12.
Goya.
I. GOYA Y SU ÉPOCA.
Al estudiar a Goya y su obra nos encontramos con uno de los grandes genios de la
pintura universal, pocos pintores españoles han tenido influido tanto en el panorama artístico
internacional como Goya.
A la hora de analizar la obra del pintor aragonés hemos de tener en cuenta varias cosas.
En primer lugar el carácter del pintor, un carácter apasionado y crítico, pintor de la alegría de la
vida en sus primeras obras y que evolucionará constantemente hasta presentarnos los aspectos
más crueles y horrendos del alma humana. Su carácter crítico le viene de su formación
intelectual en contacto con los pensadores ilustrados del XVIII que cuestionan todo y ponen a la
razón por encima de cualquier cosa, este carácter crítico hará que no se doblegue ante nadie y
que cuando, por ejemplo, pinta a los reyes no los adula ni ensalza sino que los trata incluso con
crueldad. Por sus ideas políticas se alineará con las tendencias más progresistas, será liberal
declarado y criticará la crueldad del absolutismo. Pero Goya es, ante todo, el testigo de su
tiempo, Goya vive a caballo entre los siglos XVIII y XIX, una época especialmente agitada:
Revolución Francesa, ascenso de
Napoleón, ocupación francesa de
España y Guerra de la Independencia,
retorno de Fernando VII y con él el
absolutismo más cerril, esperanza
liberal de 1820 a 1823... Todos estos
acontecimientos y las esperanzas y
frustraciones que suscitan condicionan
la obra del autor y su producción es un
testimonio de primer orden para
analizar la época. Pero hay algo más
que influye sobre su obra, la terrible
enfermedad que en 1792 estuvo a punto
1. Pinturas negras. Duelo a garrotazos.
Goya. 2
de acabar con él y que como secuela le dejó su sordera, la sordera significa el aislamiento, la
dificultad para comunicarse y el agriamiento de su carácter; a partir de 1819 una nueva
enfermedad agrava aún más su aislamiento.
II. LA EVOLUCIÓN ARTÍSTICA DE GOYA.
Hemos de destacar que el genio creador de Goya, su constante investigación pictórica y
el tratamiento de todo tipo de géneros y técnicas durante casi toda su vida hace imposible o por
lo menos muy difícil la clasificación de su obra por etapas, no obstante haremos un esfuerzo a
favor de la claridad expositiva aún a costa de no representar fielmente el desarrollo de su
producción.
a) Sus primeras obras: Goya pintor religioso.
Goya nació en Fuendetodos, un pequeño pueblo de Zaragoza, en el año 1746. Su padre,
dorador de retablos, apoyó al pintor y le mandó a estudiar a Zaragoza. En el año 1758 y hasta
1763 está en el taller de José Luzán.. Desde 1763 prueba suerte en los concursos de la Real
Academia de San Fernando de Madrid pero no tiene suerte. En 1771 viaja a Italia donde admira
a los clásicos. A su vuelta trabaja en Zaragoza donde realiza pinturas de tipo religioso para su
clientela clerical, de esta etapa son las pinturas de la bóveda del coreto del Pilar.
b) El periodo 1774-1792: Goya pintor de cartones para tapices. Otras
obras.
Goya pintor de cartones para tapices.
En 1773 se casa con Josefa Bayeu hermana de varios pintores, se instalará en Madrid y
sus cuñados le abrirán las puertas para
trabajar como pintor de cartones para la Real
Fábrica de Tapices. A los pintores se les
encargaba la realización de cartones que
luego eran tomados como modelos para tejer
los tapices. Desde el principio Goya da
muestra de una gran creatividad, en sus obras
no representa la grandeza y glorificación del
poder sino temas mucho más alegres y del
gusto de la nobleza y la burguesía: escenas
populares (romerías, juegos, fiestas, escenas
agrícolas...). Canta, en definitiva, la alegría
de vivir de la sociedad de su época ajena a lo
que les depara el futuro. Los colores que
2. La gallina ciega (El cucharón).
utiliza son muy vivos: cereza, mostaza,
verdes muy subidos, rojos, azules... Cartones de esta época son: La Gallina ciega, La
Merienda, El Quitasol, El Cacharrero, La Vendimia, El Albañil herido, La Pradera de
San Isidro...En la etapa final de su producción para la Real Fábrica de Tapices las sutilezas del
color son más complejas y en la elaboración de los temas se vuelve un agudo crítico de las
costumbres de su época, un ejemplo de esto lo tenemos en su obra La Boda.
