"El arte es siempre la gran verdad de la naturaleza vista a
través del entendimiento humano"
Auguste Rodin
SINOPSIS DE LA PELICULA
La película narra con perspectiva histórica la vida de
Auguste Rodin (1840-1917) que a sus 42 años conoce a
Camille Claudel: una mujer joven y con mucho potencial
que está desesperada por convertirse en su ayudante. Él
rápidamente se da cuenta de ese potencial y la trata como
una igual en términos creativos y artísticos, consultando
sobre ciertas decisiones. Después de más de una década de
trabajo y de relación apasionada, Camille se separa de él.
Esa separación de la que nunca se recuperará y de la que
Rodin saldrá profundamente herido. La película también
muestra algunos momentos sobre los romances con
asistentes y modelos así como su larga relación con Rose
Beuret de la que concibe un hijo no reconocido. Además
de narrar sus búsquedas artísticas y experimentaciones en
la escultura.
El cineasta francés Jacques Doillon ("Ponette", "Le petit
criminel") escribe y dirige esta película biográfica sobre el famoso escultor francés, responsable
de algunas de las esculturas más reconocibles de la historia del arte contemporáneo como "El
Pensador", que se puede admirar en el Museo Rodin de París.
El prolífico actor Vincent Lindon ("Cruzando el límite", "La ley del mercado") es el encargado
de dar vida en la gran pantalla a Rodin, mientras que la parisina Izïa Higelin ("Un amor de
verano", "Samba") interpreta a la joven Camille.
SOBRE EL ARTISTA
El escultor más famoso de Francia, Auguste Rodin fue contemporáneo del Impresionismo y es
considerado «el padre de la escultura moderna». Con él se acabó eso de buscar la mimesis y
creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la escultura pública. Fue
criticado en su época por lo «inacabado» de muchas de sus obras, pero ese modelado
espontáneo y expresivo será, como sabemos, el futuro.
De formación neoclásica, Rodin bebió de artistas como Donatello o Miguel Ángel pero tenía un
espíritu experimentador y audaz, en el que destaca una radical innovación (algo que lo enmarca
de alguna forma en el movimiento romántico), por lo que vivió siempre envuelto en grandes
polémicas en torno a su obra.
Su obra abarca toda la gama de posibilidades
plásticas, de lo espontáneo al patetismo heroico.
Para él, el caos podía ser una herramienta eficaz
para plasmar sus intenciones. También estuvo
vinculado al impresionismo, tanto por amistades
como por el uso de la luz en sus obras.
Lo que quedó claro es que para el escultor, un
artista no debía ser un esclavo del modelo. En su
estudio-taller llamaba la atención ver a modelos
desnudos sin posar y a Rodin observándolos en su
libertad de movimientos y plasmándolos en su
totalidad. Quizás por ello su obra sea tan poco
rígida, tan viva y llena de matices.
Rodin trabajaba en yeso para criticar ese elitista
circuito del arte y a su única escultura oficial: en
mármol (blanco igual que el yeso, pero mucho más
costoso). Su escultura era rebelde, joven, novedosa
e irreverente.
También Rodin elaboró un modelado en barro
cocido, un boceto para trasladarlo luego al bronce, y llevó esta técnica a nuevas y emocionantes
soluciones llenas de frescura y de potencia simbólica que ponían fin a trescientos años de
academicismo.
Con sus dedos agilísimos, el francés fue un verdadero genio del barro, lo que significaba
mantenerse en el principio defendido desde el manierismo de que el dominio del escultor seguía
siendo el de la idea, esto es, el de la espontaneidad creativa y la originalidad en la invención, lo
que, en la práctica, se traducía en un método de trabajo donde la pieza terminada no tenía por
qué ser obra del artista que la había ideado, instaurándose así una forma “delegada” de creación.
Uno de los signos de identidad de Rodin es la textura erosionada de la “piel” de sus bronces,
cuya rugosidad en el acabado le da una áspera tosquedad, de primitivismo intencionado,
obtenida a través de una microestructura de pequeñas hondonadas, como ligeros
estremecimientos; de una profusión de perfiles encabalgados y roídos por contrastes de luz y
sombra.
