Como se insertó la arquitectura moderna en Latinoamérica, plantear el panorama de producción y
situaciones importantes en México y Brasil en el periodo 20-40.
la arquitectura moderna en Latinoamérica se encuadra como un caso particular: entendemos la originalidad
de estas producciones en la adaptación de ideas europeas con un importante grado de re-elaboración, que
se comprende analizando el contexto de producción y los vínculos con las vanguardias artísticas en los
diferentes países latinoamericanos, se reciben y re-interpretan en ambientes culturales muy diversos.
Lo que se definió como arquitectura moderna tuvo en Iberoamérica diversas interpretaciones; estas
abarcaron desde el Art Decó, el racionalismo, y el funcionalismo, hasta los diversos intentos de lograr una
arquitectura nacional, con sus variantes de neoindigenista y neocolonial.
Esto fue pronto superado ante la aparición de una tendencia aún más radical, el racionalismo, que, aunque
se adoptó en todos los países de Iberoamérica, en los casos de México y el de Brasil cobró una especial
significación debido a que se constituyó como un movimiento de vanguardia, que transformó en poco
tiempo la práctica vigente.
Luego de 30 años de dictadura bajo el mando de Porfirio Diaz, y la llegada de la Revolución
Mexicana en 1910, el país necesitaba una nueva imagen, una imagen de progreso.
La imperiosa necesidad de reconstrucción del país reforzaba la idea de la inmigración como un
valioso recurso de crecimiento y modernización, entendida como crecimiento poblacional y económico. Los
postulados de la arq. funcionalista se ganan el gusto y apoyo del gobierno. Quien introduce esta
arquitectura bajo la influencia de Le Corbusier es Juan O’Gorman.
Una de sus primeras obras, su casa-estudio, marcó la arquitectura moderna en México,
considerándose la primera obra funcionalista en América Latina. O’Gorman daba solución a las necesidades
estudiando las funciones y aprovechando los recursos económicos, tecnológicos y socioculturales. Sus obras
en gran parte eran viviendas para personalidades relevantes de la cultura mexicana como la casa de Diego
Rivera y Frida Kahlo y conjuntamente dirigió proyectos de gran cantidad de escuelas. En sus obras también
aplica los criterios del movimiento muralista, determinante en su formación artística.
En 1924, Villagrán García se hace cargo de impartir la cátedra de Teoría de la Arquitectura en la Escuela de
Arquitectura donde establece una serie de principios metodológicos con el propósito de acceder a un tipo
arquitectónico consecuente tanto con la tecnología constructiva moderna, como con los valores expresivos
derivados del propio edificio, más que de la reproducción de los estilos históricos. Destaca su obra de los
pabellones del Instituto de Higiene, que tuvieron históricamente el valor de ser muestra tangible de una
nueva doctrina teórica y de un hito plástico que abrió otras alternativas arquitectónicas en el país.
Destaca también la figura de Carlos Obregon Santacilia cuyas obras se caracterizan por el uso subyacente de
los esquemas compositivos académicos, y la constante asimilación de las tendencias arquitectónicas que va
señalando la vanguardia internacional en cada momento. Obras como el Edificio Santacilia y El conjunto de
la Secretaría de Salubridad y Asistencia en 1926 será sin duda la obra más importante ejecutada por
Obregón Santacilia en ella vuelve al esquema simétrico propio del academicismo, proponiendo también la
integración de obras escultórica, pictóricas y vitrales a cargo de Diego Rivera.
Por otro lado, la revolución de Getulio Vargas en 1930 producirá un vuelco radical en la historia de Brasil. En
las dos etapas de su gobierno, la arquitectura asumió una significativa importancia debido a la proliferación
de obras sociales. Los arquitectos jóvenes tendrán así la oportunidad de participar de significativas obras
públicas concentradas mayormente en Río. Destacan las figuras de Lucio Costa que junto a Warchavchik,
arquitecto racionalista ruso radicado en Brasil, realizaron varias residencias.
En 1935 Costa recibe el encargo de proyectar la sede del Ministerio de Educación y Salud, y forma equipo
con jóvenes de la vanguardia carioca; Alfonso Reidy, Oscar Niemeyer, Burle Marx entre otros. Sumado a la
participación de LC, en 1936, se produce una creativa síntesis en la que por primera vez se establece una
articulación entre los canónicos cinco puntos y los elementos representativos de la cultura estética local (las
formas sinuosas, los revestimientos de azulejos, la transparencia y monumentalidad de Niemeyer, muro
cortina, los brise soleils).
Desarrollar las utopías tecnológicas ( archigram, metabolismo, Fuller, Friedman)
En las décadas de los 50 y 60 existe una idea de progreso, y de cómo a partir de la apoyatura en la
tecnología se pueden resolver toda una serie de problemas que está contemplando la sociedad en general
de este momento.Los hechos de estos años como las revoluciones, los grandes movimientos pacifistas y
antimilitaristas, el movimiento hippie, las nuevas corrientes como el Pop Art; el Arte Óptico, el
Hiperrealismo, entre otras, junto con la carrera aeroespacial, marcan de forma muy directa a este
momento en cuanto a la imaginación y la creatividad de muchos de los diseñadores, que van a estar
desarrollando nuevas posturas, objetos y piezas arquitectónicas.
YONA FRIEDMAN En 1958 publica el manifiesto L'Architecture Mobile, que constituye el documento
fundacional del "Groupe d'étude d'architecture mobile (GEAM)". La Ville Spatiale es el concepto central de
la obra de Friedman. El proyecto consiste en una megaestructura a modo de rejilla elevada que contiene los
conductos principales y los pasillos de la zona (calles), dentro de los cuales se encuentran las casas
unifamiliares, en las que se insertan los principios que aseguran la luz natural, el aislamiento, y la
accesibilidad. El terreno bajo la Ciudad Espacial permanece prácticamente intacto. No niega la ciudad
existente, sino que ambas coexisten e interactúan. (vanguardias técnicas)
ARCHIGRAM:Un grupo de estudiantes conforman Archigram inspirándose en la tecnología con el fin de
crear una nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos arquitectónicos
hipotéticos.Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en el trabajo de los arquitectos Buckminster
Fuller y Antonio Sant’Elia con su Manifiesto de la arquitectura futurista. La arquitectura quedaba muy atrás
de la industria, Se pretendía establecer el consumismo en la arquitectura. proyectos como las Plug – in –
City (Peter Cook) Ciudad enchufable. Este proyecto contiene unidades residenciales modulares que se
"conectan" a una máquina central de mega infraestructura.Instant City (Jhoana Mayer) . Se proponía
transportar y recrear las posibilidades culturales de las grandes ciudades en áreas periféricas, de manera
itinerante.Walking Cities (Ron Herron)Ciudades en movimiento, con pies telescópicos capaces de moverse
sobre el agua.
