UNIVERSIDAD MAYOR DE SAN SIMÓN

FACULTAD DE ARQUITECTURA Y CIENCIAS DEL HÁBITAT

CARRERA DE DISEÑO GRÁFICO Y COMUNICACIÓN VISUAL

HISTORIA I
ARQUITECTA SONIA JIMÉNEZ

UNIDAD 9

LA ESCUELA DE LA
BAUHAUS
LA ESCUELA DE LA BAUHAUS
(La Staatliche Bauhaus 1919-1933)

La Bauhaus fue una escuela de arquitectura, arte y Fue fundada en 1919 por Walter Gropius en
diseño en la que se intentó aunar una formación Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades
artesana a los nuevos postulados tecnológicos e prusianas en manos del Partido Nazi.
industriales.
El nombre Bauhaus deriva de la unión de las
Su racionalismo fue paralelo al de otros grupos palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus,
vanguardistas de la época, pero su importancia y “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del
coherencia sobrepasó a todos ellos. hecho de que su fundador fue un arquitecto, la
Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura
en los primeros años de su existencia.
 APERTURA DE LA BAUHAUS (1919)

Al igual que otros movimientos pertenecientes en la actualidad (antes de la Bauhaus estas dos
a la vanguardia artística, los procesos políticos y profesiones no existían del modo en que fueron
sociales tuvieron gran influencia. Con el final de concebidas dentro de esta escuela).
la primera guerra Mundial comenzaron a surgir
movimientos revolucionarios que aspiraban Uno de los principios establecidos desde su
provocar una renovación radical de la cultura y la fundación fue “la forma sigue a la función“, por
sociedad. lo que en arquitectura los diferentes espacios eran
diseñados con formas geométricas según la función
El objetivo de la escuela, encabezado por Gropius, para la que fueron concebidos.
estaba en la artesanía: los artistas tenían que volver
al trabajo manual. La Bauhaus es sinónimo de modernidad, de colores
primarios, nuevas concepciones del espacio y de la
Con ella se trataba de unir todas las artes forma e integración de las artes.
estableciendo así una nueva estética que abarcaría
todos los ámbitos de la vida cotidiana, “desde la Los objetivos de la escuela están recogidos en el
silla en la que usted se sienta hasta la página que manifiesto de la Bauhaus: “La recuperación de los
está leyendo” (Heinrich von Eckardt). métodos artesanales en la actividad constructiva,
elevar la potencia artesana al mismo nivel que las
Por primera vez, el diseño industrial y gráfico Bellas Artes e intentar comercializar los productos
fueron considerados como profesiones, ya que, integrados en la producción industrial, se
que se establecieron las bases normativas y los convertirían en objetos de consumo asequibles
fundamentos académicos tal y como los conocemos para el gran público”.
 FUNDADOR WALTER GROPIUS (1883-1969)
Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la
Bauhaus, nació en Berlín el 18 de mayo de 1883.

Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió arquitectura

en Múnich y en Berlín. Uno de los principales
ideales de Gropius era representado mediante
la siguiente frase: “La forma sigue a la función”.
Buscaba la unión entre el uso y la estética.

Su trayectoria es una circunstancia que hay que

considerar determinante para la orientación
ideológica de Gropius.

Procedente de la burguesía inteligente, trabajó

en Múnich de 1907 a 1910 con Peter Behrens, el
primer arquitecto contratado por una gran empresa
industrial como responsable artístico (AEG).
A partir de entonces, Gropius siempre planteó
el problema de la edificación en relación con el
sistema industrial y con la producción en serie.

Gropius fue el fundador de la famosa escuela de

diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se enseñaba
a los estudiantes a utilizar materiales modernos e
innovadores para crear edificios, muebles y objetos
originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta
escuela, primero de Weimar y luego en Dessau,
desde 1919 hasta 1928.

A partir de 1926, Gropius se dedicó intensamente

a los grandes bloques de viviendas, en los que veía
la solución a los problemas urbanísticos y sociales.
También abogó en favor de la racionalización de
la industria de la construcción, para permitir
construir de forma más rápida y económica.
Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los
que aplicó sus ideas.

Walter Gropius muerió en Boston, Estados Unidos

el 5 de Julio de 1969.
BAUHAUS Y EL DISEÑO
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones
de lo que hoy conocemos como diseño industrial y
gráfico; puede decirse que antes de la existencia de
la Bauhaus estas dos profesiones no existían como
tales y fueron concebidas dentro de esta escuela.