Una vibración pictórica, casi impresionista, desvaloriza los contornos y proporciona a la forma
plástica un relampagueo rubensiano que anula la firmeza de la silueta y nos hurta la percepción
del bulto en cuanto tal. Es lo que Focillon bautizó como espacio-medio, para referirse al estilo
abierto, epidérmico e inseparable de los efectos atmosféricos y lumínicos que espejean sobre la
piel de la escultura.
CRONOLOGÍA DE LA ESCULTURA DE BELLAS ARTES
Escultura prehistórica
La escultura comienza en la Edad de Piedra. Los primeros ejemplos conocidos son las dos
primitivas efigies de piedra conocidas como La Venus de Berekhat Ram y La Venus de Tan-
Tan. La Venus de Berekhat Ram (data de aprox. De 230.000 AC o antes) es una figura basáltica
hecha durante el Período Acheuliano, que fue descubierta en los Altos del Golán. La Venus de
Tan-Tan (c.200. 000 AC o anterior) es una figura de cuarcita del mismo período.
Venus de Tan Tan
Si estos objetos son formas preesculturales, los primeros escultura prehistórica propiamente
dicho surgió alrededor de 35.000 a. C. en forma de tallas de animales, pájaros y figuras
triantrópicas, descubiertas en cuevas de el Jura de Suabia, Alemania. La escultura figurativa
más antigua es la talla de marfil conocido como el El hombre león de la escalera Hohlenstein.
El hombre león de Hohlestein
Escultura mesolítica (c.10.000-4.000 aC)
Arte mesolítico fue testigo de más bajorrelieves y esculturas independientes como las figuras
antropomórficas desenterradas en Nevali Cori y Gobekli Tepe, en el este de Turquía, y las
estatuas de Lepenski Vir en Serbia. También fue testigo de la creación de la Shigir Idol (7.500
aC), la talla de madera más antigua del mundo que se encuentra en Rusia. Podría decirse que la
mayor obra de arte mesolítica es la escultura de terracota de Rumania, conocido como El
Pensador de Cernavoda, una imagen inconfundible del pensamiento cognitivo.
El pensador de Cernavoda
Escultura neolítica (c. 4.000-2. 000 a. C.)
Se destaca sobre todo por su cerámica, pero también presenta esculturas independientes y
estatuillas de bronce, en particular de la civilización del valle del Indo, el Cáucaso del Norte y
arte precolombino en las Américas. La forma más espectacular del arte neolítico fue
Arquitectura de la pirámide egipcia cuyas cámaras funerarias llevaron a una mayor demanda de
varios tipos de relieves, así como estatuas y estatuillas portátiles. De hecho, el advenimiento de
la Edad del Bronce (en Europa: 3000-1200 a. C.), así como la aparición de ciudades y edificios
públicos, y el desarrollo de herramientas más sofisticadas, desencadenaron un aumento general
en la demanda de todo tipo de arte, incluyendo escultura. Fue durante esta época que el arte
comenzó a asumir un papel importante en reflejar las aspiraciones de los gobernantes poderosos
y las deidades que adoraban.
Escultura de la antigüedad clásica (c.1100-100 a. C.)
Debido al estancamiento cultural de la "Edad Media" griega (1100-900 a. C.) y del predominio
de la cerámica durante el período geométrico (900-700 a. C.), la escultura griega realmente no
apareció hasta el Daedalic o período de estilo oriental alrededor del 650 a. C. Posteriormente se
desarrolló de acuerdo con la cronología tradicional del arte griego durante antigüedad clásica ,
como sigue: Período Arcaico (c.650-500 AEC); Período clásico (c.500-323 a. C.); y período
helenístico (c.323-100 aC).
Escultura griega arcaica (c.600-500 aC)
El período arcaico fue una época de experimentación lenta
pero continua; la forma más preciada de Escultura griega
arcaica era el kouros (pl.kouroi), o hombre desnudo de pie.
Escultura griega clásica (c.500-323 a. C.)
Dividido en el Clásico Temprano Período, Alto clásico
Periodo y Clásico Tardío Período, este fue el punto
culminante de la creatividad griega. En las artes plásticas, a
escultores famosos les gusta Polykleitos (Siglo V a. C.),
Myron (Activo 480-444 a. C.) y Fidias (c.488-431 a.C)
alcanzó un nivel de realismo, desarrollado por artistas
posteriores como Callimachus, Skopas, Lisipo, Praxiteles y
Leochares, que permanecería sin igual hasta el
Renacimiento italiano.
