Ensayo

Géneros teatrales
Tragedia
tragedia a una forma literaria (dramática) y teatral cultivada desde la antigüedad, en la que se
representan con un tono solemne situaciones de conflicto en las que un personaje o una serie de
ellos, por lo general de tipo ilustre o heroico, se ven enfrentados a causa de un error fatal o de las
formas de su carácter a un destino irremediablemente triste, que suele desembocar en
la muerte, locura o exilio del protagonista.

Origen

fueron de origen griego y sus autores fueron Tespis y Frínico. Se piensa que el rito de su
representación fue iniciado en la Grecia y Anatolia antiguas y que tuvo su apogeo alrededor del
siglo V a.C., con el surgimiento de los grandes autores griegos: Eurípides, Sófocles y Esquilo. El
origen de la tragedia es un misterio no resuelto por la filología clásica.

ti pos

 Tragedia clásica: La tragedia clásica es la que cultivaron los pueblos de la antigüedad
grecorromana: la Grecia antigua y posteriormente el pueblo latino (inicios del Imperio
Romano).
 Tragedia moderna: Luego de la Edad Media, la tragedia reaparece en el Renacimiento,
cuando la cultura europea se reconcilia con su tradición pagana. Hubo grandes
exponentes del género en cada país europeo, que usaron el formato de la tragedia para
enfrentar su propia cultura y sociedad.

Elementos de la tragedia

 Coro. El coro representaba en las tragedias un papel fundamental pues representaba

la voz del pueblo: aconsejaba, explicaba los dilemas, daba información y dejaba en claro el
dilema moral, etc. Sus intervenciones se estructuraban en base a tres momentos: estrofa,
antístrofa y párodo.
 Corifeo. El conductor del coro, que podía salir de éste y tener voz propia para increpar a
los coreutas (miembros del coro) o a los demás personajes.
 Personajes. Los distintos personajes, héroes o antagonistas jugaban su papel en la obra.
Todos estaban representados por actores varones, independientemente de su sexo, pues
las mujeres no tenían lugar en el teatro de la antigüedad.
Estructura de la tragedia

 La tragedia clásica se regía por un modelo bastante rígido, compuesto por tres momentos:
 Prólogo. Aquello que antecede a la entrada del coro, usualmente a través de un máximo
de tres personajes y sirve para informar al público del contexto de la obra, dónde ocurre, a
quién y qué hechos del pasado deben manejarse. Para muchos no forma propiamente
parte de la obra, sino que es su prefacio o introducción.
 Párodos. Ingresa el coro a la obra, mediante cantos líricos y danzas de avance y
retroceso. Se crea la atmósfera de la tragedia y se anticipan las entradas de los
protagonistas.
 Episodios. Podían ser hasta cinco episodios durante los cuales se expresa el contenido
filosófico o de pensamiento de la obra, en un diálogo entre los personajes o entre los
personajes y el coro. A menudo estos pronunciamientos morales, éticos o filosóficos
tenían lugar en boca del coro, en subepisodios llamados estásimos.
 Éxodo. Parte final de la pieza, con cantos líricos y dramáticos. Aquí el héroe tiene su
revelación, reconoce sus errores y es castigado por los dioses dando pie a la enseñanza
moral.

Comedia
La comedia se caracteriza por el uso del humor para transformar, exagerar y ridiculizar el drama
para situaciones cómicas y generalmente tienen un desenlace feliz.
Se llama comedia a uno de los más antiguos géneros dramáticos, opuesto en su temática a
la tragedia, es decir, caracterizado por tramas y narraciones que evocan a la risa y que tienen un
final feliz. Según la describe el filósofo griego Aristóteles en su Poética (siglo VI a.C.), la comedia
consiste en una representación de los hombres peores de lo que realmente son, lo cual posibilita
que los espectadores se burlen de ellos, incluso siendo figuras poderosas en vida real.

Origen

La comedia, como la tragedia, tiene su origen como género en la Antigua Grecia (1200 – 146 a.C.),
como una evolución artística de los primitivos cantos de honor a Dionisos, derivado del ditirambo,
una composición griega asociada a la sátira y al mimo. El esplendor de la comedia griega tuvo lugar
con Aristófanes (444-385 a.C.), cuya herencia fue transmitida a la cultura romana por el
comediógrafo griego Menandro en el siglo IV.