La Boda.
El tema es una escena de la vida cotidiana. Una boda. El desfile de los novios y la
comitiva ante un gran arco de puente; la novia campesina a la que arrastra un marido casi
deforme (la figura del centro); los parientes con sus mejores galas, el cura, los chiquillos
alborotadores... Fijándonos en los personajes podemos comprobar cómo Goya es un perfecto
Goya. 3
observador de la naturaleza humana. Todo el
tema está tratado con humor, con sátira. En
este cuadro se critican las bodas desiguales,
hechas por interés. Como se puede comprobar,
Goya en este cartón adopta una crítica satírica
y los ojos con los que mira una escena
cotidiana son unos ojos críticos. El sarcasmo
que respira esta obra puede encontrarse en
otras muchas del pintor y anuncia al Goya de
“Los Caprichos”.
Otras obras de esta etapa.
3. La boda.
Esta etapa es la etapa de ascenso y
reconocimiento del pintor que en 1780 es aceptado como miembro de la Real Academia de
Bellas Artes de San Fernando, institución para la que pinta
como trabajo de ingreso su Cristo Crucificado inspirado en
el Cristo de San Plácido de Velázquez. En 1789 (justo el año
en el que estalla la Revolución Francesa) es elegido pintor de
cámara de Carlos IV y lo será con los siguientes reyes. Este
cargo supone el ascenso social del pintor y que entre en
contacto con intelectuales, políticos y artistas del momento y
se inicie su labor como retratista que tanta fama le dio.
En esta etapa no olvida su tierra y pintará en Zaragoza
los frescos de la Cartuja del Aula Dei en 1774 y los de la
cúpula del Pilar (1781). Además inició su labor como
grabador en 1778 con una serie de grabados sobre obras
famosas de Velázquez, su gran maestro.
c) La obra de Goya de 1792 a 1807.
Con los cargos que había ido acumulando Goya pone
4. El sueño de la razón reparos a los encargos de la Real Fábrica de Tapices en 1790,
produce monstruos. aunque los encargos continúen él no va a realizar ninguno
Caprichos.
más. Es una época crítica para Goya, desde el punto de vista
personal sufre en 1792 y durante un viaje a Cádiz una terrible
enfermedad que le deja definitivamente sordo, la consecuencia
inmediata es su dificultad para comunicarse y su concentración
en sí mismo. No reanuda su actividad pictórica hasta 1795.
Los Caprichos (1797-1799).
Es una serie de ochenta estampas grabadas. El grabado
se realizaba sobre una plancha de cobre cubierta con resina o con
barniz en la que se hacían incisiones, a esa plancha con el dibujo
inciso se le embadurnaba de tinta y se reproducía el dibujo tantas
veces como se quisiese. Debido a la peculiar forma de
reproducción, los grabados gozaban de una gran difusión. Goya
utiliza como eje conductor de sus ochenta grabados la sátira
contra las costumbres de su época, desde las bodas por interés, la
superstición, la ignorancia, la prostitución, la sátira anticlerical y 5. Que sacrificio!.
contra la Inquisición, la personificación en animales de los Capricho en el que se
defectos de la sociedad, el carácter cambiante de la mujer, la critica las bodas por
brujería... Goya es partidario del progreso y analiza con crudeza interés.
Goya. 4
la sociedad de su época, un mundo subdesarrollado, anclado
en la tradición y opuesto a cualquier tentativa de reforma.
