FOTOGRAFÍA DEFINICIONES

TEMA 1: PARTE TÉCNICA

TRIÁNGULO DE EXPOSICIÓN:
https://youtu.be/_oxhP6rtMKw
Es un triángulo de relación de 3 valores: velocidad de obturación,
sensibilidad ISO y apertura de diafragma. En función de la relación entre ellos
obtendremos un resultado u otro al tomar la fotografía. A continuación
definimos estos 3 valores:

Velocidad de obturación: https://youtu.be/9FMQWRzskNk

El obturador es lo que se interpone entre el sensor de la cámara y la luz.
Durante el tiempo que se mantiene abierto el obturador, el sensor o la película
está expuesta a la luz. Cuando capturamos un objeto en movimiento con un
tiempo de exposición alto, es decir una velocidad lenta, este dejará una estela
de movimiento, y si el tiempo es muy corto, es decir, velocidad rápida, este
aparecerá congelado y definido. Su valor se representa como una fracción de
segundo.
Sensibilidad ISO: https://youtu.be/iW7HnQllYPU
Es la sensibilidad a la luz que tiene el sensor (ISO es una convención,
existen otras como ASA). A mayor ISO se necesita menor cantidad de luz para
que una imagen quede correctamente expuesta y viceversa. A mayor
sensibilidad a la luz (mayor ISO), mayor ruido (grano) que aparece en la imagen,
por lo que hay que intentar disparar con la menor ISO posible.
En las películas químicas el ruido está relacionado con el tamaño de los
cristales de las sales de plata, a más ISO, más grande el cristal de sal de plata,
por tanto más grano. En digital se denomina ruido.

Apertura de diafragma: https://youtu.be/hilw-BSAIq0

El diafragma es el orificio que regula la cantidad de luz que le llega al
sensor, y se encuentra en el objetivo. Su tamaño se expresa como una relación
entre el diámetro de apertura y la longitud focal.
Por ejemplo: f8 quiere decir que el diámetro de la apertura del diafragma
es ⅛ de la distancia focal.
A mayor apertura, más luz llega al sensor y se reduce la profundidad de
campo.
A menor apertura, menos luz llega al sensor y se amplía la profundidad
de campo.

Distancia focal: https://youtu.be/xy0G2e-Th9o

Es una característica muy importante del objetivo.
Se define como la distancia entre el centro óptico de la cámara y el sensor
(se mide en mm). Al aumentar la distancia focal, los objetos aparecen más
grandes en la fotografía (y viceversa). Si el objetivo es fijo sólo puede variar el
tamaño de los objetos acercándonos o alejándonos de ellos.
Cuando hacemos zoom in o zoom out estamos variando esta distancia focal, este
tipo de objetivo es variable, cuando usamos una distancia focal alta con
objetivos zoom los planos aparecen apelmazados.
*Hay objetivos con distancia focal fija y distancia focal variable (zoom), tienen
capacidad para alterar la distancia focal. El objeto se acerca hacia nosotros por
medio de cerrar el ángulo de visión.
Número f/ de un objetivo:
El número f/ es una medida estandarizada internacionalmente (basada
en la relación existente entre la Distancia focal y el diámetro de apertura
efectivo) que nos indica con precisión cuál es la Apertura del Diafragma de
nuestro objetivo, y por tanto nos sirve para medir con precisión la cantidad de
luz que ingresa al sensor.
Cuanto menor sea el número f/ más grande va a ser la Apertura del
Diafragma de nuestra cámara, y cuanto más grande sea el número f/ más
pequeña será la apertura del objetivo, y de ello se derivan importantes
diferencias.
Un objetivo luminoso, tendría un número f/ de 1.4 o 1.8, incluso f/2.8,
hasta f/4, su característica más evidente es que permite la entrada de mayor
cantidad de luz, lo cual es muy útil en situaciones de poca luminosidad.
Además este objetivo hace que podamos trabajar con un foco selectivo,
elegimos qué parte queremos que destaque, basta con enfocar ese objeto y
desenfocando el resto para evitar que en el cuadro están presentes objetos que
nos distraigan. de este modo tenemos un Bokeh muy agradable. Un diafragma
abierto por tanto, genera una pequeña zona de nitidez, debido a la poca
profundidad de campo, por ello produce el fondo un desenfoque o bokeh.
Cuando utilizamos un diafragma muy cerrado, con un número alto, por
ejemplo f/16 permite tener una gran profundidad de campo, aporta gran nitidez
y nos permite tener todos los objetos a foco.
Distancia Hiperfocal: https://youtu.be/_oxhP6rtMKw
 La distancia hiperfocal es la distancia en la que conseguimos mayor zona
enfocada en la imagen, es decir, mayor profundidad de campo en la escena. Esta
es una de sus definiciones más clásicas.
En pocas palabras, la distancia hiperfocal es el punto de enfoque de
nuestra lente donde todo está razonablemente nítido desde la mitad de esa
distancia hasta el infinito. Enfocar a un punto más cercano causará una pérdida
visible de nitidez en la imagen.
Imagina que quieres fotografiar a una persona en un paisaje, en plano
general. Evidentemente enfocaremos a la persona, pero queremos que
nuestro paisaje quede lo más definido posible. Por mucho que ajustemos
nuestros parámetros para conseguir una profundidad de campo amplia, lo
cierto es que no conseguiremos que nuestro paisaje de fondo quede definido
del todo. A no ser, claro, que usemos la distancia hiperfocal.

Si continuamos con el ejemplo, imagina que después de calcular la

distancia hiperfocal (que después veremos cómo se hace), nos sale que
debemos enfocar un punto a 6 metros para que el resto de nuestro paisaje
salga nítido. Enfocando a 6 metros, vamos a conseguir que todo lo que esté
por detrás de este punto salga aceptablemente nítido, y que la mitad de esa
distancia (en este caso 3m.) esté nítida también por delante de ese punto.
Así conseguiremos que tanto nuestra persona como el paisaje de fondo
aparezcan nítidos en nuestra fotografía.

La distancia hiperfocal por tanto, sirve para sacar más definido todo el
espacio de la fotografía, algo que se usa mucho en fotografía de paisaje.
Además también se usa mucho en fotografía nocturna, para poder enfocar
correctamente el cielo aunque nos encontremos en completa oscuridad.
Profundidad de campo: Es un recurso de composición excelente. Jugando
con la profundidad de campo tenemos el poder de dirigir la mirada del que
ve nuestra fotografía hacia un lugar concreto de la imagen, o hacia el
conjunto general de la misma. Entendemos por tanto, que es la parte de la
imagen que podemos apreciar cómo nítida o enfocada. La profundidad de
campo depende directamente de la distancia focal y la apertura del
diafragma.

TIPOS DE OBJETIVOS:

Dependiendo del uso, será mejor un objetivo u otro. Veamos a continuación los
diferentes tipos de objetivos que podrás elegir para equiparte.

Ojo de Pez (Fish Eye)

Con focales entre 7 y 17 mm y un ángulo de visión extremo de 180 grados o
superior, este objetivo se caracteriza por la distorsión que resulta en imágenes casi
circulares, producto de su lente curva con forma semiesférica, que impide el uso
de accesorios como filtros o parasoles. Dan un ángulo de visión extremadamente
grande, es que introduce además por la lente frontal, que es casi, semiesférica,
como el ojo de un pez.

Súper Gran Angular:

Tiene focales de menos de 24 mm.

Objetivos Fotográficos Gran Angular:

Con focales de entre 24 y 35 mm y un ángulo de visión inferior al ojo de pez,
estos objetivos tienen un ángulo visual que va de los 60 a los 180 grados. Al igual
que los súper gran angulares, generan una perspectiva distorsionada,
engrandeciendo aquello que esté más próximo a la cámara.
 Suelen usarse para paisajes por su amplia profundidad de campo, como así
también para fotografiar primeros planos de grupo o espacios pequeños en los
que se requiere capturar muchos elementos en la misma imagen, algo posible
gracias a su ángulo de visión amplio.

Los fotoperiodistas suelen elegirlo, ya que su gran profundidad de campo y

ángulo permiten fotografiar, aunque no hayas tenido oportunidad de enfocar o
componer a conciencia.

Otra aplicación de este objetivo es la de combinarlo con fuentes de

extensión en la fotografía macro, colocándolo invertido para lograr la máxima
ampliación posible.

Objetivo Normal:
Esta focal tiene entre 35 y 50 mm y cubre un ángulo de visión de 43 a 56
grados. Se les llama así porque al no distorsionar la imagen, ofrecen la captura
similar al ángulo de visión del ojo humano.

Teleobjetivo:
Con focales de 70 mm o mayor y ángulos de visión inferiores a 31 grados, se
caracterizan por “acercarnos” a objetos lejanos, cerrando el plano. Suelen ser los
elegidos para fotografiar fauna salvaje, naturaleza, deportes e, incluso, retratos de
aspecto naturalmente agradable.

Dada su corta profundidad de campo, estos objetivos resultan perfectos

para diferenciar figura de fondo dejando a este último fuera de foco. También
eliminan la sensación de distancia, ya que los elementos en la imagen quedan
«comprimidos», como pegados sobre un mismo plano.

Hay, a su vez, diferentes tipos de teles:

● Teleobjetivos cortos: con distancias focales entre los 80 y 135 mm.

● Teleobjetivos normales: con focales entre 135 y 240 mm.
Comprenden un ángulo visual entre los 40º y 60º aprox. Estos
objetivos normales se aproximan mucho al campo visual del ojo
humano. Este tipo de objetivo es el que más se utiliza en fotografía y
el que casi por defecto traen las cámaras.
 ● Superteleobjetivos: entre 240 y 500 mm. da una distancia entre 30 a
52 km. Tiene una distancia focal fija, no tiene zoom, es 100 veces más
grande que un objeto real, la distancia mínima de enfoque es de 1200
metros y pesa 100 kilos.
● Ultra Telefotos: focales mayores a los 500 mm.

Macro:
Objetivo luminoso y de sólida construcción, con una distancia focal mínima,
de entre 30 y 200 mm que se utiliza, como su nombre lo indica, para
macrofotografía. Esa mínima distancia permite capturar en tamaño natural, a una
distancia muy corta, objetos muy pequeños, manteniendo la relación 1:1

Algo a tener en cuenta es que cuanto más cerca nos encontremos, menor
será la profundidad de campo, independientemente de la apertura, que es tan
ínfima que se necesitan aperturas como f:16 para tener nitidez en toda la imagen.

Objetivos Fotográficos Todoterreno:

Estos objetivos se caracterizan por cubrir rangos focales amplios de entre 18
y 300 mm, con la ventaja de abarcar ángulos de visión de angulares a teles. Como
contra, no suelen ser objetivos fotográficos luminosos ni de gran calidad debido a la
gran cantidad de elementos que los componen.

En este tipo de objetivos, es recomendable que sean estabilizados para

evitar las fotografías borrosas. Esto hará que el objetivo sea más caro, pero valdrá
la pena.

Objetivos Flou:

Es como una distorsión, una aberración que produce cierto grado de

desenfoque o efecto de halo en la fotografía. Consigue difuminar los contornos de
la imagen sin la necesidad de jugar con la profundidad de campo. Hay por ejemplo
series americanas que quieren mantener ese clima denso en la fotografía grabadas
con este tipo de objetivos.

Objetivos Fotográficos Descentrables:

Son objetivos fabricados para descentrarse tanto horizontal como
verticalmente, obteniendo imágenes sin los efectos de la perspectiva y profundidad
de campo. Por ello, son elegidos para fotografía de arquitectura, así como también
para ciertos paisajes y en fotografía de producto. Los tenemos de dos tipos: Tilt y
Shift.

Se consigue con ellos alterar la profundidad de campo. Es un desplazamiento

del eje óptico que se puede hacer de dos formas, el movimiento Tilt es una
desviación basculante que cambia el ángulo del eje focal, inclinándose. mientras
que el objetivo Shift es en paralelo.

El movimiento Tilt permite un efecto

maqueta, que distorsiona la
profundidad de campo en lugar de
hacer una profundidad de campo líneas
la hace oblicua o de forma lateral.

El Shift lo que permite es un

movimiento en paralelo que también está descentrado respecto al objetivo.
también permite
aberraciones ópticas. amplía
el punto focal y lo que hace
es arreglar las aberraciones.
Es una corrección de
paralaje.

COMPOSICIÓN DE LA IMAGEN FOTOGRÁFICA.

El ser humano lee de izquierda a derecha y de arriba a abajo, con esto
condiciona el modo de leer una imagen fotográfica. la línea de interés será
determinante. la línea conforma no solo la composición sino la propia forma de
las cosas, por ello:
 Las líneas horizontales transmiten calma, equilibrio y estatismo, donde
esté colocado el horizonte será determinante en fotografía.
Las líneas verticales transmiten fuerza, movimiento, solidez, actúan
cortando la perspectiva y profundidad.
Las líneas diagonales aportan dinamismo y velocidad. variando el grado
de las diagonales se consigue un ritmo más o menos vertiginoso.
Las líneas curvas nos marcan también una dirección, pero crean tensión
visual incluso más que las líneas diagonales. de este modo podemos ayudarnos
de ellas para poner en valor un objeto al que queramos potenciar, ganando
expresividad, interés o tensión con nuestra fotografía.
Al hacer una foto debemos tener en cuenta el objetivo a fotografiar, el
protagonista. tener en cuenta el espacio negativo o residual que debemos darle
a este protagonista. a donde dirige la mirada, etc.
Regla de los tercios, interviene la sección áurea, que es una relación de
proporciones que desde el mundo antiguo se considera la más proporcional.
Significa la proporción más bella y armoniosa y está presente en la naturaleza.
Se intenta poner el elemento protagonista en este área para que cobre
importancia. Dividimos el rectángulo del encuadre en tres tercios
proporcionados, tanto vertical como horizontalmente, creando una serie de
líneas maestras y puntos fuertes que aportan armonía y atención a aquellos
objetos que se encuentren alineados con ella.
Los puntos fuertes son los que se encuentran en las intersecciones de las
líneas de tercios. Estas líneas imaginarias equidistantes forman unos campos de
atracción visual sobre los objetos que están sobre la fotografía. La regla de los
tercios por tanto, es dividir el rectángulo que supone el encuadre en partes
proporcionales. Esas intersecciones de las líneas que se crean suponen los
cuatro puntos de atención, donde es recomendable colocar el sujeto principal
para que la fotografía gane toda una serie de cualidades, como son la sensación
de equilibrio, de atractivo y se gana entonces profundidad.
La perspectiva en la fotografía se refiere a la dimensión de los objetos y la
relación espacial entre ellos, también se refiere a la posición del ojo humano en
relación con los objetos en una imagen. tipos:
● ángulo normal: cámara paralela al suelo
● picado: la altura desde donde se toma la fotografía es superior a la de los
elementos. El eje focal apunta hacia abajo.
 ● Nadir. completamente debajo del sujeto, estaría el eje focal
perpendicular al suelo pero desde abajo, lo contrario sería el cenital,
perpendicular al suelo pero desde arriba.

Tipos de perspectiva:
● Perspectiva lineal: líneas horizontales y diagonales que nos dan sensación
de profundidad. amplía el campo de visión y da más fuerza, esto lo
conseguimos con el gran angular. también lo conseguimos con los
ángulos de visión en picado y contrapicado.
● Perspectiva aérea: la perspectiva atmosférica, con los cambios de
tonalidad consiguen la perspectiva. es el efecto del sfumato. se
aprovechan los cambios de color que aporta la luz natural.
● perspectiva forzada. Tenemos como aliada la profundidad de campo, nos
magnifica el tamaño de las cosas a partir de juegos visuales.
● Los horizontes son muy importantes, en función de donde coloquemos el
horizonte tendremos una sensación diferente. también la dirección de la
mirada, etc.
● Regla de los impares, el cerebro busca estas sucesiones numéricas. nos
centramos en lo que está aislado para luego unirlo. tendemos a agrupar
las cosas de tres en tres.
TEMA 2. LA CÁMARA OSCURA
La cámara oscura es un instrumento óptico que es negro y permite obtener
una proyección plana de una imagen externa sobre la zona interior de su superficie.
Constituyó uno de los dispositivos ancestrales que condujeron al desarrollo de la
fotografía. Los aparatos fotográficos actuales heredaron la palabra cámara de las
antiguas cámaras oscuras. Consiste en una caja cerrada y un pequeño agujero por el
que entra una mínima cantidad de luz que proyecta en la pared opuesta la imagen
del exterior. Si se dota con papel fotográfico se convierte en una cámara fotográfica
estenopeica.

Esquema de una cámara oscura del siglo XVIII.

