Griego Clásico
Sus principales ejemplares son los templos religiosos de grandes dimensiones construidos en
piedra, proyectados a partir de principios de orden, simetría, geometría y una creación de
perspectiva. Una característica marcante de su expresividad son las columnas, que establecieron
lo que se conoció como los "órdenes" arquitectónicos dórico, jónico y corintio.
Para identificar el estilo griego es muy simple, el uso de columnas y capiteles (Pieza decorada con
diferentes molduras que corona el fuste de una columna) era algo habitual. Les encanta la piedra
caliza y el mármol.
ORDENES ARQUITECTONICOS
DORICO JONICO CORINTIO TOSCANO COMPUESTO
Dórico: con líneas rudimentarias y estética basada en las proporciones del cuerpo masculino y su robusto
arquetipo, se empleó en edificios griegos en honor a las deidades masculinas. Enla arquitectura griega, el diseño de
los capiteles también se organiza en función de la distribución de las cargas a la columna, por lo que, a través de su
diseño simplificado, el orden dórico se adapta a edificios más bajos, ya que su altura es 8 veces su ancho.
Jónico: Con líneas orgánicas ligeras y fluidas, este orden alude a las líneas del cuerpo femenino, caracterizandola
"esbeltez femenina“. En la composición del capitel, se observan influencias orientales, como tallados de hojas de
palma, papiro y hojas vegetales, posiblemente inspiradas en la arquitectura egipcia. Las columnas son
aproximadamente nueve veces más altas que anchas - una anchura mayor que la del Orden Dórico.
Corintio: Como el estilo más refinado de los tres modelos basados en el diseño griego, este orden presenta una
serie de detalles y diseños altamente pensados y elaborados para imitar la "figura delgada de una niña", como lo
explica Vitruvio. Brotes y hojas de acanto caracterizan el dibujo tridimensional de la piedra escultórica. Es diez
veces más alto que ancho, la más delgada de las tres columnas.
Toscano: concebido por los romanos, este orden es una reinterpretación del orden dórico. Con una altura de siete
anchos de columna - un ancho menor que la columna dórica - presenta simplicidad en su forma y, por lo tanto,
también simplicidad en su estructura. Es "adecuado para fortificaciones y prisiones". A diferencia de los tres
modelos de origen griego, donde el fuste está estriado, en este orden el fuste es liso, buscando la simplificación.
Compuesto: desarrollado a partir de la unión de las órdenes jónicas y corintias clásicas, esta orden es la más
elaborada de las cinco órdenes arquitectónicas. Con volutas jónicas y brotes y hojas de acanto corintios, este orden
presenta una superposición de adornos. La altura, por lo general, es de diez anchos de columna.
ROMANICO
Generado en Europa entre los siglos VI y XI, este estilo arquitectónico tiene una importante relación con el
contexto histórico en el que se inserta. En un momento en que los países europeos luchaban entre sí y se
protegían de invasiones, las construcciones inspiradas en la arquitectura de la Roma Antigua Republicana se
caracterizaban por tener paredes gruesas y resistentes con aberturas mínimas en arcos semi-circulares. Sus
principales ejemplares fueron las iglesias construidas en el período, teniendo como representante del estilo la
Catedral de Santiago de Compostela, en España, una obra de planta en cruz con naves en forma de bóveda
construidas en piedra.
Capiteles: vegetales, geométricos y figurativos.
Muros: reforzados con contrafuertes, para sostener el peso de
las bóvedas.
Ventanas: abocinadas.
Pórticos: abocinados y decorados.
Arquivoltas: decoradas con motivos geométricos (dientes de
sierra, ajedrezado).
Dintel: con parteluz.
Tímpano: decorado con temas del Antiguo y Nuevo Testamento.
Pantocrátor: representación de Cristo como juez supremo.
Tetramorfos: a los lados del Pantocrátor se representan los símbolos de los cuatro evangelistas;
Mateo (ángel), Marcos (león), Lucas (toro) Juan (águila).
La arquitectura gótica es un estilo arquitectónico surgido en Europa, concretamente en Francia. Un tipo de arquitectura que tuvo origen en
las reformas religiosas del abad Bernardo de Claraval, quien incidía en la necesidad de la elevación hacia los cielos para estar más cerca de Dios,
además de creación de espacios llenos de luz para vivir esa nueva espiritualidad.
