HISTORIA DEL ARTE GÓTICO

.1. INTRODUCCIÓN.

1. EL TÉRMINO GÓTICO Y SUS VALORACIONES HISTORIOGRÁFICAS.

Cuando hablamos de Gótico nos referimos a un estilo artístico que comprende unas
características concretas que parten del Románico. Aparece por primera vez en la
Arquitectura, y es un intento de crear un estilo visual que represente a la monarquía
y a la ciudad. Es un paso de lo rural del Románico a lo urbano del Gótico. Este
nuevo estilo enmarca el deseo de proporcionar al abad Suger (confesor del rey Luis
VII) la consolidación del poder monárquico frente al feudal. Estamos ante un arte
con intenciones políticas y propagandísticas. El Abad quería que la luz estuviera
muy presente en el interior de las iglesias debido a la idea neoplatónica de que la
luz era la divinidad. La luz no podía incluirse en las iglesias románicas debido a sus
gruesos muros, por lo que los arquitectos de las nuevas iglesias góticas emplean
nuevos sistemas, con aristas y con aberturas de ventanas. Con el tiempo surgen las
vidrieras, como método de cubrición de las ventanas

El término Gótico se emplea para calificar el arte que nace a mediados del siglo XII
y que tuvo una pronta expansión por Europa. El apelativo por el que lo conocemos
es ajeno a su época y a la percepción de sus creadores, es más, el término Gótico
como tal no aparece hasta aproximadamente el 1520. Se piensa que fue empleado
por Rafael, para calificar al estilo como una obra germánica, monstruosa y bárbara.
Podemos deducir que era usado de forma peyorativa, para dar a entender una
producción tosca e irracional digna de godos. Tiene sentido que un artista
renacentista pensara de esta manera, ya que se trata del primer estilo que
abandona los cánones clásicos.

Teniendo en cuenta toda esta perspectiva histórica, entendemos como Gótico todo
arte que fuera creado entre mediados del siglo XIII y mediados del siglo XVI
aproximadamente, ya que dependiendo de las regiones europeas esta cronología
puede variar.

1.1.1 ESTUDIO DEL ARTE GÓTICO: CORRIENTES INTERPRETATIVAS.

La idea renacentista del arte Gótico como negativa fue una idea que se expandió, y
fue tema tratado por varios autores. Max Dvorak atribuye la creación del Gótico a
países del norte, ya que son los pueblos norteños los que se diferencian del
clasicismo característico del Mediterráneo. Erwin Panofsky plantea el Gótico desde
una perspectiva espiritual, como una respuesta a las nuevas necesidades
espirituales de una nueva población. Fue el primero en comprender lo que el Gótico
supuso. Otto Van Simson parió de la luz como si esta fuera un material más
empleado en las construcciones góticas, uno que los constructores deben saber
cómo integrar en el conjunto. Georges Duby explicó que el Gótico era una
demanda de la sociedad ante unas nuevas necesidades espirituales (pensamiento
muy relacionado con el de Erwin Panofsky)

2. ESPACIO Y TIEMPO ENGLOBADOS EN EL CONCEPTO GÓTICO: LA CIUDAD MEDIEVAL.

La revitalización de las ciudades es un aspecto clave a tener en cuenta para
entender la evolución artística, auspiciada por una nueva clase social que habitaba
en los activos centros urbanos, y que abogaba por un naturalismo más próximo a la
realidad. La aparición de nuevas herramientas disminuyó la necesidad de mano de
obra en el campo, por lo que muchas personas se trasladaron al ámbito de trabajo
artesanal. Las urbes se convirtieron en centros de producción y de intercambio de
ideas y mercancías, siendo el propio comercio lo que ayuda a las ciudades a
comenzar a crecer.

El sistema feudal no estuvo en contradicción con el desarrollo de las ciudades, de

hecho, muchos señores feudales beneficiaron a aquellos campesinos que se
asentaban en sus territorios. En las ciudades la persona con mayor importancia era
el obispo. Es en este contexto en el que surgen los primeros intentos de un sistema
bancario: el comerciante podía viajar con una letra de cambio a otra ciudad y
entregarla, sin tener porqué viajar con todo el dinero a cuestas. Son los primeros
movimientos de lo que en la actualidad se conoce como capitalismo. La gran
protagonista y beneficiaria del crecimiento urbano fue, sin duda, la burguesía, que
pronto reclamaría al gobierno de las ciudades tratando de librarse de la tutela del
poder feudal. La monetización de la economía introdujo cierta movilidad entre los
grupos sociales y agrandó la diferencia entre ricos y pobres. En regiones
urbanizadas del continente, los nobles abandonan su residencia en los castillos para
acomodarse en la ciudad y estar más cerca de los resortes del poder, y disfrutar de
un nivel de vida y de visibilidad superior. La penetración del capital urbano en el
campo se insertó en los mecanismos de mercado y contribuyó a hacer menos nítida
la diferencia entre el patriciado urbano y la pequeña nobleza. Se crearon
funcionarios encargados de buscar oficio a las personas, fomentando la prosperidad
y el bienestar del colectivo que buscaban en una ciudad.

La primera gran crisis del sistema feudal tuvo lugar en el siglo XIV, con hambres,
epidemias y guerras. En el 1347 el contacto con Crimea entre Táratros y naves de
comerciantes genoveses propició la rápida expansión de la Peste Negra en el
continente. La guerra fue otro factor desestabilizador, consecuencia de la evolución
del sistema feudal en el contexto de afirmación de las monarquías centralizadas.
Derivan de las enrevesadas relaciones entre las dinastías Capeta (Francia) y
Plantagenet (Inglaterra) que junto a la competencia mercantil desencadenaron la
Guerra de los Cien Años. Se suman las disputas entre Castilla y Aragón, ciudades
italianas, etc. Se rompe la dinámica de crecimiento, pero como resultado los
monarcas aprendieron a plantear sistemas fiscales mucho más eficaces que les
permitieran pagar a quienes debían cuando debían hacerlo.

Si hablamos de la Iglesia, estamos en el momento de fraguación del Cisma de

Occidente. Tras la muerte de Inocencio XI se nombró Papa a Clemente V, francés
que trasladó la sede del papado a Aviñón, donde hizo un palacio que los papas que
lo siguieron ampliaron. Fue Gregorio XI quien decidió devolver a Roma en 1378, año
en el que muere. Le sigue Urbano Vi, pero muchos cardenales retiraron su
obediencia y nombraron un nuevo Papa que estaría en Aviñón, nombraron a
Clemente VII, francés. Así, en Occidente se encontraban dos Papas (Roma y
Aviñón) y la Iglesia estaba dividida. La continuidad se restableció en 1477, mientras
tanto, el Papado había mejorado su discurso y habían aparecido las órdenes
mendicantes. Estas órdenes establecían sus conventos en las ciudades y estaban
separadas de la jurisdicción del obispo: respondían directamente ante el Papa. De
las órdenes mendicantes destacan los Franciscanos y los Dominicos. Los
Franciscanos optaron por predicar la pureza del evangelio, el voto de la pureza, y la
comunión mística con la naturaleza. Los Dominicos se fundaron con el apoyo de la
recién fundada Inquisición y predicaron contra la herejía. En las ciudades se
desarrolló la vida intelectual, con la alfabetización que favoreció la aparición de
pequeñas bibliotecas domésticas. Este renacer hará que, sobre todo en la catedral,
el colectivo ciudadano vele por la ciudad. La catedral se volvió entonces el símbolo
de la ciudad, el principal atrayente de los comerciantes. Una catedral representaba
una ciudad ordenada y tranquila. Los frailes vivían cerca de la ciudadanía y se
adaptaban a las necesidades de los habitantes. El trabajo manual también fue muy
importante, ya que anteriormente se trataba de algo inservible, pero desde entonces
el obtener productos de la naturaleza era algo que te acercaba a la creación de
Dios: trabajar con materias primas hacía al artesano partícipe de una creación. Por
otro lado en los castillos continuó la exaltación de los ideales caballerescos,
fundidos con los valores monásticos basados en la generosidad, frente a los valores
de cálculo burgués. Estos ideales se difundieron con la poesía trovadoresca,
divulgadora de nociones como el amor cortés o la lealtad del vasallaje.

3. PATRONOS Y COMITENTES. LA DEMANDA ARTÍSTICA.

Los patronos y los comitentes eran quienes encargaban las obras. Dieron origen a
una gran demanda de arte de calidad, ya que el arte otorgaba al patrono prestigio.
Este prestigio también se relacionaba con la religiosidad privada. Los laicos
entonces comenzaron a involucrarse en las gestiones diarias de la catedrales. Los
bellos templos que tenían las ciudades atraían negocios, mercaderes, y en
definitiva, riqueza. También se construían edificios civiles para las reuniones de los
gobiernos de las ciudades, para las asambleas o para los comercios. Estamos
hablando de edificios con proclamas para los gobernantes, para que fuesen justos,
equitativos y solidarios.

4. EL ARTISTA GÓTICO.
El mérito se le daba al cliente, a quien encargaba la obra. Era quien se llevaba el
prestigio. Sin embargo, gracias a la documentación (por ejemplo, las
capitulaciones), ahora conocemos más nombres de artistas góticos que nunca. En
las capitulaciones llegaban a aparecer el plazo en el que debía llevar a cabo la obra,
cuando se le iba a pagar, las escenas que debían figurar, etc.

Los artistas empezaron a reivindicar su estatus, sobre todo los arquitectos, por los
conocimientos que necesitaban para llevar a cabo su trabajo (geometría, uso del
compás, materiales…). A los arquitectos en un futuro se les unieron los trabajadores
de piedras preciosas. Mucho más tarde se unirían escultores y pintores. Los
trabajadores trabajaban dentro de talleres, como cofradías (con fines religiosos), ya
que no existía la seguridad social y estas cofradías ayudaban al trabajador cuando
estaba enfermo a conservar su trabajo. Daba cierta seguridad. Nacieron como
organizaciones benéficas siempre adscritas a un monasterio. Cuando van
consolidándose estas corporaciones se empiezan a conocer como gremios. Los
talleres trabajaban en general por encargo, y tan solo las capas más altas tenían
derecho a innovar. En general se imitaban modelos prestigiosos, la originalidad no
era lo más importante. Dentro de los modelos el conocimiento del mercado
beneficiaba a quienes realizaban joyas, tablas, etc. a la hora de realizar obras sin
encargo previo. Por ejemplo nacieron las tiendas de iconos, donde compraban
mercaderes de toda Europa. Existieron también libros donde escribieron las técnicas
de trabajo y la forma en la que trabajaban los talleres.

.2. LA ARQUITECTURA GÓTICA.

1. LA CATEDRAL GÓTICA.
Es una nueva forma de ver a un Dios mucho más cercano, mucho más humano. La
catedral debe ser un lugar resplandeciente y brillante a través de la luz, transmitida
físicamente a través de los ventanales. Los colores de las vidrieras a través de la luz
hacen del interior de la catedral un espacio ideal, un espacio multisensorial. La vida
de la ciudad giraba en torno a la catedral.

