Época clásica

Clasicismo es el estilo de la música culta europea desarrollado aproximadamente entre 1750 y 1820 por
compositores como Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

Franz Joseph Haydn

(Rohrau, cerca de Viena; 31 de marzo de 1732 - Viena; 31 de mayo de 1809),

conocido como Joseph Haydn, fue un compositor austriaco. Es uno de los
máximos representantes del periodo clásico, además de ser: conocido como el
«Padre de la Sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus
importantes contribuciones a ambos géneros. También contribuyó al desarrollo
instrumental del trío con piano y en la evolución de la forma sonata.
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Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart

(Salzburgo, 27 de enero de 1756-Viena, 5 de diciembre de 1791), más conocido

como Wolfgang Amadeus Mozart o simplemente Mozart, Niño prodigio fue
un compositor y pianista del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente
parte del Sacro Imperio Romano Germánico, actualmente parte de Austria).
Maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y
destacados de la historia.

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Ludwig van Beethoven

(Bonn, Arzobispado de Colonia, 16 de diciembre de 1770 Viena, 26 de

marzo de 1827) fue un compositor, director de orquesta y
virtuoso pianista alemán. Su legado musical abarca, cronológicamente,
desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo y considerado uno de
los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha
influido de forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

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Contexto histórico musical:

Entendemos por clasicismo, el corto periodo que va desde 1750 a 1820.

La era de la razón - Caída de la monarquía - Inicio de la democracia - 1708 primer

pianoforte- Músicos, sirvientes de reyes y nobles.
Música pura sin exageraciones sentimentales – Claridad en el toque y pulsación (escalas,
arpegios, trinos…) - mayor uso del pedal derecho.

¿Qué es Música Clásica?

 El término música clásica es un amplio, a veces impreciso, término que se refiere a la música
producida o arraigada en la tradición del arte europeo u occidental eclesiástico y la música de
concierto, abarcando un amplio período que va desde aproximadamente el año 1000 hasta el
presente. La norma central de esta tradición, de acuerdo a una escuela de pensamiento, se
desarrolló entre 1550 y 1825, centrándose en lo que se conoce como el período de la práctica
común.
 Este término no apareció hasta inicios del siglo XIX, en un intento por convertir en canon las
obras maestras del periodo histórico entre J. S. Bach y Beethoven como una era musical, paralela
a la Edad de Oro de la escultura, la arquitectura y el arte de la antigüedad clásica (de la que
ninguna obra musical realmente significativa ha sobrevivido).
 La referencia más antigua a la "música clásica" registrada en el "Oxford English Dictionary" es de
1836. Desde esa fecha el término se ha transformado hasta convertirse, en el habla cotidiana,
como lo opuesto a la música popular.
 Música académica, música artística, música de arte, música de concierto, música clásica
occidental, música docta, música erudita, música orquestal y música seria son términos a veces
usados como sinónimos de música clásica.
 La definición de este tipo de música se basa en la contraposición entre la música popular y la
generada por compositores académicos.
 Los musicólogos ya no utilizan la denominación "música clásica", que se refiere exclusivamente a
la música del Clasicismo (entre 1750 y 1820, aproximadamente), cuyos principales exponentes
fueron Mozart, Haydn y Beethoven.
 Tampoco ningún erudito dice "música culta", porque implicaría considerar a la música popular
como "inculta".
 Ahora cada vez más autores utilizan los términos "Música docta" o "música académica", que les
permite contraponerla al término "música popular" sin matices peyorativos.

