El Barroco tardío (1700-1750)
En el Barroco temprano (1600-1700) se establecieron los principales estilos y
géneros; en el Barroco tardío (1700-1750), las formas musicales fijas florecieron en
manos de los maestros barrocos que han llegado a ser tan populares hoy en día:
Vivaldi, Bach y Haendel.
La ópera del Barroco tardío
La ópera siguió floreciendo en el Barroco
tardío. Otros países desarrollaron también
sus propias tradiciones operísticas, pero el
tipo de ópera favorito en toda Europa era
la italiana, y la principal forma de ópera
italiana era la ópera seria. A finales del
Barroco, la ópera seria se había estilizado
bastante. Los argumentos solían ser
estándar. Suelen basarse en algún relato de
la historia antigua, con situaciones
dramáticas, dos parejas de amantes y un
príncipe o rey que resuelve la situación al
final. Siempre había tres actos y la música
se construía en torno a una alternancia
constante entre recitativos y arias.
Los recitativos seguían sirviendo
para hacer avanzar la trama. Eran sencillos,
rápidos, con un discurso y acompañados
únicamente por el bajo continuo. Sin
embargo, la principal razón por la que la gente iba a la ópera era para escuchar las
arias. Las arias daban la oportunidad a los grandes cantantes de la época de mostrar su
talento. Durante un aria, la acción se detenía y el cantante cantaba la emoción creada
por la historia: pena, rabia, amor o desesperación. Cada ópera contenía tres o cuatro
La forma estándar de las arias era el ABA. El estado de ánimo se establecía en la primera
sección A. La sección B se cantaba como contraste, normalmente en un tono o tempo
diferente. Después de la sección B, se repetía la sección A, con la misma letra y la misma
música, pero considerablemente ornamentada con figuras improvisadas, carreras y
escalas, notas altas, pausas dramáticas, etc. Era aquí donde el cantante podía demostrar
su talento, su agilidad vocal y su gusto (¡o la falta de él!)
arias para cada uno de los personajes principales.
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El concierto del Barroco tardío
A principios del siglo XVIII, el concierto también había adquirido una forma fija.
Los compositores siguieron escribiendo tanto concerti grossi (para pequeño grupo y
orquesta) como conciertos para solistas, pero el concierto para solistas se hizo cada vez
más popular. Instrumentos como la flauta, el oboe y la trompeta empezaron a aparecer
en los conciertos para solistas. Los compositores incluso empezaron a escribir
conciertos para instrumentos de teclado. Esto fue bastante revolucionario, ya que el
papel de los instrumentos de teclado en los conciertos se había limitado hasta entonces
al bajo continuo.
Hubo muchos compositores de conciertos activos en esta época, pero el maestro
indiscutible del concierto en el Barroco tardío fue Antonio Vivaldi.
Antonio Vivaldi (1678-1741)
El padre de Vivaldi era violinista en la Catedral de San Marcos de Venecia,donde
Gabrieli y Monteverdi habían hecho carrera, y Antonio aprendió música a una edad
temprana. Como muchos jóvenes de la época barroca, Vivaldi se formó para el
sacerdocio. Debido a su pelo rojo, se ganó el apodo de "El Sacerdote Rojo". Sin
embargo, una enfermedad le impidió continuar con sus deberes sacerdotales, y pronto
comenzó el trabajo que le llevaría durante el resto de su carrera: fue nombrado director
de música en el Ospedale della Pietà de Venecia. Se trataba de un internado para niñas
y jóvenes huérfanas, que combinaba la educación básica con la formación religiosa y
ponía un gran énfasis en la música.
Vivaldi escribió una gran cantidad de música para el Ospedale. Las niñas daban
frecuentes conciertos, y la gente viajaba desde toda Europa para escucharlas tocar.
Entre las obras del compositor se encuentran sonatas en solitario y en trío, oratorios,
música sacra y casi 600 conciertos. Vivaldi escribió tanta música que parte de ella aún
no se ha publicado, y muchas de sus piezas no se han escuchado desde que las escribió
por primera vez.
Vivaldi debió de inspirarse en el talento especial de las jóvenes de su escuela, porque
varios de sus conciertos son para
instrumentos que entonces no se consideraban normalmente como solistas: flauta
dulce, clarinete, fagot, viola e incluso mandolina. Pero la mayoría de sus conciertos son
para uno o más violines.