Solía mantenerse la planta de cruz latina con un transepto visible en el exterior, con
una portada organizada como las portadas románicas: una primera planta con
pórticos o portales con arquivoltas que ahora tendrían decoración escultórica, un
segundo nivel de galerías con el triforio sobre el cual se colocaría el rosetón. Por
tradición normanda las portadas se flanqueaban con dos torres, cuya cercanía a los
portales quitaba importancia a los mismos. Para evitar esto se construían grandes
rosetones sobre los portales. Las torres solían rematarse con grandes agujas. Como
detalle, las decoraciones de las agujas se conocen como frondas.

Los muros actuaban como cerramientos, lo que hace que los tramos de la nave
sean más altos y más anchos. El arco apuntado también es más ligero y esbelto.

2. EL SISTEMA CONSTRUCTIVO DEL GÓTICO: INNOVACIONES TÉCNICAS Y FORMALES.

Es importante hablar del paso de una construcción maciza, con muros gruesos, a
una arquitectura sin muros casi. Esto se hace gracias a conocimientos
arquitectónicos que permiten aligerar los muros.

➔ BÓVEDAS DE CRUCERÍA: formadas

por nervios que refuerzan sus aristas,
que tienen una clave común en el
centro. Sus espacios intermedios se
cubren con una plementería apoyada
en ellos. Los nervios trasladan el peso
de la nave central a los pilares y a las
naves laterales. Las naves laterales
trasladan el peso al exterior con los
contrafuertes. Lo primero que se
construían eran los nervios y luego se colocaba la clave. Luego con piezas de
piedra mucho más marcadas se rellenaban los espacios intermedios con la
plementería, que no tiene ninguna función estructural. Hay varios tipos de
bóveda de crucería: cuatripartita cuatro nervios), sexpartita (seis nervios) las
bóvedas estrelladas (responden a un estadio
muy avanzado, se sabe perfectamente cómo
manejar la bóveda de crucería) y las bóvedas en
abanico (de Inglaterra, también de un estadio
muy avanzado). Las bóvedas de crucería
permitieron estructuras diáfanas a base de
elementos verticales que trabajaban a tracción.
➔ ARBOTANTE: arcos rampantes con apoyo en
distintas alturas. Recogen el empuje de uno de
los nervios y lo trasladan a la nave lateral.
➔ PINÁCULO: dan fuerza al contrafuerte, se
decoran para disimular.
 ➔ TERCELETE: los nervios que surgen que no van a la clave, sino que van a
claves secundarias. Son nervios secundarios, pero también refuerzan aunque
muchas veces estén por adornar.

Este complejo sistema determina el aspecto exterior de las catedrales góticas, con
una traza inconfundible por el uso de elementos como agujas o gárgolas. Esta
estructura base, ligera y flexible, podía aplicarse a cualquier parte de la catedral.

3. FRANCIA: EL ORIGEN Y LAS FASES DE LA ARQUITECTURA GÓTICA.

El modelo gótico francés nace en la Ile-de-France e irradia en el norte de Francia,

en un contexto histórico en el que la monarquía de los Capeto se alía con la
jerarquía eclesiástica. En Saint Denis, benedictina, el abad Suger trata de crear una
imagen que diese una estética completamente distinta a la representada por los
castillos feudales. Necesitaban una arquitectura en consonancia a los tesoros que
albergaba la abadía de Saint Denis. Desde 1140 se llevó a cabo la reforma de la
fachada de la abadía, no sabemos que genio la construyó. El interior sigue siendo
bastante macizo, con arcos de medio punto, pero podemos ver bóvedas
cuatripartitas y sexpartitas, además de multiplicación de nervios y una gran altura de
los arcos formeros. El modelo se extendió a todos los territorios que pertenecían a
los Capeto. La bóveda de crucería se generalizó haciéndose cada vez más
compleja. Los soportes evolucionan desde pilares compuestos románicos a pilares
góticos constituidos por un núcleo central cilíndrico que se rodeaba de columnillas.
Las ventanas y sus vidrieras se volvieron el símbolo más característico del gótico.

Catedral de Sens.1140-1534: es una de las primeras. Se conserva íntegra. La

planta ya nos deja entrever muchas cosas. El crucero está muy desarrollado y tiene
bóvedas absidiales.La cabecera es muy profunda. Cuenta con una nave central
enteramente cubierta por bóvedas de crucería expartitas. Vemos tres niveles: las
arquerías, el triforio y los ventanales. Vemos ejemplo de arco terpiano, conocido en
el Románico como arco fajón.

3.1 EL GÓTICO CLÁSICO.

La definición del estilo es un proceso con rasgos comunes en las regiones en las
que se extendió entre 1140 y 1200. A pesar de que podemos ver diferentes plantas,
vemos bóvedas de crucería, alternancia de soportes pilar-columna, y articulación del
muro con el esquema típico de cuatro pisos. Existe una unidad del conjunto, entre el
exterior y el interior, con fachadas que reflejan la estructura interna y torres sobre las
naves laterales. Un ejemplo perfecto que reúne estas características es la Catedral
de Notre Dame de Laon. 1155-1235.
Catedral de Notre Dame de París. 1163: catedral oficial del reino francés. Se
intentó respetar la amplitud de la basílica paleocristiana sobre la que se hizo (5
naves). No tiene una proyección exterior lateral. Tiene una doble girola que es una
continuación de las naves laterales alrededor del presbiterio. En el exterior vemos
un paso de 5 a tres naves, gracias al uso de las torres laterales. Se incluyó una
galería de reyes de Judea que viene a reivindicar el derecho a la continuidad
dinástica de los Capeto.

Catedral de Soissons. 1176: su peculiaridad es que el transepto sur es distinto al

norte. Fuera vemos una fachada clásica, de tres alturas (existentes también en el
interior). En el interior vemos los intercolumnios, el triforio, y el claristorio. En las
naves bóvedas cuatripartitas. Es todo de unas características clásicas. Si hablamos
de los transeptos vemos que el norte tiene 3 pisos y el sur 4. La pequeña cúpula
que vemos en la planta corresponde al final del transepto sur.

Catedral de Saint- Étienne. Bourges. Siglo XII-XIII: Vemos ciertos elementos

arcaizantes, sobre todo en los muros. Vemos en la fachada 5 portales que
corresponden a 5 contrafuertes ya 5 plantas. Hay 3 alturas. Los arcos formeros
tienen una altura tan alta que dan la sensación de que en lugar de 3 niveles son 5.

Catedral de Chartres. 1194-1220: definición definitiva del gótico clásico. Se incluye

el sistema de arbotantes, incluso dobles, al igual que los contrafuertes. La gran
cantidad de canónigos hizo necesario que a partir del transepto la catedral tuviera
que pasar de 3 a 5 naves. Los arbotantes la circundan completamente, haciendo
posible la realización de una gran cantidad de vidrieras. Se hizo sobre la que era
una catedral románica que sufrió un incendio. En la catedral de Chartres
precisamente se venera a la Virgen negra, ya que el mato que la cubre se conservó
del incendio milagrosamente. Chartres es un canto a la geometría, por ejemplo en el
pavimento se realizó un laberinto escatológico, que sería el infierno, mientras que el
rosetón de una forma similar sería el cielo.

Catedral de Reims. 1211-1311: tímpanos desprovistos de muros que se sustituyen

por tabletes que acogen la decoración escultórica. En esta catedral los monarcas
eran coronados. Una obra muy clásica por su geometría y su simetría. Su referencia
a Chartres hace que adquiera la particularidad del paso de 3 a 5 naves en el
transepto, que además tendría unas capillas radiales muy desarrolladas. El interior
debió ser reformado tras el bombardeo alemán en 1914 de los alemanes

Catedral de Amiens. 1220-1288: retoma también el modelo de Chartres con el

paso de 3 a 5 naves en el transepto. El exterior manifiesta la planta. Los portales
están coronados por pináculos. En el interior vemos el pavimento representado con
formas geométricas y con los nombres de los arquitectos. En su momento fue la
más alta construida. Era tratar de elevar la catedral a una altura mayor que la ciudad
vecina. Es un espacio que podría casi definirse como un laberinto de columnas. La
experimentación del aumento de altura nos lleva a la catedral de Beauvais.

Catedral de Beauvais. 1225 (reconstrucción): era un templo románico pero se

reconstruyó en gótico. Se hizo con una nave central de 48 metros de altura. No se
sabe aún a día de hoy porque en 1244 los contrafuertes del ábside recién construido
se derrumbaron, este derrumbe hizo tambalear toda la estructura. Se reinició, pero
en 1533 otro derrumbe afectó a la torre del nártex. Ahí las obras se continuaron, y
en 1577 decidieron abandonarla, por lo que es un proyecto inconcluso. Para
sostener a los contrafuertes se añadieron unas barras de acero que contenían los
mismos evitando su quiebre. Esto ha dado la particularidad de rigidez, una rigidez
que está provocando grietas. El problema es que si se quitan la estructura se
derrumba.

3.2 EL GÓTICO RADIANTE.

Desde 1240 las edificaciones no aspiraban a una mayor altura, sino a un mayor
capricho. No serían edificios grandes y esbeltos, hablamos de edificios muy
decorados, muy bellos, edificios donde se llevaría al extremo la técnica del vaciado
de muros. Se inició con la Sainte-Chapelle.

Sainte-Chapelle, 1242-1248: deseo de albergar todas las reliquias que Luis XI

había comprado a lo largo de su reinado, y que se relacionaban con la pasión de
Cristo (parte de la corona de espinas, trozo de la vera cruz…). Tiene un primer nivel
a modo de cripta, mucho más bajo, destinado al acceso del pueblo. Realmente la
Sainte-Chapelle es la parte superior, en la que los muros se sustituyeron por
vidrieras que cuentan la pasión de Cristo como si se tratara de un vía crucis. Los
pilares que sostenían las bóvedas se decoraron con figuras de los 12 apóstoles
portando instrumentos de la Pasión. Marcó un hito ya que nunca antes se había
elaborado una iglesia decorada de esta manera.

Basílica de San Urbano de Troyes. 1262: toma la idea de la Sainte-Chapelle.

Realiza una catedral en pequeño, añadiendo partes de la Sainte-Chapelle. Es un
edificio muy particular, no deja de ser una catedral de pequeñas dimensiones. Tiene
tres pórticos definidos, muros vaciados en el ábside. Tiene bóvedas de crucería
cuatripartitas.
4. INGLATERRA: LA ORIGINALIDAD DEL GÓTICO INGLÉS.

4.1 EL PRIMER GÓTICO.

Hasta la segunda mitad del siglo XIII, original por sus formas vastas y muy
decoradas frente a la robustez y horizontalidad de las catedrales conventuales
anteriores, de naves anchas por influencia francesa. El estilo se hace más esbelto,
con escasa ornamentación y uso de la bóveda de crucería simple. Pueden tener dos
transectos. Son frecuentes los pilares formados por columnillas delgadas, muchas
veces hechas de mármol negro, propias de la cantera de Purbeck. Normalmente
estas catedrales son sobrias, con escasa decoración, centrada en lo geométrico.
Las bóvedas presentan curvas muy pronunciadas. Las fachadas son auténticas
pantallas, normalmente son más anchas que las naves. El programa escultórico se
distribuye por toda la superficie sin privilegiar las portadas de entrada.

