BLOQUE F

Naturaleza y sociedad en el arte

– El paisaje en el arte antiguo.
– El paisaje en la Edad Media. Descubrimiento del paisaje en la pintura flamenca.
– El paisaje en el Renacimiento.
– El paisaje en el Barroco.
– El paisaje en el siglo XVIII.
– El paisaje en el siglo XIX.
– El paisaje y las vanguardias.
– El Modernismo. Gustav Klimt, Tolousse-Lautrec, Santiago Rusiñol y Ramón Casas,
entre otros.
– Arquitectura y artes aplicadas. William Morris y Walter Gropius, entre otros.
– La arquitectura orgánica. Antoni Gaudí, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto y Bruno Zevi,
entre otros.
– El Art Déco.
– Arte y ecología. Del Land Art (Robert Smithson) y el Arte Povera hasta nuestros días.
 LÍNEA DEL TIEMPO CONTENIDOS: BLOQUE F
NATURALEZA Y SOCIEDAD
PREHISTORIA EDAD ANTIGUA EDAD MEDIA EDAD MODERNA EDAD CONTEMPORÁNEA
Albores de la humanidad 5000 a C hasta 400 d C 400 hasta 1400 1400 a 1800 1800 hasta la fecha
hasta 5000 a C
PALEOLÍTICO MESOPOTAMIA PRERROMÁNICO ROMANTICISMO
NEOLÍTICO EGIPTO BIZANTINO RENACIMIENTO SIMBOLISMO
EDAD DE BRONCE GRECIA ROMÁNICO MANIERISMO REALISMO
EDAD DE HIERRO ROMA CISTERCIENSE BARROCO ARTS AND CRAFS
GÓTICO ROCOCÓ IMPRESIONISMO
AMÉRICA ARTE PRECOLOMBINO NEOCLASICISMO POSTIMPRESIONISMO
PRECOLOMBINA MODERNISMO
CHINA CUBISMO
FUTURISMO
DADAISMO
EXPRESIONISMO
CONSTRUCTIVISMO
ART NOVEAU
FUNCIONALISMO
MOVIMIENTO MODERNO
EXPRESIONISMO
PINTURA METAFÍSICA
ART DECÓ
SURREALISMO
NEOPLASTICISMO
COSTRUCTIVISMO
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
POP ART
ARTE CONCEPTUAL
LAND ART
ARTE POVERA
HIPERREALISMO
POSMODERNIDAD
DECONSTRUCTIVISMO
GENEALOGÍAS DEL ARTE

la exposición Cubism and

Abstract Art que en al año 1936
se presentó en el Museo of
Modern Art (MoMA), y el dibujo
de Alfred Hamilton Barr, Jr. (1902-
1981), fundador de este museo
muestra por primera vez la
historia del arte como un
esquema visual y un ejercicio de
reconstrucción de las influencias
que reciben estos movimientos
de el arte inmediatamente
anterior.
– El paisaje en el arte antiguo.
EL PAISAJE COMO GÉNERO ARTÍSTICO
Paisaje es el nombre se da al género pictórico que representa
escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles,
árboles, ríos y bosques.

En la historia de la pintura, el paisaje fue adquiriendo poco a

poco cada vez más relevancia, desde su aparición como fondo
de escenas de otros géneros (como la pintura de historia o el
retrato) hasta constituirse como género autónomo en la
pintura holandesa del siglo XVII. También es un motivo
esencial para la pintura japonesa. Alberto Durero · Vista de Arco
1495 – Acuarela sobre papel – Louvre, París
Por la manera en que está tratado el tema del paisaje, cabe
distinguir tres tipos fundamentales:

1-El paisaje «cósmico» o «sublime», en el que se presenta la

naturaleza de manera salvaje, inmensos paisajes que no
necesariamente representan lugares realmente existentes, y
en los que el hombre se siente perdido. Dentro de esta línea
estaría el «paisaje naturalista» que refleja una naturaleza
grandiosa, abundante y salvaje, en la que aparecen
fenómenos atmosféricos como tormentas. Es propio de los
artistas del norte de Europa, especialmente de la pintura de
Paisaje con Cascada Adam Elsheimer (1578 -
Alemania, como Durero, Elsheimer o Friedrich. 1610
2-La naturaleza «dominada» por el hombre, como ocurre con el paisaje flamenco o neerlandés. La
presencia del hombre hace que la naturaleza no parezca amenazadora. Muchas veces acaba siendo un
«paisaje topográfico», que representa necesariamente un lugar preciso e identificable, con una naturaleza
presentada de la manera más humilde. Dentro de esta línea pueden citarse a Patinir, Pieter Brueghel el
Viejo o los maestros holandeses del siglo XVII.
3-La naturaleza «colonizada» por el hombre, lo cual es típico del paisaje italiano. Aparecen campos
cultivados de relieve, colinas, valles y llanuras con casas, canales, carreteras y otras construcciones humanas;
la naturaleza ya no es una amenaza, sino que el hombre, además, la ha hecho suya. Dentro de este tipo de
paisaje puede hablarse del «paisaje clásico», donde se representa una naturaleza ideal, grandiosa. La
representación no es creíble, sino recompuesta para sublimar la naturaleza y presentarla perfecta. En este
tipo de paisaje suele esconderse una historia. Es tópica la presencia de elementos de arquitectura romana,
combinados con una montaña o una colina y con un plano de agua. Este tipo de «paisaje ideal» fue creación
de Annibale Carracci, al que siguieron Domenichino y el francés Poussin. Durante siglos, el paisaje italiano
fue el modelo académico siendo además Italia el país al que acudían los artistas de toda Europa para
formarse.

Pieter Brueghel el Viejo Paisaje nevado con patinadores. 1565-1567 Nicolás Poussin Paisaje con edificios 1648 - 1651.Museo del ptado
Antigüedad
En los tiempos de las más antiguas pinturas chinas s la tradición de paisajes «puros», en los que
la diminuta figura humana simplemente invita al observador a participar en la experiencia. La
pintura china clásica aparece en torno al siglo III a. C. La pintura de paisajes constituye el género
más “noble” de la pintura china clásica, a través de ella se transmiten las concepciones micro- y
macro-cósmicas chinas del universo. No es un arte figurativo que se haya modelado después,
sino el resultado del sentimiento experimentado por el pintor que, tras la contemplación del
paisaje, lo plasma en la pintura.

Del Antiguo Egipto se conservan algunas representaciones de paisajes esquemáticos en las

tumbas de los nobles, grabadas en relieve durante el Imperio Antiguo y pintadas al fresco en el
Imperio Nuevo; suelen enmarcar escenas de caza o ceremonias rituales.

En Pompeya y Herculano se han preservado frescos romanos de cuartos decorados con paisajes
del siglo i a. C. En la antigüedad grecorromana, el paisaje se pinta como fondo o entorno para
contextualizar una escena principal.
 – El paisaje en la Edad Media.
Descubrimiento del paisaje en la pintura
flamenca.
Durante toda la Edad Media cristiana y el
Renacimiento, el paisaje se concibe como una
obra divina y su representación hace referencia
a su Creador. En la pintura occidental, la
representación realista del paisaje comenzó
dentro de las obras religiosas del siglo XIII.
Hasta entonces, las representaciones de la
naturaleza en el arte pictórico había sido
arquetípica: líneas onduladas para el agua o
festones para las nubes.

Fue Giotto el primero que, abandonando los

precedentes modelos bizantinos, sustituyó el
fondo dorado de las imágenes sagradas por
escenarios de la realidad. Aunque autores
como Boccaccio alabaron su realismo,lo cierto
es que no dejaban de ser muchas veces
representaciones simples: un árbol
representaba un bosque, una roca una
montaña.

Paisaje de Giotto: Detalle de la «Huida a

Egipto» de la capilla de los Scrovegni en Padua,
(h. 1304), pintura al fresco.
 Poco a poco, a lo largo de la Baja Edad Media, esos
fragmentos de naturaleza que aparecían en las
escenas sagradas o míticas fue ampliándose, pero
su carácter secundario lo revela el hecho de que
Lorenzetti (detalle) alegorías del Buen y del Mal muchas veces se dejaba a ayudantes, como ocurre
Gobierno en el Palacio Comunal de Siena
en La Anunciación florentina de Fra Angélico.
Dentro del estilo italo-gótico, Ambrogio Lorenzetti
superó la representación topográfica para crear
auténticos paisajes dentro de sus alegorías del
Buen y del Mal Gobierno en el Palacio Comunal de
Siena, al estudiar las horas del día y las estaciones.