La serie se inicia con el enigmático grabado de El
sueño de la razón produce monstruos. ¿Qué puede
satirizar en el Capricho al que hacemos alusión?. No existe
unanimidad sobre el tema: para unos los monstruos que
produce la razón son esos mismos caprichos que el pintor
realiza; para otro el mal uso de la razón -por ensoñación,
ilusión, exceso...- conduce a resultados no racionales, lo que
vendría a ser una interpretación de crítica de la Ilustración y
del siglo de las Luces.
Frescos de San Antonio de la Florida (1798).
Goya no es esencialmente un pintor religioso, pero
esta obra anticipa las geniales soluciones de las obras
sucesivas en materia de renovación iconográfica y audacia 6. La condesa de Chinchón.
de la ejecución. Muy original es que desplaza a las pechinas
las imágenes que ofrece de ángeles y de santos y reserva la cúpula para la narración, en la que
una muchedumbre heterogénea se agrupa en torno a la figura del santo que resucitó a un muerto.
El tema está tratado como una escena de sabor popular, costumbrista. Está pintado con gran
armonía cromática. Goya confía en esta obra al color la definición del espacio y simplifica los
rasgos de los personajes revelando una amplia gama de sentimientos en los mismos.
Goya como retratista.
En esta etapa continúa la actividad como retratista que ya había iniciado en su etapa
anterior. Como pintor de retratos Goya tiene un dominio total del género, expresa no sólo lo
físico sino también lo psicológico. El pintor no se queda en lo superficial, capta el alma, y no
regala ningún halago cuando pinta a la familia real, al pintar a la Reina María Luisa vemos un
retrato grotesco, el rey Carlos IV está representado como una persona sin carácter... En sus
retratos predominan los de cuerpo entero,
aunque a veces recurre a los bustos. Pinta
a personajes de la nobleza: Condesa de
Chinchón, Duques de Osuna, la
Duquesa de Alba (que fue su amante),
Duques de Fernán Núñez, Marquesa de
Villafranca, Marquesa de Santa Cruz...;
pero también a intelectuales y artistas:
Moratín, Jovellanos, Francisco Bayeu...
Por supuesto pinta también a la familia
real: a Carlos IV, a la Reina María
Luisa... De 1800 a 1805 son también los
dos cuadros de La Maja Vestida y La
Maja Desnuda que no sabemos a quién
representa, para muchos es la duquesa de
Alba, pero no hay pruebas concluyentes
sobre ello.
Pero el más importante de estos
retratos es La Familia de Carlos IV,
pintado en 1800 y concluido al año
7 y 8. La Maja Vestida y La Maja Desnuda.
siguiente.
Goya. 5
La familia de Carlos IV.
El tema es un retrato de grupo: la familia real en traje de corte y con distintivos
honoríficos y bandas, medallas,... Los
personajes de izquierda a derecha son:
1. Carlos María Isidro, 2. Fernando
VII, 3. Goya (en segundo plano), 4.
María Micaela, 5. la prometida de
Fernando VII, 6. Doña Isabel, 7. Reina
María Luisa, 8. Infante Francisco de
Paula, 9. El rey Carlos IV, 10. el
Príncipe de Parma, 11. D. Antonio
Pascual (en segundo plano), 12. Doña
Carlota Joaquina (en segundo plano),
13. La princesa María Luisa con su
hijo. (Ni mucho menos es necesario
acordarse de los nombres, están puestos
a título informativo ya que pueden
9. La familia de Carlos IV.
aclarar algo sobre la composición).
En cuanto a la composición
vemos que: las personas están de pie y contemplando a un personaje misterioso que posa para el
pintor, colocados casi en línea recta y en el orden exigido por la etiqueta real. Las figuras
forman a ambos lados dos grupos compactos para dejar en el centro un espacio más amplio
donde aparecen los reyes con su hijo menor. Con ello se intenta conseguir una perfecta fusión
de las figuras. El espacio aparece recortado, parece como si el grupo estuviera al fondo, cerca de
la pared. Goya crea un espacio donde coloca la escena, no mediante la iluminación y la
superposición de planos (como ocurre con Las Meninas), sino mediante el volumen de los
cuerpos de la familia real.
