Sonido

Cuando hablamos de sonido, nos referimos a la propagación de las ondas

mecánicas originadas por la vibración de un cuerpo a través de un fluido o un
medio elástico. Dichas ondas pueden o no ser percibidas por los seres vivos,
dependiendo de su frecuencia.

Existen sonidos audibles por el oído humano y otros que solo perciben ciertas

especies de animales. Se trata de ondas acústicas producidas por la oscilación de
la presión del aire, que son percibidas por el oído y transmitidas al cerebro para
ser interpretadas. En el caso del ser humano, este proceso es esencial para
la comunicación hablada.

El sonido puede propagarse también en otros elementos

y sustancias, líquidos, sólidos o gaseosos, pero a menudo sufriendo ciertas
modificaciones. Se trata de un transporte de energía sin transporte de materia y, al
contrario de las ondas electromagnéticas de la luz o la radiación, no puede
propagarse en el vacío.

El sonido es estudiado por la acústica, una rama de la física y de la ingeniería.

También es de sumo interés para la fonética, rama de la lingüística especializada
en la comunicación oral de los seres humanos en sus distintos idiomas.

Características del Sonido

El sonido se produce cuando un cuerpo vibra, y transmite dichas vibraciones al

medio circundante en forma de ondas sonoras. Éstas se desplazan
expansivamente, a una velocidad promedio (en aire) de 331,5 m/s, y pueden
reverberar (“rebotar”) en distintos tipos de superficies, logrando distintos efectos
de eco o de distorsión, que a menudo magnifican su potencia (como en las cajas
de resonancia o los parlantes).

El sonido presenta las siguientes características físicas:

 Frecuencia (f). Es el número de vibraciones completas por segundo que

efectúa la fuente del sonido y que se transmite en las ondas. Un sonido audible
por los seres humanos tendrá una frecuencia de entre 20 y 20.000 Hz. Por
encima de ese rango será un ultrasonido perceptible, a lo sumo, por algunos
animales.
 Amplitud. Es la intensidad (potencia acústica), que solemos llamar «volumen«.
La amplitud se relaciona con la cantidad de energía transmitida por las ondas
sonoras.
 Longitud de onda (λ). Es la distancia que recorre una onda en un período de
oscilación, o dicho de otro modo, la distancia entre dos máximos consecutivos
de la oscilación.
 Potencia acústica (W). Es la cantidad de energía emitida por las ondas por
unidad de tiempo. Se mide en vatios y depende directamente de la amplitud de
onda.
 Espectro de frecuencia. Es la distribución de amplitudes, o energía acústica,
para cada frecuencia de las diversas ondas que componen el sonido.

Cómo se propaga el sonido

El sonido se propaga en líquidos, sólidos y gases, pero lo hace con mayor rapidez
en los dos primeros. Esto se debe a que la compresibilidad y la densidad de la
materia tienen efectos sobre la transmisión de las ondas: a menor densidad o
mayor compresibilidad del medio, menor será la velocidad de transmisión del
sonido. La temperatura también puede influir en el asunto.

Así, la propagación del sonido no puede darse si no existe un medio material

cuyas moléculas puedan vibrar. Por eso, una explosión en el espacio exterior no
podría ser percibida auditivamente, mientras que el sonido de la llegada de un
tren, por ejemplo, nos alcanza gracias a que la onda sonora se transmite por el
aire.

Propiedades del sonido

Los instrumentos pueden ejecutar las mismas notas, pero cada uno con su
respectivo timbre.
A grandes rasgos, el sonido tiene cuatro grandes propiedades:

 Altura o tono. De acuerdo a su frecuencia, los sonidos se clasifican en agudos

(alta frecuencia), medios (frecuencia media) y graves (baja frecuencia). La
frecuencia es lo que distingue las notas musicales entre sí.
 Duración. Es el tiempo durante el cual se mantienen las vibraciones que
produce un sonido.
 Intensidad. Es la potencia acústica (cantidad de energía por unidad de tiempo)
por unidad aérea, y se mide en decibeles (db). Un sonido es audible por el
humano por encima de los 0 db, y produce dolor por encima de los 130 db.
 Timbre. Es una cualidad que permite distinguir dos sonidos de igual frecuencia
e intensidad emitidos por distintas fuentes. Como la frecuencia de un sonido,
en general, no es única sino que hay una fundamental y otras de menor
intensidad, el timbre se relaciona con las intensidades y variedades de esas
otras frecuencias que acompañan a la fundamental.