Originalmente, consistía en una sala cerrada cuya única fuente de luz era un
pequeño orificio practicado en uno de los muros, por donde entraban los rayos
luminosos reflejando los objetos del exterior en una de sus paredes. El orificio
funciona como una lente convergente y proyecta, en la pared opuesta, la imagen
del exterior invertida tanto vertical como horizontalmente.
HISTORIA:
Los primeros escritos de la cámara oscura se encuentran en los escritos
chinos del libro de Mozi datados en el siglo IV a. C., atribuidos y llamados así por
Mozi, un filósofo chino y fundador del moísmo. En estos escritos explicaba cómo la
imagen invertida en un "punto de recogida" o "casa del tesoro"se invertía a partir
de un punto interceptado que recogía los rayos de luz. La luz procedente de una
persona iluminada estaría por una parte escondida bajo el agujero y por otra en la
parte superior de la imagen. Los rayos de la cabeza (o parte superior) estarían por
un lado escondidos arriba (justo encima del agujero) y por otro en el lado inferior
de la imagen. Esta es una descripción temprana de la cámara oscura: no hay más
ejemplos conocidos datados antes del siglo XI.9​
El filósofo griego Aristóteles (384-322 a. C.) en el siglo IV a. C., o
posiblemente un seguidor de sus ideas, tocaron la temática de la cámara oscura en
su obra. De él se conserva una descripción del aparato y del fenómeno que le daba
sentido:
"Los rayos del sol que penetran en una caja cerrada a través de un pequeño orificio sin
forma determinada practicado en una de sus paredes forman una imagen en la pared
opuesta cuyo tamaño aumenta al aumentar la distancia entre la pared en la que se ha
practicado el orificio y la pared opuesta en la que se proyecta la imagen".
La observación posterior de este fenómeno dio origen a las teorías de Alhacén.
En el siglo VI, el arquitecto y matemático griego bizantino Antemio de Tralles
(más famoso por ser el co-arquitecto de Santa Sofía) experimentó con los efectos
relacionados con la cámara oscura.14​Antemio tenía una concepción sofisticada de
las ópticas, como pudo demostrarse en el diagrama de rayos luz que construyó en
el año 555 d. C.
La primera descripción completa e ilustrada sobre el funcionamiento de la
cámara oscura aparece en los manuscritos de Leonardo da Vinci, el polímata
italiano (1452-1519). Familiar con el trabajo de Alhacen en traducción latina y tras
un estudio extenso de la visión óptica y humana, escribió la más antigua
descripción de la cámara oscura conocida en escritura especular en un cuaderno en
1502, más adelante publicada en la colección Códice Atlántico (traducida del latín).
Da Vinci estaba claramente interesado en la cámara oscura: a lo largo de los
años dibujó alrededor de 270 diagramas de la cámara oscura en sus cuadernos.
Experimentó sistemáticamente con varias formas y tamaños de aperturas y con
múltiples aperturas (1, 2, 3, 4, 8, 16, 24, 28 y 32). Comparó además el
funcionamiento del ojo con aquel de la cámara oscura y parecía especialmente
interesado en la capacidad de demostrar principios básicos de las ópticas: la
inversión de las imágenes a través de un agujero o pupila, la no interferencia de
imágenes y el hecho de que las imágenes eran "todas en todas y todas en cada
parte".
El último dibujo publicado conocido de una cámara oscura se encontró en el
libro De Radio Astronomica et Geométrica, del físico, matemático y creador de
instrumentos Regnier Gemma Frisius, en el cual describió e ilustró cómo utilizaba la
cámara oscura para estudiar los eclipses solares el 24 de enero de 1544.32​
Gerolamo Cardano, polítama italiano, describió utilizar un disco de cristal
—probablemente una lente biconvexa— en una cámara oscura en su libro De
subtilitate, vol. I, Libri IV. Sugirió utilizarlas para observar "qué tiene lugar en la calle
cuando el sol brilla" y aconsejó utilizar una hoja de papel muy blanca como pantalla
de proyección para que los colores fuesen realistas.34​
El matemático y astrónomo siciliano Francesco Maurolico (1494-1575)
respondió el problema de Aristóteles sobre cómo la luz del sol que brilla a través de
agujeros rectangulares puede formar puntos redondos de luz o puntos de tamaño
creciente durante un eclipse en su tratado Prismi de lumine et umbra (1521-1554).
No obstante, esta obra no fue publicada hasta 1611,35​cuando Johannes Kepler ya
había publicado descubrimientos similares por su cuenta.
El polímata italiano Giovanni Battista della Porta describió la cámara oscura,
la cual llamaba "obscurum cubiculum", en 1558 en la primera edición de su serie de
libros Magia Naturalis. Battista sugirió la utilización de un espejo convexo para
proyectar la imagen en un papel y utilizar esto como dibujo de ayuda. Della Porta
comparó el ojo humano con la cámara oscura: "La imagen se muestra en el ojo a
través del globo ocular como lo es aquí a través de la ventana". La popularidad de
los libros de Della Porta ayudó a expandir el conocimiento de la cámara oscura.​
En su obra de 1567 La pratica della perspettiva, Daniele Barbaro
(1513-1570) describió utilizar la cámara oscura con lentes biconvexas como dibujos
de ayuda y subrayó que la imagen era más vívida si las lentes estaban cubiertas
tanto como para dejar circunferencias en el medio.37​
En su influyente y meticulosamente anotada edición latina de las obras de
Al-Haytam y Witelo Opticae thesauru (1572), el matemático alemán Friedrich
Risner propuso una ayuda de dibujo de cámara oscura portátil, una pequeño
cobertizo de madera ligero con lentes en cada una de las cuatro paredes que
proyectará las imágenes de estas en un cubo de papel situado en el medio de este
cobertizo. La construcción se llevaría a cabo con dos polos de madera.38​ Una
preparación similar fue ilustrada en la obra de Atanasio Kircher de 1645 Ars Magna
Lucis Et Umbrae.
Alrededor de 1575, el cura dominico italiano, matemático y cosmógrafo
Ignacio Danti diseñó un estilo de cámara oscura y una línea meridiana para la
Basílica de Santa María Novella, y más adelante hizo construir un gnomon
gigantesco en la Basílica de San Petronio en Bolonia. El gnomon se utilizó para el
estudio de los movimientos del sol durante el año y ayudó a determinar el nuevo
calendario gregoriano, del cual Dante formó parte de su elaboración, al estar
dentro de la comisión nombrada por Gregorio XIII e instituida en 1582.40​
En su obra de 1585 Diversarum Spectulationum Mathematicarum,41​ el
matemático veneciano Giambattista Benedetti propuso la utilización de un espejo
en un ángulo de 45 grados para proyectar la imagen vertical. Esto hacía que la
imagen estuviese revertida, pero se volvería una práctica común en las siguientes
cajas de cámaras oscuras.37​
 Giambattista della Porta añadió un "cristal lenticular" o lentes binoculares a
la descripción de la cámara oscura en la segunda edición de Magia Naturalis, de
1589. También describió el uso de la cámara oscura para proyectar escenas de caza,
banquetes, batallas, perdidas o cualquier cosa deseada en las calles. Niños
pequeños y animales (por ejemplo renos hechos de madera, osos salvajes,
rinocerontes, elefantes y leones) podían formar parte del set.
La primera utilización del término "cámara oscura" se encuentra en el libro
"Ad Vitellionem Paralipomena", del matemático, astrónomo y astrólogo alemán
Johannes Kepler. Kepler descubrió la utilización de la cámara oscura recreando su
principio con un libro reemplazando un libro brillante y enviando hilos desde sus
bordes a través de una apertura en una mesa sobre el suelo, donde los hilos
recreaban la forma del libro. También pudo darse cuenta de que las imágenes
estaban "pintadas" de forma invertida y revertida en la retina del ojo y se figuró que
esto era corregido de alguna manera por el cerebro. En 1607, Kepler estudió el sol
en su cámara oscura y observó una mancha solar, pero pensó que era Mercurio
transitando frente al astro. En su obra de 1611 Dioptrice, Kepler describió cómo la
imagen proyectada de la cámara oscura puede ser mejorada y revertida con una
lente. Se cree que más adelante él utilizó un telescopio con tres lentes para revertir
la imagen en la cámara oscura.
Cuando los alemanes David Fabricius y Johannes Fabricius (padre e hijo)
estudiaron manchas solares con una cámara oscura, se dieron cuenta de que
observar el sol con el telescopio directamente podría ser dañino para la vista. Se
cree que ellos combinaron el telescopio con la cámara oscura, creando el telescopio
de cámara oscura.
En 1612 el matemático italiano Benedetto Castelli escribió a su mentor, el
astrónomo, físico, ingeniero, filósofo y matemático italiano Galileo Galilei sobre la
proyección de imágenes del sol a través de un telescopio (inventado en 1608) para
estudiar las recientemente descubiertas manchas solares. Galilei escribió sobre la
técnica de Castelli al cura jesuita, físico y astrónomo alemán Christoph Scheiner.
Desde 1612 hasta al menos 1630 Cristoph Scheiner continuaría estudiando
las manchas solares y construyendo nuevos sistemas de proyección telescópica
solar. Llamaría a estos sistemas "Heliotropium telescopio", más adelante conocidos
como telescopios. Para los estudios del helioscopio Scheiner construyó una caja
alrededor del final de observación/proyección del telescopio, el cual puede
considerarse la más antigua versión de una cámara oscura tipo caja conocida.
Scheiner también construyó una cámara oscura portable.46​
En su obra de 1613 Opticorum Libri Sex,47​ el jesuita, matemático, físico y
arquitecto belga François d'Aguilon describió cómo algunos charlatanes quitaban el
dinero de la gente afirmando que conocían nigromancia y que alzaron los espectros
del demonio desde el infierno para enseñárselos a la audiencia dentro de un cuarto
oscuro. La imagen de un asistente con la máscara del demonio se proyectaba a
través de lentes en el cuarto oscuro, asustando a los espectadores ignorantes.
Hacia 1620, Kepler utilizaba una tienda de cámara oscura portátil con un
telescopio modificado para dibujar paisajes. A esta se le podía dar la vuelta para
capturar los alrededores por partes.
Se cree que el inventor neerlandés Cornelius Drebbel construyó una cámara
oscura tipo caja que corregía la inversión de la imagen proyectada. En 1622 vendió
una al poeta, compositor y diplomático neerlandés Constantijn Huygens, el cual
solía utilizarla para pintar y la recomendaría a sus amigos artistas. Huygens escribió
lo siguiente a sus padres:
"Tengo en casa el otro instrumento de Drebbel, el cual crea efectos admirables en la
pintura a partir del reflejo en una habitación oscura; es imposible para mí
expresaros esta belleza con palabras; toda la pintura está muerta en comparación,
aquí está la vida misma o algo más elevado si alguien pudiese articularlo así. La
figura, el contorno y los movimientos se unen de forma natural en un estilo
extremadamente placentero".
El orientalista, matemático, inventor, poeta y librero alemán Daniel
Schwenter escribió en su libro publicado en 1636 Deliciae Physico-Mathematicae
sobre un instrumento que un hombre de Pappenheim le había mostrado, que
permitía el movimiento de lentes para proyectar más de una escena a través de la
cámara oscura.
En su obra de 1637 Dioptrique, el filósofo, matemático y científico francés
René Descartes sugirió colocar un ojo de un hombre muerto recientemente (si no
había uno de estas características disponible se utilizaba el ojo de un zorro) en una
apertura en un cuarto oscuro y quitar la piel hacia atrás hasta que uno pudiese ver
la imagen invertida formada en la retina.50​
El filósofo, matemático y astrónomo jesuita italiano Mario Bettinus escribió
sobre la creación de una cámara oscura con 12 agujeros en su obra Apiria Universae
Philosophiae Mathematicae (1642). Cuando un soldado se situaba frente a la
cámara, un ejército de 12 personas haciendo el mismo movimiento serían
proyectadas también.
El fraile y matemático francés Jean-François Niceron (1613-1646) escribió
sobre la cámara oscura con lentes convexas. Explicó cómo la cámara oscura podía
llegar a ser utilizada por pintores a fin de adquirir la perspectiva perfecta en sus
trabajos. También se quejaba de cómo los charlatanes abusaban de la cámara
oscura para burlarse de los espectadores y hacer que estos creyeran que las
proyecciones eran magia o ciencia oculta. Estos escritos se publicaron en una
versión de La perspective curieuse (1652).
 La cámara oscura fue utilizada antiguamente como ayuda para el dibujo. La
imagen, proyectada sobre papel u otro soporte, podía servir de pauta para dibujar
sobre ella. Posteriormente, cuando se descubrieron los materiales fotosensibles, la
cámara oscura se convirtió en cámara fotográfica estenopeica (la que usa un simple
orificio como objetivo).
Estas cámaras estaban muy limitadas por el compromiso necesario al
establecer el diámetro de la abertura: suficientemente reducido para que la imagen
tuviera una definición aceptable; suficientemente grande para que el tiempo de
exposición no fuera demasiado largo.
El uso de la cámara oscura supuso un gran impulso para idear la manera de
producir imágenes permanentes y automáticas. Puede ser considerado como lo que
proporcionó las bases de lo que hoy se conoce como la fotografía.

A lo largo de la historia han existido pintores, artistas y eruditos que

emplearon instrumentos ópticos como la cámara oscura para la creación de sus
obras. Dos de los primeros en utilizar este artefacto en el ámbito de la pintura
fueron el alemán Alberto Durero y el italiano Leonardo da Vinci en los siglos XV y
XVI, con la cual dibujan de forma primaria los elementos que en ella se reflejan.
A partir de ese instante, la cámara oscura pasaría a ser utilizada como
herramienta auxiliar de la pintura y el dibujo, con su posterior expansión por toda
Europa. No sólo emplearían la cámara oscura, sino que también utilizarían otros
artilugios del campo de la óptica como la cámara lúcida o los espejos convexos en el
caso de los pintores románticos para la proyección de imágenes sobre lienzos.
El modelo de cámara oscura empleada por los pintores del Renacimiento
adquiere unas dimensiones de una habitación, con el objetivo de que el pintor se
introdujera en ella y pudiera dibujar en su interior aquello que se reflejaba desde
fuera. Para que funcionara, se situaba un papel translúcido en la parte posterior,
enfrente del orificio por donde entraba la luz, el cual debía de ser de proporciones
reducidas para lograr que la imagen se formará correctamente, de lo contrario era
imposible obtener una imagen detallada y nítida que permitiera una representación
cercana a la realidad de las cosas.
Esta teoría de que muchos pintores renombrados como Van Eyck, Ingres,
Velázquez, Caravaggio y Holbein emplearon la cámara oscura y distintos artilugios
con lentes y espejos para captar el más mínimo detalle y conseguir la perfección en
el trazo en sus obras más realistas, la sostuvo en 2001 el pintor David Hockney en
su libro El conocimiento secreto, que causó muchas controversias en el mundo de la
investigación.
Uno de los artistas que el autor sostiene que hizo uso de la cámara oscura es
el pintor barroco Johannes Vermeer:
 Posteriormente, se tiene constancia de un boceto de otro tipo de cámara
oscura "transportable", realizado por Athanasius Kircher en el siglo XVII, que se
conserva en la Biblioteca Nacional de París y que él mismo define en su obra Ars
magna lucis et umbrae. Esta cámara estaba compuesta por un cubo exterior de
dimensiones considerables para permitir el acceso y la acción de una persona en su
interior. También contaba con una lente en las dos paredes laterales y en el interior
se constituía un prisma mediante pantallas de papel transparente y tensado, donde
el pintor plasmaba las escenas proyectadas desde el exterior. Pero este invento no
pasó nunca de ser un boceto, pues la cámara para ser transportable debía de ser lo
bastante ligera y firme para poder ser llevada, contrariamente a su popular idea de
la "linterna mágica", cuya popularidad se extendería por toda Europa y acabaría
siendo el germen del cinematógrafo.
Otro pintor a quien también se le atribuye la utilización de instrumentos
ópticos en la realización de sus obras es Caravaggio durante el siglo XVI. Un estudio
presentado por el Studio Arts College Internacional de Florencia apunta que
Caravaggio podría haber realizado sus retratos en una habitación oscura iluminando
a sus modelos mediante un agujero en el tejado, de manera que utilizando un
espejo y una lente, se producía la proyección de la imagen en el lienzo.
Posiblemente, el pintor fijaba la imagen en la tela exponiéndose media hora a la luz
y con la aplicación de sustancias sensibles a esta, como la mezcla de carbonato de
polvo y otras sustancias químicas y minerales que eran visibles en la oscuridad, lo
que posibilitó realizar el dibujo a grandes rasgos.
También se tiene constancia de que una cámara de estas características
tiene grabado el nombre del pintor veneciano Canaletto, que data del siglo XVIII,
aunque no está probado que fuera de su pertenencia. La utilización de la cámara
oscura le permitiría inmortalizar en directo la vida cotidiana de Venecia, así como
sus contrastes sociales; por ello es considerado uno de los primeros precursores de
la experimentación con luz en la pintura, pues solía acceder a los lugares más altos
para captar en directo los efectos luminosos del atardecer y amanecer.
Velázquez fue otro de los pintores al que muchos teóricos le atribuyen el uso
de la cámara oscura para realizar sus retratos más realistas, en concreto, para pintar
Las meninas. Se habría ayudado de este artefacto para dibujar las líneas y
perspectivas generales sobre el lienzo de grandes dimensiones siguiendo la
proyección de otro cuadro anterior y más pequeño. Esto lo podría haber hecho
mediante la inversión del funcionamiento de una cámara oscura de tipo cabina,
iluminando su interior y dejando a oscuras la habitación. Esto permitiría explicar la
precisión en la copia de las líneas rectas y perspectivas del espacio pictórico de un
cuadro al otro, una exactitud muy complicada de conseguir a mano alzada, pero
muy posible mediante el uso de la cámara oscura.
En la década de los ochenta del siglo XX, el historiador John Moffitt ya
sostuvo que el pintor sevillano podría haber utilizado algún mecanismo técnico que
le hubiera ayudado a dotar de más realismo a su obra maestra y a crear el efecto de
confusión entre la representación pictórica y la realidad. Los expertos reconocieron
la posibilidad de que esta teoría fuera cierta debido al hallazgo de lentes en el
estudio del pintor.

Cámara oscura y alquimia

La cámara oscura, si bien fue creada en respuesta a las necesidades de

pintores y científicos, en la antigüedad fue conocida como "caja mágica" y fue
estrechamente relacionada con un animal fantástico: el unicornio. Se han
encontrado distintos escritos y esbozos que describen la cámara oscura, pero que
aseguran que el orificio y el efecto de producción de imágenes que la caracterizan
sólo podía darse si se perforaba la "caja" con el cuerno del unicornio.

FISIONOTRAZO:
El fisionotrazo o fisonotrazo es un instrumento óptico mecánico operado
manualmente e inventado en 1786 por Gilles-Louis Chrétien. Fue utilizado a lo
largo del siglo XIX como una máquina de dibujo capaz de trazar los perfiles de
objetos y modelos sobre láminas de cobre. El fisionotrazo se basaba en un
instrumento anterior denominado pantógrafo, diseñado para aumentar o disminuir
con precisión dibujos de planos y diseños.
La moda establecida por la aparición de las silhouette, abrió el paso a la
aparición de otro invento llamada fisionotrazo
La silueta constituye en realidad la esencia, la esencia del alma de una
persona y la gente lo sabía. El término «fotografía» significa en griego «dibujar con
luz». De esta manera, si dibujas con luz, lo puedes hacer con químicos, pero antes
de la aparición de la fotografía mirarás a la sombra y la calcáreas. El problema de
dibujar la sombra de alguien es que si pones a una persona en una habitación,
enciendes una vela a un lado de ésta y proyectan su sombra, es una sombra muy
grande. Así que, el mayor problema es cómo transformar una sombra muy grande y
convertirla en una sombra muy pequeña. Para conseguirlo, usaban herramientas
como el pantógrafo, que tiene una serie de barras articuladas (que se cortan) y un
lápiz, con el que puedes trazar un objeto grande y este mecanismo lo convertirá en
un objeto muy pequeño.
La característica que convirtió a la silueta y al fisionotrazo en algo diferente a
un retrato pintado es que se obtenían mediante un proceso mecánico: eran retratos
de personas mucho más objetivos, al contrario de las pinturas, que eran muy
subjetivas.
TEMA 3: LOS ORÍGENES DE LA FOTOGRAFÍA
NIEPCE: Fue quien consiguió la primera imagen negativa en el año 1826. la
consigue utilizando papel tratado con cloruro de plata. Pero él quiere lograr
directamente imágenes positivas por lo que no llega a fijar la imagen obtenida.
Segundo hijo de un acomodado abogado borgoñón, orientó sus estudios a la
carrera eclesiástica pero la revolución hace que cambie los planes. junto con su
hermano inventó un motor para barcos.
Niépce estaba interesado en la litografía y comenzó sus experiencias con la
reproducción óptica de imágenes realizando copias de obras de arte y utilizando
para ello los dibujos hechos en piedra litográfica por su hijo. Sus primeros
experimentos, en 1813, utilizaban gomas resinosas expuestas directamente a la luz
del sol. Su primer éxito en la obtención de medio sensible a la luz vino con el uso de
asfalto disuelto en aceite de espliego y aceite esencial de lavanda.
Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la idea de
emplear una cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar
de conseguir imágenes fijas. Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las
imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió
entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como
el estaño, el cobre y el peltre.
Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1825,
aunque ninguna de ellas se ha conservado; se sabe de ellas por referencias en las
cartas que Niépce enviaba a su hermano. Eran fotografías en papel y en negativo,
pero como a muchos otros inventores de esa época, no le interesaba obtener
imágenes negativas, así que abandonó esta línea de investigación.
Un par de años después, ya en 1827, obtuvo imágenes directamente en
positivo, sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las
imágenes, por ser las obtenidas Al procedimiento utilizado lo llamó heliografía
distinguiendo entre heliograbados —reproducciones de grabados ya existentes— y
puntos de vista —imágenes captadas directamente del natural por la cámara—. En
1822, Joseph-Nicéphore Niepce consiguió fijar sobre cristal algo a lo que decidió dar
el nombre de heliógrafo. Niepce y su hijo, Isadore, de quien se dice que era pintor y
escultor, practicaban el arte de la litografía desde 1813 aproximadamente. Como
resultaba difícil conseguir piedras calizas litográficas de buena calidad, no tardaron
en sustituirlas por placas de peltre. Más tarde, trabajando a solas, (hacia 1816),
Niepce padre, que no era muy buen dibujante, tuvo la idea de registrar
fotográficamente una imagen en la placa y grabar al aguafuerte para imprimirla.
Después de varios e infructuosos experimentos con cloruro de plata, Niepce se
sirvió de otra sustancia fotosensible llamada betún de Judea; las partes no
expuestas se podrían disolver, poniendo al descubierto el metal en el que se quería
grabar al aguafuerte. Niepce llegó a conseguir unas cuantas pruebas con este
método, usando como negativos grabados que había vuelto transparentes a fuerza
de frotarlos con aceite o cera. Uno de sus grabados xilográficos era un paisaje
imitado de Claudio de Lorena. Niepce también tomó entonces (1826-1827) con
cámara oscura una vista de un patio, aunque ello requirió un tiempo de exposición
de unas ocho horas imágenes únicas.

