Sófocles

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Sófocles

Ny Carlsberg Glyptothek - [Link]

Información personal

Nombre en griego antiguo Σοφοκλῆς Ver y modificar los datos en Wikidata

Nacimiento c. 496 a. C. Ver y modificar los datos en Wikidata

Colono (Antigua Atenas) Ver y modificar los datos en Wikidata

Fallecimiento 406 a. C. Ver y modificar los datos en Wikidata

Atene (Antigua Atenas) Ver y modificar los datos en Wikidata

Lengua materna Griego antiguo Ver y modificar los datos en Wikidata

Familia

Hijos Iofonte Ver y modificar los datos en Wikidata

Información profesional

Ocupación Tragediógrafo, dramaturgo y escritor Ver y modificar los datos en

Wikidata

Área Literatura y drama Ver y modificar los datos en Wikidata

GéneroTragedia griega Ver y modificar los datos en Wikidata

 Obras notables

Edipo rey

Edipo en Colono

Antígona

Filoctetes

Áyax

Electra

Las traquinias

Los rastreadores Ver y modificar los datos en Wikidata

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Sófocles (en griego antiguo, Σοφοκλῆς, Sophoklés; pronunciación griega clásica:

[sopʰoklɛ̂ːs]; Colono, 496 a. C.-Atenas, 406 a. C.) fue un poeta trágico griego. Autor de

obras como Antígona y Edipo rey, se sitúa, junto con Esquilo y Eurípides, entre las figuras

más destacadas de la tragedia griega. De toda su producción literaria, solo se conservan

siete tragedias completas, que son de importancia capital para el género.

Índice
 1 Biografía

2 Análisis literario

2.1 El teatro de Sófocles como forma literaria

2.2 Elementos conceptuales

2.3 Caracteres dramáticos

2.4 La ironía trágica: el conflicto entre realidad y apariencia

2.5 Obras trágicas

2.5.1 Serie de Edipo

2.5.2 Otras obras

3 Véase también

4 Bibliografía

5 Notas y referencias

6 Enlaces externos

Biografía

Estatua de Sófocles, copia de un original del siglo iv a. C., Museos Vaticanos.

Las principales fuentes de las que proceden sus datos biográficos son la Vida de

Sófocles, escrita por un anónimo en el siglo i, y fragmentos dispersos que se pueden

encontrar en las obras de Plutarco, Ateneo, Aristóteles y otros autores. La Suda también le

dedicó un breve artículo. Otros autores de la Antigüedad, entre los que se puede destacar a

Duris de Samos, escribieron también sobre él, pero esas obras no se han conservado.

Sófocles nació en Colono, aldea cercana a la ciudad de Atenas, en una familia de

posición acomodada, en el 497 o el 496 a. C., según datos de la Crónica de Paros, o en el

495 a. C., según el anónimo autor de la Vida de Sófocles. Era hijo de Sófilo, antiguo poeta

griego de la comedia media. Uno de sus maestros fue Lampro, que lo instruyó en la danza y

le enseñó a tocar la lira. A los 16 años estaba al frente del coro que celebró con un peán la

victoria de la batalla de Salamina, en la que también participó Esquilo como combatiente y

que se libró en el año 480 a. C., el mismo en que nació Eurípides.

Se atribuía a Sófocles belleza física pero voz débil. Le gustaban los ejercicios

gimnásticos, la música y la danza. Poco después del año 460 a. C., se casó con Nicóstrata,

con quien tuvo un hijo, Iofonte, que se dedicó también a la tragedia. Ya con cincuenta años,

Sófocles se enamoró de una meretriz, Teóride de Sición. Con ella tuvo a Aristón, que a su

vez fue padre de Sófocles el Joven, por quien Sófocles sentía gran estima y que llegó a ser

también escritor de tragedias. La Suda da los nombres de otros tres hijos de Sófocles de los

que no hay más datos.

 Sófocles participó activamente en la vida política de Atenas. En el 443 o el 442 a. C.

fue el heletómano, cargo que desempeñaba la persona dedicada a administrar el tesoro de la

Liga de Delos. Gracias, en parte, al éxito de su obra Antígona, representada en el año 442,

fue elegido estratego, cargo que desempeñó por primera vez durante la Guerra de Samos

bajo la autoridad de Pericles, pero la flota que dirigía fue derrotada por Meliso. Es posible

que Sófocles también fuera estratego en el conflicto contra los habitantes de Anea del año

428 a. C., y en el 423 y el 422 a. C., en época de Nicias. Desde el 413 hasta el 411,

perteneció al Consejo de los Diez Próbulos,1 formado en Atenas tras el fracaso de la

Expedición a Sicilia. Según su biógrafo, anónimo, no se distinguió especialmente por sus

dotes como político pero amó su ciudad y rechazó invitaciones de autoridades importantes

de otras ciudades con tal de no abandonar Atenas. Como anécdota, se contaba que,

habiendo desaparecido una corona de oro de la Acrópolis, Heracles se le apareció a

Sófocles y le indicó dónde se hallaba. Después de que la joya fuera recuperada, Sófocles

empleó la recompensa que recibió en construir un santuario dedicado a Heracles

denunciador.

Según la Suda, Sófocles fue autor de 123 tragedias, pero el anónimo autor de la

Vida de Sófocles dice que Aristófanes de Bizancio conoció 130 obras atribuidas a Sófocles

pero consideró apócrifas 17 de ellas. Sófocles participó por primera vez en las Grandes

Dionisias del 468 a. C., ocasión en la que venció a Esquilo. En total, compitió en 30

concursos de las fiestas Dionisias, y venció en 18 de ellos. Además, venció 6 veces en las

Leneas. De toda esa producción literaria, solo se conservan siete tragedias completas.
 Fue también teórico: escribió un tratado, Sobre el coro,2 que se ha perdido. Se le

atribuye el aumento de dos a tres del número de actores. Aumentó el número de coreutas de

doce a quince, introdujo la escenografía y fundó el llamado "Tíaso de las musas", donde se

rendía culto a las musas y se hablaba de arte.

Fue amigo de Heródoto, a quien dedicó una oda de la que solo se conserva un breve

fragmento. Incluso reflejó en sus tragedias algunos pasajes de la obra del historiador. Otro

de sus amigos fue Ion de Quíos. En un fragmento que se conserva de este autor, se relata

una anécdota de Sófocles en la que destaca su ingenio.

También desempeñó funciones religiosas: fue sacerdote de un dios local de la salud

llamado Halón y en el año 420 a. C. participó en el acto en el que los atenienses adoptaron

el culto a Asclepio.

En su vejez se le atribuía cierta tacañería en los temas monetarios e incluso fue

llevado al tribunal de justicia por su hijo Iofonte, que pretendía que se le declarase falto de

razón y por tanto incapaz para administrar su hacienda, pero salió absuelto cuando recitó

parte de su drama Edipo en Colono.

 Se cuenta que, tras la muerte de Eurípides, que ocurrió escasos meses antes de la

suya propia, Sófocles, en homenaje, presentó en el teatro al coro enlutado y sin corona.

Murió en el año 406 o en el 405.

Poco después de su muerte, Frínico, en su obra Las musas, le dedicó un elogio:

Bienaventurado Sófocles, que después de una larga vida

murió como un hombre feliz e ingenioso.

Hizo muchas hermosas tragedias.

Tuvo un fin agradable sin dolor alguno.

Tras su muerte, fue venerado como si fuera un héroe, con el nombre de Dexio. En

los Museos Vaticanos se conserva una copia de una estatua del siglo iv que lo representa

El teatro de Sófocles como forma literaria

Desde el punto de vista formal, se puede decir que una tragedia sofóclea regular

presenta la siguiente estructura: un "prólogo", que nos proporciona, por medio de una tirada

relativamente corta de versos recitados (frecuentemente en trímetros yámbicos), los

precedentes del argumento de la obra; el "párodo" o momento en que el coro hace su

entrada, bailando y cantando, a la que siguen los diversos "episodios" recitados a cargo de

los actores. En el transcurso de los sucesivos episodios los actores hacen progresar la

acción dramática. Intercalados entre un episodio y otro se suceden diversas intervenciones

del coro, los "estásimos", en los que el conjunto del coro ocupa su correspondiente lugar en
la orchestra bailando sobre el propio terreno y cantando un tipo de composición lírica de

métrica abigarrada. Los intervalos entre episodios y estásimos permiten solucionar de

pasada el problema técnico del cambio de vestuario de los diversos actores. Estas partes

corales o líricas llamadas estásimos suelen presentar la forma de responsión estrófica, es

decir, normalmente se comienza con una estrofa, a la que sigue su antístrofa o segundo

canto (cuyo esquema métrico, número de versos, etc., se corresponde estrictamente con la

estrofa) y ambas unidades suelen cerrarse con un estribillo llamado "epodo". Expuesto así

el planteamiento de la obra, esta se cierra con la despedida del coro, que abandona también

majestuosamente la escena cantando el llamado "éxodo".

Elementos conceptuales[editar]

Máscaras de teatro de tragedia y comedia. Mosaico, arte romano, siglo II.

Temáticamente, el teatro de Sófocles recurre a los ciclos heroicos, como reflejo de la

tradicional vinculación entre el teatro y sus orígenes religiosos. De hecho, del total de 33
tragedias conservadas pertenecientes al siglo V a. C. nada menos que 24 se centran en cuatro
grandes ciclos de personajes mitológicos (el de Troya, el de Tebas, el de Micenas y el del
argivo Heracles). Parece que en estos ciclos míticos se concentran de manera simbólica,
mediante traslaciones metafóricas más o menos conscientes, los principales arquetipos del
comportamiento humano. Es probable que en época de Sófocles los núcleos míticos
tradicionales ya hubieran alcanzado un grado notable de complejidad: por ejemplo, en la
historia de Edipo pueden estar superpuestos o entrelazados diversos elementos míticos: el
niño que es expuesto en el monte (trasunto metafórico de la criatura de origen divino); el éxito
y la ruina de Edipo (traslación del ciclo del crecimiento y muerte de la naturaleza); o el
conflicto entre Edipo y Layo, que no sería el tema del «conflicto de generaciones». En
cualquier caso se puede llegar a pensar que los antiguos dramaturgos, sobre todo en el caso
de Sófocles, se percataron de que los mitos poseían una fuerza especial que los hacía
singularmente aptos para darles un tratamiento poético y dramático.
De otro lado, el mito posee una rica versatilidad que facilita múltiples maneras de
aproximación. De hecho, el propio Sófocles le da un tratamiento personal y a veces libre.
Ejemplos de ello son la comparación entre el Filoctetes de su obra homónima y el Filoctetes
de la Pequeña Ilíada, Crisótemis en Electra, Ismene en Antígona o el
propio Neoptólemo en Filoctetes.
Otro aspecto importante es el papel de los oráculos y la presencia de los dioses en sus
dramas. Así, en Áyax, aunque propiamente no existe un oráculo, el divino Calcante vaticina
que el héroe es juguete de la ira y de la burla divina.
Dado que ya solo por este día le persiguiría la cólera de la divina Atenea, según decía en sus palabras
el adivino
Áyax, 755-760.

En Las traquinias, el oráculo predice la desgracia de Heracles:

¿Sabes, entonces, hijo, que me dejó unos vaticinios dignos de crédito con respecto a esa ciudad

Y más adelante lo reitera la misma Deyanira:

Tales cosas decía, que estaba decretado por los dioses que pondrían fin a los trabajos de Heracles,
según contaba que la vieja encina que hay en Dodona había anunciado un día por boca de sus palomas
Las traquinias, 169-172.

En Antígona, los avisos de Tiresias a Creonte reflejan la desaprobación divina de su conducta.

Afirma Tiresias:
Lo sabrás cuando oigas los signos de mi arte

En todo caso, en esta pieza hay dos oráculos: el que se da en el prólogo5 y el que
conoce Edipo siendo joven según el que será asesino de su padre y marido de su madre, de
acuerdo con el relato de Yocasta:
Llegó un día un oráculo a Layo - no diré que proveniente del mismo Febo, sino de sus servidores -,
consistente en que a él le alcanzaría el destino de morir a manos de un hijo que habría de nacer de mí y
de él
Antígona, 711 y ss.