Constituyó el centro del movimiento moderno.

Walter Gropius fundó esta escuela de arquitectura
y diseño en 1919 y agruparía a las figuras
más interesantes de la vanguardia alemana de
entreguerras.

En el programa de la Bauhaus, encabezado por

la catedral de cristal diseñada por Feininger, se
afirmaban los siguientes presupuestos: unificar
las artes bajo una nueva arquitectura, devolver
el carácter artesanal a las actividades artísticas,
construir la catedral del futuro, la obra de arte total,
y disciplinar la enseñanza de la arquitectura.

La Bauhaus tuvo su sede en tres ciudades:

1919-1925: Weimar
1925-1932: Dessau
1932-1933: Berlín

Y estuvo organizada por tres directores:

1919-1927: Walter Gropius

1927-1930: Hannes Meyer
1930-1933: Ludwig Mies van der Rohe

Dada su importancia, las obras de la Bauhaus

en Weimar y Dessau fueron declaradas como
Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en
1996.
 PRIMERA ETAPA EN WEIMAR (1919-1923)
Durante seis meses, los alumnos trabajaban en los
distintos talleres.

Así, bajo la metodología de “aprender trabajando”,

se formaban en las distintas áreas para descubrir
sus preferencias y orientarse para su posterior
formación: trabajaban con piedra, madera, metal,
barro, tejidos, vidrio, colorantes y tejidos mientras
se le enseñaba dibujo y modelado.

En este tiempo realizaban también un curso

obligatorio “vorkurs”, conocido posteriormente
como “Método Bauhaus”, creado por el arquitecto
Johannes Itten, donde se investigaba los principales
componentes visuales en textura, color, forma,
contorno y materiales.

De esta forma, los egresados de esta escuela salían

con una formación completa: dibujo, modelado,
fotografía, diseño de muebles, escenificación,
danza, tipografía, etc.

Los pintores Paul Klee y Kandinsky se unieron a

la escuela en esta primera época: Paul Klee dando
clases de composición en el taller de tejidos (su
enseñanza se basaba en las formas elementales y
el arte debía hacerlas visibles) y Kandinsky, en el
taller de pintura mural y dando clases en el curso
de diseño básico junto con Klee.

Es la fase idealista, expresionista y de

experimentación de formas, productos y diseños.

Se utilizan las formas geométricas básicas (el

círculo, el cuadrado y el triángulo) junto con los
tres colores primarios como base aunque los colores
principales fueron negro, blanco y rojo.
 SEGUNDA ETAPA EN DESSAU (1923-1925)
A partir de 1923, la Bauhaus llevó a cabo un
cambio de dirección con la incorporación como
profesor de László Moholy-Nagy, que supuso la
introducción de las ideas del Constructivismo Ruso
y el Neoplasticismo (movimiento artístico iniciado
en Holanda con el ideal de llegar a la esencia del
arte eliminando lo superfluo).

Se abogaba por un arte comunal, basado en la

idea y no en la inspiración. De esta época datan
los escritos teóricos más influyentes de la Bauhaus
como los realizados por Kandisky y Klee.

Aunque la metodología estaba basada en una

“investigación de la esencia” y un “análisis de la
función”, la influencia de la estética creada por
la Bauhaus fue minoritaria debido a la época, Tipografía Herbert Bayer

tratándose básicamente de una delanto muy precoz

que tuvo que esperar a los años sesenta para ser
comprendido y popularizado comercialmente.

En esta época Herbert Bayer, que estudió en la

escuela durante 4 años, fue el publicista más
destacado de la Bauhaus y Gropius lo nombró
director de impresión y publicidad.

En 1925, siguiendo el principio de eliminar lo

superfluo y dejar lo esencial, diseñó un estilo
tipográfico en donde eliminó las mayúsculas y las
serifas, creando una fuente geométrica, universal,
cuya versión digital recibe el nombre Architype
Bayer.

Con estos principios se estableció un nuevo

estilo tipográfico y los fundamentos de la Nueva
Tipografía.
 TERCERA ETAPA EN BERLÍN (1925-1933)
La gran depresión desencadenó la necesidad del
cambio de sede de la escuela a Dessau en 1925.