METABOLISMO JAPONÉS :Grupo de arquitectos japoneses, con Kenzo Tange como su fundador.
Este movimiento arquitectónico se originó a partir de la necesidad de reconstruir varias ciudades desde cero
después de la devastación que causó la Segunda Guerra Mundial en Japón. La arquitectura metabolista se
caracterizaba por tener una infraestructura similar a una molécula o columna vertebral. Esta estructura
funcionaba como un eje, al cual se podían unir cápsulas o módulos prefabricados y reemplazables.
la Marine City (1958) propone un sistema de crecimiento de la ciudad inspirado en la reproducción celular
por bipartición. Compuesta por una “ciudad madre” y otras ciudades más pequeñas, donde todas quedan
conectadas por grandes puentes. El Plan para la Bahía de Tokio (1960)Es seguramente la obra más
importante de Kenzo Tange. El proyecto se pensó tanto para dar solución al problema de la alta densidad
demográfica en Tokyo cómo para responder a su vez al desarrollo futuro con un crecimiento progresivo.Los
objetivos de este planteamiento son pasar de un sistema radial centrípeto a un sistema de desarrollo lineal,
arbitrar los medios para unificar orgánicamente la estructura de la ciudad, el sistema de transporte y la
arquitectura urbana, y elaborar un nuevo ordenamiento espacial urbano reflejando la organización abierta y
la movilidad espontánea de la sociedad actual. La Ciudad del Aire (1962) para un barrio en Tokio, Japón. Un
proyecto de cápsulas suspendidas en el aire sobre megaestructuras cilíndricas y modulares.
Con la excepción de la “CASA DEL CIELO” de Kikutake y la TORRE NAGAKIN, de cápsulas para solteros,
construida por Kurokawa en Ginza, Tokio, muy pocos conceptos metabolistas se hicieron realidad.
terminarlos con la exposiciones una como que esta en pie en el predio y en osaka ya se ve la perdida de la
ideología de los metabolistas.
Las nuevas miradas sobre la tecnología permiten entender este tipo de propuestas,utopías porque
por su escala, por su dimensión, por lo que proponen son irrealizables pero que se apoyan en la posibilidad
de utilizar todo el conocimiento y el insumo tecnológico de la época para dar respuesta a distintos tipos de
necesidades y cuestiones que van a estar apareciendo en diferentes contextos y con diferentes intereses.
neoproductivismo/neorracionalismo/contextualismo corrientes de posmodernismo
Neoproductivismo: trabaja en la arquitectura como un producto de diseño industrial solo que, de escala
gigantesca, diseñan un edificio, pero los criterios son los mismos, los criterios de perfección, de ajuste, de
tratamiento, encastre de los materiales, terminaciones, etc. La preocupación central es el objeto.Los
preceptos del Neoproductivismo:
-El cometido del edificio debería alojarse en una nave o hangar sin decoración.
-Esta construcción debería quedar tan abierta y flexible como sea posible.
-La adaptabilidad debería mantenerse mediante la inclusión de una red homogénea e integrada de
instalaciones.
-La necesidad de articular y expresar tanto la estructura como las instalaciones.
-La obra debe ser la manifestación sin trabas de la producción misma, es decir la expresión de todas las
partes componentes como Produktionformen. (manifestar como esta realizada)
-Compañía de seguros Willis Faber & Dumas, construido en Ipswich, Inglaterra, Foster Associates. Norman
Foster cita precisamente esas Produktionformen como antecedentes de su obra, enumerando por ejemplo
el Crystal Palace de Paxton, la casa de Charles y Ray Eames -construida en 1949 a base de componentes 'de
catálogo' en Santa Mónica, California-, la Escuela de Artillería Naval (1954) de SOM en Great Lakes, Illinois.
Otra obra ejemplar sería el Centro Sainsbury de artes visuales, universidad East Anglia en Norwich, Reino
Unido 1974 Norman Foster and Partners. Desarrolla plenamente el concepto de hangar. También podemos
mencionar obras de KEVIN ROCHE con el Edificio de la Fundación Ford, Nueva York, 1968, CÉSAR PELLI con
el Pacific Design Center en Hollywood, California 1971 (centro pompidou) importancia a la piel o
estructura.
Neorracionalismo: Frente a un clima de continuidad a las críticas del movimiento moderno, esta corriente
reflexiona sobre los valores, formas y producciones esenciales de la arquitectura moderna de 1919-1945. Se
vuelve hacia las enseñanzas y claves de los grandes maestros, ya sea por una relación directa de discípulo o
bien por el estudio de la obra de los mismos.
Las propuestas del neorracionalismo parten de los conceptos de Rogers: las preexistencias
ambientales, papel crucial de la historia, discusión sobre la tradición, idea de monumento, responsabilidad
artística, así como el deber de continuar las enseñanzas de los maestros del Movimiento Moderno. Es una
generación que considera la crítica y la historia como elementos de proyectación, que entienden la
arquitectura como un proceso de conocimiento, sin separar teoría y realidad.
Aquellas de las propuestas que alcanza mayor influencia será la de Aldo Rossi con el movimiento
italiano “tendenza”, por su rigor e interés de sus escritos y el atractivo de su personal lenguaje
arquitectónico. Destacan las obras como la Unidad residencial Gallaratese en Milan, el Cementerio de San
Cataldo, en Modena y el Teatro del mundo en Venecia.
