Acuarelas
La acuarela es una técnica acuosa de colores translúcidos que se trabaja
sobre papel. Actualmente existen distintas técnicas y sistemas para
emplearla, pero comúnmente se trabaja sin el uso de pigmento blanco y se
aplica a manera de veladuras. El color blanco del papel se respeta en las
zonas que deseamos más luminosas, simplemente pálidas o blancas,
mientras que las áreas coloreadas u obscuras de nuestras obras se cargan
con más intensidad de color o mayor cantidad de veladuras.
Es común escuchar comentarios diciendo que en la acuarela el uso del
blanco, no sólo no es recomendable, sino que está prohibido. Si bien no
emplear blanco en acuarela puede permitirnos magníficos resultados, la
realidad es que ese no es el único sistema y, de hecho, no es el que ha
producido las obras en acuarela que hoy se consideran las más importantes
para la historia del arte.
Lo cierto es que la acuarela es un medio que ha evolucionado mucho en
relación al mercado. Aunque su uso se remonta a la Edad Media, lo que hoy
en día conocemos como acuarela evolucionó a partir de la técnica de
acuarela de finales del siglo XVIII. En 1766, William Reeves comenzó a vender
las primeras pastillas prefabricadas y fue a partir de ese momento que
comenzó la estandarización, tanto del medio, como de la técnica con la cual
trabajarlo. De esta técnica derivan los sistemas y procedimientos de la
técnica actual de acuarela. En este artículo haremos un viaje por la historia
de la técnica de la acuarela.
Retrato de Antoine de Crussol Duc d´Uzes (1566).Francois Clouet. Lápiz,
sanguina y acuarela sobre papel. Musée Condé, Chantilly, Francia.
Adorazione dei Magi. (1527-1585). Luca Cambiaso. Pluma tinta marrón y
lavado. Tamaño 19.0 cm x 29.6 cm.
Historia de la acuarela
Sabemos que la técnica de acuarela se ha empleado desde la Edad Media. Sin
embargo, la técnica de esa época no necesariamente se asemeja a lo que
hoy conocemos como acuarela. Por siglos los artistas fabricaron sus propios
medios de acuarela, así como sus pigmentos y otros materiales, en su propio
taller. Antes del Renacimiento, la técnica de acuarela servía principalmente
para ilustrar libros. Además de otros materiales como el temple o la caseína.
Por supuesto que las pastillas o tubos de acuarela no existían y tardarían
varios siglos en aparecer.
Con la llegada del Renacimiento y del creciente interés de distintos artistas
por el dibujo, la acuarela pasó a ser un medio principalmente empleado en
dibujo. Comúnmente se usaba la acuarela para empezar dibujos con
aguadas. Posteriormente se trabajaba sobre éstos con plumilla, pincel o
carboncillo, entre otros medios. Este tipo de acuarela era empleada en
colores ocres, bistres, sombras, sienas y otros colores tierra para fondear,
hacer medios tonos y sombras.
Las acuarelas de esta época generalmente no eran ampliamente
cromáticas, utilizando únicamente unos cuantos tonos. Lo cierto es que para
los intereses del dibujo de la época no se requería más.
De la colección Cottonian. Acuarelas. Plymouth Museum Gallery Archive.
Duque de Toscana Cosme I rodeado de sus artistas. (1556). Giorgio Vasari.
Pluma y tinta marrón, pincel y lavado marrón, iluminado con gouache blanco
sobre trazos de gis negro o grafito sobre papel gris-verde. Tamaño 23.4 cm.
Historia de la acuarela de colores brillantes
Aunque no fueron muchos, existieron artistas que emplearon acuarelas de
colores brillantes en sus obras durante el Renacimiento. Un claro ejemplo de
esta forma de trabajar son algunas de las ilustraciones de Alberto Durero,
quien trabajó acuarelas de colores sumamente brillantes, buscando producir
realismo. Sin embargo, el sistema de trabajo que empleó en su momento no
fue una técnica de acuarela pura, sino una técnica mixta. En esta técnica
podía emplear tintas, temple, gouache, gises y acuarela por igual,
dependiendo de los resultados que deseaba conseguir. Sus trabajos de
ilustración y registro los realizaba con esta técnica mixta en la que
generalmente incluía acuarela.
Ala de una carraca europea, Wing of a Blue Roller. (1500 o 1512) Alberto
Durero. Acuarela y bodycolour sobre vitela, iluminado con blanco. Tamaño
19.6 cm x 20 cm. Albertina, Vienna.
