Análisis Sinfonía 1 Beethoven (primer movimiento)
Contexto Histórico
Los años de infancia y juventud de Beethoven, la década de 1780, fueron los del
apogeo de la Ilustración, cuyo epílogo fue la revolución francesa. Flotaba en el ambiente
una convicción de que la humanidad estaba a punto de pasar página para enfrentarse al
nacimiento de una verdadera civilización.
El músico cuya carrera artística mejor refleja los profundos cambios de la década
en torno a 1800 (revolución francesa y revolución industrial) fue Ludwig van Beethoven.
Consciente de los ideales de la ilustración, asimiló la música de Haydn y Mozart, observó
la revolución francesa desde la distancia, idealizó a Napoleón para luego desilusionarse, y
vivió los últimos doce años bajo la represión política.
Beethoven entró en escena en un momento favorable de la historia, vivió en una
época en la que cundían nuevas y poderosas fuerzas en la sociedad humana, fuerzas que
le afectaron intensamente y que se dejaron sentir en su obra. Como Napoleón y Goethe,
Beethoven era hijo del cataclismo que fermentó durante todo el siglo XVIII y terminó por
estallar con la Revolución Francesa.
Históricamente, la obra de Beethoven se eleva sobre los convencionalismos,
géneros y estilos del período clásico, sin embargo en virtud de circunstancias externas y
de la fuerza de su propio genio, transformó esta herencia y se convirtió en la fuente de
muchos de los elementos característicos del período romántico.
Como es natural, las obras del primer período muestran con mucha claridad la
dependencia de Beethoven de la tradición clásica y sus sinfonías nos sirven como un
espejo de la historia y el conflicto en una Europa cambiante. La primera sinfonía, algo
comedida y de un estilo clásico aristocrático fue dedicada al Barón Gottfried van Swieten,
uno de sus patrocinantes más importantes, que compartía con Haydn y Mozart, iniciando
su carrera sinfónica con lo que se le llama “una despedida al siglo XVIII” para limpiar el
aire y hacer lugar para su propia voz.
Definición de Conceptos
Sinfonía clásica
Es una obra musical para orquesta normalmente dividida en cuatro movimientos.
Sus orígenes los encontramos en el siglo XVII, aunque no será hasta mediados del siglo
XVIII que esta forma musical alcance su madurez, con papel destacado de la orquesta de
Mannheim y las obras de algunos autores que pertenecieron a ella.
Forma sonata
Es una forma musical empleada ampliamente desde principios del clasicismo. Se
emplea habitualmente en el primer movimiento de una pieza de varios movimientos,
aunque a veces se emplea en los siguientes movimientos. La definición habitual se centra
en la organización temática y armónica de los materiales tonales, que se presentan en la
exposición, son elaborados y contrastados en el desarrollo y luego resueltos armónica y
temáticamente en la reexposición o recapitulación. Además esta definición admite que
una introducción y una coda pueden estar presentes.
Coda
Parte que se añade al período final de una pieza musical, que con frecuencia suele
ser la repetición de uno de los mejores motivos de la misma.
Séptima de dominante
Un acorde que se construye sobre la dominante o la quinta nota de la tonalidad,
con una séptima menor añadida.
Cadencia rota
Tal como lo indica su nombre, esta cadencia tiene una sonoridad de movimiento
conclusivo pero es interrumpida, resolviendo en un acorde diferente, usualmente el VI.
Pedal de tónica
Es una nota sostenida o repetida en la tónica sobra la cual la armonía cambia.
Síncopa
Es una forma de poner el énfasis sobre una nota o pulso que normalmente hubiese
sido débil.
Séptima disminuída
Un acorde de séptima disminuida construido sobre terceras menores.
Modulación diatónica
Es un proceso en el que se emplea un acorde común a ambas tonalidades (y
cuyas notas pertenezcan a las dos tonalidades), y esto solo es posible cuando
modulamos a tonalidades vecinas o como mucho alejadas dos quintas en el círculo de
quintas (dos diferencias en la armadura).
Acorde pivote
Consiste en una modulación en donde un mismo acorde existe con distinta función
en dos tonalidades diferentes.
Textura
Es la manera de entretejer las voces o las distintas partes o líneas dentro de una
composición musical. Es producida por una serie de líneas melódicas. Su forma más
sencilla es el contrapunto o canon. Muchas líneas melódicas combinadas producen
texturas densas; pocas líneas melódicas producen una textura clara. Así como la forma es
producida por asociaciones de elementos y la estructura por asociaciones de elementos
en un aspecto más interno, la textura es la organización de elementos más externos.
Textura monofónica
Monofónico significa “una sola voz” o “unísono”. En el ámbito de la orquesta
entendemos esto como un unísono estricto pero también como doblajes de una línea a
distintas octavas. El énfasis en esta textura está en el plano melódico u horizontal.
Textura homofónica
Consiste en una línea melódica principal y un acompañamiento de acordes.
Etimológicamente el término homofonía indica igualdad y homogeneidad de voces,
entendemos entonces que la característica fundamental, que pudiera hacerla distinta de lo
que vamos a denominar posteriormente melodía acompañada, es el predominio de la
isorritmia.