En Electra, los oráculos no sirven más que para reafirmar el fuerte carácter y la decidida
voluntad de la protagonista. Por su parte, en Filoctetes no hay propiamente oráculos, sino más
bien una profecía varias veces retomada, según la cual la ciudad de Troya no caería en poder
de los griegos sin el concurso de Filoctetes ni su arco. Finalmente, en Edipo en Colono el
oráculo que se anuncia5 es luego retomado varias veces:
Fue Febo quien al vaticinarme todas aquellas desgracias me anunció que llegaría este reposo al cabo
de mucho tiempo, ... y me vaticinó también que en ese lugar alcanzaría el infausto final de mi vida...

En general, se puede observar que el papel de los oráculos representa en Sófocles, más que
una fuerza que se sobreponga a la figura del héroe, un poder que requiere y necesita el propio
carácter y personalidad del protagonista, es decir, que
el oráculo no induce al personaje a actuar, sino que es la propia compulsión del héroe a la acción la que
da pleno sentido a la ejecución del oráculo emanado de la divinidad.6

A los oráculos, se puede decir que es muy probable que, como tantas personas religiosas de
su época, Sófocles les diera credibilidad, aunque lo verdaderamente importante es que la
presencia de ellos en sus obras obedece a razones literarias y dramáticas. No falta la crítica a
los oráculos en las obras de Sófocles. Así, en Edipo rey tres veces habla Edipo contra la
validez de los oráculos.7
 Sófocles nació en Colono, un pueblo limítrofe a Atenas, hacia el año 496 a.C. en el

seno de una familia pudiente. Su padre, Sofilo, era un armero que le ofreció la oportunidad

de recibir la denominada como educación ateniense, la cual atendía con suma importancia

tanto al cuerpo como a la mente. En este sentido, el joven Sófocles se inclinó por la danza y

la música, también por la gimnasia.

A los 16 años pasó a dirigir un coro en el que sus integrantes cantaban a los dioses

durante la batalla de Salamina. Conflicto que vincula a tres de los grandes poetas griegos

pues, en el año 480 a. C., no solo tenía lugar la batalla sino que Esquilo participaba en ella

y también nace Eurípides.

Se cree que entorno al año 480 a.C. Sófocles ya había empezado su trayectoria

literaria. Sin embargo, fue durante la celebración de las dionisias en el año 468 a.C, un

festival entorno al dios Dionisio donde tenían lugar diferentes representaciones dramáticas,

donde se dio a conocer al derrotar a Esquilo en el concurso. Recompensa que le llevó a

tener notoriedad como poeta trágico.

Sófocles vivió en un contexto glorioso, durante los años de grandeza de Atenas, y su

muerte, aproximadamente en el año 405 a. C. , coincide con el declive y la ruina ateniense

la cual le impidió presenciar la derrota.

 Obras

Las obras de Sófocles se caracterizan por presentar un lenguaje doloroso.

Asimismo, en sus tragedias los dioses aplican la justicia divina e influyen

significativamente en el devenir del ser humano. El hombre está condenado a enfrentarse al

destino y siempre pierde en la batalla.

Sófocles escribió entorno a 123 tragedias de las cuales solo se conservan 7 íntegras:

Edipo rey, Antígona, Áyax, Las Traquinias, Electra, Filoctetes y Edipo en Colono.

Edipo Rey

Se trata de una de las grandes tragedias de Sófocles y una de sus obras más

admiradas. Edipo Rey cumple a la perfección con el arquetipo de una tragedia clásica

griega.

Aunque se desconoce la fecha, se cree que la escribió entorno al año 430 a. C. En

ella Sófocles aborda el mito de Edipo.

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Serie Dark

Después de que la peste asole la ciudad de Tebas, el rey Edipo envía a su cuñado

Creonte ante el oráculo de Delfos para averiguar las causas. Entonces, el oráculo advierte

que la enfermedad no cesará hasta que el asesino de rey Layo sea [Link] embargo,

después se descubre que el propio Edipo fue el que dio muerte a su padre Layo y que su

esposa Yocasta es, en realidad, su madre con la cual ha tenido cuatro hijos: Eteocles,

Polinices, Ismene y Antígona. Al conocer la verdad, Yocasta se suicida y Edipo se arranca

los ojos.

Antígona

Esta obra gira entorno a Antígona, la hija de Edipo y Yocasta. Asimismo, es

hermana de Ismene, Eteocles y Polinices.

Tras la muerte de Eteocles y Polinices, en su disputa por el poder, Creonte se

convierte en rey de Tebas, el cual prohíbe que Polinices sea enterrado. Sin embargo,

Antígona decide no acatar sus órdenes y entierra a su hermano.

 Después de este suceso, Creonte exige la muerte de Antígona y esta es enterrada

viva. Finalmente, el rey termina arrepentido por su decisión.

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Áyax

Es una de las mayores tragedias de Sófocles que tiene como personaje principal a

Áyax, uno de los guerreros que forma parte de la guerra de Troya.

A la muerte de Aquiles, Áyax cree que merece sus armas cuando los aqueos deciden

entregárselas a Ulises. Este hecho, hace que el guerrero enfurezca e intente asesinar a todos

los jefes del ejército griego. Sin embargo, Atenea lo despista y solo mata a unos rebaños.

Finalmente, Áyax se quita la vida. Por su parte, Agamenón y Menelao tratan de

impedir su funeral. Pero Ulises, su rival, reivindica que Áyax sea honrado con actos

fúnebres.

Las Traquininas

Se desconoce la fecha de creación de esta obra cuyo tema central es el intento de

Deyanira por reconquistar a su esposo Heracles, quien está ilusionado con una princesa

llamada Yole.
 Para llevar a cabo su plan, la protagonista utiliza un antídoto infalible para recuperar

el amor de su esposo hacia ella. Sin embargo, como consecuencia, su idea termina por

causar la muerte de su marido conduciendo la obra a un desenlace fatal.

Electra

Representación de Electra

Representación de Electra (Teatro romano de Mérida).

El rey Agamenón regresa a su hogar después de finalizar la guerra de Troya.

Entonces, su esposa Clitemnestra lo asesina por haber sacrificado a una de sus hijas antes

de marcharse a la guerra para buscar su suerte durante la batalla.

Electra y Crisótemis, las hijas del matrimonio, viven en Micenas y tienen vidas muy

diferentes. Mientras la primera malvive en una choza, la segunda disfruta de la vida en el

palacio.

Por su parte, Orestes, el hijo de Agamenón y Clitemnestra, regresa a su hogar

dirigido por el oráculo délfico para vengar la muerte de su progenitor. Con ayuda de

Pílares, prepara un plan para engañar a su madre.

 Filoctetes

Esta tragedia de Sófocles fue representada por primera vez en el año 409 a.C. y se

centra en uno de los héroes combatientes en Troya, Filoctetes.

Debido a una herida, el combatiente es abandonado por sus compañeros en la isla de

Lemnos, donde pasa 10 años hasta que Ulises, acompañado de Neoptólemo, el hijo de

Aquiles, viaja hasta allí con el interés de recuperar un arco heredado de Heracles, el que

supuestamente les asegurará la victoria en la guerra.

Finalmente, Ulises y Neoptólemo acaban revelando a Filoctetes sus verdaderas

intenciones.

Edipo en Colono

Es una de las tragedias que Sófocles escribió poco antes de su muerte y fue llevada

a escena por su nieto con el mismo nombre una vez muerto el autor. Debido a la

proximidad de la obra con la fecha de muerte del autor se ha querido ver en ella cierta

identificación del autor con Edipo anciano.

Edipo llega con su hija Antígona a Colono, lugar donde está destinado a morir, pero

los lugareños lo rechazan y tiene que acudir al rey de Atenas, quien le asegura protección.
 Te puede interesar: Tragedia griega: características y obras clave.

Aportaciones de Sófocles a la tragedia griega

Sófocles fue, ante todo, uno de los grandes renovadores del teatro del siglo V a. C.

ya que aportó grandes innovaciones, entre las que destacan:

Aumenta el número de actores hasta tres, lo que se conoce como tritagonista.

Anteriormente solo había dos actores, por ello, su aportación, permite la creación de tramas

más complejas.

Incrementa el coro de 12 a 15 miembros, al mismo tiempo que le da menos

importancia.

Se aleja de la trilogía, empleada por Esquilo, y presentar obras independientes en

cuanto al contenido. Así, cada pieza es vista como una obra aislada y autónoma en

temática.

Aporta dramatismo al prólogo ya que anteriormente este se utilizaba para explicar el

argumento.

Introduce los decorados en sus obras planificados adecuadamente para cada una de

ellas.

Si te gustó este artículo, también te puede interesar Edipo rey de Sófocles

"Los dioses nos dan muchas sorpresas: lo esperado no se
cumple y para lo inesperado siempre hay algún dios que
abre la puerta"
Eurípides

Eurípides nació el 23 de septiembre probablemente del año 480 a.C.,

en Salamina, día de la batalla naval entre griegos y persas.

Padres
Hijo de Mnesarco, un tabernero, y de Cleito, verdulera. Recibió una
esmerada educación.

Dramaturgo
El último de los tres grandes dramaturgos trágicos de la Atenas clásica,
después de Esquilo y Sófocles.

Sus obras iniciaron su representación en los festivales dramáticos

de Ática durante el año 454 a.C., pero hasta el año 442 a.C. consiguió el
primer premio. Esta distinción recayó sobre él en otras cuatro ocasiones.

Recibió la influencia de los sofistas y de filósofos

como Protágoras, Anaxágoras y Sócrates. Fue frecuentemente
atacado por parte de los escritores atenienses de
comedia: Aristófanes lanzó contra él una sátira en Las ranas (405 a.C.).

Sus obras fueron criticadas dado su carácter anticonvencional, (sus

héroes y príncipes hablaban un lenguaje cotidiano) y por su
independencia de los valores morales y religiosos.

Eurípides representó los nuevos movimientos morales, sociales y

políticos surgidos en Atenas hacia finales del siglo V a.C. Introdujo una
nueva conciencia en la tragedia. Interesado por el pensamiento y las
experiencias del ser humano común, más que por las figuras
legendarias, trató a sus personajes de un modo realista.

A la estructura de sus obras se la calificó de imperfecta por el uso del

coro como un elemento independiente de la acción. Además, fue
criticado por el uso de un prólogo explicativo. Otro de sus recursos eran
el deus ex machina, o introducción inesperada de un dios para facilitar o
provocar el desenlace.

Obras
De las numerosas obras atribuidas a Eurípides se conservan diecisiete
tragedias y un drama satírico, Los cíclopes. Entre las tragedias de fecha
conocida figuran Alcestis (438 a.C.), Medea (431 a.C.), Hipólito (428
a.C.), Las troyanas (415 a.C.), Helena (412 a.C.), Orestes (408
a.C.), Ifigenia en Áulide (representadas póstumamente en el 405 a.C.).
Entre las obras de fecha incierta
destacan Andrómaca, Hércules, Hécuba, Los
suplicantes, Electra, Hércules loco, Ifigenia entre los tauros, Ión y
Las fenicias.

Las críticas y la incomprensión del público motivaron su traslado

a Macedonia, donde recibió la protección del rey Arquelao.

Esposas e hijos
Tuvo dos esposas: Melito y Quérile. Fue padre de Mnisilohos, Eurípides,
Mnisarhidis y Jenofonte.

Muerte
Bacantes es la más misteriosa de las tragedias de Eurípides, siendo la
última obra de las escritas por el más contestatario de los trágicos, que
falleció en el 406 a. C. en Pella, Macedonia, durante el exilio devorado
por los perros del macedonio Arquelao.
Enterrado, junto a su tumba brotó un manantial de aguas ponzoñosas.

Alcanzó el éxito después de su muerte.

Sabías que...
La gruta de Eurípides
En 1997 un equipo de arqueólogos griegos identificó en la isla de
Salamina (sur de Atenas), la gruta a la que iba el gran poeta trágico
para escribir sus obras. Entre los numerosos objetos descubiertos en
la caverna, el equipo del profesor Yanno Lolos encontró una parte de
un skyphos negro (pequeño bol con asas) sobre el cual está grabado
el nombre de Eurípides.