1750-1820 Características de la música clásica

  La principal intención de los artistas neoclásicos era representar sus ideas mediante la belleza,
aparentemente perfecta, equilibrada, natural, con la expresividad justa.
 La música deja de representar emociones exageradas y evita acompañamientos pesados o
melodías recargadas.
 Desaparece el bajo continuo y en su lugar se acompaña con acordes repetidos o con arpegios.
 El ritmo del acompañamiento se vuelve más suave y natural que en el Barroco.
 La melodía principal se construye casi siempre de forma simétrica, con frases de cuatro u ocho
compases.
 Los compositores intentan que las obras guarden las proporciones precisas, sin que ningún
fragmento destaque excesivamente.
 Utilizan la forma sonata en todo momento.
 Se forman agrupaciones instrumentales fijas, buscando el equilibrio de los diferentes timbres,
como el cuarteto de cuerda o la orquesta clásica.
 En resumen, el Clasicismo musical supone dejar de lado las exageraciones propias del Barroco y
desarrollar una música más equilibrada, basada en formas musicales muy claras y precisas.

En cuanto a la función social de la música

Vemos cómo la burguesía intenta imitar a las clases nobles, accediendo al conocimiento musical.

 Se escriben métodos para aprender a tocar instrumentos

 Se popularizan los conciertos públicos, en los que la gente del pueblo puede escuchar música
pagando una entrada
 Además empieza a desarrollarse la crítica y el periodismo musical
 La música religiosa ha perdido el poder innovador que tuvo en épocas anteriores.

* En esta etapa no surge ninguna forma religiosa importante, y simplemente se reproducen las
anteriores. Será en la música profana en la que veremos desarrollarse todas estas novedades y
especialmente en la música instrumental.

* Sus autores y ejecutantes han estudiado una larga carrera en escuelas especiales que se llaman
conservatorios, y sus oyentes, en general, han sido inducidos a gustarla por tradición familiar, que
después puede cultivarse.

* Requiere de cierta iniciativa personal para llegar a ella. Lo que es definitivo, es que ha trascendido las
fronteras del tiempo y el espacio.

* Es universal, Y aquí podría meditarse si lo es por su belleza o por su mensaje. Probablemente sea por
esto último, porque la música clásica ha evolucionado en forma paralela al pensamiento occidental.
Esta es su característica más notable: No es estática, está en un continuo recambio de formas y modos,
buscando siempre nuevos lenguajes, nuevas formas de expresión. Esto no sucede en la música de otras
culturas.

Aparte de las limitantes de no ser folklórica ni popular, la música clásica está confinada a un ámbito
geográfico, el de la cultura occidental, es decir, los pueblos europeos y sus herederos culturales, primero
los americanos y después algunos otros.

Con el término de música clásica nos referimos a aquella creada a partir del Renacimiento y que
representa el fenómeno cultural más brillante que se ha dado en la historia de la humanidad, solo
comparable, por sus alcances, a la ciencia de la Europa pos renacentista.

 Se excluyen la música medieval y renacentista, sin negar que en ellas están sus orígenes.
 Se excluyen también la oriental y la africana, sin desconocer sus valores.

Y es que esta música clásica occidental nos dice de estados anímicos muy profundamente arraigados en
los europeos, y por lo tanto en nosotros, sus herederos espirituales.

Es claro que existen otras estéticas musicales, tan valiosas como la música clásica, pero representan
visiones muy diferentes del mundo. Ejemplo de esto, en nuestro tiempo, es el jazz de Norteamérica.

ESENCIA DEL CLASICISMO

Es un periodo artístico en el que se tiende a expresar la idea de perfección formal de la realidad, con la
fuerza más absoluta; es decir, se tiende a expresar el mundo como un ser bello, perfecto y dar a través
del arte el sentido de perfección, de tranquilidad, de lo ideal. Por ello se tiende a dar más la forma de las
cosas, que es la que refleja perfección, que el contenido o la ideología; en este sentido, el Clasicismo
refleja al hombre como ser armónico y a la humanidad como sociedad perfecta y sin problemas; por ello
el Clasicismo lleva consigo una contradicción y es que va a surgir durante la Revolución francesa, un
período de rupturas, de cambios de todo tipo y no lo refleja en su estética. El hombre clásico es, pues, el
ideal de lo bello, lo único que tiende a expresar.

