). Hay dos
estilos de canto según el contenido
del texto:
a) estilo aria: melodías expresivas
con texto emotivo (momentos
contemplativos)
b) estilo recitativo: texto declamado
para avanzar la acción
Interludios: secciones instrumentales
que se intercalan entre la partes
cantadas para darle forma a la obra
Coros: fragmentos en los que canta un numeroso grupo de personajes
Tipos de ópera:
A) Ópera seria: usa temas mitológicos y heroicos escritos en italiano (género preferido de la
aristocracia). Gran desarrollo en Italia.
La ópera seria en el Barroco irá distanciándose progresivamente de los ideales iniciales de la Camerata
para convertirse en un espectáculo lleno de artificios para el lucimiento de los castrati.
Principales compositores: A. Scarlatti y J.F. Haendel.
3
B) Ópera bufa: usa argumentos basados en la vida cotidiana, con personajes más cercanos al pueblo, a
veces crítica social a las clases altas. Música sencilla e idioma propio de cada país y sustituyen los
recitativos por diálogos hablados. Prescinde de los castrati usa actores para sus representaciones. La
ópera que marca las características definitivas de este género es La serva padrona de [Link].
La ópera se convertirá en uno de los géneros más importantes del Barroco, que irá adoptando
características particulares en cada nación.
• FRANCIA: Se llamará "Tragédie Lyrique". Las características principales serán la introducción
del ballet dentro del espectáculo y el gran despliegue de medios que utilizarán los franceses en sus
creaciones. El compositor más importante será J. B. Lully.
• ALEMANIA: Aunque también van a desarrollar ópera seria, hay un género que parte de la ópera
bufa italiana y que alcanzará un gran desarrollo: el Singspiel.
• ESPAÑA: Se creará un género que se denominará Zarzuela y cuya característica más significativa
será la sucesión de partes cantadas y habladas.
LOS CASTRATI
La práctica de la castración de niños cantores existió desde la creación del Imperio Romano de
Oriente hasta el saqueo de Constantinopla por las fuerzas occidentales de la Cuarta Cruzada en 1204.
Su reaparición como castrati se sitúa a principios del siglo XVI cuando el papa Pablo IV prohibió las
voces femeninas en la catedral de San Pedro, pero
fue el siglo XVIII la época dorada del cantante
castrato y el tiempo en el que desarrolló su mayor
actividad. Así, los castrati vinieron a suplantar a
los niños (cuyas voces se estropeaban después de
sólo unos pocos años) y los falsetistas (cuyas
voces eran más débiles y menos fiables).
Durante varios siglos se recurrió a la castración
masculina para que el cantante pudiera conservar
la voz clara y aguda (blanca) en su edad adulta.
Los riesgos de la castración eran altos y podrían
conducir a una muerte prematura. Para evitar que
el niño experimentara el dolor intenso de la
castración, a muchos se les administraban dosis
letales de opio o de algún otro narcótico, o morían
por estrangulamiento, al presionarles la arteria
carótida en el cuello con la intención de hacerlos
caer inconscientes durante el procedimiento de
castración.
Farinelli, famoso castrato del siglo XVIII
La formación de los castrati era muy estricta. El régimen de una escuela de canto en Roma (hacia
1700) consistía en una hora de cantar piezas difíciles, una hora practicando trinos, una hora en
ejercicio adornado passaggi, una hora de ejercicios de canto en presencia de su maestro y delante de
4
un espejo a fin de evitar movimientos innecesarios del cuerpo o muecas faciales, y una hora de
estudio literario, todo ello, antes del almuerzo.
Después de un breve descanso, se dedicaba una hora a la teoría musical, otra a la escritura de
contrapunto, una hora copiando lo mismo al dictado, y otra hora de estudio literario. Durante el resto
del día, los jóvenes castrati tenían que encontrar tiempo para componer música vocal.
No se dedicaban sólo a la música religiosa, como en su origen, sino que cantaban óperas y todo tipo
de música profana. Podían aguantar mucho tiempo manteniendo una misma nota y sin respirar.
Tenían mayor potencia pulmonar, pleno dominio de la voz y la sabiduría propia de la edad. Algunos
castrati ganaban sumas fabulosas y llegaban a ser muy famosos. Su sueldo hoy lo podríamos
equiparar con lo que cobra un cantante de rock famoso.
En las décadas de 1720 y 1730, en el apogeo de la moda de estas voces, se ha estimado que más de
4.000 niños fueron castrados cada año al servicio del arte. Muchos provenían de hogares pobres y
fueron castrados por sus padres con la esperanza de que su hijo pudiera tener éxito y sacarles de la
pobreza.