La arquitectura gótica arranca a mediados del siglo XII hasta finales del XV, momento en el que se pasa de la Edad Media a la Moderna. Su estética
apuesta por la verticalidad mediante elemento constructivos como los arcos ojivales los techos abovedados, los vitrales, los rosetones, arbotantes,
estribos y contrafuertes; además de utilizarse la escultura como recurso decorativo en las arquivoltas de las portadas, techos, ventanales, etcétera.
Renacimiento
La simetría es la clave del renacimiento. Cúpulas clásicas y arcos de medio punto que
sustituyen al estilo gótico de la edad media.
El Renacimiento es una era del renacer, del despertar del medievo y el gótico, asimétrico y
ornamentado, a un estilo inspirado en los edificios simétricos y proporcionados de la Grecia y
la Roma clásica.
Base ideológica: el HUMANISMO, donde el hombre vuelve a convertirse en el centro del
mundo, existiendo un mayor interés por el hombre, medida de todas las cosas
(antropocentrismo), frente al teocentrismo medieval.
Los valores más importantes de una obra de arte son la belleza y la perfección.
El arte se convierte en una actividad intelectual y abandona su carácter artesanal.
Pierde su carácter anónimo y el artista firma y define su obra como algo propio .
La obra de arte es entendida como un todo unitario y pierde el carácter fragmentado del gótico
que representaba varias escenas que debían de ser leídas sucesivamente
SIMETRIA
PERFECTA • Tuvo su origen en la ciudad de Florencia.
• Su carácter fue mas profano que el gótico.
PROPORCION • Se inspira en la arquitectura clásica.
FRONTIS
• Busca ordenar las ciudades del medioevo, se
TRIANGULAR comienza a planificar en busca de una
“ciudad ideal”.
• Se emplean proporciones modulares.
• La arquitectura es SIMETRICA.
• Aparece el rosetón en el centro.
• Se corona con cupulas o tímpanos.
• Domina la horizontalidad frente a la
ARCO DE verticalidad del gótico.
MEDIO PUNTO • Sus arcos son de medio punto (semicírculos).
• Se inspiro en la antigua roma, con las
cupulas, cubiertas de techo de madera, y
bóveda de cañón corrido.
• Los dinteles cuadrados, los frontones
triangulares, los arcos, los nichos con
esculturas y los domos.
• Las ventanas y puertas se disponen de forma
Basílica de Santa Maria Novella. simétrica.
La fachada, finalizada en 1470 por Leon Battista Alberti
BARROCO
En su origen el concepto "barroco" era un adjetivo despectivo sinónimo recargado y exagerado. Se
consideró la decadencia del clasicismo renacentista, siendo el manierismo la etapa de transición entre
ambos.
Contexto HISTORICO: Contrarreforma. Tras el concilio de Trento (1545-63) la Iglesia Católica necesita
recuperar seguidores y por eso buscó un arte que fomente la espiritualidad. En Roma aparecen las
características definitorias del barroco que siguen la línea marcada por el manierismo, pero sustituyendo
su simbolismo y su idealismo por un marcado naturalismo.
•El tema religioso fue dominante. Se abandona escala humana y se prefieren las proporciones gigantes
para que el devoto se sienta empequeñecido frente a lo divino.
•Decoración profusa (contra el Renacimiento) que busca impresionar.
•Naturalismo (contra el manierismo) preferencia por lo inmediato y lo cotidiano y realismo (piel y ropa)
se busca la cercanía.
•Dramatismo se busca expresar sentimientos y estados anímicos, transmitir emoción. Se destaca
el Pathos (emociones incontrolables) sobre el hete (emociones controladas)
•Teatralidad (composiciones escenográficas) La escultura , la arquitectura y la pintura se complementan.
La arquitectura sirve de escenario para la escultura.
•Búsqueda del movimiento con una preferencia por lo curvilíneo (como el manierismo) y
por superficies ondulantes para expresar movimiento y tensión, ruptura con el equilibrio clásico.
•Fuertes contrastes cromáticos y luminosos que buscan centrar la atención.