Escultura griega helenística (c.323-27 a. C.)
Durante este período el realismo clásico fue reemplazado
por un mayor heroicismo y expresionismo. Obras famosas
de Escultura griega helenística incluyen: Galo moribundo
de Epigonus; la victoria alada de Samotracia; Laocoon y sus hijos por Hagesandrus,
Polydorus y Athenodorus, y la Venus de Milo.
Kouros, escultura griega arcaica
La escultura griega conservó su condición de la mejor de la historia. Incluso los romanos no
lograron superar su sentido de inferioridad frente al arte griego. La verdadera influencia de
Estatuas helenísticas y relieve, ocurrió entre 1600-1700 años después, cuando fue
"redescubierto" por artistas del Renacimiento temprano en Italia, después de lo cual formó la
piedra angular del arte europeo durante los siguientes cuatro siglos.
La escultura de arcilla más grande del mundo
Los Ejército de terracota que datan del 246-208 a. C.) son una gran colección de guerreros de
arcilla y caballos, fue esculpida en la provincia de Shaanxi, China, bajo las órdenes del
emperador Qin Shi Huangdi. Miles de figuras permanecen enterradas en el sitio.
Escultura romana
Hasta aproximadamente el año 27 a. C., a pesar de la influencia
de escultores etruscos anteriores, la Escultura romana era poco
realista y realista; a partir de entonces se volvió severamente
heroico y bastante mediocre. Fue diseñado sobre todo para
expresar la majestad y el poder del dominio romano, por lo tanto,
aparte de una serie de magníficos relieves históricos (por ejemplo,
el bajorrelieve en espiral de Columna de Trajano) y monumentos
raros (por ejemplo, el Ara Pacis Augustae), los escultores
romanos se emplearon en gran medida en la producción de bustos
de retratos de los emperadores y otros dignatarios.
Columna de Trajano en Roma
Escultura durante la Edad Media (c.500-800)
Como su nombre indica, este fue un momento oscuro y tranquilo para los escultores europeos.
La Iglesia era débil, los bárbaros eran fuertes y las ciudades estaban empobrecidas y sin cultura.
Hubo alguna actividad en Constantinopla y en los márgenes de Europa, por ejemplo en Irlanda,
donde (de 800 a 1100) la iglesia monástica comenzó a encargar una serie de cruces de piedra
independientes conocidas como Esculturas celtas de la alta cruz – decorado con escenas del
Evangelio y otros patrones de estilo celta – pero poco arte medieval fue creado en el continente.
Escultura románica temprana (carolingia-otoniana) (c.800-1050)
El renacimiento de escultura medieval comenzó con Carlomagno I, rey de los francos, que fue
coronado emperador del Sacro Imperio Romano en 800. El imperio carolingio se disolvió
bastante rápido, pero el patrocinio de las artes de Carlomagno fue un primer paso crucial en la
revitalización de la cultura europea, sobre todo porque muchos románicos y las iglesias góticas
se construyeron sobre los cimientos de la arquitectura carolingia. Los logros arquitectónicos de
Carlomagno fueron continuados por los emperadores del Sacro Imperio Romano Otto I, II y III,
en un estilo conocido como Ottoniano. Así que el arte de la escultura había regresado, aunque
en una escala modesta.
Escultura románica (c.1000-1200)
En el siglo XI, el expansionismo doctrinal llevó a las Cruzadas a liberar a Tierra Santa de las
garras del Islam. El éxito de los cruzados y su adquisición de Reliquias Sagradas
desencadenaron la construcción de nuevas iglesias y catedrales en toda Europa en el estilo
arquitectónico románico en toda regla, un estilo conocido en Gran Bretaña e Irlanda como
arquitectura "normanda". Esto a su vez condujo a una gran ola de comisiones para Escultura
románica y vidrieras. Así, finalmente, el arte de esculpir había vuelto. Y con esta nueva
demanda de arte plástico llegó el establecimiento de nuevos talleres de talla y modelado,
aprendizajes y reconocimiento para maestros artesanos. De hecho, en el siglo XII, los
principales escultores se hicieron muy solicitados por los abades, arzobispos y otros mecenas
seculares, por su contribución única al impacto visual de los edificios religiosos en
construcción.