La pintura gótico-flamenca se caracteriza por su

«realismo en los detalles», conseguido en gran
medida gracias a la nueva técnica de la pintura al
óleo; entre los aspectos a los que se prestó más
atención y realismo estuvo el paisaje, tanto natural
como urbano. Cabe citar, a este respecto, el plano
del fondo de la Virgen del Canciller Rolin por Jan
Políptico del Cordero Místico” o “Retablo de Gante” Van Eyck , auténtico paisaje en el que se detalla un
detalle (1432, Catedral de San Bavón, Gante) jardín, más allá de él un río y a los lados una ciudad
Realizado por Jan Van Eyck junto con su hermano
Hubert que falleció antes de terminarlo contemporánea del pintor.
Detalle del paisaje en el cuadro Virgen del Canciller Rolin 1434 por Jan Van Eyck
el paisaje realizado con gran detalle ocupa el elemento central de la tabla , más si se tiene en cuenta que el cuadro mide 66 x 62 cm Este
paisaje no obedece a ninguna ciudad concreta realizada a partir de las ciudades visitadas por el pintor
De esta forma se produce una separación entre un el espacio sagrado donde se encuentra la Virgen y el exterior profano y más humano
marcado por la arquería de la ventana
– El paisaje en el Renacimiento.
Renacimiento
El paisaje adquirió autonomía iconográfica en el siglo XVI. En su forma realista, se debe sobre
todo al arte flamenco y alemán, como por ejemplo, Alberto Durero, que dejó numerosas
acuarelas de paisajes. En su forma idealizada de inspiración clásica, es algo que debe atribuirse a
Italia, siendo El Perugino, maestro de Rafael, uno de los más destacados elaboradores de vastos
espacios en los que se situaban los personajes, con una fuerte acentuación del paisaje. En
Venecia, con su luz cambiante sobre las aguas, aunque el paisaje siguió siendo fondo de obras y
no su motivo principal, se esmeraron por lograr realismo reflejando vistas de la laguna, sus calles
y monumentos, así como la «tierra firme», y de los fenómenos atmosféricos como ocurre con la
tormenta que ya desde el siglo XVI da nombre al cuadro más conocido de Giorgione.

VIAJE DE MOISES EN
EGIPTO Y EL
CIRCUNCISIÓN DE SU
YERNO ELIEZER ( DETALLE )
VANNUCCI PIETRO (EL
PERUGINO)

La tormenta Giorgione
1508
En Flandes, la primera representación del paisaje
independiente fue la de Joachim Patinir, cuyas
composiciones religiosas o mitológicas están
totalmente dominadas por la representación realista
de la naturaleza, hasta el punto de que la escena es
mero «pretexto» para representar un «paisaje
panorámico» o «geográfico», desde un punto de La barca de Caronte de Joachim Patinir en el
composición de "horizonte alto" (como si el pintor Museo del Prado
estuviera situado en lo alto de una montaña).

En la generación siguiente, en algunas obras de

género de Pieter Brueghel el Viejo la figura humana
queda reducida a la insignificancia, siendo lo
importante el paisaje representado, igualmente
panorámico y desde un punto de vista elevado,
como ocurre por ejemplo en El invierno del ciclo de
estaciones del año. Ha de mencionarse también la
Escuela del Danubio o «danubiana», en la que
autores como Albrecht Altdorfer o Lucas Cranach el
Joven siguen pintando el tipo de «paisaje
panorámico», con amplias extensiones de terreno
percibidas a vista de pájaro. La batalla de Alejandro en Issos de Albrecht Altdorfer, h.
1528, óleo sobre tabla, 158,4 x 120,3 cm, Alte Pinakothek,
Múnich.
En la pintura española no abunda el paisaje, limitándose a representaciones de interés
topográfico o botánico. Pero sí cabe mencionar un paisaje «puro» que atrajo grandemente la
atención, siglos después, de surrealistas y expresionistas: la Vista de Toledo que pintó El Greco
al final de su vida. Los monumentos aparecen con cierto detalle, pero rodeados por un campo
resuelto a través de manchas de color verde, lo mismo que el cielo son manchas de azul y todo
ello bañado por una luz tormentosa.pintor.
– El paisaje en el Barroco.
Fue en el Barroco cuando la pintura de paisajes se
estableció definitivamente como un género en Europa
El flamenco Rubens pintó al final de su vida algunos
cuadros que se cuentan entre la pintura paisajista europea
más importante.
Surge el coleccionismo en el norte de Europa, atribuido a la
reforma protestante y el desarrollo del capitalismo en los
Países Bajos. La nobleza y el clero, hasta entonces los
principales clientes de los pintores, perdieron relevancia,
siendo sustituidos por la burguesía comerciante. Rubens: Paisaje con arco iris, h. 1637, óleo
sobre tabla, 94 × 123 cm, Alte Pinakothek,
Las preferencias de la burguesía no iban hacia las complejas Múnich..
pinturas de historia, con temas de la Antigüedad clásica, la
mitología o la Historia Sagrada, ni hacia complejas alegorías,
sino que preferían temas sencillos y cotidianos, por lo que
alcanzaron independencia géneros hasta entonces
secundarios como el bodegón, el paisaje o la escena de
género. Se produjo tal especialización que cada pintor se
dedicaba a un tipo de paisaje específico. Así había pintores
que tomaban como tema los «países bajos», esto es, los
terrenos que quedaban bajo el nivel del mar, con sus
canales, pólders y molinos de viento; destacaron en este
tipo van Goyen, Jacob Ruysdael y Meindert Hobbema.
Hendrick Avercamp se especializó en estampas invernales, Jacob Ruysdael: El molino de Wijk bij Duurstede.
El flamenco Rubens pintó al final de su vida
con estanques helados y patinadores. algunos cuadros que se cuentan entre la pintura
paisajista europea más importante.
Hubo quien se especializó en marinas, diferenciándose
entre quienes retrataban los barcos en las tranquilas
aguas de los puertos (Jan van de Cappelle, Willem van
de Velde, el Joven) y los que preferían vistas del mar
agitado por los vientos y las olas.
Hubo quien cultivó el paisaje urbano, las perspectivas de
las ciudades holandesa, con sus casas de ladrillos y las
agujas de las iglesias en el horizonte, como Gerrit
Berckheyde o Carel Fabritius. Aunque Vermeer se
dedicó sobre todo a la escena de género, pintó el paisaje
urbano más conocido de la época; su Vista de Delft fue
Vermeer: Vista de Delft, hacia 1660-61, óleo sobre lienzo, 98,5
considerada por Marcel Proust como «el cuadro más x 117,5 cm, Mauritshuis, La Haya.
bello del mundo», e inmortalizó esta pintura en su obra
En busca del tiempo perdido.
Finalmente, se desarrolló un sub-género exclusivamente
holandés como el cuadro de arquitectura que
representaba el interior de las iglesias; en esta última
línea destacaron Saenredam y De Witte. La gran
especialización de los pintores holandeses no impedía
que, en ocasiones, se combinasen los diversos temas
artísticos, y así Fabritius pintó una vista de Delft, con un
tenderete de vendedor de instrumentos musicales en
primer plano, combinando así el paisaje urbano con el
bodegón.
Interior de Iglesia de Saeredam.
Mientras que en el Norte de Europa se desarrollaba con esa
amplitud todo tipo de paisajes puros, en el sur seguía
precisándose una anécdota religiosa, mítica o histórica como
pretexto para pintar paisajes. Se trataba del paisaje llamado
«clásico», «clasicista» o «heroico», de carácter idílico, que no
se correspondían con ninguno concreto que existiera
realmente, sino construidos a partir de elementos diversos
(árboles, ruinas, arquitecturas, montañas...). El título del
cuadro y los pequeños personajes perdidos en la naturaleza
dan la clave de la historia representada en lo que a simple
vista parece solo un paisaje. Este tipo fue creado por el
clasicismo romano-boloñés, y en concreto por el más «Paisaje heroico»: La Primavera, también conocido como
destacado de sus pintores, Annibale Carracci, en cuya Huida Adán y Eva en el Paraíso terrenal, de Nicolas Poussin, 1660-64,
óleo sobre lienzo, 117 x 160 cm, Museo del Louvre, París..
a Egipto los personajes sagrados tienen menos importancia
que el paisaje que les rodea.
Esta línea siguieron los dos grandes paisajistas franceses,
formados en Italia: Nicolas Poussin y Claudio Lorena. Lorena
es considerado un paisajista moderno debido a que observó
atentamente la naturaleza e hizo estudios al aire libre sobre
la luz a las diferentes horas del día, las sombras sobre los
edificios, los reflejos en el agua. Sin embargo, aunque realizó
algunos paisajes puros, la inmensa mayoría de su obra sigue
teniendo como tema una historia religiosa o mitológica y Annibale Carracci, en cuya Huida a Egipto .
para ello incluye figuras humanas, a veces ejecutadas por
mano de otros pintores. Tuvo enorme influencia en la pintura
romántica e incluso en el impresionismo..
– El paisaje en el siglo XVIII.
En el siglo XVIII cultivaron este género artistas italianos como Canaletto. Se especializó en el sub-
género de las vedute, perspectivas urbanas que los viajeros extranjeros del Grand Tour veían en sus
viajes a Italia y que luego se llevaban como recuerdo a sus países de origen. Canaletto visitó Inglaterra
y allí recibió encargos de pintar, en el mismo estilo, los paisajes ingleses. Su sobrino Bellotto siguió la
misma línea, pero consiguió imprimir a su obra un estilo propio.