Obras conservadas
Alcestis (438 a. C.)
Medea (431 a. C.)
Los Heráclidas (c. 430 a. C.)
Hipólito (428 a. C.)
Andrómaca (c. 425 a. C.)
Hécuba (c. 424 a. C.)
Suplicantes (c. 423 a. C.)
Electra (c. 420 a. C.)
Heracles (c. 416 a. C.)
Troyanas (415 a. C.)
Ifigenia entre los Tauros (c. 414 a. C.)
Ion (c. 414 a. C.)
Helena (412 a. C.)
Fenicias (c. 410 a. C.)
Orestes (408 a. C.)
Las Bacantes (406 a. C., póstuma.)
Ifigenia en Áulide (406 a. C., póstuma)
El Cíclope
Reso
Eurípides
 (Salamina, actual Grecia, 480 a.C. - Pella, hoy desaparecida, actual Grecia, 406

a.C.) Poeta trágico griego. De familia humilde, Eurípides tuvo como maestros a

Anaxágoras, a los sofistas Protágoras y Pródico y a Sócrates, cuyas enseñanzas se reflejan

en su obra.

Eurípides

En el 455 a.C. Eurípides presentó a concurso su primera tragedia, Los Pelíadas, con

la que obtuvo el tercer puesto. Seguirían 92 obras más, de las cuales se han conservado

diecisiete tragedias, que, sin embargo, poca fama y reconocimiento le aportaron en vida:

sólo obtuvo cuatro victorias en los festivales anuales que se celebraban en Atenas, por lo

que hacia el final de su vida decidió trasladarse a Macedonia para incorporarse a la corte

del rey Arquelao (408 a.C.), donde según la leyenda fue devorado por unos perros.

Las obras de Eurípides representan un cambio de concepción del género trágico, de

acuerdo con las nuevas ideas que había aprendido de los sofistas; así, su escepticismo frente

a las creencias míticas y religiosas es manifiesto en sus obras, que rebajan el tono heroico y

espiritual que habían cultivado Esquilo y Sófocles a un tratamiento más cercano al hombre

y la realidad corrientes.
 El héroe aparece retratado con sus flaquezas y debilidades, dominado por oscuros y

secretos sentimientos que le impiden enfrentarse a su destino, del que finalmente es

liberado por la intervención de los dioses al término de la obra (recurso llamado deus ex

machina, por los artilugios escénicos que usaba para introducir al dios); otras innovaciones

suyas son la introducción de un prólogo y la asignación de un papel más reducido al coro.

En sus tragedias pasa a primer término el tratamiento psicológico de los personajes, de gran

profundidad.

Incomprendido en su época, Eurípides se convirtió en modelo a imitar ya por los

trágicos latinos, y luego su influencia prosiguió durante el neoclasicismo y el

Romanticismo alemán, en la obra de autores como Gotthold Ephraim Lessing, Friedrich

von Schiller o Goethe.

Esquilo

(Unknown - Unknown)

Esquilo

Dramaturgo griego

–No es sabio el que sabe muchas cosas, sino el que sabe cosas útiles–

Considerado uno de los grandes dramaturgos de la historia.

 Obras: Agamenón, Prometeo encadenado, Las coéforas, Los siete contra Tebas, Las

suplicantes, Euménides, Los persas...

Género: Tragedia griega

Padre: Euforión de Eleusis

Hijos: Euforión, Eveón

"Es innato en los hombres pisotear al más caído"

Esquilo

Esquilo nació en Eleusis, cerca de Atenas, en el seno de una familia noble.

Luchó contra los persas en Maratón, el 490 a.C., en Salamina, el 480 a.C., y

después, en Platea, el año siguiente.

Dramaturgo

Se cree que escribió unas noventa obras. Comenzó siendo muy joven pero solo vino

a obtener su primera victoria en los concursos públicos griegos en el año 485 a. C. cuando

contaba unos cuarenta años.

 Desde entonces se hizo famoso y el pueblo lo admiró como a su máximo trágico,

habiendo ganado doce concursos dramáticos más a lo largo de su vida.

Tragedias

Fue un innovador en el campo de la tragedia y es considerado como el poeta trágico

por excelencia en la historia del mundo y el fundador de la Tragedia Griega.

Sus tragedias, representadas por primera vez el 500 a.C., se ofrecían como trilogías,

o grupos de tres, unidas por un asunto común, y cada trilogía venía seguida por un drama

satírico.

Obras

Se conocen los títulos de setenta y nueve de sus obras teatrales, pero solo han

sobrevivido siete. La más antigua Las suplicantes, se piensa que es la primera obra de una

trilogía sobre el matrimonio de las cincuenta hijas de Dánao, que incluía las obras Los

egipcios y Las danaides.

Los persas, presentada el 472 a.C., es una tragedia histórica sobre la batalla de

Salamina, y la acción tiene lugar en Persia, en la corte de la madre del rey Jerjes I.
 Los siete contra Tebas, presentada el 467 a.C., se basa en el conflicto entre los dos

hijos de Edipo, Eteocles, y Polinices, por el trono de Tebas. Se cree que es la tercera obra

de una trilogía, y que las dos primeras son Layo y Edipo.

Prometeo encadenado, una obra de fecha incierta, retrata el castigo del rebelde

Prometeo por parte de Zeus. Probablemente sea la primera obra de una trilogía prometeica,

cuyas otras dos serían Prometeo desencadenado y Prometeo el que trae el anillo. Las tres

obras restantes, Agamenón, Las coeforas y Las euménides (Las furias), presentadas el 458

a.C., forman la trilogía conocida como la Orestiada, o historia de Orestes.

Agamenón

En Agamenón, una de las más grandes obras de la literatura dramática, el rey

Agamenón regresa al hogar desde Troya y es asesinado a traición por su infiel esposa

Clitemnestra. En la segunda obra, Orestes, hijo de Agamenón, regresa a Argos y venga la

muerte de su padre asesinando a su madre y a su amante Egisto. Este matricidio es

castigado por las vengadoras divinidades, las erinias. En Las euménides, las erinias

persiguen a Orestes hasta que este queda limpio de su sangre culpable y le declara inocente

el antiguo tribunal del Aerópago gracias a la intercesión de Atenea, diosa de la sabiduría.

 Al introducir un segundo actor en la obra, creó el diálogo dramático. También

desarrolló la representación del drama, al introducir el vestuario y los decorados.

Hijos

Tuvo dos hijos: Euforion y Eveón quienes igualmente crearon obras trágicas.

Muerte

Esquilo murió en Gela, Sicilia.

Decidió exiliarse al campo después de que el oráculo predijese que iba a fallecer

aplastado por una casa. Según la leyenda, poco tiempo después un quebrantahuesos dejó

caer una tortuga desde gran altura justo sobre el lugar en el que se encontraba Esquilo. El

quelonio golpeó contra su cráneo ocasionándole una muerte instantánea. El oráculo no se

había equivocado. Posteriormente se erigiría en este lugar un monumento en memoria suya.

Sabías que...

Estrenos

Muchas de las obras de Esquilo se estrenaron en el Teatro de Dioniso de Atenas.

Sus títulos clave, con materias heroicas y míticas narradas con trazo enérgico, son…
 “Los Siete Contra Tebas”, con la batalla entre los hermanos Eteocles y Polinices,

hijos de Edipo

“Prometeo Encadenado”, sobre el mito de Prometeo, que robó el fuego a los dioses

para entregárselo al hombre y provocó la venganza de Zeus

“Los Suplicantes”, con las cincuenta hijas del rey Dánao intentando evitar un

matrimonio forzoso

“Los Persas”, con las consecuencias de la batalla de Salamina entre griegos y persas

Y, sobre todo, la trilogía “La Orestíada”.

Esta trilogía está compuesta por “Agamenón”, “Las Coéforas” y Las Euménides”.

Esquilo residió en Siracusa cuando ésta estaba regida por el tirano Hierión.

Falleció en Gela, Sicilia, en el año 456 A. C.

Según cuenta la leyenda, el autor falleció tras caer una tortuga encima de su cabeza

al ser arrojada desde el cielo por un águila.

William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino de Inglaterra, c.

23 de abril de 1564jul. - Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Reino de Inglaterra, 23 de

abriljul./ 3 de mayo de 1616greg.)1 fue un dramaturgo, poeta y actor inglés. Conocido en

ocasiones como el Bardo de Avon (o simplemente el Bardo), se le considera el escritor más

importante en lengua inglesa y uno de los más célebres de la literatura universal.2

Según la Encyclopædia Britannica, «Shakespeare es generalmente reconocido como

el más grande de los escritores de todos los tiempos, figura única en la historia de la

literatura. La fama de otros poetas, tales como Homero y Dante Alighieri, o de novelistas

tales como León Tolstoy o Charles Dickens, ha trascendido las barreras nacionales, pero

ninguno de ellos ha llegado a alcanzar la reputación de Shakespeare, cuyas obras hoy se

leen y representan con mayor frecuencia y en más países que nunca. La profecía de uno de

sus grandes contemporáneos, Ben Jonson, se ha cumplido por tanto: "Shakespeare no

pertenece a una sola época sino a la eternidad"».3

El crítico estadounidense Harold Bloom sitúa a Shakespeare junto a Dante

Alighieri, en la cúspide de su «canon occidental»: «Ningún otro escritor ha tenido nunca

tantos recursos lingüísticos como Shakespeare, tan profusos en Trabajos de amor perdidos

que tenemos la impresión de que, de una vez por todas, se han alcanzado muchos de los

límites del lenguaje. Sin embargo, la mayor originalidad de Shakespeare reside en la

representación de personajes: Bottom es un melancólico triunfo; Shylock, un problema

permanentemente equívoco para todos nosotros; pero sir John Falstaff es tan original y tan

arrollador que, con él, Shakespeare da un giro de ciento ochenta grados a lo que es crear a

un hombre por medio de palabras».4

 Jorge Luis Borges escribió sobre él: «Shakespeare es el menos inglés de los poetas

de Inglaterra. Comparado con Robert Frost (de New England), con William Wordsworth,

con Samuel Johnson, con Chaucer y con los desconocidos que escribieron, o cantaron, las

elegías, es casi un extranjero. Inglaterra es la patria del understatement, de la reticencia bien

educada; la hipérbole, el exceso y el esplendor son típicos de Shakespeare».5

Shakespeare fue poeta y dramaturgo venerado ya en su tiempo, pero su reputación

no alcanzó las altísimas cotas actuales hasta el siglo XIX. Los románticos, particularmente,

aclamaron su genio, y los victorianos adoraban a Shakespeare con una devoción que

George Bernard Shaw denominó «bardolatría».6

En el siglo XX, sus obras fueron adaptadas y redescubiertas en multitud de

ocasiones por todo tipo de movimientos artísticos, intelectuales y de arte dramático. Las

comedias y tragedias shakespearianas han sido traducidas a las principales lenguas, y

constantemente son objeto de estudios y se representan en diversos contextos culturales y

políticos de todo el mundo. Por otra parte, muchas de las citas y aforismos que salpican sus

obras han pasado a formar parte del uso cotidiano, tanto en inglés como en otros idiomas. Y

en lo personal, con el paso del tiempo, se ha especulado mucho sobre su vida, cuestionando

su sexualidad, su filiación religiosa, e incluso la autoría de sus obras.

Cuándo y dónde nació

 William Shakespeare nació durante la segunda mitad de siglo XVI. Aunque no se

conoce la fecha exacta, se cree que pudo haber nacido el 23 de abril de 1564 en Stratford-

upon- Avon, un pequeño pueblo situado en Warwickshire, al sur de Birmingham

(Inglaterra). Fue el tercer hijo de John Shakespeare, comerciante de lanas y político, y Mary

Arden.

2. Su infancia es un misterio

La infancia del dramaturgo es hoy día todo un enigma y está sujeta a todo tipo de

especulaciones. Una de ellas es que probablemente cursara sus estudios en la Grammar

School de su localidad natal, donde probablemente aprendió las lenguas clásicas como latín

y griego. También cultivaría su conocimiento de la mano de autores como Esopo o Virgilio,

algo habitual en la educación de la época.

3. Su esposa fue Anne Hathaway

A la edad de 18 años se casó con Anne Hathaway, una joven ocho años mayor que

él, con la que pronto tuvo una hija a la que llamó Susanna. Poco tiempo después tuvieron

mellizos a los que llamaron Judith y Hamnet.

