Animación: todo lo que hay
que saber
Hoy en día, la técnica de la animación se usa
en formatos de entretenimiento de lo más
variado: en las series de dibujos animados
infantiles, juegos de ordenador repletos de acción
o películas de Hollywood como Avatar. Desde que
se estrenaron las primeras películas de cine
totalmente animadas, como la Blancanieves de
Disney de los años 30, que causaron sensación y
cautivaron a niños y adultos por igual, la
animación ha avanzado mucho, pero lo que está
claro es que se han generalizado las películas,
series y juegos que se realizan mediante
animación.
Sin embargo, las animaciones no se utilizan
solamente en el sector del entretenimiento. En
realidad, hoy en día están casi en todas partes: en
vídeos explicativos, en la publicidad, en sitios
web, en los modelos 3D móviles e incluso en logos
digitales. El colectivo de profesionales de la
animación está tan presente en sectores como
el marketing, la industria y la ciencia como en
los estudios de Hollywood o en el desarrollo de
videojuegos. Por eso no ha sorprendido que
Bloomberg, empresa de medios estadounidense,
haya pronosticado recientemente que el mercado
de la animación a nivel mundial aumentará hasta
los 640 000 millones de dolares de aquí a 2030.
Pero ¿qué es la animación exactamente? ¿Cómo
trabajan las personas que se dedican a la
animación? ¿Cómo ha cambiado la tecnología a lo
largo de los años? ¿Cómo puedes crear tus
propias animaciones? En este artículo
profundizaremos con todo detalle en este tema.
Contenido:
¿Qué significa el concepto de animación?
¿Qué es la animación?
La historia de animación
¿Qué técnicas de animación existen?
Principios de animación: conceptos básicos
¿Qué programas de animación existen?
¿Como se hace una animación?
Preguntas frecuentes
¿Qué significa el concepto de animación?
La palabra "animación" proviene de las palabras
latinas animare (cuyo significado es "insuflar
vida", definición que se mantiene a día de hoy,
aunque el término haya adquirido además otros
significados) y anima, palabra que aún existe en
castellano y que significa espíritu, alma o aliento.
Por tanto, tal y como su nombre indica, la
animación consiste en insuflar vida o aliento a un
objeto, aunque sea en sentido figurado. Y eso,
¿qué implica en la práctica?
¿Qué es la animación?
Si la tomamos de forma estricta, la animación es
un concepto general que abarca todas las técnicas
posibles en las que se editan imágenes una por
una y se reproducen en secuencia de tal forma
que se genera la ilusión de movimiento. La
animación logra esto gracias a un fenómeno muy
concreto denominado "persistencia retiniana": si
el período que transcurre entre que observamos
una imagen y la siguiente es inferior a una décima
de segundo, el cerebro las interpretará como una
sola imagen continua. El folioscopio ilustra este
fenómeno a la perfección, ya que al pasar las
páginas rápidamente se crea esa ilusión.
Si se reproducen imágenes en secuencia a una velocidad suficiente, el cerebro creará la ilusión de
movimiento.
Para lograr que el cerebro perciba un efecto de
movimiento convincente, la mayoría de las
animaciones modernas emplean de 12 a 24
fotogramas individuales por segundo. Antes de
que existieran las técnicas de CGI, estos dibujos se
delineaban y se pintaban a mano en una lámina
de celuloide, lo que suponía una elevadísima
carga de trabajo para producir una película de 90
minutos. Normalmente se contrataba a cientos de
personas para ese tipo de proyectos y se
empleaban varias técnicas de dibujo distintas.
Hoy en día, lo más habitual es que los fotogramas
individuales los genere un ordenador de forma
automática. Las animaciones se pueden producir
también a partir de varias fotografías, como pasa
con la animación de objetos (técnica stop
motion).
¿Qué es la animación CGI?
Más adelante profundizaremos con todo lujo de
detalles en esta técnica de animación y en muchas
otras, pero sí que podemos ir adelantando algo:
las siglas CGI sustituyen a la expresión
inglesa Computer-Generated Imagery, que
podemos traducir por "imágenes generadas por
ordenador". Y con eso ya hemos aclarado lo más
importante del CGI, porque, al contrario que otras
técnicas de animación anteriores, no requiere que
las imágenes se dibujen a mano una por una. Es
un programa informático inteligente el que se
encarga de la mayor parte de ese trabajo.