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En la época de Vivaldi y del Barroco tardío, la forma del concierto estaba
claramente establecida. Suele constar de tres movimientos, con el esquema rápido-
lento-rápido. El primer movimiento suele ser un allegro (un movimiento en tempo
moderadamente rápido). El segundo movimiento suele tener una melodía expresiva y
lenta que suena como un aria de ópera. El tercer movimiento es un poco más rápido y
animado que el primero.
El primer y el tercer movimiento de un concierto barroco tienen forma de
ritornello, que explota el contraste entre el instrumento o los instrumentos solistas y la
orquesta de forma muy organizada. El ritornello en un concierto es un pasaje orquestal
que vuelve constantemente. Entre las apariciones del ritornello, el instrumento solista
toca pasajes de material contrastante, que se conocen como episodios.
El propio Vivaldi era un violinista consumado. Un joven estudiante de derecho alemán le vio
tocar en 1715 y anotó en su diario lo siguiente "Vivaldi tocó una improvisación que realmente
me asustó. Dudo que se haya hecho algo así antes, o que se vuelva a hacer".
Al principio de un movimiento en forma de ritornello, la orquesta toca todo el ritornello
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en el de tónica. Durante el cuerpo del movimiento, el ritornello se repetirá de forma
parcial y en diferentes tonalidades, pero al final volverá en su totalidad en la tonalidad
de la tónica. Los episodios solistas ocurren entre estas ocurrencias.
Tal vez el más famoso de los conciertos de Vivaldi en la actualidad sea un grupo de
cuatro conciertos conocidos como Las Cuatro Estaciones. Se publicaron en 1725,
cuando Vivaldi tenía 47 años. Muestran el maravilloso sentido de la
invención de Vivaldi en el medio del concierto y su extraordinaria flexibilidad dentro de
esta forma aparentemente rígida.
Se trata de conciertos para violín solo, pero en varios de los episodios solistas se
incorporan otros instrumentos de la orquesta, de modo que el sonido se aproxima a
veces al de un concerto grosso. También hay una variedad constante en el manejo de la
forma del ritornello, tanto en las claves empleadas para los retornos parciales como en
la elección de la parte del ritornello que se utiliza.
Los conciertos de las Cuatro Estaciones son un ejemplo temprano de música
programática: música diseñada para contar una historia. Cada uno de los cuatro
conciertos representa una estación del año. Al principio de cada concierto, Vivaldi
imprimió un poema que describía la estación.
Además, Vivaldi escribió líneas del poema directamente en la partitura, de modo
que cada frase musical para los instrumentistas está directamente ligada a su
descripción poética. Por ejemplo, hay pasajes para los truenos y relámpagos, el ladrido
de un perro y el
canto de los pájaros. Pero incluso al margen de los textos poéticos, los conciertos son
maravillosos ejemplos del concierto para violín del Barroco tardío por derecho propio.
El concierto barroco puede parecer bastante rígido, con su patrón fijo de
movimientos y su estricta forma de ritornello, pero, como demuestran piezas como las
Cuatro Estaciones de Vivaldi, podía manejarse con gran flexibilidad para producir
música de variedad, color y contraste.
La música de Vivaldi se escuchó y su influencia se dejó sentir no sólo en su Italia
natal, sino en toda Europa. Los conciertos de Vivaldi fueron estudiados con gran detalle
e imitados de cerca por otro de los grandes maestros del barroco tardío: Johann
Sebastian Bach.
Como la mayoría de los conciertos del Barroco tardío, La Primavera de Vivaldi
tiene tres movimientos: rápido-lento-rápido.
Los dos movimientos rápidos son en forma de ritornello y están en clave mayor (mi
mayor). El movimiento lento tiene una melodía larga y lírica y está en mi menor. En los
dos movimientos exteriores, los instrumentos de la orquesta se unen al solista en
algunos de los episodios solistas, dando la impresión de un concierto grosso. Ambos
movimientos también están llenos de efectos de eco.
La orquesta está compuesta por violines primeros y segundos, violas,
violonchelos, bajos y un clavicordio. Como todas las Estaciones, el concierto "Primavera"
está encabezado por un poema en forma de soneto.
Un soneto consta de catorce versos: ocho versos seguidos de seis versos que se
dividen en dos grupos de tres. Vivaldi utiliza los ocho primeros versos para el primer
movimiento y los dos grupos de tres para los dos movimientos siguientes.