4. De Stratford a Londres y viceversa

 Hoy día muchos se preguntan dónde vivía William Shakespeare. Aunque, se

desconoce cómo fue la vida del autor de Romeo y Julieta durante una etapa, se sabe que se

trasladó a vivir a Londres, donde adquirió la fama como dramaturgo gracias a la compañía

de teatro Lord Chamberlain´s Men de la que fue copropietario, más tarde conocida como

King´s Men. En Londres también trabajó para la corte.

En 1611 volvió a Stratford-upon-Avon, su pueblo natal, donde permaneció hasta el

día de su muerte.

5. Cuántas obras escribió William Shakespeare

Existen diferentes versiones sobre la cantidad de obras que escribió. Se cree que

pudo escribir alrededor de 39 obras de teatro clasificadas en los géneros de comedia,

tragedia y drama histórico. Por otro lado, Shakespeare también escribió 154 sonetos y

cuatro obras líricas.

6. Las grandes tragedias de Shakespeare

En las tragedias shakesperianas a menudo afloran los sentimientos de dolor y la

codicia del alma humana. Para ello, cede a los personajes los sentimientos más profundos

propios del ser humano, como los celos o el amor. En sus tragedias el destino es,

indefectiblemente, el sufrimiento o la desdicha del hombre, generalmente se trata de un

héroe poderoso que es conducido hacia un destino fatal. Estas son las 11 tragedias

completas de Shakespeare:

Tito Andrónico (1594)

Romeo y Julieta (1595)

Julio César (1599)

Hamlet (1601)

Troilo y Crésida (1605)

Otelo (1603-1604)

El Rey Lear (1605-1606)

Macbeth (1606)

Antonio y Cleopatra (1606)

Coriolano (1608)

Timón de Atenas (1608)

7. La singularidad de sus comedias

 William Shakespeare fue capaz de mezclar la realidad y fantasía en sus comedias

como nunca nadie había hecho antes. Uno de sus puntos fuertes son los personajes y más

aún el lenguaje que emplea para cada uno de ellos. Para ello, hace uso de la metáfora y los

juegos de palabras de manera magistral. Es importante el tema del amor como motor

principal de sus comedias. Los protagonistas suelen ser enamorados que tienen que superar

obstáculos y son víctimas de inesperados giros argumentales que, finalmente, los conducen

hacia el triunfo del amor.

La comedia de las equivocaciones (1591)

Los dos hidalgos de Verona (1591-1592)

Trabajos de amor perdidos (1592)

El sueño de una noche de verano (1595-1596)

El mercader de Venecia (1596-1597)

Mucho ruido y pocas nueces (1598)

Como gustéis (1599-1600)

Las alegres comadres de Windsor (1601)

Noche de reyes (1601-1602)

A buen fin no hay mal principio (1602-1603)

Medida por medida (1604)

 Cimbelino (1610)

Cuento de invierno (1610- 1611)

La tempestad (1612)

La fierecilla domada

8. El drama histórico

William Shakespeare exploró el subgénero teatral del drama histórico. Estas son

obras cuyos argumentos se centran en acontecimientos históricos de Inglaterra, cuyos

protagonistas forman parte de la monarquía o la nobleza. A esta clasificación pertenecen

obras como:

Eduardo III (1596)

Enrique VI (1594)

Ricardo III (1597)

Ricardo II (1597)

Enrique IV (1598-1600)

Enrique V (1599)
 El rey Juan (1597)

Enrique VIII (1613)

9. Obra poética

Si bien Shakespeare es reconocido principalmente por su obra como dramaturgo,

también escribió poemas. La obra poética del autor se comprende de un total de 154

sonetos y está considerada como una de las obras más importantes de la poesía universal.

En ellos se muestran temas universales como son el amor, la muerte, la belleza o la política.

Cuando haya muerto, llórame tan sólo mientras escuches la campana triste,

anunciadora al mundo de mi fuga del mundo vil hacia el gusano infame (...)

10. Frases de William Shakespeare

Las obras de Shakespeare han sido traducidas a más de cien lenguas, lo que lo han

convertido en un escritor eterno capaz de traspasar cualquier barrera espacio-temporal. Así,

su obra ha dejado diferentes frases célebres para la posteridad. Estas son algunas de ellas:
 “Ser o no ser, esa es la cuestión” (Hamlet).

“El amor, como ciego que es, impide a los amantes ver las divertidas tonterías

que comenten (El mercader de Venecia).

“El que va demasiado aprisa llega tan tarde como el que va muy despacio”

(Romeo y Julieta).

“El amor de los jóvenes no está en el corazón, sino en los ojos” (Romeo y

Julieta).

“Al nacer, lloramos porque entramos en este vasto manicomio” (El rey Lear).

11. El misterio detrás de William Shakespeare

¿William Shakespeare fue o no fue? Existen pruebas que confirman su existencia

como por ejemplo su acta bautismal. Sin embargo, la escasa información sobre su vida ha

dado pie a numerosas teorías alrededor de su figura, que vienen a poner en cuestión la

verdadera autoría de sus obras.

Por un lado, están aquellas teorías que dudan de la capacidad de William

Shakespeare para escribir sus obras, debido a su escaso nivel educativo. A partir de estas

han surgido diferentes candidatos quienes, supuestamente, podrían no haber firmado sus
obras con su nombre real sino que se habrían ocultado tras el apodo de “Shakespeare”.

Entre ellos destacan: el político y filósofo Francis Bacon o Cristopher Marlowe.

Por otro lado, también existen teorías que afirman que la obra de Shakespeare fue

escrita por diferentes autores e incluso que detrás de su figura pudo haber estado una mujer.

Finalmente, están aquellas posturas que defienden con empeño la autenticidad de

William Shakespeare.

12. Muerte de William Shakespeare y el Día Internacional del Libro

William Shakespeare murió en Stratford-upon-Avon (Inglaterra) el 23 de abril de

1616 del calendario juliano, vigente en aquella época, y el 3 de mayo en el calendario

gregoriano.

Cada 23 de abril se celebra el Día Internacional del Libro, con la finalidad de

fomentar la lectura y poner en valor a la literatura. En 1995 la UNESCO creó en la

Conferencia General de París este reconocimiento a nivel mundial. La fecha no es

casualidad ya que se trata del día en que murió William Shakespeare, Miguel de Cervantes

e Inca Garcilaso de la Vega.

 También puedes leer:

William Shakespeare

Nombre completo: William Shakespeare

Lugar de nacimiento: Stratford, Inglaterra

Fecha de nacimiento: 23 de abril de 1564

Murió: 23 de abril de 1616

Géneros literarios: Poesía / Dramaturgia / Teatro

Libros destacados: El Mercader De Venecia, Hamlet, Macbeth, Otelo, Rey Lear,

Romeo y Julieta, más libros...

Biografía

El 26 de abril de 1564, en el sexto año del reinado de Isabel I de Inglaterra, fue

bautizado William Shakespeare en Stratford-upon-Avon, un pueblito del condado de

Warwick que no sobrepasaba los dos mil habitantes, orgullosos todos ellos de su iglesia, su

escuela y su puente sobre el río. Uno de éstos era John Shakespeare, comerciante en lana,

carnicero y arrendatario que llegó a ser concejal, tesorero y alcalde. De su unión con Mary

Arden, señorita de distinguida familia, nacieron cinco hijos, el tercero de los cuales recibió

el nombre de William. No se tiene constancia del día de su nacimiento, pero

tradicionalmente su cumpleaños se festeja el 23 de abril, tal vez para encontrar algún

designio o fatalidad en la fecha, ya que la muerte le llegó, cincuenta y dos años más tarde,

en ese mismo día.

El padre de Shakespeare, que se encontraba en la cumbre de su prosperidad cuando

nació William, cayó poco después en desgracia. Cuando contaba con trece años de edad, la

fortuna de su padre se esfumó y el joven hubo de ser colocado como dependiente de

carnicería, debiendo dejar las aulas. Se lo describe también deambulando indolente por las

riberas del Avon, emborronando versos, entregado al estudio de nimiedades botánicas o

rivalizando con los más duros bebedores y sesteando después al pie de las arboledas de

Arden.

El 28 de noviembre de 1582, cuando tenía 18 años de edad, Shakespeare contrajo

matrimonio con Anne Hathaway, de 26, originaria de Temple Grafton, localidad próxima a

Stratford. Al parecer que había prisa en concertar la boda, tal vez porque Anne estaba

embarazada de tres meses. Tras su matrimonio, apenas hay marcas de William Shakespeare

en los registros históricos, hasta que hace su aparición en la escena teatral londinense. El 26
de mayo de 1583, la hija primogénita de la pareja, Susanna, fue bautizada en Stratford. Un

hijo, Hamnet, y otra hija, Judith, nacidos mellizos, fueron asimismo bautizados poco

después, el 2 de febrero de 1585; Hamnet murió a los once años, y solamente llegaron a la

edad adulta sus hijas. A juzgar por el testamento del dramaturgo, que se muestra algo

desdeñoso con Anne Hathaway, el matrimonio no estaba bien avenido.

Seguía escribiendo versos, asistía hipnotizado a las representaciones que las

compañías de cómicos de la legua ofrecían en la Sala de Gremios de Stratford y no se

perdía las mascaradas, fuegos artificiales, cabalgatas y funciones teatrales con que se

celebraban las visitas de la reina al castillo de Kenilworth, morada de uno de sus favoritos.

Hacia 1592 Shakespeare se encontraba ya en Londres trabajando como dramaturgo,

y era lo suficientemente conocido. Pronto se convertiría en actor, escritor, y, finalmente,

copropietario de la compañía teatral conocida como Lord Chamberlain's Men, que recibía

su nombre, al igual que otras de la época, de su aristocrático mecenas, el lord chambelán

(Lord Chamberlain). La compañía alcanzaría tal popularidad que, tras la muerte de Isabel I

y la subida al trono de Jacobo I Stuart, el nuevo monarca la tomaría bajo su protección,

pasando a denominarse los King's Men (Hombres del rey).

Paralelamente a su éxito teatral, mejoró su economía. Llegó a ser uno de los

accionistas de su teatro, pudo ayudar económicamente a su padre e incluso en 1596 le

compró un título nobiliario, cuyo escudo aparece en el monumento al poeta construido poco

después de su muerte en la iglesia de Stratford.

Shakespeare se retiró a su pueblo natal en 1611, a fines de siglo ya era bastante rico

y compró o hizo edificar una casa en Stratford, que llamó New-Place.

William Shakespeare falleció el 23 de abril de 1616 a la edad de cincuenta y dos

años. Los restos de Shakespeare fueron sepultados en el presbiterio de la iglesia de la

Santísima Trinidad (Holy Trinity Church) de Stratford.

El 23 de abril es la fecha escogida por la Conferencia General de la Unesco para

rendir un homenaje mundial al libro y sus autores.

Obras

Comedias

La Fierecilla Domada (1592)

La Comedia de las Equivocaciones (1592)

Trabajos de Amor Perdidos (1596)

Los dos hidalgos de Verona (1598)

Como gustéis (1599)

Mucho ruido y pocas nueces (1599)

Noche de Reyes (1599)

El Sueño de una Noche de Verano (1600)

El Mercader De Venecia (1600)

Cimbelino (1601)

Las alegres comadres de Windsor (1602)

Medida por medida (1604)

A Buen Fin No Hay Mal Principio (1605)

Timón de Atenas (1608)

Cuento de invierno (1610)

La Tempestad (1611)

Cardenio (1613)

Tragedias

Tito Andrónico (1593)

Romeo y Julieta (1597)

La tragedia de Julio César (1599)

Hamlet (1603)

Otelo (1603)

Rey Lear (1605)

Antonio y Cleopatra (1606)

Macbeth (1606)

Coriolano (1608)

Troilo y Crésida (1609)

Tragedias históricas

Enrique VI, parte 2 (1594)

Enrique VI, parte 3 (1594)

Enrique VI, parte 1 (1594)

Ricardo II (1597)

Ricardo III (1597)

Enrique IV, parte 2 (1597)

El Rey Juan (1597)

Enrique IV, parte 1 (1597)

Enrique V (1599)

Enrique VIII (1613)

Poemas

Venus y Adonis (1593)

La violación de Lucrecia (1593)

Sonetos (1609)

Obras en colaboración

Péricles, príncipe de Tiro (1609)

Los dos nobles caballeros (1613)

Obras atribuidas

Eduardo III (1596)

Sistema Stanislavski
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Este artículo o sección necesita referencias que aparezcan en una publicación

acreditada.