Por otra parte los monarcas absolutistas buscan instrumentos de propaganda. En países absolutistas
católicos, sobre todo en Francia, el arte en Francia fue menos barroco y más clasicista. En Francia
esplendor de la monarquía francesa promovió un arte deslumbrante y lujoso con sus palacios, lo que
fue imitado por el resto de países. En arquitectura, escultura y pintura vemos como en cada país se
oscila entre dos tendencias: ruptura con el renacimiento (el barroco propiamente dicho) o continuación
(el clasicismo) o lo único en común entre ambos es la decoración profusa.
Características de la arquitectura barroca
Barroco rompe el equilibrio clásico, busca el efecto de masa en movimiento, que parece modificarse
forma de lograrlo:
Abandono líneas rectas y de las superficies planas por curvas y superficies partidas y ondulantes. Vanos
ovalados, entablamentos curvos, en fachada elementos cóncavos (entrantes) convexos
(salientes), frontones rotos o partidos, arcos elípticos, mixtilíneos. Se usan elementos renacentistas
pero en esquemas complejos y movidos.
Columnas salomónicas con fustes retorcidos (giro helicoidal o en espiral) y estípetes (forma pirámide
invertida) y columnas de orden gigante combinadas con columnas más pequeñas.
•Fachadas cóncavas y convexas, con entrantes y salientes, cornisas muy marcadas. Sin relación con la
estructura.
•Plantas diversificadas: elípticas (San Andrés del Quirinal, Roma), ovales, o incluso derivadas de
complicados trazos geométricos (San Carlos, Viena, San Felipe Neri, Turón, Iglesia de Banz y de Wies).
Las naves laterales se convierten en capillas.
•Entrecruzamientos de arcos en cúpulas como en cúpula de San Lorenzo en Turín
•Uso de falsas bóvedas o cúpula encamonada hecha con materiales de poco peso como cañas y
maderas.
•Importancia de la luz evita el planismo. Efectos lumínicos que se concentran en puntos y se diluyén en
otros. (Cabecera de iglesia de San Lorenzo en Turín)
• Con foco desde ventanas, claraboyas, puertas, en pintura con rayo de luz
• Claroscuro favorecido por contraposiciones de pronunciados salientes y bruscos entrantes.
•Concentración de la atención en la parte central, en donde se destacan las formas curvas
• Fachadas con un gran portal, pequeño pórtico sobre ella.
•Recursos ilusionistas, trampantojos, espacio interior sin límites claros, falsos cielos reflejando escenas
de gloria y triunfo.
•Variedad de materiales: sillares, mármol, bronce para decorar.
BARROCO
Existe un Interés por el entorno urbanístico y por el ordenamiento de la ciudad
(plazas mayores, jardines, fuentes, etc.) Las plazas se sitúan en puntos que articulan los ejes viarios,
como la plaza de España en Roma (Francesco De Sanctis), remodelación de la plaza Navona (con la
fachada de San Inés de Borromini y la fuente de los cuatro ríos de Bernini) la plaza de San Pedro
(Bernini)
Palacios con jardines de dos tipos: geométricos siguiendo el modelo francés (la mayoría) y con jardines
no geométricos, sino irregulares y de apariencia salvaje en Inglaterra.
En Italia en barroco fue eminentemente religioso, Gian Lorenzo Bernini: El Baldaquino (gran dosel de
bronce) San Pedro del Vaticano, la iglesia de San Andrea del Quirinal (Roma, plata ovalada, fachada
cóncava pórtico convexo) y gran columnata en la plaza de San Pedro del Vaticano (4 filas de columnas
toscanas de orden gigante formando una zona ovalada frente a otra trapezoidal) , palacio Barberini
(Roma, escalera interior de Borromini)
En Francia el barroco fue eminentemente cortesano y palaciego y de tendencia clasicista. Los palacios
no estaban orientados hacia la calle como el italiano, sino hacia el jardín.
Jules Jardouin-Mansart (con Luis XIV, 2ª mitad s. XVII) fachada del palacio del Louvre, Palacio de
Versalles (jardines de Le Notre) y Palacio de los Inválidos (planta ovalada y fachada quebrada al estilo
barroco.