RETINE: negativo fotográfico sin fijar, no aún fotografía porque no está fijada.
Resina de gaiac: La resina expuesta a la luz y que reacciona a ésta pierde el
carácter soluble, no se disuelve, al alcohol, por tanto logra Niepce una sustancia
que reacciona a la luz y que después puede separar las partes de la superficie
donde ha incidido la luz o no. Las partes donde incide la luz se ponen verdes,
con lo cual tengo una imagen, un calco químico de esa imagen. La superficie es
una placa de metal bruñida.
Luego de haber obtenido buenos resultados haciendo experiencias
directamente bajo la luz del sol, Niépce fracasa en lo que concierne a las
imágenes de la cámara oscura. Desconocía que sobre la resina actúan
solamente los rayos ultravioletas, lamentablemente filtrados por el lente de su
cámara obscura.
El betún de Judea: es una resina mineral. Bituminoso derivado del petróleo que
también reacciona a la luz y que también tiene la propiedad de volverse
insoluble una vez reacciona a la luz. Permite utilizarlo en la cámara oscura con
objetivo.
 1. Niepce disolvía el betún de Judea en polvo en la esencia de lavanda.
2. Desparramaba luego esta solución en una capa fina sobre el soporte
(vidrio, piedra, cobre, estaño, plata).
3. Por medio de un secado al calor, obtenía un barniz brillante de color
bermejo.
4. Exponía la placa así emulsionada en la cámara oscura
5. Después de la exposición, ninguna imagen resultaba visible, Niepce
sumergía la placa en un baño de esencia de lavanda diluida, que disolvía
las partes que no habían, o muy poco, recibido la luz.
6. La imagen obtenida, mirada con una incidencia normal, era negativa.
El tiempo de exposición en una cámara oscura era de varios días a pleno sol.
HELIOGRABADO, hecho por el sol.
Niepce desarrolla cada vez más la fotografía tal y como la conocemos.
Para formar una copia de esta imagen necesita varios días al sol
directamente.
1827. intenta que la sociedad científica tanto londinense como parisina,
compren su patente, pero aún no está desarrollada, para ello debe trabajar más.
Estas heliografías se van desarrollando en esta década y Niepce va a hacer toda
una serie de experimentos con diferentes sustancias fundamentalmente estas
heliografías, que son reproducciones por contacto. Por fin llega a la
reproducción de un grabado holandés en el que se puede considerar como
primera fotografía conservada. 1825. Suscribe en 1829 un contrato con
Daguerre. Ese convenio lo hace para comercializar el perfeccionamiento de la
heliografía. 1826 capta directamente la realidad, Point de Bois (punto de vista),
impresión directa de la realidad. El tiempo de exposición fue de 8 horas. Vista
desde la venta en Le gras. 1822 La mesa puesta, un bodegón conservado en el
Museo Nicephore Niepce, composición positiva al betún de Judea, expuesta
durante 9 horas.

LOUIS-JACQUES MANDÉ DAGUERRE, 1787-1851.

 Era pintor y decorador. Montó el Panorama, una experiencia inmersiva
sería hoy. Consistía en unas pinturas circulares con una visión central de 360º
alrededor del espectador, logrando en este la sensación de estar inmerso en una
realidad aparente. Pronto crecieron de tamaño y desarrollaron lo que serían sus
medidas habituales, alojadas de forma permanente dentro de un edificio. Una
gran superficie de lienzo de 15m. de alto por 120 m. de largo era iluminada
desde lo alto, tapando la vista tanto de la parte superior como de la inferior.
Louis Daguerre pasará a la historia por inventar el Diorama, instalación
mediante la que se proporciona sensación de profundidad a las imágenes. Este
invento despertó la atención del público parisino en un espectáculo que
consistía en crear la ilusión al espectador de que se encontraba en otro lugar a
través de imágenes enormes, que se podían mover y que se combinaban con un
juego de luces y sonidos, etc., para que pareciese que el espectador estaba en
situaciones como una batalla, una tempestad, etc.
1839, arde el teatro de diorama pero se conservan algunos fondos, ej. el
fondo de una iglesia.
ASOCIACIÓN DE DAGUERRE Y NIEPCE.
1829 Establecen esta asociación que se constituye para avanzar en estos
experimentos y se le reconoce a Niepce el inventar un procedimiento para fijar
la imagen al betún de Judea, Daguerre aporta sus estudios de perspectivas y
lentes. Como propósito tendrán el probar sustancias fotosensibles, como será el
yoduro de plata, si bien estos avances tendrán corta vigencia ya que Niepce
muere tres años más tarde, en 1833. Daguerre seguirá en solitario con estos
avances. El hijo de Niepce le siguió en estos inventos, pero no le gustaban y
además no tenía buena relación con él. Finalmente se queda solo. Esto dará
paso al primera experiencia fotográfica con aplicación comercial,
● el Daguerrotipo. El taller del artista, daguerrotipo, 1837

1835 se obtienen imágenes positivas con tiempos cada vez más cortos de
exposición logrando además fijarlas, lo que hace que se desplacen las
experiencias con betún de Judea, heliografías, etc.
Bodegón el estudio del artista, primer
daguerrotipo de la historia.
A la imagen latente hecha con el yoduro de
plata se le realiza un proceso de revelado a
base de vapor caliente de mercurio, lo cual es
hepatotóxico. Después lava la placa de cobre o
estaño con agua y sal. Es una imagen más
definida y clara, se mantiene bien en el tiempo si bien los vapores de mercurio
tienen mucho peligro y él sigue trabajando para eliminar esta sustancia.
Este invento dará la vuelta al mundo. Paralelamente se van inventando
cámaras oscuras más ligeras y potentes, por ello los rayos de luz se concentran
mejor y se necesita menos tiempo de exposición.
● Boulevard du temple, 24 abril 1838
minutos de exposición 10 min. Salen solo
las personas que se quedan quietas, en
este caso un hombre apoyado en una
fuente un limpiabotas que sale
desenfocado por el movimiento.
Habrá una
campaña
publicitaria
importante
y gracias a
un político
François Arago, que le dará publicidad y propicia
que el 7 de enero de 1839 en la Academia de las ciencias francesas se presente
el invento llamado daguerrotipo. Daguerre patentó su invento en Inglaterra
también. Además el gobierno francés compra la patente de Daguerre, que
significa que el invento será un elemento de dominio público, cuya explotación
estará en el estado y no en una empresa privada, propiciando así el desarrollo.
Proponen daguerrotipo kms de jeroglíficos egipcios. Además de en el mercado
artístico, demostraciones públicas del funcionamiento del daguerrotipo en
diferentes países. Se inicia una carrera que dura hasta hoy día para conseguir
dos objetivos: 1. Acortar los tiempos de exposición 2. La reproductibilidad, hasta
ahora solo se capta un momento y es único, de hecho un daguerrotipo de
verdad es a la vez un positivo y un negativo
A partir de 1841 se pueden tomar retratos, con un tiempo de exposición
de 1 o 2 minutos. El descubrimiento tendrá gran repercusión y Daguerre hará
exposiciones de cómo se hace, y además hace todo el proceso, emulsionar las
placas con el yoduro de plata y apagar las luces y cerrar la habitación, hacer el
tiempo de exposición y revelar la imagen latente. De manera que la fotografía es
un elemento espectacular que llega a publicarse en forma de libro. El hijo de
Niepce quiso publicar su versión pero no tuvo repercusión ninguna.
Daguerre y el papelero GIROUX se asocian para fabricar las primeras
cámaras en serie, adaptadas al propio uso del daguerrotipo, es una primera
intención de democratizar el invento de la fotografía, el primer paso que se da
para que no quede en un ámbito científico tecnológico y tenga un uso público.
Es la primera manifestación artística que será accesible a cualquier persona.
Tendrá por tanto diferentes aplicaciones tanto científicas como artísticas.
Los retratos se van a comercializar con éxito y la carrera de inventos en
este entorno hará que se aligeren los aparatos necesarios para hacerlos.
También tecnológicamente tendremos avances en óptica:
1. Bromo: acelera el proceso
2. Cámara con objetivo circular.
También se colocarán los daguerrotipos. El
retrato será una de las aplicaciones más
importantes en el daguerrotipo.
Se ponía un garrote por detrás para que se
sostuvieron las personas, que estuvieran
quietas era importante, sino salía mal. Los
dibujantes reaccionan contra esto. Honoré
Daumier, dibujante que satiriza con esto:
la paciencia es la virtud de los asnos.
⮚ DAGUERROTIPO: Procedimiento fotográfico que consiste en un soporte
de metal cobre o estaño que da como resultado una imagen simple,
positivo único, se emulsiona con los haluros de plata impresionado
sobre la placa metálica, se revela como vapores de mercurio, altamente
tóxicos existe un proceso de revelado sin posibilidad de copia. Da un
único positivo fotográfico. Los daguerrotipos iban en un estuche para
evitar que siguiera siendo fotosensible. Primer producto comercial de la
fotografía y primordial para el retrato.
Tiene como dificultad el tiempo de exposición, más
de dos minutos, la persona debía quedarse estática.
La mayor parte de ellos tendrán los ojos retocados,
(están como más abiertos de la cuenta). La presencia
del daguerrotipo provoca quejas por parte de los
artistas plásticos. Tienen miedo a la competencia del
invento.
● Retrato de Dama, Antoine Claudet, 1851.

Provocó reacciones en el arte de la pintura, ya que

tenían miedo a este fenómeno. Los pintores
figurativos en este momento, ya que aún no ha
aparecido la abstracción, su sustento eran los retratos
que les encargan. Pero el arte y la capacidad de reinventarse reaccionó ante una
nueva necesidad incluso para algunos supuso una liberación. Se puso de
manifiesto que la pintura era algo más de la realidad, por ejemplo Velázquez sin
conocer la fotografía hacía retratos psicológicos, por ello la pintura criticó y
reaccionó. Permitió a la pintura tomar caminos nuevos, redimir al ser humano.
La utilizaron por tanto para acortar los tiempos
de preparación. Digamos que la pintura y la
fotografía se chocan en determinados
momentos y ambas tienen caminos y
elementos en los que coinciden. La pintura
encuentra rincones expresivos que la
fotografía no puede encontrar.
● Jean-Auguste-Dominique INGRES. Condesa de
Haussonville.

Las obras de Ingres tendrán esa evolución

junto con la fotografía. Habrá una frontera insalvable entre la fotografía y la
pintura que será el color.
No sólo será el retrato el objetivo del daguerrotipo, el otro gran tema
pese a los largos tiempos de exposición serán los paisajes, motivos estáticos y
bien iluminados. El inconveniente está en lo aparatoso del equipo y el proceso
de la preparación de la placa que exige el daguerrotipo. Hasta que no llegue el
colodión el daguerrotipo hay que revelarlo en el momento, de no hacerlo no se
conserva la imagen latente para siempre, por tanto hay que trasladar también el
laboratorio fotográfico.
● Vista de París, Daguerre 1838.

*Examen: alrededor de la década de los 40. Hacer

la definición del daguerrotipo, inicio de la
fotografía moderna. Quien es Daguerre, la utilidad
de los daguerrotipos, centrándonos en la foto, las
connotaciones que tiene, etc.

La definición de la imagen no “pixela”

nunca, se ve claramente a las personas.
● Patio de los leones de la alhambra,
Daguerrotipo atribuido a Théophile Gauatier y E. Piot
1840.
Contribuyó el daguerrotipo a la fotografía de viajes, además podemos observar
que gracias a esta foto vemos una pieza de la fuente que en la actualidad no está
o los techos que fueron modificados.

● Cataratas del Niágara, daguerrotipo

Platt D. Babbit, 1853.

El tiempo de exposición es aprox.

A medio minuto por ello se hace el
efecto velo.
Este tipo de imágenes se
coleccionaban y editaban en álbumes de
fotografía. De ahí las Excursiones daguerrianas, “Excursions Daguerriennes”.
Ayudó en aquel momento a conocer como eran en aquel momento las
construcciones, que era imposible de conocer por la mayoría. Habrá una
proliferación de viajes ilustrados de los lugares más recónditos y representativos
y exóticos de todo el mundo. Esto constituye no sólo un modelo nuevo de
negocio, sino que además supone para nosotros los historiadores del arte un
recurso de valor incalculable. Se
reproducen sistemáticamente todos los
monumentos, se hace un registro visual.
● Grabado al aguatinta del templo de Luxor.

● Daguerrotipo de la luna, John Wikiam Draper

en 1840.

Gracias al desarrollo de las lentes, fue un

gran paso en el terreno científico.

El daguerrotipo tendrá una carrera relativamente corta a partir de 1855

se va sustituido por otras técnicas como el Colodión húmedo que permite la
multiplicidad de copias a partir de un negativo, esas copias de colodión son de
gran nitidez y amplia escala de tonalidad.
 ⮚ JOHN HERSCHEL, hace por vez primera alusión a la fotografía, nos habla
de fotografía en 1839 y en 1860 de instantánea.

⮚ HIPPOLYTE BAYARD, 1801-1887

Es el primero que obtiene una imagen positiva directa y sobre papel. Inventa
el llamado calotipo. Con experimentos iniciados en el 1837 y que ya en 1839
presenta su hallazgo a Aragó, pero éste no quería perjudicar a Daguerre,
mandando silenciar su hallazgo algún tiempo.
Bayard publica su hallazgo pero no se le reconoce la invención de éste,
algo que le afectará el resto de su vida.
❖ CALOTIPO: El soporte es papel que se emulsiona con sales de plata, ese
papel emulsionado recibe una primera exposición a la luz y se consigue
un ennegrecimiento completo del papel. Ese papel se sumerge en yoduro
de potasio y aún húmedo el papel se vuelve a exponer en la cámara
fotográfica. En esta segunda exposición las zonas de luz de la imagen se
hacen solubles y se pueden eliminar con un ácido. La dificultad es el
soporte con respecto al daguerrotipo, es a cualquier efecto menos liso,
dando el papel siempre una imagen con textura, que nos recuerda al
grabado. Sobre el metal es completamente neutro, la nitidez sigue siendo
mayor en el caso del daguerrotipo. El calotipo se distingue del
daguerrotipo por la textura, la silueta aparece difuminada casi
desvanecida y nos recuerda al grabado. La plata ennegrecida se disuelve
y quedan iluminadas las partes en luz, y las partes en luz se quedan
ennegrecidas.
⮚ WILLIAM HENRY FOX TALBOT (1800-1877)
Enlaza todo esto, revolución inglesa del mismo invento, es el equivalente
inglés de Daguerre. Llega a las mismas conclusiones que Daguerre pero
desde otro camino. Su invento fue el calotipo y fue el responsable de
acortar los tiempos de exposición, trabajaba con papel emulsionado
que exponía a la luz por contacto con objetos y ese negativo lo volvía a
exponer para lograr un positivo. Además, Talbot aporta el concepto de
revelado.
En el calotipo la imagen queda latente, prácticamente invisible en el
soporte, y con el proceso del revelado, añadiendo tiosulfato de sodio,
medio alcalino y que después se seguirá usando, no sólo se detiene el
proceso de sensibilización sino que aumenta el efecto de la imagen
obtenida. .
El problema de Talbot fue que a diferencia de Daguerre que compartió
con el gobierno sus avances, Talbot protegió sus procedimientos,
 quedando en secreto. No favoreció el avance científico por la
colectividad. Se enzarza en numerosos pleitos y juicios, por pensar que
los procedimientos franceses no estaban legalmente protegidos. La
fotografía será una gran ola que pasa por encima de este inglés. En 1854
abandona sus patentes y se abre totalmente el desarrollo de la fotografía.
Hace el hallazgo definitivo del paso del negativo al positivo y del
revelado.
Comienza con los llamados dibujos fotogénicos. Sus dibujos
fotogénicos, conseguidos a través del contacto directo de objetos sobre
superficies sensibles a la luz sin utilización de la cámara oscura, le
hicieron comprender que podría conseguir negativos que lograban fijar
esa luz sin desaparecer. No fue hasta 1835 cuando consiguió su primer
negativo sin ese
contacto directo.
Los resultados permiten
sacar copias de la fotografía. Se
pueden sacar cuantos positivos
queramos, y al ser sobre un
soporte de papel permite que
haya fotografía impresa sobre
los libros, sin necesidad de
utilizar un fotograbado que
utilizaba Daguerre. Aportaba menos finura que el daguerrotipo, el calotipo era
más desvaído.
En 1844 Talbot edita The pencil of nature, el lápiz de la naturaleza, primer
libro de fotografía del mundo.
● La puerta abierta, le da un aire creativo a esta necesidad que ya no era
práctica y utilitaria como era el retrato,
había por tanto una creación, en este
caso inspirada en la pintura holandesa.
Sugiere interpretaciones además, por
ejemplo el farol a la luz del día no sirve,
trasciende el tiempo físico de la propia
foto, la escoba que se ha usado o se va a
usar, trasciende el tiempo del instante, al
igual que la escoba.
Este tipo de fotos le harán muy famoso a Talbot, pero será el retrato el
verdadero motor de la fotografía. Talbot reduce los tiempos de exposición hasta
llegar a los 30 segundos, no obstante se sigue prefiriendo el daguerrotipo por la
nitidez.
Pese a que Talbot quiso proteger la invención, sus seguidores
desarrollarán en paralelo sus investigaciones, uno de ellos será:

⮚ David Octavius Hill (1802-1870). Fue litógrafo y pintor, autor de un

cuadro denominado Firma de acta de separación de la iglesia de Escocia,
1843. Aparecen los 474 de los miembros de la iglesia de Escocia,
entonces primero Talbot y Hill fotografían uno por uno a cada uno de los
miembros, junto con otro ayudante Robert Adamson, el problema es que
en el proceso se pelean con Talbot y siguen por separado. La pintura la
hace Hill, óleo sobre lienzo, sólo que detrás de esa pintura hay un boceto
y una serie de retratos individuales que se van encajando en la pintura
general. El calotipo se convierte en un proceso auxiliar para el proceso
pictórico. En la obra se puede apreciar que los personajes n o interactúan
entre ellos.
HiLl defiende el calotipo por
tener cierto carácter
pictórico. Junto con Adamson
se dedicarán al retrato. Sobre
la fotografía se hace después
un cuadro totalmente exacto.

MEJORAS DEL CALOTIPO:

1. 1847 Louis Désiré Blanquart, papel humedecido y entre cristales,
exposición más corta, así no se hincha el papel con la humedad
2. 1547 nieto de Niepce, Niepce de Saint Víctor, método para
obtener negativos sobre cristal tratado con albúmina. Así mismo
utiliza papel albuminado para el positivo (copias positivas de
mayor finura). Albúmina que da efecto brillo en la fotografía.
*Se puede preparar el papel para la fotografía y el papel y el revelado
podía mantenerse, con lo cual se podía revelar más tarde.
*Imagen más fina y con colores más agradables.

3. 1581, Gustave le Gray: papel encerado en seco (el método se

simplifica, flexibilidad en el tiempo para el uso del papel
preparado). Se suprime el uso de la humificación y el cristal, dando
 como resultado copias más finas. Papel encerado que podía ser
preparado días antes y revelado hasta 6 meses después de la
toma, convierte este avance en el
calotipo como procedimiento ideal
para el viaje. La diferencia está en
que cada papel de le Gray constaba
de 15 cts. Y 6 francos el
daguerrotipo.
● Vieja granja, calotipo.
Coincide con el realismo
pictórico del momento.

● CHARLES NÉGRE, Deshollinadores,

1852.

Con estos avances se multiplicarán los viajes, se hará en París

exposiciones de fotografía. Muestras de las catedrales
francesas.
● Estatua de Ramsés, calotipo
Aparecerán coleccionables fotográficos, con fotos de
viajes, etc.

La fotografía tendrá dos proyecciones

fundamentales, el negocio del retrato, donde triunfa el
Daguerrotipo como pieza única, con influjo e importancia del retrato pictórico y
el ámbito de la ilustración: viajes por todo el mundo con un propósito
fundamentalmente arqueológico.
Habrá artistas fotógrafos que comienzan como calotipistas y después se
pasan al del colodión húmedo. Son imágenes cada vez más nítidas.
 Retrato de un grupo de artistas en Roma 1848-1852. A mediados del siglo
xix existen grupos de artistas fotógrafos. Aquí vemos los del grupo de Roma, que
seguía siendo la meca de cualquier artista plástico. Aquí cambian ideas e
inquietudes y desarrollan sobre todo aquí una comunidad artística fotográfica lo
que los vedutistas del siglo xviii hicieron. Proporcionan vistas de la ciudad .
Giacomo Caneva es uno de estos artistas.
● Base de la columna de Trajano en el Foro,
Roma Giacomo Caneva. Calotipo normalmente
sería papel albuminado.

TEMA 4. PRIMEROS PASOS EN LA BÚSQUEDA DE LA INSTANTÁNEA.