Este aviso fue puesto el 28 de enero de 2017.

Un diagrama del sistema de Stanislavski, basado en su «Plan de experiencia»

(1935), que muestra los aspectos internos (izquierda) y externos (derecha) de un papel que

se unen en la búsqueda de la «supertarea» general (arriba) de un personaje en el teatro.1

El sistema Stanislavski es un enfoque sistemático para la formación de actores que

el practicante de teatro ruso Konstantín Stanislavski desarrolló en la primera mitad del siglo

XX. Su sistema cultiva lo que él llama el «arte de experimentar» (que él contrasta con el

«arte de representar»).2 Moviliza el pensamiento consciente y la voluntad del actor para

activar otros procesos psicológicos menos controlables, como la experiencia emocional y el

comportamiento subconsciente, de manera comprensiva e indirecta.3 Durante el ensayo, el

actor busca motivos internos para justificar la acción y la definición de lo que el personaje

busca lograr en un momento dado (una «tarea»).4

 Posteriormente Stanislavski elaboraría aún más el sistema, basado en un proceso de

ensayo con mayor implicación física, que se conoció como el «Método de acción física»

(«método Stanislavski» o simplemente, «el método»).5 Minimizando las discusiones en la

mesa, ahora alentó un «análisis activo», en el que se improvisa la secuencia de situaciones

dramáticas.6 «El mejor análisis de una obra», argumentó Stanislavski, «es actuar en las

circunstancias dadas».7

Gracias a su promoción y desarrollo por parte de profesores de actuación que fueron

antiguos alumnos de Stanislavski y las numerosas traducciones de sus escritos teóricos, su

sistema adquirió una capacidad sin precedentes para cruzar las fronteras culturales y

desarrolló un alcance, dominando los debates sobre la actuación en Occidente.8 Las ideas

de Stanislavski se han aceptado como sentido común para que los actores puedan usarlas

sin comprender plenamente que lo hacen.9

Principios del sistema Stanislavski

 Concentración: Responder a la imaginación aprendiendo a pensar como el
“personaje” que estamos interpretando.
 Sentido de verdad: Diferenciar entre lo orgánico y lo artificial. Stanislavski creía
que existen leyes naturales de la actuación que se deben seguir.
 Circunstancias dadas: Desarrollando la habilidad de usar las habilidades anteriores
para crear el mundo del libreto (circunstancias dadas en el texto) por medio de
verdad y medios orgánicos.
 Relajación: Eliminación de la tensión física y relajación de los músculos mientras
se realizan las presentaciones.
 Trabajar con los sentidos: Descubrir la base sensorial, aprender a memorizar y
recordar sensaciones, comúnmente llamada "memoria sensorial" y/o "memoria
afectiva"; aprendiendo a trabajar desde pequeñas sensaciones, expandiéndose,
técnica llamada por Stanislavski "esferas de atención".
 Comunicación y contacto: Desarrollar la habilidad de interactuar con otros
personajes espontáneamente, sin violar el contenido del libreto.
 Unidades y objetivos: Aprender a dividir el papel o rol en unidades sensibles que
puedan ser trabajadas individualmente. Desarrollar la habilidad de definir cada
unidad del rol, por un deseo activo de objetivos, en lugar de una mera idea literaria.
 Estado mental creativo: Es una culminación automática de todos los pasos
previos.
 Trabajar con el texto del libreto: Desarrollando la habilidad de descubrir el
sentido social, político y artístico del texto, y viendo que esas ideas están contenidas
en la actuación.
 Lógica y credibilidad: Descubrir cómo es verdadero que la suma de objetivos
combinados son consistentes y coherentes, y que ellos se encuentran en línea con el
libreto como un todo.
 Método de interpretación de Stanislavsky
 Por online
  Posted 15 marzo, 2018
  In Sin categoría
 83
 “No te creo, No me convences,” eran las palabras preferidas de Konstantin
Sergeevich Alekseyev, más conocido en el mundo del arte como Konstantin
Stanislavsky; el actor, director y empresario teatral y operático que cambió el rumbo
del teatro occidental a principios de este siglo.
El sistema es el resultado de muchos años de esfuerzos por parte de Stanislavski
para determinar cómo una persona puede controlar el rendimiento en los aspectos
más intangibles e incontrolables del comportamiento humano, tales como las
emociones y la inspiración artística.
El director afirmaba que el actor debe vivir una acción, no representar una ficción;
debe realizar sus acciones como un ser humano lo haría en la vida real.
Stanislavsky combate la rutina, o sea, los clichés convencionales y estereotipados, el
histrionismo, los efectos fáciles y la mentira teatral, la falsa emoción. Desarrolla una
investigación meticulosa y el actor trabaja desde un principio con objetos reales,
que son parte integrante de la acción escénica.
Para lograr esto, se utiliza la memoria emocional. El recuerdo de una vivencia
personal semejante ayuda a experimentar en el escenario una emoción análoga a la
del personaje. Se recurre a un engaño para provocar una emoción sincera. Para ello
es necesario también el apoyo externo: hay que maquillarse, vestirse, caminar,
comportarse, como el personaje. Los actos físicos externos desencadenan la
emoción, siguiendo el principio psicológico de que se comienza llorando y se acaba
por estar triste.
El actor debe tomar conciencia de algo más allá de las palabras: actos realizados,
recuerdos evocados, movimientos, accesorios que se manipulan, constituyen el
subtexto que ocasiona los sentimientos.
 Resumen de EL TRABAJO DEL ACTOR SOBRE
SI MISMO EN EL PROCESO CREADOR DE LA
V IVENCIA
 El pedagogo ruso dividió su obra en dos partes: El trabajo del actor sobre sí
mismo en el proceso creador de la vivencia , el texto que presentamos,
dedicado a la preparación del actor previa a la construcción de personajes, y
una segunda aprte, titulada El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso
creador de la encarnación , que aborda la interpretación de papeles
concretos. Por desgracia, este segundo volumen carece de una redacción
final supervisada por el autor y ha sido publicado con el orden que a cada
editor le ha parecido más conherente. En esta obra, Stanislavski aplica su
profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la
pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi
interpretación resulte increíble?

 KONSTANTIN
STANISLAVSKI
 BIOGRAFÍA
 Konstantin Stanislavski (seudónimo de Konstantin Serguéievich Alexéiev)
fue actor, director y teórico teatral ruso. Tras participar en varios
movimientos de vanguardia, fundó en 1898, con Nemírovich-Dánchenko, el
Teatro del Arte de Moscú, que puso en escena las grandes obras de Chéjov.
Pronto empezó a desarrollar su sistema de interpretación, que pretendía que
el mundo emotivo de los personajes fuera proyectado al espectador de
forma verídica y alejado de toda artificialidad, en un efecto de «realismo
psicológico». Después de la revolución soviética se dedicó exclusivamente
a su trabajo de investigación, expuesto en sus libros. En 1918, Stanislavski
fundó el Primer Estudio como escuela para jóvenes actores y escribió varias
obras entre las que destacamos El trabajo del actor sobre sí mismo (Alba,
2003), La construcción del personaje (Alianza, 1999) o Mi vida en el arte
(García Verdugo, 1997).

 El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de las vivencias.

Autor: Constantin Stanislavsky
 El pedagogo ruso dividió su obra en dos partes: El trabajo del actor sobre sí mismo
en el proceso creador de la vivencia , el texto que presentamos, dedicado a la
preparación del actor previa a la construcción de personajes, y una segunda aprte,
titulada El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarn ación
, que aborda la interpretación de papeles concretos. Por desgracia, este segundo
volumen carece de una redacción final supervisada por el autor y ha sido publicado
con el orden que a cada editor le ha parecido más conherente. En esta obra,
Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a
responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para
que mi interpretación resulte increíble?

 EL TRABAJO DEL ACTOR

SOBRE SU PAPEL
 KONSTANTIN STANISLAVSKI
 COMPRAR21.37€-5% de descuento

 SINOPSIS
 El trabajo del actor sobre el papel continúa y cierra el ciclo iniciado con los
otros dos libros de pedagogía teatral de Stanislavski. Los conceptos y
argumentaciones expuestos de forma genérica en los volúmenes anteriores
se concretan aquí en casos prácticos referidos a tres obras que dirigió el
autor en el Teatro del Arte de Moscú: La desgracia de ser inteligente de
Aleksandr Griboiédov, Otelo de William Shakespeare y El inspector de
Nikolai V. Gógol. Puede decirse que, de la trilogía, este es el libro que de
manera más concreta y práctica ayuda a los actores en su trabajo.

Bertolt Brecht
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Bertolt Brecht
Fotografiado en 1948
Información personal
Nombre de
Eugen Berthold Friedrich Brecht
nacimiento
10 de febrero de 1898
Nacimiento
Augsburgo, Alemania
14 de agosto de 1956
Fallecimiento (58 años)
Berlín Este, RDA
Causa de
Trombosis coronaria
muerte
Sepultura Cementerio de Dorotheenstadt
Nacionalidad Alemana
Familia
 Marianne Zoff (1922-1927)
Cónyuge  Helene Weigel (1929-1956)

Pareja Paula Banholzer

Hijos Hanne Hiob
Educación
 Universidad de Múnich (Medicina y
Educado en
Filosofía; 1917-1921)

Información profesional
Dramaturgo, poeta, director de
Ocupación
teatro, actor
Alumnos Wolf Biermann
Movimiento Teatro épico
Seudónimo Bertolt Brecht
Géneros Teatro, poesía
 La ópera de los tres
centavos
 La vida de Galileo
 El círculo de tiza caucasiano
 Terror y miseria del Tercer
Obras notables Reich
 Madre Coraje y sus hijos
 La buena persona de Sezuan
 Der aufhaltsame Aufstieg
des Arturo Ui

Partido Socialdemócrata
Partido político
Independiente de Alemania
Miembro de Academia de las Artes de Berlín
Distinciones Premio Stalin de la Paz.1

Firma

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Eugen Berthold Friedrich Brecht (Augsburgo, 10 de febrero de 1898-Berlín Este, 14 de

agosto de 1956), más conocido como Bertolt Brecht fue un dramaturgo y poeta alemán,
uno de los más influyentes del siglo XX, creador del teatro épico, también denominado
teatro dialéctico.2

Obra
Estilo

Todas las obras de Brecht están absolutamente ligadas a razones políticas e históricas y
tienen un sobresaliente desarrollo estético. En realidad, en Brecht se encuentran siempre
unidos el fondo y la forma, la estética y los ideales. Desde sus comienzos se caracterizó por
una radical oposición a la forma de vida y a la visión del mundo de la burguesía y
naturalmente al teatro burgués, sosteniendo que solo estaba destinado a entretener al
espectador sin ejercer sobre él la menor influencia.2 Brecht desarrolló una nueva forma de
teatro que se prestaba a representar la realidad de los tiempos modernos, y se encargó de
llevar a escena todas las fuerzas que condicionan la vida humana.

Además de conmover los sentimientos, obligaba al público a pensar; en las

representaciones teatrales nada se daba por sentado y obligaba al espectador a sacar sus
propias conclusiones.2 Hasta el fin de su vida sostuvo la tesis de que el teatro podía
contribuir a modificar el mundo. Para ello fue creando una nueva idea del arte como
comprensión total y activa de la historia: el efecto de distanciamiento, la no contemplación
lírica de las cosas y tampoco replegamiento sutil sobre la subjetividad, sino elecciones
humanas y morales, verificación de los valores tradicionales y elaboración de una nueva
presencia de la poesía en la sociedad.2

Su llamado teatro épico, narrativo, continúa apuntando en las escenificaciones de hoy a

provocar la conciencia crítica de espectadores y actores.2 Hay que desmenuzar el texto, no
sentirlo, examinarlo desde lejos, tomar distancia del propio yo. Nada de sentimentalismos
que provoquen lágrimas en el escenario. Brecht hizo gala de antisentimentalismo, así como
de su condolencia para los pobres y su sufrimiento, al tiempo que atacaba la falsa
respetabilidad de los burgueses. El famoso efecto de distanciamiento creado por Brecht es
un arma contra el romanticismo y el sentimentalismo. La crítica social, la compasión por
los seres humanos y el consiguiente cambio de la sociedad debían desempeñar el papel
esencial. Así, las canciones interrumpen los parlamentos, el telón priva al escenario de la
magia teatral, y un cartel plantea la exigencia. Los actores de Brecht son sus alumnos: les
deja actuar en el escenario y de ese modo edifican la pieza, mientras que el director la
destruye. La genialidad y la ingenuidad mantienen un equilibrio. Esta combinación es el
secreto del éxito de Brecht.