El resto de la pintura dieciochesca carece de originalidad en cuanto al tratamiento del paisaje.

Thomas Gainsborough, en cuadros como El abrevadero (1777) se inspira en los paisajistas holandeses
del siglo anterior. En España, fueron paisajistas Miguel Ángel Houasse y Luis Paret y Alcázar, cultivador
del «paisaje con figuras» como sus Vistas de puertos del norte de España.

En Francia surgió el género de las fêtes galantes, escenas cortesanas ambientadas en paisajes
bucólicos, un género iniciado por Jean-Antoine Watteau..

Plaza de San Marcos con Basílica de Canaletto. Watteau. Embarque a Citerea

– El paisaje en el siglo XIX.
En la época romántica, el paisaje se convierte en actor o productor de emociones y de experiencias
subjetivas. Lo pintoresco y lo sublime aparecen entonces como dos modos de ver el paisaje. Las
primeras guías turísticas de la Historia recogen estos puntos de vista para fabricar un recuerdo
popular sobre los sitios y sus paisajes. Abrió el camino el inglés John Constable, que se dedicó a
pintar los paisajes de la Inglaterra rural, no afectados por la Revolución industrial, incluyendo aquellos
lugares que le eran conocidos desde la infancia, como el Valle de Dedham. Lo hizo con una técnica de
descomposición del color en pequeños trazos que lo hace precursor del impresionismo; realizó
estudios de fenómenos atmosféricos, en particular de nubes. La exposición de sus obras en el Salón
de París de 1824 obtuvo gran éxito entre los artistas franceses, comenzando por Delacroix. El también
inglés William Turner, contemporáneo suyo pero de más larga vida artística, reflejó en cambio la
modernidad, como ocurre en su obra más famosa: Lluvia, vapor y velocidad, en la que aparecía un
tema ciertamente novedoso, el ferrocarril, y el puente de Maidenhead, prodigio de la ingeniería de la
época. Con Turner las formas del paisaje se disolvían en torbellinos de color que no siempre
permitían reconocer lo reflejado en el cuadro.

John Constable El molino de Dedham, 1820

Thomas Cole tomaba apuntes al aire libre
y luego elaboraba sus obras en el taller.
Concebía el paisaje como un escenario de
contenido simbólico, que expresaba ideas
espirituales y filosóficas, en consonancia
con el paisajismo de corte romántico que
se practicaba por entonces en Europa. En
su obra se percibe una concepción
trinitaria: arte, religión y naturaleza
forman un conjunto estructurado y
armónico. Así, aunque algunos de sus
paisajes son plenamente naturalistas
(como Cataratas de Kaaterskill, 1826), en
otros sirven de escenario para desplegar
un mensaje de contenido simbólico, como
en su serie El viaje de la vida (1840),
formado por cuatro lienzos que
representan la infancia, la juventud, la
madurez y la vejez
En Alemania Caspar David Friedrich, destaca por un espíritu pietista, pretendían crear cuadros religiosos,
pero no mediante la representación de escenas con tal tema, sino reflejando la grandeza de los paisajes de
manera que movieran a la piedad, es un paisaje cargado de sentimientovque refleja el amor por lo sublime y
el espíritu romántico de gusto por lo misterioso y sobrenatural.

El paso del «paisaje clásico» al paisaje realista lo da Camille Corot quien inició otra forma de tratar el paisaje,
distinta a la de los románticos. Como hizo después la escuela de Barbizon y, posteriormente, el
impresionismo. Lo observaron de manera meticulosa y relativa en términos de luz y de color, con el objetivo
de crear una representación fiel a la percepción vista que pueda tener un observador. Esta fidelidad, que se
experimenta por ejemplo en los contrastes y los toques de modo «vibrante». Eran obras que despertaron
escaso interés entre el público o la crítica, ya que la pintura académica seguía dominada por los cuadros de
historia, el gran tema por excelencia. Gustave Courbet no perteneció a la Escuela de Barbizon, pero pintó en
su juventud paisajes realistas.

Caspar David Friedrich: Las tres edades, h. 1835. Jean-Baptiste-Camille Corot La Soledad. Recuerdo de Vigen, Limusín 1866
– El paisaje y las vanguardias
 Como los pintores de Barbizon, los impresionistas buscaban sus motivos en la naturaleza real que los
rodeaba, sin idealizarlas, pero su visión no es la sobria de la escuela realista, sino que glorificaban esa
naturaleza intacta y la vida sencilla que reflejaban en sus cuadros. Diversos factores confluyeron para que
surgiera el impresionismo en torno al año 1860, entre ellos la pasión por la pintura al aire libre y nuevos
temas, reflejando simplemente aquellos que está ante los ojos: tanto el campo como la ciudad, el mar o los
ríos con sus interesantes reflejos sobre el agua, tanto la luz del día como la artificial, en definitiva, «lo
banal», considerando que no hay tema menor, sino cuadros bien o mal ejecutados. Trabajaron con manchas
de color, grandes pinceladas, sin el acabado pulido, esmaltado y frío de una pintura de paisajes tradicional,
sino reflejando más bien la impresión del paisaje. La obra emblemática de este movimiento, de la que
obtuvo su nombre, es precisamente un paisaje: Impresión, sol naciente (1874), de Claude Monet. Sus
principales seguidores fueron Camille Pissarro y Alfred Sisley.

Camille Pisarro Bulevar Montmartre, primavera 1897

The Houses of Parliament, Sunset, 1903, Claude Monet
Los nenúfares (en francés, Les nymphéas) es una serie de pinturas al óleo que ejecutó el pintor impresionista Claude Monet
(aproximadamente 250 obras) al final de su vida, sobre amplios paneles, como el de la ilustración, que mide 219 × 602 cm, y
que actualmente se exhiben en el Museo de la Orangerie de las Tullerías, en París, Francia. Estos inmensos paneles
representan un lago con agua. Son representaciones del Jardín de Giverny, lugar donde se instaló Monet con su familia y
construyó una finca en 1890. Monet instaló allí un estanque con plantas exóticas que será el modelo de sus famosos
nenúfares.​

Monet los pintó para que quedaran suspendidos (dentro de una estancia circular) de modo que crean el efecto del
transcurrir de un día o el de las cuatro estaciones que se develan ante los ojos del espectador.

Esta obra es considerada como precedente de la abstracción americana, al pasar a la colección del MOMA a partir del hecho
del tratamiento de los reflejos de la superficoe del agua como figura de forma que comparten importancia con las flores,
rompiendo con la dicotomía fondo- figura para lograr un espacio plano donde las pinceladas flotan sobre el lienzo .
 La pasión del posimpresionista Vincent van Gogh por la obra de sus predecesores, le llevó a pintar el paisaje
provenzal a partir del año 1888. Su obra, de colores intensos, en los que las figuras se deforman y curvan,
alejándose del realismo, es un precedente de las tendencias expresionistas.
En Norteamérica las escuelas nacionales de pintura surgieron, en gran medida, a través de paisajistas que
pintaban tierra. En los Estados Unidos, Frederick Edwin Church, pintor de grandes panoramas, hizo amplias
composiciones que simbolizan la grandeza e inmensidad del continente americano (Las cataratas del
Niágara, 1857). La escuela del río Hudson, en la segunda mitad del siglo XIX, es probablemente la más
conocida manifestación autóctona. Sus pintores crearon obras de tamaño colosal intentando captar el
alcance épico de los paisajes que los inspiraron. La obra de Thomas Cole, a quien se reconoce generalmente
como fundador de la escuela, tiene mucho en común con los ideales filosóficos de la pintura de paisaje
europea, una especie de fe secular en los beneficios espirituales que pueden obtenerse de la contemplación
de la belleza natural.