EL COLODIÓN HÚMEDO.
Se quiere conseguir la fotografía inmediata y con un corto tiempo de
exposición. Concretamente en marzo de 1851 cuando se hace público un
invento, El colodión húmedo.
❖ Colodión húmedo es un procedimiento fotográfico citado en el
año 1850 por Gustave Le Gray, quien fue el primero en indicar un
tratamiento con este compuesto, consiguiendo imágenes mediante el
revelado con sulfato de hierro amoniacal. Frederick Scott Archer publicó
en 1851, en Inglaterra, The Chemist, un estudio de tal agente que supuso
un gran avance en el desarrollo de la fotografía. El método supone la
utilización del colodión, una especie de barniz líquido que se vierte en
las placas. El colodión se sensibiliza en nitrato de plata. Las placas
de vidrio tenían que estar muy limpias, para poder obtener imágenes
nítidas y sin manchas.
 Composición: Celulosa de algodón y nitroglicerina. Este compuesto al
caer en algún compuesto de plata rápidamente la plata se oscurecía, este
colodión mezclado a la plata es muy sensible y reactivo a la luz. Al ser más
sensible a la luz el tiempo de exposición se acortaba, 2 o 4 segundos con
mucha luz, cuando había menos luz se tenía que aumentar el tiempo de
exposición. Disuelto en un disolvente como el alcohol permitía ser usado
en cirugía y en la fabricación de explosivos. En fotografía solo es sensible
a la luz cuando permanece húmedo.
Se llama colodión húmedo porque la placa debe permanecer húmeda
durante todo el procedimiento de toma y revelado de las imágenes, la
placa de metal es metida en un chasis para poner en el interior de la
cámara fotográfica.
Revelado con ácido pirogálico y se fijaba la imagen al vidrio con cianuro
potásico, sustancias alcalinas, el último paso es enjuagar con agua.
E​ sto suponía que los fotógrafos tenían que llevar consigo el
laboratorio fotográfico a fin de preparar la placa antes de la toma y
proceder a revelar inmediatamente. Se generalizó así el uso de tiendas de
campaña y carruajes adaptados como laboratorios por los fotógrafos que
trabajaban en el exterior.

Otro de los inconvenientes de este método era el de la fragilidad de las

placas de vidrio empleadas como soporte, que a veces acababan rajadas o rotas,
posteriormente.
Con el empleo de este procedimiento se consiguió reducir el tiempo
de exposición a unos segundos, lo cual provocó una disminución de los costes.
Otra de las grandes ventajas era la estabilidad de la capa de colodión aplicada.
Su generalización motivó el abandono del empleo de otros procedimientos
como el daguerrotipo (que no permitía sacar copias), o el calotipo (que
presentaba menor nitidez).
También supuso el acceso al mercado de imágenes de celebridades
contemporáneas, por parte de la burguesía, normalmente en pequeñas
fotografías del formato tarjeta de visita, en copias a la albúmina, que se
coleccionaban en álbumes.
En este momento, el daguerrotipo sigue siendo la estrella de los
procedimientos, lo veremos por ejemplo:
● daguerrotipo panorámico de la ciudad de Cincinnati, realizado en 1848.
 Este procedimiento estuvo vigente 30 años. Se consigue un paso siguiente
que es la gelatina seca, las propiedades en este caso se mantienen mucho más
tiempo.
Le Gray, como máximo exponente del colodión, introdujo mejoras en el
calotipo. Es uno de los grandes
fotógrafos en esta técnica, no
pasa a la historia por ser su
creador porque no escribió
nada al respecto. Él hace sobre
todo paisajes, capta las luces y
sombras de las nubes y las
orillas del mar. Vemos el
ejemplo en La gran Ola, 1857.
Este tipo de fotografías es muy
difícil, hay que contrarrestar los
parámetros, y sobre todo el
comienzo de la ola al romperse. Son entornos muy iluminados que necesitan
poca exposición. En las nubes ocurre lo contrario.

Una variante del colodión es el Ambrotipo.

❖ Ambrotipo, o anfi tipos, alude a la doble posibilidad de utilizarlo como
positivo y negativo. James Ambrose Cutting, lo introdujo. Es un
procedimiento derivado del colodión que se empleaba en el caso de los
negativos del colodión que estaban subexpuestos, es decir, que no ha
recibido la suficiente luz. Da como resultado una fotografía oscura. Este
negativo se aprovechaba colocando este negativo sobre un fondo negro y
aplicando luz directa se ve como un positivo. Es un negativo que hacemos
funcionar como un positivo.

❖ Procedimiento: consiste en recubrir una cara del vidrio con colodión

yodado, que después se sumerge en una solución de nitrato de plata. La
placa de vidrio se subexpone de modo deliberado en la cámara
mientras aún está húmeda. La subexposición necesaria dependerá de las
características de la cámara y la iluminación del motivo. Posteriormente
 se debe revelar y fijar la imagen. El
negativo resultante puede verse en
positivo al ponerla sobre un fondo
negro. Normalmente se trataba de
retratos que con frecuencia se
coloreaban a mano y se
presentaban en cajitas de un modo
similar a como se hacía con los
daguerrotipos.

❖ Ferrotipo: positivo directo obtenido al colodión pero sobre una placa de

acero o de hierro. La placa de metal había que pintarla de color oscuro, se
sensibilizaba con colodión y se subexponía, pero con menos tiempo de
exposición. En el revelado y fijado el negativo se ve como un negativo se
ve como positivo sobre fondo
oscuro. Es un recurso barato y
rápido. La subexposición permite
menos tiempo de exposición. Lo
importante aquí es la conquista de
la instantánea, conseguir hacer la
fotografía cada vez en menor
tiempo. La placa metálica no se
rompe, es más duradera.

De manera paralela a estos avances químicos se darán mejoras

técnicas en el aspecto físico, concretamente en las cámaras: óptica,
objetivos, lentes… aparecen objetivos con el gran angular. Abarcaba este
un ángulo de 92º. Aparecen sistemas de grupos múltiples de lentes y
toda una serie de posibilidades para las cámaras.
Veremos el Dallmeyer gran angular de 1867, aún sin rueda de
enfoque. Los diafragmas de tajadera, que se insertan por la parte de
arriba de los objetivos. Atribuida su invención al astrónomo botánico y
fotógrafo John Waterhouse en 1858. Estos avances propician que al no
poderse ampliar la fotografía, (ya que en este momento tiene el tamaño
de la placa utilizada), se utilizarán placas de mayor formato. Cámara
mamut, 1.40 *1.60 el negativo.
GASPAR FÉLIX TOURNACHON, NADAR, 1820-1910
El calotipo se va sustituyendo por el colodión que permitía posibilidad de
copias y era un procedimiento rápido y barato. En París habrá grandes
profesionales que verán en la fotografía un sustituto de la pintura. Uno de los
más importantes es Tournachon, Nadar. Se hará un retrato con todas sus caras.
Nadar también se caracterizó por viajar en globo y fotografiar París desde él. Es
de los fotógrafos más importantes de la segunda mitad del 19. Encarna el
modelo de intelectual parisino que originalmente era artista plástico,
emprendió estudios de medicina sin terminarlos y se movió en círculos
intelectuales. Llevó una vida agitada, un tipo controvertido, y su apodo viene del
apelativo Tour Nadar, dado que parece que este hombre tenía por costumbre
añadir la terminación dar en cada frase.
Trabajó en diferentes periódicos volviendo a París donde desembocará en
su carrera artística. Escribía cuentos que publicó en el periódico el corsario, y
caricaturas en el periódico Charivari, donde Baudelaire escribía sus críticas sobre
los salones. Fue hombre bohemio simpatizante de la comuna de París del 48 y
que gracias a esa actitud de modernidad desembocó en la fotografía para
ayudar en la realización de sus caricaturas. Entonces fotografía a las diferentes
personalidades de la vida parisina. “Panteón nadar”.
Abre finalmente un estudio en París
junto con su hermano, en el boulevard de los
Capuchinos, muy famoso lugar de reunión de la
intelectualidad de París. Su intención es
artística, sus retratos son naturales, sin falta de
artificio. Hasta el momento habían sido
aparatosos y aquí aparecen sobre un fondo
neutro sin ambientación ni paisaje, iluminación
suave y siempre acordes al físico del retratado.
Trata de hacer el retrato psicológico,
extrayendo la personalidad del personaje en
cuestión, algo que ya había en las caricaturas.
Baudelaire a la derecha.
Estamos ante un vehículo para la
estética, no es un retrato trivial, buscan la comprensión inmediata del
espectador. Que nos permitan pensar sobre su manera de ser y actuar, el propio
carácter, a la vez son retratos íntimos y cercanos. Seres humanos que quedan
inmortalizados para siempre. Todo esto con colodión y placa de cristal.
ETIENNE CARJAT, 1828-1906
 Al igual que Nadar también es editor, escritor y caricaturista y muestra
sensibilidad por el retrato sencillo y natural. Capta la
personalidad y actitud de cada uno de los retratados.
La posibilidad de exposiciones más cortas y
perfeccionamiento de las lentes hace que se pueda
captar cualquier tipo de mirada. Utiliza del mismo
modo la luz tenue y se intenta captar el gesto íntimo
de cada uno de los retratados. Tuvo también su
propio estudio en París, y planteó la fotografía como
actividad ajena a la dimensión comercial que ya
había alcanzado. Tanto Nadar como Carjat cualifican
el género fotográfico del retrato, haciendo la
caracterización de los personajes que se retratan.
❖ En este ejemplo de Carjat fotografiando a Baudelaire vemos como
diferencia que la personalidad de Baudelaire se muestra en la mirada en
este caso. En el anterior lo hace con la pose y las manos en los bolsillos.
Los ojos nos atraviesan en el segundo caso. También usa un diafragma
abierto para que quede enfocado sobre todo el rostro. La cara sobresale
hacia delante.
En este universo de retratistas surge no exactamente en París, artistas
mujeres muy destacadas. Al principio se convierte en juego de hombres, pero
pronto la mujer tendrá un papel esencial en la historia de la fotografía.
JULIA MARGARET CAMERON, 1815-1879
Nacida en Calcuta, y ya madura por pura afición se dedicó a la fotografía.
Cameron era el apellido de casada. Su padre era oficial de la compañía de las
indias orientales. Originarios de Escocia y por parte de madre era francesa,
descendiente de aristócratas franceses. Conoce a su marido en la India, jurista y
dueño de plantaciones variadas: te, café y caucho.
En 1848 regresan a Gran Bretaña y en 1860 se instalan en la isla de Wight.
En 1863 su hija mayor le regaló su primera máquina de fotos, construida en
madera, para paliar la ausencia del marido. En este contexto victoriano este
hobbie es exclusivo de la alta sociedad, algo muy snob. En 1849 hace su primera
foto, en ese año es elegida miembro de la Sociedad Fotográfica de Londres.
Habrá dos fotógrafos: Gustave Rejlander y Lewis Carroll que instruyeron
a Cameron en este arte.
Ella hará retratos desenfocados deliberadamente, con el llamado efecto
niebla o Flow. Esos retratos son de aire melancólico, con fuertes luces de
contraste. Usa objetivos inadecuados para ese formato obligando a grandes
exposiciones. Son fotografías descuidadas y desvaídas, pero son fotografías
verdaderamente valiosas desde el punto de vista estético.
Julia Margaret Cameron, La señora Duckworth
Alejado de lo prosaico y
terrenal.
Dia de verano, Cameron

El eco

Beatrice Cenci,
desenfocada la mitad
de la cara, al igual
que los
prerrafaelistas.

Es este un primer paso para uno de los grandes movimientos de la

fotografía, EL PICTORIALISMO. Pretende en un ámbito comercial y por ende
descarnado y vil, elevar a la fotografía o a una parte de ella al nivel de la pintura,
introducir a la pintura en los circuitos plásticos. Para ello la fotografía se
disfrazará de pintura, buscando una apariencia pictórica, pero bajo la cruel
realidad de la bicromía.
Cameron realiza este tipo de fotografías inaugurando esta corriente, y en
la que se imita a la pintura no sólo en la cuestión formal de la apariencia sino en
lo conceptual. Tanto el beso de la paz como el largo sufrimiento son imágenes
alegóricas. Se busca la elevación de la fotografía, es una fotografía netamente
artística donde la composición es compleja y se aleja de su naturaleza técnica y
la captación de la nitidez y realismo de los retratos parisinos vistos. hasta los
años 50 y 60 del siglo xix la realidad artística está unida a la tecnología, no se
entiende como un movimiento plástico, es lo que intentarán hacer los
pictorialistas.
Se trata de alejar la imagen de la fotografía hacia la trascendencia
artística. Arte que sublima la naturaleza humana. Al ser considerado de inicio
como fenómeno tecnológico se le da una vuelta a esta, queriéndola llevar al
mismo nivel que la pintura. Se quiere elevar la fotografía a un nivel superior. Es
por tanto el nacimiento de la fotografía artística. ¿Qué debe representar la
fotografía si es arte?, algo que ya se preguntaron los filósofos griegos en cuanto
a la pintura. una de las opciones es representar temas elevados, por ejemplo
temas mitológicos, religiosos, alegorías (jeroglíficos, etc), etc. la fotografía se
plantea que es adecuado representar en el arte, y ese es el umbral que traspasa
la fotografía en este momento, y lo que verdaderamente la convierte en
manifestación artística. Esto sucede cuando te planteas que debes hacer y
expresar para ser arte. es una inquietud e intención lo que se plantea la
fotografía. En el siglo XIX tendremos la confluencia de arte contemporáneo y
fotografía como arte, esta última les come el terreno estético, por ello se otea el
horizonte para encontrar nuevos horizontes en los cuales la fotografía no tenga
cabida. por ejemplo el impresionismo, que pretende dar una imagen que
traspase, que haga sentir, por ello intenta captar los valores que no están en la
imagen. Esto es muy complicado para la fotografía. La pintura impresionista es
algo más que una pintura, puede ser además un recuerdo.
Los fotógrafos crearán composiciones complejas y aparatosas. es lo que
antes había hecho el barroco anteriormente.
OSCAR GUSTAVE REJLANDER, 1813-1875.
Rejlander será uno de estos fotógrafos pictorialistas, él parte de una
carrera pictórica, en un contexto en el que muchos pintores se van a pasar a la
fotografía. Mientras que los retratistas parisinos están aprovechando lo bueno
de la fotografía en este ámbito, los británicos buscan el arte en las
manifestaciones elevadas, desechando aquello que
consideran mezquino y vacío.
Rejlander pintor presentando a Rejlander el voluntario,
1871. Al colodión húmedo y casi se ha conseguido la
instantánea fotográfica. El fotógrafo busca que el
espectador se de cuenta del truco y admire la técnica
fotográfica y sus posibilidades, así muestra también el
poder creativo de la fotografía.
 Los dos caminos de
la vida, 1857,
Rejlander.
Es una foto
tremenda, llena de
composición. Es
una escena que en
algún momento ha
existido, al menos
por partes. a través
del montaje une los
diferentes motivos. toda la escena no estaba junta a la vez, está hecha por
sectores. de hecho en el centro hay una especie de sabio y los que están al lado
son la misma persona. La decoración varía en cada escena. Orden /desorden,
civilizado/salvaje, apolíneo/dionisiaco.
Esta fotografía mezcla la alegoría, el mito y la historia. Para la obtención
de la imagen final hay bocetos en papel y después muchas tomas fotográficas
distintas, montados después los negativos montando el positivo en una sola hoja
de papel y después vuelto a fotografiar para que no fuera el collage, de este
modo no se notaba la cocina fotográfica. Es una alegoría moral, donde un sabio
introduce en la vida a
dos jóvenes, y muestra
los dos caminos. Hay dos
versiones, donde
cambian algunos
elementos, el sabio y
algo el atrezzo.
Rejlander se
dedicará también al
desnudo y tomará como
modelos a chicas del circo, prostitutas, etc. inventó un proceso de revelado y en
1873 visita a los vecinos de Margaret Carmeron e introduce a Cameron en la
fotografía, por ello explica los caminos por donde va la fotografía de esta
fotógrafa. En sus escenas resulta siempre teatral. Por ejemplo en el caso anterior
podemos ver cómo se inspira en la Escuela de Atenas. utiliza hasta 30 negativos
distintos, enlazados sobre un escenario. El resultado y el éxito de esta foto
tendrá una crítica tremenda por los desnudos, es tachado de ridículo.
❖ Las obras de Rejlander:
 ➔ fotografías de desnudo, algo que en pintura sí estaba asimilado, pero en
fotografía moralmente no está aceptado, ya que es un rostro real. La
fotografía no podía evitar el decoro, pero no es una composición
explícita, se busca al igual que en las odaliscas una sensación.
➔ Las lavanderas, 1856. se acerca a esa pintura del costumbrismo. pero al
ser un como la pintura barroca el significado es
➔ El lector de la biblia, 1858
➔ La infanta fotografía dándole un pincel adicional a la pintura, 1856.
Como arte amater está en nacimiento, pero igualmente le aporta un
pincel nuevo a la fotografía, es un aporte nuevo. una alegoría a su
función. Escultura como algo incompleto en esta fotografía, la tilda de
menos en este caso. en la pintura si cabe la escultura pero no al contrario,
y además resuelve el tema de la tridimensionalidad de la escultura,
poniendo el espejo.
➔ Alegoría, 1859, no sabemos de que. el marco es elegido para que parezca
un cuadro. ese medio punto es la voluntad de que parezca casi un
retablo.
➔ Paciencia, 1862-1868
➔ Ariadna, 1857
➔ Púgiles, 1854-1856.
➔ Charles Darwin, 1871
❖ Se exponían al público en salones, pero las primeras manifestaciones ya
fueron los retratos que se ponían a la venta en las tiendas. aún la pintura
sigue estando por encima de la fotografía como arte.
❖ Durante este tiempo, mediados del siglo xix, los fotógrafos intentan tener
el protagonismo de la pintura. Aparecen algunas como las pinturas de
Pedro de Campaña, vemos la foto del Excursionista, con el arco de medio
punto para que parezca una pintura.
➔ Los Tennyson, vecinos de Cameron, los cuales son fotografiados por
Rejlander, con aire distraído y mirada perdida, igual que Cameron pero
además ella difumina y convierte en neblina lo que era la nitidez de la
fotografía.
CHARLES LUTWIDGE DODGSON, LEWIS CARROLL. 1832-1898.
Autor de Alicia en el país de las maravillas, era diácono anglicano, un
orden sagrado, un paso previo a cura. Era también lógico, estudió filosofía, y
dentro de ésta la lógica. también era matemático, alguien brillante que además
se hizo fotógrafo. Cultivó la rama artística de la fotografía, pero será reconocido
de manera póstuma. Comenzó su carrera como fotógrafo en 1856, dominó la
técnica de manera inmediata e hizo de la fotografía el medio visual de su
filosofía. Reflexionó mucho sobre la belleza y la libertad, que además van juntos.
Este planteamiento tiene que ver con la inocencia edénica, el jardín del Edén
como paraíso. vivir en armonía pero en la ignorante. Belleza y libertad como
antítesis del conocimiento y la verdad. El que es sabio no es libre, no se puede
ser bello estando preocupado, no se es feliz.
Para él, el mundo edénico es el lugar donde el cuerpo humano podía ser
disfrutado sin sentimiento de culpa. El viaje del conocimiento occidental es el
camino hacia la culpa. El pecado original nos alejó al género humano del mundo
de armonía, donde la humanidad podía disfrutar de sí misma sin culpa. la
belleza como punto culminante de la perfección moral. Sólo aquel es
moralmente perfecto puede aspirar a la belleza. Esto no era bien visto en el
mundo victoriano, ni por los principios anglicanos ni por el código moral que
existía en el momento.
Veremos en su fotografía a Alicia, son casi todas retratos de niñas.
➔ Alice Liddel y Helechos, 1861. Era la hija
del Deán de Winchester. Estudió fotografía hasta
los 16 años, y esta es la niña que inspira a Alicia
en el país de las maravillas.
➔ Alice Liddell
como mendiga.

En esta foto ya vemos

como la influencia
prerrafaelita está presente. (Dante Gabriel
Rossetti).
Irene MacDonald, 1863. PIctorialismo. Lewis Carroll.

Xie Kitchin, 1873.

Todas ellas son hechas al colodión húmedo.