Con el color y la técnica Goya se muestra como un maestro consumado: el conjunto de
uniformes brillantes y de trajes claros (gran colorismo) emerge de un fondo de penumbra.
Además, hemos de observar la brillante variedad de colorido, en la factura ligera, de manchas de
color, con que está ejecutado.
A todo lo dicho hemos de añadir que el pintor logra la captación psicológica de los
personajes, esto se aprecia en la penetración psicológica del pintor. Goya saca a la luz la
verdadera fisonomía de todos los personajes: la reina María Luisa, dura, con gesto altivo; Carlos
IV, apocado, bonachón; la cabeza casi esperpéntica de María Micaela; las inocentes caras de los
niños... Pero esta obra no es una caricatura; el pintor ve a los personajes sencillamente como
eran; por eso hablamos de penetración psicológica.
d) Goya durante la Guerra de la Independencia (1808-1814).
La etapa es particularmente dura para
el pintor, no sólo por sus vivencias personales,
sino por la situación dramática del país durante
la Guerra, situación que expresaría de una
manera clara en sus obras, nadie como él había
pintado la venganza, la crueldad y las
consecuencias de una guerra. Goya se ve
sumido en una profunda contradicción, él es
partidario de la idea de progreso como única
solución para sacar a España del subdesarrollo,
pero esa idea es defendida por los franceses
que ocupan el país, Goya se debate entre el
apoyo a un pueblo celoso de sus costumbres y 10. Que hai que hacer más? Desastres.
Goya. 6
opuesto a cualquier innovación y a esas ideas progresistas. De todas formas permaneció en su
puesto y juró fidelidad a José Bonaparte.
Los desastres de la Guerra (1808-1811).
Es una serie de ochenta y dos grabados que realiza durante la guerra e impresionado por
los duros acontecimientos que le toca
contemplar. Aunque Goya hace las planchas en
esta época no se publicarán hasta el año 1863.
La técnica es al aguafuerte: una lámina de
cobre se cubre de resina, con un buril se realiza
encima el dibujo, luego se sumerge la plancha
en ácido (aguafuerte) y éste muerde las partes
que se han rayado, estas partes son las que
constituirán el dibujo una vez estampado. La
operación se puede repetir varias veces para
lograr un dibujo más denso y distintas
matizaciones. Los temas están sacados de la
observación de los hechos y son de una
11. Grande hazaña con muertos. Desastres.
crueldad extrema: empalamientos, mutilaciones,
violaciones, explosiones, fusilamientos, carros con cadáveres camino del cementerio, robo de
las pertenencias de los muertos... Para subrayar el dramatismo, la composición de estos
grabados es muy movida y a veces muy fuertes los contrastes de luces y sombras.
Los cuadros sobre la guerra pintados en 1814.
En este año, que coincide con el final de la guerra, va a pintar dos grandes lienzos sobre
los acontecimientos que se produjeron al inicio de ésta: el levantamiento del pueblo de Madrid
el dos de mayo contra los franceses conocido como La Carga de los Mamelucos o El dos de
mayo; y la represión francesa del día siguiente en Los Fusilamientos del tres de mayo en la
Moncloa.
La Carga de los Mamelucos (El dos de mayo).
El primero de los dos es un cuadro que representa al pueblo de Madrid luchando contra
los mamelucos (cuerpo turco al servicio de Napoleón). La desigualdad de la lucha está
expresada en que los franceses van a caballo y los españoles a pie. La ferocidad se expresa en la
cara de las figuras que son tratadas casi de forma caricaturesca, además, no son personas
conocidas sino personajes anónimos, el
protagonista es el pueblo, con esto se
adelanta al Romanticismo. Los colores
son fuertes para reforzar la tensión y dar
importancia a algunas figuras en concreto.