En esta nueva sede, la escuela se instala en el edificio

más emblemático de la Bauhaus diseñado por
Walter Gropius: La Escuela Bauhaus (1925-1926),
de planta asimétrica, con pabellones a diferentes
alturas y predominio de ventanas horizontales
(característico de la arquitectura racionalista).

En esta época se llevaron a cabo grandes fiestas

(generalmente temáticas: fiesta blanca, fiesta del
metal, etc) con el objetivo de fomentar el trabajo en
equipo y promover la relación entre la Bauhaus y los
ciudadanos, ya que la escuela estaba considerada
como socialista y contaba con más de un enemigo.

En 1925, debido a las continuas presiones del

gobierno, Moholy-Nagy abandona la escuela y dos
años después, Walter Gropius deja la dirección a
manos del suizo Hannes Meyer.
Junto con Gropius, varios profesores abandonaron
la escuela y en 1930 la dirección pasó a cargo de
Ludwing Miës Van Der Rohe.

Con la llegada de los nazis a Dessau en 1932 vino el

cese de la ayuda financiera a la institución por parte
del gobierno y la escuela se trasladó a Berlín hasta
que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933
por las autoridades alemanas nazis para eliminar
cualquier rastro de “cosmopolitismo judío” y de
arte “decadente y bolchevique”.

Tanto Miës van der Rohe como los profesores y

alumnos que fueron perseguidos por el régimen
huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos
donde siguieron con sus ideales y donde László
Moholy-Nagy estableció La Nueva Bauhaus: el
Instituto de Diseño de Chicago.
 TIPOGRAFÍA

Un estudio sobre el alfabeto ideal fue encabezado

por Herbert Bayer, pero fue impulsado por
Moholy-Nagy y Peter Brehens en los albores del
S.XX en la Bauhaus.

Los inicios fueron el empleo de los tipos de letra

sans-serif y un sistema con base en una cuadrícula
para articular el espacio.

La búsqueda de una nueva tipografía y la ruptura

con el tipo gótico o los vestigios de la Edad Media
era una necesidad a principios del siglo pasado, en
especial en la Bauhaus.

El resultado fue una tipografía con un estilo muy Respecto a Moholy-Nagy, Sus trabajos tipográficos
concreto, más legible y sencilla. Dicho alfabeto ideal tienen con frecuencia algo de forzado y aunque ya
carecía de mayúsculas, mostraba uniformidad de entonces se atacaba el carácter decorativo de los
grosor de todas las partes de la letra y renunciaba trazos de subrayado, este artista logró dar a los 14
a todo lo que sugiriera trazos ascendentes y libros de la Bauhaus una apariencia relativamente
descendentes, así como una simplificación de la uniforme y con ello influir sobre dos generaciones
forma a favor de la legibilidad. de tipógrafos progresistas.

Esta tipografía simple, fácil de manejar, estética y

equilibrada se llamó tipografía BAUHAUS.

Laszló Moholy Nagy:

Prospecto 14 libros de la Bauhaus
 PROFESORES Y ARTISTAS

La Bauhaus tuvo diversos profesores, todos La Bauhaus fue también un gran experimento
de distintas profesiones: pintores, escultores, vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1400
arquitectos, urbanistas, tipógrafos, grabadores, aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo
tejedores y artesanos. Gracias a esta diversidad orden y la traumática experiencia de la recién
dentro de la escuela, fue posible experimentar y acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de
desarrollar nuevas técnicas de enseñanza. entusiasmo a la construcción de una utopía social,
de nuevas formas de convivencia.
Algunos de estos profesores fueron: Johannes Itten,
Lyonel Feininger, Georg Muche, Paul Klee, Josef Además de estas fiestas «oficiales», cualquier
Albers, Hinnerk Scheper, Lazlo Moholy-Nagy, acontecimiento era igualmente susceptible de
Herbert Bayer, Gerhard Marcks, Oskar Schlemmer, desembocar en una celebración: la finalización
Lothar Schreyer, Wassily Kandinsky, Joost Schmidt, de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del
Marcel Breuer, Vassily Kandinsky, Gunta Stölz- matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un
Stadler, Theo Van Doesburg, Gyorgy Kepes, Anni niño.
Albers, Ludwig Hilberseimer, Ludwig Miës van der
Rohe y el propio Walter Gropius. Más que una escuela, con el tiempo, los alumnos y
profesores se volvieron una familia y una corriente
que cambiaría el mundo del diseño.
 PAUL KLEE
Nació el 18 de diciembre de 1879, en
Münchenbuchsee, cerca de Berna,Suiza.