San jorge matando al dragón, 1874. Tema
característico de un cierto nivel de la sociedad
victoriana.
casi nunca son miradas frontales, le da cierto
grado de misterio. El formato ovalado le da un
carácter más pictórico a la imagen. Lo que se
trata es de lograr con esta fotografía artística
algo opuesto a lo que consiguen los retratistas franceses que buscaban captar la
realidad a través de la mirada del retratado. La fotografía más que un registro de
la realidad, es un registro plástico.
HENRY PEACH ROBINSON. 1830-1901
va a ser un gran eslabón en el mecanismo de expresión plástica. se van a
usar cada vez más recursos pictóricos y se va a escribir sobre ello. Escribió dos
obras: Pictorial effect in photography, 1869. y picture-making by photography,
1884.
Se representarán imágenes que no forman parte de la realidad, sino que
son pictóricas, representaciones miui elaboradas, se busca la armonía la
composición, la grandiosidad, los temas elevados, etc. Robinson representa una
nueva dimensión, aportará un carácter académico, canónico a esta fotografía.
Este carácter se dará a través de estas dos obras. En la primera obra teoriza
defendiendo la visión pictórica de la fotografía, y en la segunda obra cambia
ligeramente de opinión y propone que es el fotógrafo el que tiene que esperar a
que la realidad componga el cuadro. Hay dos caminos para el resultado
pictórico: composición, creación o buscar el momento, fotógrafo como
rastreador de la realidad, donde se ocultan momentos pictóricos.
Sus inicios están en la pintura prerrafaelita. su primera fotografía
conocida es: los últimos instantes responde a esos criterios, es una escena
imaginada, muy teatral que busca la
armonía entre las figuras. utilizará
hasta 5 negativos, es una fotografía
muy pictórica porque hay luz
uniforme, no hay naturalidad en la
iluminación, algunos críticos dicen
que debe ser honesta en cuanto a la
iluminación. Se tratan también los
bordes de la foto para que no se
noten los recortes. El asunto es que
no transmite emoción, es una imagen poco expresiva, con un tema dramático.
se visibiliza algo muy importante, los recursos aceptados en pintura no serán
aceptados en la fotografía, se considera indigno el uso de ese montaje, no
obstante serán muy populares este
tipo de imágenes. La dama de Shalott,
base de un poema, de Tennyson, es
un montaje, una composición y
montaje después fundido y por
último retoques.

Cuando acaba el trabajo del día.

Todo esto estaba conectado con el mundo artístico del momento.
Caperucita roja llega a la puerta de la casa de su abuela 1858.

ANDRE´ADOLPHE DISDÉRI, 1819-1890

Se da un salto de nuevo en el retrato comercial. inventa un nuevo
formato fotográfico, crea la carte du viste, fotografía de retrato de pequeño
formato, 6*9 cm . Gracias a su bajo precio va a impulsarse en todo el mundo, y
que tiene su raíz en la cámara con 4 objetivos y que contiene 4 compartimentos.
Hace 4 imágenes iguales a la vez. no siempre serán iguales. Hay 4 disparos que
pueden ser en el mismo momento o secuenciados. se hace al colodión húmedo.
Quiso hacer carrera en las artes pero la muerte de su padre lo obliga a
dedicarse a los negocios para cuidar de su familia.
Tuvo inicios poco exitosos en la pintura y en 1854
comienza a hacer daguerrotipos, experimenta y
da el salto cuando patenta esta cámara
fotográfica. esta cámara la haberá de 6,8 y 12
pequeñas fotografías de formato 9*6. Este
tamaño es el de las tarjetas de visita. Era una
manera de relacionarse.
Esto
convierte a
la fotografía
de retrato comercial en un negocio muy próspero. Disderi conseguirá una gran
fortuna. la denominará carta de visita o retrato de visita. Tendrá el estudio más
grande de París y abrirá sucursales en las ciudades más importantes de Europa.
Un momento culminante será el año 1859 cuando Napoleón III se hace una
fotografía en el estudio de Disderi.
Inaugura una nueva dimensión del arte de la fotografía. El elemento se
presenta en formato blanco y con la
firma de su creador. será el
causante de la ruina y cierre de
daguerrotipado. que o se
reconvirtieron en talleres de Disderi
o simplemente desaparecieron.
También hará fotografía
documental con el conflicto de los
comuneros, haciendo fotos de los
estragos de ese momento. Además
iniciará más adelante en NIza la fotografía ambulante en las playas. no solo
practica la fotografía, sino que se convierte en un teórico: el arte de la fotografía,
que señala que un retrato tiene que considerarse arte, para que eso pueda
darse añade que debe tener las siguientes características:
1. Fisonomía agradable
2. NItidez general, sin efectos antinaturales
3. Proporciones naturales
4. buscar la “belleza”, esto es lo más subjetivo.
Disderi inició el camino de practicar el desnudo fotográfico con carácter erótico,
que tambien le trajo mucho éxito
comercial.
La ventaja económica es utilizar una sola
placa para 8 fotos, costaba 5 francos
frente a los 100 francos del daguerrotipo,
o 100 francos de la foto de Nadar. pese a
su pequeño formato es un rival
inigualable. destrona al daguerrotipo y
establece el colodión como elemento
sobresaliente en la carrera comercial de
fotografía. la placa se positiva por contacto sobre papel y de ahí pasa a una
cartulina definitiva de venta. interesa el efecto de la fotografía, casi todas son de
cuerpo entero, no buscan la expresión del rostro.
 Se crean estereotipos, se usan disfraces, etc. Se impone la pose
fotográfica e introduce lo que conocemos como el utillaje básico del fotógrafo
comercial: cortinaje, sillón, etc. al ser más barato permite ciertas licencias que
anteriormente no se había podido plantear, como es el aspecto lúdico de la
fotografía. por ejemplo hacer fotos disfrazado, etc.
también se dedicará a la venta de fotos de personajes famosos, algo muy
lejano para nosotros en este momento.
Disderi termina arruinado y muy mal de salud, dilapida su fortuna y
termina como fotógrafo ambulante en las playas y desaparece ya enfermo en un
sanatorio de París.

El uso del colodión servirá como registro de los

viajes y acontecimientos lejanos. Aunque las
expediciones con el colodión eran pesadas por el
aparataje se siguen editando álbumes con
monumentos. Un ejemplo es el álbum de
Frances Frith. Egipto, Nubia y Etiopía ilustrada.
En estos álbumes se va experimentando
con el encuadre para lograr mayor efecto de
tridimensionalidad. Se harán las llamadas fotos
estereoscópicas, fotografía tomada con un ligero
cambio en el encuadre, que dispuestas en un

visor hace que tengamos una

sensación de
tridimensionalidad y
espacialidad mucho mayor.
la foto cobra profundidad.
JOHN DILLWYN LLEWELYN,
1810-1882
Se supera la ambientación figurativa de los daguerrotipos, se da una
conexión directa con la pintura romántica. son fotografías de una serie de
movimientos.
un álbum con animales salvajes representados.
ROGER FENTON, 1819-1869.
Otra aplicación de la fotografía al colodión es el reportaje de guerra. El
reportaje de guerra tendrá presencia a partir de este momento, y la primera
será la que ocurre en Crimea. Fenton realiza el primer reportaje de guerra en el
mar negro entre el imperio ruso y una alianza entre franceses, ingleses, sardos y
piamonteses, (aún no existe Italia).
Tras estudiar derecho en París se desplazó en 1852 a Rusia haciendo
reportajes fotográficos. Cuando regresa a Londres expone estas fotos y tuvo
gran reconocimiento. En 1855 regresa a Crimea para cubrir la guerra. su
fotografía es un valioso testimonio de la contienda. es el primer fotógrafo de
guerra. Esa buena fama le vale la amistad con el príncipe Alberto y consigue
incluso la instalación de un laboratorio fotográfico en el castillo de Windsor. Es
un personaje muy elevado de aquel momento.

visión de
la guerra
no
cruenta.
Estas
imágenes no tienen una función
sensacionalista sino tranquilizadora,
dar testimonio de las tropas.
No se admitía la violencia en el contenido de las fotografías. debía tener una
exposición de 5 a 15s, presentando una espontánea dispuesta por Fenton. No
presenta a personajes heroicos sino a personas con aire cotidiano en un entorno

grave.

JAMES ROBERTSON, 1813-1888. FUERTE

RUSO TRAS LA RETIRADA DE LOS RUSOS.
1855. Rompe con la fotografía cuidada y
tendente al pictorialismo.

MATHEW B. BRADY, 1822-1896

También se fotografiará la Guerra de Secesión norteamericana, desde el
mando del norte. Deja constancia con imágenes muy enérgicas. no escatimará
en la crueldad de los resultados, no son
imágenes anecdóticas.
se muestra la imagen de los
campamentos, etc.
TIMOTHY O`SULLIVAN: la cosecha de la muerte, será más crudo aún.

también se muestran los

combatientes con aire de suficiencia, despojado de complemento, sólo su rostro
y el uniforme. General Sherman

➔ FOTOGRAFÍA AÉREA. Tendrá muchas

aplicaciones, como por ejemplo la
fotografía urbana, JAMES WALLACE
BLACK 1860.

Vista de Boston, como la vería el águila o

el ganso salvaje, con un valor documental
incalculable, se inventa incluso el enviar pájaros
con dispositivo fotográfico.
Otra posibilidad que revelará la fotografía,
será los usos del espionaje, la microfotografía que
hace fotos de documentos. se descifran con un
megascopo. Se utilizarán en la guerra fotografías
de colodión de 1mm. servían para el descifrado de
mensajes entre las unidades militares.
 Ese comienzo de uso militar plantea el principio de la ampliadora, si se
toma una foto de pequeño formato y luego se puede ampliar gracias a la luz,
también se pueden tomar fotos sin ser de carácter militar se puede ampliar la
imagen para imprimirla por contacto en un positivo más grande.
Son experimentos minoritarios porque aún no existe la electricidad. la luz
se consigue por la lámpara de aceite o por espejos que canalizan la luz directa
del sol, son experimentos lentos por la poca potencia de la luz.
1870- con la presencia de la luz eléctrica se consigue el uso de esta
ampliadora. la bujía como luz eléctrica y potentes reflectores metálicos para
poder fotografiar con un aporte de luz artificial en este casol
Cloacas de París, nadar, 1860 con luz eléctrica y una exposición a la luz
de 18.
➔ 1860 primeras exposiciones fotográficas. surgirán también en este
contexto las grandes exposiciones universales en París como una novedad
tecnológica. Estos años 50 y 60 serán años que en el contexto francés la
fotografía luchará para que tuviera un contexto artístico, Nadar tendrá el
rechazo de la pintura para tener un hueco. En 1859 se consigue por
primera vez la presencia de estos salones en la Exposición anual de bellas
artes pero en un lugar separado y con entrada separada, fue sin duda un
éxito y la crítica la valoró enormemente pero con gran polémica.

TEMA 5. NUEVAS APLICACIONES DE LA FOTOGRAFÍA

Hasta finales del siglo xx el objetivo de la fotografía es captar lo que el ojo
humano no puede detectar de manera cada vez más rápida.
En este tema tendremos aplicaciones, una de estas aplicaciones será una
heredera de la fotografía, el cine. El idioma del cine es el de la fotografía. Esta
será la gran aplicación de la fotografía, pero además se utilizará en la industria,
la medicina, etc. ámbitos no artísticos pero muy importantes.
➔ Exposiciones fotográficas a mediados del siglo xix Nadar junto a otros
elevan a la fotografía al rango de gran arte. Esto está sustentado por dos
grandes cuestiones: 1. la presencia de la obra fotográfica en los salones
anuales de arte, 2. presencia de fotografía en las exposiciones universales
de Europa. De manera paralela y con intención de divulgar la técnica
fotográfica y su vinculación al arte aparecerán revistas como Daumier.
también asociaciones, como la Sociedad francesa de fotografía o la
Sociedad fotográfica de Londres.
 Será muy difícil exponer y conseguir por parte de la fotografía la
exposición en estos salones. Las exposiciones universales pondrán en
marcha un modelo de cooperación comercial internacional. El periodo de
los monopolios ha finalizado, y la fotografía será un buen ejemplo de ello.
El avance de algo si se comparte implica más progreso y riqueza. Por ello
las exposiciones universales sirven para poner en común lo mejor de cada
país en busca de un crecimiento y un progreso. Estas exposiciones se
harán en las principales ciudades de Europa y América.
1855- la Fotografía tendrá un papel secundario, pero si se le considera
tener una autonomía en sí misma. ya no es una exhibición circense, ya no
es sólo una investigación de unos pocos. No obstante se le niega la
presencia en el Salón de Bellas Artes, y en el 57 también se le negará esta
presencia. En 1859, por fín la pintura accede a que la fotografía esté en
estas exposiciones, el estado, ante la presión social considera esto
positivo, aunque en un lugar separado y con entrada a parte, sin embargo
con gran éxito. Las revistas harán críticas a la obra fotográfica como si se
tratara de obra pictórica.
➔ Avances técnicos: Por otro lado en cuanto a los avances técnicos
seguimos teniendo que ir cargando con un laboratorio. Esto hace que
exista un impulso que permita, por ejemplo conseguir la placa seca,
poder preparar la placa de manera previa, y no inmediatamente antes de
la toma fotográfica. esto posibilita el no tener que preparar in situ el
material sensible. la albúmina que servía para fijar el colodión será el
punto de partida para la placa seca. En 1855 Jean Marie Taupenot,
presenta el colodión seco, la placa de vidrio estaba revestida de una placa
de miel, albúmina o gelatina, que evitaba que se secara el colodión
impregnado en la base.
➔ WILLIAM HENRY JACKSON , foto del Cañón del Colorado, había sido
dibujante y explorador, su obra se dedica a tratar temas del oeste de
norteamérica. Gracias a sus imágenes se consiguió la declaración de
Parque Nacional para Yellowstone. de manera paralela en Gran Bretaña la
The Liverpool Dry Plate, patenta en 1864 una técnica intermedia, que
permite en el soporte de vidrio una fotografía con bromuro de plata que
no necesitaba ser revelada inmediatamente después de la toma
fotográfica. por tanto se agiliza el proceso, sólo hay que sensibilizar, el
revelado se hacía después. esto se llamara el proceso del Colodión
Bromuro. El resultado es de gran nitidez, pero la sensibilidad es menor,
por tanto son de mayor tiempo de exposición, por ello se eligen paisajes.
➔ ALPHONSE POITEVIN, hace grandes avances. a partir de la gelatina seca
se van a hacer toda una serie de avances., junto con RICHARD LEACH
 MADDOX, publican en 1871 en el prestigioso medio especializado, British
journal of photography, los resultados de una composición compuesta de
bromuro de cadmio (alcalino) y gelatina con agua al 50 %, esta mezcla
que es una emulsión, se sensibiliza con nitrato de plata y se extendía
sobre la placa de vidrio. El resultado es que con una placa seca se obtiene
la fotografía, no obstante también es lento.
➔ consiguen descubrir que además de la humedad, para aumentar la
sensibilidad el aumento de la temperatura también es un factor
importante. Con el calor los átomos se mueven más rápidamente, por
ello funcionan mejor las sustancias, el calor como medio de activación. Si
se deja en una temperatura constante de 30-32º durante 2-10 días se
consigue más sensibilidad. Es por tanto la placa a Gelatino bromuro, se
obtienen las mismas calidades del colodión y sin necesidad del
laboratorio ambulante. 1/25 velocidad de obturación, ejemplo de la foto
de la mula explotando.

Se inaugura una nueva etapa con este

procedimiento. Las tonalidades dentro
de los grises, los matices son mayores.
Otra ventaja es que los positivados se
hacen con proyección, y con ello aumentar el formato de la fotografía. El
positivo es en papel baritado que es impermeable, y se le extiende la
emulsión al gelatinobromuro.
➔ SIR JOSEPH WILSON SWAN, descubre que la temperatura hace
que las placas sean más sensibles. también patentó el papel seco
para los positivados.
Habrá una diversificación de la fotografía, empieza la producción en serie
de cámaras fotográficas y toda una serie de accesorios, existe un nuevo
mercado. ya no es el estudio del fotógrafo, sino el laboratorio. Por primera vez
se separa el proceso de toma fotográfica de los procesos de revelado y
positivado. hasta ese momento había sido indisoluble. Seguirán existiendo los
estudios fotográficos, y se beneficia del gelatino bromuro porque facilita el
proceso.
También surge el fotógrafo aficionado, un consumidor del hecho
fotográfico. un consumidor que consume un producto comercializado. Las
nuevas placas son 10 veces más sensibles que una placa de colodión húmedo,
esto favorece el camino hacia la instantánea. Esto seduce al público y permite la
realización de la fotografía a mano alzada.
El tamaño de la fotografía se reduce, ya no hace falta, ya que el
positivado será por ampliación, gracias también a la luz eléctrica. aparecen los
reporteros gráficos y el impacto social de la fotografía será inigualable. El
siguiente paso es mejorar el material sensible, algo no tan frágil como el vidrio, y
es en 1896 cuando aparece un nuevo soporte para el negativo fotográfico, la
celulosa. el talbotipo y calotipo usaba papel pero tenía trama, la celulosa no
tiene esta trama. Después vendrá el celuloide, que es con el que se harán las
primeras pelis, es una materia plástica y también volátil y muy inflamable. En la
actualidad, acetato de celulosa, permite nitidez y que no se rompa, ni se altera
con la temperatura. se gana también en peso, el cristal es denso y pesa mucho.
siempre se había buscado un material más fuerte, se ensayaron procedimientos
con placa de vidrio y una tela que se quitaba, pero era también delicado
En el gelatino-bromuro se intentó el procedimiento de emulsión
desplegable del vidrio, incluso la posibilidad de trasvasar la emulsión a un papel .
No fueron procesos ágiles, será por tanto la entrada del celuloide y después el
acetato de celulosa los grandes avances. se buscará la fórmula de producir
comercialmente este producto. Hay una carrera industrial para conseguir el
mejor producto químico, no sólo para la emulsión sensible, sino también los
productos de revelado y positivado. Se comenzará a trabajar con la luz naranja o
roja, para así poder ver y no se alteren las fotografías.
El mundo de las cámaras fotográficas se mejorará del mismo modo, de
forma paralela a los avances químicos habrá progresos en la parte mecánica y
óptica. se trabajará de manera industrial. El fin de todo esto es que se pueda
sacar una fotografía del ámbito de lo especializado, es un proceso de
democratización de la fotografía.
Se inaugura la era de la fotografía abierta a la gran masa de público, y que
abre una brecha importante entre la fotografía de usuario, de aficionado con la
profesional, y por encima de todas la artística. Los fotógrafos artistas tenían sus
laboratorios, le daban más independencia en cuanto al perfeccionamiento de su
obra. cuanto mayor tecnología mayor control de lo que se está haciendo. Se
mantiene el carácter artesanal de la fotografía.

