2. PIONEROS DEL CINE.
LOUIS LE PRINCE 1842 – 1890
Es una especie de protocineasta (no cree que hace cine) es uno de los primeros personajes que hace cine,
considerado por muchos historiadores como el verdadero inventor del cine. Construye un prototipo de
cámara cinematográfica, su película más conocida es Traffic Crossing Leeds Bridge (1888). Tiene un interés
científico, tecnológico y técnico de pensar la imagen.
HERMANOS SKLADANOWSKY 1863 – 1939
En Alemania, imágenes muy rudas y toscas. Ponían a gente a bailar o a jugar y se filmaba la acción. Existe
una cierta visión de que el cine puede servir para entretener, por lo que comienzan a grabar a personajes
del circo o gente excéntricos.
HERMANOS LUMIÈRE 1862 – 1954
Hijos de una familia burguesa, enseguida comienzan a trabajar en la fábrica de la familia de fotografía y
material fotográfico de su padre en la ciudad de Lyon. Comienzan a investigar acerca del movimiento y
gracias a que se habían hecho con un Kinetoscopio (era una cámara que se había inventado en EE. UU, pero
no se había patentado) en París, construyeron su cinematógrafo Tenía todo lo necesario en un aparato:
filmaba, se impresionaba la película, se podía proyectar con él y hacía los negativos del positivo, tenía un
chasis para que según sed impresionaba la película saliera fuera y se almacenase, por eso se posicionó en
el mercado. El cinematógrafo (escritura del movimiento) es una copia del kinetoscopio (vista en
movimiento), modificada.
El 13 de febrero de 1895 patentaron el cinematógrafo, pero no lo presentaron públicamente hasta el 22
de marzo de 1895 en un congreso de científicos en el que proyectaron su primer filme “Salida de las fábricas
Lumière”. Proyectaron sus primeras películas. Sin embargo, consideramos el inicio del cine el 28 de
diciembre de 1895 ya que fue la primera proyección con público y en la que se cobró por la entrada en el
Salón Indico del Grand Café de Paris. A esta proyección asistieron periodistas, Melies, y Alice Guy. Fue un
éxito rotundo, los periódicos hicieron valoraciones positivas. Se instalan varias semanas reproduciendo sus
películas. La proyección fue organizada por su padre, se vendieron 33 entradas más los periodistas. Esta
fecha es considerada oficialmente como la del nacimiento del cine (28 de diciembre de 1895).
Los primeros días los hermanos Lumiere llegaron a proyectar hasta 10 películas, pero durante toda su
carrera tienen atribuidas unas 1500 películas entre dirigidas y producidas. La película que utilizaban estaba
perforada, era de 35mm y su velocidad era de 16 fotogramas x segundo, por lo que sus imágenes parecían
más lentas de lo común. Pertenecen más a un ámbito científico, como investigadores científicos su
incursión en el ámbito creativo y artístico fue más casual que buscado. El Modelo de Representación
Primitivo y el inicio del lenguaje cinematográfico comienza con ellos.
Tras la fascinación del cine comenzaron a realizar más producciones y aparecieron cineastas pequeños
(autónomos).
Los hermanos Lumiere estarán en el mundo cinematográfico hasta los años 30 que irán apareciendo
artistas más jóvenes y por lo tanto su técnica narrativa se va reduciendo. Aceptando así fabricar
cinematógrafos para su venta.
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PRIMERAS PELÍCULAS. PREGUNTA RECURRENTE EXAMEN PARCIAL
Sus primeras proyecciones son mudas, a las segundas y terceras acompañamiento musical. Estas fueron
las primeras películas que se expusieron el 28 de diciembre 1895.
1. Salida de los obreros de la fábrica. Tiene distintas tomas de la misma salida, aunque parecen la
misma toma. Está rodada en la fábrica de su padre. DETERMINA EL MOMENTO SOCIAL Y POLÍTICO.
La primera película que quieren que se muestre pertenece a su familia, es homenaje a los obreros.
Demuestra el carácter popular y democrático del cine. DE LAS + IMPORTANTES.
2. El Congreso Científico. Fue la presentación del cinematógrafo). Graban a sus amigos a la llegada de
la presentación, estos saludan a la cámara quitándose el sombrero (pequeño chiste).