Catedral de Canterbury. 1174 (consagración): comienza porque Tomás Bécquer,

cuando fue ordenado obispo, pasó a ser una persona austera y sobria que iba en
contra de las desmedidas de Enrique II, quien había sido su amigo. Por sus críticas,
Tomás Bécquer fue asesinado. Fue visto como un mártir y tan solo tres años
después de su muerte fue canonizado. Este antiguo templo románico se renovó en
su honor. Responde al nuevo orden ya que su maestro fue el francés Guillermo de
Sens. En la planta vemos que la parte de los pies fue muy reconstruida en el siglo
XV, por eso vemos diseños de bóvedas más dignas del tardo gótico. La parte desde
el primer transepto hasta el coro es la correspondiente al gótico temprano. Vemos
bóvedas sexpartitas en la nave central y cuatripartita. Uso de arbotantes con
grandes contrafuertes. El interior no es tan esbelto, los pilares son cilíndricos para
darles más fuerza. Presencia de las columnillas de mármol negro.

Catedral de Lincoln. 1185-1311: de un maestro francés, con una implantación del

sistema francés. Fachada pantalla característica del gótico inglés. La piedra
calcárea se trabajó con gran detalle, representando en toda la fachada elementos
geométricos. En el interior vemos de nuevo la distribución típica. Los arcos del
triforio son casi de medio punto y cobijan un doble arco como si fueran unas
ventanas bíforas. Respetan el intercolumnio de los arcos. En las bóvedas los
templetes y los nervios secundarios se multiplican.

Catedral de Salisbury. 1220-1266: nace de la nada, lo que da la oportunidad de

plantear un nuevo diseño. Se mantuvieron las características del early-gothic:
fachada pantalla. Naves muy alargadas, con bóvedas de crucería cuatripartitas,
cabecera recta y capilla mayor muy desarrollada, con doble crucero y sin
deambulatorio, separando el espacio en dos zonas diferenciadas: una para el
pueblo y otra para el clero. Consta con dos dependencias ajenas: el claustro y el
aula capitular. De nuevo, columnas de mármol negro adosadas a los pilares. Triforio
ciego en el que las arcas son casi cupulares, en el interior cobijan dos arcos
apuntados que en su interior cobijan arcos trilobulados. Este diseño se hará
característico. En el claustro y en el aula capitular vemos el mismo tipo de
decoración que en el triforio.

Catedral de Wells. 1175-1490: ejemplo paradigmático de fachada pantalla, con

pequeñas puertas y una profusa ornamentación de arquerías con estatuas. Una
gran cantidad de esculturas distribuidas en toda la fachada, incluso en las que
difícilmente podemos apreciar desde los pies. Existe una galería en la que se
representaron a los apóstoles. El interior contrasta con el exterior por su sencillez.
La particularidad es el arco en tijera que refuerza los empujes frontales.

4.2 EL ESTILO DECORADO.

Decorated style o estilo curvilíneo. Desde 1230 hubo una tendencia decorativa que
se acentuaría hasta llegar a esta etapa paralela al gótico radiante francés. Con la
Guerra de los Cien Años el gótico se libera del influjo francés. Esta etapa se
caracterizó por (completar diapositiva 58)

Catedral de Ely. 1322-1349: su ligereza permite el despliegue imaginativo. Destaca

el octógono sobre el que se eleva el cimborrio. Se sujetó sobre bóvedas que se
despliegan como verdaderos abanicos. La nave central se decoró con pintura
particularmente. En las vidrieras se recreó la construcción de las bóvedas de la
catedral como si fuera la construcción del arca de Noe.

Iglesia abacial de San Pedro de Westminster. 1245-1517: remite a una

arquitectura francesa con una fachada alargada con dos torres, y con un interior alto
y desarrollado. Se inspiró de cierta manera en Reims, siendo San Pedro donde se
coronaba a los monarcas ingleses. En esta iglesia colegial, en la sala capitular
encontramos un espacio octogonal en cuyo centro una sola columna sostiene todas
las bóvedas, cuyos nervios descansan todos sin excepción en esta misma columna.

5. LA ARQUITECTURA GÓTICA EN CENTROEUROPA.

5.1 PAÍSES GERMÁNICOS.

Llega por los monjes cistercienses, orden que tiende a una austeridad mayor. Ellos
extendieron la forma de construcción gótica con la introducción de la bóveda de
crucería. En lo que hoy es Alemania pervive la tradición clásica.
San Jorge de Limburgo. Consagrada en 1235: su construcción con ladrillo es
característica. Diseño en 4 alturas en las cuales se diferencia entre el intercolumnio
y la tribuna de circulación. Construcción más baja, con arcos más rebajados, de
medio punto, pero en la nave central vemos bóvedas sexpartitas.

Catedral de Estrasburgo. 1230-1240: la nave central corresponde con el

claristorio, que avanza hasta el rosetón. En cada puerta vemos un portal de entrada.
La peculiaridad de esta catedral es que la población se hizo cargo de su
construcción cuando no hubo recursos. Aparecieron problemas de estabilidad que
hicieron necesario colocar en el transepto pilares intermedios para mantenerla en
pie.

Catedral de Colonia. 1248-1322: donde están las reliquias de los Reyes Magos.
Enorme edificio, el más largo y grande de Alemania. Terminó a mediados del siglo
XIX. Hay 5 naves pero no hay una gran diferenciación entre ellas, la nave central es
muy alargada.

5.2 PAÍSES BAJOS.

Los templos carecen de la esbeltez francesa. Son más robustos y menos elegantes.
Es una de las zonas con mayor actividad mercantil y comercial, lo que propicia la
creación de una gran cantidad de edificios civiles.

6. ESPAÑA: LA IMPORTANCIA DEL MODELO FRANCÉS.

A finales del siglo XI hay una primera llegada del Gótico a la catedral de Ávila, pero
sobre todo es en el siglo XII cuando Alfonso VII se dirige a San Bernardo para
obtener el envío de monjes que introdujeran en su reino la reforma del Císter. Para
ello se hacen dos edificios que son el monasterio de Moreruela en Zamora y Santa
María de la Huerta en Soria, que siguen el modelo francés. Unos años después
Ramón Berenguer IV llama a los monjes a fundar la abadía de Poblet y Santes
Creus en Tarragona. De esta forma se introduce y se extiende la arquitectura gótica
desde mediados del siglo XII, gozando del favor de la realeza.

Las primeras formas estéticas son importadas de Francia y poco a poco se irían
introduciendo características propias.

Santa María la Mayor. Sigüenza. 1124-1221: continúa la transición. En esta

catedral, en el interior, ya vemos una combinación perfecta de bóvedas de arista y
de crucería, pero los muros aún no son ligeros y no se persigue ni la iluminación ni
la verticalidad.

Catedral de la Seo Vieja. Lleida. 1149: sigue siendo uno de los primeros ensayos.
El exterior es claramente Románico.
 6.1 LAS GRANDES CATEDRALES CASTELLANAS.
En estas catedrales se implanta de forma consciente el gótico clásico francés. Son
una triada: las catedrales de Burgos, Toledo y León. Remiten a la ideología de poder
de las catedrales francesas, financiadas por monarcas.

Catedral de Burgos. 1221-Consagrada en 1260: desde la portada nos damos

cuenta que no es un gótico puramente clásico, hay elementos tardío góticos. El
obispo Mauricio contrató para su construcción al maestro Enrique. Toma el modelo
de Bourges y lo adapta al terreno. Construyó la cabecera. Con él se formó Juan
Pérez, continuador de las obras con las asimilaciones de su maestro. Tiene tres
naves, el crucero se destacó mucho en planta. La nave central con bóvedas
sexpartitas y cuatripartitas en las laterales. La amplitud del presbiterio llama la
atención, con una gran girola que es la prolongación de las naves laterales. Esta
amplitud, como en otras catedrales castellanas, planteó el problema de dónde
colocar el coro. Se colocó a mitad de la catedral, algo que se daría en todas las
catedrales castellanas desde entonces. El triforio está muy decorado, abarca la
amplitud de cada uno de los tramos. Hay molduras de tracería y arquillos
polilobulados.

Catedral de Santa María de Toledo. 1222-1493: es la catedral primada de España.

La ciudad tenía aspecto islámico, con una espectacular mezquita aljama sobre la
que se edificó la catedral, en el empeño de borrar la huella islámica. Se proyectó
una catedral enorme, de 5 naves escalonadas en altura. Se usaron dobles
arbotantes en todo el perímetro a pesar de que realmente el crucero no se
desarrolló en planta. El maestro Pedro Pérez añadió elementos de tradición
hispánica en la girola: en el triforio incluyó arquillos con interior polilobulados.

Catedral de León: también trabajó el maestro Enrique. Se sostiene sobre gruesos

contrafuertes y dobles arbotantes. Construida gracias al empeño de Alfonso X y
Martín Fernández, su obispo y consejero. Es la más afrancesada y la más compleja
de las tres, pero la que menos influencias tendría posteriormente por sus
complicaciones. El crucero está muy desarrollado. El coro se coloca antes de que
este inicie. En todas sus naves había bóvedas sexpartitas. Tiene una girola con
capillas radiales. En el interior vemos que es de tres alturas, con un vaciado de los
muros. El triforio se hizo de un tamaño más pequeño del habitual para añadir
espacio al claristorio, pudiendo desarrollar impresionantes vidrieras. El pórtico
sobresaliente hacia el exterior es característico de esta catedral, haciendo que
quede entre las dos torres que sobresalen.

Tras estas catedrales ya había maestros castellanos formados con maestros

franceses que hicieron catedrales en ciudades menores.
7. ITALIA Y LA TRADICIÓN CLÁSICA.
El gótico no arraiga como estilo propio, ya que el renacer urbano va ligado a
conflictos entre las ciudades-estado comerciales por imponerse. La importancia de
los municipios gobernados por burgueses que en el siglo XIV repercute en la
proliferación de edificios públicos y palacios frente a una menor actividad de la
iglesia. La pervivencia de la tradición clásica, más horizontal y cercana a las formas
sencillas del Románico, hace que el Gótico se someta a aportaciones. Pronto fue
superado por las formas prerrenacentistas del Trecento. Lo que sí asimilaron fueron
las formas constructivas.

Santo Domenico. Bolonia. 1251: donde realmente el gótico se conserva en la

fachada.

Santa María Novella. Florencia. 1278: responde más a las características del
Gótico en Italia. Convento dominico. Tiene dependencias asociadas en las que
residían los dominicos. Vemos tendencia a igualar la altura de las naves, ya que la
diferencia es pequeña, dando lugar a la sustitución del claristorio por pequeñas
ventanas redondas. El interior son espacios muy espaciados donde se combina la
bicromía usando mármoles de distintos colores, marcando el dinamismo.