Brecht figura entre los autores más importantes del siglo XX. Es el prototipo del intelectual
revolucionario que ha tratado de descifrar la realidad a través del arte. Lo cierto es que su
obra teatral y sus numerosos escritos teóricos han ejercido enorme influencia sobre los
escritores contemporáneos a él.

Al año siguiente, el 14 de agosto de 1956, contrajo una inflamación del pulmón y

murió de una trombosis coronaria en Berlín del Este.

Teatro del oprimido

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Árbol del Teatro del oprimido de Augusto Boal (en español)

El Teatro del Oprimido (TdO) es una tendencia teatral sistematizada por el dramaturgo,
actor, director y pedagogo teatral brasileño Augusto Boal (1931-2009) a partir de los años
1960. Actualmente tanto Julián Boal, su hijo, como su grupo creado en París en 1979
siguen sus teorías desde Brasil y Francia respectivamente.

La mejor definición para este "sería la de que se trata del teatro de las clases oprimidas y
para los oprimidos, para desarrollar una lucha contra estructuras opresoras". El Teatro del
Oprimido recibe influencia del Teatro Épico de Bertolt Brecht y de la Pedagogía del
Oprimido de Paulo Freire. Las técnicas son las que comprenden unos juegos y dinámicas
múltiples que se describen en su libro "Juegos para actores y no actores" para
posteriormente analizar las opresiones y relaciones de poder y así poder combatirlas.

[Link]

Augusto Boal
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Augusto Boal
Augusto Boal en Dublín (2009)
Información personal
16 de marzo de 1931
Nacimiento
Río de Janeiro
2 de mayo de 2009
Fallecimiento
Río de Janeiro
Causa de
Leucemia
muerte
Residencia Río de Janeiro
Nacionalidad Brasileño
Lengua materna Portugués
Familia
Pareja Maria Bethânia
Educación
 Universidad de Columbia
 Universidad Federal de Río
Educado en
de Janeiro

Información profesional
Ocupación Dramaturgo y director de teatro
Lengua literaria Portugués
Distinciones  Beca Guggenheim
  Premio Príncipe Claus
 Orden del Mérito
Cultural (2005)

[editar datos en Wikidata]

Augusto Boal (Río de Janeiro, 16 de marzo de 1931 - ibídem, 2 de mayo de 2009) fue un
dramaturgo, escritor y director de teatro brasileño, conocido por el desarrollo del Teatro del
Oprimido, método y formulación teórica de un teatro pedagógico que hace posible la
transformación social.1 Fue nominado para el Premio Nobel de la Paz en 2008.1

Primeros años

Nació en el barrio Penha Circular de Río de Janeiro, hijo de campesinos portugueses que
habían emigrado a Brasil. Con 10 años, Boal empezó a dirigir a primos y hermanos en
pequeños montajes.1 En 1948, con 17 años, comenzó la carrera de Química en la
Universidad de Río de Janeiro, la cual terminó a los 21 años.

A los 22 años, para seguir cursando estudios de Ingeniería Química, se trasladó a Estados
Unidos. No obstante, una vez allí, decidió estudiar Arte Dramático en la Universidad de
Columbia, donde tuvo como profesor y mentor a John Gassner.2 Fue entonces cuando
comenzó a escribir y montar obras teatrales con el Writer’s Group, una asociación de
jóvenes escritores, entre ellas "La casa del otro lado de la calle, en la que se van
configurando los rasgos característicos de su obra.1

Obras
 Arena conta Tiradentes São Paulo: Sagarana,1967
 Categorías de Teatro Popular Buenos Aires:Ediciones CEPE,1972
 Crônicas de Nuestra América São Paulo: CODECRI, 1973
 Técnicas Latino-Americanas de Teatro Popular São Paulo: HUCITEC, 1975
 Jane Spitfire Rio de Janeiro: DECRI,1977
 Murro em Ponta de Faca São Paulo: HUCITEC, 1978
 Milagre no Brasil Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1979
 Stop C’est Magique Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1980
 Teatro do Oprimido e Outras Poéticas Políticas. Rio de Janeiro: Civilização
Brasileira, 1985
 O Corsário do Rei Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1986
 Teatro de Augusto Boal 1 São Paulo: HUCITEC,1986
 Teatro de Augusto Boal 2 São Paulo: HUCITEC,1986
 O Arco-Iris do Desejo Método Boal de Teatro e Terapia Rio de Janeiro:
Civilização Brasileira, 1990
 Duzentos Exercícios e Jogos para Ator e Não-Ator com Vontade de Dizer Algo a
través do Teatro Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1991
  O Suicida com Medo da Morte Rio de Janeiro: Civilização Basileira, 1992.
 Aquí Ninguém é Burro! Rio de Janeiro: Revan, 1996
 Teatro Legislativo Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 1996
 Jogos para atores e não atores - Civilização Brasileira - 1999
 "Hamlet e o filho do padeiro" - Civilização Brasileira - 2000
 “ O Teatro como arte marcial” – Garamond – 2003
 “JaneStipfire”. Rio de Janeiro – Ed...... – 2003
 Teatro del oprimido, Buenos Aires, interZona, 2015
 Juegos para actores y no actores, Buenos Aires, interZona, 2015

 Teatro pobre
 El 'teatro pobre' creado por Grotowski implicó la salida de aspectos que, desde otras
perspectivas teatrales, se consideran necesarios para la realización de una puesta en
escena. Sin embargo, en el teatro desarrollado por Grotowski no es posible privarse
de la relación actor-espectador, pues esta es vital para la puesta en escena y también
permite el desarrollo del actor y del espectador sobre sí mismos.
 Ante la carencia de escenografía, maquillaje y el uso mínimo de elementos de luz y
vestuario, el teatro pobre pone énfasis en el trabajo del actor, al cual no se le
instruye mediante técnicas preestablecidas, por el contrario, se pretende eliminar las
resistencias que el organismo del actor produce ante el conjunto de estas técnicas.
Grotowski define esta situación del modo que sigue:
 “La nuestra es una vía negativa, no una colección de técnicas, sino la

destrucción de obstáculos”.

 Esta austeridad en el 'teatro pobre' le permite al actor explorar, experimentar y

trabajar sobre su propio cuerpo logrando mostrar sensaciones, imágenes y sonidos a
través de expresiones faciales, movimientos corporales, posturas, ritmos, etcétera,
sin recurrir al uso de maquillaje, vestuario o efectos de sonido. Esto implica que el
trabajo del actor es constante, y por ello no cuenta con una serie de técnicas
determinadas, ya que en cada representación se conforma una nueva experiencia
tanto para el actor como para el espectador.

Obras dirigidas
 Sakuntala. Kalidasa. 1960

 Caín. Lord Byron.  1960

 Los antepasados de Eva. Adam Mickiewicz.  1961

 Kordian. Juliusz Słowackii. 1962

  La trágica historia del doctor Fausto . Christopher Marlowe.  1962

 Akropolis. Stanisław Wyspiański. 1964

 El príncipe constante. Calderón de la Barca. 1965

 Apocalipsis cum figuris. Creación propia. 1969

Cultura
Te explicamos qué es la cultura y qué tipos de cultura existen.
Además, sus características, los elementos de una cultura y
ejemplos.

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3 min. de lectura

Las creencias son un elemento fundamental en las culturas.

¿Qué es la cultura?
La cultura es el conjunto de elementos y características propias de una
determinada comunidad humana. Incluye aspectos como las costumbres,
las tradiciones, las normas y el modo de un grupo de pensarse a sí mismo,
de comunicarse y de construir una sociedad.

La palabra “cultura” es un término amplio que proviene del vocablo

latino cultus, a su vez derivado de colere, es decir, “cuidar del campo y del
ganado”, lo que hoy en día se conoce como “cultivar”. El pensador romano
Cicerón (siglo I a. C.) empleó el término cultura animi (“cultivar el espíritu”)
para referirse metafóricamente al trabajo de hacer florecer la sabiduría
humana.

La cultura abarca aspectos como la religión, la moral, las artes,

el protocolo, la ley, la historia y la economía de un determinado grupo. El
término se utiliza para referirse a las distintas manifestaciones del ser
humano y, según algunas definiciones, todo lo que es creado por el humano
es cultura.

Puede servirte: Arte popular

Características de la cultura
Algunas características de la cultura son:

 Se vale de la creación y producción humana.

 Es generada y compartida por un grupo de la sociedad, de acuerdo a
aspectos geográficos, sociales o económicos.
 Es dinámica, por lo que va cambiando y mutando de acuerdo a las
necesidades del grupo.
 Es diversa, no existe una única cultura universal, sino que existen
muchos tipos de culturas de acuerdo a diferentes criterios.
 Es aprendida por los miembros de un grupo.
 Se vale tanto de elementos materiales como inmateriales.
 Se transmite de generación en generación.

Elementos de la cultura
Las costumbres forman parte de la cultura.
Toda cultura se conforma a partir de seis elementos básicos:

 Valores. Son criterios que determinan aquello que es deseable en una

sociedad. Estos valores guían el comportamiento de los individuos de
una determinada cultura y son la base de las normas.
 Normas y sanciones. Es la normativa por la que se rigen las
sociedades, ya sea explícitamente (lo legal), protocolarmente o
subjetivamente. Existen muchos tipos de normas (como
las jurídicas, religiosas o morales) y, en muchos casos, su no
cumplimiento es motivo de sanción.
 Creencias. Es el conjunto de ideas que comparten los miembros de una
cultura acerca del ser humano, su propósito y el universo. Estas
creencias suelen guiar el accionar de los individuos.
 Símbolos. Son emblemas, formas o signos que contienen un significado
dentro de una cultura y que representan su modelo de vida, sus
creencias, sus costumbres y su tradición ancestral.
 Lenguaje. Es el código compartido que permite a los individuos
comunicarse a través del habla, del cuerpo o de la escritura.
 Tecnología. Son los conocimientos que se aplican en una disciplina para
mejorar procedimientos o la producción de bienes y servicios. Las
grandes revoluciones tecnológicas acarrearon cambios culturales
profundos.
Tipos de cultura

Las culturas se pueden dividir en base a su raíz religiosa.

La cultura puede clasificarse de acuerdo a distintos criterios. Algunos son:

Según el aspecto socioeconómico:

 Cultura de elite. Es aquella que se sostiene desde las altas esferas de

poder dentro de una sociedad.
 Cultura popular. Es el conjunto de manifestaciones y elementos
culturales propio de un pueblo.
 Cultura de masas. Está formada por bienes culturales que son
presentados por los medios masivos de comunicación y a los que
accede una gran porción de la población.

Según el uso de la escritura:

 Culturas orales o ágrafas. Son aquellas que no conocieron la escritura

y utilizaron la forma oral para transmitir y conservar sus tradiciones.
 Culturas letradas. Son aquellas que surgieron luego de la invención de
la escritura y que utilizan esta herramienta para transmitir los rasgos de
su cultura de generación en generación.
Según la religión:

 Culturas teístas. Son aquellas que creen en una divinidad superior y

suelen ser: monoteístas (cuando creen en una sola divinidad)
o politeístas (cuando creen en más de una divinidad).
 Culturas no teístas. Son aquellas que no creen en una divinidad
superior, sino que otorgan poder a otras fuerzas, como las fuerzas de
la naturaleza.

Según la forma de producción:

 Culturas nómades. Son aquellas que no se asientan de forma

permanente en un lugar geográfico, sino que van trasladando su
asentamiento de acuerdo a la disponibilidad de alimento o trabajo.
 Culturas urbanas. Son aquellas que se desarrollan en las ciudades y
suelen basar su economía en actividades como el comercio y los
servicios. Sus habitantes comparten rasgos y estilos de vida.
 Culturas rurales. Son aquellas culturas de tipo sedentarias que se
asientan en zonas rurales y basan su economía en actividades como
la agricultura y la ganadería. Estos grupos comparten tradiciones,
costumbres y rasgos propios.