Después de la unificación de Italia en 1861, la castración con fines musicales se hizo ilegal y sólo en
la Capilla Sixtina y en algunas otras basílicas papales de Roma se permitió a los castrati quedarse. El
fin oficial de los castrati llegó el día de Santa Cecilia, 22 de noviembre de 1903, cuando el Papa Pío
X, emitió un edicto en el que establecía el uso de niños en los papeles empleados para los castrati.
El más famoso de todos fue Carlo Broschi, conocido como Farinelli, que trabajó en la corte del rey
español Felipe V, al que dicen que curó de su melancolía cantándole todas las noches, durante 10
años, las mismas cuatro canciones.
El último castrato sixtino fue Alessandro Moreschi. Por suerte, en 1902 realiza una grabación en
disco de gramófono (de bastante mala calidad) que es el único documento sonoro que tenemos de
cómo podía sonar la voz de un castrato. Se retiró en marzo de 1913 y murió en 1922.
4. MÚSICA INSTRUMENTAL: EL NACIMIENTO DE LA ORQUESTA. FUGA, SUITE,
SONATA Y CONCIERTO
La emancipación de la música instrumental iniciada en al Renacimiento, llegará a su punto culminante
durante este periodo. Hay un importante desarrollo de la técnica instrumental, sobre todo los
instrumentos de cuerda frotada, y aparece la orquesta como agrupación estable formada por todas las
familias instrumentales: cuerda, viento –madera, viento- metal y percusión (timbales) siendo su base
fundamental la familia de cuerda frotada y el bajo continuo (clave, órgano o arpa).
La ciudad de Cremona es conocida por su tradición artesanal en la fabricación de violines y en el siglo
XVII fue la cuna del violín por los prestigiosos Luthiers. Un luthier, lutier, laudero, lutero o violero es
una persona que construye, ajusta o repara instrumentos de cuerda frotada y pulsada. El origen de la
palabra lo encontramos en la palabra francesa luth, que a su vez procedente del árabe al-ʿūd (la madera
– laúd). La ciudad está rodeada por bosques de abetos y arces que son las principales maderas con las
que se fabrica este instrumento.
5
Los tres constructores más importantes de la época del Barroco
fueron Nicolo Amati y sus famosos discípulos Guarneri y
Antonio Stradivari. Se estima que Stradivari construyó más de
1.000 instrumentos de cuerda, de los que, a día de hoy, se
conservan unos 650.
En la Biblioteca del Palacio Real de Madrid se encuentran los
Stradivarius Palatinos, colección compuesta por el llamado
Cuarteto Real o Palatino formado por dos violines, un
violonchelo y una viola, todos ellos decorados, más otro
violonchelo no decorado.
Violín de la colección Stradivarius Palatinos
Se compone música dependiendo de las agrupaciones instrumentales que los interpreten:
• MÚSICA PARA INSTRUMENTOS SOLISTAS: las piezas para instrumentos solistas permitían al
intérprete hacer gala de un gran virtuosismo, luciendo su habilidad técnica y su expresividad
musical.
• MÚSICA DE CÁMARA: se denomina así a la música interpretada por dos o más instrumentistas
sin llegar a ser un grupo numeroso. Es música de carácter íntimo destinada a ser interpretada en
pequeñas salas.
• MÚSICA PARA ORQUESTA: Hasta este momento no se indicaban los instrumentos que debían
interpretar cada parte de la obra, ya que no había normas que regulasen el número y la composición
de la orquesta, y la elección de los instrumentos dependía de las circunstancias. A partir del siglo
XVII los compositores empezaron a especificar en la partitura guión cuántos y cuáles eran los
instrumentos que debían interpretar cada parte.
6
Géneros instrumentales del Barroco:
La fuga: género para instrumento de teclado, en un solo movimiento y de textura polifónica en la que
un tema principal (sujeto) es imitado por todas las voces.
La suite: género instrumental para orquesta que consiste en la sucesión de danzas de distinto carácter y
en número variable. La estructura más habitual de la suite barroca es:
Allemanda (binario/lento) - Courante (ternario/rápido) - Zarabanda (ternario/lento) - Giga
(ternario/rápido)
La sonata barroca: género para uno, dos o tres instrumentos con acompañamiento del bajo continuo
que consta de cuatro movimientos en los que se contrastan tempos rápidos y lentos con diferentes
texturas y ritmos: lento- rápido (polifónico)- lento (monofónico)- rápido
Concierto: la palabra concierto viene del término italiano concertare (ordenar y juntar cosas
distintas). Es un género para orquesta que consta de tres movimientos o secciones contrastantes: rápido
-lento – rápido. Según como intervengan los instrumentos, el concierto puede ser:
a) Concierto grosso: enfrenta un grupo de solistas (concertino) con el resto de la orquesta (tutti) que
se van alternando en la interpretación de partes nuevas y fijas (ritornello). Compositores: A. Corelli y
J.S. Bach
b) Concierto a solo: para un solo instrumento solista que dialoga con la orquesta. El compositor más
destacado es Antonio Vivaldi.