3. El desayuno. Aparece el plano medio, se buscaba emocionar al espectador.
4. El regador o el jardinero regado. Hay una historia armada con un protoguion, aparece la
construcción narrativa. Son los primeros personajes en el cine que representan un papel, aparece
la primera ficción cinematográfica, la comedia. DE LAS + IMPORTANTES.
5. La partida de naipes. El camarero es un personaje, comienza la actuación ante la cámara. Existe una
interpretación exagerada.
6. La llegada del tren a la estación. Su película más conocida, se cuida el encuadre de la imagen para
conseguir captar todo lo que estaba ocurriendo. La cámara se encontraba muy cerca de la vía, esto
generaba que el tren fuese creciendo de tamaño a medida que se acercaba.
7. El muro derribado. Existe un movimiento de rebobinar, pero se realiza a la hora que se pasa del
positivo al negativo dando hacia atrás con la manivela. DE LAS + IMPORTANTES.
Las imágenes de los Lumiere son escenas cotidianas con gran profundidad de campo ya que se grababan
en exteriores y la buena iluminación natural ofrecía a la mirada del espectador la posibilidad de vagar por
el espacio sin tanto dirigismo.
Estas películas colocarán a los Hermanos Lumiere como productores a nivel mundial, en cuestión de dos
años desde su proyección en París, todos los filmes de los hermanos habían llegado a públicos de casi todo
el mundo.
CARACTERÍSTICAS DEL CINE DE LOS HERMANOS LUMIÈRE.
Se “basan” en el modelo de representación primitivo, las características de este cine son:
• No hay edición, ni cortes, las películas se nutren por secuencias.
• Pensamiento de crear una historia à protoguion.
• Refleja la vida cotidiana (vida urbana): el cine comienza siendo un explorador de la realidad, casi
comienza en el documental. Eran conocidas cómo estampas o paisajes cinematográficos.
• Abuso del plano general. La forma de poner la cámara influye en la narrativa.
• No existe la categorización de personajes, estos son arquetipos ya que son esquemas de personajes,
pero no llegan a tener una psicología.
• Cámara estática: no tienen pensamiento de que la cámara se pueda mover.
• Busca de los espacios fímicos: profundidad de campo, para darle más profundidad.
• Fuera de cámara.
• Autarquía de cuadro: la imagen se abastece a sí misma (imagen onanista).
• Centralidad absoluta: buscan que todos los elementos se encuentren en el centro de la imagen.
• Interpretación exagerada: los actores venían del teatro, por lo que la interpretación es muy estoica.
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LOS EMISARIOS DE LOS HERMANOS LUMIÈRE.
Los hermanos Lumiere crean una “escuela de cine” para enseñar a la población a utilizar el cinematógrafo,
crean así los emisarios jóvenes que iban por todo el mundo proyectando las imágenes de los hermanos
Lumiere y grabando en dichos destinos imágenes propias, para crear así películas nuevas. Con los emisarios
se consiguió una internalización del cinematógrafo inmediata.
ALEXANDER PROMIO
Fue el emisario más importante, inventó el travelling de una manera fortuita, se encontraba en Venecia y
al montarse en una góndola para rodar las imágenes descubrió que quedaban mejor en movimiento, desde
este momento el cinematógrafo se subió a todo tipo de soportes para conseguir diferentes travellings.
Grabó las primeras imágenes de la Puerta del Sol en Madrid, ayudando así a España a proyectar sus
primeras películas. Estrenó estas imágenes el 14 o 15 de mayo de 1896 coincidiendo con la Feria de San
Isidro, el cine se encontraba dentro del programa de fiestas, se proyectaron en un hotel de la Carrera de
San Gerónimo. Fue la primera proyección en España por la que se cobró el precio de la entrada, acudió la
población burguesa con más poder adquisitivo. Antes de esta proyección Promio había ido a exponerle las
imágenes a la corte.
También fue el encargado de grabar las primeras imágenes de las pirámides de Egipto, el cine se convierte
en un elemento para unir al mundo.
ALICE GUY BLACHÉ 1873 – 1968
Fue la primera realizadora de la historia del cine, rodó cerca de 1.000 películas a lo largo de su vida y, sin
embargo, hoy en día sigue siendo una gran desconocida. Comenzó trabajando como la secretaria de
Gaumont, productor cinematográfico, que va concentrando a los cinematográficos que va conociendo a lo
largo de su vida. Alice quería ser directora y Gaumont le deja hacer su primera filmación con los restos de
película de otro director. La historiografía más crítica con el canon oficial la configura como la verdadera
pionera de la ficción en el cine, posee un gran manejo de los trucajes y de la continuidad narrativa.