Sonido musical
La música es el conjunto rítmico y ordenado de sonidos, por lo general los
provenientes de los instrumentos musicales y de la voz humana (canto). La
distinción entre música y ruido es de origen cultural y tiene que ver con las
consideraciones de armonía y belleza de la época.
Cualidades del Sonido
La frecuencia

También llamada altura del sonido, es la afinación de un sonido. La altura está

determinada por la frecuencia de vibración de las ondas sonoras.
Se puede distinguir entre tres tipos de sonidos:

 graves,
 medios
 o agudos.
Esta clasificación hace alusión a unos parámetros que pueden ser medidos
físicamente.

Según estos indicadores, decimos que un sonido puede ser grave o agudo. Esto
está valorando un rango del sonido que es perceptible para el ser humano.
Los instrumentos y las voces están dentro de este rango, situado entre los 20 y los
20000 Hz. Fuera de él quedan sonidos que los seres humanos no estamos
capacitados para distinguir.

La duración

La duración de un sonido hace referencia a la longitud de onda. Indica el tiempo

que se mantiene una onda sonora completa. Puedes diferenciar sonidos largos o
cortos. Según cuál sea la fuente que los produzca, los sonidos pueden
alargarse de forma ininterrumpida o acortarse, como en instrumentos de cuerda
frotada, o producir sonidos con una longitud específica, como un tambor o
la nota de un piano.
El sonido cesa cuando cesa la vibración. Esta cualidad está limitada al físico de la
fuente del sonido. Con la tecnología, esta limitación se ha superado y los sonidos
pueden mantenerse digitalmente por tiempo indefinido.

La intensidad

La intensidad de un sonido es equivalente al volumen. Se clasifican como

sonidos fuertes o débiles y es la potencia la que consigue una mayor o menor
amplitud de la onda sonora.
La intensidad se mide en decibelios, y también existe un rango audible para el
ser humano: 0 dB, que indica que el hombre no es capaz de distinguirlo y 140 dB,
un volumen que resultaría doloroso. La intensidad hace referencia a la amplitud de
la onda sonora.

El timbre

El timbre es la cualidad que más datos te aporta. El timbre de una misma nota
musical tocada al mismo volumen en un violín y una flauta no será igual. Cada
fuente de sonido tiene características propias sonoras según el material del que
esté hecho, el modo de hacerlo sonar, etc.
También se aplica a las voces humanas. Puedes encontrar una voz ronca, dulce o
ligera, áspera… El timbre puede modificarse con la intensidad y la duración,
pudiendo variar la calidad del sonido. El timbre de un sonido está compuesto de
un sonido fundamental y otros sonidos llamados armónicos, de menor intensidad.
La combinación de la frecuencia, la intensidad, el timbre y la duración es la que
te permite clasificar de una forma más sencilla.