Campo de trigo con cuervos (julio de 1890) Pintura al óleo,

50 x 100 cm Museo Van Gogh, Ámsterdam.
Frederick Edwin Church, El corazón de los Andes 1859
Ya de muy joven, Church adquirió fama por sus composiciones paisajísticas que describían con gran riqueza de detalles el Este de los Estados
Unidos. Inspirado por el naturalista alemán Alexander von Humboldt, el artista hizo expediciones a Sudamérica en 1853 y 1857. El corazón de
los Andes es una síntesis de múltiples bocetos en lápiz y óleo ejecutados en Ecuador. Describe todos los climas observados por Humboldt en los
Andes ecuatoriales, desde el tropical al frígido, pasando por el templado. Church expuso el cuadro con un marco ancho parecido a una ventana,
y recomendó a los numerosos visitantes que utilizaran binóculos de teatro para poder apreciar los maravillosos detalles botánicos y la gran
extensión continental representada.
En España, el gran impulsor del género fue el belga Carlos de Haes, uno
de los más activos maestros de la Cátedra de Paisaje en la Escuela
Superior de la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid
desde 1857. De entre la nutrida generación de alumnos que formó cabe
destacar a Jaime Morera, Aureliano de Beruete, Agustín Riancho y Darío
de Regoyos
Los diferentes «ismos» de vanguardia pueden distinguirse cuadros en los
que lo representado es un paisaje, siempre con el estilo propio del autor.
Cézanne, el «padre de la pintura moderna», dedicó toda una serie de
pinturas a la montaña Sainte-Victoire. Derain, Dufy, Vlaminck y Marquet
Carlos de Haes: Los picos de
pintaron paisajes fovistas, y Braque, uno de los fundadores del cubismo, Europa, 1876.
trató repetidamente el paisaje de L'Estaque. En la Viena de principios de
siglo, produjeron obras de este género tanto el modernista Gustav Klimt
como el expresionista Egon Schiele.
Los expresionistas transmitieron sus
sentimientos y sensaciones cromáticas
también a través de paisajes, como
hicieron Erich Heckel o Karl Schmidt-
Rottluff en sus cuadros pintados en el
pueblo pesquero de Dangast; Emil
Nolde (El molino de Nordet, 1932) o
Kokoschka.

Las distintas formas de abstracción

acabaron por suprimir la importancia del
paisaje limitando el alcance del realismo Paisaje con molino Emile Nolde.
y la representación. No obstante, se
emplea a menudo la expresión
«paisajismo abstracto» con respecto a
varios pintores no figurativos (Bazaine,
Le Moal o Manessier). El paisaje siciliano
inspiró la obra del pintor expresionista
social Renato Guttuso.

Santa Panagia (Sicily)', Renato Guttuso, 1956 | Tate

Rocks, Trees and Plain
Jean Rene Bazaine
Fecha: 1952
Estilo: Informalismo

Les Arbres
Jean Le Moal
Fecha: 1954
Estilo: Informalismo

Alfred Manessier
Composición azul-roja (Marina)
1949
– El Modernismo. Gustav Klimt, Tolousse-
Lautrec, Santiago Rusiñol y Ramón Casas,
entre otros
Gustav Klimt (1862-1918) fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más prestigiosos
representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales
con un estilo personal muy ornamentado, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la
secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo
femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Poco conocidos, dentro de su obra,
son los paisajes y que representan una forma única de acercarse al entorno natural. Su estilo irá
evolucionando de su naturalismo inicial hacia un estilo con influencias bizantinas y puntillistas. Sus
obras se llenan de una abundancia de detalles “decorativos” que, minuciosamente, van generando
con la perspectiva aplanada y con pequeñas pinceladas un efecto como de mosaico.

Bosque de abedules. 1903.. Casa de campo en Weissenbach. 1914

Henri Toulouse-Lautrec (1864-1901),¡ fue un pintor y cartelista francés, que destacó por la
representación de la vida nocturna parisina de finales del siglo XIX. Se le enmarca en el
movimiento postimpresionista. Su obra se caracteriza por su estilo fotográfico, al que
corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus
personajes.
A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres, influencia del arte japonés, que se
manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los
bordes. Despreciaba la pintura de paisaje, sus obras más representativas son retratos, interiores
y el ambiente de la vida nocturna de París

Retrato de Suzane Valandon Observation Fabre, Reserve Officer (1901)..

Santiago Rusiñol : Viajó a París en 1889, donde vivió en Montmartre junto con Ramón Casas y con
Ignacio Zuloaga. Se familiarizó con el simbolismo y la pintura al aire libre. Tras regresar a España funda
en Sitges el taller-museo del "Cau Ferrat", y frecuenta en Barcelona las tertulias del café Els Quatre
Gats. Su posición social y económica acomodada le permitió hacer frecuentes viajes. En 1901 fue a
Mallorca con Joaquín Mir.
El año 1908 recibió la medalla de la Exposición Nacional de Bellas Artes.
Su pintura está muy influida por los impresionistas y tiene temática paisajista, tanto rural como urbana,
retratos y composiciones simbólicas de inspiración modernista. Al comienzo de su carrera incluía figuras
humanas. En las etapas finales sólo pintaba paisajes, especialmente de los Reales Sitios como Aranjuez
o La Granja. Entre sus obras más destacadas figuran La morfina y La medalla, ambas de 1894.

Santiago Rusiñol - Jardí d'Aranjuez. Glorieta II

Ramón Casas y Carbó, (Barcelona, 1866-1932). fue considerado como uno de los principales retratistas
de la burguesía catalana. Activo impulsor del modernismo catalán, apoyó numerosos proyectos
culturales, fue uno de los promotores de Els Quatre Gats, en donde expusieron Pablo Picasso, Isidre
Nonell o Ricard Canals,. Célebre como cartelista, destaca el trabajo que hizo para el Anís del Mono en
1898 o el de Codorníu, por los que fue considerado el «Cheret catalán». Dos importantes cuadros de
historia, Garrote vil y La carga, Barcelona, 1902. Las pinturas representan el ejemplo más evidente de la
transformación que sufrió el concepto de pintura de historia en los inicios del siglo XX, teñido, a partir
de entonces, de una clara intención social, extraída de la más inmediata actualidad. La presentación de
Garrote vil en la Sala Parés de Barcelona en 1894 fue un gran acontecimiento popular; una multitud
pasó por la sala porque quería ver la ejecución pintada, documento de un hecho sucedido en Barcelona
el año anterior, mientras que La carga evoca una de las muchas cargas contra el proletariado que
protagonizó la Guardia Civil en Barcelona durante la huelga general que paralizó la ciudad el 17 de
febrero de 1902 y su composición está inspirada en El dos de mayo de 1808 en Madrid: la lucha con los
mamelucos, de Goya. Fue premiado en la Exposición Nacional de 1904 con primera medalla.

Ramón Casas La carga, Barcelona, 1902 Ramón Casas Garrote vil

 Hermenegildo Anglada Camarasa: Su pintura
acusa una marcada influencia de artistas como
Toulouse Lautrec, Gustav Klimt o Van Dongen.
Pero el verdadero punto de inflexión en su
estilo, tal como se aprecia en Sonia de Klamery
(echada) tiene lugar en 1909, fecha de la
llegada a la capital francesa de los ballets rusos
de Diághilev, con Nijinski y la Paulova como
excepcionales bailarines. Este evento constituye
un acontecimiento social y artístico que
revolucionará gustos y costumbres. A Anglada
Camarasa le impactarán profundamente los
decorados y los vestuarios, con sus vivísimos
colores naranjas, fucsias, verdes…, hasta tal
punto que a partir de entonces en sus retratos
femeninos las tonalidades pálidas darán paso a
los brillos multicolores.
Lienzos como Sonia de Klamery (echada)
muestran hasta qué punto es determinante,
para el resultado final de los óleos de Anglada
Camarasa, un concepto plástico basado en la
preeminencia del color, que, aplicado con
abundancia de materia, divide el espacio
Sonia de Klamery (echada Fecha:  1913
Técnica:  Óleo sobre lienzo
pictórico en ritmos lineales y superficies
Dimensiones:  187 x 200 cm coloreadas.
Carlos de Haes (Bruselas, 1826-Madrid, 1898)
Su formación comienza en su tierra natal estudiando a los grandes maestros flamencos del paisaje, al
mismo tiempo que establece contacto con las vanguardias europeas que en Bruselas se dan cita en
torno a las renombradas exposiciones anuales de los Salones de la capital belga.
Obtiene con sus paisaje premios en la Exposiciones Nacionales, Catedrático y académico de paisaje en
la Real Academia de San Fernando contribuyó a la formación. 1862 vuelve a conseguir primera medalla
en Exposición Nacional con Paisaje. Vista del Lozoya (Paular). A partir de este momento, toman carta de
naturaleza en su cátedra las salidas a pintar a los alrededores de Madrid y las excursiones veraniegas,
que solo o en compañía de algunos de sus discípulos más íntimamente ligados a él, realiza por toda la
geografía europea.