Klee era uno de los Die Blaue Vier (Los Cuatro

Azules) junto a Kandinski, Feininger y Jawlensky.
Esta agrupación, formada en 1923 expuso
conjuntamente en los Estados Unidos en 1924.
Después de la Primera Guerra Mundial, Klee
enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la
Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de
ser denunciado por los nazis por producir «arte
degenerado».
En 1933 dejó la enseñanza y regresó a Berna,
donde realizó una gran exposición en la Kunsthalle
(1935).

En 1936 se le diagnosticó esclerodermia. En 1940

fue internado en una clínica de Muralto-Locarno,
donde falleció el 29 de junio.

CARACTERÍSTICAS DE SU
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA
- En la obra de Paul Klee destaca su sensibilidad,
muy culta, intelectual, musical y espacial.

- Sus mundos y paisajes entre surrealistas y

abstractos, que producen un fuerte deseo de
acercarse y verlos más de cerca, debido a sus
grandes detalles.

- Usaba una excelente fusión y armonía entre los

colores, incluyendo radiaciones y gamas cromáticas
completas.

- Usaba la línea como dibujo, creadora de formas,

texturas y elementos gráficos expresivos.

- Los tonos y la degradación eran también muy

utilizados por él. Ad Parnassum (1932)
PAUL KLEE Y EL COLOR
A lo largo de su vida, Paul Klee usó el color de
maneras variadas y únicas, y mantuvo con él una
relación que progresó con el tiempo.

Para un artista que amaba tanto la naturaleza

parece algo extraño que en sus comienzos Klee
despreciara el color, creyendo que no era sino una
decoración.

Con el tiempo Klee cambió de idea y llegó a

manipular el color con una enorme precisión y
pasión, hasta tal punto que terminó enseñando
teoría del color y de su mezcla en la Escuela de la
Bauhaus.

Esta progresión, por sí misma, es de gran importancia

porque le permitió escribir sobre el color con una
mirada única entre sus contemporáneos.
 OBRAS PRINCIPALES

Angelus Novus (1920) Senecio (1922)

Castillo y sol (1928) Heroic Roses (1938)

 WASSILY KANDINSKY
Vasili Kandinski nació el 16 de diciembre (en el
antiguo calendario ruso: 4 de diciembre) de 1866.

En 1901 fundó el grupo Phalanx. En 1902 expuso

por primera vez con la Secesion de Berlín y realizó
sus primeras xilografías. En 1904 expuso en el
Salón de Otoño de París. En 1909 fue elegido
presidente de la Nueva Asociación de Artistas de
Múnich (NKVM).

En 1922 se trasladó a Weimar (Alemania), donde

impartió clases teóricas para la Escuela de la
Bauhaus. En 1926 se publicó su libro Punto y línea
sobre el plano. Hacia 1931 los nacionalsocialistas
iniciaron una campaña a gran escala contra la
Bauhaus que llevó a su cierre en 1932.

Wassily Kandinsky falleció el 13 de diciembre de

1944 en Neuilly-sur-Seine, en las afueras de París a
causa de un accidente cerebrovascular.

Tensión suave n.º 85 (1923)

CARACTERÍSTICAS DE SU
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

- El alcance del color y las formas de sus

composiciones e improvisaciones, fue reconocido
como genial por sus contemporáneos.

- Los cuadros de Kandinsky muestran grandes

explosiones de color y siluetas que constantemente
se transforman ante el espectador. Las influencias
artísticas principales de este pintor fueron Monet,
Fauves y Matisse.

- Se considera que las pinturas de Kandinsky

funden la percepción del oído y la vista.

Él visualizaba sonidos como parches de color (arte

sinestésico), era amante de la música de Wagner, y
esta emergía en sus más abstractas creaciones.
 KANDINSKY PROFESOR
Vasili Kandinsky fue profesor de la Bauhaus,
primero en Weimar y después en Dessau, durante
once años.

El objetivo primordial de sus clases del curso

preliminar era ofrecer a los alumnos un lenguaje
obligatorio que les permitiera progresar hacia una
creación artística libre.