Sonidos Naturales
Los sonidos naturales son aquellos producidos por elementos de la naturaleza
como animales, la lluvia, el mar, el hombre, el viento, etc.
Los sonidos artificiales son aquellos producidos por objetos creados por el hombre
como vehículos de transporte, máquinas, teléfonos, radio, instrumentos musicales,
etc.
Sonidos Artificiales
Sonidos artificiales son aquellos producidos por objetos creados por el hombre
como vehículos de transporte, máquinas, teléfonos, radio, instrumentos musicales,
etc.
 La Interpretacion Musical
La interpretación musical es el paso en el proceso musical durante en que las
ideas musicales se realizan y transmiten al oyente. Es la acción de hacer  música,
de producirla con la voz, con instrumentos u otros objetos capaces de producir
sonidos musicales. En la cultura musical occidental, un músico especializado
decodifica el texto musical de una partitura y lo hace audible con uno o
varios instrumentos musicales.
El músico, ya sea instrumentista, cantante o director, que conduce una
interpretación o participa, en el supuesto de que esta sea colectiva, se
denomina intérprete. Desde siempre, también han existido intérpretes que han
ejecutado obras, con y sin partitura, creadas por un compositor.
Hay aspectos de una obra que el compositor no puede señalar con toda precisión.
Los intérpretes determinan, hasta cierto punto, algunos aspectos de la música que
interpretan, sujetos a su discrecionalidad, en función de
los tempos, fraseo, dinámica y, dependiendo de la música, altura e
instrumentación.1 Hay personas que entienden diferentemente el acto de la
interpretación musical del de la ejecución musical. En este caso, la diferencia
radica en el hecho que la primera atiende a todos los elementos de la música,
mientras que la segunda se limita a traducir en sonidos estrictamente lo que
consta en la partitura. Otros abusan de su propia imaginación haciendo aportes
que van mucho más allá de la partitura original, cosa de lo que se quejaban
autores como Couperin, Beethoven y Stravinski.
El acto en el cual la interpretación se hace pública se
denomina concierto, recital, jam session y todavía con otras nomenclaturas en
función, sobre todo, del tipo de música que se interpreta.
Parametros Basicos de la Interpretacion
Los parámetros básicos que determinan la interpretación son:

 Los instrumentos utilizados.