Escultura gótica (c.1150-1300)
El programa de construcción de la Iglesia estimuló el desarrollo de nuevas técnicas
arquitectónicas. Estas técnicas se unieron a mediados del siglo XII en un estilo que los
arquitectos del Renacimiento llamaron "arquitectura gótica". Características del estilo románico
son: arcos redondeados, paredes masivamente gruesas y ventanas pequeñas, y fueron
reemplazadas por arcos apuntados, techos altos, paredes delgadas y enormes vidrieras. Esto
transformó completamente el interior de muchas catedrales en refugios inspiradores, la catedral
gótica tenía la intención de representar el Universo en miniatura, una pieza única de Arte
cristiano diseñado para transmitir un sentido del poder y la gloria de Dios y la naturaleza
racional ordenada de su plan mundano. Entre las casas más grandes de la escultura
arquitectónica gótica se encuentran las catedrales francesas de Notre Dame de Paris, Chartres,
Reims y Amiens; las catedrales alemanas de Colonia, Estrasburgo y Bamberg, y las iglesias
inglesas de Westminster Abbey y York Minste. Escultores góticos famosos: Nicola Pisano
(c.1206-1278), Giovanni Pisano (c.1250-1314), Arnolfo di Cambio (c.1240–1310), Giovanni di
Balduccio (c.1290–1339), Andrea Pisano (1295-1348), Filippo Calendario (pre-1315-1355),
Andre Beauneveu (c.1335-1400), Claus Sluter (c.1340-1406).
Notre Dame en París. Iglesia gótica.
Escultura renacentista italiana (c.1400-1600)
El Renacimiento italiano se inspiró en el "redescubrimiento" y la reverencia por las artes de la
antigüedad clásica, especialmente en el campo de la arquitectura y la escultura. También fue
coloreado por una fuerte creencia en el humanismo y la nobleza del hombre. Comenzó en
Florencia, inspirado por personas como el arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446), el
escultor Donatello (1386-1466), el pintor Tommaso Masaccio y el teórico Leon Battista Alberti
(1404-72), y financiado por Familia Medici. Luego se extendió a Roma, donde recibió el apoyo
de las ambiciones papales del Papa Sixto IV (1471-84), Papa Julio II (1503-13), papa León X
(1513-21) y papa Pablo III (1534-45) – y Venecia.
Escultores renacentistas fueron dominados por Miguel
Ángel (1475-1564), el escultor más grande del
Renacimiento italiano, y posiblemente de todos los
tiempos. Algunas de las tallas de mármol de Miguel
Ángel tienen una belleza y un pulido impecables, lo
que demuestra su dominio técnico absoluto. En el
campo del heroico desnudo masculino, él sigue siendo
el máximo exponente. Otros escultores importantes
del Alto Renacimiento incluyen el artista y el
arquitecto veneciano. Jacopo Sansovino (1486-1570)
y Baccio Bandinelli (1493-1560).
En el norte de Europa, el arte de la escultura fue
ejemplificado en particular por dos impresionantes
artesanos que llevaron el arte de esculpir en madera a
nuevas alturas: el escultor alemán de madera de tilo
Tilman Riemenschneider (1460-1531), conocido por
sus relieves y escultura de madera independiente; y el
tallador de madera Veit Stoss (1450-1533) conocido por sus delicados retablos.
El David de Miguel Ángel.
Escultura manierista (1530-1600)
Si la confianza y el orden del período del Alto Renacimiento se reflejaban en sus formas
idealizadas de escultura figurativa, la escultura manierista reflejaba el caos y la incertidumbre
de una Europa saqueada por la división religiosa y una Roma recientemente saqueada y ocupada
por mercenarios soldados franceses. Los escultores manieristas introdujeron una nueva
expresividad en sus obras, como lo demuestra la poderosa Violación de las Sabinas por
Giambologna (1529-1608) y Perseo (1545-54) por Benvenuto Cellini (1500-71). Los mejores
escultores manieristas franceses:Jean Goujon (c.1510-68), Germain Pilon (1529-1590)
Barthelemy Prieur (1536-1611) y Adriaen de Vries (1560-1626).