El neorracionalismo no ejerció mucha influencia en la evolución de la arquitectura en los Estados Unidos. En
parte esto puede atribuirse a su falta de relevancia para la ciudad norteamericana, que en ningún caso tiene
la misma complejidad tipológica y morfológica que la ciudad tradicional europea. En la segunda mitad de los
años 60 se hizo un intento de desarrollar una producción teórica y artística tan rigurosa como la lograda por
la vanguardia europea antes de la guerra. Este esfuerzo cristalizó en torno a la obra de los llamados “FIVE
ARCHITECTS”, un grupo de cinco arquitectos radicados en Nueva York bajo la dirección de Peter Eisenman.
Obras como la casa de Peter Eisenman lll o VI y de Richard Meier. Casa Smith. Esta agrupación no estaba
tanto confirmada por la ideología o la afirmación hacia una arquitectura con contenido teórico profundo
sino que aquí tenían una postura más de carácter formal y experimental.
meier a le corbusier directamente y eisenman a terragni
Contextualismo: El desarrollo de esta línea es en gran parte de origen norteamericano. Críticos como Colin
Rowe y destacando a Robert Venturi plantean en los escritos lo que podríamos llamar la crítica semiológica
de los 60. Todos ellos insisten en que la arquitectura se ha vuelto incapaz de transmitir significados y
valores simbólicos. Donde el Movimiento Moderno había planteado una fuerte traslación semántica; utilizar
el lenguaje funcionalista de fábricas, oficinas y hospitales para resolver la forma de todo tipo de
arquitectura perdiendo la identidad cultural. Su propuesta se basa en plantear a la arquitectura como un
sistema comunicativo: pensar el rol de la semiótica y los signos en esa comunicación. Esto es realizar un
edificio que transmita claramente qué tipo de edificio es, qué tipo de vinculación tiene con el usuario y que
no trate de apelar a una operación intelectual abstracta o formal sin poder vincularse con su contexto con el
local. podemos mencionar la obra de Charles Moore, de la Piazza d’Italia, Nueva Orleans, 1975-1979, no
porque esté siguiendo los parámetros de Robert Venturi sino porque su propia forma y a partir de las ideas
que va a desarrollar los historiadores lo vinculan más con esta corriente que con otras de la posmodernidad.
En esta obra se adoptan caracteres populares y elementos clásicos. Existe una complejidad Lingüística:
Historicismo + Eclecticismo + Barroco + pop (neón)
La Bauhaus
La Bauhaus no se crea sobre la nada, existía ya una escuela artes y oficios, formada dentro de ese espíritu
renovador de Alemania que quería modificar la enseñanza de las artes decorativas por la influencia de los
ingleses de William Morris. Se había puesto en marcha pues una serie de escuelas importantes entre ellas
una en Weimar que se encomendó a Henry Van de Velde. (Belga) y dirigió la misma. Declarada la guerra
Van de Velde deja el país y la escuela queda en la dirección de Walter Gropius es un arquitecto alemán que
había ya servido como voluntario en el ejército.
Gropius propugnaba una formación en el campo del diseño a base de talleres tanto para los diseñadores
como para los artesanos. En 1919 Gropius se convirtió en director de una institución mixta, compuesta por
la Academia de Arte y la escuela de artes y oficios. Una solución que iba a dividir conceptualmente la
Bauhaus a lo largo de su existencia.
Los principios del programa de la Bauhaus en 1919 habían sido anticipados en el programa arquitectónico
de Bruno Taut para el Arbeitsrat für kunst. Taut afirmaba que solo se podría alcanzar una nueva unidad
cultural por medio de un nuevo arte de construir, en el cual cada una de las disciplinas contribuía a la forma
final.
Durante los primeros años la Bauhaus estuvo dominada por el pintor y profesor suizo Johannes Itten. Los
objetivos de su curso preparatorio, obligatorio para todos los alumnos de primer año, consistían en liberar
la creatividad individual y permitir a cada estudiante valorar su propia capacidad personal.
La división entre Gropius e Itten se exacerbó con la aparición en Weimar de el artista holandés Theo van
Doesburg, del movimiento De Stijl, que se instaló en 1921; y el pintor ruso Vasilí Kandinsky, que se
incorporó a la Bauhaus, por instigación de Itten, en 1922. Mientras que el primero postula una estética
racional y anti individualista, el segundo enseñaba un enfoque emotivo, y místico, del arte. De Stijl atrajo
enseguida a muchos estudiantes de la Bauhaus. Sus enseñanzas no solo tuvieron un impacto inmediato en
la producción de los talleres, sino que también en los preceptos abiertos del programa original de la
Bauhaus.
Ese año, la crítica situación socioeconómica llevó a Gropius a modificar la orientación artesanal del
programa original.Esta argumentación en favor de la reconciliación del diseño artesanal y la producción
industrial provocó la dimisión de ltten. Su puesto fue ocupado por Laszló Moholy-Nagy, un artista húngaro
que introdujo en el curso preliminar ejercicios sobre estructuras en equilibrio de diversos materiales. El
objetivo ya no era poner de manifiesto la sensibilidad por los contrastes de materiales y formas, sino más
bien revelar las propiedades estáticas y estéticas de las estructuras asimétricas y exentas.
El estilo elementalista constructivista se complementó en otros sectores de la Bauhaus con la influencia De
Stijl y con un enfoque postcubista de la forma. Una primera manifestación de esta estética elementalista
adoptada como un estilo propio fue la tipografía de paloseco utilizada para la exposición de la Bauhaus en
1923.Dos casas modelo caracterizan este periodo de transición y revelan elementos comunes y llamativas
diferencias. La casa Sommerfeld (Gropius y Meyer) 1922 y la casa experimental diseñada por Muche y
Meyer para la exposición de 1923.
La cambiante ideología de la Bauhaus quedó aún más patente en un artículo de Gropius en ese mismo
número de los Bauhausbücher, titulado (casas industrial). Estas casas en serie se hicieron realidad en las
residencias para profesores construidas en la Bauhaus de Dessau en 1926.