Según la distribución geopolítica:

 Cultura global. Es aquella que se da en un espacio geográfico muy

amplio y suelen usarse dentro de esta categoría los términos: cultura
occidental, aquella que comparten los países y grupos del hemisferio
oeste; y cultura oriental, aquella que comparten los países situados en el
hemisferio este.
 Cultura regional. Es aquella cultura que comparten los países que
conforman una región y que tienen rasgos en común,
como Latinoamérica.
 Cultura nacional. Es aquella que se desarrolla dentro de un
determinado Estado, en el que sus habitantes comparten valores y
símbolos.
 Cultura local. Es aquella que se desarrolla en porciones más pequeñas
de territorio, en las que los individuos comparten rasgos y costumbres.

Importancia de la cultura y de la diversidad cultural

La cultura es creada por el ser humano y está presente en los grupos
sociales, por lo que todos los individuos se ven afectados e
interpelados por ella. La cultura es importante porque aporta identidad a
las personas y sentido de pertenencia. Es a través de ella que el individuo
se expresa, incorpora un estilo de vida, comparte y se relaciona con sus
pares.

La cultura incluye bienes materiales e inmateriales, que son creaciones

que reflejan los valores de una sociedad y se plasman en formas artísticas,
como la música, el arte, la literatura, la danza, la arquitectura,
la gastronomía, entre muchas otras.

Existen diferentes culturas con rasgos propios en todas las regiones

del mundo y esto se conoce como diversidad cultural. La relación y la
convivencia armoniosa entre las diferentes culturas que comparten un
tiempo o espacio es importante, porque genera un intercambio de formas de
vida y de creaciones que lleva al enriquecimiento de las distintas
sociedades.

Patrimonio cultural
El patrimonio cultural está formado por todos aquellos bienes creados por
el ser humano a lo largo de la historia, que por su importancia o
influencia buscan ser preservados para que puedan ser apreciados por las
generaciones futuras.

El conjunto de bienes que conforma el patrimonio suele ser

enumerado por la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la
Educación, la Ciencia y la Cultura), que es una organización que establece
bases para el cuidado y protección del patrimonio. El patrimonio suele incluir
tanto bienes materiales, como edificaciones, utensilios, artesanías y obras
de arte, como bienes inmateriales, como festividades, rituales, músicas,
entre otros.

La conservación del patrimonio cultural de la humanidad es indispensable

para cuidar aquellas creaciones humanas que son relevantes y que se
espera puedan ser apreciadas y estudiadas por las siguientes
generaciones.

Fuente: [Link]
Unidades aristotélicas
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Teatro romano de Palmira. La scaena ("escenario") se construye como la fachada de un

edificio palaciego delante del que convencionalmente ha de suponerse que se desarrolla la
acción de cualquiera de las obras que se representan.

Unidades clásicas, aristotélicas o tres unidades son reglas literarias, diseñadas

especialmente para el teatro, pero que tienen una extensión más amplia como criterio
estético y de teoría del arte, al exigir que una obra artística (específicamente la literaria)
debe tener un cierto carácter unitario.

Índice
 1 Concepto
 2 Las unidades en Aristóteles
 3 Literatura de la Edad Moderna
 4 Cine
 5 Fuentes
 6 Notas

Concepto
Derivan de algunos pasajes de la Poética de Aristóteles, y en la forma en que se
establecieron posteriormente, con criterios propios de la literatura neoclásica, eran las
siguientes:

 Unidad de acción: la obra debe seguir el curso de una única acción principal, sin
desviarse en acciones secundarias, esto es, debe contar una sola historia.
 Unidad de tiempo: la acción no debe transcurrir en un tiempo superior a las 24
horas, y debe ser lineal, sin anacronías (saltos temporales al pasado o futuro).
 Unidad de lugar: la obra debe representarse en un espacio físico único, sin intentar
comprimir la geografía representando más de un lugar.
En el siglo XVII por ejemplo, estas reglas ya las había sintetizado el francés Nicolás
Boileau en su Art Poétique (1674), canto III, 45-46: Qu'en un lieu, qu'en un jour, un seul
fait accompli / tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli. Junto a las tres unidades, los franceses
fueron uniendo una cuarta unidad entre los siglos XVII y XVIII, la unidad de estilo: no
mezclar verso y prosa, usar siempre el mismo tipo de verso y de estrofa, procurar que el
lenguaje y la estructura fueran homogéneos y no mezclar de ninguna manera lo trágico y lo
cómico. En el siglo XVIII, Manuel José Quintana las formuló en uno de los tercetos de su
poema didáctico Las reglas del drama (1791):

Una acción sola presentada sea

en solo un sitio fijo y señalado,
en solo un giro de la luz febea.

Aristóteles
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Aristóteles

Busto de Aristóteles en Roma, Palazzo Altemps

Escolarca del Liceo

Información personal
Nombre en Ἀριστοτέλης
griego antiguo
Apodo "El Estagirita", "El Filósofo"
384 a. C.
Nacimiento
Estagira, Reino de Macedonia
322 a. C. (62 años)
Fallecimiento
Calcis, Reino de Macedonia
Causa de
Enfermedad digestiva
muerte
Nacionalidad Griego
Familia
Nicómaco
Padres
Festis
Pitias de Aso
Cónyuge
Herpilis
Pitias la Joven
Hijos
Nicómaco
Arimnesta (hermana mayor)
Familiares
Arimnesto (hermano mayor)
Educación
Educado en Academia de Atenas
Alumno de Platón
Información profesional
Ocupación Filosofía
Metafísico, biólogo, cosmólogo,
lógico, zoólogo, crítico literario,
matemático, ético, epistemólogo,
Área
filósofo político, polímata, filósofo
del lenguaje, escritor, astrónomo y
científico
Alumnos Alejandro Magno, Aristóxeno,
Clearco de Solos, Dicearco de
Mesina, Eudemo de Rodas, Fanias,
 Neleo de Escepsis, Paléfato,
Ptolomeo I y Teofrasto.
Escuela peripatética
Movimiento
Aristotelismo
 Metafísica
 Política
Obras notables
 Ética nicomáquea

Aristóteles (en griego antiguo: Ἀριστοτέλης [Aristotélēs]; en griego moderno: Αριστοτέλης

[Aristotélis]; en latín: Aristoteles; Estagira, 384 a. C.-Calcis, 322 a. C.)1234 fue un filósofo,
polímata y científico griego nacido en la ciudad de Estagira, al norte de la Antigua Grecia.
Es considerado junto a Platón, el padre de la filosofía occidental. Sus ideas han ejercido una
enorme influencia sobre la historia intelectual de Occidente por más de dos milenios.125

Fue discípulo de Platón y de otros pensadores, como Eudoxo de Cnido, durante los veinte
años que estuvo en la Academia de Atenas.6 Poco después de la muerte de Platón,
Aristóteles abandonó Atenas para ser el maestro de Alejandro Magno en el Reino de
Macedonia durante casi 5 años.6 En la última etapa de su vida, fundó el Liceo en Atenas,
donde enseñó hasta un año antes de su muerte.6

Aristóteles
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Aristóteles
Busto de Aristóteles en Roma, Palazzo Altemps

Escolarca del Liceo

Información personal
Nombre en
Ἀριστοτέλης
griego antiguo
Apodo "El Estagirita", "El Filósofo"
384 a. C.
Nacimiento
Estagira, Reino de Macedonia
322 a. C. (62 años)
Fallecimiento
Calcis, Reino de Macedonia
Causa de
Enfermedad digestiva
muerte
Nacionalidad Griego
Familia
Nicómaco
Padres
Festis
Pitias de Aso
Cónyuge
Herpilis
Pitias la Joven
Hijos
Nicómaco
Arimnesta (hermana mayor)
Familiares
Arimnesto (hermano mayor)
Educación
Educado en Academia de Atenas
Alumno de Platón
Información profesional
Ocupación Filosofía
Área Metafísico, biólogo, cosmólogo,
lógico, zoólogo, crítico literario,
 matemático, ético, epistemólogo,
filósofo político, polímata, filósofo
del lenguaje, escritor, astrónomo y
científico
Alejandro Magno, Aristóxeno,
Clearco de Solos, Dicearco de
Alumnos Mesina, Eudemo de Rodas, Fanias,
Neleo de Escepsis, Paléfato,
Ptolomeo I y Teofrasto.
Escuela peripatética
Movimiento
Aristotelismo
 Metafísica
 Política
Obras notables
 Ética nicomáquea

Aristóteles (en griego antiguo: Ἀριστοτέλης [Aristotélēs]; en griego moderno: Αριστοτέλης

[Aristotélis]; en latín: Aristoteles; Estagira, 384 a. C.-Calcis, 322 a. C.)1234 fue un filósofo,
polímata y científico griego nacido en la ciudad de Estagira, al norte de la Antigua Grecia.
Es considerado junto a Platón, el padre de la filosofía occidental. Sus ideas han ejercido una
enorme influencia sobre la historia intelectual de Occidente por más de dos milenios.125

Fue discípulo de Platón y de otros pensadores, como Eudoxo de Cnido, durante los veinte
años que estuvo en la Academia de Atenas.6 Poco después de la muerte de Platón,
Aristóteles abandonó Atenas para ser el maestro de Alejandro Magno en el Reino de
Macedonia durante casi 5 años.6 En la última etapa de su vida, fundó el Liceo en Atenas,
donde enseñó hasta un año antes de su muerte.6

Formación de su filosofía

Tras la muerte de Platón en 347 a. C., Aristóteles dejó Atenas. La historia tradicional

registra que Aristóteles partió por su decepción a que la dirección de la Academia pasara al
sobrino de Platón, Espeusipo, aunque esto es improbable, pues un macedonio no podía
heredar bienes atenienses.25 Es posible que temiera los sentimientos contra los macedonios
en Atenas en ese momento y se fue antes de la muerte de Platón.26

Aristóteles se trasladó a Atarneo y a Aso, en Asia Menor, donde vivió aproximadamente

tres años bajo la protección de su amigo y antiguo compañero de la Academia, Hermias,
quien era gobernador de la ciudad.17 Cuando Hermias fue asesinado, Aristóteles se mudó a
la ciudad de Mitilene, en la isla de Lesbos, donde permaneció dos años.1617 Allí continuó
con sus investigaciones junto a Teofrasto, nativo de Lesbos, enfocándose en zoología y
biología marina.16 Además se casó con Pitias de Aso, la sobrina de Hermias, con quien tuvo
una hija del mismo nombre.17

Alejandro Magno y el Liceo

En 343 a. C., el rey Filipo II de Macedonia convocó a Aristóteles para que fuera tutor de su
hijo de 13 años, que más tarde sería conocido como Alejandro Magno, en la localidad de
Mieza.161727 Aristóteles viajó entonces a Pella, por entonces la capital del imperio
macedonio, y enseñó a Alejandro durante dos años, al menos, hasta que inició su carrera
militar.17 Durante el tiempo de Aristóteles en la corte macedonia, dio lecciones también a
otros dos reyes futuros: Ptolomeo y Casandro.28

En 335 a. C., Aristóteles regresó a Atenas y fundó su propia escuela, el Liceo (llamado así
por estar situado dentro de un recinto dedicado al dios Apolo Licio).17 A diferencia de la
Academia, el Liceo no era una escuela privada y muchas de las clases eran públicas y
gratuitas.16 A lo largo de su vida, Aristóteles reunió una vasta biblioteca y una cantidad de
seguidores e investigadores, conocidos como los peripatéticos (de περιπατητικός,
'itinerantes', llamados así por la costumbre que tenían de discutir caminando).16 La mayoría
de los trabajos de Aristóteles que se conservan son de este período.16 Escribió muchos
diálogos, de los cuales solo han sobrevivido fragmentos. Los trabajos que han sobrevivido
están en forma de tratado y no estaban destinados, en su mayor parte, a una publicación.
[cita requerida]

Fue mucho después, en el siglo XVIII, cuando esta selección se estableció desde otra
perspectiva. El francés Charles Batteaux, fiel a la tradición enciclopedista, decidió crear
una clasificación que agrupase aquellas prácticas artísticas que eran valoradas en la época.
Aunque, en el transcurso de los años, han sido consideradas artes disciplinas tan curiosas
como la elocuencia. En este caso, no nos atrevemos a opinar si realmente si merece estar en
el podio de las elegidas.