Sin embargo, siguen haciendo falta animadores y
animadoras en el ámbito del CGI, ya que se hacen
otras tareas, como diseñar el rigging del esqueleto
de un personaje animado y establecer las
secuencias de movimiento exactas de las escenas
animadas en 2D o 3D.
La historia de la animación
Antes de seguir profundizando en las técnicas de
animación y de explicar cómo crear tus propias
animaciones, es interesante echar un vistazo a
la historia de la animación. Contar historias con
figuras en movimiento ha fascinado a los seres
humanos desde tiempos inmemoriales. La
tradición centenaria de las sombras chinas es
buena prueba de ello, así como algunos
descubrimientos como la Laterna Magica del siglo
XVII, con la que se proyectaban figuras en
movimiento sobre fondos estáticos.
Los comienzos
La historia de la animación moderna tal y como la
conocemos empieza a finales del siglo XIX y está
fuertemente asociada a la aparición de la
tecnología fílmica, aunque ya existían dispositivos
de efectos visuales como el zoótropo, con el que
se generaba la ilusión de movimiento. Pero se
puso en marcha de verdad con la invención de la
cámara de vídeo en 1888, que por primera vez
permitió tomar una serie de fotografías
individuales (serie) que después se reproducían
rápidamente y de manera sucesiva con un
proyector. Daba comienzo la era del cine mudo.
Lire
Dado que, en su concepción más amplia, la
animación se refiere a la reproducción de series
de imágenes, estas primeras producciones
fílmicas se pueden considerar el comienzo de la
historia de la animación moderna. A su vez, la
nueva tecnología de cámaras fue lo que permitió
el desarrollo de las animaciones de dibujos
animados y de stop motion a finales del siglo XIX
y principios del XX. El cortometraje de
animación Fantasmagorie de Émile Cohl (1908) es
una de las obras más conocidas de la época. Se
considera que es la primera película de dibujos
totalmente animados del mundo. Seis años más
tarde, Earl Hurd desarrolló la técnica que hoy en
día llamamos animación tradicional, en la que se
dibujan varios miles de imágenes individuales en
láminas de celuloide transparentes, se colocan
sobre los fondos y se filman. Durante los
siguientes 70 años, este proceso predominaría en
la industria.
La época dorada de las películas de animación
A medida que el séptimo arte ganaba popularidad
durante las décadas de los 20 y los 30, las
películas de dibujos animados también vivieron
su auge paralelo gracias a la animación en
celuloide. En 1923, los hermanos Walt y Roy
Disney fundaron la Walt Disney Company, que
acabaría siendo famosa en todo el mundo. El
primer gran éxito del estudio fue Willie y el barco
de vapor, estrenado en 1928, el primer corto de
dibujos animados con sonido en el que aparecía
Mickey Mouse.
Del pato Donald a Mickey Mouse: ninguna empresa representa la época dorada de las películas de
dibujos animados mejor que Disney.
En Disney no tardaron en aparecer otros
personajes, como el pato Donald, Goofy o Winnie
the Pooh. Durante las siguientes décadas
produjeron películas que marcarían la historia del
cine, como Blancanieves y los siete
enanitos (1937), Bambi (1942) o El libro de la
selva (1967). A su vez, otras empresas de cine y
televisión pudieron sacar partido de la era dorada
de la animación en celuloide. Buen ejemplo de
ello es la Warner Bros., que cosechó un gran éxito
gracias a su serie de dibujos animados Looney
Tunes a partir de la década de los 30 y que nos dio
personajes tan queridos como Bugs Bunny y
Porky.
La transición a la era digital
El proceso de la animación en celuloide fue el más
extendido en la industria hasta bien entrados los
años 80. A comienzos de la década siguiente, los
espectaculares avances en tecnología
informática hicieron inevitable la reconversión a
los medios digitales. El proceso tradicional de
dibujar a mano secuencias de películas enteras
resultaba demasiado laborioso, y es que hicieron
falta 600 animadores para llevar a la gran pantalla
El rey león (1994), uno de los últimos taquillazos
de dibujos animados de Disney.
A lo largo de la década de los 90, cada vez más
estudios de cine se reconvertían a las técnicas
asistidas por ordenador. Una de las grandes
producciones de más éxito fue Toy Story (1995),
de Pixar. Con ella empezó la era del CGI, que en
los siguientes años arrojaría obras de los más
diversos tipos: desde emocionantes películas de
animación por ordenador como Up o Wall-E, hasta
producciones de anime repletas de detalles
como El viaje de Chihiro y series de comedia para
adultos como Rick y Morty.