Picos de Europa (c. 1875)

Arquitectura y artes aplicadas. William
Morris y Walter Gropius, entre otros.
•
Los planteamientos estéticos de William Morris.
•
Morris estuvo estrechamente vinculado a la Hermandad Prerrafaelita, movimiento que
rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura, y propugnaba un
retorno a la artesanía medieval, considerando que los artesanos merecían el rango de artistas.
•
Con Webb construyó la Red House, que fue su regalo de boda para Jane Burden. En los años
siguientes (1857-62) se convirtió en pintor profesional. Con su experiencia en arte y
arquitectura fundó, en 1861, junto con Dante Gabriel Rossetti, Burne-Jones, Madox Brown y
Philip Webb, Morris, Marshall, Faulkner & Co., una empresa de arquitectura y diseño industrial
que él personalmente financiaba. Mediante esta empresa, Morris creó un "revival" cultural en
la Inglaterra victoriana que se basaba en las artes y los oficios de la época medieval como
paradigma de la primacía del ser humano sobre la máquina y a la vez de un trabajo hecho
atendiendo a las más altas cotas de expresión artística.
•
Morris se preocupó intensamente en preservar las artes y oficios medievales abominando de
las modernas formas de producción en masa.
•
El movimiento de artes y oficios pretendía volver a la manufactura artesanal contrastada con la
producción industrial de la época y así hacer llegar la cultura a las áreas menos pudientes de la
sociedad. Lo que se le reprochó fue que los productos llegaron a ser tan complejos en su
fabricación que solo las clases altas pudieron adquirir los ejemplares.
Red House designed by Philip Speakman Webb for
William and Jane Morris. Designed 1859; completed
1860.
El movimiento "Arts and Crafts"
inglés 1850-1900
•
Liderado por William Morris es un movimiento
del diseño y artes decorativasque reacciona
frente a la producción industrial y a la moda
victoriana.
•
Características:
•
Creencia en la superioridad de la producción
artesanal sobre la producción mecanizada, que se
ve como algo degradante para el creador y el
consumidor
•
Simplicidad de las formas, Volúmenes llanos y
lineales.
•
Primera fase: inspirada en formas vegetales,
animales y naturaleza.
•
Segunda fase: mas abstracta inspirada en el
movimiento y figuras míticas.
•
Regreso a los gremios como único modo de
garantizar la dignidad de los objetos.
•
Rechazo de la máquina. Retorno a la Artesanía.
Búsqueda de honradez, sencillez, moral, religión,
ética.
William Morris Viña y hojas de acanto, un tapiz diseñado y tejido por William Morris personalmente, para
introducirse en el diseño e ejecución de estas artes milenarias.
William Morris Tapiz del pájaro
carpintero, para muchos el mejor tapiz de
los realizados por Morris en alto lizo. La
inscripción en letras góticas arriba y abajo
del marco son de un poema del propio
Morris, que trata del rey Pico, que según la
leyenda fue transformado en pájaro
carpintero. Es notable el agrupamiento de
las formas vegetales preferidas por su
autor.
La Bauhaus ('Casa de la Construcción Estatal'), o simplemente
Bauhaus, fue la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte
fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania). Sentó
las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como
diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia
de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron
concebidas dentro de esta escuela.
Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los
cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más
predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando
una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida
cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que
está leyendo (Heinrich von Eckardt).
Arquitectura Bauhaus
La Escuela Bauhaus no empieza a ofrecer clases de arquitectura
hasta 1927 y los edificios de estilo Bauhaus de esta primera época
como el Proyecto de la Torre Chicago Tribune o el edificio de la
propia escuela Bauhaus en Dessau son obra exclusiva de su fundador,
Walter Gropius.
Este estilo arquitectónico se traslada después a Estados Unidos y
evoluciona de la mano de arquitectos europeos como Mies Van der
Rohe, director de la escuela Bauhaus en el momento de su clausura
en 1933, hasta convertirse en lo que hoy se conoce como Estilo
Internacional en arquitectura.
Dada su importancia, las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau
fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por la Unesco Proyecto de la Torre Chicago Tribune
en 1996. Gropius
Walter Adolph Georg Gropius, fundador de la Bauhaus,
nació en Berlín,Fue hijo y nieto de arquitectos, estudió
arquitectura en Múnich y en Berlín. Uno de los principales
ideales de Gropius era representado mediante la siguiente
frase: "La forma sigue a la función". Buscaba la unión
entre el uso y la estética.
Gropius planteó el problema de la edificación en relación
con el sistema industrial y con la producción en serie,
llegando incluso hasta el extremo de considerar el edificio
como un producto directo de la industria.
La Gran Guerra interrumpió su actividad de constructor,
reclamado al frente. Pero durante aquellos años fue
madurando en su ánimo la conciencia de que tenía un
deber humano muy elevado que cumplir: la arquitectura
había de desempeñar un papel en el problema social que
la posguerra plantearía con toda gravedad; y este
problema social había de fundirse con la estética.
Gropius no permitió que las mujeres estudiaran
arquitectura en la Bauhaus, en contra de las leyes de la
República de Weimar, que establecían la educación
universal, y de las promesas de igualdad con las que se
promocionaba la escuela. No obstante, a las mujeres se les
permitía participar en los talleres textiles o de cerámica.
Más tarde el plan de estudios fue modificado y estos
centros fueron cambiados por talleres donde los
estudiantes trabajaron al lado de profesores, como Gropius
en el taller de muebles, Schlemmer en escultura de piedra Escuela de la Bauhaus Dessau
Gropius
y Kandinsky en pintura mural.
LAS PERSPECTIVAS AXONOMÉTRICAS
Dentro del primer estilo, el funcionalismo racionalista, propio de la Bauhaus, se encontraría
el despacho de Walter Gropius, primer director y fundador de esta escuela.
Se observa en este espacio el uso exhaustivo de la geometría pura gracias a las líneas
rectas y el uso de planos axonométricos generados por los objetos y las paredes que
conforman la estancia, además de la peculiar señalización de los ejes x, y, z, por la
lámpara, en la parte superior del despacho. El despacho de Walter Gropius representa los
principios fundamentales y más importantes de la Bauhaus, como son el rechazo de la
ornamentación a favor de la funcionalidad, el uso del acero y del hormigón como
materiales fundamentales en la construcción de un espacio, la simetría, la regularidad y el
concepto de que la forma sigue a la función.
La arquitectura orgánica. Antoni Gaudí, Frank
Lloyd Wright, Alvar Aalto y Bruno Zevi, entre
otros
La arquitectura orgánica, organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que
promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca
comprender e integrarse al sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se
conviertan en parte de una composición unificada y correlacionada. Los arquitectos, Antoni
Gaudí, Frank Lloyd Wright, Alvar Aalto, Louis Sullivan, son los mayores exponentes de la
denominada arquitectura orgánica.