Cualidades que definen la música clásica

 Se busca una música delicada, muy brillante, alegre y plástica.

 Para ello la melodía toma una importancia enorme y se convierte en el elemento básico de esta
música, la melodía es el alma de la música clásica. Para encontrar estas melodías se va a recurrir a
la música popular y la música folklórica.
 Estas melodías se construyen de tal forma que reflejan esa perfección, con frases de ocho
compases (divididas en dos períodos de cuatro y cuatro) de dieciséis (ocho más ocho) o de seis
(tres más tres). Es decir se crean unas melodías enormemente regulares.
  Se pierde el ritmo mecánico del Barroco, en favor de ritmos más naturales y variados proviniendo
muchas veces precisamente de la melodía.
 Se buscan tonalidades fáciles y simples, con preferencia de los tonos mayores sobre los menores,
éstos sólo se usan cuando la música quiere llegar a fuertes esferas de la expresión; esta es una de
las razones por lo que la música clásica aparece como algo alegre, brillante y claro.
 El clasicismo se expresa sobre todo a través de la forma Sonata y la Sinfonía y secundariamente
con otras formas de carácter popular como la Serenata, la Casación y el Divertimento.
 La música clásica tendrá como ideal el crear algo puramente bello, es decir, una música que no
sirva a ninguna finalidad fuera de sí misma, por ello que no intente servir, representar, imitar, que
sea un arte que se sostenga por sí mismo, sin propósitos concretos.
 La norma del Clasicismo es construir una música lo más simple posible, y por ello simboliza al
hombre como ser armónico y sin problemas.
 Por fin el Clasicismo ayudado de los ideales de la Revolución Francesa va a conseguir extender la
música a la mayor cantidad posible de público, que desde ahora va a comenzar a valorar en toda
Europa enormemente la música.

Las formas musicales del clasicismo

De lo dicho anteriormente se deduce que lo esencial en este período es El respeto a las formas, a la ley y
a la norma, dado que, para llegar a esa perfección que pretende el Clasicismo, lo primero que hay que
hacer es respetar las leyes musicales. Es así como en este período va a tomar una enorme importancia la
Sonata y la Sinfonía.

La Sonata (del italiano suonare, 'sonar'), composición musical para uno o más instrumentos. Por una
parte, el término forma sonata se refiere a la estructura musical de los primeros movimientos de las
sonatas y de los géneros relacionados con ella en los siglos XVIII y XIX.

Pero también desde mediados del siglo XVIII, el término sonata ha sido utilizado generalmente para las
obras de tres o cuatro movimientos para uno o dos instrumentos, como sucede en las sonatas para piano
(solista) o con la sonata para violín (para violín con un instrumento de teclado). Se suelen usar términos
distintos al de sonata en obras que presentan la misma disposición pero que están compuestas para otras
combinaciones instrumentales; por ejemplo, la sonata para orquesta se llama sinfonía, la sonata para un
instrumento solista se llama concierto, y la sonata para cuarteto de cuerdas se llama cuarteto de cuerdas

Hacia el siglo XVII emergieron dos categorías

a) la sonata da Chiesa, o sonata de iglesia, una obra seria con cuatro movimientos con la estructura
lento-rápido-lento-rápido y que reflejaba la complejidad del contrapunto de los más antiguos
ricercare y canzona
 b) La sonata da camera, o sonata de cámara, Una serie de movimientos cortos con origen en la
danza, precursora de la suite.
A. La combinación instrumental más típica para la sonata durante el barroco medio y tardío
fue la sonata a trío: dos instrumentos melódicos acompañados por el bajo continuo (un
instrumento bajo melódico apoyado por un instrumento armónico). El maestro por
excelencia de la sonata a trío del siglo XVII fue el violinista italiano Arcangelo Corelli.
B. También se escribieron sonatas para pequeños conjuntos instrumentales (incluidas
muchas de Corelli) y para instrumentos solistas, como las sonatas de Johann Sebastian
Bach para violín y para violonchelo solistas, y las sonatas para teclados solistas del alemán
Johann Kuhnau.
C. También se escribieron obras para un único instrumento melódico y bajo continuo, entre
ellas las sonatas para violín del austriaco Heinrich von Biber, autor de las admirables
sonatas del Santo Rosario para violín.