Sin embargo, la llegada de las técnicas de
animación digital no se limitó a la esfera
cinematográfica. De videojuegos con modelos
móviles en 3D hasta los motion
graphics modernos, las animaciones producidas
en entornos completamente digitales están por
todas partes, no solo en el mundo del
entretenimiento, sino también en el diseño web,
el marketing o la ciencia.
¿Qué técnicas y tipos de animación existen?
Ya hemos mencionado varias técnicas de
animación importantes. Vamos a ver más a fondo
los detalles técnicos. Existen muchas maneras
diferentes de otorgar la impresión de movimiento
a varias imágenes individuales. La mayoría de los
tipos de animación se pueden clasificar en cinco
categorías:
1. Animación tradicional (en celuloide)
En esta técnica de animación tradicional, los
animadores dibujaban las imágenes
individuales a mano en láminas especiales de
celuloide, por lo general personajes de dibujos
animados de gran nivel artístico. Después se
colocaban sobre los fondos de las escenas y se
filmaban. Al reproducirlas en el orden correcto, se
creaba la ilusión de un movimiento fluido desde el
punto de vista del público. Así se hicieron clásicos
de Disney como Bambi o La sirenita. Entre las
décadas de los 30 y los 80, el método de la
animación en celuloide fue el estándar de la
industria en la producción de películas y series de
dibujos animados. Lire
Desde la década de los 90, la tecnología se fue
abandonando debido a la elevada carga de
trabajo que supone, y los grandes equipos de
animación ya son cosa del pasado. Una de las
últimas películas de dibujos animados producidas
con este método fue el Winnie The Pooh de Disney
del año 2011. Aunque hoy en día la mayoría de las
series y películas animadas se hacen con CGI, la
animación tradicional sigue siendo el máximo
exponente de la época dorada de las películas de
dibujos animados. La crítica sigue
considerándolas obras de gran valor por
la calidez de los colores y el dominio de
las habilidades artísticas necesario para
dibujarlas.
¿Te fascina el mundo de la animación?
Sigue aprendiendo con nuestra guía de animación para principiantes.
Más información
2. Animación 2D
En la actualidad, las técnicas de animación
tradicional se pueden imitar mediante las técnicas
digitales. En el caso de la animación 2D se
crean imágenes de vectores en movimiento con
programas como Adobe Animate. El principio
básico es parecido, con la diferencia de que las
imágenes en que se van a mover ya no se dibujan
a lápiz sobre una lámina de celuloide, sino que se
crean en ordenadores con programas
específicos para ello.
Los programas informáticos modernos les
permiten a los equipos de animación cambiar
diferentes parámetros, como las expresiones
faciales o las secuencias de movimiento de los
personajes con métodos como el rigging o
el tweening (concepto que se explica más abajo)
según sea necesario. Las animaciones 2D basadas
en imágenes vectoriales no se usan solamente en
series y películas, sino también en videojuegos,
banners publicitarios, contenidos de aprendizaje
virtual e infografías.
En las animaciones 2D modernas ya no se dibuja cada imagen individual a mano sobre lámina o papel;
las imágenes se generan mediante un programa informático.
3. Animación stop motion
Para crear una película con la técnica stop
motion, se toman muchas fotos de objetos en
distintas posiciones. Entre una fotografía y la
siguiente se hacen cambios, por ejemplo, se va
estirando el brazo de un personaje. Si las
fotografías individuales se reproducen una tras
otra, al verlas dará la sensación de que los objetos
se mueven solos. Ejemplos de este método,
económico, pero no por ello menos sofisticado,
son Pesadilla antes de Navidad, de Tim Burton, y
las primeras películas de figuras planas
(animación cutout) de Matt Stone y Trey Parker..
Lire
Una de las características de la animación stop
motion es que existen muchas variantes. En las
películas de figuras de plastilina, también
conocidas como plastimación, se utilizan figuras y
fondos elaborados a partir de barro o de
plastilina, a los que luego se les da "vida"
mediante la técnica del stop motion. Esta técnica
se adapta también a la perfección a las
marionetas, a figuras recortadas (animaciones
cutout), a películas realizadas con piezas de
construcción (brickfilms), objetos cotidianos e
incluso a personas de verdad a las que se
fotografía en diferentes poses (pose a pose
o pixilación).