A partir de 1923, el planteamiento de la Bauhaus se hizo sumamente objetivo, en el sentido de que estaba
estrechamente vinculado al movimiento de la Neue Sachlichkeit. Esta vinculación se iba a hacer más
pronunciada tras la dimisión de Gropius en 1928. Los dos últimos años de la dirección de Gropius se
distinguieron por tres acontecimientos principales; el traslado, por motivos políticos de Weimar a Dessau; la
terminación de la sede de la escuela en esta última ciudad; y finalmente la aparición gradual de un enfoque
reconocible de la Bauhaus, en el que se hacía mayor hincapié en que las formas derivasen de los métodos
de producción, de las limitaciones de los materiales y de las necesidades programáticas.
Hacia 1927 la producción industrial bajo licencia de esos diseños Bauhaus estaba en pleno apogeo.También
se formó el departamento de arquitectura, bajo la dirección del arquitecto Hannes Meyer.
A principios de 1928 Gropius dimitió y se nombró sucesor a Meyer. Esto transformó radicalmente la
Bauhaus y orientó aún más a la izquierda e incluso la acercó todavía más de la Neue Sachlichkeit. Por
diversas razones, Moholy-Nagy, Breuer y Bayer dimiten junto con Gropius.
Liberado de la influencia del equipo docente de Gropius, Meyer fue capaz de orientar el trabajo de la
Bauhaus hacia un programa de diseño más responsable en lo social. Meyer organizó la Bauhaus en cuatro
departamentos principales: arquitectura (construcción), publicidad, producción en madera y metal y tejidos.
Pese al interés de Meyer por evitar que la Bauhaus se convirtiese en un instrumento de la política de los
partidos de izquierda, una despiadada campaña en su contra obligó finalmente al alcalde a exigir su
dimisión. La Bauhaus permaneció en Dessau dos años más. En octubre de 1932, lo que quedaba de ella se
trasladó a las afueras de Berlín y nueve meses después fue cerrada definitivamente.
2da generación de arquitectos (los maestros postguerra)
La segunda generación de arquitectos toma razones funcionales y desarrolla un lenguaje en
continuidad con el Movimiento Moderno. Existe una relación dialéctica entre el componente historia (como
tradición de lo nuevo, y dimensión de la memoria como reinterpretación del pasado y el propio movimiento
moderno como parte de la historia) y la componente utópica. La tecnología como medio para lograr nuevas
formas logrando una marcada estética mecanicista. La referencia más significativa fue la figura de
BUCKMINSTER FULLER y su CÚPULA GEODÉSICA. Aparece el desarrollo de Mega-estructuras, grandes
superficies autoportantes con innovaciones que despejan grandes superficies destinadas a nuevos
programas arquitectónicos. Se toma como referencia la obra de los arquitectos modernos como otras
expresiones del pasado. Destacan Louis Kahn, Eero Saarinen y Philip Johnson que toman como máximo
referente la figura de Mies van der Rohe en EE.UU; y en Japón Kenzo Tange
Kahan resignifica las formas del pasado, intenta mirar a la historia reinterpretándola sin imitarla e incorpora
al mov. Moderno como parte de ella. No retoma la forma, sino los principios compositivos con un orden
basado en el rigor y las leyes de la geometría. Recurre a la utilización de ejes principales y secundarios de
composición, a la repetición de las formas, a la yuxtaposición, intersección, inscripción y otros juegos
geométricos, también a las formas simples, conociendo todo su valor trascendente simbólico y jerárquico.
Kahn inicia su intervención en el panorama de la arquitectura internacional cuando ya se empieza a
evidenciar la crisis de la arquitectura del MM. Sostiene que los edificios poseen una esencia que determina
su solución, que la forma tiene siempre un papel preponderante y declara que se debe recuperar la idea de
centro y jerarquía en las formas arquitectónicas. La función, por otro lado, debe dotarse de una estructura
independiente, reconocible visual y estructuralmente.
Su primera obra paradigmática fue la GALERIA DE ARTE DE YALE,NEW HAVEN, CONNETICUT. Una
construcción modular compuesta por volúmenes prismáticos. Utilizó por primera vez el techo de hormigón
con armadura espacial, dejando al descubierto los dispositivos de iluminación y los conductos de aire
acondicionado. También los LABORATORIOS RICHARDS MEDICAL RESEARCH, FILADELFIA con un impacto
formal en la composición general, donde se puede ver una relación jerárquica entre los espacios sirvientes y
servidos. La estructura es de hormigón y el cerramiento de ladrillo y vidrio. También la Biblioteca de la
Academia Phillips Exeter, Estados Unidos obra con gran simetría, axialidad y demás atributos rastreados
en la historia de la arquitectura.
EERO SAARINEN Toma al MM como parte de la historia retomando la obra tardía de Mies y toma la
estructura como un factor dominante e integral además de ser generadora del espacio. Su obra a pesar de
basarse en la arquitectura moderna, y de difundir el Estilo Internacional en EEUU, se mueve entre dos polos
muy diversos: Obras estrictamente racionalistas a base de formas rectas y simples como el Centro Técnico
de la General Motors. y por otro lado Obras exageradamente expresionistas, simbolistas y ornamentadas,
basadas en el alarde estructural, en las formas libres y orgánicas como Hockey Rink - Yale University y el
Aeropuerto Int. Kennedy, New York. En este segundo grupo de obras busca nuevas formas estructurales,
utiliza nuevos materiales (hormigón armado), recurriendo a claras configuraciones organicistas y referencias
simbólicas. predomina una mentalidad constructiva próxima a la de Candela y Tange.
PHILIP JOHNSON Absorbe de todas las tendencias arquitectónicas para crear un lenguaje. En esta primera
época de su obra, está absolutamente inspirada por la Obra de Mies van der Rohe tardía en EE.UU.
Construye su CASA DE CRISTAL Inspirada en los croquis de Mies para la casa Farnsworth. En colaboración
con Mies construyó el Seagram Building concebido desde el planteamiento clásico como un prisma vertical
que resalta por su carpintería de bronce. Inspirado en el Crown Hall construyó el Computing Laboratory,
Brown University.