La sonata clásica queda ilustrada con las obras de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn y
Ludwig van Beethoven, los grandes maestros del clasicismo vienés...

Durante el siglo XIX, la tradición de la sonata clásica se mantuvo en manos de compositores austriacos y
alemanes del romanticismo como Franz Schubert, Robert Schumann y Johannes Brahms. Sin embargo,
muchos compositores, entre ellos el pianista polaco Frédéric Chopin, tenían más facilidad para las piezas
cortas que para las obras de mayores dimensiones; cuando escribían sonatas, tendían a no tomar en
cuenta las relaciones musicales a gran escala y escribían movimientos sorprendentemente diferenciados,
cuya estructura interna realzaban haciéndoles corresponder unos episodios diferenciados. Otros, como el
pianista húngaro Franz Liszt, no tomaron en consideración gran parte del esquema tradicional. Su Sonata
en si menor es una obra larga en un movimiento, que se parece al planteamiento del poema sinfónico.

La Sinfonía: (del griego, syn, 'juntos'; phone, 'sonido'), en música: composición orquestal que suele
constar de cuatro secciones contrastantes llamadas movimientos y, en algunas ocasiones, tiempos. La
denominación se aplicó por primera vez en el siglo XVI a los interludios instrumentales de formas como la
cantata, la ópera y el oratorio. Un ejemplo notable es la 'Sinfonía pastoral' del oratorio El Mesías (1742)
de Georg Friedrich Händel. La sinfonía en su sentido moderno surge a comienzos del siglo XVIII.

La sinfonía es como una gran sonata para orquesta cuyo origen está en la Obertura de la ópera que tenía
tres movimientos y en los experimentos instrumentales de la escuela italiana del norte, la escuela
berlinesa y vienesa y la de Mannheim, que se convierten en centros de actividad sonatistica y sinfónica
desde 1750 y en la que destacan compositores como Giovanni Sammartini y Johan Christian Bach. En el
siglo XVIII la sinfonía adopta el uso de cuatro tiempos, siguiendo el esquema general de sonata que
hemos visto: 1º Allegro; 2º Adagio o Andante; 3º Minueto o Scherzo; 4º Allegro Fínale o Rondó
La Cantata: Composición vocal con acompañamiento instrumental. La cantata tiene su origen a principios
del siglo XVII, de forma simultánea a la ópera y al oratorio. El tipo más antiguo de cantata, conocido como
cantata da camera, fue compuesto para voz solista sobre un texto profano.

La Opera: Drama en el cual se canta todo o parte del diálogo y que contiene oberturas, interludios y
acompañamientos instrumentales. Existen varios géneros teatrales estrechamente relacionados con la
ópera, como el musical y la opereta.

Periodos Preclásico y Clasicismo de la Opera

Varios compositores intentaron, a mediados del siglo XVIII, cambiar las prácticas operísticas. Introdujeron
formas distintas del da capo en las arias y fomentaron la música coral e instrumental. El compositor más
importante de esta época fue el alemán Christopher Willibald Gluck. Uno de los factores que
contribuyeron a la reforma de las prácticas operísticas durante el siglo XVIII fue el crecimiento de la ópera
cómica, que recibía varios nombres. En Inglaterra se llamaba ballad opera, en Francia opéra comique, en
Alemania Singspiel y en Italia opera buffa.