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Primer movimiento
(Primeros ocho versos del poema):
La primavera ha llegado, y, llena de alegría,
los pájaros la saludan con su alegre canto.
Los arroyos, arrastrados por suaves brisas
fluyen con un dulce murmullo.
Cubriendo el cielo con un manto negro,
El trueno y el relámpago vienen a anunciar la estación. Cuando todo vuelve a la calma,
los pajaritos
Vuelven a su hermoso canto.
El primer movimiento está escrito en la brillante y extrovertida tonalidad de mi
mayor. El ritornello, que consta de dos frases, sólo se interpreta en su totalidad al
principio del movimiento; en todas sus demás apariciones, sólo se toca la segunda
mitad del ritornello. Entre estas apariciones, el violín solista toca pasajes brillantes,
imitando el canto de los pájaros y los relámpagos. A veces toca solo, y a veces se le
unen dos violines de la orquesta.
Johann Sebastian Bach (1685–1750)
Uno de los músicos más influyentes de todos los tiempos, y sin duda uno de los
más grandes compositores de la historia de la música, fue Johann Sebastian Bach. Su
maestría en la composición musical es tan universalmente reconocida que la fecha de
su muerte se utiliza para marcar el final de toda la era barroca.
Toda la carrera de Bach transcurrió en una región de Alemania. Se trasladó de una
pequeña ciudad a otra a medida que surgían oportunidades de trabajo. La última parte
de su vida la pasó en la ciudad de Leipzig, algo más grande.
Bach no se veía a sí mismo como un genio del arte, sino como un artesano muy
trabajador. Escribía la mayor parte de su música por encargo, o para cumplir los
requisitos de un trabajo. Durante su vida, no fue muy conocido fuera del círculo
relativamente pequeño de su familia y conocidos, y viajó muy poco.
Nunca escribió una ópera, a pesar de que era el género musical más popular de la
época, porque sus trabajos nunca lo exigieron.
El primer trabajo que tuvo Bach fue el de organista de iglesia en las pequeñas
ciudades de Arnstadt y Mühlhausen, cerca de su lugar de nacimiento. A los 23 años se
casó y encontró un puesto mejor en la corte del duque de Weimar, primero como
organista y después como director de orquesta. Permaneció allí durante nueve años
(hasta 1717), abandonando finalmente cuando fue rechazado para el
puesto de director de música. El duque de Weimar se enfadó tanto por la decisión de
Bach de marcharse que lo mandó encarcelar durante un mes.
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Otros compositores sobre Johann Sebastian Bach: Beethoven le llamó "el dios inmortal de la armonía".
Charles Gounod escribió que "Mozart es el más bello, Rossini el más brillante, pero Bach es el más
completo: ha dicho todo lo que hay que decir". Debussy lo llamó "un dios benévolo, al que todos los
compositores deberían ofrecer una oración antes de ponerse a trabajar".
Pero Bach consiguió el puesto que quería en la corte de un príncipe cercano. El
príncipe de Cöthen era joven, soltero y un entusiasta músico aficionado. Tenía una
pequeña orquesta propia y nombró a En 1720, cuando Bach tenía 35 años, murió su
esposa Barbara. Al año siguiente se casó de nuevo. Su nueva esposa era una joven
cantante, Anna Magdalena, que, al igual que Bach, trabajaba en la corte del príncipe de
Cöthen. Con sus dos esposas, Bach tuvo 20 hijos. Once de ellos murieron en la infancia,
como era habitual en aquella época, pero nueve llegaron a la edad adulta, cuatro de los
cuales se convirtieron en compositores famosos por derecho propio.
Bach podría haber permanecido en Cöthen el resto de su vida, pero el príncipe
también se casó en esa época, y a su nueva esposa no le gustaba la música. El apoyo
del príncipe a Bach y a sus actividades disminuyó, la orquesta fue despedida y Bach
empezó a buscar un nuevo trabajo.
En ese momento, la ciudad de Leipzig -una ciudad relativamente grande con una
universidad, dos teatros y una población de 30.000 habitantes- buscaba un director de
música para su iglesia de Santo Tomás. Este puesto implicaba la responsabilidad de
toda la música eclesiástica de la ciudad, incluida la de Santo Tomás y otras tres iglesias.
El ayuntamiento entrevistó a varios músicos y finalmente eligió a Bach como tercera
opción. (La primera opción, el compositor Georg Philipp Telemann, la rechazó, y al
segundo de la lista no se le permitió dejar su puesto). Pero, tercera opción o no, Bach
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aceptó felizmente el puesto y se trasladó con su creciente familia a Leipzig en 1723,
cuando tenía 38 años. Allí permaneció el resto de su vida.