5. LA DANZA EN EL BARROCO
La aristocracia europea sentía pasión por el lujo y las grandes fiestas. Para celebrar cualquier
acontecimiento, organizaban festines en los que la música y la
danza siempre estaban presentes.
El ballet fue evolucionando en la corte francesa en la que había
surgido e introduciendo bailarines profesionales que
sustituyeron poco a poco a los cortesanos.
Bajo el reinado de Luis XV, el rey Sol, (1643-1715), se crea el
ballet de cour, que era una obra teatral bailada que comenzaba
con una obertura instrumental y terminaba con un gran ballet.
Se representaba con decorados espléndidos y los bailarines, al
principio sólo masculinos, iban adornados con lujosas
vestimentas y máscaras.
Como a Luis XIV le gustaba mucho bailar fundó la Academia
Real de la Danza en 1661. Más tarde, los ballets comenzaron a
interpretarse en los teatros, y desaparecieron de la corte. Esta
academia es fundamental en la historia de la danza, es la
antecesora del actual Ballet de la Ópera de París. Pierre
Beauchamps (Coreógrafo y bailarín francés, director de la
7
Academia Real de la Danza en 1671, gran figura de la «belle danse» francesa del s. XVII) fue el
primer maestro que basó sus fundamentos en el ordenamiento de los pasos de ballet y las cinco
posiciones del ballet clásico.
En el año 1700, un importante maestro de baile, llamado Raoul-Auger Feuillet, creó el primer sistema
de notación de danza de la historia. La danza, poco a poco, fue adquiriendo una reglamentación que
dará lugar a la danza clásica.
En cuanto la danza en la sociedad, gran parte de la música instrumental se sigue destinando al baile y
se mantienen algunas danzas del Renacimiento y surgen otras nuevas (Allemande, Courante, Bourré,
Chacona, Zarabanda…) Pero a partir de 1600 surgirá una nueva danza que se convertirá en la
protagonista del periodo: el minué.
6. BARROCO EN ESPAÑA
Música vocal religiosa: Es el repertorio musical más importante y se siguen componiendo misas y
motetes con texto en latín y destinados a las celebraciones más solemnes. Compositores [Link] y F.
Valls
Música vocal profana: géneros como el villancico que comienza a introducirse también en festividades
religiosas y surge un nuevo género llamado solo o tono humano que usa la nueva textura (monodia
acompañada) con una voz solista acompañada por un instrumento, estructuras sencillas y temas de
carácter sentimental. Compositores: Mateo Romero (maestro Capitán) y Juan Hidalgo.
Música instrumental: la música instrumental española se mantendrá ajena a las corrientes europeas
ignorando los nuevos géneros orquestales como la suite y el concierto y se centra en la producción para
instrumentos solistas como el órgano y la guitarra. Compositores: Francisco Correa de Araujo, Gaspar
Sanz y Antonio Soler.
Música escénica: los primeros ejemplos de música escénica consistirán en la introducción de números
musicales dentro de la representación teatral. El teatro se convirtió en España en un fenómeno de
masas y la música formaba parte del mismo (música entre escenas y al final de la obra). Destacamos:
La tonadilla escénica: típico español, representada en los populares corrales de comedia y eran
números musicales que se intercalaban entre los actos de la obra teatral.
La ópera: desde Italia llega este género a España como un género de carácter aristocrático que se
desarrolla en torno a los palacios reales.
La zarzuela: género típicamente español semejante a la ópera cómica. Usa el castellano y
consiste en una sucesión de partes cantadas (solos y coros) y partes habladas. Su nombre procede
del Palacio de la Zarzuela, nombre del pabellón de caza, rodeado de zarzas, y cercano a Madrid
donde se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género en el siglo XVII
para la corte española. La primera zarzuela de la que se conserva suficiente música como para
tener una idea clara de cómo era el género en el siglo XVII fue “Los celos hacen estrellas” de
Juan Hidalgo sobre un texto de Juan Vélez de Guevara, obra interpretada en 1672.
Compositores: Sebastián Durón y José de Nebra.