Para ello debían manejar a la perfección las

diferentes técnicas en el programa y no ahorró
en exigencia y presiones a sus alumnos para que
tratasen de alcanzar la excelencia plástica.

Si bien este riguroso enfoque de sus cursos fue

comprendida por Walter Gropius, por ejemplo, no
ocurrió lo mismo con Meyer y Mies van der Rohe,
que siempre le consideraron lo que los alumnos
denominan popularmente como un “hueso” y que
dudaron incluso de la utilidad de sus enseñanzas.

En sus clases, Kandisky se esforzaba por transmitir

a sus alumnos sus ideas sobre las escalas de color o
la composición a la vez que fue desarrollando sus
ideas sobre la teoría del arte y su técnica personal.

En muchas biografías, se ve a Kandinsky como un

profesor tolerante y dialogante con sus alumnos.

Constantemente escribía correcciones y

anotaciones en los trabajos de sus alumnos que
también aparecen en la exposición. “El color es un
medio para ejercer influencia directa sobre el alma:
el color es la tela, el ojo el macillo, y el alma es el
piano con sus cuerdas”, anotaba.

Además, sus clases eran optativas por lo que no

todos sus alumnos se convirtieron en pintores, sino
que atraía a estudiantes de todas las especialidades.

El propio Kandinsky decía: “El arte va más allá de

su tiempo y lleva parte del futuro”.
 OBRAS PRINCIPALES

Circles in a Circle (1923) Rojo, azul y amarillo

(1925)

Composition VIII (1923)

 LÁSZLO MOHOLY-NAGY
László Moholy-Nagy nació el 20 de julio de 1895 en
Hungría y falleció el 24 de noviembre de 1946 en la
ciudad americana de Chicago a causa de leucemia.

Aunque su verdadera pasión fue la pintura, hoy

en día es recordado como uno de los mejores
fotógrafos de los años 20, pionero en este campo.

También fue profesor en la escuela Bauhaus.

En 1922 experimenta con la fotografía; en 1923

la escuela Bauhaus elige a Moholy-Nagy para que
se haga cargo del taller de trabajos de Metal. Se
convirtió en el precursor de la fotografía Bauhaus.

Asimismo, en 1922 y 1930, trabajó en un Modulador

luz-espacio.

En el año 1937, Moholy-Nagy emigró a Chicago

donde se puso al frente de una escuela de diseño a
la que llamó “Nuevo Bauhaus”.

Human Mechanics (1925)

CARACTERÍSTICAS DE SU
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA
- Su característica principal es el empleo de
encuadres sorprendentes, el contraste, las formas, el
uso de la luz y los planos de picado y contrapicado;
uno de los primeros en experimentar con este
sentido fotográfico y hacerlo con una maestría
digna de reconocimiento fue Moholy-Nagy y esto
es algo de su obra.

- El artista clasificaba la pintura como un medio

para dar forma al color, mientras que la fotografía
servía de instrumento de investigación y la
exposición del fenómeno luz.

- La búsqueda de sombras distintas y de tintineo

supuso una gran innovación en el arte cinético.
 EL AMOR Y LA FOTOGRAFÍA
El artista húngaro Láslzó Moholy-Nagy no se
consideraba así mismo fotógrafo sino en realidad
pintor, y hoy en día es considera uno de los más
innovadores y pioneros de la fotografía de los
primeros años del siglo XX.

Moholy-Nagy se propuso primeramente estudiar la

carrera de jurista, aunque esta se vio truncada por
la Primera Guerra Mundial. Después de la guerra,
decidió dedicarse enteramente al arte, y abandonó
sus estudios de derecho.

En 1920, Moholy-Nagy se instaló en Berlín donde

estableció contacto con el circulo “Sturm” , con las
dadaístas y con los contructivistas.

Entre el grupo de artistas relacionados con estas

vanguardias berlinesas encontró a la que a posteriori
seria su esposa la fotógrafa de origen checo Lucia
Schulz y con la que trabajó en años posteriores en
interesantes experimentos fotográficos, destacando

sus famosos ‘Fotogramas‘ que vieron la luz por

primera vez en el otoño de 1922.

Y fue en 1923 cuando Moholy-Nagy fue llamado

por el propio Walter Gropius para formar parte de
la Bauhaus de Weimar.

Allí se hico primeramente cargo del taller de

trabajos en metal, y más tard,e tras el abandono
del pintor y diseñador suizo Johannes Itten, pasó a
dirigir el curso preparatorio.