El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o

racionalismo y que puede considerarse promovido fundamentalmente por los arquitectos
escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright. El
movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el
predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incorporación a la arquitectura de los
adelantos de la era industrial, pero procura evitar algunos de los errores en que cae el
racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura.
Las ideas fundamentales podrían resumirse de la forma siguiente:

Una mayor preocupación por la vida del hombre. La atención del arquitecto no debe limitarse
a las estructuras y a la disposición de los ambientes, sino que debe extenderse a los
problemas psicológicos y vitales del hombre.
Una nueva conciencia de los espacios internos: adaptación de los volúmenes a las
necesidades de planta, esos volúmenes están dominados por un estilo cubista, de formas
tetraédricas, comienzan por el estudio de los ambientes, de los recorridos, de los movimientos
de las personas y llegan a la creación de los espacios que consideran más indicados, a los
que se les proporciona una envolvente apropiada. Las soluciones técnicas y estructurales
deben ceñirse a esos espacios, dando lugar normalmente a formas más complicadas, no
repetidas, económicamente más costosas y difíciles de industrializar.
En este aspecto, el organicismo abandona uno de los postulados del racionalismo, creando
en cambio, cuando es bien interpretado, realizaciones más jugosas y humanas. Las obras de
los grandes arquitectos orgánicos son mucho más personales y difíciles de imitar, y por lo
tanto es más propio hablar de un planteamiento que de un estilo de arquitectura orgánica.
Antonio Gaudí, 1852-1926) fue un arquitecto
español, máximo representante del modernismo
catalán.
Su obra inicial puede calificarse sin duda ninguna
como un modernismo fuertemente impregnado de
referencias “historicistas”, incluso románticas, sin
duda ninguna exóticas... en la construcción se ven
claras influencias neogóticas (el Palacio Arzobispal de
Astorga es un buen ejemplo) y neomudéjares
(pueden verse por ejemplo la Casa Vicens en
Barcelona o El Capricho en Comillas), y en la Palacio Episcopal de
decoración puede hablarse de naturalismo, con Astorga. 1887-1893
referencias copiadas del natural.
En 1900 empieza la etapa que podemos llamar de
“madurez” de su obra y de su prestigio. Empieza
recibiendo el premio del Ayuntamiento de Barcelona,
precisamente por esa Casa Calvet, diseña la puerta
de la Finca Miralles en Sarrià, empieza a edificar la
Casa Sagués en Bellesguard, inicia en Montserrat una
estación del Rosario Monumental, y, sobre todo,
comienza una de sus mayores obras, el Parque Güell.
Lo que tenía que ser una urbanización privada de
sesenta viviendas queda reducida a unas pocas y a la Palacio Episcopal de
urbanización general del entorno. Astorga. 1887-1893
Hasta 1910 desarrolla varios de sus proyectos más importantes,
destinados a hacerse famosos: la reforma de la Casa Batlló y, en el
mismo Paseo de Gracia, la construcción de la Casa Milà, la famosa
Pedrera. En el conjunto de la obra no eclesiástica de Gaudí no
cabe duda de que La Pedrera es el máximo exponente de sus ideas
imaginativas, exuberantes, y totalmente originales. La unión entre
el soporte arquitectónico y la decoración que este sustenta se
desarrolla con la máxima profundidad, y en el reino de la curva
que constituye esta construcción paradigmática se revela lo más
personal de Gaudí, uno de los arquitectos más “personales” entre
todos los modernistas. También en esta “década prodigiosa”,
mientras sigue trabajando en La Sagrada Familia, inicia las obras
que llevará a cabo en la Colonia Güell en Santa Coloma de
Cervelló, desde el punto de vista técnico, el diseño de la iglesia
presenta unas dificultades que Gaudí resolvió a la perfección, y
que conocemos bien dado que fueron descritas, junto con su
Casa Batlló. 1904-1906
imaginativa solución, en la obra Filosofía de las estructuras,
publicada en 1910 por el arquitecto Fèlix Cardellach.
En esta etapa de su obra, Gaudí abandona ya todo tipo de
referencias historicistas, y bajo la influencia del simbolismo
imperante se lanza a un esteticismo sin excusas, basado en una
imaginación totalmente en libertad, que será un precedente de la
arquitectura organicista

Gaudí. Casa Milá (La Pedrera). 1906-1910

Parque Güell. 1900-1914.
Parque Güell. 1900-1914.
Casa Milá (La Pedrera). Detalle del patio. 1906-1910.
Casa Milá (La Pedrera). Tejado.
1906-1910
 Casa Batlló. Detalle del desván.

Casa Milá (La Pedrera). Detalle del desván.

1906-1910.
La Sagrada Familia. 1882. Foto enero 2011
Frank Lloyd Wright Arquitectura Orgánica

Estudió ingeniería civil en y en 1887 trabajó en

Chicago en el estudio de Adler and Sullivan, ejerciendo
éste último una importante influencia en la obra de
Wright, que siempre le consideró su maestro. En 1893
abrió su propio estudio de arquitectura en Chicago.
Siempre rechazó los estilos neoclasicistas y victorianos
de finales del siglo XIX, oponiéndose a la imposición Martin House
de cualquier estilo, porque estaba convencido de que
la forma de cada edificio debía estar vinculada a su
función, al entorno y a los materiales empleados en su
construcción, aspecto en el que demostró gran
maestría, combinando con inteligencia todos los
materiales de acuerdo con sus posibilidades
estructurales y estéticas. Otra de sus aportaciones
fundamentales a la arquitectura moderna fue el
dominio de la planta libre, con la que obtuvo
impresionantes espacios que fluyen de una estancia a
otra, en una continuidad en la que paredes, suelo,
techo y chimenea forman bloques ininterrumpidos.
Este concepto será evidente en las llamadas casas de
la pradera.

Edward Hills House

•
Época de las "Casas de la Pradera" (Illinois).
•
Con las casas de la pradera se produce la ruptura del
concepto de espacio fraccionado y la altura de los
interiores se adapta a las proporciones humanas, además
de mostrar una clara biaxialidad ya que las casas tienen
dos ejes desiguales que se cruzan en un ángulo recto
visible desde arriba. En estas obras Wright fue pionero en
la utilización de nuevas técnicas constructivas, como los
bloques de hormigón armado prefabricados y las
innovaciones en el campo del aire acondicionado, la
iluminación indirecta y los paneles de calefacción.
Robie House
•
Características:
•
Dependencia del ideal de casas japonesas.
•
Continuidad: paredes, suelo, techo y chimenea forman
bloques ininterrumpidos.
•
Complementación de la naturaleza.
•
Ruptura del concepto de espacio fraccionado.
•
La altura de los interiores se adapta a las proporciones
humanas.
•
Biaxialidad: dos ejes desiguales que se cruzan en ángulo
recto visible desde arriba. Coonley House
 
Frank Lloyd Wright 1867- 1959), Siempre se opuso a la imposición de cualquier estilo, convencido como estaba de
que la forma de cada edificio debe estar vinculada a su función, el entorno y los materiales empleados en su
construcción. Este último siempre fue uno de los aspectos donde demostró mayor maestría, combinando con
inteligencia todos los materiales de acuerdo con sus posibilidades estructurales y estéticas. Otra de sus aportaciones
fundamentales a la arquitectura moderna fue el dominio de la planta libre, con la que obtuvo impresionantes espacios
que fluyen de una estancia a otra. Este concepto es evidente en las llamadas prairie-houses (casas de la pradera),
•
Casa de la Cascada (1934-37)
•
El edificio nace de la propia roca sobre un salto de agua.
•
Organizada a base de grandes miradores volados en
distintas direcciones.
•
Adaptación de la arquitectura a las desigualdades naturales.
•
Las características de la arquitectura de viviendas de Wright
son:
•
Uso de materiales en su estado natural.
•
Menor incidencia de la luz: acaba con las grandes cristaleras;
la luz no entrará directamente.
•
Sistema de calefacción por el suelo (heredero del
hipocastum romano) y de la chimenea, que también tiene
un efecto psicológico acogedor.
•
Importancia de las formas geométricas elementales:
•
Etapa final
•
En 1936 dará un giro decisivo a su carrera:
abandona los volúmenes cúbicos y la
composición ortogonal, iniciándose el período
de las curvas.
•
Formas extravagantes y fantásticas.
•
Individualismo.
•
Fábrica de Johnson Wax en Racine. Edificio
administrativo (1936-1939)
•
Espacio rectangular con esquinas redondeadas.
•
Tiene el aspecto de salón fastuoso.
•
Retícula de columnas fungiformes (con forma
de champiñón) que sostienen un techo de
cristal.
•
Huecos vidriados: aspecto de estanque de
nenúfares.
•
Los muros de ladrillo sólo son de cerramiento.
•
Banda continua de vidrio que rodea la cornisa.
•
Elevado coste justificado por el aumento del
rendimiento de los empleados al trabajar en un
ambiente agradable.
El funcionalismo orgánico escandinavo es un
movimiento arquitectónico que se deriva del
funcionalismo o racionalismo y que puede
considerarse promovido fundamentalmente por los
arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y
por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd
Wright. El movimiento acepta muchas de las
premisas del racionalismo, como son la planta libre, Alvar Aalto. Villa Mairea
el predominio de lo útil sobre lo meramente
ornamental, la incorporación a la arquitectura de los
adelantos de la era industrial, pero procura evitar
algunos de los errores en que cae el racionalismo y
aportar nuevos valores a la arquitectura.