Tras la 2GM, Japón aparece como otro foco de gran trascendencia en el panorama internacional. La
arquitectura de Kenzo Tange pretende establecer un nexo coherente entre pasado y presente, retoma la
tradición japonesa y la integra con corrientes contemporáneas de acuerdo con la sociedad moderna. Toma
al MM como parte de la historia donde sus primeros trabajos evocan la obra tardía de Le Corbusier. Trabaja
con grandes espacios dinámicos, una exaltación en la técnica y la estructura como factor dominante e
integral. Sus primeros trabajos inspirados en la obra tardía de LC: AYUNTAMIENTO DE KURASHIKI, JAPON,
1960 -EDIFICIO PREFECTURA KAGAWA TAKAMATS, JAPON. En los ’60 aparecieron nuevas formulaciones y
se comienza a ver cómo la arquitectura japonesa va a saber hablar un lenguaje personal y preciso. Con la
aparición de Tange, la arquitectura japonesa deja de ser una exportación desde Europa y se convierte en un
estilo nacional independiente.Hacia 1960, Tange prestó atención a los problemas urbanos de Tokio con 1
proyecto que imaginaba una ampliación de la trama urbana sobre la bahía, inspirado en las propuestas de
los metabolistas.EL PLAN PARA LA BAHÍA DE TOKYO donde la idea principal fue reemplazar el tradicional
diseño radial de crecimiento que la ciudad por un modelo lineal. también los ayuntamientos y los centros
cívicos se proyectaban como genuinos intentos de expresar tanto la noción de foros para los ciudadanos en
la democracia, como un nuevo sentimiento de confianza nacional: expresionismo monumental. Destacan
obras como el GIMNASIO OLÍMPICO DE TOKIO y los ESTADIOS OLÍMPICOS YOYOGI en TOKIO con
Cubiertas suspendidas por tensores de acero Tensil. Los dos grandes cables describen una CURVA
CATENARIA, Retomando la arquitectura ancestral de la Cubierta de tradición japonesa.
Alvar Aalto su historia, contexto y obras de sus distintas etapas
Nace 1898 en Kuortane, Finlandia. Estudia arquitectura en la Universidad Politécnica de Helsinki. En 1924.
viaja por primera vez a Italia, donde toma contacto con la cultura mediterránea. En 1927. Radicación del
estudio profesional en Turku y posterior traslado a Helsinki en 1933. En 1941. Viaje a Estados Unidos y
trabajó como profesor invitado en el Instituto de Tecnología de Massachusetts. Luego regresó a Finlandia y
trabajó en la Oficina de Reconstrucción: con encargos de edificios públicos para distintos municipios y de
1960 a 1970 se presenta su periodo de madurez profesional.
La actividad de Aalto se da casi en su totalidad en Finlandia, un país periférico en cuanto al debate
de la arq moderna, un territorio disputado como colonia imperial entre Rusia y Suecia a lo largo de la edad
media y la modernidad. Su independencia como República se da en 1917, y con ella una búsqueda con la
necesidad de una identidad nacional. Con su capital en Helsinki es un escenario donde coincide la
arquitectura neoclásica y el romanticismo nórdico que recuperaba materiales y tipologías locales.
De un período de arquitectura neoclásica en el siglo XIX, se da luego una manifestación modernista
muy particular a inicios del siglo XX, y se continúa con una adhesión a la modernidad. Ejemplos reconocidos
del modernismo finlandés, a inicios del siglo XX, Con elementos particulares de la cultura propia, local y
nacionalista en la búsqueda de una identidad artística particular, podriamos mencionar la Estación
ferroviaria de Helsinki. Eriel Saarinen, 1908.
Tanto el interludio racionalista como el neoclásico allanaron el camino para la aceptación en Finlandia de la
nueva objetividad. Entre el grupo de jóvenes arquitectos que se pasaron al nuevo movimiento destacan Erik
Bcyggman y Alvar Aalto. Suele considerarse que su propuesta conjunta para el concurso de la feria de
Turku, en 1929, fue la que presentó el nuevo movimiento al público finlandés.
Alvar Aalto surgió pronto como líder del grupo tras ganar con sus propuestas los concursos para la
biblioteca pública de Viipuri y el sanatorio antituberculoso de Paimio. La propuesta original para el
concurso de la biblioteca de Viipuri era neoclásica, pero durante el proceso de diseño se transformó en un
proyecto moderno.Por el contrario, sanatorio de· Paimio fue moderno desde el principio, con sus alas
esbeltas y libremente articuladas, orientadas para relacionarse con el paisaje circundante. En ambos
edificios, las superficies murales lisas y blancas con alusiones mediterráneas son incluso más evidentes que
en otros ejemplos del movimiento moderno internacional. Un rasgo nuevo era la atención prestada a los
detalles: En el sanatorio de Paimio, Aalto diseñó todo el mobiliario y los accesorios. Fue debido a su
preocupación por los aspectos íntimos y táctiles del diseño moderno, así como por su manifiesta calidad
formal, por lo que estos dos edificios se convirtieron inmediatamente en imágenes simbólicas de una
arquitectura moderna más flexible.
A finales de la década de 1930, los arquitectos modernos finlandeses seguían esa tendencia europea de
poner en tela de juicio las premisas mecanicistas de la nueva objetividad, volviendo así a los materiales
naturales y a los detalles tradicionales. En la villa Mairea en Noormarkku, unos muros tensos y curvos con
revestimiento de madera contrastan con otros de bordes nítidos, de ladrillo pintado en blanco. Este edificio,
con sus elementos insólitamente yuxtapuestos y sus metáforas de la naturaleza, suponía una desviación
radical de la lógica lineal de la nueva objetividad.
Después de la pausa impuesta por la guerra Aalto desplegó una gran actividad en la reconstrucción de su
país.Las obras más características de este periodo son Ayuntamiento de Säynätsalo y el Estadio de
Otaniemi que ponen de relieve el completo dominio que Aalto poseía de la técnica y de la distribución de
espacios.
Aalto tenía una determinación de servir a la gente corriente, permanente intento de seguir criterios de
satisfacción social y psicológica.Aalto siempre centró su atención en la creación de ambientes que
contribuyen al bienestar humano.