Bach estaba muy ocupado en Leipzig. Su trabajo tenía varios aspectos, que
cumplía con alegría y eficacia. Tenía que componer, ensayar y dirigir una nueva cantata
para cada domingo y fiesta del año. También dirigía la escuela de música anexa a Santo
Tomás y era responsable de componer, enseñar latín, tocar el órgano, mantener todos
los instrumentos y preparar los coros para los servicios de las otras tres iglesias
principales de Leipzig.
En 1747 Bach fue invitado a visitar a Federico el Grande, el poderoso y
autocrático rey de Prusia. Al igual que Luis XIV de Francia, Federico amaba la música y
empleaba a varios músicos conocidos en su corte. Federico también tocaba la flauta y
compuso música para ella. Uno de los hijos de Johann Sebastian Bach, C. P. E. Bach, era
el clavecinista de la corte de Federico. El joven Bach era considerado el compositor más
actual. A Johann Sebastian se le conocía afectuosamente, pero no muy
respetuosamente, como el "viejo Bach". A mediados del siglo XVIII, su música se
consideraba anticuada y demasiado complicada.
Bach murió en 1750, dejando un legado sin igual al mundo musical. El público se
ha sentido atraído por la música de Bach por su cuidadosa organización, su clara
dirección tonal, su naturaleza expresiva y su brillantez intelectual. El propio Bach veía su
música como un medio para mantener a su familia, instruir a sus semejantes y glorificar
a Dios. Para sus hijos y para su segunda esposa, Anna Magdalena, escribió libros de
piezas cortas para teclado. Un libro de piezas para órgano fue escrito "para la
instrucción de mis semejantes". Y al final de muchas de sus composiciones, escribió las
letras "S. D. G.", que significan "Soli Deo Gloria" ("Sólo para la gloria de Dios").
Bach también era muy modesto. Hacia el final de su vida, dijo: "Me vi obligado a
trabajar mucho. Pero cualquiera que sea igualmente laborioso tendrá el mismo éxito".
Hombre de familia, profesor, buen ciudadano, espíritu humilde y piadoso, Johann
Sebastian Bach fue también uno de los músicos de la historia a los que podemos
otorgar sin reparos el título de "genio".
NECESITAS SABER
• Bach compuso en todos los estilos instrumentales y vocales del Barroco, excepto la ópera.
• Bach fue un maestro del contrapunto, y sus obras han servido de modelo a compositores y
estudiantes desde entonces.
• Bach escribió diferentes tipos de música según el trabajo
que tenía en ese momento:
• Primeros años (trabajando como organista): principalmente música de órgano
• Años intermedios (dirigiendo la orquesta de Cöthen): música para teclado
y música instrumental
• Últimos años (trabajando en una escuela de la iglesia en Leipzig):
principalmente música coral religiosa, así como algunas obras instrumentales.
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LA MÚSICA DE ÓRGANO DE BACH La música de órgano de Bach es muy variada.
Incluye adaptaciones de corales luteranos, sonatas en trío para órgano y preludios y
fugas. Los corales se adaptan en armonía para órgano o se utilizan como base para una
serie de variaciones. En las sonatas en trío para órgano, la mano derecha toca una línea,
la izquierda otra, y los pedales del órgano se utilizan para el bajo continuo.
Los preludios y fugas combinan un tipo de música libre con otra muy estricta. El
preludio es una pieza improvisada del tipo que los organistas tocan para rellenar el
tiempo antes, durante o después de un servicio religioso. La fuga es una composición
polifónica cuidadosamente elaborada que utiliza un tema (o "sujeto") que aparece en
todas las voces, o líneas musicales, sucesivamente. Comienza con una sola voz que
interpreta el tema sin acompañamiento. Cuando la segunda voz introduce el tema de la
fuga, la primera continúa tocando, y así sucesivamente, hasta que todas las voces
suenan de forma independiente. Una fuga puede tener dos, tres o cuatro voces.
Después de visitar a Federico el Grande, Bach escribió una fuga que tenía seis voces.
Bach era un maestro del contrapunto, y la fuga es el tipo de contrapunto más exigente
para escribir.