1-Una mayor preocupación por la vida del hombre.

Se mira más al hombre, al que ha de servir la
arquitectura, que a la propia arquitectura. La
atención del arquitecto no debe limitarse a las
estructuras y a la disposición de los ambientes,
sino que debe extenderse a los problemas
psicológicos y vitales del hombre.
pabellón finlandés en la Exposición de Nueva
York de 1939,
2-Una nueva conciencia de los espacios internos:
aunque la arquitectura racionalista propugna una
adaptación de los volúmenes a las necesidades de
planta, esos volúmenes están dominados por un estilo
cubista, de formas tetraédricas, en las que se encajan
las necesidades, buscando además con ello una
simplificación estructural y constructiva.

Asplund, Aalto y sus escuelas comienzan por el estudio

de los ambientes, de los recorridos, de los movimientos
del hombre y llegan a la creación de los espacios que
consideran más indicados, a los que se les proporciona
una envolvente apropiada Biblioteca de Viipuri (1930) Alvar aalto
Las soluciones técnicas y estructurales deben ceñirse a
esos espacios, dando lugar normalmente a formas más
complicadas, no repetidas, económicamente más
costosas y difíciles de industrializar. En este aspecto, el
organicismo abandona uno de los postulados del
racionalismo, creando en cambio realizaciones más
jugosas y humanas. Las obras de los grandes
arquitectos orgánicos son mucho más personales y
difíciles de imitar.
Como obras maestras de la arquitectura orgánica
podemos citar la biblioteca de Viipuri (1930) y el
pabellón finlandés en la Exposición de Nueva York de
1939, ambos de Aalto
  Alvar Aalto, arquitecto
Una de sus primeras obras fue el bloque de
pisos Turku construido entre 1927 y 1929 a
partir de elementos de hormigón
prefabricado, un experimento al nivel sólo de
Mies Van der Rohe y Gropius en Sttutgart.

Su paso por el CIAM Congreso

Internacional de Arquitectura Moderna,
condicionó su arquitectura, a pesar de que lo
construyó un año antes del congreso, su
edificio para el periodico Turun Sanomat ya
se basaba en los cincos principios de la
arquitectura moderna de Le Corbusier. Pero
si una obra de Aalto influyó en el devenir de
la arquitectura moderna fue el Sanatorio de
Paimio, donde también diseño el mobiliario,
hoy por hoy tanto el edificio como los
muebles que diseñó para el son
considerados clásicos. La magnífica
distribución interior en alas largas y bajas y
las magnificas condiciones de luz y
ventilación que tenía el edificio lo
convirtieron en un paradigma de este tipo de
construcción.
Alvar Aalto. Arquitectura orgánica
Villa Mairea. En 1937 recibió el encargo de construir
esta casa para una empresaria de la madera con lo
cual este material fue clave para su proyecto. La
vivienda, situada en medio de un bosque, alcanza una
belleza y una sencillez sorprendente. Diez años más
tarde construyó la residencia de estudiantes Baker
House para el Instituto Tecnológico de Massachusetts.
De nuevo deslumbra la elegancia y la sutileza de sus
formas.
En 1953, El solar estaba en la cercana isla de
Muuratsalo, La casa de verano de Aalto ha pasado a
la historia de la arquitectura como un edificio donde
Aalto busco más la experimentación estética que
técnica. En total encontramos 50 paneles de ladrillo
ninguno igual al anterior
Bruno Zevi (1918-2000) fue un arquitecto y crítico de arte
italiano. Se doctoró en arquitectura en Harvard con Walter
Gropius y estudió la obra de Frank Lloyd Wright, y
contribuirá a divulgarla en Italia con numerosas pruebas y
artículos a lo largo de toda su vida.

A su vuelta a Europa, en 1943, participa en la lucha

antifascista junto al Partido de Acción. En 1944 funda la
Associazione per l'Architettura Organica (APAO) y el año
siguiente la revista "Metron-architettura", y se convierte en
una de las más importantes mentes teóricas del
Racionalismo italiano de la posguerra.

Profesor de Historia de la arquitectura de la Universidad

IUAV de Venecia y en la facultad de Arquitectura de la
Universidad de Roma "La Sapienza”

Su obra Saber ver la arquitectura es considerada una obra

básica para entender la historia de la arquitectura
– El Art Déco.
Origen del art déco (también art decó o incluso art
deco) fue un movimiento de diseño popular a partir
de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta
la década de 1950 en algunos países) que influyó las
artes decorativas tales como arquitectura, diseño
interior, y diseño gráfico e industrial, también a las
artes visuales tales como la moda, pintura, grabado,
escultura y cinematografía.
En 1925 organizaron la Exposition Internationale
des Arts Décoratifs et Industriels Modernes
(Exposición Internacional de Artes Decorativas e
Industriales Modernas) en París, y se llamaron a sí
mismos los modernos; en realidad, el término art
déco se acuñó en la retrospectiva titulada «Les
Années 25», llevada a cabo en París en el Musée des
Arts Décoratifs (Museo de Artes Decorativas) del 3 de
marzo al 16 de mayo de 1966;1 el término es por lo
tanto un apócope de la palabra francesa décoratif. En
inglés suele suprimirse la tilde y se escribe «deco». En
español, la RAE lo ha normalizado como art déco, con
la tilde en la «e».
El art déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque
muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones
políticas o filosóficas, el art déco era casi puramente
decorativo, por lo que se considera un estilo burgués.
A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y
estilísticas, el art déco es sólido y posee una clara identidad
propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es
fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la
Revolución industrial.
Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la
ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional y
modernista, el art déco fue un avance frente al art nouveau,
esta vez exitoso en la generación de un nuevo repertorio de
formas acordes con la problemática e imaginería de su tiempo.
El art déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye
a una reacción contra la austeridad forzada producto de la
Primera Guerra Mundial.
De manera simultánea a una creciente depresión económica y
al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra, había un
deseo intenso por el escapismo. La gente gozó de los placeres
de la vida y del art déco durante la era del jazz.
Exposición Internacional de Artes
Decorativas Modernas. París. Pavillon
Primavera. 1925
Elementos decorativos, cartel de cine de Metropolis de Friz Lang, Moda y
complementos Decó
Características:
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos
estilos y movimientos diversos de principios del siglo XX se
inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias
provienen del constructivismo, cubismo, futurismo, del art
nouveau, del que evoluciona, y también del estilo racionalista
de la escuela Bauhaus.
Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo
Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras
y la solidez de las formas del art déco, afín a la
monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus
composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina, utilizó las innovaciones
de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas,
iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los
rascacielos. Estas influencias del diseño se expresaron en
formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques
cubistas o rectángulos y el uso de la simetría.
El color se nutrió de las experiencias del fovismo; trapezoides,
facetamientos, zigzags y una importante geometrización de
las formas son comunes al art déco.
La tumba de Tutankamon abierta en 1922
El ajuar funerario del faraón Tutankamón es famoso porque fue una de las pocas tumbas egipcias
que no había sido saqueada antes de su descubrimiento por Howard Carter.
Fue un descubrimiento que tuvo mucha influencia en las artes decorativas del siglo XX generó en
movimiento Art Decó que incluía elementos ornamentales del antiguo Egipto
Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca, madera
embutida, piel de tiburón y piel de cebra.
El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo seco,
el facetado y la línea recta o quebrada o greca .

Ciertos patrones de ornamento se han visto en

aplicaciones bien disímiles: desde el diseño de
zapatos para señoras hasta las parrillas de radiadores,
el diseño de interiores para teatros y rascacielos
como el Edificio Chrysler.