➔ GEORGE EASTMAN, 1854-1932

 En un primer momento, fue empleado de banca, como prototipo de
emprendedor americano. Poco a poco, se interesó por la fotografía, trabajando
en algunos establecimientos. Pretendía sacar el mayor rendimiento a la
fotografía por medio de placas emulsionadas y sensibilizadas prefabricadas para
facilitar las labores del fotógrafo. En 1879, patenta una máquina en Inglaterra en
donde la mezcla del gelatino-bromuro se aplica de una forma homogénea por
toda la superficie del vidrio. Un año después, comienza a distribuir por Estados
Unidos este invento, que recibió el nombre de EASTMAN.
De forma paralela, fabrica una Cámara de 4x5 pulgadas con un objetivo
de 12 placas y con un trípode por el precio de 12,5 dólares. Gracias al éxito que
estaban adoptando estos inventos fotográficos, decide abandonar la empresa de
banca y funda su propia empresa, EASTMAN DRY PLATE COMPANY, especializada
en la CREACIÓN DE CÁMARAS FOTOGRÁFICAS.
Gracias al éxito y a la financiación de sus colaboradores, se crea el
celuloide, entendido como una película transparente.
Este sería el inicio del desarrollo del primer carrete fotográfico. Sus
patentes se consiguieron en 1884. Se debe de enrollar para introducirse en la
Cámara fotográfica. Posteriormente, se crea la KODAK CAMERA 100 VISTA, la
primera Cámara fotográfica de Kodak, Cuenta con una lente muy simple y con
un objetivo no manipulable, enfocado hacia el infinito. Su nombre es peculiar, ya
que se quería que se entendiese en todos los idiomas. Sería la Cámara con la
que triunfase en Estados Unidos desde 1888 y se convirtiese en esta admirada
empresa. Contó en un principio con un precio de 85 dólares. Gracias a la
democratización de la fotografía, más personas podían tener imágenes de sus
seres queridos y la necesidad de tener que acudir a un estudio. Lo podemos ver
muy claro por el lema de la empresa “usted aprieta el botón, nosotros hacemos
el resto”. Una vez que se realizaban todas las fotografías y el carrete ya estaba
lleno, se debía de acudir a una sucursal o tienda Kodak para revelar las
fotografías.
Tendríamos, como resultado, un nuevo carrete en nuestra Cámara Kodak
y las imágenes reveladas. Uno De sus inconvenientes es que la fotografía salía en
un formato muy pequeño, pero tenía muchísimas ventajas, como por ejemplo la
mejora en la velocidad de obturación (lo que indica que no es necesario utilizar
un trípode), y en 1891, se mejora con simplemente mandar el carrete a la
central Kodak, no teniendo que llevar la propia Cámara.
Es un modo de producción totalmente industrial, en donde todos los
americanos podían tener una cámara Kodak. Una de las más características
aparece en 1890, llamada la Cámara BROWNIE, una Cámara para niños que
permite hacer 6 fotografías.
Costó un dólar. Su evolución la Cámara BROWNIE TARGET SIX-20.
➔ LA CAPTACIÓN DEL MOVIMIENTO EN LA FOTOGRAFÍA; IMPORTANCIA
PARA EL MOVIMIENTO FUTURISTA
El objetivo que tendremos en estos años de finales del siglo XIX será la
descomposición del movimiento, ya que a veces las fotografías aparecían de una
forma muy rígida y con poca vitalidad (teniendo en mente aquellas fotografías
que se realizaban justo cuando se inventó la fotografía de retrato, cuyas poses
eran realmente rígidas). Gracias a las mejoras en la velocidad de obturación,
muchos fotógrafos se centrarán por querer captar el movimiento, querer
congelar ese instante, por lo que la velocidad de obturación debía de ser inferior
a 1/10 segundos (clave dada por el fotógrafo HECHER). Por ello, nos centraremos
a continuación
en dos personajes que experimentaron con el deseo de querer congelar
el movimiento EADWEARD MUYBRIDGE Y ETIENNE-JULES MAREY.
➔ EADWEARD MUYBRIDGE
Se trata de un fotógrafo que se
recuerda por ser el primero que
registró a humanos u objetos en
movimiento en la fotografía. En los
años 50 del siglo XIX ya era un
reconocido fotógrafo por haber
realizado fotografías de carácter
antropológico de Centroamérica y
Alaska. Debido a una apuesta con el
gobernador de California Leland
Stanford, quería demostrarle que los
caballos al galopar levantaban las 4
patas del suelo. Tras varios intentos, en
1878 puso en una línea una serie de
cámaras fotográficas conectadas entre
ellas por hilos que el caballo rompería a
medida que galopaba. En concreto, realizó 12 imágenes que demostraban que
los caballos sí levantaban las 4 patas del suelo a galopar, aunque realmente se
expanden.
Esto nos recuerda al origen del cine por medio de instrumentos como el
Fenakistoscopio y el praxinoscopio, en donde se presentaban fracciones de
segundo para separar las escenas y aparecía el caballo en movimiento, mejor
diríamos los momentos más concretos de ese movimiento.
➔ ETIENNE-JULES MAREY
Fue un fotógrafo que
trabajó en la
descomposición del
movimiento, buscando
mejoras y teniendo
objetivos más expertos y
complejos para captar el
movimiento, como es el
caso del vuelo de aves. Hace uso de un
FUSIL FOTOGRÁFICO, en vez de usar las
12 cámaras de Eadweard Muybridge. Se
inspiró en el arma del revólver, así
poniendo cada vez que apretaba el
gatillo, un nuevo papel fotosensible en el
objetivo. Estaba formado por placas de
metal. Es por ello que recibe el nombre
de fusil fotográfico. Así, se podía trabajar con una corta velocidad de obturación
que permitía captar el movimiento. A sus fotografías, las llamó
CRONO-FOTOGRAFÍAS, con las que capturaba el movimiento de forma sucesiva.
Tuvieron una gran importancia para el campo del arte. Estas escenas,
tanto de aves como de movimientos humanos, se popularizaron y se dieron a
conocer rápidamente. Un ejemplo de pintores que también se interesaron por
captar el movimiento fue Degas, usando de referencia las fotografías de Marey.
Otro de ellos es Duchamp, del que vemos su obra Desnudo bajando por la
escalera, que proyecta el movimiento de un personaje que baja por las
escaleras. Fue una obra a la que LIFE homenajeó en 1952.
Realmente, fue en el movimiento futurista donde Marey tuvo una mayor
huella. Se trata de un
movimiento que plantea una
ruptura con la tradición y se
deja llevar por los avances
técnicos del momento.
Ejemplo de ello es la obra de
Giacomo Balla, de 1912 con
DINAMISMO DE UN PERRO CON CORREA, MANO DEL VIOLINISTA y
MUCHACHA CORRIENDO EN EL BALCÓN.
Como críticos de las obras de Marey (el fotógrafo) y Balla (el pintor de
estas obras) tenemos la figura de ANTON GIULIO BRAGAGLIA, que considera
que no eran capaces de mostrar la continuidad en el movimiento. Es por ello

que escribió la obra FOTODINAMISMO FUTURISTA y llamó a estas obras

FOTODINAMISMO. Quería ofrecer una fotografía dinámica que mostrase todo el
recorrido en su movimiento, por lo que debía de realizar fotografías con un largo

tiempo de exposición.

Nunca se llegó a reconocer el valor artístico de la fotografía ni del cine de

la corriente futurista, ya que se consideraban puramente mecánicos.
Dentro de esta fotografía en movimiento, debemos de destacar a quizás,
su mayor exponente:
 ➔ HAROLD EDGERTON, creador de la FOTOGRAFÍA DE ALTA VELOCIDAD.
Una de sus obras más famosas es EL GOLFISTA, 1937, MOMA, en donde
se presenta el movimiento completo de un golfista. Trabaja con flashes
electrónicos y con una velocidad de obturación de 1/ 1.000.000. Es el
flash el que capta el movimiento, no los disparos de la cámara. Su álbum
más conocido es “Lo que el ojo no puede ver”.
En el mundo del cine, podemos comentar la primera película que se
conserva de la historia. Se llama “La escena del jardín de Roundhay”, de un total
de 2 segundos y fue realizada en 1888 en Reino Unido. Ya se puede presentar la
imagen en movimiento, 8 años antes que los Hermanos Lumiére y que Eddison.
Fue una película realizada por LOUIS LE PRINCE, a quien se le considera como el
verdadero inventor del cine por esta película. Es más, se interesó en el mundo
de la fotografía desde pequeño porque su padre era amigo de Daguerre.
En septiembre de 1890, desapareció con su equipaje, no teniendo
noticias de él a pesar de que estaba en un constante contacto con su hermano.
Todo un misterio. También realizó otra película llamada EL PUENTE DE LEEDS.
Esa herencia de Marey y de Muybridge se sigue utilizando en la actualidad. Lo
vemos por ejemplo en el siguiente vídeo de uno de los parques de Disneyland,
con el que se usa un zoótropo.
https://www.youtube.com/watch?v=RjSxrVXsfVM.
HAROLD EDGERTON, EEUU OBRA IMPORTANTE. IMPRESIÓN EN GELATINA DE PLATA
EL GOLFISTA, 1937, MOMA Nos encontramos ante la obra más importante de
Harold Edgerton, “El golfista”. Es el máximo exponente
de la fotografía de alta velocidad, una técnica utilizada
para aspectos científicos. Trabajaba con flashes
electrónicos y con una velocidad de obturación de
1/1000000 set. El flash es lo que realmente capta el
movimiento, no la cámara. Se mostraban todos los
elementos congelados. Podemos calificarlo dentro de
la corriente futurista en fotografía, junto a otros
autores como Muybridge y Marey.
La impresión en gelatina de plata es uno de los
procesos que marcaron un antes y un después en la
fotografía. Permitía disminuir los tiempos de
exposición. Fue el método que reemplazó al colodión
húmedo. Se forma por medio de la mezcla de gelatina
y sales de plata. Se utilizaba papel de buena cantidad y
fotosensible. Fue un método expandido a finales del
siglo XX.

Otras aplicaciones que va a tener en este mundo de la fotografía del

movimiento este descubrimiento.

➔ ALBERT LONDE fue fotógrafo, investigador médico, francés que trabajó en

el ámbito de la cronofotografía. Pasó a la historia por su trabajo dentro
del Hospital de Salpêtrière en París. Además de ser el pionero en la
fotografía de rayos X. Durante 2 décadas se convirtió en el fotógrafo
científico más conocido de su momento. En el Hospital pública de la
Salpêtrière, se encargó en el 56 como emplazamiento y era un hospital
para pobres y vagabundos de la ciudad. En realidad, el complejo tenía 3
partes: una para los niños, la de hombres y la Salpêtrière que era para
mujeres. Allí estaban mujeres denunciadas por sus maridos o padres por
prostitución. En la Revolución Francesa pasa a ser un hospital dedicado a
acoger enfermos.
 En 1878 un neurólogo, Charcot contrató a Londe para fotografiar los
movimientos físicos y musculares de los pacientes de epilepsia. Lo que se
pretendía era poder predecir un ataque epiléptico. Para eso Londe montó una
cámara con 9 y 12 lentes que se actuaban electromagnéticamente y con un
metrónomo secuencia los obturadores. Londe consigue con un mismo aparato
las 9 fotografías en un solo positivo. De manera que esa cámara con 12 ojos es
capaz de hacer series fotografías que permitían hacer un complemento de la
diagnosis.

El neurólogo Charcot estaba muy preocupado por estudiar las lesiones

cerebrales que provocaba la epilepsia, y publicó hasta 119 imágenes con las
correspondientes historias clínicas donde se podían ver los diferentes
movimientos y espasmos que desarrollaba el cuerpo de una persona que sufría
un ataque de histeria, de ansiedad o epiléptico.

➔ GEORGES DEMENY, 1850-1917,

Holanda con 24 años se instala en París como ayudante de Marey. donde

se hicieron cientos de experimentos fotográficos. Demeny tenía ya prestigio, era
músico en la ópera de París como violinista y era profesor de educación física.
Esta función lo acercará a la fotografía, ya que es capaz de descomponer el
movimiento.

Pone en funcionamiento la fotografía parlante de tal modo que aprovecha las

funciones de la cronofotografía para enseñar
a las personas
sordomudas.

Inventa el *El fonoscopio,

que es capaz de proyectar un disco con una secuencia de
imágenes, se hace en 1895, cuando Lumiere patentó el
cinematógrafo, con lo cual no tuvo tanto éxito. Se trata
de poder proyectar las diferentes imágenes de los
movimientos de la cara, de tal modo que la persona
sorda imite ese movimiento y pueda ensayar la
articulación de las palabras. lo que inventa es un
artilugio que además tiene un sistema de engranaje que
hace que se pueda mover la película a una velocidad concreta.

Los lumiére se comen este invento.

El hace la fotografía de la palabra, secuencia en una serie de fotogramas
la expresión de diferentes frases.

➔ LA FOTOGRAFÍA EN COLOR
ESTE EPÍGRAFE DESBORDA LA SECUENCIA TEMPORAL. Desde el inicio de
la experiencia fotográfica el interés y objetivo era reproducir una imagen de la
realidad fija y estable. de momento solo se consigue en escala de grises, el
material reactivo fotosensible aunque reacciona a todo el espectro de luz sólo es
capaz de alterarse en un sólo tono, al negro y toda su escala de grises. A medida
que avanza la técnica la escala de grises se perfecciona. Estas escalas grises van
al marrón, violeta, sepia, azulado dependiendo de la emulsión utilizada, pero el
carácter es siempre monócromo. Hoy día la reproducción del color natural sigue
siendo un problema, no llega a ser exacto con la realidad porque depende de
una serie de factores, toma de imagen, impresión, etc. Las fotos digitales casi
nunca se imprimen como un positivo, sino que se quedan en impresión digital,
con los colores básicos y van componiendo los colores. luego de la realidad a la
foto impresa va la toma fotográfica, el proceso informático donde se la
fotografia se autoedita, rgb (rojo, verde y azul). de ahí al zian, magenta y negro,
en estos transitos se pierde mucha información.
Niepce y Daguerre son conscientes de la falta de la incorporación del
color, por tanto se abren dos grandes caminos.
1. los que intentan desarrollar la tecnología para captar el color en la toma
fotográfica
2. los que quieren reconstruir los colores a través de la fotografía analógica
con procesos posteriores artificiales.
Muy pronto hubo procedimientos manuales, por ejemplo el Daguerrotipo
coloreado a mano. es fotografía con color. Se coloreaba con tinta, ya que al ser
transparente no pierde las formas de la fotografía, si fuera al óleo
estropearíamos la imagen fotográfica. los tonos eran limitados y el efecto de
color tambien lo es.
 Por tanto, la fotografía en color no tendrá una salida comercial a gran
escala por su dificultad. Sólo en el siglo XXI y con tecnología digital se ha
conseguido colorear documentales en blanco y negro. se van a suceder toda una
serie de experimentos que no consiguen fijar el color en fotografía. Hay una
primera experiencia en 1861 cuando se consigue la primera fotografía en color.
Con el tiempo sufren una decoloración, y los colores van desapareciendo.
Primera foto en color de James Cerk Maxwell, 1861. Imagen de una
banda de tela escocesa, la primera fotografía en
color duradera. entendía que la suma de tres
luces de color distina: rojo, verde y azul podía
reproducir cualquier color perceptible por el ojo
humano, utilizando filtros de esos tres colores la
fotografía en color podían ser producidas.
Por tanto Maxwell en un artículo periodístico
expuso que al tomar 3 fotos y en cada una de ellas
poniendo un filtro de cada color, estos negativos
proyectados con luz, permitía una imagen en color, pero no es fija. La segunda
parte de esto es hacer una foto del resultado.
En una conferencia en la real institución fotográfica de Londres, sobre
teoría del color, Maxwell presentó esa experiencia de descomposición y síntesis
del color a través de tres imágenes. fotografió la tela escocesa a través de los 3
filtros, y una cuarta fotografía con un filtro amarillo, consiguió que se vieran
fundamentalmente los colores opuestos al rojo y al verde, pero el azul fue el
mas dificultoso para reproducir. El paso del tiempo ha hecho que los tonos
varían. no hay tonos verdes porque las emulsiones que existían en el momento
no lo podían sintetizar.
este personaje a finales del siglo XIX que los haluros de plata de forma
natural sin insensibles al rojo y al amarillo, a la parte baja de la parte visible, por
ello se utilizaba luz roja en los estudios. luego en los haluros de plata, los rojos
no se captan.
Edmond Becquerel descubrió que si se exponen estas sales de plata a luz
ultravioleta las sales de plata si captan el rojo. Los daguerrotipos se bañaban en
tinta roja para que se dotaran de cierto color.
diferentes experimentos de este señor hará que se capte el color, aunque
sea de manera desvaída, 1848 sobre placas de metal sensibilizada con cloruro de
plata y evitando que le de demasiado la luz porque sino se pierde.
FOTO BUSCAR daguerrotipo bañado en rojo, 1580 Niepce de SAint-Victor. se
llamarán heliocromos, mantenían el color 50 años, después se desvanecía. para
conseguir la fotografía a parte de la parte sensible se añadían sustancias que
actuaban como filtro de color para el negativo.
*HOLOTIPO, Retrato a color, 1850. Recubrir una placa de metal con compuestos
de óxidos metálicos que reaccionan a los colores del espectro. Se creyó durante
un tiempo que eran un fraude, pero se ha descubierto que este procedimiento
reproducía algunos colores en el daguerrotipo. conseguí una parte y la otra era
de manera manual.
Charles Cros y Louis Arthur Ducos du Hauron, sin conocerse coincidieron
en un método fotográfico similar, y tanto coincidieron que el 2 de mayo de 1869
enviaron a la sociedad de fotografía un método similar. Ducos obtiene 3
negativos de un mismo tema filtrados y el positivo transparente se obtenía con
un colorante añadido al negativo sobreponiéndose. Es la llamada tricromía, la
base de los procedimientos actuales de la fotografía en color analógico.
Después de pasar por los sistemas de los 3 negativos, los sistemas de
reticulado o mosaico simplificaron mucho los procesos de obtención del color,
ya que se podían obtener en una sola superficie los colores primarios, se trata
de una síntesis aditiva. más adelante será el proceso sustractivo, de los tres
colores.
Ducos escribe, los colores en fotografía. vista de la ciudad de Agen, foto a
color.
Más adelante estos filtros se trabajan en el papel, el papel baritado.
Esto permite editar los libros en fotografía en color, son imágenes
ensambladas. Con esto se va a proponer métodos de reconstrucción del color
con el principio de visión anaglifo. con cristales rojos y verdes, o azules y verdes,
da sensación de color y de relieve.
➔ GABRIEL JONAS LIPPMANN, 1845-1921
Físico nacido en Luxemburgo, nacionalizado francés. Ganó el nobel de
física por conseguir mediante el fenómeno de la interferencia en 1908, sistema
nuevo de reproducción del color en la fotografía. este fenómeno es muy
complejo. Este fenómeno permite reconstruir de manera íntegra el conjunto de
longitudes de onda reflejados por un objeto. supone un medio de obtener
directamente los colores sobre una única placa fotográfica.
*El problema es que el sistema es tan complejo que fue difícil su
comercialización. de hecho en 2005 el proceso de LIppmann seguía siendo el
único que podía hacer reproducir el color sin el sistema de rgb. El sistema era
caro y utilizaba mercurio, además de necesitar tiempos de exposición
prolongados, pero la calidad del color es la mejor. Esto supone en óptica por
ejemplo, que al basarse en cómo viaja la luz por el espacio, las ondas se cruzan y
al encontrarse se sucede un momento de estatismo, denominado onda
estacionaria. El ejemplo lo vemos cuando en un charco tiramos una piedra, las
ondas en el agua tienen incluso a cruzarse y hay un momento en que se
detienen juntas. Con la luz es lo mismo, hay un momento en que se quedan
estacionadas esas ondas, es el principio del holograma, el cual se consigue por
medio de las ondas estacionarias.
Lippman consigue que esta onda estacionaria ocurra en el plano focal, de
manera que la imagen se plasma tal cual es sobre la superficie sensible,
reproduciendo además los colores exactos. Hizo uso de este fenómeno al
proyectar una imagen en una placa fotográfica que registra los detalles más
pequeños en una lámina de vidrio, y allí la emulsión fotográfica. la onda
estacionaria se fijó en esa placa. para ello usó un espejo de mercurio líquido, el
aspecto plateado no existe, sino que da ese aspecto plateado porque refleja
toda la luz.
Una vez procesada la placa se obtiene la imagen con el color con un
efecto parecido al de las pompas de jabón, donde la superficie refleja colores,
eso son ondas estacionarias. la luz en una superficie tan fina consigue captar la
onda estacionaria, no refleja ninguna imagen en este caso por ser curva la
superficie.
El procedimiento LIppman producía no un positivo, sino una imagen
negativa en color y no admitía duplicadas. Se
intentó comercializar pero no tenía un desarrollo
en este ámbito. Sin embargo sí que puedo
conseguir el holograma, tenemos el ejemplo de
una Naturaleza muerta, tomada en 1891-1899
totalmente en color. Es un objeto estático porque
su tiempo de exposición es muy largo.
 ➔ FREDERICK EUGENE IVES: CRONOGRAMA
Cuando se unen los tres pares de colores se consiguen colores muy vivos. Es el
mismo sistema que se utilizará para registrar el gran terremoto de San Francisco
de 1906.

Cámara con tres objetivos.

➔ SERGUÉI PROKUDIN-GORSKI, 1863-1944
Científico ruso que inició sus inicios en San Petersburgo. Pasa a Berlin y
Paris desarrollando fotos en color. de los resultados de sus primeras experiencias
surgieron lo que hoy llamamos la diapositiva. Incluso estas patentes de
diapositiva permiten utilizarlas en cine y en fotografía. la posibilidad de obtener
esas fotografías en color hace que conciba un gran proyecto documental para
registrar la enorme diversidad cultural del imperio ruso, con fines educativos en
las escuelas. Su proceso vuelve a consistir en una cámara que toma fotos
monocromaticas en una secuencia rapida, cada una con un filtro de color
diferente. al proyectar todas las imagenes juntas conseguia una toma de color
muy vivo.
Es un color muy potente, el aspecto es el de un cromo, porque estos
estaban hechos con esta técnica de adición.
 SERGUEI PRODUKIN-GORSKI (RUSIA)

arriba foto azul, sale en blanco. la segunda foto es verde, capta los tonos verdes del azul, por ello es
más oscura, y la tercera es el rojo, por ello las flores salen blancas.
Emir de Bukhara de Alim Khan, 1905-1915

Impresión en gelatina de plata (gelatinobromuro).