4. Animación CGI/3D
De simulaciones virtuales a materiales educativos,
de videojuegos a grandes producciones de
Hollywood, las animaciones CGI actuales están
por todas partes. La mayor diferencia con
respecto a la animación "clásica" consiste en que
los artistas de CGI usan software inteligente,
como Adobe After Effects, lo que les facilita
enormemente la creación de las figuras y el
control del movimiento. El equipo de animación
se encarga de programar las secuencias de
movimiento en el ordenador. Además, hoy en día,
las transiciones entre movimientos las genera el
propio software, de forma que ya no es necesario
dibujar a mano los detalles uno a uno. De este
modo se ahorra tiempo y dinero en la producción.
La tecnología CGI también permite combinar las
animaciones generadas por ordenador con
tomas con actores y actrices humanos. Así se
logra, por ejemplo, introducir monstruos ficticios
en escenarios reales con facilidad. También se
pueden crear mediante CGI las escenas que
costaría mucho esfuerzo y dinero rodar en el
mundo físico, como las grandes batallas o
explosiones que derrumban edificios enteros. Una
de las ventajas de la tecnología CGI es que
permite crear animaciones tridimensionales que
parecen aún más reales.
Al igual que las animaciones vectoriales 2D, las
animaciones CGI no se limitan al sector del cine,
sino que se emplean en muchos otros ámbitos,
como la ciencia, la industria, la arquitectura, la
medicina o el marketing.
Las técnicas de CGI permiten crear en el ordenador escenas totalmente ficticias o difíciles de rodar en
la realidad.
5. Motion Graphics
Uno de los campos más novedosos del diseño
gráfico es la técnica conocida como Motion
Graphics, que consiste en la animación de
diversos elementos de diseño, como textos, logos,
diagramas o ilustraciones. Esta técnica se utiliza
sobre todo en marketing, por ejemplo, en
anuncios publicitarios, vídeos explicativos o en el
diseño de sitios web. Una de las características
distintivas de los motion graphics es que la
narrativa pierde relevancia (al contrario que en
una película). Lo más importante es dotar de
movimiento a formas u objetos estáticos. La
técnica de motion graphics se usa sobre todo
cuando se busca que las letras del logo de una
página web giren o que las gráficas de un
diagrama suban y bajen.
Principios de la animación: conceptos básicos
Rigging, tweening o morphing: cuando empiezas
en el campo de la animación, es fácil que te
sobrepasen los conceptos técnicos. Esperamos
que la siguiente lista te sirva de guía:
Rigging: técnica que consiste en crear el
esqueleto de un personaje o un objeto en 2D o
en 3D (que se denomina rig), que contiene
todas las funciones importantes para el
control de las secuencias de movimiento. En
animación digital se suele emplear con los
personajes que se van a mover.
Fotogramas por segundo: la velocidad a la
que se reproducen las imágenes individuales
(fotogramas). Normalmente se indica en
fotogramas por segundo (fps). Una velocidad
de 24 fps indica que cada segundo de una
animación contiene 24 imágenes o
fotogramas.
Fotograma clave: una única imagen que
define el inicio o el final de un movimiento. El
equipo de animación determinará los
fotogramas clave en función de los rigs. El
software calcula todas las secuencias de
movimiento entre el punto de partida y el
punto final (los movimientos intermedios).
Tweening/Inbetweening: proceso en el que se
crean las imágenes intermedias entre dos
fotogramas clave para generar la ilusión de un
movimiento fluido. En el caso de las
animaciones CGI, es el software el que crea las
imágenes.
Método de acción directa: técnica de
animación en la que el equipo dibuja no solo
los fotogramas clave, sino todos los
fotogramas individuales de una secuencia de
movimiento.
Twinning: significa que ambas mitades de un
cuerpo se mueven de forma totalmente
simétrica. Queda poco natural y es algo que se
suele evitar en la animación de personajes si
se busca un resultado más similar a los
humanos.
Morphing: técnica de animación en la que una
imagen se transforma en otra poco a poco. Su
uso predomina en las películas de ciencia
ficción, terror y fantasía.
Composición: Proceso mediante el que se
añaden uno o más elementos y efectos a una
escena durante la posproducción.
Storyboard: también llamado guion gráfico, es
la visualización del concepto o del guion. Se
utiliza para planificar las tomas individuales
durante la producción.