En 1905 viaja a España, se produce uno de los primeros paneos, el tiro de cámara cambia ya que se
encuentra a los ojos del público.
En 1906 rueda La vida de Cristo, película de notable presupuesto y con más de 300 extras, fue una película
rodada en varios rollos de películas. Es una temática muy recurrente en el cine de la época. La película
poseía un cartel, debajo de este aparecía el logo de la productora La Casa Pathe. Posee una escenografía
muy concreta con director de arte, aparecen extras y personajes formados. El arquetipo es muy antiguo ya
que se sigue utilizando planos generales, no se acerca al espectador. Todo se analiza como si fuesen
cuadros, “tableaux vivant”, tablas o cuadros vivos. Estamos ante unos de los primeros trucajes de la época,
la sobreimpresión, se puede realizar con el paso de manivela, se para de grabar en un momento y se sigue
grabando, con esta opción aparece nítida, si queremos que aparezca de una forma fantasmagórica se hace
con la sobreimpresión, para ello hay que rodarlo en diferentes fotogramas y se introduce uno de los
fotogramas en ácido para que no aparezca la imagen nítida, también se realizaba cortando la imagen o
coloreando el fondo. En 1907 creó uno de los primeros estudios cinematográficos, Solax, en la ciudad de
New York. En 1912 aparecen los intertítulos.
Estuvo relacionada con la productora francesa Gaumont. En EE.UU. inicia su carrera en varias productoras
(muchas de su propiedad), dirigió films de todos los géneros y consiguió así poder mantenerse con el cine.
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THOMAS ALVA EDISON 1847 – 1931
Fue un personaje fundamental en la ciencia occidental, se va a considerar el gran padre del cine en EE.UU.
Era un gran empresario e inventor (con más de 1.000 inventos) fue denominado como El mago de Menlo
Park.
Entre sus inventos destacan: la lámpara incandescente, el fonógrafo, acompañaba a las películas generando
su base sonora, y aportó a la película fotográfica las perforaciones laterales y lo hace en alianza con Eastman
(padre de Kodak). Entró en el mundo del cine gracias al Kinetoscopio (sirve para ver películas) y el
Kinetografo (sirve para grabar películas) y posteriormente patentará el vitascopio (intenta copiar la vida es
similar al cinematógrafo). Los filmes del kinetoscopio tenían carácter sexual y violento.
Entra en el periodo de la guerra de las patentes ya que descubre que el cine da dinero, “lo que no se venda,
no quiero inventarlo”, los inicios de las guerras de las patentes tienen lugar en NY, Edison extorsiona a todas
las personas que querían hacer cine (nuevos cineastas, europeos, etc), muchos de estos cineastas
extorsionados escapan de NY y se trasladan a California para no seguir siendo extorsionados. A su lado
siempre estuvo su empleado y realizador William Kennedy Dickson, generó muchas de las películas que
Edison produce.
Black Mery, son los primeros estudios de grabación que se construyen pensando en el cine, eran móviles
para aprovechar al máximo la luz natural aunque poseían luz artificial.
Propicia que el cine sea una industria en EE.UU. y por tanto que sea un negocio.
PRIMERAS PELÍCULAS
• Existe un acercamiento del plano, abandona los planos generales y pasa a los planos medios o
primer plano.
• Mientras en Europa hay una preocupación pro lo cotidiano en EE.UU busca lo cotidiano, esta es una
de las principales diferencias entre Europa y EE.UU.
GEORGES MÉLIÈS 1861 – 1938
Nace en una familia burguesa – industrial. Su padre es propietario de una fabrica de zapatos y textiles.
Desde pequeño muestra sus inquietudes artísticas y sus ideas más liberales. A lo largo de su vida su
experiencia profesional pasa por tendero, comerciante, periodista, caricaturista, etc. Hasta que descubre
su pasión por el teatro de variedades, la magia, los autómatas… con el dinero de la “herencia” y tras un
viaje a Londres infructuoso compra el teatro Robert – Houdin (París) para lanzar desde allí sus espectáculos.