La composición se basa en un triángulo
central aunque casi no lo apreciamos por
el aparente desorden de la escena que
además está presidida por el movimiento
de todas las figuras. En cuanto a la
captación de la profundidad vemos que
ésta se consigue por las líneas
arquitectónicas de los edificios de la
Puerta del Sol y por la colocación de los
personajes.
12. La Carga de los Mamelucos (El dos de mayo).
Goya. 7
Los Fusilamientos del tres de mayo en la Moncloa.
El tema: Se trata del documento de un hecho histórico: los fusilamientos de patriotas en
la montaña del Príncipe Pío el 3 de mayo
de 1808. Delante de un pelotón de
ejecución de soldados franceses, un grupo
de patriotas se enfrenta con la muerte. El
grupo es heterogéneo; cada persona se
enfrenta con la muerte de un modo
diverso: en primer término, un hombre que
se destaca por su camisa blanca y pantalón
amarillo de sus compañeros de trajes
pardos mortecinos, alza los brazos y la
cabeza con mirada desorbitada y parece
increpar a sus ejecutores; a su derecha,
otro arrodillado reza; alguno tapa sus ojos
no queriendo ver su propio rostro...; en el
13. Los fusilamientos del tres de mayo en la suelo, en primer plano, yacen cadáveres de
Moncloa. los ya ejecutados.
La composición: Aunque los
personajes poseen una fisonomía, una expresión, hacen unos gestos... al pintor lo que le
interesa es el conjunto.
En la disposición de las figuras contrasta el pelotón de ejecución, que forma un bloque
con las bayonetas caladas, y los gestos patéticos de las víctimas. Este contraste contribuye a
crear la idea de violencia, la fuerza dramática que posee el cuadro. Como fondo aparece la
montaña del Príncipe Pío realizada con pigmentos en manchas de color.
La luz: El cuadro está iluminado por la luz del farol colocado en el suelo y que incide
directamente en el grupo de patriotas y por una luz lúgubre de amanecer que lo inunda todo.
El color: El colorido es más bien mortecino, pero preciso, y sólo aparece interrumpido
por los tonos más brillantes de la figura con los brazos abiertos.
El cuadro muestra el horror de la guerra. Más que una obra que perpetúe el hecho de la
insurrección nacional, Goya nos lega en ella un testimonio antibelicista. Por eso puede afirmarse
que es algo más que un cuadro histórico.
e) Goya y el retorno de Fernando VII (1814-1823).
Aunque desde el punto de vista artístico Goya no será desplazado de su puesto como
pintor del rey, su prestigio social se ve disminuido ya que se le acusa de haber colaborado con el
invasor. En el ánimo del pintor pesan las consecuencias de la guerra y la decepción causada por
la llegada de Fernando VII que
reinstaura el absolutismo (con la
Inquisición incluida) e inicia la
persecución de liberales y progresistas.
Tras el intermedio de 1820-1823, años
en los que el rey se ve obligado a jurar
la Constitución de 1812, vuelve por la
fuerza al absolutismo en 1823 y a
decretar nuevas persecuciones contra los
liberales. Desde el punto de vista
artístico Goya va a realizar dos series de
grabados: la tauromaquia y los
disparates, y cuadros como La Última
comunión de San José de Calasanz en
1819 y la serie de las pinturas negras 14. Locura de Martincho en la plaza de toros de
que inicia ese mismo año. Zaragoza. Tauromaquia.
Goya. 8
La tauromaquia (1814-1816).
Es una nueva colección de entre treinta y tres y cuarenta grabados que sale a la luz en el
año 1816, describe las escenas taurinas de la época; los toros eran una gran afición del pintor.
Encontramos a un Goya ya anciano dedicado a seguir investigando en el campo de los grabados
y donde nos presenta escenas movidas, trágicas y festivas, testimonio sin igual de cómo era la
fiesta a principios del XIX.