Tipos

 Comedia antigua. Se conoce así a la obra de los grandes comediantes de la antigüedad,

como Aristófanes, Cratés o Cratinos, inventores del género.
 Comedia de enredos. También llamada “de situación”, consiste en la mezcla azarosa y
disparatada de dos o más relatos que convergen sin querer y dan lugar a malentendidos.
 Comedia física. Llamada en inglés slapstick, es la comedia de importante componente
físico o actoral, es decir, en la que los actores sufren accidentes físicos: caídas, golpes, etc.
 Comedia pastoral o pastoril. Dedicada a la bucólica vida en el campo, con amores entre
pastorcillos o campesinos.
  Comedia satírica. Aquella que ridiculiza determinadas instituciones o individuos,
realzando sus defectos y haciendo mofa del poderoso.
 Comedia de magia. También conocida como comedia de aparato, tiene presencia de toda
suerte de seres y animales mágicos que requieren de situaciones y efectos especiales
(tramoya).
 Comedia musical. Donde los personajes no solo actúan, sino que cantan y bailan.

Elementos de la comedia

 Espacio definido: Es donde todas las acciones de la comedia tienen un lugar específico
cada una.

 Objetivo: Es lo que el actor viene hacer, lo que intenta conseguir o lo que desea. Por lo
cual es un elemento obligatorio de la comedia.

 Obstáculos: Son las dificultades desviaciones que el actor va encontrando en su camino

por conseguir su objetivo. Los obstáculos pueden ser: Externos e Internos.

 Resolución a Conflictos: El actor de comedia siempre va a intentar resolver las dificultades

que se le presentan de la manera menos convencional y lógica que pueda existir.

 Gag: Es algo que transmite humor a través de imágenes, generalmente sin el uso de
palabras. Posee una duración extremadamente corta es inesperado, que es lo que genera
la risa en el espectador.

Estructura de la comedia

 Prólogo: Es el texto o parte situado al principio de una obra, entre los documentos
llamados preliminares, que sirven a su autor para justificar el haberla compuesto y al
lector para orientarse en la lectura o disfrute de la misma introduce la temática de la obra.
incluyendo la presentación del héroe y el plan con el que pretende afrontar la situación
 Párodos: Es un término utilizado en la tragedia griega. También se le conoce como
paridos: Se utiliza de dos maneras para referirse a una parte de la estructura teatral y para
referirse a una sección de la obra en si.
 Agón: En el antiguo teatro griego, particularmente en la comedia del siglo V a.C. el agón se
refiere a una convención formal en virtud de la cual la lucha entre los personajes debe
planificarse de tal manera que proporcione la base de la acción.
 Parábasis: Es un momento en la obra en que todos los actores salen del escenario y se
quedan solamente los miembros del coro para dirigirse al público directamente.
 Explotación del éxito: El héroe ha de hacer frente a quienes. malinterpretando su victoria.
quieren solaparla o aprovecharse de ella.
 Comos: Apoteosis de la victoria del héroe introducida por el poeta como un festejo Es
definida como un festejo o una procesión de un ritual festivo.

Drama
El drama es un género literario caracterizado por la representación de acciones y situaciones
humanas conflictivas, que ha sido concebido para su escenificación, bien sea teatral, bien
televisiva o cinematográfica. En este sentido, drama también puede hacer referencia a la obra
dramática en sí. 

Origen

su origen en la cultura griega clásica, en la que jugaba un rol político y religioso clave, pues
escenificaba relatos o escenas de relatos provenientes de la tradición mitológica y religiosa griega,
en la que además se expresaban los valores cívicos y políticos considerados necesarios de
preservar.

Tipos

 La tragedia. El género más elevado, según Aristóteles, y de mayor efecto poético,

consistía en la representación de los hombres mejores de lo que son, para que su
caída en desgracia tenga un efecto catártico mucho mayor en el público.
 La comedia. Contraria a la tragedia, representa a los hombres mucho peores de lo que
realmente son, para mofarse de ellos. Así, sirve de género satírico contra el poder, ya
que permite a los ciudadanos reírse de sus reyes por un rato.