En Inglaterra queda fascinado por “el cinematógrafo” de Robert W. Paul. Miéliès le compra uno para
utilizarlo en sus espectáculos, poco a poco el cine se convertirá en su verdadera pasión, se lo compra a
Robert W. Paul porque los hermanos Lumière no se lo venden. En seguida se convertirá en director, actor,
productor, guionista, escenógrafo… etc, de sus películas. Sólo como director en IMDb hay acreditadas 538
cintas dirigidas por él (despareció gran grueso de su producción). Para la realización de sus películas fundará
una de las primeras productoras Miéliès Star Film, asimismo un invernadero en la ciudad de Montreuil le
servirá de estudio. Méliès enseguida comprendió que el cine era un arma eficaz para contar historias, un
nuevo lenguaje narrativo que permitía ir más allá de las meras vistas “documentales” de los Lumière. Es el
primero que le concede al cine un poder narrativo y concibe que el cine construirá los relatos modernos.
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Comienza a filmar de forma paralela con los hermanos Lumière, pero Méliès se centra en la ficción
mientras que los hermanos Lumière se centraban en la cotidianeidad.
Se convierte en un referente a nivel mundial, sus películas se ven en todo el mundo hasta llegar a EE.UU
dónde Edison comienza a temerle. Edison se encarga de contratar a un grupo de matones, los coloca en
todos los puertos de la costa y cada vez que llega una película del extranjero les hacen pagar un impuesto
y las requisan. Estas películas van a amigos de Edison que “piratean” las mejores películas que llegaban.
El cine estaba alegal en esa época.
Su cine sigue siendo fiel a lo que los antiguos espectadores querían y no a los que los nuevos espectadores
demandaban. Entra en depresión y quema una suma importante de todas sus películas. Sus últimos años
de vida está trabajando en una tienda de golosinas.
En los años 20 un grupo de surrealistas le reconocen y deciden hacerle un homenaje, hablan con la
Academia de Cine Francés y los dos últimos años de su vida son reconocimientos y premios de honor, por
lo que se le vuelve a colocar en la “cima” del cine y no en el olvido.
APORTACIONES AL CINE.
• La puesta en escena (mise-en-scène), la composición y el ordenamiento de los elementos que
conforman un plano.
• Un pensamiento artístico y estético del cine, un lenguaje con el que se puede crear un universo nuevo.
Méliès sabe que el cine será la nueva industria del S.XX y, por lo tanto, que la forma de dirigirse al
mundo es el cine.
• La idea de cine como entretenimiento. En un primer momento sus cintas son trasposiciones de sus
trucos de magia para confiar en relatos más largos y organizados narrativamente.
• Con Méliès el discurso ficcional echa a andar. Fantasía, trucajes, ciencia-ficción, comedia grotesca,
primeras incursiones publicitarias, noticias recreadas.
• La base de su cine se asienta en los trucajes (efectos especiales). Por su naturaleza de mago, Méliès
comprendió que el cine era ilusión. Es fundamental la aparición de los trucajes ya que si se tiene una
historia más compleja es necesario el uso de trucajes.
• El montaje aparece fortuitamente gracias a la parada técnica, paso de manivela o parada por
sustitución. Consistía en paraba de grabar y cambiar el elemento que se encontraba delante. Una vez
que el paso de manivela está superado Méliès se da cuenta que cortando el fotograma y empalmando
con otros fotogramas que le interesaban se podía hacer montajes sobre la película utilizando un
pegamento especial.
• Uso de maquetas. A Méliès le encantaba la escenografía, el atrezzo.
• Sobreimpresiones. Había dos formas de realizar sobreimpresiones en este momento del cine, una de
ellas era retroceder a un punto ya grabado de la película y volver a filmar encima. Este trucaje es
empleado para crear efectos de transparencias y superposiciones, las escenas deben estar
milimetradas. Otra forma de realizarlo era grabar dos fotogramas con dos personajes diferentes
cortar uno de ellos y pegarlo en el fotograma del otro personaje. Dentro de este tipo de trucajes
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encontramos el fundido de doble exposición, centrado en hacer aparecer/desaparecer personas o
elementos de forma paulatina y gradual, para ello se utilizaban fondos negros.
PELÍCULAS Y PRINCIPALES TRUCAJES.
Los mismos trucos que hacia en el teatro los pasaba al cine.
• Escamoteo de una dama (1896). Es la primera película de Méliès coloreada, cada elemento está
buscado con el color que debería tener, era un gran dibujante, toda la escenografía estaba diseñada
por él. El éxito de las películas trucadas fue tal que alcanzaron el éxito a nivel mundial.
• La mansión del diablo (1896). Se rodó en exterior. Cada película que hace es para experimentar.