TORRE EIFFEL
La Torre Eiffel es una estructura realizada con hierro pudelado (hierro forjado), cuyo diseño es obra de
Maurice Koechlin y Émile Nouguier. Su construcción tuvo una duración de dos años, dos meses y cinco días,
concretamente, entre julio de 1887 y marzo de 1889. Esta labor fue realizada por el ingeniero Gustave
Eiffel. La inauguración del monumento tuvo lugar el31 de marzo de 1889.
En un principio recibió malas críticas de algunos artistas, ya que la concebían como un “monstruo de
hierro”. No obstante, tuvo un éxito popular inmediato, gracias a que se incluyó en la Exposición Universal
de París. Esta exposición se celebró en 1889 y tenía como fin celebrar el centenario de la Toma de la
Bastilla, símbolo del inicio de la Revolución francesa.
MUSEO LOUVRE
El Museo del Louvre, está ubicado en la orilla derecha del río Sena, en París. El edificio que lo alberga,
el Palais du Louvre (hasta 1682 residencia de los reyes de Francia), constituye uno de los mayores
palacios del mundo y ocupa el lugar donde se erigía una fortaleza del siglo XIII.
El enorme complejo ocupa una superficie de 19 hectáreas.
El Palais du Louvre se levanta en los terrenos de un castillo de la Edad Media, del cual se conservan los
cimientos y parte del foso. Sobre esta edificación se asentó uno de los mayores palacios reales de
toda Europa; El gusto del monarca se decantaba por el Renacimiento italiano, estilo que empleó
Lescot para realizar un edificio clásico organizado alrededor de un patio cuadrado, el Cour Carré. Esta
construcción constituye la primera ampliación del Louvre, puesto que en 1595 se unieron ambas
residencias.
Un segundo bloque de remodelaciones corresponde al siglo XVII, durante el cual se produjeron
alternativamente un abandono de la residencia, que se convirtió en un mercado repleto de chabolas
adosadas a los muros, y la restauración de la fachada ordenada por Luis XIV. Estas obras son las que
marcan la estética actual del edificio, sujetas al estricto Barroco francés. La intervención tuvo lugar
entre los años 1667 y 1670. La última obra histórica tuvo lugar en 1800, bajo el reinado y el impulso
personal de Napoleón Bonaparte. Ordenó construir el gran arco triunfal frente a la fachada, el
llamado Arc du Carrousel; Las obras las remataría Napoleón III, sobrino del emperador, con el ala
norte en paralelo a la del Sena, lo que dota de simetría al conjunto. En 1981, como parte de un vasto
proyecto que se prolongaría hasta 1997 (Le Grand Louvre), el arquitecto chino–norteamericano Ieoh
Ming Pei fue comisionado para diseñar una nueva zona de recepción y mejorar el acceso al museo. La
Pirámide fue inaugurada oficialmente el 30 de mayo de 1989 coincidiendo con el bicentenario de la
Revolución Francesa. Cuando el Presidente Francois Mitterand eligió la propuesta del arquitecto Pei
para realizar el proyecto, este optó por la construcción de una pirámide vidriada, rodeada de fuentes,
en el corazón mismo del Cour Napoléon.
No es muy conocido el hecho que una pirámide barroca había sido ya propuesta para la celebración
del centenario de la Revolución Francesa, y es muy posible que Pei lo haya conocido al optar por esta
forma para su proyecto del bicentenario.
Construida con las mismas proporciones de la pirámide de Keops, toda en acero y vidrio, es el portal
de acceso principal y oficial al Louvre. Alcanza una altura de 20,6m y su base cuadrada es de 35m de
lado. Sus caras están cubiertas por 603 paños de vidrios romboidales y 70 triangulares.
PLAZA SAN PEDRO
En realidad, la plaza se compone de dos plazas tangentes, una de forma trapezoidal y otra elíptica. La forma
trapezoidal corrige la deformación que nuestro ojo produciría al contemplar ese cuerpo desde la plaza. El
espectador, desde la plaza, ve los dos brazos paralelos. Las dos alas laterales, si
fueran paralelas parecerían convergentes y la fachada de la basílica se mostraría lejana, casi separada del
gran espacio de la plaza. Gracias a esta disposición, Bernini invierte la perspectiva; la percepción de
la distancia se desvanece y la fachada parece estar más cerca.