Aunque en aquella época no existía una clase

dedicada específicamente a la fotografía -ya que
esta fue creada con la llegada de Walter Peterhans
en 1929 a la escuela-, Moholy-Nagy es considerado
el precursor de este campo y el representante por
excelencia de la fotografía de la Bauhaus.
 LÁSZLO MOHOLY-NAGY - OBRAS PRINCIPALES
Nació el 18 de diciembre de 1879, en
Photogram (1926)
Münchenbuchsee, cerca de Berna,Suiza. En 1914,
visitó Túnez. También visitó Italia en 1901 y Egipto
en 1928, siendo ambos lugares una fuerte influencia
para su arte. Klee era uno de los Die Blaue Vier
(Los Cuatro Azules) junto a Kandinski, Feininger
y Jawlensky. Esta agrupación, formada en 1923
expuso conjuntamente en los Estados Unidos en
1924.
Después de la Primera Guerra Mundial, Klee
enseñó en la Bauhaus, y a partir de 1931, en la
Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, antes de
ser denunciado por los nazis por producir «arte
degenerado». En 1933 dejó la enseñanza y regresó
a Berna, donde realizó una gran exposición en
la Kunsthalle (1935). En 1936 se le diagnosticó
esclerodermia. En 1940 fue internado en una
clínica de Muralto-Locarno, donde falleció el 29 de
junio.

La luz y la transparencia Fotogramas (1922-1943)

de las formas destacan
en ‘A 19’, (1927)
 LYONEL CHARLES ADRIAN FEININGER
Nació el 17 de julio de 1871 en Nueva York (Estados
Unidos).

Cursó estudios de arte en Berlín, Hamburgo y París

entre 1887 y 1893. Fue dibujante de tiras cómicas
para revistas de humor alemanas y para el Chicago
Tribune hasta 1908.

En 1911, se dedicó a la pintura y en 1913 expuso

en Berlín con Der Blaue Reiter, grupo alemán de
artistas expresionistas.

Trabajó como profesor de la Bauhaus, en Alemania,

de 1919 a 1933.

En 1937 regresó a Estados Unidos y comenzó a

trabajar el tema de los rascacielos que habría de
dominar casi toda la obra de su última época.

Lyonel Feininger falleció el 13 de enero de 1956 en

Nueva York.

CARACTERÍSTICAS DE SU
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA

- En sus carcaturas prima un trazo limpio y casi

gestual, atribuyéndole una personalidad única a
sus personajes y situaciones.

- Sus obras representan edificios, locomotoras,

marinas y barcos, están compuestas casi en su
totalidad por líneas rectas y planos de color; incluso
la iluminación de las escenas está subdividida y
fragmentada en planos con forma de prismas.

- En obras posteriores, como Gelmeroda VIII

(1921, Museo Whitney de Arte Americano, Nueva
York), su virtuosismo en la utilización de velos
superpuestos de luz coloreada crea un efecto de
desmaterialización y misterio.
 FEININGER Y LA PINTURA
Tras consolidar su carrera como ilustrador,
Feininger dio un paso más allá con la intención de
buscar un medio de expresión que le permitiera
desplegar libremente su capacidad.

De forma natural y progresiva, fue dejando de lado

las tiras cómicas para volcarse en la pintura.

Aunque en sus primeros cuadros mantuvo todavía

un vínculo con la caricatura, centrándose en
escenas callejeras y personajes exagerados, entre
1906 y 1908, tras residir en París, trabajó en una
línea más abstracta abandonando prácticamente la
figura y adoptando un lenguaje basado en las líneas
rectas y los planos fragmentados de color.

Tras conocer el cubismo, su posición estética se

adhirió dentro de la pintura expresionista alemana.
Participó en la exposición del grupo Der Blaue
Reiter, en el primer salón de otoño celebrado en
Berlín.

En 1919 Walter Gropius lo invitó a formar parte de

la Bauhaus para que dirigiera el taller de grabado,
en el que Feininger impartió clases hasta su clausura
por los nazis en 1932.

Esta experiencia le hizo desarrollar en profundidad

la xilografía, técnica que le permitió ahondar en
sus lienzos en el juego de los distintos planos.