Basílica de San Francisco de Assisi. Assisi. 1228-1239: casa donde nació San
Francisco de Assisi y donde se enterró. Doble iglesia, una superior y una inferior. La
iglesia inferior es una cripta donde están depositados los restos del santo, la
superior es de una sola nave, de cuatro tramos cuadrados. El muro se cubrió
completamente con frescos de Cimabue y de Giotto. Las bóvedas son de crucería
tripartita.

Santa Croce. Florencia. 1296: en la casa de los franciscanos de Florencia que

mandó construir San Francisco. Combinación de sobriedad y solemnidad. Fachada
basada en la combinación de mármoles de colores. El interior fue en su momento
criticado por el exceso de lujo que había sido usado. Fue pronto elegida por
importantes familias para erigir sus capillas, ampliamente decoradas. Por tanta
riqueza la techumbre se hizo con madera respondiendo a la pobreza franciscana.

Santa María del Fiore y Campanile. Florencia.1296: Arnolfo di Cambio tomó como
modelo Santa María Novella, haciendo un templo de tres naves muy abiertas,
cubiertas con bóvedas de crucería tripartitas. De nuevo, se combinan mármoles
policromáticos. Se adapta al Gótico con peculiaridades. Las fachadas multiplican los
elementos decorativos, con mármoles de distintos colores. La decoración escultórica
se distribuye por toda la fachada, incluso en los tímpanos de los frontones se
hicieron mosaicos. Es muy dinámica y recoge la tradición de pequeñas torres
coronadas. Los arcos polilobulados son influencia del arte islámico mediterráneo. El
campanile lo hizo Giotto sustituyendo a Arnolfo di Cambio y lo sucedió Andrea
Pisano, a quien sustituyó Francesco Talenti. Es peculiar porque está exento al
Duomo.

Duomo de Siena. 1215-1263. Giovanni Pisano: influencia del duomo de Florencia.

La decoración interior de mármoles de varios colores es abundante y el espacio es
amplio. Los arcos fajones de todos los tramos son una asimilación

8. LA RECEPCIÓN DEL GÓTICO EN LA CORONA DE ARAGÓN.

En el siglo XIV la actividad se centra en la Corona de Aragón, que estaba en
expansión. Se iniciaron las primeras fábricas góticas al amparo del desarrollo
comercial mediterráneo. Las características derivan de influencias diversas (sobre
todo del Sur de Francia y de Italia). Las soluciones se adaptan a las regiones. Como
vemos en la Seu Vella de Lleida, se tiende a la planta de salón y las cubiertas son
más planas y las ventanas más pequeñas. El muro tiene una mayor función
sustentante, haciendo que los arbotantes pierdan fuerza en favor de los
contrafuertes. Los vanos en los muros son de pequeña apertura. Se tiende a la
robustez y sobriedad.

Catedral de Barcelona. 1298-1420: con una única entrada correspondiente a un

espacio unitario de altísimos pilares. Su amplitud y anchura son impresionantes, al
igual que la altura. El espacio entre las bóvedas tiene una planta salón. No hay tanta
iluminación en el espacio, y aunque se pierda la diferenciación entre las naves, en
los muros se abren capillas laterales entre los arquitrabes. Destacan los esbeltos
pilares que dejan poco espacio para el triforio ciego y mucho más para ventanales,
óculos en la cabecera.

Capilla de Santa Águeda en el palacio real. Barcelona. 1302: tranqueada por

arcos fajones entre los cuales vemos cubiertas de alfarjes de madera.

Santa María del Mar. Barcelona. 1328-1384: templo de mercaderes. Los

contrafuertes del exterior recogen los empujes de la nave central. Son tres naves
poco diferenciadas en altura. Espacio abierto y homogéneo, tanto que se plantearon
tan solo 4 tramos, pero de 14 metros de distancia. Se redujo la necesidad de pilares,
tan solo hay 8, de perfil octogonal. Los muros envuelven todo el perímetro.

Catedral de Girona. 1312: Comenzada por dos maestros franceses. Debía tener
tres naves pero hubo problemas estructurales que provocaron un congreso de
maestros para tomar decisiones. La decisión fue reducir la planta a una nave. Esta
nave es completamente envolvente, escasa iluminación.

Catedral de Palma de Mallorca. 1311: encargo de Jaume I, ya que fue nombrada

capital del reino de Mallorca. Características del Gótico mediterráneo. Van
incorporándose elementos. Es muy ancha y despejada. EsbeltÍsimos pilares que
nos impide distinguir bien la diferencia de alturas de las naves, que ya es poca y
solo se marca con arcos formeros La diferenciación es suficiente como para permitir
la construcción de un claristorio. El tamaño de los arquitrabes son para poder
sostener todo el peso de las capillas. La longitud de las naves da amplitud y unidad
espacial. Destaca la cabecera recta como una prolongación de la nave central.

.3. LA ESCULTURA GÓTICA.

1. CARACTERÍSTICAS GENERALES
En la escultura gótica podemos empezar a ver expresiones más humanas. El estilo
gótico supone un paso decisivo en la liberación de las artes figurativas que inician el
proceso de independencia formal. A medida que evoluciona el estilo las artes
figurativas se configuran como medios autónomos, teniendo especial importancia la
liberación del marco arquitectónico: no solo rompen con la llamada ley de
adecuación al marco. La escultura sigue igualmente ligada a la arquitectura, pero
muestra un tratamiento del relieve con mayor libertad.

1.1 LOS GÉNEROS Y LOS ESPACIOS PARA LA ESCULTURA.

Antes la escultura se concentraba mayormente en los capiteles, pero con las
catedrales góticas de gran desarrollo en altura no son un espacio factible para ello.
La escultura se traslada a los tímpanos de los portales, a la vista de todos. Las
fachadas están repletas de figuras que dan un aspecto más unitario.

1.2 RENOVACIÓN DE LOS TEMAS.

El deseo de hacer más comprensible lo trascendente acentúa lo humano, como una
forma de acercarse a lo divino. La evolución es fruto de la nueva forma de entender
la realidad del hombre gótico.

1.3 EL TRATAMIENTO DE LA FIGURA HUMANA.

A la figura humana se le confieren dimensiones corporales y anímicas. El volumen,
el movimiento y la expresividad son características que se traducen en un mayor
naturalismo. Las figuras adoptan relaciones de diálogo entre ellas, parecen vivas,
como si hablaran o como si crearan un espacio propio con un juego de volúmenes
propio y del espacio que las enmarca. La escultura se propuso ofrecer figuras
convincentes que los fieles pudieran identificar, pero sobre todo se propuso dotar de
vida la propia vida. Las imágenes empezaron a cumplir una doble función:
decorativa y pedagógica.
2. FRANCIA: LOS ORÍGENES DE LA ESCULTURA GÓTICA.
Las primeras manifestaciones ocurrieron en la île-de-France, donde se tipifican los
rasgos de la escultura del siglo XIII. Se avanza hacia la liberación del marco. Las
fisonomías son más naturales y se interrelacionan.

Portada occidental de la Abadía de Saint-Denis. Siglo XIII. París: modificados

tras la Revolución Francesa. El portal central se dedicó al Juicio Final, donde vemos
representado a Cristo rodeado de los apóstoles, a sus pies están los resucitados.
Desde la primera jamba de la izquierda las personas ascienden al cielo, salvadas,
desde la primera jamba de la derecha vemos a los condenados, con posturas más
complejas. En el centro una analogía de Dios como cordero. Siguiendo la
disposición de las arquivoltas vemos primero a los ángeles y luego a los veinticuatro
ancianos del apocalipsis con sus correspondientes instrumentos.

Portada de Santa Ana de Notre Dame de París. 1140-1150: dedicada a los padres
de la Virgen, a la que vemos sentada en un trono en el centro del tímpano. Está bajo
un baldaquino referente a la Jerusalén celestial. La acompañan dos ángeles que
presentan a un rey arrodillado y a un obispo. En el friso superior bajo ella vemos
escenas de la vida de la infancia de Cristo, en el inferior son escenas de la vida de
San Joaquín y Santa Ana. En las jambas hay estatuas conocidas como estatuas
columna, una nueva tipología escultórica. En este caso son dos parejas de dos
reyes y dos reinas a cada lado, no se ha identificado exactamente cuáles son.

Portada Real de Chartres, catedral de Chartres. 1145-1155: dedicada a la realeza

de la Virgen. En el portal central aparece Cristo en el juicio final como lo narra el
capítulo 4 del Apocalipsis: Cristo sentado en un trono envuelto por una mandorla
mística, bendiciendo con una mano y sosteniendo un libro con otra, rodeado por el
tetramorfos. En el friso inferior aparecen los apóstoles junto con los profetas Elías y
Enoc. En las arquivoltas están los veinticuatro ancianos del apocalipsis,
alternativamente con botes de perfume e instrumentos musicales. El portal izquierdo
no se sabe exactamente a quien se dedicó, podría ser la ascensión de Cristo o la
Parusía. No se sabe bien ya que vemos a Cristo ascendiendo entre nubes en un
trono portado por ángeles, pero en el friso inferior vemos a ángeles gritando, que
podrían estar gritando a los apóstoles o ser los profetas que anuncian la segunda
venida de Cristo. En las arquivoltas vemos representados símbolos del horóscopo.
En el portal derecho vemos a la Virgen entronizada con Cristo sentada sobre sus
rodillas, es asistida por dos ángeles. En los frisos inferiores vemos escenas alusivas
a la infancia de Cristo. Las jambas son los reyes de Judea, ancestros de la Virgen.
La escultura de Chartres se acerca cada vez más a la independencia del marco
arquitectónico, pero aún no vemos diálogo entre los personajes y las figuras siguen
guardando bastante hieratismo.
Portada Norte de Chartres: dedicada a la Virgen, aparece su coronación y ella
está rodeada de profetas y santos. El dintel se dedicó a su muerte y asunción. En el
parteluz se representó a Santa Ana. Portada derecha de Chartres: se dedicó al
triunfo de la iglesia con la representación de Job, firme sobre un montón de
estiércol. Su mujer aparece como un demonio que lo atormenta.

Tímpano de la catedral de Senlis. 1170: paso hacia la creación de un nuevo tipo

iconográfico, con un programa iconográfico dedicado a la Virgen inédito hasta el
momento: la coronación de la Virgen. La Virgen está en un espacio en forma de M
uncial, dignificándola.

Catedral de Reims, portada. 1225-1245: dedicada a la coronación de la Virgen con

presencia en las jambas de escenas de la infancia de Jesús y de la vida de María,
como la Anunciación y la Visitación. La coronación es una analogía a la catedral ya
que en ella se coronó a los reyes de Francia. En el portal derecho vemos a Cristo en
su segunda venida, sentado con el torso desnudo y mostrando las heridas de la
pasión, de nuevo unos ángeles sostienen las herramientas de la pasión. El parteluz
nos deja ver una representación de la Virgen ya coronada con Jesús en brazos, la
rodean en las jambas la representación en un lado de la Anunciación y en el otro de
la Visitación.