El diseño de la plaza simboliza al pontífice coronado con la tiara (cúpula de San Pedro) y con los brazos
abiertos, acogiendo a toda la cristiandad.
Bernini se había decidido por un espacio abierto de tamaño colosal y forma elíptica y, teniendo en cuenta
los costos, Bernini optó por aprovechar la edificación laberíntica y descuidada de la Edad Media para
bloquear toda vista del Vaticano desde lejos. De esta manera, los peregrinos salían de la relativa oscuridad
de la ciudad para experimentar súbitamente la luz del enorme espacio de la plaza de San Pedro: un recurso
utilizado durante el estilo Barroco para provocar sorpresa, característica fundamental de este periodo.
Pero entre 1936 y 1950 se construyó la Via della Conciliazione (avenida de la Conciliación) que tiene
aproximadamente 500 m de longitud y que conecta la plaza de san Pedro con el Castillo de Sant'Angelo en
la ribera occidental del río Tíber. Así se modifica el plan barroco y esta vía se convierte en el el principal
acceso a la plaza.
La gran calle encolumnada
requirió la demolición de
toda la «spina» del Borgo
entre la basílica y el
castillo. La demolición de
la «spina» del Borgo la
inicio simbólicamente el
mismo Mussolini
golpeando al primer
edificio con una piqueta el
29 de octubre de 1936.
Se trata de la catedral de Florencia. Santa María de las Flores (Santa María dei Fiori) es una catedral gótica,
iniciada en 1296 por el arquitecto Arnolfo di Cambio y continuada desde 1331 por Giotto di Bondoni, quién
realizó su bello campanile exento, y posteriormente por otros arquitectos.
La catedral tiene planta de cruz latina con tres naves. Como es típico en el gótico italiano, tiende a la
horizontalidad y a la policromía, al intercalar hiladas de piedra y mármol. Se tardó 25 años en completar la
cúpula cuando la catedral llevaba ya 130 años en obras.
Tras finalizar las obras, resultó ser la catedral más grande de Europa, con una capacidad para 30.000
personas. En la actualidad sólo es superada, en tamaño, por la Basílica de San Pedro en el Vaticano, la
Catedral de San Pablo en Londres, la Catedral de Sevilla y la Catedral de Milán.
La nueva iglesia fue diseñada por Arnolfo di Cambio en 1296 para ser el templo católico más grande del
mundo.
Diseñó tres anchas naves que morían bajo la cúpula octogonal, con la nave central cubriendo la superficie
de Santa Reparata. Sin embargo debido a la prosperidad en la que se encontraba inmersa la ciudad
de Florencia famosa por sus comercios con la lana y la seda se decidió ampliar el proyecto de Arnolfo.
Para su ampliación no se introdujo ninguna modificación ni en el diseño ni en la estructura, simplemente se
cambió la escala del proyecto original. Nadie reparó en aquel momento, debido a la euforia y riqueza que
invadían la ciudad, en las dificultades técnicas que conllevaría cubrir el espacio central ortogonal que tras el
cambio de escala era de 42 metros.
Tras la muerte de Arnolfo di Cambio la obras se ralentizaron y llegaron a detenerse hasta que en 1334, se
nombró a Giotto como maestro de obras. Asistido por Andrea Pisano, continuó el diseño de Arnolfo di
Cambio. Su triunfo mayor fue la construcción del campanario, pero murió en 1337, dejando inacabada la
obra. Andrea Pisano continuó con los trabajos hasta que éstos tuvieron que abandonarse a causa de la
Peste negra en 1348.
Superada la epidemia de la peste negra la población europea se vio reducida a la mitad por lo que la gente
que antes de tan fatal acontecimiento contaba con algún poder lo vio incrementado, al igual que sus
riquezas. Sencillamente había menos para repartir.
Ciertos mercaderes venidos a más que acumularon grandes riquezas comenzaron a prestar su dinero dando
lugar a lo que podríamos denominar la primera banca. Fueron estas familias adineradas las que procuraron
los fondos para convocar el concurso para cubrir la catedral de su ciudad.
El concurso para la cúpula
En 1418 fue convocado el concurso para cubrir la catedral de la ciudad. Se presentaron varias propuestas
algunas de ellas totalmente descabelladas pero que fueron la única solución concebida por algunos de los
arquitectos de la época para cubrir una luz semejante.