El músico que transformó la opera buffa italiana en un arte serio fue Wolfgang Amadeus Mozart, quien
escribió su primera ópera, La finta semplice (1768), a los 12 años. Sus tres obras maestras en lengua
italiana, Las bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787) y Così fan tutte (1790), muestran la genialidad
de su caracterización musical. En Don Giovanni creó uno de los primeros grandes papeles románticos. Los
singspiels de Mozart en alemán van desde el cómico El rapto del serrallo (1782), a la simbología ética de
inspiración masónica de La flauta mágica (1791).

El Concierto

Concierto (género musical), composición musical, generalmente en tres movimientos, para uno o más
instrumentos solistas acompañados por una orquesta. El nombre de concerto unido a la música se utilizó
por vez primera en Italia en el siglo XVI, pero no se hizo habitual hasta alrededor de 1600 al comienzo del
barroco.

El Concierto Clásico

A mediados del siglo XVIII, el cambio musical decisivo que significó el paso desde el barroco al clasicismo
no podía dejar de afectar al concierto. Aparte del breve florecimiento de un derivado francés llamado
sinfonía concertante, el concerto grosso murió y dio paso a la sinfonía, que mantuvo gran parte de sus
rasgos. No obstante, el concierto para solista persistió como vehículo del virtuosismo, indispensable para
los compositores que a la vez eran intérpretes de su propia obra. El piano suplantó gradualmente al violín
como instrumento solista preferido. Fue el instrumento favorito tanto de Wolfgang Amadeus Mozart,
quien escribió los conciertos más importantes a finales del siglo XVIII, como de Ludwig van Beethoven,
cuyos cinco conciertos para piano y su único concierto para violín (1801-1811) dieron la consagración
definitiva a su desarrollo.
HISTORIA DEL CLASICISMO

El Clasicismo se va a ver reflejado en las obras de tres grandes músicos Haydn, Mozart y uno tercero, que
es clásico y romántico, Beethoven; hay otros muchos de segunda categoría a quien habría que tener en
cuenta y que vivirán en las famosas escuelas: La italiana con Sammartini, Rinaldo de Capua, Jommelli; la
Austriaca donde surgen los Haydn y Mozart y la de Mannhein, gran centro musical de esta época, con los
Stamitz, Cramer, etc.

Constitución Orquestal

En el siglo XVIII. La Música instrumental adquiere una preponderancia que antes parecía reservada a la
Música vocal en buena parte.

Las cortes y los palacios aristocráticos fomentan ese cultivo con el concurso de músicos asalariados que
constituyen orquestas privadas.

La sinfonía y la música de cámara ganan solidez y prestigio. Los instrumentos a cargo de solistas muestran
primores novísimos. Las formas musicales acrecientan su número a la vez que perfeccionan su calidad.

Los conjuntos instrumentales adquieren cohesión y fijeza crecientes. También aumenta el número de sus
individuos.

El bajo cifrado, que dejaba al clavista libertad para el relleno de las partes intermedias, va cediendo el
paso a minuciosas partituras, y se escribe para cada instrumento la parte musical reservado al mismo.
Todo ello iniciará el cultivo de grandes formas sinfónicas trompas y clarinetes aumentarán la plasticidad y
plenitud sonoras del conjunto instrumental.

PRINCIPALES EXPONENTES SEGÚN PERIODO DE LA MUSICA CLASICA.

Antonio Soler, Johan Helmich Roman,Mannheimer Schule Tromlitz, Johann George, 1725-1805.

W. A. Mozart 1756-1791

{Biografía} {Música} Compositor alemán (1756-1791). Niño prodigio, desde los cuatro años de edad viajó
por Europa como concertista de piano y violín. Como compositor destacan las óperas Don Juan, Las Bodas
de Fígaro, La flauta mágica, Cosí fan tutte, 41 sinfonías, 27 conciertos para piano y otros instrumentos,
sonatas, cantatas, Requiem, Tedeum, Ave verum, etc.