Portada Central de Amiens dedicada al Juicio Final: Cristo está cubierto por un
doselete referente a Jerusalén. Hay muchos personajes representados en los
registros bajo Cristo, en los dos más inferiores ya se distinguen a los salvados de
los condenados, ya que los primeros aparecen con ropas dignas mientras que los
segundos están desnudos y golpeándose entre ellos. En el parteluz, Cristo sostiene
el libro de la vida en la mano contraria a la que tiene levantada en modo de
bendición. En esta representación ya vemos a un Cristo humanizado, ya no
transmite temor, sino calma y comprensión.

En el Portal Occidental se dedicó a la coronación de la Virgen, sigue el mismo

orden que el portal central, tres registros, pero con tan solo dos arquivoltas, en las
que aparecen los antepasados de la Virgen, asegurando que Cristo proviene de la
descendencia de Daniel.

4. EL DESARROLLO DE LA ESCULTURA EN LOS REINOS CASTELLANOS.

En el siglo XII en los reinos ibéricos confluyen la tradición del románico y la
influencia gótica francesa. Las escuelas más importantes se desarrollaron en los
talleres creados en torno a las catedrales de Burgos y de León. Es indudable la
participación de maestros franceses, dada la ausencia de una transición entre las
formas locales y la rápida asunción de las francesas. Las diferencias entre el área
aragonesa y la castellana son potentes, ya que en Castilla se abren a los cambios
franceses, algo que no pasa en Aragón.
Puerta del Sarmental. Catedral de Burgos. 1235-1240: vemos a Cristo en
majestad rodeado por el tetramorfos, bajo un doselete a modo de friso corrido están
los apóstoles sentados y hablando entre ellos. En las arquivoltas hay serafines,
ancianos del apocalipsis y obispos sin identificar. Portada de la Coronería. Catedral
de Burgos. 1245-1255: ya comenzado el Juicio Final, María y San Juan ruegan a
Cristo. En la última arquivolta vemos la resurrección de las muertes. Hay un friso
ornamental que sirve como zócalo, en el que se representó al apostolado completo
a tamaño casi natural. Son independientes, individualizados, el hecho de que cada
rostro y postura sea diferente le da sentido de vitalidad a la portada. Portada del
Claustro. Catedral de Burgos. 1270: ya en el interior de la catedral. Dedicada al
bautismo de Cristo. Este se rodeó de sus discípulos. La paloma, el espíritu santo se
dirige a la cabeza de Cristo en el momento en el que este está siendo bautizado. En
las jambas aparecen Isaías y el rey David, el primero uno de los profetas mayores
que anunció la llegada del mesías, y el segundo el linaje del que se supone viene
Jesucristo.

Pórtico principal de la Catedral de León: dedicada al Juicio Final. Tiene matices

costumbristas. En la parte superior vemos a Cristo entornado por ángeles
portadores de símbolos de la Pasión, por la Virgen y por San Juan evangelista,
estos dos rezando por las almas condenadas. Aparece San Pedro recibiendo a las
almas salvadas, que están escuchando la música de los ángeles portadores de
trompas. Hay resurrección de ángeles. Todo es muy realista y detallado. En el
parteluz se representó una Virgen Blanca que le ofrece a su niño en brazos una
manzana que él acepta, símbolo de que él se sacrificará por todos los pecadores.
Se hicieron estatuas exentas de personajes del antiguo testamento. Portada de San
Francisco. Catedral de León: a la izquierda vírgenes prudentes, a la derecha no.
Consejo de ángeles. Portada del Sarmental: dedicada al igual que en Burgos a la
llegada de Cristo Majestad rodeado por los tetramorfos. Los evangelistas aparecen
concentrados en su labor de escribir los evangelios. En la arquivolta más alta hay
ancianos del Apocalipsis con instrumentos.

Catedral de Toledo. Puerta del Reloj: se sabe que en ella trabajó Juan Alemán. Se
trata de una representación de escenas de la vida de Cristo hasta el inicio de su
vida pública, el episodio de las bodas de Caná es el punto de inicio de su vida
pública y es precisamente la última escena de su vida que vemos representada en
la portada.

5. CLASICISMO Y ORIGINALIDAD DE LA ESCULTURA GÓTICA EN ITALIA.

La escultura no se concentró solo en las portadas, también estuvo en lugares de
acceso público, como fuentes, calles o púlpitos. Presenta una gran independencia
respecto a los modelos franceses y hay un evidente rechazo a las portadas
conformadas con arquivoltas y estatuas columnas en la mayoría de casos. En la
Toscana hay una importante pervivencia de la cultura clásica que se funde con
novedades que llegaban desde el Norte de Francia. Aquí surgió la escuela italiana
más importante.

Nicola Pisano fue el primer gran artista del gótico italiano, y se formó en el sur de
Italia. Su espíritu de recuperación de la Antigüedad lo llevó a conocer las
composiciones clásicas, pero conoció también los rasgos expresivos de la escultura
francesa. En el púlpito del baptisterio de Pisa, de forma hexagonal, revivió el mundo
antiguo a través de relieves que casi parecen de bulto redondo. Hizo escenas
abarrotadas de personajes en escenas representadas en Francia, mezclando la
influencia del clasicismo con la iconografía francesa.

Púlpito de San Andrés de Pistoia: incluye nueva iconografía, como la figura de

Atlas. Vemos escenas de la vida de Cristo, muy expresivas y personajes muy
agrupados. Cuando se le encargó el púlpito de la catedral de Pisa se le pidió que
recuperara un estilo más clásico. Recupera la figura de Hércules Atlante y la figura
de la Prudencia representada en alegoría con una Venus púdica. La figura central
del púlpito es muy expresiva.

En el taller de Giovanni Pisano se formó Arnolfo di Cambio:

Sepulcro del cardenal Guillaume de Braye: Está sobre una estructura, y marca
las arrugas del difunto. Destacan las figuras de los diáconos dispuestos a
correr/descorrer la cortina. Aparece también San Marcos, arrodillado ante la Virgen
entronizada con el niño en brazos.

San Pedro de la basílica de San Pedro: es en cera fundida con bronce. Hay restos
de policromía. Antigüedad muy marcada y expresividad. Hizo el baldaquino de la
basílica de San Pablo Extramuros, en este hizo figuras de ángeles y profetas muy
elaborados. Hay mucha fantasía y no faltan las referencias a la Antigüedad Clásica
a la vez que a la escultura Gótica y la arquitectura, con arcos lobulados y pináculos

Andrea Pisano. Puertas del baptisterio de Florencia, 1330-1336. Representó el

ciclo de la vida de San Juan Bautista. 14 escenas enmarcadas en cuadros
polilobulados referentes a los cuatro puntos cardinales, a las cuatro estaciones, a
los cuatro continentes…

Su hijo Nino Pisano continuó su taller y colaboró con Giotto en la decoración del
Campanile. En la base vemos decoraciones escultóricas que pasan bastante
desapercibidas en la actualidad. Están en un marco hexagonal, y son referentes a
oficios, a la justicia, al teatro, a la música, con escenas de nuevo detallistas. Nino
Pisano realizó la Madonna del Latte, de la que hay una copia en el Campanile, la
original está en un museo de Pisa.
Andrea Ocagna. Tabernáculo de Or San Michele: dedicada a la virgen, con
esmaltes y mosaicos. En el reverso relieves de la muerte y asunción de la Virgen,
con estatuas de profetas y de artes liberales, de la vida de la virgen, y de la
prudencia

.4. LA PINTURA GÓTICA.

1. EL GÓTICO LINEAL.
Se desarrolló entre los inicios del siglo XIII y mediados del siglo XIV. Prima la línea
frente al color como elemento constitutivo de la forma. El dibujo hace uso de
marcados tonos negros que delimita las superficies que se colorean con un vivo
cromatismo. La luminosidad de los pigmentos deriva de su plena aplicación,
limitando las variaciones tonales producidas por la luz. El movimiento se busca a
través de una gesticulación elegante a veces incluso exagerada, que responde a un
ambiente y gustos cortesanos. Se impregna de un naturalismo ingenuo cuyo
resultado es un arte accesible, amable e idealizado. En la representación del
espacio perviven los fondos neutros, incluso dorados, aunque pronto se generalizó
el uso de encuadramientos arquitectónicos.

El desarrollo del altar y la liturgia y la multiplicación de capillas potenciaron el

retablo, que se hace monumental, con un cuerpo central y dos laterales que se
cierran sobre él. Se organiza en una predela o base en la parte inferior sobre la que
se erige el cuerpo central, dividido verticalmente en diversas calles que organizan
los registros o espacios para pinturas o para esculturas. La ordenación espacial del
retablo refleja a la perfección el pensamiento escolástico que sistematiza cada parte
del todo.

1.1 LA PINTURA MURAL.

Se dio sobre todo en residencias nobiliarias, normalmente en la sala principal y con
un desarrollo en grandes ciclos. Amplitud de temas profanos, históricos, alegóricos,
caballerescos.

1.2 LA VIDRIERA: SIMBOLISMO, TÉCNICA E ICONOGRAFÍA.

El muro deja de ser un elemento estructural y por lo tanto es factible vaciarlo,
alojando en él vidrieras con programas de profundo contenido simbólico que, con su
carácter translúcido y coloreado, transforman el espacio interior de la catedral,
ofreciendo una luz irreal.

Vitral de la Crucifixión. Basílica de San Pedro en Poiters. Siglo XII: la técnica

aún está en perfeccionamiento. Este dibujo nos indica cómo se realizan. Vemos
colores rojos muy matizados, pero figuras muy esquematizadas aún, muy hieráticas.
No se marca la luminosidad porque todavía se están desarrollando. La crucifixión de
San Pedro es la parte donde mayor expresionismo vemos.

Rosetones del transepto norte y del sur de la Catedral de Chartres. 1230: los
del transepto norte fueron financiados por la reina de Castilla, incidiendo en una
campaña de proyectos artísticos en la financiación del transepto norte de esta
catedral y de pequeños códices. El rosetón del transepto norte está dedicado a la
Virgen María. Aparece ella coronada en un trono, con Cristo en los brazos,
bendiciendo con una mano y sosteniendo la ley con la otra. Le rodean cuatro
palomas que representan la gracia divina sobre la Virgen María. En el rosetón que
da al exterior vemos escenas del Antiguo Testamento con antepasados de la Virgen
María. En las maquetas laterales vemos a reyes antepasados de Cristo, y en el
centro Santa Ana con Cristo en sus brazos. La aparición de la flor de lys es porque
es el símbolo de la dinastía financiadora. El crucero sur lo financió un conde del
norte de Bretaña. Este rosetón está dedicado a la glorificación de Cristo, ya
entronizado tras su ascensión bendiciendo con el libro de la ley en la mano
izquierda. Lo rodea el tetramorfos y ángeles con incensarios. Aparecen los profetas
más importantes del Antiguo Testamento. En las maquetas vemos a los propios
evangelistas a hombros de los profetas mayores. En la parte central está la Virgen
con Jesús en brazo, aparece el emblema del conde y el mismo arrodillado y
presentado por ángeles.