Las pinturas negras (1819-1823).
En 1819 se compra la Quinta del
Sordo a orillas del Manzanares, allí se
instala con Leocadia Zorrilla-Weis, mujer
con la que está unido desde 1811. En esa
casa va a realizar toda una serie de
pinturas que se conocen con el nombre
genérico de pinturas negras, y el nombre
no hace referencia al color dominante
sino a que son la crónica negra de España.
Son quizá las pinturas más personales que
pinte Goya, en casi todas ellas hay una
alusión, y algunas todavía no se han 15. Viejos comiendo sopa. Pinturas negras.
podido interpretar con certeza. En cuanto
al tratamiento del color, desaparece casi el colorido, los colores más utilizados son el negro,
ocre, rojo apagado... que Goya aplica en anchas pinceladas. Son de destacar: Duelo a
garrotazos, Viejos comiendo sopa, Perro semihundido, Saturno devorando a su hijos...
Saturno devorando a sus hijos.
Goya penetra en el mundo del subconsciente, de lo visionario, de la alucinación.
El tema. En este caso se trata de un tema mitológico, Saturno. Lo alegorizado en este
tema podría ser la voracidad de la tiranía de Fernando VII en su persecución contra los liberales.
El colorido. Utiliza el negro humo, tierras, algo de rojo. Los tonos densos de pardos,
negros y ocres interrumpen con manchas de color brillante,
en este caso el rojo. En esta obra la tónica claroscurista de
las pinturas negras ha llegado a su máxima expresión. Las
pigmentaciones de las carnaciones (brazos, cuerpo) están
aplicadas con una ardiente ferocidad, digna de la temática
del cuadro. Los tonos rojizos de la sangre son la única nota
colorista. Como podemos apreciar, Goya ha reducido mucho
su paleta pero con sólo esos colores va a realizar las pinturas
más fantásticas de su obra.
La técnica. Se adapta a las terribles escenas
representadas: se simplifican las imágenes, se ejecutan con
gran libertad colocando pinceladas de color puro, sin
mezclar, y manchas de color. Esta es una de las más terribles
pinturas negras. Pocas veces se ha representado en la
historia del arte la expresión de tanta crueldad. Aquí el
verismo sobrepasa los límites de lo razonable para alcanzar
una anticipación del expresionismo. El colorido, la técnica,
los ojos de Saturno desorbitados por la locura que se clavan
16. Saturno devorando a sus en el espectador... contribuyen a esa expresividad que
hijos. Pinturas negras. caracteriza la obra.
Goya. 9
Los disparates (Proverbios o sueños).
Con esta serie de grabados Goya huye hacia
lo misterioso y enigmático del subconsciente
humano. Son un conjunto de veintidós estampas
grabadas en el que vemos ya un distanciamiento de
los temas cotidianos; los temas tratados son de
difícil interpretación. Se cree que se realizaron entre
1819 y 1823 y que Goya no los vio publicados en
vida. En 1864 la Real Academia de San Fernando
las publicó con el título de proverbios, tal vez
porque se suponía que explicarían el significado de
algunos refranes populares. 17. La lealtad. Disparates.
e) La etapa final: Goya en Burdeos.
Tras la reinstauración del absolutismo en 1823 y las persecuciones contra liberales y
progresistas, Goya se siente incómodo en Madrid y en
algún momento llegó a estar oculto por miedo a las
acusaciones. En mayo de 1824, con la excusa de
tomar baños en las aguas medicinales del balneario de
Plombières en Francia, solicita permiso a Fernando
VII para abandonar el país. Se asienta definitivamente
en Burdeos con Leocadia Zorrilla y sus hijos. Hace
algún viaje a París. A pesar de contar con casi
ochenta años, su actividad es febril: pinta, estudia,
investiga nuevos procedimientos en grabado
(litografía)... En el año 1826 hace un breve viaje a
España para solucionar su jubilación. Regresa a
Burdeos y allí pinta su última obra: La Lechera de
Burdeos, obra en la que parece que ha rejuvenecido
su paleta, Goya vuelve a colores ya abandonados y
con la utilización de la pincelada ancha anticipa la
técnica de los impresionistas. Murió en abril de 1828
18. La Lechera de Burdeos. 1828. con ochenta y dos años de edad.
III. A MODO DE CONCLUSIÓN: CARACTERÍSTICAS DE LA
OBRA DE GOYA Y SU TRASCENDENCIA.