 La técnica o abanico de técnicas empleadas para hacerlos sonar.
 La afinación de estos instrumentos, es decir, la altura absoluta y la escala
musical empleada.
 El tempo.
 La articulación.
Algunos de estos elementos vienen determinados, a su vez, tanto por
planteamientos apriorísticos sobre el resultado que se quiere lograr, como por
condicionantes específicos de cada interpretación. Entre estos están
la acústica del espacio donde tiene lugar, o la pericia de los intérpretes, entre
otros.
En general, cada estilo requiere unas maneras de interpretarlo, es decir, una
determinada manera de jugar con estos parámetros. En algunos casos, por
ejemplo en el caso de transcripciones a instrumentos que no existían cuando se
compuso la obra, como una composición de Antonio Vivaldi para guitarra eléctrica,
se crea una distancia entre el estilo compositivo y el estilo interpretativo.
En las interpretaciones en público o conciertos, intervienen otros muchos
parámetros propios de la puesta en escena de un espectáculo.
La interpretación de una obra musical es, en muchos sentidos, similar a la
interpretación teatral. Aunque los actores se ciñan al papel escrito en la obra,
pueden subir o bajar la voz, emplear un tono u otro, etc. Es lo mismo que los
instrumentistas musicales que, dentro de un orden, pueden variar la ejecución en
cada momento, aunque sigan las indicaciones de la partitura. 3
El acto de la interpretación no siempre y en todas partes se ha pretendido
interpretar la voluntad del autor. Desde este punto de vista se puede entender que
los criterios básicos para las interpretaciones musicales son dos: o bien el estudio
de la partitura y de todo aquello que lo rodea para lograr una interpretación lo más
cercana posible a la voluntad del autor, o bien la utilización de la partitura para
llegar a una nueva creación personal del intérprete, a una recreación, o en todo
caso, una interpretación que no tiene como principal objetivo la restitución de una
sonoridad original. Un ejemplo claro de la segunda tendencia es el tipo de
interpretación de la música barroca que se hizo durante el Romanticismo y buena
parte del siglo XX, hasta la irrupción de la música antigua, que se interpretaba con
unos instrumentos que no eran aquellos para los cuales se había sido pensada
aquella música. Se tendía a interpretarla con conjuntos de unas dimensiones y
una sonoridad mucho más grande que la original, y se variaban muchos de los
parámetros básicos que configuran la interpretación. En contrapartida, un ejemplo
de la primera es el movimiento que, a partir de la década de
1970 encabezó Nikolaus Harnoncourt y que se conoce como música antigua.
No solo la interpretación de la música que se expresa con una notación que es
muy detallada con todo tipo de indicaciones sobre cómo tiene que ser interpretada
permite una interpretación fiel con las intenciones originales. En el caso de música
anotada de forma menos rigurosa y/o de música que en sí misma requiere un
cierto grado de indeterminación o de improvisación, este rigor se logra a base del
estudio de fuentes documentales paralelas, y a menudo contemporáneas, de la
obra a interpretar.
 Paisajes Sonoros
El concepto de paisaje sonoros se consolida en los
intereses investigativos desarrollados por un grupo de trabajo dirigido por R.
Murray Schafer; músico, compositor, ambientalista y profesor de estudios en
comunicación en la Universidad Simon Fraser en Burnaby, Canadá.
El concepto se forma a partir de la unión de las palabras sound (sonido)
y landscape que sería una forma diferente de decirlo (paisaje) creando así la
palabra inglesa soundscape; (acuñada en primera instancia por el urbanista
estadounidense Michael Southworth1). Este concepto explica cómo podemos
distinguir y estudiar el universo sonoro que nos rodea. Definido por R. M. Schafer
es básicamente un ambiente sonoro y puede referirse a entornos naturales o
urbanos reales, o a construcciones abstractas (composiciones musicales,
montajes analógicos o digitales que se presentan como ambientes sonoros). En
sus palabras «un paisaje sonoro consiste en eventos escuchados y no en objetos
vistos», afirmación que nos conduce a otro concepto clave que se encuentra
detrás de sus preocupaciones ecológicas y estéticas: clairaudience, que
literalmente significa escucha o audición limpia (o clara). «El término simplemente
se refiere a unas habilidades excepcionales de escucha, particularmente en
relación a los sonidos del ambiente o del entorno. Mediante ejercicios de limpieza
auditiva, las habilidades de escucha pueden ser entrenadas para alcanzar un
estado de clariaudiencia.»
El trabajo de los canadienses inspiró la aparición de otros conceptos como la
"ecología acústica" y el "diseño acústico", un asunto que según Schafer, debe ser
asumido por los ciudadanos igual que por compositores, arquitectos, sociólogos o
psicólogos. El entendimiento del diseño como algo interdisciplinar tiene para
Schafer antecedentes en la Bauhaus debido a la búsqueda de integración entre lo
científico y lo estético2 7. Lo interesante de esta aproximación es expandir la idea
del diseño de lo acústico y lo sonoro más allá de los auditorios o de las bandas
sonoras cinematográficas para ocuparse de nuestro hábitat. En ese sentido el
trabajo de los canadienses muestra cierto grado de coincidencia con los estudios
sobre el ambiente y paisaje urbano que Michael Southworth junto a su maestro
Kevin Lynch realizaban desde el urbanismo.3
Posteriormente se funda el World Forum for Acoustic Ecology y el World
Soundscape Project (WSP) donde Murray Schafer y otros investigadores
como Barry Truax y Hildegard Westerkamp, han publicado algunos de los
documentos fundacionales relativos al paisaje sonoro y la ecología acústica. Todo
este trabajo devino en los Soundscape Studies que, según el propio Schafer,
buscan reunir el trabajo de los estudios sobre el sonido que de manera aislada ya
se han realizado desde disciplinas como la psicoacústica, la acústica,
el urbanismo, la música y las ciencias sociales.
Características del Paisaje Sonoro
R. Murray Schafer Lanson distingue tres elementos principales que componen los
paisajes sonoros:
Tonalidad (Tonalité Keynote)
Este es el término musical que identifica la tonalidad de la pieza aunque no
es siempre audible. Estos sonidos son los que marcan el temperamento de
las personas, sea escuchándolos rara vez consciente o por lo general
inconscientemente.
Los sonidos de fondo (background sounds) que desde el inicio son creados
por la naturaleza, según la geografía y el clima, son: el sonido del viento,
del agua, de los animales, etcétera; y en áreas urbanas es constituido por
sonidos como: el tránsito de los automóviles, las instalaciones eléctricas, el
tránsito aéreo, etcétera.
Las Señales sonoras (Signaux sonores o Sound signal)
Son los sonidos que se encuentran en el primer plano (foreground sounds).
Estos son aquellos que escuchamos esporádica y conscientemente, por
ejemplo: las sirenas de las patrullas de policía o las ambulancias, los
cláxones de los automóviles, el sonido de las campanas, etcétera.
Marcas sonoras (Les marqueurs sonoros o Soundmarks)
Son los sonidos característicos de un área en específico; aquellos que
adquieren un valor simbólico y afectivo. Schafer escribió en su libro que
éstas se deben proteger pues constituyen las huellas sonoras, que hacen
única a la vida acústica de cada lugar.
Schafer también distingue dos clases de paisajes sonoros: los de
alta fidelidad (hi-fi), es decir, paisajes equilibrados en los que es
más fácil reconocer los diferentes eventos sonoros al igual que su
ubicación dentro del espacio acústico y por el otro los paisajes de
baja fidelidad (lo-fi), en los que el horizonte audible es poco
discernible, pues la sumatoria de sonidos es recargada y confunde
la escucha.
 Escultura
La escultura (del latín sculpere, esculpir) es una forma de expresión
artística consistente en tallar, moldear, esculpir o cincelar un material para crear
una forma con volumen.