Vitrales de la Pasión. Sainte Chapelle. 1242-1248: escenas desde el Génesis.

Son una gran cantidad de escenas muy ricas en cromatismo, en el que ya se van
definiendo los volúmenes e incluso las expresiones, que vemos mucho más
matizadas. Vemos dominio de la coloración.

Vitral de la Pasión. Catedral de Bourges: escenas mucho más relativas a lo

narrado, personajes en reflexión, definición mejor de perfiles, volúmenes, y de la
anatomía (a través de los ropajes)

Las vidrieras en España se han perdido en su mayoría. Destacan las de la catedral

de León, las de la cabecera.

Vitral de la nave central de la catedral de León: destaca la vidriera real de

Alfonso X el sabio. Es particular la vidriera de la cacería, ya que se trata de
pequeñas escenas de caza, escenas de juglares, torneos, escenas de luchas, en
conclusión escenas remitentes a temas cortesanas. Se cree que esta vidriera en
realidad se hizo para un palacio desde el que fue trasladada aquí. Probablemente
fue hecha para ser vista desde un punto de vista cercano, por el pequeño tamaño
de las escenas.
 1.3 LA MINIATURA FRANCESA EN EL SIGLO XIII.
El consumo y la producción de libros cambiaron. Gracias a la expansión de la
cultura y la progresiva alfabetización crece el número de potenciales clientes.
Aparecen nuevos géneros de literatura religiosa como salisterios, breviarios y libros
de horas. En cuanto a la escritura, en el siglo XIII la ilustración de libros pasó a ser
una competencia exclusiva de clérigos y monjes. Se consolidó gracias a la nueva
clientela urbana, intelectual y cortesana, que repercutió tanto en la empresa de
edición como en el formato de los libros. Hizo adquirir a la miniatura una nueva
dimensión.

Biblia de Winchester. Maestro de la Hoja Morgan: todavía vemos unas figuras

esquemáticas y poco expresivas. El nombre es porque una sola hoja de la biblia la
hizo este maestro, marcando una pauta a seguir y desde la cual evolucionar.

1.3.1 LA MINIATURA FRANCESA EN EL SIGLO XIII.

Destaca la obra de Blanca de Castilla y de su hijo, Luis.

Salterio de Blanca de Castilla: nos recuerda a las vidrieras en su composición. Las

figuras siempre están en círculos. Los colores aún son limitados y los fondos son
planos. Los ropajes aún son muy rectos. Vemos alusiones a la religión.

Biblia de San Luis o de Toledo: Biblia moralizada realizada en París por el rey Luis
IX.

Salterio de San Luis y Blanca de Castilla: vemos cómo van incorporándose

elementos que caracterizan el lugar de los sucesos, como elementos vegetales o
entornos arquitectónicos.

Biblia de los Cruzados: define la anatomía y los ropajes, son personajes elegantes
que responden al ambiente cortesano.

Breviario de Felipe el Hermoso: vemos modelados, una definición progresiva de

las figuras, un mayor dramatismo

1.3.2 LA MINIATURA EN INGLATERRA, ALEMANIA Y ESPAÑA.

INGLATERRA:
Evolución gracias al establecimiento del monje Matthew Paris, cronista y consejero
de Enrique III. Era un miniaturista de un estilo muy personal y muy marcado,
marcaba mucho los contornos.
Historia anglorum: representó a diferentes reyes, e incluso hizo marginalia, que
son escenas en los márgenes y están relacionadas con la página central. Comentan
muchas veces irónicamente aquello que se narra en la parte superior. En una
escena de la Virgen se pintó el propio pintor arrodillado ante la Virgen.

Salterio de Robert de Lisle: aunque se mantenga el fondo neutro, nos sitúan a

nivel vegetal y arquitectónico donde están sucediendo las cosas. Figuras con
posturas elegantes que responden al tipo de vida cortesana.

Salterio de la reina María: figuras más expresivas y con contornos más definidos.

ALEMANIA:
recibe influencias francesas.

Codex Manesse: responde al contenido de las canciones trovadorescas. Hay

escenas con acentos sensuales o incluso eróticos.

ESPAÑA:
Libro de las Estampas: códice en el que aparecen los testamentos y documentos
jurídicos del primer reino de León. Hay restos de los fundadores de la catedral de la
ciudad y vemos detalles históricos, como el asesinato de Sancha Muñiz por su
sobrino. Calidad de escenas.

Libro del Saber de Astrología: proyecto de prestigio basado en el fomento de las

artes llevado a cabo por Alfonso el Sabio. Están ampliamente iluminados.

Cantigas de Santa María: 4 códices distintos, no todos igualmente ilustrados.

Destaca el de San Lorenzo del Escorial por su gran cantidad de miniaturas.

3. ITALIA: I PRIMI LUMI.

3.1 LA PINTURA ITALIANA DEL DUECENTO: LA INFLUENCIA BIZANTINA.

La pervivencia del arte bizantino había conservado descubrimientos pictóricos como
el modelado de las luces y las sombras o el conocimiento del escorzo.

Faltaba superar el bizantinismo para unir a sus cualidades la vitalidad de las

escultura gótica. Este proceso bien marcado por la renovación espiritual promueve
el demandado de obras de nueva y rica iconográfica y tiene una importante
repercusión en toda Europa a lo largo del siglo XIV.
Las maiestas de la virgen se desarrollan, son muchos más humanizadas,
orientación a un tratamiento más natural y realismo en el tratamiento de las figuras y
la escenas, esto se adapta de las vírgenes bizantinas.

La figura del crucificado aparece difundido a través de pequeñas piezas de

esmaltado a modo de joyas.

Retablos con santos con sus características y escenas de su vida. Se realizan una
serie de frontones para el baptisterio de Florencia. Trabajan diversos maestros, se
ve la pervivencia bizantina y ese avance hacia la expresividad. Su producción se
caracteriza por su particular juego de luces y sombras muy expresivo, en su
crucifijos y representaciones marianas en los que la influencia bizantina es evidente
por su hieratismo, la geometrización y lo apaños esquemáticos, sin dejar de
introducir un nuevo realismo en las expresiones y en la iluminación.

3.2 EL TRECENTO: UN NUEVO ESTILO EN LA EUROPA GÓTICA.

presenta dos escuelas
- Escuela de Florencia: encabezada por Giotto. Se separa de la tradición
bizantina con un arte duro, monumental, con sentido, volumétrico y teatral que
abre el camino al Renacimiento
- Escuela de Siena: vinculada a la tradición bizantina, con Simone Martini
como máximo exponente. Es un arte más amable e idealizado en el que se
valora la belleza de líneas y la combinación de colores.

Su principal aportación es la incorporación de nuevos intereses como la

preocupación por el espacio, que concluirá al desarrollo de la perspectiva. Hay una
mayor preocupación por la figura, con el estudio del volumen y la gestualidad.

Los dorados se abandonan conforme se generaliza el uso de la luz, con un mayor

desarrollo de las gradaciones cromáticas.

Escuela de Florencia : Giotto di Bondone

Es el primero en copiar de la naturaleza, con un gran dominio del dibujo y el uso de
la luz. Muestra una preocupación constante por el espacio e incluso logra ciertas
perspectivas. Trabaja sobre todo en Florencia pero también en Asís, Roma ,
Romina, Ravena, Nápoles. Su éxito se debió tanto al aprecio de su obra como a su
sagacidad como empresario artístico. Se dice que era hijo de Pucci Colle, su
primera obra documentada es un crucifijo en Santa María Novella, en el cual se ve
un artista similar a sus maestros sobre todo en el tratamiento de anatomía.
La Capilla Scrovegni: es una obra en la que planteó una acción redentora, se trata
de que se expiden los pecados del padre del encargado. Vemos imágenes de la
vida de Jesús y María. La parte superior se dedicó a los padres de la Virgen, que
parten desde esa escena de redacción.

Pintó cuatro capillas en la iglesia de Santa Croce. No se conserva nada de la obra

que realizó en Nápoles

La figura de Giotto podemos decir que cambia la visión del artista como miembro de
un gremio, es un pintor reconocido en su época que se descubre como un
empresario que trabaja con un equipo y se va desplazando, que transmite sus
órdenes y se rodea de otros maestros,

Madonna Rucellai, Duccio di Buoninsegna: Foco para orientar las oraciones,

detallismo en la talla de madera, elementos bien definidos, rostros cada vez más
individualizados, los ángeles tienen un tono más humanizante,

Escuela de Siena: Simone Martini:

Nace en Siena, trabaja principalmente en zonas de Italia y Francia, fue discípulo de

Duccio, poniendo las bases para el futuro retrato renacentista.

Maestà. 1315 – 1321: Encargo cívico para un palacio público, carácter público,
aurea cortesana, simetría, aparecen los 4 patronos de la ciudad de Siena, la virgen
entronizada, el trono es de marcados tintes góticos, rostros realistas con una gran
cantidad de detalles, miradas directas y circunspectas de ángeles y santos, uso del
punzón para la definición de los diseños sobre los panes de oro, obra de gran
riqueza, los halos se conciben como pequeñas obras de orfebrería.

Capilla de San Martín. San Francisco de Assisi 1312 – 1318: Importancia de la

distribución de los paneles, aparecen santos y profetas del antiguo y nuevo
testamento que remiten a la pintura bizantina, rostros individualizados, figuras de
cuerpo entero, elegancia de las formas, naturalismo, realismo en el planteamiento
de los espacios y las escenas, influencias de Giotto asimiladas para el bagaje
personal de Simone Martini, definición en perspectiva, profundidad de las formas
(tridimensionalidad), escenas solemnes, ambiente cortesano.

San Luis de Tolosa coronando a Fernando de Anjou, Rey de Nápoles.1317: Es

una carta política sobre la intencionalidad y legitimidad de Roberto de gobernar en
Nápoles. Personajes humanos que se empequeñecen ante los santos (perspectiva
jerárquica), tratamiento lujoso en los ropajes, aparece el emblema de la casa de
Nápoles, realismo en la definición del rostro,
Políptico de Santo Domingo. 1323 – 1324: Es un templo sobre tabla, responde a
los deseos de los mecenas, aquí no hay tanta individualización de los rostros.

Anunciación entre los santos Ansano y Margarita. 1333: Realizado para un altar
dorado de la catedral de Siena, fondos dorados que nos remiten al esplendor
bizantino. Gabriel con las alas desplegadas y los mantos ondeantes, en la mano
derecha porta un ramo de olivo como símbolo de paz mientras señala con la mano
izquierda la venida del espíritu santo. Virgen María retraída, labios finos, ojos
rasgados propios de la aristocracia.

Ritratto equestre del Condottiero Guidoriccio da Foggliano 1328: Muestra el

poder, estatismo, espacio desolado únicamente poblado por escenas de batallas,
Condottiero de perfil estricto que será un referente para las estatuas ecuestres a la
manera de una moneda o medalla, espacios perfectamente definidos.

.5. EL GÓTICO TARDÍO.