 Pieza. La obra dramática realista por excelencia, dotada de personajes complejos y

comunes enfrentados a situaciones límite en sus vidas.
 Melodrama. Su nombre significa “drama musical” y persigue una reacción emocional
del público mediante situaciones de conflictos de valores, a menudo de tipo patético o
de dramatismo muy intenso. Las telenovelas, por ejemplo, son una forma de
melodrama contemporáneo.
 Tragicomedia. Una combinación de aspectos trágicos y cómicos en un género no
realista, de anécdota usualmente compleja y personajes simples, arquetipales.
 Obra didáctica. Una forma de obra dramática que invita al espectador a la reflexión,
mediante personajes simples y anécdotas complejas, llenas de reflexiones y
proposiciones filosóficas o existenciales.
 Farsa. Es un género impuro que toma elementos de cualquier otro género dramático
para construir una anécdota de tipo simbólico, a menudo difícil de interpretar.

Elementos del drama

 La acción. El conjunto de acciones e intercambios que tienen lugar en escena durante

la representación de la obra, y no todos los cuales están contemplados
necesariamente en el texto escrito. En general, la acción compone el argumento de la
obra, es decir, la historia que se desarrolla frente a nuestros ojos.
 La espacialidad. El escenario o lugar ficcional en donde ocurre la obra, representado a
través de elementos escénicos reales (decorados, instrumentos, etc.) o imaginarios
(aquellos que se hacen “aparecer” mediante la actuación).
 La temporalidad. En la obra coinciden dos formas muy distintas de tiempo, que son el
tiempo de la obra, es decir, el tiempo que abarca el despliegue de la acción y que
pueden ser minutos, semanas, meses o años, dependiendo de la anécdota contada; y
el tiempo de la representación, que es el tiempo real que toma contar la anécdota, o
sea, el tiempo de duración del espectáculo, usualmente comprendido entre una y tres
horas.
  Los personajes. Cada actor en escena le pone cuerpo a un personaje de la anécdota,
de acuerdo a lo contemplado en el guion. Los personajes pueden ser protagónicos o
secundarios, y pueden presentarse al público acompañados de disfraces, o no. En la
antigüedad griega los actores empleaban máscaras que dejaban en claro a qué
personaje encarnaban.
 El conflicto. En toda obra dramática hay un conflicto que es la fuente de la tensión en
la historia, o sea, que genera suspenso y ganas de seguir contemplando la obra (o
seguirla leyendo). Dicho conflicto surge a partir de los deseos del protagonista y su
encuentro con la realidad del resto de los personajes, es decir, cuando dos o más
visiones de mundo se enfrentan en el argumento.

Estructura del drama

 Actos: Son unidades amplias en que la obra se segmenta, separadas entre sí por un

descanso (entreacto) representado por una bajada del telón, oscuro o mecanismo similar.
 Escenas: Son las unidades en que se divide cada acto, y que se corresponden con la
presencia en el escenario de ciertos personajes o elementos, o sea, que están
determinadas por la entrada o salida de los actores al escenario.
 Al inicio le corresponde la presentación de los personajes y del conflicto, generalmente a
partir de posturas contrarias que son ofrecidas al público.
 Al desarrollo le corresponde la complicación de la trama, conduciendo a los personajes al
enfrentamiento decisivo o a la situación límite, que es donde el relato alcanza su punto
máximo de tensión.
 Al desenlace le corresponde la resolución del conflicto y la presentación de un nuevo
orden de las cosas, que resuelve las tensiones y brinda el fin de la obra.

Musical
El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogos,
actuaciones y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo, amor,
ira) se comunican a través de las palabras, la música, el movimiento y los aspectos técnicos del
entretenimiento como un elemento único integrado.

Origen

Se puede decir que el musical nació el 12 de septiembre de 1866, el día en el que en Estados

Unidos se pone en escena por primera vez una ópera (The Black Crook), que surge de la unión
entre una compañía de danza y baile europea con una compañía de teatro.