Willow Mill (Molino del Sauce). (1506). Alberto Durero. Pluma, tinta negra,
acuarela y bodycolour. Tamaño 25.3 cm x 36.7 cm. Biblioteca Nacional,
Departamento de Estampas y de Fotografía, París.
El nacimiento de las pastillas de acuarela
No fue sino hasta 1766 cuando William Reeves comenzó a producir pastillas
de acuarela. Permitiendo así el estandarizado, los resultados y procesos del
medio. Esto ocurrió en el Reino Unido, por lo que también fueron los artistas
de ahí los que más emplearon el novedoso medio. La acuarela como hoy la
conocemos nació justamente de la evolución de lo que surgió a finales del
siglo XVIII. La acuarela se volvió un medio que llamó la atención de muchos
artistas jóvenes. Particularmente de aquellos interesados por salir de sus
talleres a pintar de lo natural. Estas pastillas prefabricadas permitieron no
tener que cargar pigmentos en polvo para temple, acuarela u otros
materiales poco prácticos para el aire libre.
Sin embargo, esta primera acuarela surgió para satisfacer un mercado. El cual
deseaba usarla solamente para realizar dibujos o apuntes monocromáticos.
Principalmente de tonos tierras y sepia, como era la costumbre en el uso de
la acuarela hasta entonces. Por lo tanto, dicho material y los resultados de
aquella época aún no se asemejan a lo que hoy día entendemos por
acuarela.
Reeves & Inwood, caja de acuarelas de entre los años 1796 y 18121
796- to 18121 796- to 1812
Gaetano Previati Los Monatti: Ilustración para Los Novios (I Promessi Sposi).
(1895-1899). Acuarela iluminada con gouache blanco sobre papel vitela
marrón. Tamaño 23.2 cm x 32.2 cm. Museo de Arte de la Universidad de
Princeton
La escuela inglesa de acuarela
La acuarela se volvió realmente popular gracias a la que hoy conocemos
como la Escuela inglesa de Pintura. Ésta comprende un período aproximado
entre 1750 y 1850, en el cual floreció el arte de Gran Bretaña. Muchos de los
artistas ingleses más conocidos son de este período y todos son famosos por
su uso de la acuarela.
En los primeros años de la Escuela inglesa de Pintura, la acuarela se usó
principalmente para realizar paisajes monocromáticos, como ya se hacía
anteriormente. Esta forma de emplear la acuarela se caracterizó por
comenzar a reducir los materiales que su técnica requería. En vez de usar la
acuarela junto con todos los medios anteriormente utilizados en ella, se
comenzó a dar mayor importancia a la acuarela por su portabilidad y
conveniencia.
Representantes de la escuela inglesa de acuarela
Normalmente se comenzaba con dibujos monocromáticos previos o de pocos
tonos. Posteriormente se aplicaban veladuras de colores y, finalmente, se
acentuaban luces con tizas o con impastos de gouache. Varios artistas
durante este período comenzaron a trabajar el medio de la acuarela de esta
manera. Algunos de ellos fueron: William Taverner (1703–1772), Paul
Sandby (bautizado en 1731–1809), Thomas Hearne (1744–1817), Michael
“Angelo” Rooker (1746–1801) y Thomas Malton (1748–1804).
Este sistema de trabajo asemejaba al sistema de pintura de óleo y temple en
el que se trabajaba previamente con grisalla y posteriormente se aplicaban
veladuras. Aún no se comenzaban a explorar las características inherentes a
la acuarela, ni tampoco sus efectos, como las aguadas o los deslavados
tonales.
Composición italiana, la periferia de una ciudad. (1760-1765). William
Taverner. Grafito y acuarela sobre papel. Tamaño 19.5 cm x 45.9 cm. Galería
Nacional de Arte Británico
Paul Sandby Vacas en un parque. (1731-1809). Acuarela, grafito y tinta sobre
papel. Tamaño 18.1 cm x 26.2 cm. Galería Nacional de Arte de Londres
El nacimiento de la técnica de acuarela como hoy la conocemos
A finales de 1700, algunos acuarelistas comenzaron a experimentar con
nuevos sistemas de aplicar la acuarela. En los cuales no siempre se
comenzaba con una grisalla previa. Estos artistas exploraron las posibilidades
visuales que podía producir lo acuoso. Dejaron de producir dibujos que
posteriormente habían de entintarse, comenzando a pensar en lo que el
medio permitía desde la mano prima. Con estos experimentos lograrían una
estética más pictórica que dibujística, más libre y espontánea. Emplearon
aguadas fluidas y colores más vibrantes que los usados anteriormente.