1. LA ARQUITECTURA TARDOGÓTICA: PERICIA TÉCNICA Y ORNATO MONUMENTAL.

El término tardío realmente nos indica que se trata del último reducto de algo. No
responde a las innovaciones de la arquitectura del último gótico, que propone
nuevos tipos, métodos de construcción y técnicas, con un importante avance
tecnológico. La visualización exterior de la estructura, tan destacada en la etapa
clásica, dejó paso a la ocultación consciente, con el aumento de gables, cornisas,
hornacinas, terceletes… Los maestros de la obra trazaron arcos desde diversos
centros y transformaron las bóvedas multiplicando el número de nervios y claves
secundarias, que perdieron incluso función estructural para ser solo ornamento. Hay
un despliegue imaginativo, un desarrollo de nuevas habilidades técnicas y de diseño
por los arquitectos, cuya figura era cada vez más respetada y valorada.

1.1 INGLATERRA Y EL PERPENDICULAR STYLE.

El término define la arquitectura desarrollada entre 1335 y 1485. La tradición gótica
se prolonga en el periodo Tudor, incorporando elementos renacentistas adaptados al
lenguaje autócrato hasta fechas próximas de 1600. Se caracteriza por el predominio
de la línea recta perpendicular al suelo en las tracerías que se complican, con
curvas y contracurvas, con el fin de obtener un efecto de severidad. Se tiende a
dotar de gran luz
 1.2 LA ARQUITECTURA TARDOGÓTICA EN EL CONTINENTE.
Peter Parler trabajó con su padre Heinrich en la iglesia parroquial de Santa Cruz en
Alemania. Es una construcción curiosa, llamó la atención de Carlos IV de
Luxemburgo, que convirtió Praga en la capital de su imperio y por lo tanto decide
erigir aquí edificios de este calibre.

Catedral de San Vito. Praga. 1344: al estilo de las primeras catedrales alemanas
pero en un estilo en el que destaca el aspecto calado, y fachadas muy recargadas,
repletas de elementos decorativos de diferentes clases. En esta catedral se
suprimieron los arcos fajones en las bóvedas para unificar más si era posible el
espacio. El triforio y el claristorio se convierten en una continuidad que llega hasta el
ábside, apoyando la idea de un espacio homogéneo. En los tímpanos de la catedral
podemos ver una clara humanización de los personajes, cada uno con una emoción
propia. El momento representado es la crucifixión. Vemos cada uno de los roles
marcados. En los demás tímpanos vemos la ascensión ante los apóstoles y la
adoración de los magos, situados en las portadas laterales a la principal en la que
está la crucifixión.

Puente de Carlos IV. Praga. 1357: mandado por el emperador que da nombre al
puente, con la intención de unir las dos partes de la ciudad separadas por el río.
Tiene una gran decoración escultórica, de tracerías y arcos ciegos sobre todo.
Vemos torres y chapiteles. Son en total 16 tramos, decorados todos con
monumentos escultóricos colocados en una época posterior a la Gótica.

Iglesia de nuestra señora de Núremberg. 1350-1358: participó Peter Parler. Es

una iglesia de pequeñas dimensiones con un planteamiento de fachada triangular y
con una decoración de pináculos. Hay una parte sobresaliente que le aporta
dinamismo. En el interior vemos que se ha recuperado la planta de salón. Las
bóvedas son cuatripartitas.

Ayuntamiento de Brujas. 1376-1421: destaca el poder político de los gobernantes

de la ciudad. Es un edificio de dos plantas, de una nave única con dos alturas. Los
torreones marcan la disposición de la fachada. La fachada está completamente
cubierta por decoración escultórica, con representaciones de personajes nobles. En
el interior vemos bóvedas con claves muy marcadas, y descansan en ménsulas
adyacentes al muro. Pueden hacer todas estas virguerías gracias al uso de la
madera.

Catedral de Ruan. Mediados del siglo XV: con la Guerra de los 100 años se paró
toda construcción, y cuando las construcciones se reactivan se aplica el estilo del
momento. Por eso vemos que ya no hay tanto interés ni en la altura ni en la luz, sino
que ahora está en las bóvedas, en su multiplicación, sus curvas, etc. También en la
decoración de la fachada. Vemos gabletes, chapiteles, decoraciones caladas.
Iglesia de San Maclou. Ruan. 1437-1451: es importante la gran fachada porque
nos muestra que no se retoman y reorganizan formas de arquitectura románicas,
sino que vemos como las fachadas recogen los últimos tramos de las naves con la
arquitectura flamígera, con tracerías y multiplicación de pináculos. Destaca también
el tímpano del juicio final.

Catedral de Milán. 1386-1813: para ser en Italia toques demasiado franceses. Esto
se debe a que uno de los arquitectos era francés, tras cuya intervención el edificio
se declaró en peligro de ruina. Tras esta declaración se convocó un congreso en el
que Gabriele Stornacolo, matemático, propuso aplicar las proporciones de un
triángulo isósceles para el alzado.

1.3 EL ÚLTIMO GÓTICO EN LA PENÍNSULA IBÉRICA.

Catedral de Burgos: Construida por Juan de Colonia contratado por el obispo

Alfonso de Cartagena. Añadió las agujas aladas. Añadió un cuerpo prismático sobre
las torres a partir del cual construyó unas trompas internas donde encajan las
agujas prismáticas octogonales.

Capilla de los Condestables. 1482: En el último tramo de la nave sitúa este

espacio, la planta es hexagonal, gracias a las trompas en la parte alta es octogonal,
en el exterior tiene unos pináculos a modo de aguja, tracerías en las ventanas que
remiten al gótico flamígero. Adornada con relieves de los escudos de la familia
Luna, en el interior destaca el espacio unitario de relieves de los escudos de la
familia Luna y Mendoza. Cimborrio octogonal coronado por una bóveda central
remite a la tradición mudéjar.

Colegio de San Gregorio. 1488 – 1496: Asociado a la Universidad de Valladolid. El

muro exterior es liso. Fachada estandarte o de tapiz. El tímpano está dedicado a
san Gregorio Magno, flanqueado por San Pablo y Santo Domingo, portan la flor de
lis relativa a la casa reinante, se conjuntan hombres vestidos de salvajes que remite
a la costumbre cortesana de vestir a los siervos de caballeros con esta
indumentaria, lo que era costumbre en banquetes y fiestas. También se ha vinculado
al concepto intelectual del hombre primitivo/natural. Los hombres/caballeros
aparecen en las jambas y en los contrafuertes superiores. En el tapiz aparece la pila
central que remite a la fuente de la vida alrededor de la cual niños pequeños juegan
y de la que surge un tronco de granado con granadas que remiten al árbol de la
ciencia o del Génesis o remite a la conquista del reino de Granada. El águila de san
juan remite a los reyes católicos, significación política.

También destaca el claustro ya que es muy elaborado, destacan las filigranas de las
corinas en conjunción de arcos rebajados con fustes helicoidales y en la parte
superior destacan los arcos de medio punto que cobijan arcos de medio punto con
columnas, fuste helicoidal, pequeñas columnas interiores con decoración de flores
de lis, pelícanos, las pequeñas columnas sostienen guirnaldas que parecen
sostener una cortina petra sobre la cual juegan los niños y en las cuales se alternan
yugos y flechas.

2. EL GÓTICO INTERNACIONAL. REFINAMIENTO CORTESANO Y BURGUÉS.

Participación de laicos, la obra se convierte como un objeto de lujo que se
colecciona y se convierte en la prueba del estatus del comitente. Obras profanas de
la literatura contemporánea. Libros muy decorados, carácter narrativo y anecdótico.

Libro de las Maravillas: Uso del modelaje, búsqueda de una definición del espacio
mucho más creíble fruto de las experiencias de Giotto y Simone de Martini. Vestidos
fastuosos, responden a las nuevas formas de vida.

Grandes horas de Jean de Berry, hermanos Limbourg: Definicion del oratorio,

azul bello, profundidad en el balcón que sostiene la fina columna que separa el
entorno del arcángel y de la virgen. La imagen se proyecta hacia el espectador.
Proeza técnica en la definición de la profundidad y el espacio. Definicion de castillos
que responden a la arquitectura característica de las propiedades de Jean de Berry.

Las muy ricas horas de Jean de Berry: Riqueza, fantasía y preciosismo, reflejo
muy directo de cómo era la disposición de los castillos. Acercamiento a la
perspectiva, en primer término aparecen los campesinos realizando labores en la
vendimia para el duque. Es un testimonio gráfico de estas labores, sobre esta
estampa aparece un zodíaco, escenas relativas a la devoción.v En el purgatorio
aparecen almas amontonadas, algunas salvadas y otras condenadas, todo aparece
encuadrado en una especie de altar de madera ricamente realizado con tallas muy
minuciosas. Aparece otra escena con el hombre zodiacal y otra muestra referencias
a obras que existían en el momento como esta que muestra la catedral de Saint
Chapel de París, retrato de un momento concreto durante una misa en aint chapel,
colores muy ricos.

Paramento de Narbona: Realizado por el maestro del paramento de Narbona

encargado por Carlos V para situarlo en las iglesias como frente del altar durante la
quaresma, escenas relativas a la pasión de cristo, gran expresividad de los rostros,
pintado en grisalla, definición de la anatomía y de los pliegues, diferenciación de las
expresiones, arcos trilobulados en el interior.

Libro de horas de Boucicant: Colores abundantes y vivos como azules púrpura.

Definicion de los espacios, perspectiva, riqueza característica del momento.
Libro de caza de Gaston Phébus: Reoresenta caballos con carros de lino, perros,
escuderos sentados en el suelo, todo perfectamente definido, minuciosidad en la
representación del paisaje.

Grandes horas de Rohan: Absoluta definición de las expresiones y espacios,

representa el invierno en el interior de una casa, la disposición de la chimenea,
minuciosidad, voluntad por ser una obra narrativa, aparece una anunciación,
perfecta definición del suelo y de la silla de la virgen María, definición del espacio
eclesiastico situado en un entorno urbano. San Juan y san Lucas aparecen
escribiendo sus evangelios, camas bordeadas por cortinajes, estanterías donde
posan objetos diversos, objetos esparcidos por el suelo.

Horas de René d’Anjou: Aparece el retrato de Luis II D’ Anjou al lado de su patrón.

Es un retrato realista.

2.2 EL MECENAZGO ARTÍSTICO EN LA CORTE DE LOS DUQUES DE

BORGOÑA.
Borgoña se convierte en la cuna donde acuden artistas y músicos de todos los
géneros.

CLAUS SLUTER
Escultor y pintor que se formó en Harlem. En el 1369 es contratado por el duque de
Dijon como camarero personal del duque y “hacedor de imágenes para el señor”. Su
obra es el reflejo más directo de los deseos de un mecenas. Realizaba modelos en
yeso de la obra para mostrárselo al duque y una vez el duque daba el visto bueno
se procedía a la realización de la obra final.