Su reconocimiento se vio interrumpido con la

llegada al poder del partido nazi, integrándose
parte de su obra en la conocida exposición sobre
Arte degenerado. Entonces decidió trasladarse
a los Estados Unidos, donde tras un periodo de
adaptación (era poco conocido, y el cambio de
paisaje afectó a su obra), comenzó a integrarse en
el circuito artístico.

En 1937, decidió regresar de nuevo a Estados

Unidos, donde viviría hasta su muerte.
 LYONEL FEININGER - OBRAS PRINCIPALES
The Green Bridge II La dama de malva (1922)
(1916)

Kinder kids Chicago

Sunday Tribune
 JOHANNES ITTEN
Johannes Itten (11 de noviembre de 1888 – 25 de
marzo de 1967) fue un pintor, diseñador, profesor y
escritor suizo. Formó parte de la escuela Bauhaus y
fue profesor de la escuela HfG en Ulm (Alemania).

En 1913 estudia Arte en la Universidad de Stuttgart.

En 1916 fue su primera exhibición en solitario en
Der Sturm. Ese mismo año crea su propia escuela
de arte en Viena (Austria).

De 1919 a 1923 fue maestro de la Bauhaus en los

talleres de metal, pintura mural y cristal.

En esta época publicó el libro: The Art of Color, que

describe estas ideas siguiendo los pasos de Adolf
Hölzel, La colour wheel (‘rueda del color’) o círculo
cromático de Itten incluía 12 colores.

Falleció el 25 de marzo de 1967 en Zúrich.

Circles (1923)
CARACTERÍSTICAS DE SU
PRODUCCIÓN ARTÍSTICA
- La obra de Itten se caracteriza por su riqueza
cromática y por su gusto por la abstracción, aunque
aborde temas de carácter figurativo como paisajes
o figuras.

- Sus obras, de colorido brillante y fuerte contraste,

son fruto de sus investigaciones sobre los distintos
valores psicológicos que él asociaba a cada color.

- Itten procede a geometrizar las figuras para

presentar un retablo en el que se hace una visión
vanguardista de un tema recurrente en la historia
del arte.

- Itten estudió detenidamente las obras de los

viejos maestros alemanes y flamencos, y elaboró
numerosos estudios geométricos sobre ellos.
 ITTEN ENSEÑANDO COLOR
Itten dio clases en la Bauhaus, desarrollando el
innovador curso preliminar cuyo fin era enseñar a
los estudiantes los fundamentos y características de
los materiales, la composición y el color.

En esta época publicó el libro: The Art of Color, que

describe estas ideas siguiendo los pasos de Adolf
Hölzel, La colour wheel (‘rueda del color’) o esfera
de color de Itten incluía 12 colores.

El Círculo del Color de Itten es un círculo cromático

de doce colores. Itten colocó un triángulo equilátero
con tres primarios inscritos en un hexágono con
los respectivos secundarios en un círculo de doce
partes en el cual todos los colores son equidistantes.

No obstante, el círculo cromático de Itten, tal y

como demostró el teórico Harald Kuppers no está
bien fundamentado.

De hecho, Kuppers llevó a cabo la reproducción de

este círculo descubriendo que evidentemente las
mezclas llevadas a cabo por Itten son incorrectas.
Vamos a analizar su círculo del color:

Los tres colores que Itten llama “Colores

Elementales”: Amarillo, Rojo y Azul que forman en
su círculo un triángulo no son Colores Elementales
porque son colores obtenidos a partir de mezclas,
por lo que ya estaríamos hablando de colores
Secundarios.

Practicaba meditación como medio para alcanzar

su equilibrio interior, que según él era la principal
fuente de inspiración artística.
 JOHANNES ITTEN - OBRAS PRINCIPALES
Der Bachsänger (1916) Horizontal Vertical (1915)
 IMPACTO DE LA BAUHAUS