La escultura es considerada una de las Bellas Artes, además de la pintura,

la música y la arquitectura. También se le da el nombre de escultura a la obra que
surge como resultado del proceso artístico.

Características de la Escultura

Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados,

desde el barro, la piedra y la madera, hasta el mármol, la cera, el yeso y
diferentes tipos de metales (bronce, hierro, cobre, plata, oro). A medida que
la tecnología permitió el desarrollo de nuevos materiales, la escultura comenzó a
utilizar resinas y plásticos que, al tener nuevas propiedades de resistencia y
flexibilidad, permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos en la escultura.

La escultura tiene un gran componente de imitación, y también de creación

original, ya que la representación puede abarcar desde figuras concretas
como personas, animales, objetos naturales y artificiales, con una absoluta
proporcionalidad, o bien pueden ser esculturas abstractas que desafíen
la percepción del espacio.

El manejo del espacio es muy importante en la escultura, lo cual implica que la

composición final que el artista persiga debe tener en cuenta aspectos espaciales
tales como el alto, el ancho, la profundidad, el volumen, la forma, la disposición de
líneas, la textura, la consistencia de los materiales, la óptica del ambiente donde
estará la escultura, y en algunos casos, el movimiento de la escultura.

Técnicas de escultura
Existen numerosas técnicas de trabajo de la escultura, según las intenciones y
medios del artista. Las técnicas dependen en gran medida del material sobre el
que se trabaje.

En el caso de la madera y la piedra, la técnica implica un tallado con

instrumentos tales como el cincel y la lija, mientras que en el caso de
materiales más blandos como la arcilla y la plastilina, se utiliza el modelado
manual.
Cuando el material es un metal, la técnica implica la fundición y el uso de
moldes. También se utilizan técnicas de perforación, pintura y conservación, así
como la articulación de piezas diferentes para crear movimiento en la obra.

Los moldes son utilizados comúnmente para la reproducción de esculturas. Se

hacen con yeso, resina o goma, reproduciendo con exactitud la obra terminada.

Función y usos de la escultura

Socialmente, la escultura puede tener usos y funciones muy diversas.
Originalmente las esculturas tenían una función religiosa, para los rituales
mágicos, los ritos funerarios, las prácticas de culto, etc.

Posteriormente, también adquirió funciones políticas, para manifestar el poder

de las monarquías, conservar la memoria de los pueblos, defender proyectos
políticos. Otro uso de la escultura, que se volvió con el tiempo su función más
común, es el estético, que busca representar la belleza o los ideales artísticos de
una época, o bien crear objetos de carácter decorativo para interiores o exteriores.
 Julián Paniagua Martínez

Nació en Guatemala el 5 de septiembre de 1856, obtuvo su formación musical

básica de su padre, el violinista Francisco Paniagua, quien dirigía bandas
en Chimaltenango y San Marcos, con quien estudió violín y composición.

Junto a Sebastián Hurtado inventaron y desarrollaron la marimba cromática

en Quetzaltenango en 1894.