MÚSICA PARA TECLADO, INSTRUMENTAL Y ORQUESTA DE BACH Durante sus años
en la corte de Cöthen, Bach produjo una gran cantidad de música para teclado solo,
otros instrumentos solistas y una pequeña orquesta. En esta música, en particular, Bach
fusionó las características de los estilos italiano, francés y alemán. La música italiana era
rítmica y brillante. La música francesa favorecía las formas de danza y la ornamentación.
La música alemana era seria y contrapuntística. Bach se basó en todos estos elementos
para producir un estilo individual que fue el punto culminante de la era barroca.
Bach escribió mucha música para solista, quizás inspirado por los excelentes
músicos de la corte del príncipe. Hay suites y sonatas para violín solo y clave solo,
suites para violonchelo solo y una suite para flauta sola. También compuso varias
sonatas y sonatas en trío.
De los años de Cöthen procede un gran número de composiciones orquestales. Entre
ellas se encuentran algunas suites para orquesta, así como varios conciertos, incluidos
los famosos conciertos de Brandemburgo.
MÚSICA VOCAL DE BACH Durante su estancia en Leipzig, Bach escribió cientos de
cantatas para servicios religiosos, así como algunas importantes piezas vocales sacras.
Entre ellas se encuentran motetes, Pasiones y la Misa en si menor, que se considera
una de las mejores composiciones de la misa tradicional que jamás se haya compuesto.
Bach escribió dos Pasiones para las iglesias luteranas de Leipzig. (Se rumorea que
existe una tercera, pero nunca se ha encontrado). Una Pasión es una adaptación musical
de la historia de los Evangelios sobre la muerte de Jesús. Bach basó una adaptación en
el relato del Evangelio de San Juan y la otra en el del Evangelio de San Mateo. Aunque
el legado musical de Bach está repleto de obras maestras, la Pasión de San Mateo está
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considerada universalmente como una de las obras maestras musicales monumentales
de todos los tiempos.
Es una composición enorme, de unas tres horas, para cantantes solistas, dos
coros, un coro de niños, dos orquestas y dos órganos. Recorre toda la gama de
emociones humanas, desde el dolor hasta el asombro, pasando por la desesperación y
la trascendencia espiritual. Sólo con esta obra, Bach nos muestra cómo la música puede
reflejar y profundizar el significado de la existencia humana.
LA OFRENDA MUSICAL La Ofrenda musical consta de dos fugas, 10
cánones (rondas) y una sonata en trío. Cada una
En mayo de 1747, Bach viajó a Potsdam, cerca de las trece piezas utiliza el tema de Federico. La
de Berlín, para visitar a Federico el Grande de unidad que esto proporciona se completa con la
Prusia. En presencia del rey, hizo gala de sus gran variedad de procedimientos canónicos
extraordinarias dotes de improvisación y, como empleados. Estos incluyen cánones
resultado, Federico le regaló un tema para que lo convencionales, una fuga canónica, un canon en
utilizara como base de una composición. Cuando movimiento contrario, cánones rompecabezas y
se escucha solo, el tema parece muy poco un canon "cancreizante", en el que un intérprete
prometedor.
comienza al principio de la pieza y trabaja hacia
Es un testimonio de la brillantez de Bach como adelante, mientras que el otro comienza al final y
compositor que de su regreso a casa, consiguió trabaja hacia atrás. La habilidad y el ingenio de
trabajar este tema en una extensa e Bach en Una ofrenda musical confirman su
impresionante serie de piezas, que tituló Ofrenda estatus como uno de los más grandes
musical y envió con una florida dedicatoria a compositores de contrapunto de la historia de la
Federico el Grande.
música.
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George Frideric Handel
(1685-1759)
Aunque la vida de Haendel
coincidió casi exactamente con la de
Bach, sus carreras fueron notablemente
diferentes. Como hemos visto, Bach vivió
una vida tranquila y ajetreada en una
pequeña región de Alemania. En cambio,
Haendel viajó mucho y se convirtió en
una celebridad internacional. Aunque el
género musical central de la época
barroca era la ópera, Bach no escribió
ninguna. La carrera de Haendel se basó
en las casi 40 óperas que escribió, la
mayoría para el escenario londinense.
Bach era un hombre de familia; Haendel
nunca se casó.