La Bauhaus vivió unos fructíferos 14 años, sentando Sin duda la escuela también estableció los
las bases del diseño moderno y produciendo obras fundamentos académicos sobre los cuales se
intemporales, hasta verse abocada su desaparición basaría en gran medida una de las tendencias
a causa de la censura que ejercía sobre ella el partido más predominantes de la Arquitectura Moderna,
nazi. incorporando una nueva estética que abarcaría
todos los ámbitos de la vida cotidiana.
Podemos decir que la Bauhaus y la Gestalt han
sentado las bases del diseño que todos conocemos Podemos entonces decir, en un sentido literal, que
hoy en día y con los cuales se mueve la estética las cosas hoy no serían iguales sin la existencia de
moderna, dotándolo de las herramientas necesarias la Bauhaus.
para alcanzar toda su funcionalidad separándolo
del arte y adaptando su estética para maximizar la La Bauhaus cambió la forma de concebir tanto en
efectividad de su significado. arquitectura como en diseño.
 BIBLIOGRAFÍA
1. Gropius, Walter. La nueva arquitectura y La Bauhaus. Editorial Lumen 1966, ISBN 84-264-1005-7
2. Kandinsky, Vasili Vasilevich. Cursos de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 2003. ISBN 84-206-
7011-1
3. Klee, Paul. Diarios 1898-1918. Madrid, Alianza Editorial, 1993.ISBN 84-206-7061-8
4. UNIVERSIDAD DE PALERMO. La Bauhaus abre sus puertas a la fotografía [en línea]. [Consulta:
29 de abril de 2014]. Disponible en web: <http://fido.palermo.edu/servicios_dyc/blog/docentes/tra-
bajos/5637_14140.pdf>
5. Varios. Utopías de la Bauhaus. Edición del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 1988. ISBN
84-505-7550-8
6. Whitford, Frank. La Bauhaus. Barcelona, Destino, 1991.ISBN 84-233-1985-7
7. Wick, Rainer. Pedagogía de la Bauhaus. Madrid, Alianza Editorial, 1993. ISBN 84-206-7054-5
8. Wingler, Hans Maria. La Bauhaus : Weimar, Dessau, Berlín, 1919-1933. Barcelona, Gustavo Gili,
1980. ISBN 84-252-0841-6
9. Wolfe, Tom. La palabra pintada. Editorial Anagrama, 1999. ISBN 84-339-2320-X. Ref. en es.huma-
nidades.arte
10. Wolfe, Tom. ¿Quién teme al Bauhaus feroz?. Editorial Anagrama 1999 ISBN 84-339-0436-1
11. Droste, Magdalena. Bauhaus [castellano]. Editorial Taschen 2006 ISBN 3-8228-5000-4
12. Hervás y Heras, Josenia (2014). El camino hacia la arquitectura: las mujeres de la Bauhaus. Tesis
(Doctoral), E.T.S. Arquitectura (UPM). Archivo Digital UPM
13. Gómez, C. H. (2007) Bauhaus [Documento en línea] Disponible: http://www.chgblog.com/bauhaus
[Consulta 2007, Octubre 16]
14. Enciclopedia Hispánica Platinum (2003). [Multimedia en C. D.] Disponible: Editorial Barsa Planeta,
Inc.
15. Flemig, W. (1989) Arte, Música e Ideas. (Dr. José Rafael Blengio Pinto, Trad.) México: McGraw-Hill.
16. Fundación Miës van der Rohe (2007) Página web en línea] Disponible: http://www.miesbcn.com
[Consulta 2007, Octubre 13]
17. Información de Arquitectura y Diseño (2004) [Página web en línea] Disponible: http://www.arq.
com.mx [Consulta 2007, Octubre 13]
18. Pink (s.f.) Bauhaus [Documento en línea] Disponible: http://apuntes.rincondelvago.com/bauhaus_1.
html [Consulta 2007, Octubre 12]
19. Rojas Alvarado, R. A. (2006) La Bauhaus [Documento en línea] Disponible: http://www.monogra-
fias.com/trabajos35/la-bauhaus/la-bauhaus.shtml?monosearch [Consulta 2007, Octubre 12]
20. Rubio, F. (s/f) Bauhaus [Documento en línea] Disponible: http://html.rincondelvago.com/bauhaus.
html [Consulta 2007, Octubre 12]
21. Schoeller, G. et al. (1985) La Clave Del Saber (Vol. 3) (Ediciones Urbión, Trad.) Bogotá: Educar Cul-
tural Recreativa Ltda.
22. Sólo Arquitectura (s.f.) [Página web en línea] Disponible: http://www.soloarquitectura.com [Consul-
ta 2007, Octubre 14]
23. Torres, E. (2007, octubre) El diseño gráfico delineado en el tiempo. Clase dictada a los alumnos del
10º semestre de Publicidad de la Universidad Alejandro de Humboldt, Caracas-Venezuela.