Escultura barroca (c.1600-1700)
Durante el siglo XVI y en respuesta a la Reforma Protestante, la Iglesia Católica Romana lanzó
su propia Contrarreforma. Esta campaña de propaganda, diseñada para persuadir a los fieles a
regresar a la Iglesia "verdadera", empleó toda la panoplia de las artes visuales, incluida la
arquitectura, la escultura y la pintura, y se asoció con un lenguaje más grandioso y dramático
conocido como arte barroco.
Incluso la Plaza de San Pedro en Roma, fue remodelada para asombrar a los visitantes. El genio
arquitecto/escultor Bernini (1598-1680) diseñó una serie de columnatas que conducían a la
catedral, lo que dio la impresión a los visitantes de que estaban siendo abrazados por los brazos
de la Iglesia Católica.
Bernini fue el más grande de todos Escultores barrocos. Después de trabajar para el cardenal
Scipione Borghese, se convirtió en el principal escultor del papa Urbano VIII. La contribución
única de Bernini fue crear sensacionales obras maestras ilusionistas (por ejemplo, representando
un momento en el tiempo), de una manera hasta ahora solo lograda por pintores. Era como si
tratara los materiales de escultura relativamente intratables como si fueran completamente
maleables. Su técnica escultórica y su composición fueron tan impresionantes que atrajo no
poco las críticas de sus rivales envidiosos.
Su principal rival era Alessandro Algardi (1598-1654), el escultor favorito del Papa Inocencio
X. Si Bernini personificaba el naturalismo dramático griego, el estilo de Algardi era más. Otro
rival fue el escultor flamenco: Francois Duquesnoy (1594-1643) cuyo estilo era completamente
clásico. La escultura barroca francesa fue ejemplificada por Francois Girardon (1628-1715), una
especie de Algardi francés, y su rival Antoine Coysevox (1640-1720) cuyo estilo más relajado
todavía estaba relativamente restringido en comparación con Bernini, y Pierre Puget (1620-94),
quien fue uno de los pocos escultores que recuperó la
inmediatez de la mejor obra de Bernini.
Escultura rococó (1.700-1.789)
Básicamente fue una reacción francesa contra la seriedad
del barroco, el Arte rococó comenzó en la corte francesa
en el Palacio de Versalles antes de extenderse por toda
Europa. Si la escultura barroca era dramática y seria, el
rococó era todo un lujo y ninguna sustancia, aunque en
realidad no era un estilo tan diferente del barroco, sino
más bien una variación del estilo llevado a cabo por
Bernini y sus contemporáneos. Aun así, se puede hablar de las cualidades rococó en una obra de
escultura: informalidad, alegría, una preocupación por los asuntos del corazón y una evitación
consciente de la seriedad.
El rococó decadente y caprichoso fue arrastrado por la Revolución Francesa que introdujo el
nuevo estilo más severo del neoclasicismo.
Escultura rococó
Escultura Neoclásica (Florecida 1790-1830)
El arte neoclásico, básicamente arte griego con un toque moderno, estaba dominado por la
Arquitectura neoclásica . Los edificios neoclásicos incluyen el Panteón (París), el Arco del
Triunfo (París), la Puerta de Brandenburgo (Berlín) y el Capitolio de los Estados Unidos. La
Escultura neoclásica implicó un énfasis en las virtudes del heroicismo, el deber y la seriedad.
Escultura del siglo XIX
En muchos sentidos, el siglo XIX fue una época de crisis para la escultura. En términos simples,
el desarrollo arquitectónico se había agotado en gran medida, el patrocinio religioso había
disminuido como resultado de la Revolución Francesa, y el clima general del "populismo"
comenzó a causar mucha confusión en las mentes de los patrocinadores institucionales y
privados sobre lo que constituía aceptable. Los escultores a menudo se encontraban a merced de
la opinión pública en forma de consejos y comités municipales.