El estilo art deco no estuvo limitado a la arquitectura;

el transatlántico SS Normandie, cuyo viaje inaugural
tuvo lugar en 1935, fue diseñado incorporando
muchos diseños art deco, incluyendo un salón
comedor cuyo techo y decoración estaba realizada
con vidrio de Lalique. Otros buques con influencia art
déco en su decoración fueron el Île de France, el
Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.
Carteles publicitarios y
tipografía de
Cassandre
 Edificio Chrysler
Fue el edificio más alto del mundo durante once meses, hasta que le
superó el Empire State Building en 1931. El Edificio Chrysler, diseñado
por el arquitecto William Van Alen, es un ejemplo clásico de la
arquitectura art déco y muchos arquitectos contemporáneos lo
consideran uno de los mejores edificios de Nueva York.
En los años posteriores a la Primera Guerra Mundial, los arquitectos de
Europa y los Estados Unidos habían empezado a simplificar las formas
de los diseños tradicionales y a usar materiales industriales de manera
innovadora para caracterizar a la edad moderna. El estilo art déco
parecía prestarse especialmente bien al diseño de rascacielos debido a
que este tipo de construcción simbolizaba progreso, innovación y
modernidad más que cualquier otro tipo. Aunque el estilo art déco
duró poco tiempo, coincidió con un gran boom inmobiliario en Nueva
York a finales de los años veinte. El exterior del edificio tiene muchos
ornamentos heroicos, como las gárgolas de las catedrales góticas. Las
esquinas de la planta 61 están decoradas con sendos pares de águilas
esculpidas por Kenneth Lynch, que tienen una longitud hay réplicas de
las decoraciones del capó de Chrysler de 1926; mientras que en las
esquinas de la planta 24 hay piñas de tres metros de altura, símbolos
de la hospitalidad, que fueron fabricadas en el sitio. El edificio está
construido de albañilería, con estructura de acero y revestimiento
metálico.
Edificio Chrysler Nueva York
William van Alen detalles típicos del estilo Decó
 Empire State Building
El Empire State Building es un rascacielos situado en la
intersección de la Quinta Avenida y West 34th Street, en la
ciudad de Nueva York, Estados Unidos. Su nombre deriva del
apodo del Estado de Nueva York. Fue el edificio más alto del
mundo durante más de cuarenta años, desde su finalización en
1931 hasta 1972. Fue el primer edificio en tener más de 100
pisos.
Edificado por el Estudio de Arquitectura Shreve, Lamb and
Harmon.
A diferencia de la mayoría de los actuales rascacielos, el Empire
State cuenta con un diseño art decó, típico de la arquitectura de
pre-Segunda Guerra Mundial en Nueva York. Las modernistas
marquesinas de las entradas de los pisos 33 y 34 conducen a dos
pisos de altos corredores de todo el núcleo de ascensores,
atravesado por puentes cerrados de acero inoxidable y vidrio en
el segundo piso.
El vestíbulo es de tres pisos de altura. El corredor norte contiene
ocho paneles de iluminación, creados por Roy Sparkia y Renée
Nemorov en 1963, que representa el edificio como la octava
maravilla del mundo, junto a las tradicionales siete.
 – Arte y ecología. Del Land Art (Robert
Smithson) y el Arte Povera hasta nuestros
días.
 Arte Y ecología
Arte ambiental (Environmental art, en inglés) o arte ecológico es
una expresión que se usa en dos sentidos diferentes.
El término puede usarse de forma genérica en referencia a un arte
que trata de temas ecológicos o el medio ambiente natural,
mediante distintas estrategias:
•
suscitando la conciencia de la fragilidad de la naturaleza: lo que
incluye fotografía basada en el paisaje, pintura, dibujos, libros- Mario Merz igloo di pietra 1982
obras y arte propio de un lugar Arte póvera.

•
investigando fenómenos naturales: incluye ilustración científica
así como prácticas artísticas interdisciplinares.
•
usando materiales naturales reunidos en el exterior :como
ramillas, hojas, piedras, suelo, plumas; lo que a menudo es
llamado Arte de la naturaleza.
•
no contribuyendo a la degradación medioambiental:lo que Adolfo Schlosser. Travesía solar
incluye obras «verdes» realizadas con materiales biodegradables
o reciclados; la «Eco escultura», que está sensiblemente
integrada en un hábitat natural.
El término también se usa de forma más específica para referirse a
una obra de arte de grandes dimensiones que utiliza el entorno
natural; habitualmente con respeto al medio ambiente, pero que
también puede relacionarse con otros aspectos del medio
ambiente, tales como el contexto formal, político, histórico o social.
Andy Goldsworthy's Land Art -
Historia:
El arte ambiental o ecológico como movimiento artístico comienza a
finales de los años 1970 En sus primeras fases se relacionó sobre todo con
la escultura - especialmente con el «arte para un lugar específico»
(Specific-site art), el Land Art y el Arte povera - habiendo crecido como
una forma de crítica hacia las formas escultóricas y prácticas tradicionales
que eran vistas de forma progresiva como desfasadas y potencialmente en Robert Smithson Spiral Jetty,
desacuerdo con el medio ambiente natural. 1970 Great Salt Lake, Utah, 1970
Mud, precipitated
El Arte ambiental también crea consciencia de la importancia de reciclar
materiales y de las consecuencias de la actividad artistica en el medio
ambiente.
Por ejemplo, a pesar de su mérito estético, la celebrada escultura del
artista land art Robert Smithson Spiral Jetty (1969) implicó un daño
permanente considerable al paisaje en el que trabajó. El paisaje se
convirtió en una forma de campo de residuos, y Smithson usó un bulldozer
para raspar y cortar el paisaje, afectando al lago. El arte se convertía
entonces en otra forma de contaminación del medio ambiente.
Otros artistas land art han sido también objeto de crítica, como el escultor
europeo Christo cuando envolvió temporalmente la costa de Little Bay, al
sur de Sídney, Australia, en 1969. Los ecologistas locales protestaron
argumentando que la obra era ecológicamente irresponsable y afectaba al Christo y Jeanne Claude, El
elemento primordial de su
medio ambiente local de manera negativa, especialmente a los pájaros propuesta se trata del uso de
que tenían nidos en los acantilados envueltos. Las quejas subieron de tono textiles en el
cuando varios pingüinos y una foca quedaron atrapados bajo la tela y tuvo empaquetamiento de objetos
o paisajes, como modeladores
que cortarse. Los comentarios de los ecologistas atrajeron la atención de una nueva experiencia
internacional que llevó a que los artistas contemporáneos replantearse
este tipo de prácticas.
El escultor británico Andy Goldsworthy realiza su trabajo en los
bosques construyendo sus esculturas con materiales del entorno, estos
materiales se degradan de forma que dejan el paisaje en el que han
actuado sin daño alguno, y en algunos casos han hecho, en el proceso
artístico, vuelto a cubrir de vegetación con flora autóctona adecuada
tierras que habían resultado dañadas por el uso humano. De esta forma,
la obra de arte suscita una sensibilidad hacia el hábitat. en el que Eva Lootz está trabajando
desde 2005, y donde el agua es el
La relación entre arte y naturaleza ha tenido en España relativamente elemento principal y más
concretamente los ríos que recorren
pocos cultivadores. En el año 1976 Wolf Vostell declara el paisaje de Los la península ibérica.
Barruecos en Malpartida de Cáceres como obra de arte de la naturaleza
y funda el Museo Vostell Malpartida. El arte y la naturaleza están unidos
en la obra VOAEX (Viaje de (H)ormigón por la Alta Extremadura). Arte y
naturaleza siempre han sido un emblema del Museo Vostell Malpartida.
Como precedesores cabe citar a Ángel Ferrant, Alberto Sánchez y a
Moisés Villèlia que, en las décadas centrales del siglo XX trabajan con
materiales naturales encontrados, orgánicos e inorgánicos.
Pionero de la intervención en el paisaje, César Manrique tuvo sus
César Manrique Foundation - one of the
mayores logros en un tratamiento de carácter arquitectónico y windows that incorporates the lava flows
conservacionista del territorio, en la isla de Lanzarote. En los años 70
algunos artistas conceptuales realizaron acciones en escenarios
naturales: unos, como Nacho Criado, propusieron su propio cuerpo
como elemento en interacción con el medio.
Fernando Casás, Eva Lootz, Mitsuo Miura y, sobre todo, Adolfo
Schlosser. En los últimos años, los artistas con más peso, coherencia y
constancia en este ámbito han sido Perejaume, que reflexiona sobre el
lugar y su representación desde puntos de vista múltiple
Miguel Angel Blanco, Biblioteca del Bosque
(históricoartístico, pictórico, lingüístico), incluyendo la intervención en el 2007
V.O.A.E.X. Viaje de (H)ormigón por la
Alta Extremadura. 1976. Wolf Vostell.