Tipos

 Ópera: Representación teatral en cuyo desarrollo van cantando los distintos personajes.
La acción dramática se mezcla con la intervención de la orquesta, la danza, la palabra, los
decorados y demás elementos. Según su estilo y contenido, se distingue entre ópera seria,
bufa, idílica romántica o legendaria entre otros subgéneros. Para encontrar el origen de la
ópera tenemos que viajar hasta la Italia de finales del siglo XVI, cuando el músico Emilio
Cavalieri y el libretista Laura Guidiccioni estrenaron las primeras piezas de este género.
  Zarzuela: Obra dramática y musical, en la que se alterna la declamación y el canto. Como
género genuínamente español, tiene sus orígenes en la musicalización de distintos
misterios y dramas. Su creador fue Calderón de la Barca, con su pieza El jardín de Farelina,
estrenada en 1648. Otros en cambio atribuyen la paternidad de la zarzuela a Lope de Vega
con La selva sin amor de 1629. Un dato curioso: el hecho de que muchas piezas se
representasen en la casa de recreo que la familia real tenía en los montes de El Pardo
(Madrid) acabó por conferirle el nombre actual de La Zarzuela.
 OPERETA: Es de hecho una especie de ópera, de asuntos frívolos y carácter alegre, en el
que predomina la sátira. Nace y se desarrolla a lo largo del siglo XIX, primero en París y
después en Viena. De trama inverosímil y disparatada, consta de diálogos hablados, entre
los que se intercalan historietas (couplés) y bailes como el rigodón o el cancán.
 REVISTA O MUSICAL: Este subgénero dramático de la comedia combina música, baile y
breves escenas teatrales o sketches humorísticos o satíricos. Mezcla elementos dramáticos
del burlesque, el vaudeville, la extravaganza y la comedia musical, pero se distingue por su
simpleza dramática. Además, no hay un hilo argumental.

Elementos del musical

 Libreto: que incluye los diálogos y la descripción de las escenas.

 Partitura: que contiene la letra de las canciones, la música que la acompaña y la música
para otros momentos de la obra.
 Puesta de escena: escenografía.

Estructura de musical

 Primer acto: Obertura, Apertura, Exposición, Productor

 Segundo acto: Entreacto, Productor, Resolución, Final.

Opera.
 es un género que está asociado a la música clásica, es considerada una forma teatral que narra
una historia, completa o parcialmente, a través de la música y el canto. El término ópera es de
origen italiano y significa “obra” (del plural latino opus que significa “trabajo” o “labor”).

Origen

La ópera nació a finales del siglo XVI, como iniciativa de un círculo de eruditos (la Camerata
Fiorentina) que, al descubrir que el teatro griego antiguo era cantado, tuvieron la idea de
musicalizar textos dramáticos. Así, Jacopo Peri creó La Dafne (1597), a la que siguió Euridice
(1600), del mismo autor.

Tipos

 Grand Opéra: Se trata de una subgénero de ópera originaria de Francia que surge en las
primeras décadas del siglo XIX y que se puede identificar con facilidad por la presencia de
temas históricos, una gran orquesta, grandes efectos de escena, fluidez musical y muchos
personajes. En muchas ocasiones incluye algún ballet  y suele agruparse en unos 4 o 5
actos en total.
  Dramma per música: Este subgénero surgió a finales del siglo XVII  y siguió evolucionando
hasta finales del siglo XIX. Por norma general solía ser una ópera “seria”, tratando
cuestiones de drama como su propio nombre indica. Muchas de las óperas más famosas
se pueden incluir en este género.
 Farsa: Se trata de un subgénero que surgió en Nápoles y Venecia desde comienzos
del siglo XVIII y casi todo el siglo XIX. Se caracterizan por ser óperas de un acto y a
diferencia de las anteriores son de índole satírica y sarcástica con toques de humor
siempre presentes. La diferencia con la comedia es que la farsa intenta recriminar una
realidad ignorada y no siempre tiene que hacer reir necesariamente, pero sí criticar y
reivindicar cuestiones sociales.
 Dramma giocoso u ópera buffa: Este tipo de ópera procedente de Nápoles se desarrolló
durante la segunda mitad del siglo XVIII con Carlo Goldoni fue como máximo
representante. Lo más característico de esta ópera son los finales con gran clímax
dramático y extensos, y suelen componerse por dos largos actos y un tercero final de
mayor brevedad.
 Intermezzo: Se trata de piezas pequeñas de carácter humorístico y cómico que se
ejecutaban entre obras serias haciendo de puente o interludio entre ellas.  Solían ser de
ambiente popular  y se empezaron a desarrollar en el siglo XVIII.
 Ópera de baladas: Es una especie de parodia de la ópera clásica en el que se mezclan
canciones de diferente origen(ópera seria, folclore, canciones populares…). Es considerada
como la precursora de la opereta y se desarrolló durante el siglo XVIII aunque no por
mucho tiempo. Una de sus óperas más famosas podrá ser The Beggar’s Opera.
 Ópera de cámara: Son aquellas óperas pensadas para ejecutarse por unos pocos músicos
(e instrumentos) e intérpretes, en vez de una gran orquesta completa y muchos
personajes.  Algo así como una ópera reducida para poder actuar en salas pequeñas.
 Ópera del Savoy: Este sub-género operístico propio de Inglaterra se desarrolló durante el
siglo XIX con Gilbert y Sullivan como máximos exponentes de la época. Este tipo de ópera
supuso el paso previo al posterior concepto de musical.
 Ópera-comique: De origen francés y similar a la ópera bufa (carácter cómico, clases
populares como público) es un estilo que se caracteriza por tratar temas de actualidad.
 Ópera ballet: Ubicada en Francia sobre el siglo XVIII, la ópera ballet se caracteriza por un
mayor protagonismo del ballet  y el entretenimiento, y menos peso de texto y
dramatismo. 
 Pastoral heroica: La pastoral heroica se desarrolla en 3 actos y es originaria de
Francia  durante los siglos XVII y XVIII. Se caracteriza por escenas de dioses y héroes de la
mitología de Grecia y Roma, en su mayoría con temáticas amorosas.
 Opereta: Surgió en París a mediados del siglo XIX y se extendió rápidamente por Viena.
Este tipo de ópera destaca por el surrealismo y lo absurdo de sus escenas.