Se propuso situar una columna central para sostener la cúpula o incluso rellenar la catedral de tierra para
luego ser moldeada y utilizada de apoyo para la construcción de la cúpula. Según el autor de esta propuesta
una vez finalizada la obra los pobres de la ciudad se encargarían de vaciar la catedral de arena ya que
durante el relleno se mezclarían monedas con la tierra.
Se cree que Brunelleschi llevaba ya años trabajando en este proyecto a la espera de que se convocase el
concurso tarde o temprano y fue el único que consiguió presentar una propuesta firme con un plan de
acción estudiado. A él le otorgaron el premio con la condición impuesta por los gremios de que compartiese
la dirección de la obra con Ghiberti. Brunelleschi aceptó muy astutamente la condición. Algunos años más
tarde ya durante la ejecución de la obra Brunelleschi fingió caer enfermo durante varias semanas dejando a
Ghiberti al mando de la obra. Cuanto más se extendía la ausencia de Brunelleschi más evidente se hacía la
incapacidad de Ghiberti para llevar a buen puerto el proyecto y por eso fue a apartado cediendo en el 1423
la dirección de la obra a Brunelleschi en exclusiva.
El concurso para la linterna
En 1440 con la cúpula casi finalizada se decide convocar un nuevo concurso para decidir como deberá ser
coronada la obra. Brunelleschi se siente ofendido por este hecho y presenta la maqueta de su propuesta
que finalmente resulto también ganadora.
Situación
Santa María del Fiore está en la plaza del Duomo, en el centro histórico de Florencia, Italia. Enfrentada
con el Baptisterio de San Giovanni y custodiada por el Campanile en esta plaza convergen numerosas calles
comerciales de dicho centro, tales como Via del Servei, Via Ricasoli, Via Martelli, Via Ginon por la que se
llega a la Basílica de San Lorenzo y Via Calzaiuoli, una de las arterias comerciales más importantes de la
ciudad. Florencia es una de las joyas renacentistas de la región de Toscana, en Italia.
La fachada original, diseñada por Arnolfo di Cambio y normalmente atribuida a
Giotto, fue, de hecho, comenzada veinte años después de la muerte de Giotto.
Esta primera fachada se debe al esfuerzo colectivo de varios artistas, entre ellos
Andrea Orcagna y Taddeo Gaddi, y fue sólo completada en su parte baja, después
fue abandonada. En 1587-1588 el arquitecto de corte de los Médici Bernardo
Buontalenti, la demolió por orden del Gran Duque Francisco I de Médicis, ya que
parecía no estar de moda en los tiempos del Renacimiento. El concurso para una
nueva fachada terminó con un gran escándalo de corrupción. Varios diseños
nuevos fueron propuestos en años posteriores, pero los modelos no fueron
aceptados. La fachada se dejó, por tanto, descubierta hasta el siglo XIX.
En 1864 se abrió un concurso para diseñar una fachada nueva resultando
ganador Emilio De Fabris (1808-1883) en 1871. El trabajo comenzó en 1876 y se
terminó en 1887. Esta fachada neo-gótica en mármoles blancos, verdes y rosas
forma una unidad en armonía con la catedral, el campanario de Giotto y el
Baptisterio, pero está excesivamente decorada.
La linterna, con sus 16 metros de altura y un peso aproximado del 10% de
total de la cúpula, es una pieza clave en el conjunto arquitectónico. Hasta
aquel momento las linternas eran pequeñas o inexistentes. Está inspirada en
los templos circulares de la Roma Imperial y abierta a los vientos. Está
diseñada como el remate indispensable a una cúpula apuntada y es una
especie de punto de fuga de la perspectiva de la catedral.
Se podría decir que la linterna es un resumen de todo lo que sucede debajo
de ella. Es como una maqueta de la catedral completa, con sus contrafuertes,
diseñada en estilo gótico, con planta octogonal y consagrada a Santa María
de las Flores al igual que la catedral. Finalmente con la construcción de la
linterna diseñada por Brunelleschi la cúpula pasa a tener la misma dimensión
en planta que en sección, la misma altura que anchura, el mismo camino para
los hombres que para Dios.