Haendel nació en Halle, una pequeña
ciudad de Alemania. Su familia no era
musical y su padre quería que estudiara
derecho. Sin embargo, estaba tan dotado para la música que se le permitió estudiar con
el director de música y el organista de la iglesia local. Aprendió a tocar el órgano, el
clavicordio y el violín, y estudió contrapunto y composición. Händel estudió derecho en
la Universidad de Halle durante sólo un año y luego se marchó a Hamburgo, que era el
principal centro de ópera de Alemania. Allí se incorporó a la orquesta de ópera como
violinista y clavecinista. A los 19 años, Haendel compuso su primera ópera, que se
representó en el teatro de la ópera de Hamburgo.
Como la mayoría de las óperas de la época eran italianas, Haendel decidió viajar a Italia,
al centro de la actividad operística. A los 21 años, era todavía un joven, pero allí obtuvo
un éxito fenomenal.
Después de tres años en Italia, Händel fue nombrado director musical del Elector de
Hannover, de vuelta a Alemania. Era un puesto bien remunerado, pero Haendel era
inquieto. Solicitaba continuamente permisos para viajar a Londres, que se estaba
convirtiendo rápidamente en uno de los centros musicales más importantes del mundo.
En 1712, Händel obtuvo un breve permiso para viajar a Londres, que sobrepasó con
creces y se convirtió en una residencia de por vida.
Haendel pasó el resto de su carrera en Londres. Fue un compositor
increíblemente prolífico, un político inteligente y un duro hombre de negocios. Ganaba
y perdía mucho dinero, amaba la comida y la bebida, y tenía mucho temperamento y un
amplio sentido del humor. Un contemporáneo dijo que "ningún hombre contaba una
historia con más humor que Haendel". Estuvo en el centro de la evolución musical
inglesa (y de las rivalidades) durante 40 años. Y al final, se convirtió en una institución. El
pueblo británico sigue considerando a Haendel como un compositor inglés. Está
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enterrado en la Abadía de Westminster, un honor reservado a grandes personajes
ingleses como Chaucer, la reina Isabel I y Charles Dickens.
Durante sus años en Londres (desde 1712 hasta su muerte en 1759), Haendel compuso
principalmente óperas y oratorios, aunque también escribió mucha otra música.
La ópera italiana estuvo muy de moda en Londres hasta la década de 1730,
cuando el gusto del público empezó a cambiar. Fue entonces cuando Haendel se
dedicó al oratorio. La idea de una historia musical de la Biblia cantada en inglés atraía al
público inglés. Además, el oratorio era mucho menos costoso de producir que la ópera.
Se cantaba en el escenario de un concierto y no requería
vestuario, ni complicados decorados o luces, ni escenografía. El primer oratorio de
Haendel fue Saúl, producido en 1739. Pero su primer éxito real llegó con El Mesías en
1741. Pronto se convirtió en su obra más popular y sigue siendo una de sus
composiciones más interpretadas en la actualidad. Después de esto, los oratorios de
Haendel se convirtieron en el pilar de la escena de conciertos de Londres. Se
interpretaban durante la Cuaresma, cuando la ópera no estaba permitida de todos
modos, y atraían a grandes audiencias, especialmente de la próspera clase media, que
siempre había mirado la ópera italiana con recelo o desdén. Una característica especial
de las representaciones de oratorios de Haendel era la aparición del propio compositor
tocando conciertos de órgano durante el intermedio.
Hacia el final de su vida, Haendel se quedó ciego, pero siguió tocando el
órgano y componiendo al dictado. Cuando murió, 3.000 personas acudieron a su
funeral. Se había convertido en ciudadano británico muchos años antes, y el pueblo
británico lo había acogido completamente en su corazón.
LA MÚSICA DE HANDEL
La música de Händel es atractiva y fácil de escuchar. Atrae a un gran número de
personas porque suena sencilla y agradable. La música de Haendel es el “arte que
esconde el arte": la habilidad y la brillante artesanía de su música se esconden bajo el
atractivo exterior.
Curiosamente, la mayoría de la gente no conoce las obras a las que Haendel
dedicó la mayor parte de su tiempo y por las que fue más conocido en su época: sus
óperas italianas. Éstas representan acontecimientos de gran intensidad dramática y
emocional. Las formas musicales principales son las habituales de la ópera seria: el
recitativo y el aria.
Las arias barrocas suelen estar construidas en forma ABA, con ornamentos en la
vuelta de la sección A. Este tipo de aria se conoce como aria da capo ("desde el
principio"), porque después de la sección B, el compositor sólo tiene que escribir las
palabras "da capo" en la partitura para indicar la vuelta a A. Se espera que el cantante
improvise adornos para la repetición de la sección A.