Sepulcro de Felipe el atrevido. 1385-1405/1410: Incorpora novedades

iconográficas como la representación adyacente del duque, retrato psicológico y
fisiológico. Expresión solemne del duque que va acompañado de 40 plañideros
llorando la muerte del duque. Cada uno posee una expresión, rostro y gestos
distintos (individualización). Figuras volumétricas que remiten al claustro de la
cartuja enmarcados por medio de pilastras. Aparecen arcos trilobulados en el
interior que evocan la arquitectura gótica del momento.

Portal de la Cartuja de Champmol. 1391: Portada tradicional, arco apuntado,

arquivoltas y jambas desnudas para dar protagonismo a la virgen con el niño y los
dos fundadores. La virgen es humana, mira y se desentiende de su alrededor.
Fisionomía y ropajes volumétricos. Estudio anatómico subyacente muy profundo.
Fidelidad e individualidad en los rostros. Teatralidad.
Pozo de Moisés. 1395-1403: Obra inacabada. Figuras rotundas y expresivas
poseedoras de realismo gracias a la policromía. Movimiento.

Cristo Coronado con Espinas. 1396-1399: Hipotética restitución de la escultura

que coronaría el Pozo de Moisés.

Stefano Lochner. Tríptico de la Adoración a los Reyes Magos. 1500: Compuesto

por tres tablas que se abren, fondo dorado, en el centro la virgen coronada con
Cristo. Están vestidos a la moda del momento, fastuosidad, el cortejo de las
vírgenes acude a la epifanía. Cuando se cierra aparece una anunciación donde
aparece el santo espíritu en forma de paloma con el símbolo de los lirios a lo griego
con unos pliegues bien definidos.

La Virgen del Rosal. 1450: Obra cargada de simbolismo. Aparecen ángeles

músicos con plumas de pavo real. Cristo juega con esa manzana, símbolo de la
virginidad de la virgen que porta un medallón. Aparecen rosas sin espinas con lo
que se alude a la superación del pecado original.

Altar de Buxteude. Maestro Bertram. 1400-1410: Abundancia de detalle. Carácter

anecdótico.

Conrad Von Soest. Altar de la Pasión. 1403: Altar que se puede cerrar. Aparecen
escenas de la virgen y de la infancia y la pasión de cristo en el centro. Se lee de
izquierda a derecha. Aparece también la adoración de los magos, escenas relativas
a la pasión, la última cena, la resurrección de Cristo, una vez resucitado Cristo
aparece el pentecostés descendió sobre la virgen y los apóstoles. Distintas
reacciones de los personajes que van fastuosamente vestidos. También aparecen
escenas de carácter anecdótico.

Maestro de Visy brod. Altar, nacimiento (detalle). 1345-1350: San José prepara
el baño para el niño ayudado por la comadrona, aparecen los ángeles que avisan a
los pastores descendiendo.

Pentecostés (detalle). 1345–1350: Cada personaje aparece con una expresión

distinta. Individualización de los rostros.

Maestro Teodorico. San Mateo. 1360-1365.

 3. LA PINTURA FLAMENCA: LOS PAÍSES BAJOS, CENTRO DE UN NUEVO SISTEMA DE
REPRESENTACIÓN.
La inclusión de Flandes en el ducado de Borgoña y el traslado de la corte
incentivaron los encargos de pinturas y obras suntuarias. Su corte aportó lujo,
refinamiento y ceremonial a los territorios densamente poblados. Generó una rica
burguesía urbana con una potente organización gremial.

Los cuadros se convirtieron en un objeto precioso por el afán de protección y el

gusto realista, la exigencia de alta calidad y la minuciosidad que singulariza cada
elemento representado. La técnica al óleo, con aceite de linaza como aglutinante,
barnices y disolventes que aceleran el secado, permitió obtener este acabado
brillante y minucioso. La temática continuó centrándose en la religión, pero
igualmente se desarrolló el retrato, al que se incorporaron paisajes urbanos o
naturales a través de puertas y ventanas abiertas al fondo.

ROBERT CAMPIN:
Robert Campin es un artista que tiende a realizar rostros anchos y expresivos, y a
aportar a sus obras un increíble detallismo. Sus trabajos se caracterizan por su
minuciosidad.

Virgen con el niño ante una cesta. 1440: sabemos que es la virgen por el libro y el
cáliz sobre la mesa, también por los leones guardianes de la cuna del pequeño. En
la venta abierta se representa la ciudad del norte de Flandes. La desnudez del niño
es influencia del modo de representar al niño en las miniaturas. Esta obra sufrió una
gran restauración, y el mueble de la derecha probablemente no es original.

Tríptico de la Anunciación. 1425-1430: humildad de la Virgen leyendo, cubre sus

manos con un paño como símbolo de respeto hacia lo que está leyendo. No hay
documentos sobre quien fue el donante de la obra, pero podemos deducirlo por los
escudos presentes en las ventanas al fondo de la escena central. Los leones del
banco donde la Virgen se apoya hacen referencia al templo de Salomón. La vela se
apaga porque ya ha entrado Cristo: la Virgen ya ha aceptado ser madre del hijo de
Dios. El caldero es símbolo de la Virginidad. Es importante la gran verosimilitud,
minuciosidad y precisión de la representación de las herramientas de carpintero que
aparecen en la obra.

Natividad. 1420: yuxtapone las escenas de la Natividad y de la Adoración de los

Pastores, en una escena mostrada desde un punto de vista alto. Hay una gran
cantidad de pequeños elementos que hacen referencia a la redención, como por
ejemplo la situación del toro de espaldas, ya que según el libro de Ezequiel el toro
simboliza el judaísmo que se niega a reconocer a Cristo. El paisaje no se sabe a
qué ciudad hace referencia pero es claramente flamenco. San José tiene una actitud
activa, protegiendo la vela símbolo del nacimiento de la vida de Cristo.
Los desposorios de la Virgen. 1420-1430: dos escenas relacionadas. Los
desposorios de la Virgen están en una primera escena, pero bajo una estructura de
templo románico suceden escenas del Antiguo Testamento. Los desposorios tienen
lugar ante un pórtico de una iglesia gótica inacabada, símbolo de la buena nueva
que no ha llegado pero que Cristo traerá. En el reverso se representaron los santos
Santiago y Clara, como dos esculturas dentro de hornacinas.

Retrato de un hombre. 1435: perfectamente identificable. No es un retrato

idealizado.

Tríptico Werl. 1438: se conservan solo las tablas laterales. Vemos por primera vez
el detalle de reflejar la escena en un espejo. La escena de la derecha puede ser una
escena doméstica, mientras que en la izquierda vemos a Enrique Werl y a San Juan
Bautista. La mujer que vemos a la izquierda es Santa Bárbara, identificable por la
torre que vemos al fondo a través de la ventana. La Santa sostiene el libro de las
escrituras con un paño, para protegerlas, siendo un acto de respeto. Los lirios
representan su virginidad, y sobre la chimenea hay una talla de la Trinidad.

HUBERT Y JAN VAN EYCK:

Es complicado atribuir las obras a uno o a otro.
Políptico de la Adoración del Cordero Místico. 1422-1432: encargado por el rico
comerciante Joos Vyid para expiar los pecados de su padre. A Hubert se le atribuye
la estructura general y la figura de Cristo, el resto a Jean, pero no es nada
asegurado. Es más grande que la capilla a la que estaba destinada, abierto son 20
metros. Si vemos el políptico cerrado podemos ver en el centro la Anunciación.
Aparecen Joos Vyid y su esposa arrodillados ante una escultura de San Juan
Evangelista y una de … . La Anunciación en el centro supone el comienzo de la
redención de la humanidad. Cuando lo abrimos, en la parte inferior vemos
procesiones de santos, mártires, vírgenes, acudiendo a adorar al cordero místico. El
punto de vista está en altura para que el centro y protagonista de la escena sea el
cordero. Del cordero mana sangre a cálices sostenidos por ángeles. Además de las
procesiones también vemos a caballeros de Cristo, profetas y patriarcas, apóstoles,
a las jerarquías eclesiásticas, y a santas y santos, acudiendo de igual forma a la
adoración del cordero. En el nivel superior vemos el pecado original que causó el
anuncio y la redención de la humanidad: Adán y Eva. Sobre Adán vemos la ofrenda
de Caín y Abel, sobre Eva el asesinato de Abel por Caín. En el centro del nivel
superior vemos a una figura que es Cristo sobre un trono en señal de bendición
como si se tratara de un pantocrátor bizantino. San Juan Evangelista y la Virgen
imploran a sus lados.
Retrato de Giovani (matrimonio Arnolfini). Jean van Eyck. 1434: es un acta
matrimonial. Es una obra repleta de pequeños detalles. Vemos un rosario de perlas
de cristal, símbolo de la virginidad y pureza de la esposa. El candelabro del techo
tiene tan solo una vela encendida indicando que estamos ante un matrimonio, ya
que era costumbre hacerlo los días de matrimonio. El perro es símbolo de fidelidad.
Los zuecos a un lado y descalzos, sin nada que esconder, es símbolo de fidelidad y
sinceridad del matrimonio también. La cama hace referencia a la continuidad del
linaje.

Virgen del Canciller Rolin. Jan Van Eyck. 1435: es un retrato. Es novedoso, es la
primera vez que vemos el donante realizado con las mismas dimensiones de la
Virgen y ante ella, aunque esté arrodillado. Se trata de una sacra conversación. La
Virgen es coronada como futura reina de los cielos. Las peonias son
representaciones de pureza y salvación. Al fondo separado por una triple arcada,
triple por la santa trinidad, se ha representado como fondo de la obra la ciudad natal
del obispo. El rio separa dos ciudades: la celestial y la terrenal.

Virgen del Canónigo Van der Paele. Jan Van Eyck. 1436: encarga esta obra para
expiar. Quería una obra con la que ser recordado por su bondad y piadosidad. El
canónigo se representó arrodillado, desprovisto de cualquier riqueza, llevando una
simple túnica blanca. Está arrodillado ante la Virgen. Un caballero se quita el
sombrero en señal de respeto ante la Virgen.

PETRUS CHRISTUS:
Virgen con el Niño, Santa Bárbara y monje cartujo. 1450: su pequeño tamaño
nos indica que esta era una obra para la devoción privada.
Anunciación Friedsam. 1450: no se sabe de quién era originalmente, el nombre es
por el mercader que la compró.

ROGER VAN DER WEYDEN:

Descendimiento de la cruz. Antes de 1443: los protagonistas son las ffiguras, el
espacio no interesa, lo importante es como los personajes actuan y reaccionan.
Cristo es representado de una forma bella y la Virgen desfallece tal y como su hijo lo
hace, siendo un eco del dolor sufrido por su hijo. Las actitudes son muy reales, cada
personaje responde de una forma distinta y algunos llegan a las lágrimas. Es una
composición simétrica con un eje central formado por la cruz, José de Arimateas y el
joven que descuelga el cuerpo de Jesús. La composición la cierra por un lado San
Juan y por el otro María Magdalena. Todas las figuras tienen un volumen casi
escultórico y en los rostros vemos contrastes de luz y sombreado

GERARD DAVID: