CURSO DE COMPOSICIÓN II

EL LENGUAJE VISUAL:
LA COMUNICACIÓN VISUAL:

Empezaremos este curso repasando el tema de la comunicación

visual, ya visto en la parte 1, y ampliándolo para que los conceptos
queden fijados.

Como yo hemos comentado, la fotografía es un medio de

comunicación, ya que es un mensaje que sale de un emisor, el fotógrafo,
para un receptor, el espectador.

Cuando hacemos una foto, buscamos intercambiar información

con el espectador y que este, a poder ser, la entienda.

Es evidente que una foto comunica algo, aunque no quiera

transmitir nada su autor, ya que genera sensaciones en el que la ve.
Es un problema, y también una ventaja, para muchos autores de
fotografía artística que todo el mundo tenga una opinión subjetiva sobre
su obra. A veces, esa opinión se basa solo en el me gusta o no me gusta,
llegando a descalificar un trabajo de meses o años.
A continuación, un esquema de la comunicación visual.

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Más claramente en el caso de la fotografía:

“La realidad” es captada por la cámara (las técnicas y mecanismos de

esta)

La visión fotográfica del fotógrafo hace de esa fotografía única ya que

se convierte en la realidad del fotógrafo.

El revelado de la imagen ayuda a su interpretación por el espectador

que entenderá mejor o peor la foto según su bagaje cultural.

EL FLUJO:
¿Qué es?

• En fotografía, el flujo es el modo en el que la mirada del espectador

se desplaza de una parte de la fotografía a otra. Una manera de
definir el flujo de una fotografía es mediante el uso de líneas.
Pueden ser horizontales, verticales, diagonales, convergentes o
divergentes.
• A veces el flujo creado por las líneas es nítido y claro, como los
laterales de un edificio que convergen hacia el cielo), o pueden
ser menos obvias. Sin embargo, la mirada del espectador debería

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 ser capaz de recorrer los elementos de una parte a otra de la
imagen.

• El flujo crea la ilusión de movimiento (o ausencia de movimiento si

se desea).

• Las líneas diagonales se consideran generalmente más

"dinámicas", mientras que las líneas horizontales y verticales se
consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso de elementos
estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus
fotografías.

• Importante: leemos de izquierda a derecha, de arriba abajo.

Tenemos el interés por el centro y por las esquinas. (Curso de
composición 1)

¿Cómo leemos/interpretamos una imagen?

Las imágenes tienen varias formas de lectura para nosotros como

espectadores de ellas.

• A nivel narrativo: Qué nos está contando la historia. Ver lo que se

nos quiere hacer llegar y lo que en realidad se nos hace llegar.
Analizar esa historia a nivel expresivo: ¿tiene fuerza? ¿es una historia

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 clásica u original? ¿tiene valor por sí misma o hay otros elementos
que le dan valor a la imagen como, por ejemplo, la composición?

• A nivel compositivo: Cómo están organizadas las cosas que hay

dentro del encuadre. Si está pensado, si está organizado de
antemano, si es natural. ¿Nos cuenta algo la composición? ¿La
composición refuerza el mensaje? ¿es clara?

• A nivel técnico: ¿Cómo se ha utilizado el lenguaje fotográfico en la

imagen? ¿Está ésta correctamente expuesta? La profundidad de
campo, la velocidad de obturación, la sensibilidad... ¿son las que
deberían ser? Y si no lo son... ¿por qué? ¿aporta esto algo a la
imagen?

• A nivel grupal: ¿Es una fotografía individual o pertenece a una serie

o proyecto? Si se trata de un individuo dentro de un grupo, ¿qué
importancia tiene dentro de éste? ¿es una pieza vital? Si se trata
de una imagen sola, que no pertenece a ningún grupo de
fotografía

SIMPLICIDAD/ COMPLEJIDAD

Cuando ya tenemos claros ciertos aspectos de la imagen que estamos

viendo, llega la conclusión. El mensaje ha sido claro de primeras o ha sido
rebuscado.

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En este caso hablamos de simplicidad/ complejidad.

• Una imagen es simple cuando es fácil de interpretar y nos exige

poco esfuerzo y atención para entenderla. Tiene un carácter mono
sémico.

• Las imágenes complejas obligan un gran esfuerzo por parte del

espectador, que se debe detener en la lectura de la imagen. Son
polisémicas porque se mueven en diferentes realidades y
significados, que pueden variar según el ojo que la mire.

Dentro de la simplicidad/complejidad tenemos cuatro opciones dentro

de las artes visuales.

1. Figura y fondo simple. Sin problemas de lectura para el espectador

ya que son imágenes claras.
2. Figura simple y fondo complejo. Cuando buscamos que el sujeto
objeto protagonista a penas nos de descripción, y el fondo estalla
en detalle.
3. Figura compleja y fondo simple:
4. Figura y fondo complejo.

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A veces, el resultado final de la fotografía es simple pero el
mensaje/contenido es complejo (por ejemplo, si usamos temas
iconográficos/alegóricos, mitológicos, religiosos)

Recuerda:
¿Cómo Generar o Potenciar un Centro de Interés?

• Ya hemos visto que el centro de interés es la parte más importante

de una fotografía y, de hecho, la gran mayoría de reglas de
composición que conocemos están relacionadas con él:

• La regla de los tercios, que indica los puntos en los que idealmente
deberías colocar tu centro de interés para que éste sea más
atractivo visualmente ya que la inmensa mayoría de veces no
deberíamos colocar nuestro sujeto principal en el centro
matemático de la imagen.

• La regla del movimiento, que te ayuda a saber por dónde

deberías dejarle aire librea tu centro de atención si éste se está
moviendo.

• La regla de la mirada que, del mismo modo que la regla del

movimiento te ayuda a determinar qué parte de la imagen es la
mejor para dejar espacio vacío: delante de la mirada del sujeto
principal.

FORMATO:

FORMATO CIRCULAR:
• MUY UTILIZADO PARA RETRATO
EN EPOCA ANALÓGICA.
• HEREDADO DE LA PINTURA.

• PUNTO CENTRAL DONDE SIEMPRE SE

VA LA MIRADA.

• NO CREA TENSIONES AL MIRAR LA

IMAGEN.
• DESUSO.
• DA SENSACIÓN DE FOTOGRAFÍA DE
ANTAÑO.
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 FORMATO CUADRADO Y SU RECUPERACIÓN:

• La empresa alemana Rollei presentó, en 1929, la primera cámara

comercial que trabajaba con películas en formato cuadrado
(también conocido como 1:1). A raíz de ella, muchos fotógrafos se
sumaron a esta tendencia. Entre los más reconocidos
internacionalmente podemos resaltar a Richard Avedon e Irving
Penn.

• Posteriormente en 1948, Hasselblad, la gigante y distinguida

empresa sueca de equipo fotográfico, fabricó una cámara de
formato 1:1 y con ella se popularizó aún más esta relación de
aspecto, siendo utilizada por fotógrafos durante décadas. Varias
compañías de cámaras fotográficas como Kodak o Mamiya
comenzaron a producir dispositivos con estas características. Las
cámaras Polaroid también significaron un gran impacto en el
reconocimiento de esta dimensión de imagen.

• EQUILIBRAN LA FOTOGRAFÍA DESPOJANDOLA DE TENSIONES

DIAGONALES DEL FORMATO RECTANGULAR.

• Por supuesto que con la llegada de las cámaras digitales este

formato quedó olvidado a pesar de su amplia notoriedad en la era
analógica.
• LA APP INSTAGRAM A RECUPERADO ESTA FORMA DE FOTOGRAFÍA.

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 LOS FORMATOS MÁS COMUNES EN FOTOGRAFÍA DIGITAL:

• 16:9 Panorámico: A pesar de ubicar el caballo en el centro, aporta

ambiente a ambos lados y obliga a fijarse en el campo neblinoso
creando una dirección de lectura horizontal, de un lado a otro
volviendo en todo momento al centro.

• 4:3: Descentramos nuestro objeto aportando ambiente a la

derecha. Crea un movimiento desde el protagonista al espacio
negativo para volver a centrarnos en el equino.

• 1:1 :Formato 100% estable, lo que se refuerza al colocar el caballo

al centro. Es difícil escapar de tanta estabilidad, lo que le otorga
total y absoluto protagonismo percibiendo la niebla mediante
visión periférica.

• 2:3 Vertical: La forma de nuestro animal se ajusta muy bien al

formato vertical, perdemos ambiente para enfatizar la verticalidad
de su anatomía.

ELEMENTOS A TENER EN CUENTA

CUANDO HACEMOS UNA FOTOGRAFIA:

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EL ESCENARIO:

Cuando nos enfrentamos a una fotografía, el fotógrafo se enfrenta a tres

tipos de escenarios a la hora de componer_

• 1. Estudio: Un escenario donde el fotógrafo tiene la libertad para

ubicar los elementos – Este escenario ocurre cuando el fotógrafo
puede decidir la colocación de los elementos que componen la
imagen. Suele darse en la fotografía comercial de productos y la
fotografía de estudio. Aquí el fotógrafo tiene el tiempo y la libertad
de poder “construir” la escena y cambiar los elementos hasta
lograr la imagen.

• 2. Fotografía real: Un escenario donde la ubicación de los

elementos es fija – A diferencia de la escena anterior aquí el
fotógrafo no puede cambiar la ubicación de los elementos visuales
que conforman la escena. Este tipo de escenario es al que
comúnmente nos enfrentamos los fotógrafos urbanos, paisajistas,
de fauna y flora , vida silvestre entre otros. Aquí los recurso que el
fotógrafo tiene a la mano para componer son tres:
• El ángulo o perspectiva – cambiar de posición
• El largo focal – cambiar el encuadre
• La espera del momento oportuno para capturar la imagen

• El desenfoque La profundidad de campo nos ayudará a escoger

que es útil y que no es.

• 3. Fotomontaje: El tercer escenario es aquel donde el fotógrafo

captura en la cámara los elementos que conforman la imagen de
manera separada y luego mediante recursos de post proceso crea
su composición. Estos recursos pueden ser:
• La edición análoga o digital
• Los efectos especiales

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 LOS TIPOS DE COMPOSICION:

En fotografía (y otras artes figurativas) tenemos cinco tipos de

composiciones.

- Composición clásica o estática: se encuentra en equilibrio absoluto

como se puede observar, no hay tensiones. Pretende eliminar todo lo
que pueda sugerir movilidad, evolución y transformación. Esta
composición aprovecha el estatismo de la unidad, del equilibrio,
del ritmo y de la simetría, conjugando los elementos compositivos
individuales en una armonía de conjunto. Esta composición se expresa
mediante normas bien precisas y determinadas.

- Composición libre o dinámica: La composición dinámica, se basa

precisamente en el hecho de que todo elemento que posea cause
sensaciones distintas y no hay un patrón por el cual guiarse.

- Composición continua: la acción se desarrolla denominando la

totalidad del espacio formado con una narración continua sin que
ningún punto preciso sea determinado por un interés preponderante.

- Composición en espiral: Las líneas espirales ponen en juego toda su

fuerza vital expandiéndose hacia el exterior del cuadro en este
género el efecto alude principalmente al sentido de profundidad.

- Composición polifónica: Desarrolla varios temas paralelamente y

simultáneamente. Todos los temas son protagonistas y se
relacionan entre si.

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 LA ESCALA:

• EN FOTOGRAFÍA PODEMOS JUGAR CON EL TAMAÑO DE LOS

OBJETOS Y TRANSMITIR COSAS CON ELLO.

• NO DEBEMOS PONER COSAS QUE SEPAMOS SU TAMAÑO REAL:

Cuando queremos descontextualizar un objeto y que parezca
mucho más grande sin usar fotomontaje o manipulación digital del
tamaño, no debemos poner cosas que nos sirvan para medir y
comparar el tamaño en la fotografía.
• 2 TIPOS:

• ESCALA EXTERNA: RELACION ENTRE NUESTRA IMAGEN Y LA

REALIDAD.

ESCALA INTERNA: RELACIONA OBJETO CON LO QUE LO RODEA

DENTRO DE LA IMAGEN. RESPONSABLE DE LA GRAMATICA DE LOS
PLANOS FOTOGRAFICOS

DENTRO DEL ENCUADRE:

Ya sabemos que el encuadre puede ser abierto o cerrado según recorte

más o menos el sujeto o protagonista.
Además de esto, el motivo dentro del encuadre puede estar:
• -Horizontal: tranquilidad, pausa.
• - Vertical: sensación de ascensión, ligereza

• - Aberrante: inclinado que genera movimiento y tensión. Sensación

de inestabilidad, peligro,

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ANGULACION DE LA TOMA:

Habíamos visto en composición 1 tres tipos de angulaciones que eran la

normal de 0º, la picada de +45º y la contrapicada de -45º.

Deberemos añadir dos angulaciones más que en fotografía genera

mucho interés.

- Cenital +90º: Colocamos la cámara desde arriba, totalmente

perpendicular al suelo. El ángulo cenital es muy usado en
producciones cinematográficas o tomas desde helicóptero para
grabar extensiones muy amplias. O los mapas por satélite son el
ejemplo más representativo de ángulo cenital.
- Nadir -90º La cámara se coloca completamente bajo el sujeto, de
manera perpendicular al suelo. Aquí conseguimos un efecto más
exagerado aún que con el ángulo picado. Conseguimos una
perspectiva central, ya que las líneas tienden hacia el centro de la
escena.

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EL SUJETO EN COMPOSICION CERRADA O ABIERTA:

El sujeto dentro de la fotografía puede aparecer mirándonos o

esquivando el objetivo de la cámara.

En función de la actitud del sujeto frente al espectador tenemos dos tipos

de composiciones:

1. Abierta: mira al espectador y conecta con él, entrando en su

espacio vital.
Uno de los cuadros más famosos del mundo, La Gioconda de
Leonardo DaVinci, es una composición abierta.
2. Cerrada: el retratado está ensimismado, no contacta con la
realidad del espectador.

EL CUADRO DENTRO DEL CUADRO:

• Recurso muy extendido en la historia del arte, SOBRETODO EN

Pintura ya que genera Ilusión óptica.

• En este caso la foto dentro de la foto, también es un recurso muy

utilizado por los fotógrafos.
• Generan mucha profundidad (3D) e interés compositivo.
• Retratos psicológicos.

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 • Puede tener el mismo esquema compositivo que la foto o otro.

• Puedes agudizar su efecto si pones el cuadro dentro del cuadro en

un esquema compositivo como los tercios.
• Generalmente se convierte en el punto de interés.
• Se puede desenfocar uno de los planos o todo enfocado.

LAS ARTICULACIONES ¿Cuándo podemos cortar articulaciones en

fotografía?

• Este apartado lo vimos en el curso 1: Una convención

generalmente aceptada en fotografía es que en los retratos el
encuadre no debe cortar las articulaciones: Tobillos, rodillas,

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 muñecas, codos. Cortar provoca una sensación de incomodidad
en el espectador. Tampoco se suele aceptar el corte de la
fotografía en manos o pies.
Generalmente podremos cortar articulaciones:

1. Cuando no nos quede otro remedio.

2. Cuando queramos incomodar al espectador de nuestra foto.

Como vemos en fotografía no hay nada prohibido, pero siempre

deberemos ser conscientes del efecto que genera.

LA PERSPECTIVA:
LA PERSPECTIVA LINEAL “RENACENTISTA”

Una de las principales aportaciones de los artistas del

Renacimiento tiene que ver con la definición de las reglas de la
perspectiva artificial como método para reconstruir tres dimensiones en
soportes objetivamente bidimensionales. La superficie pictórica quedó
convertida entonces en un plano figurativo sobre el cual se proyectaba
y construía el espacio de forma homogénea y estructurada. Los grandes
artistas de este período de la historia sentaron las bases de la concepción
del espacio y de la representación que determinarán, no sólo la
producción artística de los siglos posteriores, sino también la inquietud por
generar imágenes «lo más parecidas al natural» (frase recurrente en los
tratados de arte de la época) que estuvo en el origen de una invención
como la fotografía en las primeras décadas del siglo XIX.

• El desarrollo de la fotografía está claramente vinculado de forma

directa al descubrimiento de la perspectiva artificial en el siglo XV
con la que se inauguró la tendencia a la imitación del mundo
exterior que devoró las artes plásticas.
• Los artistas tenían obsesión por retratar lo real.

• En el fondo, no se encontraba más que el deseo interior de

reemplazar la realidad exterior por su doble que culmina con un
invento como la fotografía

• se trata de un medio esencialmente objetivo que satisface de lleno

la necesidad de semejanza y obsesión por el realismo. Este hecho
posee una enorme potencialidad de credibilidad que no se
encuentra en ninguna obra de arte. La fotografía «embalsama» el
tiempo, es como la «momificación» del instante.

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¿Qué es la perspectiva lineal?

En fotografía la utilizamos para darle profundidad a las imágenes

bidimensionales, al igual que en la pintura.

- Basarse en las líneas para conseguir fuga. Lineas físicas como las
Arquitectónicas y líneas
conceptuales.
- provocando así la ilusión de
profundidad y distancia.
- Utilización De los planos para dar
profundidad.

• Recuerda que: Un punto de fuga,

en un sistema de proyección
cónica, es el lugar geométrico en
el cual las proyecciones de
las rectas paralelas a una
dirección dada en el espacio, no paralelas al plano de
proyección, convergen.
Este tipo de perspectiva se puede potenciar con:

1. Con un gran angular: estos objetivos aumentan la profundidad y

exageran las perspectivas.
2. Con el ángulo de disparo: en función del ángulo desde el que
disparemos, la perspectiva se verá potenciada o todo lo contrario,
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 eliminaremos la sensación de profundidad. Con el ángulo picado
y contrapicado aumentarás la profundidad y con el nadir, cenital
o al mismo nivel del sujeto, la sensación de profundidad se verá
reducida resultando una imagen más plana. Si no conoces estos
ángulos, no te preocupes, en las siguientes imágenes te explico
cada uno con un ejemplo y así lo entenderás mejor.

PERSPECTIVA POR SUPERPOSICIÓN

• UNOS ELEMENTOS TAPAN

A OTRO Y DISMINUYEN SU
TAMAÑO HACIA EL
FONDO.

• No está de más decir

que cuando vemos un
objeto que tapa la visión
de otro, el primero de
ellos es el que está más
cerca del espectador. Esta es la manera en la que nuestro cerebro
se da cuenta de las distancias. Esto se llama perspectiva por
superposición y provoca sensación de profundidad en las
fotografías que aumentará a medida que los objetos superpuestos
sean más numerosos.
• Solemos combinarla con la perspectiva lineal o con la aérea.

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PERSPECTIVA AEREA:

• La perspectiva aérea o perspectiva atmosférica es el método con

el cual se produce una sensación de profundidad en una pintura,
al imitar el efecto de espacio que hace que los objetos se vean
más pálidos, azules y nebulosos o menos distinguibles
a distancia media y lejana.

• El término fue acuñado

por Leonardo da Vinci, pero
la técnica pudo haber sido
empleada ya en las antiguas
pinturas murales grecorromanas
de Pompeya. Se descubrió que
el polvo y la humedad en
el ambiente causaban la
dispersión de la luminosidad;
siendo la luz de longitud de
onda corta (azul) más
diseminada y la luz de longitud de
onda larga (roja) menos
esparcida.

En fotografía también la tenemos ya

que al fotografiar paisajes la cámara
capta esos tonos azulados
apagados del fondo, en la lejanía.
Utilizamos filtros Skylight para evitar
esos tonos azulados.

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PERSPECTIVA SIMBOLICA O JERARQUICA:
• NO NATURALISTA/REALISTA. No tiene la intención de ser objetivo.

• La heredamos del arte cristiano en el periodo artístico del

Románico.

• LOS OBJETOS/PERSONAS/SIMBOLOS MÁS IMPORTANTES

DE LA FOTOGRAFÍA SON MÁS GRANDES.
INDEPENDIENTEMENTE DE SU TAMAÑO REAL.
• MUY UTILIZADO EN LA HISTORIA DEL ARTE.
• UTILIZADO EN POLITICA Y PUBLICIDAD.

Es interesante observar como concedemos licencias a

este tipo de obras. Entendemos que cuando algo es
importante lo hacemos más grande que lo superfluo.

PERSPECTIVA FORZADA:

- Tiene un carácter surrealista.

- Muy utilizada con clave de humor.
- La Perspectiva Forzada es una técnica usada básicamente en
fotografía, en rodajes de pelis y en arquitectura.
- Se trata de crear ilusiones ópticas haciendo que un objeto parezca
más grande, más pequeño, más lejos o más cerca de lo que
realmente es o está.
- Básicamente se trata de engañar a nuestra vista creando una
ilusión para conseguir algo que parece lógicamente imposible,
pero que gracias a la creatividad y a la imaginación se puede
conseguir.
- Es de gran interés para el espectador ya que pone en juego la
imaginación del fotógrafo y del receptor del mensaje.
Dentro de esto hablaremos de:

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REALISMO VS SURREALISMO:

¿Qué queremos en nuestra fotografía?

Lo primero que debemos tener en cuenta es que queremos contar ya

que la fotografía nos permite ir más allá de la realidad y contar nuestra
realidad.

¿Queremos una representación fiel de la realidad o una imitación del

mundo de los sueños y subconsciente? ¿queremos algo figurativo o más
bien abstracto? ¿Buscamos la verdad o una mentira elaborada?
¿Quieres ser objetivo o subjetivo? ¿Qué perspectiva utilizar?

El surrealismo, normalmente basado en sueños e imaginaciones del

artista plasman flashes, destellos, pensamientos y deseos del artista.

Son cuadros muy complejos donde al verlo puedes sentir exactamente lo

que el artista sentía, o por el contrario, una marea de sentidos totalmente
opuestos ya que esta pieza surrealista es un enlace entre los sentimientos
gráficos del artista y el mundo real.

En el realismo es diferente. Se pretende ser objetivo. Plasmar físicamente

lo que también proviene de lo físico. El observador verá lo que
exáctamente veía el artista. Como una fotografía pero con todo el valor
añadido de la dificultad de la obra.

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LA LUZ:
• PUEDE CAMBIAR TOTALMENTE NUESTRO PARECER EN UNA FOTO.

• La luz y su dirección nos ayuda a componer en fotografía.

• Influye en color, volumen, perspectiva. (Composición 1)

• Los distintos tipos de luz pueden producir distintas sombras y

matices afectando a la percepción de las texturas y volúmenes.
LA LUZ NATURAL VARÍA:
• Luz de la mañana: Ilumina con tonos frescos y apastelados,
difuminando normalmente los detalles lejanos

• Luz del mediodía: Luz dura e intensa que elimina las sombras y
afecta negativamente a la percepción de los volúmenes. En
general no suele ser buena para fotografía

• Luz del atardecer: Ilumina lateralmente y con tonos cálidos y

dorados produciendo sombras tenues y sutiles que resaltan las
texturas.
ESPACIO NEGATIVO:

• MUY USADO EN PINTURA Y HEREDADO

POR LA FOTOGRAFÍA.

• Se considera espacio
negativo los grandes espacios
vacíos, normalmente en blanco o
negro, dentro de una fotografía,
normalmente a un lado.

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 • El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el
resto de la foto de un espacio vacío nos permite transmitir una
información adicional de soledad, aislamiento o calma a la
imagen.
LA DIRECCION EN LA IMAGEN:

• Es la demostración de la importancia de las leyes compositivas en

una fotografía.
• Dependiendo de la dirección en que pongamos el centro de
atención, tendemos a pensar que viene o va.

• EL FOTOGRAFO PUEDE DELIBERADAMENTE CAMBIAR EL SENTIDO DE

LA IMAGEN.
GIRAR LA FOTO O EL REFLEJO:

Recurso utilizado para generarnos tensión.

Gusto estético.
Intención deliberada del fotógrafo.
Obliga al espectador a interactuar con la obra y darle sentido.
TIENE UNA CONOTACION SURREALISTA.
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 COLOR Y PSICOLOGIA DEL COLOR:
El color como ya vimos en los apuntes de
composición 1 es muy importante en
fotografía.

Ahora nos adentraremos un poco más.

• Cuando el color es protagonista o

nos da el significado de la imagen.

• Generalmente el protagonista es
uno, pero pueden ser varios
colores: armónicos, contrarios.

• Significados culturales de los

colores. Según el lugar del mundo
donde estemos.

• Psicología: Evocan calidez, frialdad, frescura, tranquilidad, paz,

realeza

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Connotación
El lenguaje de los colores, factores psíquicos del observador.

• Blanco: El blanco puede expresar paz, soleado, feliz, activo, puro e

inocente; crea una impresión luminosa
de vacío positivo y de infinito. El blanco es el fondo universal de la
comunicación gráfica.
• Negro: es el símbolo del silencio, del misterio y, en ocasiones, puede
significar impuro y maligno. Confiere
nobleza y elegancia, sobre todo cuando es brillante.
• Gris: simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda y
melancolía.
• Amarillo: es el color más luminoso, más cálido, ardiente y expansivo. Es
el color del sol, de la luz y del oro, y
como tal es violento, intenso y agudo. Suelen interpretarse como
animados, joviales, excitantes, afectivos e
impulsivos.
• Rojo: significa la vitalidad, es el color de la sangre, de la pasión, de la
fuerza bruta y del fuego. Color fundamental, ligado al principio de la
vida, expresa la sensualidad, la virilidad, la energía; es exultante y
agresivo.
• Azul: es el símbolo de la profundidad. Inmaterial y frío, oscuro: infinito.
• Violeta: (mezcla del rojo y azul) es el color de la templanza, de la
lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico
y podría representar también la introversión. Cuando el violeta deriva el
lila o morado, se aplana y pierde su
potencial de concentración positiva. Cuando tiende al púrpura
proyecta una sensación de majestad.
• Verde: es el color más tranquilo y sedante. Evoca la vegetación, el
frescor y la naturaleza. Es el color de
la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. Cuando algo
reverdece suscita la esperanza de una vida renovada. El verde que
tiende al amarillo, cobra fuerza activa y soleada; si en él predomina el
azul resulta más sobrio y sofisticado.
• Marrón: es un color masculino, severo, confortable.
Es evocador del ambiente otoñal y da la impresión de gravedad y
equilibrio. Es el color realista, tal vez porque es el color de la tierra que
pisamos.

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Esquemático
Tiene relación con lo heráldico. (escudos de armas)

• Azul: le lealtad, la justicia, la fidelidad. La buena reputación y la

nobleza.
• Rojo: significa el amor, audacia, valor, coraje, cólera, crueldad.
• Verde: el honor, la cortesía, el civismo, la esperanza y el vigor.
• Púrpura: representaba la fe, la devoción, la templanza y la castidad.
• Negro: luto, la aflicción.
• Dorado: la sabiduría, el amor, la fe, el amor, las virtudes cristianas y la
constancia.
• Plata o blanco: la prudencia, la inocencia, la verdad, la esperanza y
la felicidad.
• Naranja: inestabilidad, disimulo e hipocresía.
• Marrón: penitencia, pena, la traición y la humildad.

En publicidad son muy utilizados para hacer los logos, anuncios de las
marcas.
Es la sensación que la marca quiere transmitir.

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Los colores muchas veces hacen que asociemos a una marca.

Simbolismo
El color como símbolo (variando según las culturas). Según el país donde
nos movamos o donde queramos mandar nuestro mensaje, los colores
tendrán un significado u otro.

- Para el catolicismo, el rojo: simboliza el fuego, la sangre y el amor

divino. Se utiliza en las fiestas del Espíritu Santo, iluminando la llama del
amor divino, y en las fiestas de los Mártires, en la Pasión, y el Pentecostés.
- En China el rojo se asocia con las bodas y representa buena suerte y
en la India este color está unido a la
caballerosidad. Tradicionalmente se relaciona con los celos, la envidia,
la adolescencia, la risa y el placer, e
incluso en algunos casos se le denomina como el color de la mala
suerte.
- Blanco: pureza, luz, expresa la alegría y la inocencia, el triunfo, la gloria
y la inmortalidad. Se emplea en las fiestas del Señor, de la Virgen, de los
santos ángeles y de los confesores en las ceremonias nupciales.

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Lo que está claro es que si queremos resultar más convincentes y potentes
con nuestro mensaje deberíamos tener algo de idea de lo que es la
psicología y simbolismo del color.

Iconocidad
El color es tal cual la realidad, lo que veo, verde: naturaleza, hojas, azul:
cielo, blanco: nubes.

Cómo comunicar

Ardientes
Aquí se remite al rojo en su potencia, a su máxima saturación, el rojo en
su estado mas intenso.
Colores que se proyectan hacia fuera y atraen la atención.
Colores fuertes, agresivos y vibran, estos colores pueden afectar al
observador de muchas maneras como el aumento de la presión
sanguínea y la estimulación del sistema nervioso.

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Fríos
Azul saturado, este nos recuerda a la nieve y al hielo, esto aminora el
metabolismo y aumenta la sensación de calma.

Cálidos
Todos los tonos que contengan rojo son cálidos, pero la diferencia con
los ardientes es que no están saturados, a
su máxima saturación. Se le agrega amarillo, y formando diferentes
naranjas. Estos colores dan sensaciones a lo
confortable, espontáneo, acogedor.

Frescos
Estos colores se basan en el azul, pero con el agregado del amarillo, por
eso se diferencian de los fríos. Color
azul, verde azulado, turquesa, nos remite a la primavera, sensación de
renovación, calmos tranquilos. Sensación
de profundidad.

Claros
Colores pasteles pálidos. Casi transparentes, poco contraste, mucha luz,
blanco, estos colores sugieren
liviandad, fluidez, descanso. Por eso la idea de una cortina transparente
de una ventana, es un mensaje de
distensión.

Oscuros
Colores con tono negro en su composición. Encierran al espacio, da
idea de un espacio más pequeño. Con estos colores se sugiere el otoño
y el invierno. La noche.

Pálidos
Estos colores contienen por lo menos un 65 por ciento de blanco en su
composición. Color rosa, celeste, marfil, colores tranquilizantes, se utiliza
para espacios de interior.

Brillantes
Colores saturados, puros, determinan así el brillo. No existen entonces el

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gris ni el negro ni el blanco. Estos
colores atraen la atención. Nariz de payaso, micro escolar, globos de
colores, estimulan, alegran, es uno de los tips para la publicidad y la
moda.

Esquemas básicos de colores y sus combinaciones

Esquema acromático
No existe color, solo negro, blanco y grises.

Esquema análogo
Se toma un color y se acompañan con los análogos.

Esquema de choque
Combinamos un color con el tono que esta a la
derecha o a la izquierda de su complementario en el círculo
cromático.

Esquema complementario
Utilizamos dos colores opuestos en el
circulo cromático. Enfatizan el aspecto visual.

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 Esquema monocromático utiliza un color con
sus matices.

Esquema neutral
Se utiliza un color rebajado con
el agregado del negro o de
su complementario.

Esquema complementario dividido

Consta de un color y los dos análogos de su complementario.

Esquema primario
Colores primarios saturados.

Esquema secundario
Colores secundarios combinados en una foto: verde, violeta y naranja.

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Esquema triada terciario

Se utilizan colores equidistantes uno del otro en el círculo cromático

Tétrada

Conclusión
Hay que tener siempre presente la importancia del color en nuestras
fotos.
• El color es uno de los medios más subjetivos con el que cuenta el
fotógrafo, pinto o diseñador. Dado que la percepción del color
es la parte simple más emotiva del proceso visual, tiene una gran fuerza
y puede emplearse para expresar y reforzar la información visual.
• Tiene mucho poder de atracción o rechazo dependiendo del uso que

31
 se le dé.
• Los colores también dan sensación de movimiento.
• Las emociones, sensaciones, y en definitiva todo lo que los colores
pueden llegar a expresar y hacer sentir
al espectador forma una parte fundamental de la base de un buen
diseño.
• El color, como elemento claramente evidenciado de nuestro diseño,
puede ser la clave de nuestro éxito.
Tanto si pensamos en ello como si no, si nos damos cuenta o no de ello,
estamos cargando de significados cuando elegimos un color.

Contexto emocional:

• En tu foto, asegúrate de tener bien definida una emoción

predominante. Puede haber varias emociones en una misma foto,
pero una tiene que dominar y quedarse plasmada en la retina del
espectador.
La dirección visual que hayas escogido para tu foto tiene que
acompañar esta emoción dominante. Sería difícil reflejar
sentimientos como el miedo o la soledad con una foto de colores
cálidos y vívidos, de la misma manera que una foto de color
predominante gris, con una composición llena de espacios
negativos, es difícil que cuente historias de alegría (imposible en
fotografía no hay nada, digo difícil).

32
DOS CORRIENTES A TENER EN CUENTA:
MINIMALISMO FOTOGRAFICO:

• la extrema simplicidad. Todo un reto para los fotógrafos que deben

esforzarse por buscar la sencillez en cualquier tipo de escena pero
tratando de contar algo con elementos mínimos.
• Es un ejercicio de composición muy bueno.
• Curso de Historia de la fotografía

HORROR VACUI (TEMOR AL VACÍO)

- Los artistas del Barroco temían dejar espacio de su obra sin

información.
- Muy barrocas de apariencia.
- La fotografía contiene demasiada información.
- Mensaje no es claro.
- Necesita vari as lecturas para su comprensión.

33
 ESTETICA:
Es la rama de la filosofía que
tiene como objeto de estudio
la experiencia sensible frente
a lo realizado por el hombre
con un sentido estético.

Tiene como fin el estudio del

ARTE, pero también de la
reacción que nos produce la
naturaleza.

Todos los ámbitos de nuestra

realidad los percibimos bajo
la experiencia estética.
Proviene del griego Aistheisis
que significa sensación o
sensibilidad.
El fundador de esta rama fue Alexander Gottlieb Baumgarten con su libro
Aesthetica (1750-58)

Está relacionada esta experiencia con lo bello. Pero también con otras
categorías como lo cómico, lo trágico, lo bello, lo feo o lo sublime.
Categorías estéticas que impregnan nuestras fotos y las hacen más o
menos agradables.
LO BELLO y LO FEO CATEGORIAS ESTETICAS.

Estas categorías de la imagen son estudiadas por la filosofía estética y

aplicadas a las artes figurativas.
Estas categorías estéticas han ido cambiando a lo largo de la historia.
Lo bello:
Característica o adjetivo de una cosa la cual produce una sensación de
placer y satisfacción que agrada nuestros sentidos.
Es un sentimiento sensitivo y espiritual donde entra en juego el gusto.
Lo bello se da en lo natural y en lo creado por el hombre.

Lo bello varía de una cultura a otra por culpa de nuestra tradición, pero
siempre genera admiración en quien lo contempla.
Los cañones varían.
Consideramos bello la perfección. Un ideal estético.

34
Hay personas que ven belleza en la fealdad, la destrucción…

Actualmente confundimos bello con Belleza de Consumo. (es bello lo que

nos dicen que es bello, por ejemplo: la que tiene el vestido más bonito, o
el mejor peinado)

Ej: cuando uno ve a una mujer en una fotografía y dice que es bella, en
realidad quiere decir que le genera placer ver esa fotografía y la
asociamos a la definición abstracta preconcebida que tenemos de
belleza.

Lo feo:
Es lo contrario a lo bello.
La fealdad es lo que no nos satisface, ni nos llena.

También es la propiedad que tienen las cosas y que nos hace

aborrecerlas.

Tenemos muchos adjetivos para definir lo feo: sucio, horrendo,

horripilante, monstruoso, malo, vil, demente, espantoso, desagradable,
odioso, asqueroso, repelente, fétido, deforme, antiestético,
displacentero.
Variedades:

lo cómico (chistes) produce risa por la falsa interpretación de los hechos

representados.
lo ridículo produce sonrisa despectiva y rubor.
lo grotesco produce amarga y repugnante sonrisa.

LO SUBLIME
Categoría máxima elevada de la belleza.
Produce placer, pero también peligro y acongojamiento.
Puede ser creada por el hombre o darse en la naturaleza.
Variedades:

Lo trágico: placer estético entre lo bello y lo feo que produce placer y

que es resultado de las adversidades contra las que tiene que luchar el
hombre.
Lo patético: surge de la contemplación del dolor humano. Causa tristeza
y melancolía.
35
LA GEOMETRIA EN LA FOTOGRAFÍA

Las formas geométricas pueden ser perfectamente visibles y

reconocibles en nuestras fotografías, pero también pueden estar
presentes de otras maneras.

Otro método de incluir (o ver) las formas geométricas es uniendo

puntos (o líneas o formas), casi como en los pasatiempos. Me explico... si
en un escenario distribuimos varios elementos con relevancia y
parecidos, nuestra mente tenderá a unirlos y, como en el caso de la
foto que te muestro, formar un triángulo.

Una tercera manera de tenerlas presentes es teniendo en cuenta el

espacio negativo, me refiero a las zonas sin elementos que quedan entre
las formas, estas áreas pueden contener formas geométricas...

36
 ESQUEMAS COMPOSITIVOS SIMPLES

Esquema simétrico /simetría axial.

• Los elementos se ordenan a partir de un eje horizontal, vertical o

ambos.

• Es una imagen muy cómoda de mirar porque no nos resulta

chocante.
• Se utiliza en retratos (tipo foto carnet) o fotografía macro.
Es muy simple.
Esquema en triángulo.

37
 • Importancia del número 3.
• Ancha base y punta afilada o al revés.
• Base muy estable y limita la parte superior.
• Muy dinámica.
Esquema en cuña

-Dinamismo
- Un triángulo con un lado abierto.
Esquema en aspa:

Genera dinamismo en la imagen

Dota de dramatismo/tensión a la toma

38
ESQUEMA DIAGONAL:

• Es el esquema más dinámico

• Lleva el ojo del espectador de un lado a otro.

• Si utilizamos la ley de los tercios enfatiza más la diagonal y el centro

de interés.

• La diagonal puede ser marcada por el horizonte, por la luz, por el

elemento fotografiado.
Esquema en forma de T

• Muy utilizado en la historia del arte para representar las crucifixiones

de Jesús El Nazareno.
• Nos evocan siempre el tema de la cruz
• Evoca calma y equilibrio. Balanza.

39
Esquema en forma de L:

• Muy utilizado en retrato ya que marca las curvas de la mujer.

• Línea vertical que corta horizontal y genera un ángulo.

Esquema en forma de S o Zig-Zag

• Transmiten sensualidad
• Movimiento
• Volumen.
• Alarde de técnica.
Simetría radial

• Dos o más elementos idénticos giran

alrededor de un centro.

• Toma como referencia el punto

central de una o varias
circunferencias concéntricas.

• Los puntos simétricos se van a

encontrar en extremos opuestos
sobre un mismo diámetro.

40
Esquema ovalado

• Crea la sensación de sosiego al ver las figuras agrupadas en su

interior.
• Los retratos en PPP siempre tienen este esquema.
• Rellenan el encuadre.
Esquemas compositivos compuestos. (combinación de simples)

Muy utilizado en pintura e ilustración.

Muy utilizados en editoriales de moda grupales como los de Vogue o

Vanity Fair.

41
LEYES COMPOSITIVAS AVANZADAS
LEY DE LA BALANZA

La ley de la balanza es un criterio compositivo que consiste en colocar

dos figuras o grupos de figuras semejantes en tamaño, color, textura o
significado a la misma distancia del centro de la composición donde se
sitúa el personaje central o centro de atención principal de la obra.
Recibe este nombre por que el esquema de composición se asemeja a
una balanza de dos platillos con un vástago central. Esta composición se
suele utilizar debido a que proporciona a la fotografía o pintura un
equilibro que produce sensación de dinamismo a la imagen

• Tamaño: A mayor tamaño corresponde mayor peso.

• Color: Los colores cálidos, como el naranja, pesan más que los fríos,
como el azul.
• Ubicación:

Una posición fuerte sobre la armazón estructural (es decir, bien

centrada o en coincidencia con alguno de los ejes principales horizontal-

42
vertical y las diagonales) puede aguantar más peso que otra
descentrada o alejada de dichos ejes.
A mayor profundidad o lejanía, también corresponde mayor peso.
Arriba pesa más que abajo.
A la derecha pesa más que a la izquierda.
• Tono:

Los tonos claros sobre fondo oscuro pesan más que los oscuros sobre
fondo claro.
A igualdad de fondo, es más pesado el tono que más contraste.

Una zona negra tiene que ser mayor que otra blanca para
contrapesarla.
• Forma:
La forma regular es más pesada que la irregular.

La compacidad de la forma respecto a su centro es más pesada que

la dispersión de la misma

La orientación vertical es más pesada que la oblicua, y ésta, a su vez,

es más pesada que la horizontal.

En el centro sensación de quietud y equilibrio. En la esquina sensación de

desequilibrio.

DOS TIPOS DE BALANZA:

43
Balanza simétrica:

Balanza asimétrica:

DIFERENTES EJEMPLOS DE BALANZAS:

44
El más simple de todos los conceptos es el de tamaño; más grande se
siente más pesado que los más pequeños

Cuanto más lejos está un objeto del centro, mayor es su peso visual. Un
objeto grande cerca del centro en un lado del marco puede equilibrarse
con un objeto mucho más pequeño colocado cerca del borde del otro
lado

De forma similar, los objetos en la parte superior de una imagen parecen

más pesados que los objetos del mismo tamaño en la parte inferior de
una imagen. Así que al usar estos consejos puedes maximizar el peso
visual de cualquier objeto en tu composición colocándolos hacia las
esquinas superior derecha o superior izquierda

45
LA PROPORCIÓN AUREA Y LA LEY DE LOS TERCIOS

• La regla de los tercios es la más conocida Y VALORADA (es una

variación)
• Tiene su origen en la Proporción Áurea

• La Proporción Áurea nos determina unas proporciones ideales que

se encuentran en la naturaleza su valor es : 1,61803

• En 2 segmentos la suma de los dos es al mayor como el mayor es al

menor
• Es la contraposición al centro y a las divisiones por mitades
• No es de aplicación en todos los casos
EXPLICACION:

46
TRUCO: ESQUINAR EL CENTRO DE INTERÉS.

VARIACION DE LA PROPORCION AUREA.

SIMETRIA DINAMICA

• Muy similar a la Regla de los

Tercios. Mucho más
dinámica.

• Lo puntos fuertes los

determinamos por
diagonales y no por
cuadriculas

• Para algunos es más fácil

de utilizar

47
LEY DE LA MIRADA

• La ley de la mirada es una de las principales reglas de composición

fotográfica y consiste, simplemente, en respetar la dirección en la
que el modelo de nuestro retrato mira. Es decir, en otras palabras,
que a la hora de encuadrar un retrato, deberíamos dejar más
espacio por delante del sujeto que por detrás de éste,
independientemente de lo amplio o estrecho que sea el encuadre
general o del resto de elementos que acompañen a nuestro sujeto
en la imagen.

•
• Si queremos respetar la regla de la mirada, deberemos dejar
espacio para que el sujeto "mire". Aunque este espacio,
aparentemente, esté vacío de significado (sea porque no hay
ningún elemento en él o porque los elementos de aquella zona de
la imagen se encuentran desenfocados).

•
• Cuando no quieras que el sujeto mire algo. Si dejas más espacio
por la zona trasera de tu sujeto, dará la sensación de que éste está
dándole la espalda a algo, de que está rechazando algo, de que
se está alejando o huyendo. Si necesitas transmitir estos
sentimientos en una fotografía, el hecho de romper la regla de la
mirada podría ayudarte.

• Cuando quieras que el espectador de la fotografía esté incómodo,

sea por la razón que sea. El recorrido natural que seguirían los ojos
de una persona que viera un retrato sería, como ya hemos visto,

48
 seguir la mirada del retratado. Si cortas este movimiento, puedes
llegar a causar un desconcierto en el espectador. Así que si eso es
lo que quieres conseguir con tus imágenes, de nuevo, romper con
la regla de la mirada puede ayudarte.
REGLA DEL MOVIMIENTO:

• DENTRO DE LA REGLA DE LA MIRADA HAY UNA PEQUEÑA REGLA

QUE LLAMAMOS DEL MOVIMIENTO.
• DEJA MÁS AMPLITUD AL LUGAR DONDE SE DIRIGE EL SUJETO/OBJETO
MOVIENDOSE.
• AL SER HUMANO LE GUSTA CURIOSEAR.

TEORIA DE LA IMAGEN: Las leyes de Gestalt

49
Las leyes de la Gestalt son unas reglas que explican el origen de
las percepciones a partir de los estímulos. Fueron establecidas por
el psicólogo Max Wertheimer y sus partidarios, en el contexto de la
línea de investigación de la escuela alemana de la psicología de la
Gestalt. Esta psicología estudia la percepción de las formas
Las leyes de la Gestalt apoyan el principio de que el todo es algo
más que la suma de sus partes, idea que desde principios del siglo
XX intentó sustituir a la de que las sensaciones son el resultado de la
simple suma de percepciones individuales.

LA LEY DE BUENA FORMA

La ley de la buena forma se basa en la observación de que el cerebro
intenta organizar los elementos percibidos de la mejor forma posible, esto
incluye el sentido de perspectiva, volumen, profundidad etc.

El cerebro prefiere las formas integradas, completas y estables. Esta ley

de alguna manera involucra a otras leyes, ya que el
cerebro prefiere también formas cerradas, continuas, simétricas (ley del
cierre; ley de la continuidad), con buen contraste (figura- fondo) es decir,
nítidas, definidas.

50
Nuestro cerebro rechaza lo que vemos incompleto e intenta completar
las fotos. Esta ley se pone en juego en los efectos ópticos, por ejemplo.
Fijémonos en las patas del elefante o en las columnas del edificio.

LEY DE CIERRE:

Nos dice que si una línea forma una figura cerrada, o casi cerrada,
tendemos a ver una figura superficial encerrada por una línea, en lugar
de ser simplemente una línea.

Esto quiere decir que somos capaces por nuestra naturaleza de

completar la información de una imagen que estamos viendo. Incluso si
la imagen está incompleta o inexistente.

51
Ley de simetría:

• Es el uso de figuras exactamente divididas de forma geométrica de

modo que nosotros nos sintamos cómodos en cuanto al equilibrio
que se presente.
• 2 tipos:
simetría balanza
- simetría reflejo

Ley de Proximidad:

Tendemos a percibir juntos elementos próximos en el tiempo y en el

espacio. (Nos acordamos en composición 1 del punto o varios puntos
juntos generan una forma: base del puntillismo)

Los elementos parecidos son percibidos como la misma forma.

Nuestro cerebro agrupa cosas que tienen alguna propiedad visual
común, como el color o el movimiento.

Esto quiere decir, la falta de diferencias en el ordenamiento de las

figuras hace perder tanto la individualidad como sus posibles
agrupamientos.

52
LEY DE SEMEJANZA

Los elementos parecidos son percibidos

como la misma forma. Nuestro cerebro
agrupa cosas que tienen alguna
propiedad visual común, como el color o
el movimiento.

Muy utilizada en el mundo de la

publicidad, fotografía, ilustración, diseño
gráfico…
Puede ser de cuatro tipos:
- Por formas
- Por colores
- Por movimiento común
- Por contraste de orientación por semejanza.

LEY DE CONTINUIDAD:

Según el principio de la
continuidad, los detalles que
mantienen un patrón o
dirección tienden a
agruparse juntos, como parte
de un modelo. Es decir,
percibimos elementos
continuos aunque estén
interrumpidos entre sí.

Tiene elementos de cierre

porque las partículas
independientes tratan de
formar figuras, partiendo de
la ley de cierre. De igual modo, toma propiedades de la ley de buena
figura o destino común, al generar la elección de las formas más simples
y rotundas. También toma elementos de la ley de experiencia, pues se
decide por aquellas formas que tienen figuras reconocibles o son más
familiares para la persona que percibe (llamado perceptor). Este
principio tiene como caracteres propios la manera de presentarnos las
formas. Estas se nos muestran de manera incompleta, inconclusas, como
abreviaturas o como esquemas de fácil interpretación.

53
LEY DE FIGURA-FONDO:
Muy utilizada en efectos ópticos.

El principio de la relación entre figura y

fondo establece el hecho de que el
cerebro no puede interpretar un objeto
como figura o fondo al mismo tiempo.

Según la experiencia previa y los intereses

del observador, aparecerá en su mente un
elemento como figura y el otro como el
fondo de la figura o viceversa.

Es la de mayor fuerza y trascendencia de las

hasta aquí expuestas, porque puede
considerarse que abarca todas las demás,
ya que en todas late este principio
organizativo de la percepción, y se ha
observado que muchas formas sólo se
constituyen como figuras definidas cuando
quedan superpuestas o recortadas sobre un fondo más neutro
LEY DE LA EXPERIENCIA:

• El principio de la experiencia asegura que, desde el punto de vista

biológico, el propio sistema nervioso se ha ido formando por el
condicionamiento del mundo exterior.

• Ernst Mach definió las propiedades de los formas especiales y

auditivas como totalidades principales perceptuales. Estas formas
poseen cualidades que las distinguen de sus elementos; las
sensaciones se organizan en la conciencia y crean cualidades
formales que pueden ser novedosas.

• Pensamiento holístico: el todo es siempre más que la suma de sus

partes.

• Fundamentos fenomenológicos: los fenómenos son objeto de

estudio de interés para la psicología. El análisis psicológico debe
proceder de los fenómenos a su esencia.

• Metodología: la psicología de la Gestalt realiza experimentos

parecidos a los sucesos de la vida (realidad) empleando pocos
sujetos.

• Isomorfosis: los procesos psicológicos se relacionan de modo

directo con procesos biológicos, en especial cerebrales.

54
• Estas percepciones, afirmaba Edgar Rubin, surgen como un todo y
en forma gradual. Tales figuras demuestran que nuestras
percepciones son activadas, vívidas y organizadas; no somos
simples receptores pasivos de estímulos sensoriales.

• Los psicólogos de la Gestalt afirmaron que los principios de la

organización perceptual no sólo explican nuestras percepciones
visuales, sino también nuestras percepciones auditivas y táctiles y
procesos mentales superiores tales como la memoria.

55
 Teoría de la imagen:
Las propiedades visuales de la representación
de la imagen

En principio todos diríamos que es una manzana. Pero es incorrecto

porque lo que tienes arriba no es una manzana, sino de la imagen de una
manzana. Se parecen mucho, pero la imagen de la manzana tiene sólo
dos dimensiones y además no se puede comer.

Parece obvio, ¿verdad? Pues es precisamente en este parecido donde

reside la coartada con la que juegan los que trabajan en los medios de
comunicación para llevarnos a confundir las imágenes que nos muestran
-sus imágenes, sus miradas- con la realidad.

¿Qué es la imagen?

Por definición de diccionario:

• nombre femenino

• 1.

56
 • Figura de una persona o cosa captada por el ojo, por un espejo,
un aparato óptico, una placa fotográfica, etc., gracias a los rayos
de luz que recibe y proyecta.

• Representación plástica de una persona o de una cosa,

especialmente efigie que es objeto de culto.

Como fotógrafos y artistas nos interesa saber esto, ya que nosotros lo que
hacemos con nuestra cámara es fotografiar de forma subjetiva nuestra
noción de la realidad, no la realidad misma.

Entonces la imagen es:

1. Un signo visual.
2. Los signos representan algo.
3. La imagen es una representación de la realidad (no la realidad)
4. Llamamos imagen a la representacion de una parte de la realidad.
Las imagenes se reciben por todos los sentidos, pero son las que se
captan por los ojos y se interpretan en el cerebro las que con mas
propiedad reciben ese nombre.

Por eso podemos encontrarnos con distintas representaciones de la

misma realidad.

A la relación de parecido de la imagen con la realidad la denominamos

ICONICIDAD.

ESA ICONICIDAD puede tener distintos grados:

57
De cara al estudio de la imagen publicitaria en televisión, Moles
establece una escala de iconicidad, con grados diferentes:

1. Fotográfica
2. Animación de objetos. Aunque esta es una variante de la
iconicidad fotográfica, el hecho de animar artificialmente objetos
inanimados altera sustancialmente la referencialidad y la
verosimilitud de la imagen.
3. Imagen por ordenador.
4. Dibujos animados
5. Escritura. Como imagen visual constituye una especial forma de
iconicidad.

6.

58
Pero para una comprensión más básica y
generalizadora de la escala de iconicidad,
teóricos como D.A.Dondis, J.Rom, y otros,
establecen tres niveles fundamentales de
iconicidad, de mayor a menor, de las
imágenes:

1. representativo, donde la percepción

directa por parte del receptor del referente
visual se establece desde un nivel de
codificación bajo.
2. simbólico, establece una mayor
simplicidad en la representación de la imagen
referencial que así contiene, codificada
lingüísticamente, referencialmente, mayor
complejidad.
3. abstracto, reduce la imagen a sus
componentes visuales más bàsicos; el nivel de
codificación és alto.

naturalmente, entre un nivel y otro se dan

diversos grados de iconicidad.

59
Esto nos viene a decir que una imagen cuanto mayor parecido con la
realidad tiene mayor iconicidad que una que no lo tenga.

60
LA ICONOGRAFIA:

La iconografía es una disciplina, desprendida de la Historia del Arte, que

se encarga del estudio, la descripción, el análisis y la clasificación de
las imágenes sobre personajes, temas o tradiciones contenidas en
retratos, cuadros, retablos, estatuas y monumentos, así como de su
simbología y atributos.

A través de las investigaciones desarrolladas en la iconografía se

puede conocer el valor artístico de una obra teniendo en cuenta
su época; es decir que engloba las obras en un contexto socio-
cultural e histórico. Este estudio se divide en dos partes:
una diacrónica (que estudia los antecedentes y el proceso de
desarrollo de la obra) y otra sincrónica (que analiza los aspectos
socio-culturales que han influido en el autor).
Una figura fundamental de la iconografía fue Erwin Panofsky, un
reconocido historiador del arte del siglo XIX quien supo diferenciar
entre la obra de arte y el documento que permitiera
contextualizarla, es decir, el estudio de los agentes que pudieran
haber influido en la creación.

Los temas cristianos son uno de los campos más famosos de la

iconografía; en el año 1570 ya había un interés marcado por este
tipo de arte; de hecho, en ese año se publicó “Sobre las Pinturas y
las Imágenes Santas”, una obra en forma de ensayo donde se
describen los aspectos fundamentales con los que debe contar una
pintura para pertenecer a este género.
Más adelante, con el descubrimiento de las catacumbas el interés
creció y 1000 años después se publicaron las primeras hagiografías
(historia de santos) donde retomaban las obras de índole cristiana
y el contexto en el que habían surgido.

61
Las personificaciones es otra de las temáticas que se distinguen en
la iconografía, a través de las cuales se pudieron comprender
muchas cuestiones históricas de personajes que han transformado
de alguna manera el cauce de la historia de la humanidad. La
“Iconología de Ripa” fue una de las publicaciones que más influyó
en este campo; se trataba de un manual que analizaba el
concepto de lo abstracto y que servía de guía a los artistas de la
época.
Por último, los emblemas eran otras de las imágenes estudiadas. Se
trataba de un tipo de figuras simbólicas en las que se utilizaba un
lenguaje figurativo. Estaban más cerca de los jeroglíficos que de las
pinturas abstractas con atributos particulares. Este tipo de obras
cobraron una importancia muy significativa durante el Siglo de Oro,
donde los artistas se basaron en obras emblemáticas como motivo
para sus pinturas y otras obras de arte.

EL METODO PANOFSKY

62
 En el método Iconográfico, estudiado por Erwin Panofsky para
la comprensión de las obras de arte, se da una importancia a
la imagen y la significación (forma y contenido) ya que se
complementan, la una con la otra, de manera que la obra se
haga más comprensible. Estudia la relación que existe entre
una imagen y su significación. Para Panofsky toda obra tiene
una significación estética, por lo tanto una obra con la
temática aparentemente más irrelevante poseería
igualmente un significado oculto.

• 1.NIVEL PREICONOGRAFICO: Es el nivel más básico de

comprensión de una obra. Únicamente sensorial, Interpreta
los objetos reconocidos a simple vista
•
2.NIVEL ICONOGRAFICO: se reconoce alegorías o historias
debido a cierta familiaridad con las mismas.
•
3.NIVEL ICONOLOGICO: Encuentra el significado más
profundo de la obra, con un gran contenido, donde
quedarían implícitos los pensamientos del autor, para la cual
la forma resulta fundamental.

EJEMPLO: ULTIMA CENA DE LEONARDO DA VINCI

63
 1.NIVEL PREICONOGRAFICO: 13 hombres sentados en una mesa
con la comida puesta.

2. NIVEL ICONOGRAFICO: En este caso una persona occidental con

conocimientos de religión cristiana sabría descifrar que estamos
ante una ultima cena.

3. NIVEL ICONOLOGICO: Jesucristo está dando la noticia de que

será traicionado.

Los personajes de La última cena

De izquierda a derecha, los personajes de la obra La última cena han
sido identificados en Los cuadernos de Leonardo da Vinci y agrupados
de la siguiente manera:

1. Bartolomeo, Santiago el Menor y Andrés sorprendidos.

2. Judas Iscariote con su cuerpo inclinado hacia atrás, Pedro
atormentado y con un supuesto cuchillo en la mano derecha y
Juan, llamado 'el imberbe', del cual se sospecha que su
femineidad sea debido a que su verdadera identidad sea la de
María Magdalena.
3. Jesús en el centro después de anunciar su predicción sobre una
traición futura.
4. Tomás con el dedo índice hacia arriba exigiendo una explicación
o un simbolismo secreto de Da Vinci, Santiago el Mayor indignado
y Felipe también exigiendo un consuelo.
5. Mateo, Judas Tadeo y Simón el Celote discutiendo entre ellos

Según el libro El código de Da Vinci, algunos de los misterios o secretos

revelados del cuadro La última cena de Leonardo da Vinci son:

 No hay copas de vino en la mesa: este hecho curioso plasmado por Da

Vinci contradice con la creencia popular del consumo de pan y vino
como para simbolizar el cuerpo y la sangre de Cristo en la última cena.
También contradice con la creencia del cálice en la mesa como
representación del Santo Grial.
 El personaje a la derecha de Jesús sería María Magdalena y no el apóstol
Juan. Algunas de las evidencias de esta conexión son:
o María Magdalena junto a Jesús crean una forma simétrica de un triángulo
invertido sin base, símbolo de lo femenino y de la fertilidad.

64
o Las ropas de María Magdalena y Jesús son imágenes espejo, o sea, tanto
uno como otro reflejan el color y la forma de sus ropas como si fuesen el
reflejo del otro.
o Cuando se sobrepone la imagen de María Magdalena al lado derecho
de Jesús, las dos figuras se funden y encajan como si fuesen dos piezas
de un rompecabezas.
 El cuadro La última cena no muestra ningún cálice ni copa por lo que
sugiere que el Santo Grial sea una cosa diferente. Las transcripciones
medievales de los evangelios usaban el término San Gréal que significaría
‘sangre real’, por lo que se referiría a un linaje real en vez de un objeto
sagrado. Esta teoría se basa en la investigación descrita en el libro El
enigma sagrado o The Holy Bible and the Holy Grail

¿Qué es importante estudiar de una obra de

arte o de una fotografía?
• Además de la técnica en la fotografía deberemos tener en cuenta:

1. El artista/fotógrafo muchas veces nos da la pauta para entender

su obra.

2. El comitente/cliente: antiguamente al encargar la obra en el

contrato no solo aparecería que quiere que se le represente, sino
también como quiere que se haga.

3. Fuentes literarias: Referentes y fuentes literarias

4. Asunto o tema: Acontecimiento en torno al que se constituye la

obra de arte o fotografía.

5. Motivo: Subtema por el cual se hace

6. Atributo iconográfico: Objeto que identifica el elemento

representado.

7. Símbolo: Imagen que hace referencia a una idea.

8. Se vale de representaciones humanas, animales u objetos para

representar una idea. La muerte: Guadaña.

65
GRECORROMANA:

66
CRISTIANISMO:

67
ICONOGRAFIA EN LA ACTUALIDAD:

Actualmente. Sobre todo, en publicidad y editoriales de moda, veremos

tres tipos de iconografía:

1. remakes, homenajes de las bellas artes clásico/antiguo. Desde la

prehistoria hasta el siglo XX

2. iconografía propia del siglo XX y XXI (homenajes a cine, fotografía…)

3. Nueva iconografía. (que nace cada día.)

68