Recubrimiento de cobre en las columnas, lucernarios, trabajo con la luz, dejar las piedras del lugar,
trabajar con la madera de la naturaleza ya muerta, reconocimiento a la madera, piezas de ceramica para
resolver encuentros.
El estado desarrollista en Argentina.
Durante los años ‘60 y ‘70, todos los gobiernos electos fueron derrocados por golpes militares. El
conflicto social y la violencia política fueron creciendo en intensidad. Muchas de las conquistas sociales
logradas durante los gobiernos peronistas desaparecen.
Arturo Frondizi (1958-62) y Arturo Illia (1963-66) intentarán impulsar el desarrollo nacional con
esperanzas de progreso. El periodo se caracterizará por la reapertura de la economía a los grandes capitales
internacionales. La eficiencia económica se plantea como direccionada a favorecer el avance tecnológico y
científico. El Estado como promotor de grandes obras y planes, en un contexto que daba como liquidadas
las formas de la tradición moderna. Se presentan nuevos programas funcionales producidos a consecuencia
de la radicación en el país de capital privado que impulsó la construcción de plantas industriales, de edificios
de oficinas en centros urbanos para albergar las sedes administrativas de esas industrias y de sedes
bancarias como signo del fuerte crecimiento del poder capital financiero.
Las instalaciones industriales readquirieron importancia como “imagen de empresa”Construidas en la
periferia de las grandes ciudades, estas industrias pudieron ocupar grandes predios destinados, en parte, a
futuros crecimientos, y tratados paisajísticamente como parte del conjunto. En algunos casos, la
construcción de esas instalaciones permitió la introducción de nuevas técnicas de organización y la
fabricación de elementos aportados por empresas constructoras.Algunas oficinas, como SEPRA se
identificaron con una cierta especialización en el tema. Destacando los casos de Siam Di Tella (1960),
General Motors Argentina (1961) de SEPRA.y la planta de Coca Cola (1961), de M. R. Álvarez.
Los programas complementarios a los grandes establecimientos fabriles fueron las sedes de esas mismas
empresas en los centros urbanos. La novedad consistió en la aparición de un nuevo tipo, el del edificio en
torre y su adopción como emblema empresario, por ej. los casos de Peugeot (1962), FIAT (1957), Olivetti
Uno de los más claros ejemplos de “representación tecnológica” lo constituye el edificio para la metalúrgica
estatal SOMISA, proyectado (1966-1977) por Mario Roberto Álvarez.
El signo de la época fue el crecimiento del poder del capital financiero, de manera que durante esta “larga
década” los bancos constituyeron uno de los temas más frecuentados. la principal transformación consistió
en el paulatino abandono del paradigma monumental y su reemplazo por imágenes despojadas de toda
vocación trascendente. El periodo se abrió con obras como el Banco de Londres y América del Sur, de
Clorindo Testa. Apostaba a una imagen de futuro, lo que se constituía como un cambio radical en el carácter
hasta entonces conservador y fue el motor principal de la empresa, pero no dejaba de resolverse como un
monumento, como uno que representaba la modernidad.
Las obras de Mario Roberto Álvarez dieron una respuesta de signo opuesto. EJ sede del Bank of
America o el Banco Popular Argentino (1960) en Buenos Aires; si bien son obras concebidas con extremo
cuidado y excelencia en la construcción, reducen los procedimientos, criterios y recursos técnicos y
expresivos de la arquitectura a un juego de piezas intercambiables, características óptimas para una
extrema neutralidad. Otro programa que se destaca en la época es la Ciudad Universitaria en Buenos Aires.
El proyecto fue de Catalano/Caminos/Sacriste, quienes repitieron los bloques que ya habían ensayado en
Tucumán.
Toma importancia el mecanismo de Concursos de Arquitectura que permitieron una renovación
generacional y social. puesto que a través de este mecanismo nuevos grupos accedieron a importantes
encargos que hasta entonces habían sido reservados a círculos reducidos ligados al Poder. Las nuevas
características de programas, comitentes y modalidades de encargos incidieron sobre la organización de la
disciplina y determinaron cambios en la constitución de sus actores protagonistas. El rasgo general más
destacable fue el reemplazo de los protagonistas individuales por equipos.
En 1962 la Foreign Building and Investment Company convocó a un concurso internacional para construir la
torre de oficinas más alta de Sudamérica, en la zona de Retiro de la Ciudad de Buenos Aires. La misma, se
destinaría a la empresa Peugeot. Aunque nunca llegó a construirse el proyecto ganador de los brasileños
Aflalo & Gasperini, lo interesante y hasta llamativo es la cantidad de estudios prestigiosos que se
presentaron -entre ellos Aldo Rossi, Mario Sacripanti e Arata Isozaki-y la calidad de proyectos jugados a una
experimentación estética y estructura. También podemos mencionar el concurso para la Biblioteca Nacional
en 1961, construida a partir del proyecto ganador del primer premio de CLORINDO TESTA, FRANCISCO
BULRICH, ALICIA CAZZANIGA. La obra se ha convertido en una marca de la arquitectura moderna argentina y
en un ejemplo de la variante del expresionismo del siglo XX llamado “brutalismo”. Obra donde Testa exploró
al máximo las posibilidades que brinda el hormigón armado estando en desarrollo la obra del Banco de
Londres.
El Instituto Torcuato Di Tella fue concebido con la misión de promover el estudio y la investigación de alto
nivel, de modo de modernizar la producción artística y cultural del país, sin perder de vista el contexto
latinoamericano donde se encuentra la Argentina. Financiado por la Fundación y con el apoyo de
organismos nacionales y extranjeros, el ITDT contribuyó a la formación de varias generaciones de artistas,
profesionales y académicos de destacada actuación nacional e internacional. Sus actividades se llevaban a
cabo en un ambiente genuinamente plural, a través de diferentes centros de investigación. La sede del
Centro de Artes Visuales (CAV), es la que le daría mayor fama al Instituto. El CAV modificó para siempre la
percepción de los fenómenos artísticos en la Argentina. Sinónimo de vanguardia y provocación, allí se
dieron a conocer tendencias rupturistas, como el neofigurativismo y, sobre todo, el arte pop. Se abogaba
por: Utopía, Experimentación, Unión de las Artes, Internacionalismo, Radicalización del lenguaje,
Desmaterialización de las formas etc.Algunos de los artistas vinculados con la sede Florida del ITDT han sido:
Clorindo Testa, Antonio Berni, Jorge de la Vega, Marta Minujín, Nacha Guevara.
A fines de los años sesenta, la censura impuesta por el gobierno militar de Onganía dificultó la continuidad
del ITDT y varios centros debieron cerrar sus puertas. No obstante, el Instituto mantuvo su independencia
intelectual y continuó su producción en las ciencias sociales a través de diversos programas, proyectos y
publicaciones.
El grupo austral y cómo llegó a la Arg. la modernidad
Las primeras experiencias de arquitectura moderna vinculadas a la vanguardia local en los años 20 se
da por medio de las revistas de arquitectura. Podemos mencionar la revista Martín Fierro del grupo de
Florida,un grupo de artistas (fundamentalmente escritores y pintores) de vanguardia de la Argentina entre
1920 y 1930. El Grupo de Florida tiene un espíritu vanguardista, y busca entonces la renovación del lenguaje
en los distintos ámbitos de las artes. Los recursos modernos de las vanguardias de Europa, combinados con
elementos de la cultura tradicional, local, es la fórmula del arte moderno que se va desarrollando en el
continente. Y son los artistas del Grupo de Florida los que llevan adelante esta “modernización” en la
Argentina. El Grupo de Florida tiene su grupo “contrario”: el Grupo de Boedo (un barrio porteño). los de
Boedo más orientados hacia el realismo social. Artistas representativos: Literatura: Borges, Girondo,
Marechal, etc Arquitectura: Alberto Prebisch, Ernesto Vautier.
En la segunda mitad de 1938 comenzó a funcionar el grupo austral conformado inicialmente por los
argentinos Jorge Ferrari Hardoy, Juan Kurchan, Alberto Le Pera, Abel López, Samuel Sánchez de Bustamante,
Simón Ungar, Ricardo Vera Barros, Itala Villa e Hilario Zalba y el catalán Antonio Bonet. El año anterior
realizaron un viaje de estudios por Europa donde Kurchan y Ferrari ingresaron como colaboradores en el
despacho de Le Corbusier, que se encontraba desarrollando el Plan director de Buenos Aires, alli tomaron
contacto con Bonet. Concluida esa experiencia y decidida la conformación del grupo en París, los tres se
dirigieron a Argentina motivados, entre otras cosas, por el auge de la construcción en el país.
Apenas reintegrados, Ferrari y Kurchan se abocaron a la redacción de los estatutos del futuro grupo con su
Manifiesto, “ voluntad y acción”. Decidieron unirse exclusivamente para lograr una transformación de la
arquitectura, pero estaban convencidos de que eso exigiría organizar un vasto conjunto de personalidades
capaces de movilizar a la opinión pública, de generar nuevos programas, nuevas formas de ocupación del
espacio y una acelerada modernización de los sistemas productivos.
Se propusieron para ello encarar las siguientes tareas:
a) establecer contacto con los grupos similares de otros países e internacionales
b) estudios particulares y colectivos de los problemas teóricos y prácticos de Arquitectura Contemporánea
c) participación del grupo o de una representación suya en los concursos, exposiciones, congresos
nacionales e internacionales
d) proponer y organizar sesiones culturales a las cuales serán invitados todos los socios del grupo
e) redactar una revista órgano del grupo
f) agrupar en torno del mismo a individuos y grupos de distintas actividades (pintores, escultores, músicos,
fotógrafos, médicos, abogados, financistas, sociólogos, pedagogos, etc.)
g) tomar iniciativas para la resolución de todos los problemas de arquitectura de la República.
Durante sus casi tres años de existencia, las tareas concretas que el grupo encaró fueron las siguientes:
1) Redacción de un plan para la Ciudad Universitaria de Buenos Aires
2) Ampliación del grupo y de sus relaciones con otros sectores de la sociedad argentina y del mundo
3) Construcción de un pabellón propio permanente en el centro de Buenos Aires
4) Publicación de una revista
5)Estudios sobre vivienda obrera
6) Presentación a concursos.
El grupo Austral dio a conocer sus ideas principales en los cuadernillos. Hasta el momento, el Funcionalismo
se había constituido en la Argentina a partir de una base ética, entendiéndose que la modernización estética
sería un producto más o menos deseado de las nuevas técnicas. Sin abandonar esa base ética, la novedad
de Austral consistió en invertir la premisa heredada, en sostener que sólo a partir de una nueva estética que
permitiera una diversa manipulación de la técnica podrían resolverse los problemas modernos. Se trataba
de ampliar los grados de libertad del creador, destrabando su potencialidad inconsciente, tal como –
pensaban– lo había conseguido la pintura surrealista.
En consecuencia, las formas heredadas del pasado podían coexistir con formas contemporáneas. La
adhesión al surrealismo debió darse por el propio Bonet, quién venía de referencia por compatriotas como
Gaudí, Dalí, Miró y Buñuel.
la novedad del segundo núcleo teórico fuerte que introducía Austral consistió precisamente en su
propuesta de articulación entre Arquitectura Moderna y urbanística. los jóvenes del grupo pensaban que
era posible y deseable imaginar a la ciudad como un proyecto de escala monumental. Una de las metas de
Austral fue la promoción del Plan director para Bs. As. Buscaban unir aspectos aparentemente opuestos:
por un lado, la máxima densidad de población y con esto los más intensos niveles de vida en comunidad, y
por otro la integración con la naturaleza postulada hasta entonces solo desde posiciones antiurbanas.
la superpoblación de BA era atribuida a un desequilibrio nacional que podría corregirse con planes de
organización y estímulo al desarrollo regional que evitarán la profundización del éxodo rural. A fines de
1939 aparecen los primeros anteproyectos del Grupo, realizados para un concurso que impulsa el Banco de
la Nación para casas rurales en todo el país.