Algunos escultores del siglo XIX fueron: el versátil James Pradier (1790-1852), los románticos
Francois Rude (1784-1855), David d’Angers (1788-1856), Antoine-Louis Barye (1796-1875) y
Auguste Preault (1809-79), y la escultora
neorrenacentista florentina Felicie de St Fauveau
(1799-1886). Uno de los artistas más talentosos fue
el alegre Jean-Baptiste Carpeaux (1827-75), cuya
sensualidad fue adaptada a las demandas de los
escultores decorativos de la década de 1860 por
Ernest Carrier-Belleuse (1824-87), uno de sus
alumnos era un escultor desconocido llamado
Auguste Rodin. Jules Dalou (1838-1902) fue un
seguidor más contemplativo y serio de Carpeaux.
Entre los clasicistas del siglo XIX, las figuras
principales incluyeron a John Gibson (1791-1866), el
talentoso pero frustrado Alfred Stevens (1817-75), el
versátil George Frederick Watts (1817-1904), y los
poderes estadounidenses Hiram (1805-73).
Tampoco debemos olvidar al imaginativo escultor
francés: Auguste Bartholdi (1834-1904) –conocido
como el creador de la Estatua de la Libertad.
También el gran escultor monumental estadounidense Daniel Chester francés (1850-1931),
conocido por la figura sentada de Lincoln en el Lincoln Memorial en Washington DC.
El pensador, la obra más famosa de Rodin
Escultura del siglo XX: el advenimiento del modernismo
Con una escultura menos capaz de reflejar las nuevas tendencias de arte Moderno durante el
siglo XIX, dejando a artistas como Auguste Rodin (1840-1917) libres para perseguir un
monumentalismo derivado esencialmente de la ideología renacentista, y otros para celebrar los
valores victorianos en forma de figuras patrióticas e históricas, ejecutadas de la misma manera
que en tiempos antiguos, no fue hasta la aparición de lo moderno que esa escultura realmente
comenzó a cambiar.
Las primeras décadas del siglo XX vieron obras de arte como el revolucionario movimiento
cubista, inventado por Pablo Picasso (1881-1973) y Georges Braque (1882-1963) que destruyó
muchos de los sagrados cánones del arte tradicional y desencadenó una ola de experimentación
tanto en pintura como en escultura. Este último fue redefinido significativamente por una serie
de escultores como Marcel Duchamp (1887-1968), Jacques Lipchitz (1891-1973), y Alexander
Archipenko (1887-1964). El representacionalismo fue rechazado a favor de nuevas expresiones
abstractas de espacio y movimiento, a menudo utilizando materiales no tradicionales nunca
antes utilizados en escultura.
A raíz del cubismo, La Gran Guerra (1914-18) y la Revolución Bolchevique de 1917 tuvieron
un gran impacto adicional en los artistas de toda Europa, como lo demuestran los influyentes
movimientos iconoclastas del Dada y el constructivismo. Los escultores se unieron a los
pintores para producir obras de arte que reflejan nuevos íconos como la máquina, así como
nuevas ideologías de diseño y la forma.
La década de 1920 en París vio la aparición del surrealismo, buscó un nuevo "superrealismo" en
un estilo que abarcaba tanto la abstracción como el naturalismo. Entre los artistas surrealistas
famosos se incluyen: Salvador Dali (1904-89), quien produjo su sofá surrealista Mae West Lips
Sofa and Lobster Telephone; Meret Oppenheim (1913-85) quien creó el Desayuno Furry; y FE
Desayuno con pieles de Meret Oppenheim
McWilliam (1909-1992) que produjo Eyes, Nose and Cheek . Otros escultores modernos como
Jean Arp (1886-1966) así como Henry Moore (1898-1986) y Barbara Hepworth (1903-75),
líderes de la escultura británica moderna , estaban experimentando con nuevas formas de
abstracción biomórfica / orgánica, mientras que los estadounidenses Alexander Calder (1898-
1976) fue pionero de la escultura móvil y arte cinético y David Smith (1906-65) estaba
desarrollando una escultura abstracta de metal. Muchos escultores desarrollaron su estilo a
medida que avanzaba el siglo: Alberto Giacometti (1901-66), por ejemplo, comenzó en modo
surrealista durante las décadas de 1920 y 1930 antes de perfeccionar sus obras figurativas semi-
abstractas únicas. Ver también el artista modernista británico-estadounidense. Jacob Epstein
(1880-1959), cuyas audaces obras figurativas resultaron muy controvertidas.