Elementos de la opera

Literatura: Como parte de los géneros literarios como subgénero, la ópera vincula esencialmente
la literatura en su composición, sirviéndose de ella para la construcción de toda la puesta en
escena. Es fundamental que esta composición se haga de forma escrita en el texto que recibe el
nombre de libreto, donde se encuentra la historia de la ópera. Para la creación del libreto se
requiere la participación colaborativa de un escritor o poeta y el compositor que tiene a su cargo,
además, los demás elementos artísticos. 

Música: Dentro de este campo, resaltamos el uso frecuente de instrumentos musicales en vivo
dada por una orquesta, aunque también puede estar compuesta por un coro o solistas dirigidos
respectivamente. A ello se suma la presencia de la poesía, la cual se lee por libreto para ser
cantada. 

Teatro: El uso de las artes escénicas es clave, dado que este tipo de obras se basan en la
representación teatral de expresiones de sentimientos, pensamientos, ideas y conversaciones que
son manifestadas a través no sólo de la voz, sino del cuerpo, el vestuario y en general, la puesta en
escena desde la interpretación. 

Danza: Muchas obras de ópera, incluyen el uso de la danza, en especial el ballet, pues como parte
de las artes escénicas crea un ambiente armonioso que simpatiza con la compañía de
instrumentos musicales y el canto, creando una atmósfera mucho más nutrida de expresiones
artísticas. 

Artes plásticas: Este tipo de arte, dentro de la representación de la ópera participa en la creación
de pintura, pero también en la arquitectura para la creación de los espacios dentro del escenario,
la decoración y en general, todo el material visual que hace parte de la puesta en escena, las
cuales definen el tiempo y lugar en el que ocurren los hechos.

Otros elementos que hacen parte de la representación de la ópera incluyen otros aspectos de
complemento para la escena, como lo son los efectos escénicos, la iluminación y sus variantes
dentro del escenario, los vestuarios de cada uno de los personajes de acuerdo a su rol y el
maquillaje particular. 

Estructura de la opera

 Apertura de la ópera: Es la parte inicial de la representación, la cual se suele dejar en

interpretación de la orquesta en vivo que se ubica en el escenario. Para este momento,
con frecuencia se deja el telón cerrado y los instrumentos se empiezan a interpretar desde
allí. Luego de esto se presenta la ópera o bien un sólo acto, formados por escenas. 
 Aria: Se refiere a todas aquellas partes en las que se presentan las partes cantadas, lo que
requiere una interpretación presentada por un solista, o con el acompañamiento de un
coro, sin embargo siempre está presente la orquesta con la voz que canta. 
 Recitativo: Esta parte se refiere en particular al acercamiento de la obra en la parte
discursiva, dado que en esta sección el objetivo inicial de la obra queda en evidencia para
el público, lo cual se realiza con mucha rapidez. Se cede una parte al coro y la orquesta
para su participación en esta sección. 
 Coro: Los coros o el coro, es compuesto por un gran grupo de personajes caracterizados
que cantan en conjunto fragmentos esenciales de la obra. 
 Interludios: Esta sección se usa con el fin de presentar partes instrumentales de forma
intercalada entre los fragmentos que propone el coro.
 Actos: Serán finalmente los espacios de tiempo y lugar en los que se divide la ópera, los
cuales reciben el nombre de escenas. 
Monologo
 un monólogo (del griego monos, solo, solitario» y logos, discurso) es un discurso presentado por
un solo personaje, la mayoría de las veces para expresar sus pensamientos mentales en voz alta,
aunque a veces también para dirigirse directamente a otro personaje o al público.

Origen

Aunque ya existía como género dramático, comienza en EE. UU. allá por los años 30. Los cómicos
utilizaban los escenarios de pequeños bares de copas para desbordar con todo su ingenio
con monólogos que trataban de temas cotidianos con un sentido del humor sin igual

Tipos

 Monólogo dramático. También conocido como soliloquio, se trata de una puesta teatral
de las reflexiones personales y los pensamientos de un personaje determinado, ya sea
como una obra unipersonal o como un recurso expresivo dentro de una obra teatral
mayor.
 Monólogo cómico. Característico de comedias en vivo como el stand up, se trata de una
rutina teatral cómica interpretada por una sola persona, por lo general sin
acompañamiento, vestuario ni escenografía de ningún tipo.
 Monólogo interior. Esta forma de monólogo es una técnica empleada en literatura, sobre
todo en narrativa, en la cual se usan largas oraciones para reflejar el estado emocional del
personaje y sus sentimientos, a través de la imitación del fluir de la conciencia.

Elementos de monologo

 En un monólogo, eres el único actor / actriz.

 No confundas a la audiencia. ...
 Debe ser claro y fácil de entender.
 Deberías llevar al público a algún tipo de viaje. ...
 Intenta hablar de algo nuevo. ...
 Tu personaje debe ser alguien que te intrigue para de este modo desarrollar fácilmente la
historia.

Estructura de monologo

 Formato: El monólogo dramático puede tener varios formatos, y puede tener estructura
estricta, como el soneto, o puede ser flexible, como una prosa. Se escriben en primera
persona y siempre se dirigen a un público definido. Al lector de un monólogo dramático se
lo considera un lector silencioso.
 Personaje: El personaje de un monólogo dramático se manifiesta revelando sus
pensamientos más íntimos. Con frecuencia, estos monólogos representan una especie de
confesión, o representan el alma o la conciencia del personaje. El personaje revela sus
pensamientos y sentimientos que oculta de los demás, lo cuales no serán revelados jamás,
excepto a través de esta misiva casi privada para el lector o la audiencia.
  Revelación: Por lo general, existe una revelación dramática de cierta importancia dentro
de un monólogo. Se utiliza con frecuencia para generar una gran introspección o inquietud
lo que hace que el monólogo realmente sea "dramático". El soliloquio de Lady Macbeth en
la obra "Macbeth" de Shakespeare es un buen ejemplo. En esta escena ella lee una carta
dirigida hacia sí misma, entonces comienza un monólogo en el que manifiesta tanto sus
pensamientos y sentimientos más íntimos, como las revelaciones dramáticas que hacen
avanzar la trama.
 Clímax: La mayoría de los monólogos dramáticos se construyen progresivamente hacia un
clímax dramático, generalmente hacia el final de la obra. Las secciones previas del
monólogo se deben utilizar para crear y construir el clímax. El clímax se debe revelar junto
con todo el drama. Luego, el autor no debe extenderse demasiado en las consecuencias,
porque una vez que el público ha experimentado el punto más dramático del monólogo,
tiene que centrar su atención sobre nuevos puntos para desarrollar o sobre el descenlace
de la trama.

Tragicomedia.
 Es una obra dramática en la que se mezclan los elementos trágicos y cómicos, aunque también
hay lugar para el sarcasmo y parodia. Una pieza es una obra literaria del tipo realista, en donde la
situación y los personajes están claramente presentados.

Origen

El término “tragicomedia” fue acuñado por el dramaturgo romano Tito Maccio Plauto (254-184 a.
C.), para referirse a cierto tipo de obras teatrales en que se invertían los roles tradicionales de
dioses y hombres, o de amos y esclavos, generando así un efecto burlesco en la caída de los dioses
y los amos, y dotando a los esclavos de una dignidad trágica.

Elementos de tragicomedia

 Tema: La tragicomedia se encarga de presentar al público el camino de un héroe

tragicómico, quien con el paso del tiempo se enfrenta a una serie de obstáculos que se le
ponen enfrente y le dificultan alcanzar su objetivo, ya sea de tipo sentimental, social,
político, etc. Particularmente, puede desenlazar en un fin tanto positivo como negativo.
Recurre a temas universales. 
 Personajes: En particular, en la tragicomedia, los personajes son sometidos a una gran
variedad de situaciones en las que se enfrentan a sentimientos y emociones intensas que
pueden oscilar entre sensaciones agradables o desagradables, positivas o negativas, y que
componen esa ambigüedad y mezcla clara dentro de la vida habitual de los seres
humanos. 
 Es por ello que los personajes de la tragicomedia son realistas, implementando también
un lenguaje que puede adaptarse a las clases sociales y el contexto en el que se va a
presentar. Entre los tipos de protagonistas podemos identificar al protagonista, casi
siempre un galán, el antagonista, una dama, un sabio, el personaje gracioso y los criados. 
 Fuerzas externas: Los personajes de estas historias son llevados progresivamente a
situaciones fuertes en las que se enfrentan a otra serie de condiciones, sin embargo, esto
tiene mucho que ver con la atmósfera que se crea, pues es la que obliga a estos
 personajes a enfrentarse a ellas. A menudo se habla del destino, haciendo alusión a una
fuerza externa, como los elementos de la naturaleza, que maximizan la tensión de la pieza.
Una muestra de ello son las historias conocidas como “viaje del héroe”. 
 Contradicciones humanas: Uno de los aspectos más frecuentes de este subgénero es que
pone en evidencia una serie de contradicciones humanas que se configuran en piezas
realistas en la que los personajes se enfrentan a situaciones que generan dilemas entre
sentimientos, emociones, decisiones, etc. 
 Sarcasmo: Si bien está presente la tragedia y la comedia a lo largo de la obra, el sarcasmo
es otro de los elementos más importantes de la tragicomedia, dado que permite aumentar
la intensidad de dilemas y contradicciones humanas. El sarcasmo es presenta a partir del
elemento cómico con la incorporación de la parodia, teniendo en cuenta el contexto
popular. 
 Final contundente: Aunque si bien depende de la forma en la que se desarrolla la obra, el
personaje principal puede experimentar un final positivo o negativo. Es así que, si el
personaje ha tenido una vida cómoda, automáticamente el final que tenga será trágico,
mientras que si su vida ha sido trágica, tendrá un final cómico. Sin embargo, se debe tener
en cuenta que el mensaje que constituye para el público debe ser claro, y no es una regla
general la forma de terminación. 

Estructura de tragicomedia

Teniendo en cuenta la brevedad de este tipo de obra, no existe una serie de parámetros
establecidos para la composición de la tragedia más allá de la incorporación de las características
que inicialmente presentamos. Es por ello que la caracterización de personajes, sentadas en un
rol, clase social y modo específicos, permiten que la obra se reproduzca más rápidamente y desde
el inicio el público tenga idea de las formas de cada personaje dentro de sus modos de actuar y
pensar, como la identificación inicial del desgraciado, quien será el objeto y víctima de las
circunstancias. De esta manera, toda la información se obtiene rápidamente y se pasa a la base o
trama de la obra. 

El final, por su parte, luego del planteamiento y desarrollo casi conjuntos, se presentará de forma
inmediata, casi siempre se evidencia en el último minuto de la obra. Con frecuencia los autores
suelen desarrollar un final feliz luego de un camino entero de sufrimiento y dolor, aunque esto
puede variar en las obras, los contextos y los contenidos de las historias.