Como resumen, y a modo de conclusión, una vez
estudiada la obra de Goya y su evolución nos deben quedar
claros los siguientes puntos:
a) Su producción es inmensa. Cultivó todos los géneros
y todos los temas (pintura mural y en lienzo, grabados, dibujos;
temas religiosos y profanos) y en todos dejó huella. Su obra
grabada y dibujada iguala en importancia a la pictórica.
b) Su arte y su técnica no cesan de progresar a lo largo
de su vida. La factura de sus cuadros es cada vez más
desenfadada y libre.
c) Es pintor esencialmente colorista. El colorido, primero
terroso, se limpia y llena de luz sintiendo cada vez mayor
entusiasmo por los rojos y las coloraciones intensas. Entrado ya
el siglo XIX, el negro va ganando terreno en su paleta. 19. Autorretrato de Goya.
1815.
Goya. 10
d) Tiene decidida vocación naturalista y
EVOLUCIÓN ARTÍSTICA DE
huye del idealismo. Sus obras empiezan
reflejando el tema amable de la vida rococó GOYA.
(primeros tapices), pero se va imponiendo y (Esquema resumen).
domina el tono realista.
e) Imaginación extraordinaria, partiendo A) Sus primeras obras: Goya pintor
del comentario satírico y humorista de la religioso.
B) El periodo 1774-1792: Goya pintor de
realidad, llega a deformarla y a complacerse en tapices. Otras obras.
lo monstruoso y en lo puramente fantástico. Goya pintor de cartones para
f) Desde el punto de vista filosófico y tapices.
moral, Goya supone una crítica pesimista y dura Otras obras de esta etapa.
del ser humano, sus ambiciones, su crueldad, y C) La obra de Goya de 1792 a 1807.
todo ello con una visión irónica. Los caprichos (1797-1799).
g) Su obra es un documento Frescos de S. Antonio de la Florida
fundamental de la historia de España: la realidad (1798).
histórica y pictórica se entrelazan en ella más Goya como retratista.
que en otros pintores. D) Goya durante la guerra de la
h) Es la síntesis genial de la época en Independencia (1808-1814).
que vivió, pero, sobre todo, el iniciador de uno Los desastres de la Guerra (1808-
de los cambios más rotundos en la historia del 1811).
arte. En varios aspectos es precursor de la Cuadros sobre el inicio de la
Guerra pintados en 1814.
pintura moderna:
E) Goya y el retorno de Fernando VII
1. Precede al romanticismo, porque da (1814-1823).
una nueva forma de expresar los sentimientos, Tauromaquia (1814-1816).
introduciendo el análisis psicológico y porque Pinturas negras (1819-1823).
convierte a Disparates (1819-1823).
la masa F) La etapa final: Goya en Burdeos (1824-
anónima, a 1828).
la multitud
en la
20. Esquema resumen para facilitar el
protagonista estudio de la evolución artística de Goya.
de muchos
de sus cuadros.
2. Anticipa el impresionismo en su tratamiento de la
luz.
3. Antecede al expresionismo porque sacrifica la
forma, el detalle a aquellos rasgos que sirvan para resaltar la
expresión; simplifica las figuras, insiste en las masas
esenciales.
4. Abre las puertas del surrealismo, por su reflejo
del mundo subconsciente.
i) Este profundo carácter de la obra de Goya ha dado
21. Tu que no puedes. a ella y a su autor el significado universal que hoy detenta.
Caprichos.