Nos encontramos ante la considerada como una de las primeras fotografías realizadas a color de la
historia. En ella, podemos observar una gran calidad de la fotografía, a pesar de que tiene más de 100
años. Este resultado a color es debido al interés en la época de conseguir fotografías a color, aunque
Niépce y Daguerre, padres de la fotografía, ya habían tratado de conseguirlo sin éxitos. A partir de los
planteamientos de Niépce de San Victor, a mediados del siglo XIX con los heliocromos, y de Clerck
Maxwell con el sistema RGB y el contrario, el CMY, Produkin-Gorski pudo aplicarlo dentro de su
fotografía.
Además, debemos de comentar que Prokudin-Gorski realizó avances dentro de la fotografía a color,
siendo cruciales para el continuo desarrollo de la fotografía y del cine. ¿Cómo lo hizo? Por medio del
cambio de filtros de una misma escena, superponiendo los
colores hasta conseguir los colores existentes de lo fotografiado. Al terminar de realizar la fotografía,
reconstruye por medio de estos filtros la fotografía. Es así como tenemos las primeras fotografías a
color. Fue contratado por el Gobierno Ruso para dar a conocer los avances científicos que estaban
llevándose a cabo, viajando y promoviendo
las obras por otras partes del mundo (como es el caso de la Exposición Universal de París de 1900).
Parecido es el invento de los Hermanos Lumière con el AUTOCHROME, que consistía en una serie de
mosaicos coloreados insertos en la placa de la cámara. Daba buenos resultados, pero sí que tenía un
alto número de grano/ruido. Nos han llegado a nuestros días
Los autocromos de la IGM, de Paul Castelnau. La impresión en gelatina de plata es uno de los procesos
que marcaron un antes y un después en la fotografía. Permitía disminuir los tiempos de exposición.
Fue el método que reemplazó al colodión húmedo. Se forma por medio de la mezcla de gelatina y
sales de plata. Se utilizaba papel de buena calidad y fotosensible. Fue un método expandido a finales
del siglo XIX.

El problema de estos procedimientos es que no había un medio para fijar el

color bien en un positivo fotográfico, eran imágenes proyectables para las
escuelas, eran diapositivas. los colores pardos en estos ejemplos salían más
apagados, pero los primarios salen muy vivos.
Después de estos procedimientos, aparece un sistema reticular llamado
mosaico, que funciona con una sola placa. La primera placa fotográfica en color
único, autocromo, fue patentada por los hermanos Lumiere en 1903, no llegó al
mercado hasta 1907. eran diapositivas en soporte de vidrio. Este sistema
funciona del siguiente modo: es parecido al sistema qué sucede igual en pintura,
el divisionismo o puntillismo.
Hay una reticula microscopica con puntos de los tres colores primarios, y
esto se proyecta en una placa fotografica en blanco y negro. cuando eso se
revela sobre papel fotografico el blanco y el negro regulan la intensidad de luz
sobre los pjtitos, y estos se quedan en blanco o negro, formando entonces una
imagen de síntesis aditiva. Los granos de colores se obtienen a partir del
almidón (proteína que está en la patata y el arroz, por ejemplo), que se tiñe con
3 colores: naranja, verde y morado. estos tres colores son los contrarios o
negativos del zian, magenta y amarillo. de este modo al hacer el proceso de
positivo negativo los colores se invierten, lo morado sale amarillo, lo verde zian,
etc.
Autocromo, Steglitz.
Autocromo de paul castelnau, Reims,
1917

El

resultado es granulado, producto de haber

sido fijado sobre almidón de patata.

Esto hace que tengamos positivos

en color, con los colores primarios
más fuertes, lo vemos en fotos de
los lumiere.
 A partir de este momento aparecen los sistemas comerciales de
fotografía en color.
En el año 37 aparecen en el 37 y en América en el 35, la kodachrome.
Esta película que se empieza a comercializar en
el 35, se ha dejado de utilizar en el 2009.
diapositivas en color con el sistema kodak. se
mandaban a revelar y te devolvían las
diapositivas, la película se cortaba y ponía en
chasis de plástico o cartón, esas eran las
diapositivas. por un procesos de síntesis
sustractiva todavía con grano en la imagen
aportaba color muy brillante. La película tenía 3
emulsiones cada una sensible a un espectro de
la luz. En 1937 aparece la versión europea con la diapositiva Agfa color, que el
gigante alemán comercializa con el mismo principio que el kodachrome.
Agfa tenía una ventaja importante, y es que encontró la manera de
incorporar los acopladores de los tintes en la propia capa de emulsión, por tanto
no había que teñir la diapositiva. a partir de 1970 la propia kodak utiliza los
acopladores.
Agfa consigue más colores tirando a los azules y kodak al rojo, hay una
guerra entre ellos por conseguir la mejor película.
En el año 41 de kodachrome se pasa a kodacolor, que ya no son
diapositivas, sino que está diseñado para ser una imagen negativa que no solo
muestra los colores primarios sino también los secundarios, permite la
impresión en papel. el negativo en color se proyecta en un positivo y el negativo
del negativo da colores reales.
según la sensibilidad veremos películas de
50 asa, hasta 1050 asa. lo que determina la
capacidad de captar la luz. Hasta 1935 no
tenemos el concepto de sensibilidad en la
película. Con esta comercialización
industrial tendremos una escala de
sensibilidad medida en asa. que después el
estándar internacional será ISO,
adaptándose con la misma numeración. La
sensibilidad viene determinada por el
tamaño del grano.
 *sistema aditivo

*sistema sustractivo ejemplo:

*película de diapositiva por capas.

Edwin Herbert Land y su invento Polaroid: fotografía instantánea.

Es un fenómeno fotográfico de amplitud mundial a partir de los años 60.
es la culminación de esa singladura de la investigación para obtener, y en este
caso se concentra en el mismo objeto las dos cuestiones: foto instantánea sin
necesidad de proceso de revelado y positivado, hacer la foto y tenerla en la
mano y además que fuera en color. 1963 es el año de aparición de esta película
en color de polaroid.
Proceso de la polaroid: ¿Cómo funciona la fotografía Polaroid?
Una película es una base de plástico recubierta con capas de partículas de
compuesto de plata fotosensibles a la luz azul, verde y rojo. Al exponer la
película, es decir, al hacer la fotografía, los granos sensibles de cada capa
reaccionan a la luz de ese color, obteniendo un registro químico del patrón de
luz y color. Es algo que en el contexto histórico y social donde se produce es
importante señalar, mitad de siglo xx en EEUU. Este país se convierte después de
la guerra como primera potencia, donde todo es posible, y su capacidad de
desarrollo y cambio es asombrosa. además estamos en una cultura la de
después de la guerra donde se inicia la cultura de masas, es decir, se rompe de
manera definitiva la membrana de las “clases sociales", la clase media está en
auge. Esto implica que haya una cultura del consumo que se acelera. Esto explica
el contexto de la aparición de Polaroid.
partiendo de la base del pelado del negativo, donde no se pueden hacer
copias, son positivos únicos. es la pega de un polaroid. A partir de ese final de la
historia del año 63, tenemos una historia que se remonta a 35 años anteriores.
En los años 30, EEUU sale de la gran depresión (crack del 29), Edwin
Herbert Land era conocido en el mundo de la óptica por ser el inventor del filtro
polarizado. Pese a los avances de agfa y kodak, el gran público, esa gran masa no
dispone de medios y conocimientos para hacer el revelado en casa, había que
esperar mucho para ver el resultado. Este hombre que era químico tenía una
hija, la cual insistía a su padre para que diseñara un invento para acortar dicha
espera, de este modo se puso a desarrollar esta cámara en 1948. rollo de papel
positivado al que se le añade una lámina que será el negativo. El proceso es que
el papel negativo tiene debajo el positivo, entre ambos se encierran una serie de
sustancias alcalinas que serán los agentes de revelado una vez tomada la imagen
el papel desplegado en el plano focal. se toma el negativo y se forma el positivo
detrás. Es un positivado por contacto dentro de la cámara. El revelado y fijado se
hace al sacar el papel y desplegar la imagen, por ello cuando sale la imagen no
se ve aún la imagen, reacciona con el contacto con la luz natural.
Esta primera cámara la Land Camera Model 95, sale al mercado por
89.75$, solo se hacen 60 uds y se agotan el primer día. no era barato pero tuvo
mucho éxito. Esto da como resultado que Land desarrollara la idea, y en el
primer año ya tenía 5 millones de ganancia en ventas.
La cámara irá cambiando pero siempre manteniendo el mismo sistema.
por ejemplo con la Polaroid SX-70. La polaroid nació para el consumo masivo,
pero actualmente para determinados artistas es una manera de arte. El
formato polaroid es el que se ha empleado para la red social instagram, tiene las
mismas proporciones. el el formato 1*1.
TEMA 6. LAS CORRIENTES FOTOGRÁFICAS A FINALES DEL SIGLO
XIX-XX.

6.1 Pictorialismo: Frederick H. Evans y Robert Demachy. Emerson y la

fotografía naturalista.
Veremos la elevación de la fotografía al nivel del gran arte. a convertirse
en una manifestación artística que goce de la misma consideración de las demás
artes tradicionales. Uno de esos caminos va a ser el pictorialismo, donde
veremos cómo los fotógrafos mimetizan su trabajo con la pintura. no solo utilizar
recursos compositivos o filtros, sino concebir en sí mismo el hecho fotográfico
como si de una pintura se tratase. Por tanto, en el pictorialismo será
fundamental que se perciba la mano del artista en cada obra, será esta
percepción lo que anula lo más opuesto a la propia naturaleza física de la
fotografía.
Se jugará con la textura y el color, los filtros, y de alguna manera tratarán
de confundirnos, hasta el punto de que no se perciba del todo si se trata de una
fotografía en sí misma o de un cuadro. la fotografía la entendían como evolución
lógica de la pintura, como si fuese el nuevo pincel. La fotografía no como una
realidad distinta, sino como extensión de la pintura. Además la modernidad de
este ámbito es muy sugerente.
Los puristas lo que nunca harán es renunciar a la naturaleza propia de la
fotografía, por ello explorarán los medios de expresión que proporciona la
fotografía y sólo la fotografía. poner en valor todo lo que en ella se sugiere.
Oscar Gustave Rejlander, la niña fotografía
prestando un nuevo pincel al pintor, 1856

La fotografía de los atajos que utilizan

Los pintores en la representación del mundo exterior, con la cámara oscura, por
ej. la fotografía nace con una voluntad de ayudar a los pintores. con el
crecimiento de la fotografía hace que ese maridaje pintura/fotografía se
convierta en divergencia. tendrá consecuencias en el propio desarrollo de la
pintura, por ejemplo el retrato tradicional no tendrá tanto sentido, por ello esta
bifurcación o dialéctica entre ambas materias hará que se enriquezca y durará
hasta nuestros días.
En los primeros pasos de la fotografía, Ella
nunca le dijo su amor, de Henry Peach
Robinson, fotografía que jugaba a ser
pintura.
Es aquí donde nace lo que se conoce
como el Pictorialismo.
Entre 1880-1920 se desarrolla el
movimiento pictorialista, que concibe al
artista fotografía como creador, que
reconstruye la realidad desde la imagen
dotada gracias a ese creador no solo de la fidelidad con la realidad, sino con
cierto aura artístico. alejando el resultado del simple procedimiento mecánico
de la obtención de la imagen. A propósito de esto tenemos publicaciones, El
efecto pictórico en Fotografía, 1869 Peach Robinson, donde plantea que el
pictorialismo supone hablar no de un mero registro de la realidad, sino de una
imagen. (representación de la realidad /reproducción de la realidad). Otro valor
de la fotografía es la singularidad, la originalidad, por ello los pictorialistas se
alejan de la mecánica de la fotografía incluyendo efectos pictóricos dentro de la
fotografía. De este modo se alejan de la vulgaridad, de que sea un fenómeno al
alcance de todos en ese momento.
Se crea un ámbito elitista dentro de la fotografía, y dentro de éste buscar
la autenticidad de la creación artística. Una de las dinámicas es negar todos los
avances tecnológicos y mantenerse en el procedimiento casi “alquimista” de los
inicios. Esta equiparación tiene la búsqueda de temáticas etc, al igual que la
pintura.
En la autodefinición de estos pictorialistas están las características de los
románticos del xix, inspiración y originalidad, frente al poder secundario de la
técnica fotográfica. su fin por tanto es que el resultado sean imágenes y no
reproducciones de la realidad. Esto lo consiguen con diferentes recursos.
Peter Henry Emerson, 1856-1936 Naturalistic Photography. hace un
canto a este tipo de técnicas para conseguir la imagen, la interpretación de la
naturaleza, etc. belleza en proporción a la habilidad del artista. Plantea que la
fotografía hace un uso de la realidad y la reproduce según su creatividad y
habilidad, fotografía con una parte técnica y una parte creativa por tanto.
➔ 1890, comienzan a surgir asociaciones de fotógrafos, congregaciones que
agrupan a los pictorialistas por todo el mundo. Es un reflejo del
asociacionismo pictórico. Hay una necesidad de crear grupo, de
movimiento artístico, ya que parte de esa valoración del artista radica en
 el movimiento. y encuadrarlos dentro de un estilo, cuando el arte es ya
completamente autónomo, no hay que seguir las normas de una
academia. a los pictorialistas les ocurre lo mismo, es una manera de
separarse del resto. Este asociacionismo busca igualarse a las
asociaciones de pintores. una forma de reafirmarse como grupo es hacer
lo mismo, es decir, exposiciones colectivas. Se crean clubes como la de
Viena en 1891, donde periódicamente hacían exposiciones, les daba
visibilidad.
➔ Ejemplos de la exposición:
-Los acantilados de Corbiere en la tormenta, Arthur r. Dresser,
-Archiduquesa maria teresa de austria, Estudio de Venecia, 1891.
-Arthur Burchett, Un caballero, 1891.
-Ralph Winwood Robinson, Dulce Primavera.
*Todas tienen en común una naturaleza pictórica.
-Grafin loredana da Porto -Bonin. Lección de religión
-Antonine Ruffo, Preince della Scaletta, Estudio de retrato.

➔ En 1892 surge la Confraternidad o hermandad del anillo enlazado, The

Brotherhood of the linked Ring, Londres, como la hermandad
prerrafaelita pero en fotografía.
➔ En 1893 vemos el primer salón fotográfico para exhibir fotografías
pictóricas. A través de estas exposiciones, no sólo de procedencia inglesa,
veremos cómo estos grupos van desarrollándose. buscan la valoración de
sus obras.
En este sentido tendremos una primera fotografía de un personaje:
Alfred Stieglitz, que empieza a formarse dentro de este ambiente. Esperando
el regreso, 1896.
vemos en estas obras como parecen ser la fotografía de un cuadro, usan
los mismos recursos. así llegamos al primero de los grandes pictorialistas del
siglo XIX. Frederick Evans, nace en Londres, 1853-1943. es librero y descubre el
fenómeno fotográfico, lo que finalmente le ocupa
todo el tiempo. En los años 90 se encarga de hacer
fotografías de catedrales con la técnica del
platinotipo, lámina de platino, la diferencia es la
nitidez. El proceso es sensibilizar un papel con una
solución que contiene cloro, platino y potasio. Se
obtiene un positivo a través de un negativo previo.
De esa época son las fotografías:
-Escaleras de la Catedral de Lincoln, 1895.
-Platinotipo, Catedral de LIncoln, 1898
 Tumba de la Catedral de York, 1903.
dejará esta técnica por la subida de precios
del platino.
Catedral de Bourges, Francia 1903
Portal de la muralla de Carcasone, Cripta de
la catedral de Canterbury, etc.
Podemos definirlo como un especialista de
fotografía de arquitectura, son imágenes
directas, donde la elección de la luz,
encuadre, profundidad de campo, recursos
propios de la fotografía.
Evans también
explora el ámbito
del retrato.
Retrato de Aubrey Beardsley, 1894.

Lo consideramos dentro de la fotografía pictorialista.

Por otro lado, y dentro del propio pictorialismo

tenemos a Robert Demachy, 1859-1936. Destaca
especialmente su estilo, en tanto que si interviene de
manera intensa en las fotografías, primero alterando
el negativo con pincel, añadiendo tinta, restando
emulsión, etc. Creando efectos durante el proceso de revelado y por supuesto
en el de positivado. además de la toma fotográfica. Su intención no es que la
fotografía se parezca a la foto de una pintura, sino que sea lo más natural
posible. Para él la fotografía no es un negocio, su preocupación es sólo artística.
su situación desahogada le dió la oportunidad de desarrollar en la fotografía
todas las opciones, escribe sobre fotografía, pero nunca se dedica a ella como
profesional. En 1892 ingresa en la sociedad francesa de
fotografía, lo que le pone en contacto con el resto de
fotógrafos europeos. funda el foto club de París, donde
pone de manifiesto las características del pictorialismo,
similar a la del anillo enlazado, y donde también será
incluido.
Goma bicromatada, impresión fotográfica, propiedad
de las sales de plomo, que al mezclarse con la goma
arábiga se vuelve insoluble a la luz. Primavera, 1899.
 Le da un carácter manual y pictórico a la obra, sin
duda la más conocida es La lucha, 1903.
La importancia de esta foto es que en 1904 sale
publicada en la portada de la revista Camera Work
n5, y eso lo hace viral, se hace
conocido.
otra será Retrato de un niño,ca.
1900-1910, se quiere otorgar la
textura del lienzo en el soporte.

Academia, 1900.
es una voluntad manifiesta de
crear algo que no parezca
pintura, sino que sea como la pintura.

Hasta ahora los primeros pasos del pictorialismo querían

acercar la fotografía a la pintura, pero con Demachy se quiere
que sea pintura. como si la fotografía fuera una parte de ella,
una misma naturaleza, y para ello transforma en la forma, la
temática el positivado y el revelado. Lo vemos en la última
toma, la titulada Academia, una academia desde el punto de
vista de la tipología es la práctica de dibujo de manera genérica.
Esta fotografía tiene un sentido muy profundo, se quiere ser
pintura sin poder serlo. porque lo único que no hay en foto y solo lo hay en
pintura, es el dibujo. incluso habrá fotógrafos que hagan bocetos de las fotos,
como el storyboard en cine, “el dibujo es el camino más corto entre la mente y
el papel”, Pedro Martínez Lara.
Estudio de retrato, 1897. Incluso firmado, como lo hacían los pintores.
Fotograbado.
 Se intervienen los negativos con elementos punzantes, como por ejemplo
con buriles, alterando la superficie donde está la sustancia fotosensible, en este
caso el betún, y así obtener resultados más plásticos. También utiliza técnicas de
estampación y dibujo, todo ello sustentado en publicaciones en los que pone de
manifiesto desde el punto de vista teórico-práctico sus conclusiones sobre la
fotografía y su naturaleza histórica. defiende el retoque fotográfico como el
medio de convertir la fotografía en algo único. En el pictorialismo bajo ese
principio se abominan las copias múltiples, al igual que en pintura no hay dos
copias iguales.
A parte de esto se hace un ejercicio importante de difusión de estas
ideas, tanto en publicaciones y del resultado de las propias fotos. A comienzos
del siglo xx Demachy escribe sobre este arte y organiza salones de su obra y de
otros compañeros, además de incluirla en publicaciones de revistas
especializadas en fotografía, convirtiéndose en un medio directo y lógico de
difusión de la producción fotográfica. Es un medio de difusión ligado al
fenómeno fotográfico, porque para ilustrarlas se
utilizan fotografías.
Foto publicada en la revista Camera work el 5 de
enero de 1904.

En 1906 abandona la goma bicromatada y se dedica a

hacer impresiones al óleo, publicaciones que hace en
un libro titulado Procesos artísticos en fotografía.
foto de la multitud, 1910. Bromóleo.

Viejo Rin, 1900-1910 Bromoleo, Demachy.

Este tipo de fotos dura poco, en 1914 deja de hacer fotos y destruye su obra, se
detiene su obra de manera brusca.
Junto con Demachy veremos a Constantine Puyo, 1857-1933. También
dentro del Pictorialismo, logra un acabado en sus obras muy parecido al de la
pintura. La fotografía es su gran pasión y su obsesión para elevarla al grado de
gran arte que suponía la pintura. Comienza como aficionado y en 1902 ya es un
profesional. sus obras tienen un pictorialismo que no se manifiesta en el sentido
empastado o en pincelada, sino por imitar efectos pictóricos en la fotografía,
busca transiciones suaves, tonalidades matizadas, texturas aterciopeladas
huyendo del exceso de nitidez y de los detalles que era aquello por lo que se
caracterizaba la fotografía del momento. el efecto flou, el pequeño desenfoque
perimetral, alterando la lente. tras la primera guerra mundial el pictorialismo
pasa a otro plano prefiriendo una foto más directa, algo que frustró a Puyo.
utiliza una metodología como la impresión al carbón. Recurso inventado para
paliar la decoloración de la fotografía.
Esa impresión con carbón obtiene una
fotografía de tonos oscuros y satinados de gran
durabilidad y como consecuencia la imagen
tiene cierto sentido
de relieve.