La marimba moderna es la conocida marimba cromática, especificamente en el

municipio, Quetzaltenango, departamento de Quetzaltenango, República de
Guatemala. En otros países como es México, imitaron la Marimba Cromática, sin
cuerpo de hormigo, que es la forma correcta de realizarla a partir de la marimba
diatónica local que tuvo su origen en el balafón que los africanos construyeron en
América. La primera composición de Julián Paniagua, escrita a los 12 años de
edad, fue el vals "Tos Ferina", que le trajo la reputación de niño prodigio. Inició su
carrera como director a los 15 años frente a la banda de Tejutla.

En 1894, cuando era director de la Banda de Quetzaltenango, fue autor de un

invento que cambiaría la historia de la música en Guatemala, cuando desarrolló la
marimba cromática junto con el constructor de marimbas Sebastián Hurtado. En
la Ciudad de Guatemala fue director de la Banda Minerva y fundó la Banda de la
Guardia de Honor. También estableció una casa editorial y distribuidora de música
impresa, la cual estuvo activa hasta 2006. En la capital también se destacó como
violinista, desempeñándose como violín concertino de la Orquesta Sinfónica de la
Unión Musical.

Obras

 Solo y coro a la Santísima Virgen, 1914

 Himno a Jesús Nazareno de Candelaria, 1917
 Himno al Sacratísimo Corazón de Jesús, 1925
 Himno a la Santísima Virgen del Rosario, 1934
 Solo y coro a la Santísima Virgen
 Letanía a la Virgen
 Ave María a dos voces (en español)

Murió en Guatemala, el 27 de mayo de 1946

Benedicto Ovalle Bethancourt

Nació en Quetzaltenango, Guatemala el 29 de julio de 1894. Con su padre don

Cornelio como maestro, desde joven manifiesta su aptitud para interpretar el
chelo.

Trayectoria

Benedicto Ovalle Bethancourt se inició en Quetzaltenango tocando en la marimba

Maripiano Ovalle, fundada y dirigida por su padre José Cornelio Ovalle. Con esta
agrupación se presentó en la Ciudad de Guatemala en 1915 a requerimiento del
dictador Manuel Estrada Cabrera. En esa memorable ocasión, que dió un notable
impulso a su carrera musical, iba acompañado de sus hermanos menores
Eustorgio e Higino Ovalle, y con la tutela de sus maestros Jesús Castillo, Miguel
Espinoza y Mariano Valverde. En 1937 los hermanos Ovalle integraban su propia
marimba Estrella Altense, con la cual se trasladaron a la Ciudad de Guatemala y
en este mismo año, realizan una gira por San Francisco, en ocasión de la
inauguración del puente Golden Gate. En 1941 Benedicto Ovalle se integró a la
orquesta de la Policía Nacional, dirigida por Franz Ippisch, como violonchelista.
Sin embargo, nunca dejó la marimba, convirtiéndose en uno de los maestros más
venerados de esa tradición. A Benedicto, se le recuerda como alguien
desprendido con sus cosas. Se dice que regaló la partitura Twelfth Street Rag, una
pieza que alcanzaría gran fama en la tradición para marimba; un fox clásico para
los estadounidenses a Euday L. Bowman; y el concertante para marimba Ave Lira,
un clásico, a su primo Luis Betancourt. Reconocido de su autoría es el concertante
para marimba Clarineros.

Muerte

Fallece en Guatemala el 27 de mayo de 1995, a los 101 años de edad.

Obras

Entre sus obras se encuentran:

 "Bajo los pinos"

 "Bertita"
 "Carmela"
 "Clarineros"
 "El río"
 "Flores quetzaltecas"
 "San Agustín"
 "San Bernardino"
 "Sinfonía Indígena No. 1"
 "Teatro Nacional"
 "Ixtia Quetzalteca"
 "Historia latina"
 "Marinita"

Jura a la Bandera de Guatemala

Bandera nuestra,

A ti juramos 

Devoción perdurable,

Lealtad perenne , 

Honor, sacrificio y esperanza 

Hasta la hora de nuestra muerte. 

En nombre de la sangre y de la tierra,

Juramos mantener tu excelsitud, 

Sobre todas las cosas, 

En los prósperos días, 

Y en los días adversos, 

Velar y aún morir, 

Porque ondees perpetuamente 

Sobre una patria digna.