• El hombre de las mil cabezas o El hombre de la cabeza de goma (1898). En todas sus películas existe
una “inocencia”.
• El hombre orquesta (1900). Aquí ya utilizaba la marca de agua en sus películas.
• El hombre de la cabeza de goma (1901). Sitúa de forma milimétrica dónde debería ir la mesa situada
con el uso de la sobreimpresión. Con esta película se da cuenta de que el público se cansa de estos
montajes y comienza la estructura de un relato (principio, nudo y desenlace).
• Viaje a la luna (1902). Méliès pensó esta película coloreada, esta película es muy importante ya que
es un antes y un después en la historia del cine. Las escenas muestran una compleja construcción
interna, un cierto ritmo en la sucesión de los planos y una coherencia en los movimientos. El trucaje
es un elemento para construir el relato. Se comienzan a distinguir los personajes principales del resto
aunque son meros esquemas sin personalidad. Coordina la sucesión de imágenes con los efectos
ópticos gracias al montaje interior de los diferentes planos. Méliès está influido por Julio Verne con la
novela “El viaje al centro de la tierra”.
La cinemateca Francesa estudió que tipos de colores se utilizaban en los negativos coloreados,
realizaban una transcodificación de los colores de analógico a digital y se aplicaban esos mismos
colores sobre la película digitalizada para que se guardase para la historia. Con esta película comienzan
a generarse los arquetipos (entre buenos y malos), aunque en el modelo de representación primitivo
no existen los géneros, pero esta película tiene un género muy definido (ciencia ficción).
FUNDIDO DE DOBLE EXPOSICIÓN
Este truco servía para hacer aparecer o desaparecer personajes de manera gradual. Lo que se hacía era
grabar una o varias veces sobre una cinta para sobreimpresionado imágenes. Estas sobreimpresiones
también las podemos encontrar en reservas de negativo sobre fondo negro. El fondo negro era muy
adecuado para poder hacer estas reservas de negativo, no quedaba impresionado ningún tipo de imagen
y a la hora de volver a grabar en la imagen se veía perfectamente.
El ejemplo que mejor refleja este truco es Las cartas vivantes (1904). En el film, Mélies nos muestra una
carta gigante encima de una tarima. En este momento rebobina la película hasta donde él cree que se
puede crear la fusión de imágenes, se cambia la carta por una carta blanca y se coloca una señora vestida
como el dibujo de la carta y con la misma posición, seguidamente se vuelve a grabar. Lo que es un detalle
importante es que la persona que acompaña la escena, en este caso George Méliès, en todos estos cambios
de cosas de escena antes de volver a grabar debe mantener la posición porque al proyectar la imagen no
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haya ningún efecto extraño. Cuando se visualiza el film podemos ver cómo se fusionan sutilmente las dos
tomas.
MODELO DE REPRESENTACIÓN PRIMITIVO.
Lo acuñó el teórico Noel Barch, son las características narrativas del tipo de cine que se realizó durante
estos primeros años (1895 – 1915), normalmente se encuentran en todas las películas. Con este modelo
comienza el lenguaje cinematográfico. Fue un lenguaje que tuvo una rápida consolidación. Sus
características son las siguientes aunque no todas las películas de la época siguen estas características:
• Abuso del plano general. La forma de poner la cámara influye en la narrativa, todo se encuentra
centralizado, por lo tanto, el punto de fuga se encuentra en el centro.
• Continuidad narrativa, aunque existe una autarquía de los planos o secuencias, la imagen se abastece
por sí misma.
• Construcción de un relato: con principio, nudo y desenlace.
• Utilización de maquetas, decorados, atrezzo: construcción de decorados.
• Utilización de trucajes, con el paso del tiempo se convertirá en un elemento fundamental para
construir relatos.
• Personajes sin psicología y casi siempre son personajes corales, aunque ya se va notando quienes
pueden ser personajes principales.
• Cámara estática, por eso se crea la composición del cuadro ya que el movimiento tiene que ser
interno.
• Iluminación plana, al ser todo tan frontal y estático no hay un pensamiento de dirección de fotografía.
• Películas en blanco y negro y mudas, ocasionalmente son coloreadas o pintadas.
• Estructuras no desarrolladas, en el cine de inicios de la época las conclusiones no suelen estar
desarrolladas.
• Espectador pasivo, se encuentra todavía en construcción (la mirada del espectador).