Hoy en día, la popularidad de Haendel se basa principalmente en sus oratorios.
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Incluso en la época de Haendel, los oratorios atraían a un público muy amplio. ¿Por qué
han sido siempre tan populares? En primer lugar, y lo más importante, la letra está en
inglés. Incluso en el siglo XVIII, gran parte del público de las óperas italianas no
entendía el italiano. En segundo lugar, los oratorios se basan en historias de la Biblia
(sobre todo del Antiguo Testamento), que eran conocidas por todos en aquella época.
Detrás de las historias había también implicaciones políticas: referencias, por ejemplo, a
los triunfos militares y la prosperidad de la Inglaterra georgiana. Por último, las
representaciones de oratorios eran eventos sociales menos aristocráticos que las
representaciones de ópera, por lo que tenían un mayor atractivo.
La música de los oratorios de Haendel es vigorosa y atractiva. No es tan diferente
de la música de sus óperas. Hay recitativos y arias, igual que en las óperas. Pero la
principal diferencia está en la escritura coral.
Los coros son muy raros en la ópera del Barroco tardío, pero son fundamentales
en los oratorios de Haendel. Algunos de los mejores momentos de los oratorios se
producen en las piezas corales, cuando el coro comenta la acción o resume los
sentimientos de los personajes. Quizá el más conocido de los coros de Haendel sea el
coro "Aleluya" de El Mesías.
El Mesías fue compuesto en 1741 y pronto se convirtió en la obra más famosa del
compositor. Fue escrita en un tiempo increíblemente corto, poco más de tres semanas.
Posteriormente, Händel la revisó varias veces para diferentes ocasiones, omitiendo
secciones para adaptarla a un momento concreto, reorganizando la secuencia y
utilizando más o menos cantantes e instrumentistas según la disponibilidad. Mientras la
componía, Haendel dijo: "Me pareció ver todo el cielo ante mí y al gran Dios en
persona".
El Mesías consta de tres partes, que duran en total unas dos horas y media. La música se
compone de recitativos, arias y coros. El famoso coro "Aleluya" cierra la segunda parte.
La música de Haendel es menos compleja que la de Bach, más centrada en la
melodía que en el contrapunto, y se dirigió deliberadamente a un público más amplio
que el tradicional. La música estaba dejando de ser el coto de los ricos para convertirse
en el deleite de todos los que se preocupaban por escuchar.
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El coro "Aleluya" es el punto culminante de la segunda parte del Mesías. En él, Haendel
hace gala de un extraordinario ingenio al combinar y contrastar todas las texturas
posibles de que dispone: unísono, homofonía, polifonía e imitación.
En la adaptación de la propia palabra "Aleluya", también utiliza una enorme variedad de
ritmos diferentes. Por último, gran parte de la fuerza del movimiento proviene de su
alternancia de bloques de armonías simples de tónica y dominante, así como de su uso
triunfal de trompetas y tambores. El sentimiento de júbilo es inmediatamente evidente y
es un reflejo directo
del texto: "Aleluya" es una palabra hebrea que significa "Alabad a Dios”.
El texto en sí está tratado de dos maneras:
1.-Afirmaciones declamatorias (por ejemplo, "Porque el Señor Dios omnipotente reina")
caracterizadas por valores de nota largos y canto ocasional al unísono
2.-Respuestas contrapuntísticas (por ejemplo, "por los siglos de los siglos, Aleluya,
Aleluya"), caracterizadas por notas más rápidas, y que ofrecen comentarios musicales y
textuales.
El coro "Aleluya" se divide en nueve
secciones relativamente simétricas, cada una de las cuales presenta una textura o una
combinación de texturas.
ANALISIS DETALLADO:
[Link]
de-haendel/
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AUDICIONES:
Vivaldi: Las cuatro estaciones ( La primavera) Movimiento 1
Vivaldi: Concierto para Piccolo en Do Mayor Movimiento 1
Vivaldi: Gloria video completo
Bach: Pasión según San Mateo Aria Erbarme Dich completa
Bach: Concierto dos violines Movimiento 1
Bach: La Ofrenda Musical video completo
Bach: Chacona Partita 2 Primeros tres minutos de la Chacona
Haendel: Aleluya del Mesias Entero
Haendel: Musica acuática (Hornpipe) Entero
Haendel: Lascia ch'io pianga (Aria de la Ópera Rinaldo) Entero
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