Textura polifónica o contrapuntística
Consiste en la combinación de una melodía con otra u otras y se guarda el valor e
independencia de las respoectivas líneas melódicas; es decir, cuando dos o más líneas
melódicas discurren al mismo tiempo, teniendo la misma importancia y cierta
independencia.
Análisis
Esta sinfonía de Beethoven aún tiene impregnado el clasicismo, pero algunos
acordes interesantes nos adelantan lo que será el futuro Beethoven romántico. Este
primer movimiento, objeto de análisis tiene una forma sonata que se puede esquematizar
de la siguiente manera:
INTRODUCCIÓN (compases 1-12)
EXPOSICIÓN (compases 13-109)
Codetta (88-109)
DESARROLLO (110-177)
RECAPITULACIÓN (178-259)
CODA (259 hasta el final)
Esta sinfonía es como la entrada al mundo (sinfónico) del joven Beethoven, todavía
influenciada por el clasicismo y con la clara influencia de su maestro Haydn, sin embargo
comenzamos a ver el carácter de Beethoven, alternando entre pasajes más líricos y
melodiosos con pasajes más bruscos con una orquestación más densa que adelanta el
carácter tormentoso de las futuras sinfonías románticas.
En la introducción empieza directamente con una serie de séptimas de dominante,
evitando por completo la tonalidad de do mayor y creando más tensión, lo cual claramente
no era común para la época. Cadencia eventualmente al quinto grado (sol) y al primer
grado en inversión (do), sin embargo no es hasta el compás 13 en donde hace una
cadencia perfecta hacia la tonalidad principal para comenzar con la exposición.
Esta es una sinfonía muy enérgica y alegre, en comparación con el carácter oscuro
y apasionado de las sinfonías posteriores.
Podemos observar claramente también como incide en el motivo melódico de
segunda menor ascendente en la introducción, motivo que se repetirá a lo largo de este
movimiento.
Empieza con un allegro con brio en la exposición del tema A, en donde presenta lo
que serán los tres motivos que se repetirán a lo largo de la obra. Tenemos en primer lugar
el motivo rítmico de corchea con puntillo y semicorchea, acompañado de un salto de
cuarta ascendente, luego tenemos corcheas repitiendo este salto pero más ágil siendo
realmente una disminución del primer motivo y finalmente el motivo de acorde de séptima
arpegiado en negras.
Beethoven hace uso de los vientos para alternar el tema A entre vientos y cuerdas,
a modo de pregunta respuesta que produce un juego de timbres dando un carácter más
brillante y energético.
El tema B esta contruido a base al mismo motivo de salto de cuarta ascendente del
tema A, pero con carácter modulante y la melodía en los oboes. Utiliza los vientos el
principio mientras que las cuerdas acompañan con el motívo rítmico del tema A,
añaniendo un nuevo motivo de síncopas, que ayuda a crear más movimiento rítmico. Por
otro lado el motivo de segunda ascendente aparece, recordándonos su presencia y
preparando el oído para usarlo más adelante como elemento expresivo.
La segunda parte del tema B, consiste en el mismo motivo de B pero con carácter
menor y de inestabilidad armónica, que desemboca en la dominante para poder retomar
motivos del tema A en la codetta, la cual consiste en el motivo de acorde de séptima
arpegiado esta vez retrogradado y aumentado.
En el desarrollo, Beethoven también explora los distintos contrastes tímbricos de
las cuerdas y los vientos y juega a que estos interactúen entre sí, repitiendo los motivos
iniciales.
Luego en el desarrollo, tenemos en el tema A los motivos de síncopas
anteriormente observados, modulando con una serie de quintas a Mib, el relativo mayor
del homónimo menor.
En el compas 151 tenemos en Eb el motivo del tema A dividido entre la sección de
los vientos maderas y las cuerdas que tienen una disminución rítmica, terminando con
una escala descendente en los vientos que modula hacia Solm y más adelante a Am
donde el tema A se vuelve más dramático, las cuerdas tocan escalas ascendentes
mientras que los vientos responden con escalas descendentes, llevándonos al acorde de
dominante de do y desembocando en la recapitulación.
En la recapitulación repite exactamente el principio de la exposición pero con una
orquestación más densa, con todos los instrumentos en una textura monofónica hasta el
compás 188, en donde uiliza el motivo de escala cromática ascendente del inicio pero de
manera prolongada, creando una atmósfera de más inquietud y deseos de resolución con
los vientos, mientras que las cuerdas responden con escalas descendentes rápidas y
cada vez más seguidas. Se repite el tema B ahora en la tónica, en vez de la dominante
como al inicio.
En el compás 230 se oscurece la armonía al introducir la segunda parte del tema B
en Do menor. Estos pasajes coinciden en longitud y en relación con la tonalidad inicial al
rango de tonalidades visitadas.
Al inicio de la coda, utiliza el motivo del acorde arpegiado con blancas
descendentes de séptimas de dominante para llegar a la coda en Do mayor y terminar
con una cadencia perfecta.