Algunos de los artistas de este período de la pintura inglesa son: Jonathan
Skelton (activo durante 1754–59), Francis Towne (1739/40–1816), William
Pars (1742–1782), Thomas Jones (1742–1803), John “Warwick” Smith (1749–
1831). Entre los más importantes, John Robert Cozens (1752–1798), Joseph
Mallord William Turner (1775–1851), Thomas Girtin (1775–1802), John
Varley (1778–1842) y John Sell Cotman (1782–1842).
View of Kensington Gardens(1812)John Linnell. Acuarela sobre grafito.
Tamaño 10.2 cm x 14 cm.
La técnica de acuarela de la Escuela inglesa
En la obra de estos artistas podemos ver cómo paulatinamente los colores se
van volviendo más luminosos y se privilegia el uso de aguadas. Por un lado,
esto se fue dando a causa de la herencia que obtenían los artistas de los
procedimientos de sus antecesores inmediatos. Sin embargo, también se
debió en gran medida al avance industrial de los materiales de la acuarela.
Algo muy interesante de esta técnica en particular y de su desarrollo durante
este período, es la forma en que los materiales producidos por la industria
fueron evolucionando en relación a las necesidades de los artistas y
viceversa. La escuela inglesa de acuarela motivó la producción de pastillas
de colores más vibrantes, que además respondieran de formas diferentes
ante las aguadas. Tanto artistas como productores mantuvieron un contacto
directo durante este espacio temporal, permitiendo un profundo desarrollo
mutuo. Este diálogo no sólo motivó la producción de acuarelas, sino también
la de muchos otros materiales de arte vinculados con el medio. Auspició la
producción de distintos papeles fabricados con diferentes fibras y de distintas
formas. Se desarrollaron también distintos pigmentos y se comenzó a
experimentar con sus diferencias y posibilidades.
El uso del papel y la acuarela
Otra cosa significativa en la forma de esta época de trabajar la acuarela es
ver cómo fue cambiando el uso del papel. En un principio solían usarse
papeles entonados en colores tierra, grises o azules, que eran los tonos
preferidos de la época, según el sistema de trabajo. Poco a poco comenzaron
a emplearse papeles más blancos, los cuales eran entonces entonados
únicamente de manera localizada. Artistas como J.M.W Turner empleaban
papeles entonados sobre los que trabajaban con blancos de tiza o con el
nuevo y novedoso blanco de titanio. Este blanco muy cubriente, que
recientemente había sido descubierto, funcionaba para realizar una especie
de mini imprimaturas localizadas para sacar luces en el papel de color.
Muchos de los trabajos de Turner fueron hechos con este sistema.
William Turner y la acuarela
En la etapa final de la obra de Turner podemos ver en su uso de la acuarela
una forma de trabajar más cercana a lo que hoy en día relacionamos con su
técnica. En ésta las luces más altas eran respetadas para producir un impacto
lumínico mayor. Aunque el blanco de titanio seguía siendo utilizado para
generar otras luces y efectos secundarios y para generar sensación de
proximidad mediante impastos ligeros de este material.
De esta manera fue que la acuarela fue tomando fuerza como un género
pictórico por sí mismo, convirtiéndose eventualmente en lo que hoy
asociamos con el medio. Sin embargo, hasta la fecha el máximo esplendor
que ha alcanzado esta técnica en occidente sigue siendo durante el periodo
de la Escuela inglesa aquí mencionada.
Cochem del sur. (1839). Joseph Mallord William Turner. Gouache y acuarela
sobre papel Tamaño 14 cm x 18.9 cm. Galería Nacional de Londres.
Beilstein y Castillo Metternich. (1839). Joseph Mallord William Turner.
Gouache y acuarela sobre papel. Tamaño 14 cm x 19.2 cm. Galería Nacional
de Londres
Fire at the Grand Storehouse of the Tower of London. (1841) Joseph Mallord
William Turner. Acuarela sobre papel. Tamaño 235 mm x 325 mm. Galería
Nacional de Londres
Características de la acuarela
● Transparencia
● Velocidad
● Espontaneidad
● Resistencia
● Se trabaja por superposición de capas, veladuras. Los colores se usan
de los más claros a los más oscuros. El blanco lo proporciona la hoja,
previamente se reserva la zona.
● La hoja a utilizar debe ser porosa, absorbente. Lo ideal, de 300 de
gramaje.
● La hoja se inmoviliza a un tablero, con cinta adhesiva, lo que la
mantendrá fija y plana para cuando se moje.
● Procedimientos:
⮚ Hoja seca pincel seco.
⮚ Hoja seca pincel húmedo.
⮚ Hoja húmeda pincel seco.
⮚ Hoja húmeda pincel húmedo.