Hay en estos ejemplos

un ejercicio de
composición.

Estos fotógrafos fueron

acusados de pintores frustrados. Medio fotográfico
utilizado como subsidio de la no capacidad artística, a
lo que ellos responden que ellos manejan un nuevo
medio de expresión, donde interviene la tecnología y
los saberes ancestrales de las técnicas artísticas.
Montmartre, 1906. como lugar y
centro artístico.
 Una dimensión alternativa que se dará es lo que representa Peter Henry
Emerson, 1856-1936. Está entre las dos aguas, pictorialista y fotografía directa.
la fotografía naturalista. Se dedicó a la medicina, pero aparca esta actividad para
defender el carácter pictórico de la fotografía pero rechaza por completo
cualquier alteración manual de ésta, tanto en el negativo como en el proceso de
revelado. rechaza también el fotomontaje, la concurrencia de varios negativos
para conseguir una sola imagen. crítica la artificialidad de las poses en los
retratos del momento. por supuesto con su obra gráfica defiende sus postulados
a través de publicaciones y exposiciones, además de conferencias. La mayoría de
su obra es en exteriores. Hay una
conexión con el mundo
pictorialista, en Escuela de una
dama por ejemplo hay una
intención de que se recuerde a los
temas pictóricos.
Pescador en su hogar, 1887

Trabaja con maestría

los puntos de interés.
Según él el arte es un
lenguaje y el arte pictórico
es el lenguaje de lo que el
artista considera bello, por
tanto, en fotografía él piensa
que debe hacer lo mismo.
No son fotografías
fortuitas, son compuestas de
manera deliberada. La
concepción como medio de expresión artística es el ideario de Emerson, en 1855
abandona la fotografía y deja de publicar
su obra. hasta su muerte se dedicó a
escribir sobre el tema. Sus últimas
publicaciones son "Pictures from life in
field".
la recolección de los nenúfares.
 Después de Emerson pasamos a uno de los personajes más famosos en
fotografía a nivel mundial: Alfred Stieglitz, 1864-1946. Es el fotógrafo más
destacado en EEUU de la primera mitad del siglo XX, su influencia como
fotógrafo y como influencia en otros artistas fotógrafos e incluso sobre artistas
que no lo eran. Es el primero que acoge a los cubistas en NY. organiza la primera
exposición de cubistas. en su sala es donde Duchamp expone su fuente. Publica
una serie de revistas y forma parte de una serie de movimientos como son
Camera Work, o en el mundo de los movimientos la Sala 291, que van a ser
claves para la historia no solo de fotografía sino del arte en general. También da
pie al movimiento de Foto secesión, y su actividad que llega a cumplir 82 años,
permite hacer una panorámica perfecta de la historia de la fotografía universal
de la primera mitad del siglo XX. Sus padres eran emigrantes de origen alemán y
de raza judía, que buscaron el medio adecuado para formar familia y prosperar.
Es el mayor de 6 hermanos recibiendo una muy elevada formación académica
en uno de los mejores colegios de NY. Sin embargo, su padre consideraba que
estos centros académicos no suministraba retos para su hijo, por ello con 17
años regresan a Alemania para recibir allí una estricta formación germánica.
Alfred empezó estudios de química e ingeniería en Berlín pero allí ya había
entrado en su vida el fenómeno fotográfico, lo que marca su existencia. Este
medio de expresión llamó su atención y será un destacado científico, German
Wogelf quien a través de sus clases de química e ingeniería el joven Alfred entra
en el proceso fotográfico.
Autorretrato, 4 julio de 1886, Freienwalde,
impresión en platino.
Recorre Europa retratando campo, campesinos,
paisajes, y dentro de esa estética del mundo
pictorialista de fines de los años 80 del siglo xix.
Con 20 años su vida da un nuevo giro, sus padres
deciden regresar a EEUU, pero él se queda en
Europa siguiendo su formación, y de este modo se
queda solo, y con esa autonomía aglutina libros
sobre fotografía. Esta lectura hizo que desarrollara
una personalidad de gran creatividad y que el
mismo equiparaba al resto de las artes.

The last joke, Bellagio, 1887

Obra premiada en The amateur
photographer. Henri Peach Emerson
era el presidente del jurado
 Se monumentaliza a las figuras, un encuadre cercano y la arquitectura del
fondo aporta un decorado íntimo, donde podemos consagrar cómo se produce
ese postulado de Emerson, que dice que en la realidad cotidiana existen de
forma viva objetos para la pintura. Sólo hay que estar en el instante adecuado.
Hay que reflejar la naturaleza en su espontaneidad, pero también en su
composición y su capacidad propia de generar belleza. se hace con una cámara
portátil y allí comienza a ejercer como editor adjunto de la misma revista que lo
premia. Este estar en contacto con el mundo editorial le proporciona una
posición importante. por ejemplo en el Camera work de NY y edita también la
revista the american amateur photographer. realiza imágenes reflejo de sus
viajes por Europa, aprovecha cada encuadre dejando siempre claro que quiere
elevar la fotografía a un arte elevado. sin renunciar a la naturaleza de la
fotografía, a los medios técnicos que proporciona y que solo la fotografía tiene.
Es la búsqueda de la consagración de la
fotografía como medio artístico, como forma de
arte. The rag picker, 1892.
La terminal, 1893. Se advierte el frío del día con
el calor que
desprenden los
caballos.

Canal veneciano, 1894 Stieglitz

Estas imágenes tienen un marcado carácter pictorialista. ensaya los
efectos de luz y texturas, se va conformando con una posición en el ambiente
artístico general, y se va posicionando como articulista de la parte teórica. El
resultado de la relación con los artistas de las vanguardias es su colección de
arte contemporáneo, donde conviven arte gráfico y fotografía. aunque está
inserto en el asociacionismo entre fotógrafos, se da cuenta de que no es
suficiente para elevar el movimiento fotográfico, por tanto se sale de estas
asociaciones y crea un grupo de fotógrafos artistas, concretamente en 1902
funda Foto Secesión, en la que se incluyen otros tres fotógrafos: Clarence
White, Gertrud Casebier y Eduard Steigen.
Es un movimiento de ruptura con lo anterior, pero no es tan fácil. El grupo
aspira a dar a conocer el fenómeno pictorialista y hacer evolucionar reuniendo a
todos los estadounidenses que practican la fotografía y que estuvieran
interesados en unirse a este movimiento. Se interesaron por realizar
exposiciones de fotografía no reservadas a los miembros del grupo del nuevo
movimiento y también van a tener un medio de difusión muy importante, la
revista Camera Work.
*Arte como producto de consumo, el enlace entre consumidor y
productor es la exposición, la galería de arte, etc. Esa es la puesta en venta y
mercado de la propuesta artística. pero sigue siendo este medio una fórmula
elitista, y si la fotografía es la protagonista de la democratización del arte, las
publicaciones y revistas especializadas es fundamental, pero ojo, en Camera
work no solo se publican fotografías de estos artistas, sino que se abre la
puerta a otras formas de arte: literatura, música, artes plásticas
contemporáneas (fotografías de obras de arte). de manera que esta revista
consigue concentrar en un solo medio de expresión, reproducido y
reproducible a gran escala, la actualidad del arte en un momento
determinado. y que la fotografía sea el punto de unión no solo la hace convivir
con la vanguardia, sino que la convierte en un elemento de ésta.
Camera work es la materialización de elevar la fotografía como una de
las grandes artes.
La mano del hombre, camera work, nº1,
enero 1903. Museo del Reina Sofía.

Camera work y little gallery serán los medios de expresión,.

Invierno/Quinta avenida, 1892. Camera work, n. 12
octubre 1905.
las condiciones atmosféricas de esta foto limitan
mucho la toma. y aunque la tecnología haya
avanzado, el cálculo del disparo es complicado. Es
un alarde de pericia fotográfica. En este caso no
interesa la nitidez cómo captar la sensación del
momento, dar la sensación, ser verosímil. sabemos
que hace varios disparos para conseguir una buena
toma fotográfica.
Tendrá críticos como Baudelaire que dicen que esto
es un fraude, que los que no tienen talento para la
pintura buscan imágenes con contenido pictórico.
El nombre por el que será conocida la sala de exposición LIttle galleries será 291,
porque es el número de la calle. en ese espacio expositivo tendrán lugar los
momentos más importantes.

The steerage, El entrepuente, 1907, copia de época, 1911 y 1915. una de las
mejores fotografías de todos los tiempos. refleja el momento de la travesía de
un transatlántico en el que Stieglitz va de Europa a América. viaje de y a parís y
después de vuelta. lo hace con su mujer. conoce a personajes como Cezanne o
Rodin, el cual le cede dibujos para exponer en 291. vemos aquí lo que vimos en
la peli de Cameron, Nueva York, 1907, Alfred
Stieglitz se encontraba listo para zarpar en la
embarcación que lo llevaría al puerto alemán de
Bremen. Agobiado por la multitud que se
empezaba a acumular decide abandonar el interior
del pasillo en el que se encontraba y sale al exterior,
al mirar atrás repentinamente, descubre frente a
sus ojos la escena que lo empujará a realizar la
fotografía más determinante de toda su carrera.
Corrió de vuelta a su camarote, agarró su cámara y,
deseando que el hombre con sombrero de paja
siguiese en la misma posición en la que lo había
encontrado (esto es verídico), se preparó para
disparar.
Lo que Stieglitz consiguió tomar en aquel momento no fue solo una
simple captura de la multitud más; es lo que muchos expertos consideran como
una de las primeras imágenes en las que podemos observar voluntad por parte
del autor de representar la hiriente realidad social desde un punto de vista
estrictamente fotográfico. Stieglitz entonces ya era el máximo defensor y
fundador del grupo Photo-Secession, el cuál defendía la Fotografía Directa como
único método para que la fotografía alcanzara su independencia frente a la
pintura.

Stieglitz utiliza el poder del artefacto fotográfico en su totalidad, no

quiere representar la escena como haría un pintor, quiere hacer que nos
sintamos transportados a ese mismo momento utilizando el poder de su lente.
Este es el poder que él y los secesionistas veían en el joven medio fotográfico.
Un medio que querían disfrutar sin artificios estéticos.

Stieglitz nos sitúa en un punto de vista desde el que podemos observar

como la escena se divide en dos. En la cubierta superior, vemos una multitud a
la que presuponemos de clase media o pudientes: Stieglitz se molestó en
testimoniar que la barandilla había sido recientemente pintada y toda la
cubierta superior reformada antes de recibir a los pasajeros de esta. Quizás las
personas retratadas arriba no parecen ricas, pero desde luego sí mucho más que
la multitud a la que observan hacinarse en la cubierta inferior, tratando de
sobrevivir en unas mucho más humildes condiciones. Stieglitz compone los
elementos de la escena utilizando su instinto crítico y deja poco a nuestra
interpretación. La realidad es obscena y brutal: unos arriba y otros abajo. Una
pasarela que desemboca solo en los de arriba. Una escalera que los conecta
pero por la que nadie circula. Un retrato que hace evidente lo obvio: la realidad
de la desigualdad.

Esta imagen inaugura una nueva corriente, o mejor dicho la consagra, la

denominada FOTOGRAFÍA DIRECTA. Entendiendo que esta forma de entender la
imagen es el único método para que la fotografía pueda conseguir el status
deseado dentro del punto de vista de la pintura.

Steglitz insiste mucho en que la fotografía

no debe perder su esencia, está en contra de los
que querían que ésta pareciera pintura. de este
modo produce imágenes como la de: VIEJA Y
NUEVA NUEVA YORK, 1910. Vemos un acto de
renovación.
 los retratos de la hija de su primer matrimonio, Katherine. otra de las
vertientes que tendrá su trabajo, una de ellas obtenida con el autochrome.

Se casa con la artista Georgia O'Keeffe. 1918. también formará parte de

los pintores que promocionará Stieglitz. En 1924 se casan.
Los dos tendrán mucho
éxito con sus obras.
Este matrimonio se irá
desgastando por la salud de
Stieglitz.
Finalmente tienen una vida
por separado, ella está en

contacto con los vanguardistas mexicanos.

Stieglitz seguirá explorando la fotografía
directa.
DOROTHY NORMAN CUIDADO CON TUS
PASOS. NY DADA,
revista editada
por Marcel
Duchamp y
Manray.
doble exposición
de fotos, de forma
que se ve la imagen surrealista de la pierna con el
rostro de la mujer, alteración del significante con el
significado. Es fruto de la casualidad, él hace esta
doble exposición pero su resultado es más satisfactorio de lo que él esperaba.
casaba perfectamente con el surrealismo. Todas estas vanguardias tienen como
estructura un poeta/filósofo que hace un manifiesto,
escribe o dice la definición de la corriente, y en torno a
estos postulados se producen obras de determinados
pintores.
Esta es la manifestación de que
Steglitz existía y formaba parte
de la vanguardia.
Una de las corrientes que va
desarrollando Steglitz en este
momento es el retrato gestual,
por ejemplo el retrato de las
manos de O'Keeffe, donde nos muestra otra vía expresiva que él mismo explora.
se potencia la expresividad de partes del cuerpo humano. En este caso se espera
que las manos expresen lo que los rostros en los retratos convencionales.

Mano en la rueda por ejemplo será de los últimos trabajos

de Stieglitz.

Por otro lado, dentro del grupo de Secesión tenemos

a Clarence H. White, fotógrafo estadounidense que desde
joven se interesa por el mundo de la fotografía, y
especialmente por el movimiento pictorialista. Su trabajo
no le permitió desarrollar sus dotes artísticas, pero una tía
suya que era poeta le insiste en que no abandone la
creación, empezando en 1890 a llenar libros de bocetos a
lápiz y acuarela, aprendió a dibujar la luz y visualizar los temas pictóricos de una
manera rápida y elocuente. conoce a su mujer y después de la exposición de
Chicago participa en la revista Studio. En 1896 una fotografía de su casa en Ohio,
se convierte en la primera publicación en la Camera club, que merece la medalla
de oro de la asociación fotográfica de Ohio, va a la exposición y conoce a
Stieglitz, que lo mete en el grupo de Foto secesión dentro del ambiente
pictorialista. En su producción fotográfica
veremos tres procedimientos: platinotipia,
impresión al carbón y la goma bicromatada.
Viniendo por la puerta, 1898.
Mujer con espejo,
1905.

Gotas de lluvia,
1908 También
pasará a la historia por fundar una escuela de
fotografía, con Dorothea Lange como principal
representante.
Gertrude Kasebire, 1852-1934, perfil más profesional de la fotografía.
Reconocida por sus evocadores retratos. Ella es responsable del
encumbramiento de la fotografía y convertirse en una fotógrafa de otras muchas
mujeres que se dedicaron a la fotografía. Reconocida y premiada en el mundo
fotográfico. Defendió que esta actividad estaba llena de decoro y honestidad
para que fuera practicada por una mujer. Tiene 3 hijos y hasta los 37 años no se
introduce en este mundo. Al principio quería ser pintora pero se acomodó
mucho mejor en el ambiente fotográfico. Estudia en Alemania y Francia y se
forma estética,a finales de siglo vuelve a EEUU y debido a la mala situación
económica y la mala salud de su marido, dedica su tiempo en la fotografía
primero como ayudante de Samuel Lifshey. Ese mismo
año publica y muestra hasta 150 fotografías en el
Camera club de Boston. supone una producción
descomunal de fotografía.
En 1898 dedica una exposición y en 1902 es
incluida por Stieglitz en Foto Secesión. Incluye en esta
primera etapa trabajos en Camera work, y en 1906 es
protagonista de una exposición monográfica en la 291.
Estas exposiciones hacen que tenga muchos beneficios
porque tendrá mucho éxito.
El nacimiento, 1899, vendida por 100 dólares.
Entra también en la asociación profesional de
fotógrafos de NY, donde luchaban por las
preocupaciones artísticas y laborales de los propios fotógrafos. Esa
preocupación hace que se vaya separando del grupo de foto secesión, ya que
tiene un choque con Steiglitz. por el concepto que tenía de la fotografía. Stieglitz
tenía una visión idealista y no materialista. no era un sustento, pero Casebier
utiliza este arte para vivir. por ello busca ciertas garantías ya que la fotografía era
el sustento de su familia.
En esta obra, el nacimiento coincide con una
primera corriente en el que los temas son íntimos,
domésticos, relacionados con la familia y la maternidad.
Ahí es donde desarrolla un estilo propio buscando
nuevos horizontes más allá de la vida cotidiana.
busca también algo propio de la pintura y del retrato,
captar la identidad y estado de
ánimo, lo esencial de la persona
que se retrata, composiciones
como la de Madre con niños, 1900.
La Adoración.
 Kasebier más adelante también representó una serie para retratar a los
indios sioux. por el concepto dignificador que aplica en la fotografía que realiza
de estos sujetos, celebrando su cultura, su belleza
intrínseca y la propia personalidad de estas realidades
sociales insertas dentro de la gran masa americana, y
que cada vez más representan un vestigio casi de
reliquia de un pasado desaparecido.
Samuel Caballo Americano, 1890.
pertenece al espectáculo de Buffalo Bill.-
Se ha descrito su
trabajo como duro
pero honesto
siempre.
Izq.Muchas heridas.

KLasebier tenía
una intención
documental.
pretende mostrar
la situación de la vida real en el mundo
contemporáneo.
Bendita eres entre todas las mujeres. madre
e hija y en el fondo cuadro de la visitación que le da
título a la fotografía. unir significante y significado,
unión de madre e hija a dos niveles.
EDWARD STEICHEN, 1879-1973
Nace en Europa pero marcha pronto a los
EEUU y se establece en Michigan. Estudia arte y al
terminar se inicia como aprendiz en el taller de
litografía de la compañía americana de bellas artes.
En 1895 le regalan box detective camera, y al año
siguiente participa en Philadelphia en una pequeña
exposición. entra en contacto con Stieglitz y forma
parte de Foto secesión. Participa en las exposiciones
de la 291, donde pone su obra a disposición. también
estará en la guerra como fotógrafo.
PUente de Brooklyn, 1903
 IN MEMORIAM, 1906 izq.
1921, Theresa Duncan. dcha.

Retratos de
Rodin.

A partir de 1923 entra como

fotógrafo en revistas de moda,
como Vanity Fair y Vogue.

Edificio FlaTIRON, 1905

hará fotos a actrices y actores

de Hollywood,
También hay fotos como Dos
modelos, 1935, donde vemos a dos personas que dan
a entender su modo de vida, su ropa, etc.
También en el moma será conservador del museo
hasta su fallecimiento. Fue considerado por Stieglitz
como de los grandes fotógrafos.
TEMA 7: CORRIENTES FOTOGRÁFICAS II. Paul Strand, Grupo f/64, Edward
Weston, Ansel Adams, Imogen Cunningham.
SURREALISMO, ATGET: Experimentación subjetiva: Man Ray y Laszló
Moholy-Nagy.
PAUL STRAND, 1890-1976
Artistas de pleno siglo xx. su primera foto es con una brownie de kodak
que le regala su padre ante su afición a la fotografía. Inicia la carrera fotográfica
de este artista. uno de sus postulados es que “la objetividad es la esencia misma
de la fotografía, su contribución y su limitación al mismo tiempo”.
Se formó con Lewis Hine en la escuela de cultura ética que llevaba a los
alumnos a la galería de la 291. allí conoce a los pictorialistas, cameron, kasebier,
white, etc. así como la obra de los escritores de las vanguardias. Se encuentra
que la fotografía es una disciplina que pretende seguir a la pintura, tanto en los
recursos formales como en la composición. el padre veía esta afición bien pero
solo como pasatiempo. entra en la empresa familiar a trabajar. Perteneció en la
Camera club de ny, y a partir de 1913 empieza a hacer trabajos fotográficos para
publicidad. Mantiene estrecha relación con Stieglitz.
hace crítica de los desenfoques que hace Strand y le dice que reduzca el
diafragma para que así tenga más nitidez. hace que Strand tenga una epifanía,
un encuentro consigo mismo y cambia la temática, inicia una madurez artística y
formal. la fotografía directa de Paul Strand.