• Ingenio a favor del desarrollo de la historia.
EL CINE EN ESPAÑA
En 1896 se proyecta la primera película en España, por Promio, muchos directores que se asemejaban al
régimen franquista dicen que la primera película española fue Salida
Las primeras industrias del cine comienzan en Barcelona (era más “europea”, estaba más cercana a la
industria cinematográfica de Francia) y Alicante, en Madrid hay mucha producción, pero la industria del
cine es muy pequeña. A partir de los años 20 la industria cinematográfica se establece en Madrid gracias a
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la dictadura de Primo de Rivera, siendo esta dónde se encuentran las productoras y distribuidoras, mientras
que Barcelona se centraba en el cine de autor.
Mientras los franceses hacen la película del “Regador regado” en España Fructuos Gelabert produjo Riña
en un café en 1897 fue muy importante en las barracas de feria.
SEGUNDO DE CHOMÓN (ESPAÑA) 1871 – 1929
Es una figura muy importante en nuestro cine, nace en Teruel y muere en París y se le ha apellidado cómo
el Méliès español. Descubre el cine tras un viaje a parís donde además conoce a su esposa, una actriz de
teatro ligero que comienza a trabajar en los talleres de coloreado de la Casa Pathé.
A finales de 1900 decide dedicarse al oficio del cine. Fue realizador, operador técnico, maestro
(perfeccionista) coloreador, inventor de técnicas y nuevos trucajes. Fue contratado por Pathé, le hace un
contrato blindado y este podía exigir sus derechos, para hacer frente a la Star Film. Se le concedió libertad
creadora y tuvo a su disposición todos los materiales de la productora. Aunque cultivó todos los géneros,
incluido el cuento o los noticiarios, Chomón destacó por sus filmes fantásticos o fantasmagóricos. Aporta
al cine investigación de las nuevas tecnologías y aplicaciones para el cine. Grabó las primeras adaptaciones
literarias al cine de los cuentos de la Editorial Calleja. En 1908 hace un remake de “El viaje a la luna” bajo
el título “Nuevo viaje a la Luna” aunque su película más conocida es “El hotel eléctrico” (1908).
Técnico cinematográfico reconocido en toda Europa, Chomón será la primera figura en nuestro cine con
una carrera internacional importante (producciones europeas). Tras su paso por Barcelona, entre 1910 y
1912 funda varias sedes de su productora en diferentes países europeos. Se marcha a Italia para trabajar
como operador técnico de Itala films (primeras superproducciones del cine. Allí participa en la gran
superproducción de Cabiria, obra cumbre del cine mudo italiano (Giovanni PAstrone, 1914) uno de los
primeros péplum de la historia del cine, en esta película ejerce de operador de cámara y crea el primer
travelling de la historia oficial del cine, el carrielo. De nuevo en París Chomón colabora como profesional
en varias cintas, entre las que se incluye Napoleón (Abel Gance) la cámara se sube en lugares inhóspitos.
Se estrena en la ópera de parís en tres pantallas gigantes y en cada pantalla suceden diferentes escenas.
Creó la técnica del stop motion, que es creado fotograma a fotograma. Consiguió que esta forma de hacer
cine estuviera implicada dentro del relato y no hacer cine por hacer cine. Podemos considerarlo como el
antecedente del cine de animación.
LA ESCUELA DE BRIGHTON
La escuela de Brighton está formada por un conjunto de fotógrafos y ópticos que comenzaron a dar sus
primeros pasos comerciales en la industria del cine, no se trata de una escuela física en sí. Fue en Brighton
ya que era más soleada que Londres y empezó a ser un punto turístico en el que los fotógrafos sacaban
dinero fotografiando las familias, estos descubrieron que se podía sacar más dinero en el cine y se
trasladaron a la cinematografía. Inglaterra está inmersa en una época victoriana tardía, una moral rígida y
puritana y crecientes disturbios con el movimiento obrero. En este movimiento destacamos a Robert
William Paul, George Albert Smith y James Williamson.
Objetivo iris: cuando se quiere enmarcar lo que ocurre en una zona determinada, se ponía encima del
objetivo una plantilla hecha de metal y así no enfocaba lo que no se quería.
La presencia de os niños en la cinematografía inglesa es constante ya que estos se basan en Dickens. Los
británicos son los primeros en no tener miedo a utilizar distintos tipos de planos para ir acercando los
elementos al espectador.
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