El grupo no produjo conjuntamente ninguna obra, parte de las ideas que lo convocaron se encuentran
expresadas en un grupo de piezas que sus miembros idearon solos o constituyendo distintos equipos. Estos
son: los atelieres de Sui-pacha y Paraguay, del estudio Bonet, López Chas, Vera Barros; el edificio de Virrey
del Pino 2446 y el de O’Higgins 2319 de Kurchan y Ferrari; el sillón BKF de Bonet, Kurchan y Ferrari; y las
casas en Martínez de Bonet, Peluffo y Vivanco.
Atelieres de Sui-pacha y Paraguay.
El empleo de distintas componentes de acero (perfiles, chapa doblada, chapa agujereada, tejido de
alambre) y vidrio (glasbeton circular y cuadrado, vidrio transparente y translúcido, plano y curvo) obedecía a
la intención de “materializar” la obra con recursos provenientes directamente de la industria y en lo posible
de montaje en seco. En oposición, las bóvedas del nivel superior –un producto declaradamente artesanal–.
En el nivel de acceso y comercios el contraste se manifestaba en el modo con que los vidrios de curvaturas
variables “contestaban” la modulada grilla ortogonal presuntamente estándar de los pisos superiores.
Por otra parte, el uso del vidrio implica una extraordinaria ruptura. Hasta los ateliers, la Arquitectura
Moderna argentina había mantenido los frentes opacos como resabio del sistema clásico. En este caso el
vidrio permitió a los arquitectos de los ateliers realizar el postulado de disolución de la diferencia entre
interior y exterior, creando un espacio continuo.
Es evidente que los ateliers constituían un comentario del edificio de la Rue Molitor de Le Corbusier, de
cuyo proceso Bonet había participado. Pero si bien las semejanzas entre muchos de los componentes de
ambas obras son ostensibles, no lo son
La disolución parece haber ido produciéndose poco a poco, sin que nunca se decidiera una conclusión
formal. Pese a su efímera existencia, tuvieron un extraordinario efecto en la historia de la arquitectura
argentina porque reinstaló a la disciplina como hecho cultural y no meramente profesional.
Brutalismo, obras de los Smithson. Y compararlo con el brutalismo de Le Corbusier.
Las new towns fueron el punto de arranque de las actividades críticas de los jóvenes arquitectos británicos.
Alison y Peter Smithson basaron sus propuestas teóricas en la crítica a esta experiencia generadora de unas
nuevas ciudades que pronto se mostrarían como carentes de vida e identidad.
Hasta mediados de la década de 1950, la exactitud respecto a los materiales se mantuvo como precepto
esencial de la arquitectura brutalista, manifestándose inicialmente en una preocupación obsesiva por la
articulación expresiva de los elementos mecánicos y estructurales, como en La Escuela de Hunstanton (1949-
1954). Fue la obra de los Smithson que más fielmente expresaba las ideas clave de lo que a posteriori se
denominó Nuevo Brutalismo. Realizada como una consecuencia de las formas de Mies (ITT) y resuelta según
una planta ordenada y simétrica, en los interiores del edificio son los elementos estructurales, de uso y de
instalaciones, los que totalmente vistos y desnudos, otorgan cualidad y expresión al espacio.
También podemos mencionar el Edificio The Economist, Piccadilly, Londres (1959-1965 )que se resuelve
según tres edificios, teniendo cada uno una altura y un tratamiento de fachada diverso, además de tener
usos también diversos. El más alto destinado a oficinas, el intermedio a apartamentos y el más bajo de forma
achaflanada alberga un banco y tiendas, estando organizadas por una escalera mecánica en diagonal. Se
trata de tres torres, que definen entre ellas un espacio urbano tan importante como ellas mismas.La
estructura es de hormigón armado, con vigas de acero que sirven a la estructura portante. Marcos metálicos
y grandes cristaleras conforman sus fachadas.
En el Robin Hood Gradens la fachada del edificio se resuelve con todo un entramado de hormigón que en
algunos casos estructural, en otros asume características este de división de espacios o marcar una serie de
ritmo para poder vincularse de alguna forma espacialmente y estéticamente con toda la identidad del
edificio. la estructura de hormigón que va a resolver toda la fachada casi de la manera como le corbusier va
a estar planteando de sus últimas obras todo el desarrollo de fachadas con brise soleil y algunos detalles del
hormigón los Smithson también van a plantear eso mismo resolver toda la estructura y la fachada con
hormigón, con vidrios para el caso de las aberturas y no recurrir a este instancias o artilugios que agreguen
algo a la obra que no es este propio o que no tiene nada que ver con la características propias de esa obra
tratando de mantener siempre esta idea de lo ético.
Lo que nosotros reconocemos como el nuevo brutalismo va a ser aquella arquitectura de fines de los años
50 y de los años 60 que va a estar dando respuesta a toda una serie de distintos tipos de edificios
funcionales de distintas características donde se expresa esta voluntad de mostrar el material. lo deja a la
vista y trata de ensalzar y explotar los valores estéticos del material.
muchas veces se habla de la obra brutalista de de Le Corbusier, en sí el no se considera brutalistas, lo que
tiene es un recorrido, una serie de experiencias que lo llevan luego en la segunda guerra mundial a
desarrollar toda una exploración en cuanto a lo que es la tectónica y la materialidad del hormigón que en
cierta forma sirve de referencia para los arquitectos brutalistas. pero no podríamos decir que LC es un
arquitecto brutalista algunas de sus obras como su Unité d'habitation de 1952 en Marsella; el edificio de la
Secretaría de 1953 (Palacio de la Asamblea) en Chandigarh; y la Capilla Notre Dame du Haut de 1955 en
Ronchamp. son referentes para el brutalismo y algunos críticos e historiadores de arquitectura ven en su
obra última algunos guiños hacia la arquitectura brutalista.
además de tratar los materiales en bruto tratan la verdad de la arquitectura cuando Banham habla del
brutalismo si es ética o estética. Los brutalista como equipo intelectual están por la ética, la ética como la
verdad de la arquitectura incluso más allá de lo que es mostrar un material en bruto, mostrar cuestiones de
la estructura, mostrar cuestiones de las instalaciones en eso basa el tema de la verdad de la arquitectura.