Un storyboard animado se conoce como
animatic.
Guion de colores: documento de trabajo en el
que se establecen las combinaciones de
colores y su relación con los aspectos
emocionales de la historia y con puntos
narrativos clave.
Graduación del color: proceso mediante el
que se ajustan los colores y los niveles de
iluminación para crear atmósferas
determinadas. La graduación del color
también se usa para garantizar la uniformidad
del color entre diferentes tomas.
Superposición: texto e imágenes que se
colocan sobre una animación. Pueden ser
títulos, subtítulos o marcas de agua.
Rotoscopia: se trata de una técnica de
animación más antigua, en la que los
animadores se servían de secuencias de
películas proyectadas sobre una placa de
vidrio fotograma a fotograma. Hoy en día,
este proceso se hace por ordenador
(normalmente mediante programas basados
en vectores), pero se sigue utilizando el
nombre de toda la vida.
Con los programas de animación modernos puedes ajustar innumerables parámetros distintos de tu
animación digital.
¿Qué programas de animación existen?
¿Te han entrado ganas de poner en práctica tu
creatividad? Tanto si te apetece probar con CGI
como si quieres probar con la plastimación, si
buscas insuflar vida a tus personajes, necesitarás
el software adecuado. Adobe te ofrece varios
programas que cubren todo tipo de estilos de
animación.
Adobe After Effects
Cambiar el tiempo meteorológico en una escena a
posteriori, hacer que las letras de un sitio web se
muevan o animar ilustraciones: After Effects es la
elección ideal para motion
graphics, posproducción y efectos especiales.
Este software te ayudará a eliminar los objetos
que te estorben en tus vídeos en tan solo unos
clics, o a añadir todo tipo de elementos dinámicos
como la luz del sol o la niebla. También puedes
enviar a After Effects los personajes o escenas que
hayas creado con Character Animator para
añadirles los efectos que quieras.
Adobe Animate
La versatilidad de las herramientas de ilustración
y animación de Adobe Animate son perfectas para
crear animaciones convincentes en 2D y 3D para
sitios web, televisión y videojuegos. Puedes
utilizar la característica de rigging para crear
personajes realistas y la animación fotograma a
fotograma para que parpadeen, guiñen el ojo o
caminen.
Incluso sin conocimientos previos, Animate te
permitirá crear tus primeras animaciones
rápidamente: el amplio catálogo de tutoriales te
explica paso a paso los conceptos básicos y así
tendrás más fácil producir tus primeras obras.
Además, en el área de «Recursos» encontrarás una
gran cantidad de fondos, personajes y elementos
ya creados y disponibles de forma gratuita que
podrás usar en tus animaciones para ahorrarte
trabajo.
Adobe Character Animator
¿Quieres que tus figuras virtuales parezcan aún
mucho más humanas? Adobe Character
Animator te permite capturar movimientos del
cuerpo, mímica y gestos en tiempo real
mediante webcam y tecnología de captura del
movimiento para añadirlos a tus avatares
digitales. Para ello, solo tienes que efectuar los
movimientos que quieres delante de la cámara y
el personaje del programa los imitará
automáticamente.
Con Character Animator también puedes ponerle
voz a tu avatar digital si te grabas con el
micrófono. Gracias a la función de sincronización
de labios los movimientos de la boca se
transmitirán al personaje, para que la forma de
hablar quede lo más auténtica posible.
Adobe Premiere Pro y Adobe Photoshop.
¿Lo tuyo es el stop motion? En ese caso, estás
buscando Premiere Pro, el programa que te
permitirá componer tus imágenes para crear tu
película animada. La creación de nuevas
secuencias, la edición y la animación van de la
mano. Si también quieres añadir sonido y música
a tu película de stop motion, Premiere Pro te
ofrece todo lo que necesitas. Alternativamente,
con Adobe Photoshop también podrás crear una
animación stop motion a partir de una serie de
imágenes en pocos pasos.
¿Cómo se hace una animación?
Todas las animaciones se crean a partir de
patrones similares. Que el trabajo se haga desde
un estudio, como profesional independiente o
como afición es lo de menos. Si eres principiante,
lo fundamental es que te prepares
exhaustivamente. Sigue siempre estos pasos:
1. Traza un argumento: todas las animaciones deben contar una historia, da igual
su duran diez segundos o dos horas. Piénsate bien el argumento antes de
empezar a trabajar. Este paso es importante, porque tu trabajo será mucho más
eficiente si tienes un concepto claro.
2. Crea un guion: si ya has bosquejado la situación, puedes desarrollar un diálogo,
es decir, un guion que recoja todos los puntos importantes de la historia de
forma cronológica. Hacerlo te ayudará a detectar lagunas en el argumento.
3. Elabora un storyboard: es imprescindible crear el storyboard, ya que te
permitirá planificar el ritmo, las escenas más importantes y el aspecto de tu
película. Para obtener un estilo uniforme, en este momento también puedes
diseñar el arte conceptual. También es posible añadir las imágenes individuales
de tu storyboard a un vídeo breve (denominado animatic) para tener una
visualización animada del argumento. Así también te harás una primera
impresión de cómo va a quedar tu trabajo y podrás comprobar si el ritmo y la
composición están en armonía.
Un storyboard recorre los hitos principales de la secuencia de la animación y te permite obtener una
primera impresión de la composición.
Crear una animación: consejos para principiantes
Una vez hayas terminado la fase de planificación,
habrá llegado el momento de animar tus
personajes y objetos. Si aún no tienes claro cómo
hacerlo, busca primero un vídeo a modo de
referencia para poder analizar los movimientos.
Después podrás empezar a diseñar los rigs y los
fotogramas clave con las fases centrales de las
secuencias de movimiento en tu programa de
software.
Un hilo conductor que te ayudará a desarrollar
figuras individuales que sean lo más realistas
posible son los 12 principios de la animación,
definidos en 1981 por Ollie Johnston y Frank
Thomas, dos animadores de Disney. Estos son los
factores más importantes que debes tener en
cuenta:
El volumen y el material influyen en el
comportamiento de los objetos en función de
las situaciones: Si, por ejemplo, se estira una
bola de chicle en vertical, el ancho debe
estrecharse en el plano horizontal.
Si los personajes se tienen que mover
siguiendo las leyes de la física, ten en cuenta
que las partes del cuerpo no se mueven todas
a la misma velocidad. Por ejemplo, si una
persona se detiene con un movimiento
brusco, es posible que los brazos aún oscilen
un poco.
Lo normal es que los objetos vayan
acelerando poco a poco al empezar a moverse
y se ralenticen cuando vayan a parar. Para
representar esto en la animación, es necesario
crear más imágenes al principio y al final de
una secuencia de acciones.
Al final del proceso de animación puedes añadir
efectos especiales en la fase de posproducción,
así como las correcciones necesarias para que los
colores queden uniformes y consistentes. Por lo
general, la edición del sonido también tendrá
lugar durante esta última fase. Con la música, los
efectos de sonido y los diálogos, habrás creado
una animación completa. Encontrarás más
consejos y sugerencias en nuestro artículo "La
producción de vídeos animados".
Preguntas frecuentes
¿Qué tipos de animación existen?
La mayoría de las técnicas de animación se
pueden clasificar en cinco categorías: En el caso
de la animación tradicional (1), los fotogramas se
dibujan uno a uno a mano sobre láminas
especiales y después se filman. En el caso de la
animación 2D (2), el equipo de animación crea
imágenes vectoriales en movimiento mediante
programas informáticos específicos. Si el software
crea la mayor parte de las secuencias de
movimiento, se habla de animaciones CGI (3).
Otra posibilidad es la animación stop motion (4).
En este caso, se toman fotografías de los objetos
en posiciones distintas y luego se montan por
orden. Por último, motion graphics (5) designa la
animación de distintos elementos de diseño,
como títulos o logos.
¿Los dibujos animados son lo mismo que la animación?
Los dibujos animados son una de las formas de
animación que existen. Hasta la década de los 90,
se empleaba la técnica de la animación
tradicional o en celuloide, en la que hace falta
secuenciar miles de imágenes dibujadas a mano.
Dos ejemplos muy conocidos son Bambi y El libro
de la selva. Hoy en día, las series y películas de
dibujos animados se hacen con ayuda de las
técnicas de CGI.
¿Cómo se hace una animación?
Una de las claves para crear una animación que
llame la atención es disponer del software
adecuado. Si lo que quieres es crear animaciones
en 2D o en 3D para un banner publicitario o un
videojuego, necesitas un programa como
Adobe Animate. Por el contrario, si prefieres
probar con la animación stop motion, puedes
secuenciar las imágenes en Adobe Photoshop o
Adobe Premiere Pro.