En la actualidad las 7 bellas artes del mundo que hoy son reconocidas son: la arquitectura,
la escultura, la danza, la música, la pintura, la literatura y el cine. A veces hay quienes
añaden dos que también nos encantan: la fotografía y ¡el cómic!

1. Arquitectura: una de las 7 bellas artes del mundo que puedes visitar
La arquitectura no solo es un arte que vive entre nosotros y que embellece las ciudades,
sino también una excelente excusa para viajar hasta la otra punta del globo. Si hablamos de
monumentos históricos, el Coliseo Romano no debe faltar, como tampoco Angkor Wat en
Camboya, el espléndido Taj Mahal en la India o las Pirámides de Egipto. Si buscas uno
cerca de casa y sin terminar: la Sagrada Familia en Barcelona.

2. Escultura: obras famosas que despertarán tu amor por las 7 bellas artes
Tallar en piedra, barro e incluso en hierro y cobre, es un arte muy complejo. Es que sacar
un David del mármol no puede ser tarea para un aprendiz. No en vano hay ciudades cuyas
esculturas se han convertido en un símbolo. Hablamos de obras de arte famosas como la
Estatua de la Libertad en Nueva York; la Venus de Milo en el Louvre, en París o la Gran
Esfinge de Guiza en Egipto.

3. Danza: no podía faltar entre las 7 bellas artes

Desde el ballet clásico, pasando por el flamenco hasta el twerking, la danza es parte de la
vida en múltiples formas. Todos bailamos a nuestra manera y mover el cuerpo al ritmo de
la música es uno de los placeres más primitivos de los que podemos disfrutar. Por eso
cuando nos preguntamos cuáles son las 7 bellas artes, es imposible dejar fuera esta mágica
disciplina llena de posibilidades.

Ahora bien, elegir cuál es la mejor obra de danza de la historia es algo bastante difícil.
Desde los grandes clásicos del ballet hasta Pina Bausch o el boom del video-danza, el
abanico de posibilidades es enorme.

4. Música: el imprescindible de las 7 bellas artes

No importa si te gusta el rock, el pop o la electrónica, lo cierto es que no hay nada como
una buena melodía para cambiarnos el humor. La música es un lenguaje universal y quien
haya vivido alguno de los mejores festivales de música del mundo lo sabe.

Grandes clásicos como Bohemian Rhapsody de Queen o Like a Rolling Stone de Bob
Dylan, sin olvidar a los clásicos, como la quinta sinfonía de Beethoven. Todos ellos, y
muchos más, merecen estar en el podio de las mejores de la historia.

5. Pintura: las más famosas del mundo

La pintura es una de las más difundidas de las 7 bellas artes y hay algunas que no se nos
pueden olvidar.

Desde La Gioconda de Leonardo Da Vinci, hasta otros más modernos, pero no menos
espectaculares como El Beso de Klimt o el Guernica de Picasso, hablamos de cuadros que
nos dejan con la boca abierta y son una parada obligada en las ciudades que los acogen.

6. Literatura: las palabras son otra de las grandes amigas de las 7 bellas
artes
En la literatura, como en el resto de las artes, es muy difícil saber cuál es la mejor obra
porque depende del gusto de quien la lee. Pero lo cierto es que entre los grandes libros que
deberías leer alguna vez en la vida no pueden faltar El Quijote, Orgullo y Prejuicio, Guerra
y Paz y Cien años de Soledad. Son clásicos de todos los tiempos que se merecen un hueco
en tu estantería (o en tu kindle).

7. Cine: la magia de la gran pantalla

El cine tiene tanta magia que no puede escapar a la lista de las 7 bellas artes. Desde El
Padrino, pasando por El resplandor o Cantando bajo la lluvia hasta La lista de Schindler,
podríamos hacer una recopilación de imprescindibles que nos llevaría, al igual que las otras
bellas artes, a soñar y disfrutar en muchas partes del mundo.

Una forma de viajar con los cinco sentidos

Este recorrido por las 7 bellas artes no es más que un pantallazo de todo lo que puedes
descubrir. Sabemos que es muy difícil determinar cuáles son las mejores obras de la
historia, porque el gusto por el arte es también muy subjetivo. Pero lo cierto da igual la

Corifeo
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Coro de la antigua Grecia.

El corifeo (griego antiguo κορυφαῖος/koryphaîos, de κορυφή, koryphḗ́, «punta de la

cabeza») era, del conjunto de jóvenes que danzaban y cantaban hacia el templo de
Dionisos, el que mejor danzaba y cantaba, el que los dirigía. Con la aparición del teatro
clásico griego, el corifeo se transformó en el dirigente del coro, ya dejando su rol de
animador y mejor danzador.
A menudo se situaba en el centro del escenario, en aquel entonces llamado orchestra, y era
el responsable de guiar a los coristas. Respondía al coro, lo cuestionaba o repetía sus
palabras. A veces hablaba en nombre del coro y era el único que interactuaba con el
personaje en el escenario, quien evolucionaba por su parte en el proscenio. Era un hombre
(posiblemente disfrazado de mujer), un ciudadano (posiblemente disfrazado de bárbaro),
que llevaba máscara y vestido.1

Es en principio un elemento singular del teatro griego antiguo. El corifeo representa al coro
y habla en su nombre en las partes recitadas. El coro representa a su vez a los ciudadanos,
expresando los miedos, esperanzas, juicios y otros sentimientos de la comunidad cívica,
entendida como un colectivo anónimo caracterizado por la moderación y el equilibrio.2

Historia
En una época de la antigua Grecia el corifeo eran los sátiros que bailaban y cantaban

de camino para ofrecer las mejores vides en el templo de Dionisio, en la fiesta de la

vendimia, un joven que resaltaba y que empezó a dirigir el grupo o coro de intérpretes

cantantes-bailarines. Esta figura aparece en el teatro clásico griego pero en sus inicios estos

coros de intérpretes no tenían director, después se empezó a destacar uno por su

virtuosismo y finalmente se erigió en maestro o director.3

Cuáles son las partes del texto teatral

Un texto teatral está compuesto por diferentes partes que te será muy fácil reconocer una
vez abras el libreto o guion.

Estas son las partes del texto teatral.

Drammatis personnae

Se trata de una página en la que se puede ver un listado de todos los personajes y la
relación que tienen entre ellos.

Por ejemplo:

 Claudio, rey de Dinamarca

 Hamlet, hijo del difunto y sobrino del actual rey
 Polonio, Lord Chambelán
 Horacio, amigo de Hamlet
  Laertes, hijo de Polonio
 Voltimand, Cornelio, Rosencrantz, Guildenstern, Osric, un caballero, cortesanos
 Un sacerdote
 Marcelo, Bernardo, oficiales

Actos

Los actos son otra de las partes del texto teatral. Y es que las obras están divididas en actos
y cada acto contiene una serie de escenas. Estos actos sirven para separar bien la
estructura de la obra y normalmente los textos teatrales suelen contener 3 actos, que se
diferencian entre sí por la aparición de un nuevo conflicto o un cambio de escenografía.
Este es otro de los elementos del texto dramático más característicos del género.

Escenas

Las escenas son los fragmentos de texto que componen los actos. Inicialmente, se
comenzó utilizando las escenas para indicar cuando un actor entraba o hacía mutis (se iba)
de escena, es decir en cada escena entraba o salía un nuevo personaje.

Con el tiempo, el concepto de las escenas ha ido evolucionando y los dramaturgos suelen
emplearlas para determinar el tema sobre el que están hablando o lo que está
sucediendo. Cuando el tema cambia, también cambiamos de escena.

Acotaciones

Las acotaciones son anotaciones que ha dejado el autor para expresar mejor cómo se
siente ese personaje o qué movimiento requiere la escena. Podrás encontrar acotaciones
durante toda la obra y hay autores que las usan continuamente, mientras que otros solo
ponen una o dos en cada escena.

Por ejemplo:

"La princesa: Tendremos que ir por ese camino (señalando a la izquierda del escenario)
para llegar más rápido."

Cuadros

Los cuadros muestran la decoración de la escena en todo momento. Cada vez que hay un
cambio de escenografía o atrezzo en el escenario, el autor lo explica detalladamente en un
cuadro. Hay autores que prefieren que el decorado sea imaginado por cada director y, por lo
tanto, no dejan escrito el cuadro de su obra.

Diálogos

Es el intercambio verbal entre los personajes.

Por ejemplo:

"CLAUDIO.–– Y ahora, mi querido Hamlet, sobrino e hijo mío….

HAMLET.– (Molesto, aparte) (Más bien primo que sobrino…)

CLAUDIO.– ¿Por qué esa tristeza? ¿Qué nubarrones ensombrecen tu rostro?

HAMLET.– No es eso, señor; es que paso demasiado tiempo expuesto al sol.

GERTRUDIS.– Querido Hamlet, desecha ese melancólico humor."

Monólogos

El monólogo es una reflexión que hace un personaje en voz alta, para que el público lo
pueda escuchar.

Por ejemplo:

"Ser o no ser, he aquí la cuestión. ¿Que es más elevado para el espíritu, sufrir los golpes y
dardos de la insultante fortuna o tomar armas contra el piélago de calamidades y,
haciéndoles frente, acabar con ellas? Morir..., dormir; no más ¡Y pensar que con un sueño
damos fin al pesar del corazón y al los mil naturales conflictos que constituyen la herencia
de la carne! ¡He aquí un término devotamente apetecible! ¡Morir... dormir, tal vez soñar!
¡Si, ahí está el obstáculo! Pues es forzoso que nos detenga el considerar qué sueños pueden
sobrevivir en ese sueño de la muerte, cuando nos hayamos liberado del torbellino de la
vida."

Apartes

Otra de las partes del texto teatral son los apartes. Se trata de una intervención esporádica
de un personaje que debe ser escuchada por el público, pero no por los demás personajes.

Por ejemplo:

"POLONIO: ¿Queréis venir, señor, adonde no os dé el aire?

HAMLET: ¿Adónde? ¿A la sepultura?

POLONIO: (Aparte) Cierto que allí no da el aire."

Estructura del texto teatral
Recuerda que un texto teatral tiene una estructura bastante similar a la de cualquier otro
texto literario y está compuesto por estas tres partes:

 Presentación: Parte inicial de la obra en la que se presenta a los personajes

principales y sitúa la obra en un lugar y un momento determinados.
 Nudo: Es el desarrollo del conflicto, donde la trama comienza a torcerse.
 Desenlace: Es la manera en como se soluciona el conflicto de la obra.

Esperamos que esta lección te haya podido servir de ayuda y que ahora ya conozcas todas
las partes del texto teatral y las puedas reconocer cuando leas una obra o vayas al teatro a
ver un espectáculo dramático. Si estás interesado en seguir aprendiendo sobre este tema o
alguno parecido, echa un vistazo a nuestro apartado de escritura.
 En los albores del siglo XX, el neurólogo austriaco Sigmund Freud empezó a sentar

las bases del psicoanálisis, un novedoso enfoque sobre la psique humana que es tanto una

teoría de la personalidad como un método de tratamiento para pacientes con trastornos. La

principal contribución de Freud a la psicología sería su concepto de inconsciente. Freud

sostenía que el comportamiento de una persona está profundamente determinado por

pensamientos, deseos y recuerdos reprimidos; según su teoría, las experiencias dolorosas de

la infancia son desalojadas de la conciencia y pasan a formar parte del inconsciente, desde

donde pueden influir poderosamente en la conducta. Como método de tratamiento, el

psicoanálisis procura llevar estos recuerdos a la conciencia para así liberar al sujeto de su

influencia negativa.
Qué es el psicoanálisis?
El psicoanálisis es una teoría que investiga y ayuda a la comprensión del funcionamiento
mental normal y patológico. Asimismo, es un método terapéutico que trata los conflictos y
dificultades del psiquismo humano.

Fue creado por Sigmund Freud y ha ido evolucionando gracias a las aportaciones de
diversos autores a lo largo de más de un siglo, permitiendo así ampliar la aplicación del
método al tratamiento de niños, adolescentes, grupos y familias.

Un aspecto esencial del psicoanálisis es el reconocimiento de que nuestra vida emocional es

compleja y que tiene una dimensión inconsciente.

A veces no entendemos las ideas y temores que dan forma a nuestro modo de ver y de vivir
en el mundo, ya que han arraigado profundamente y parecen funcionar automáticamente.
Podemos encontrarnos repitiendo conductas perjudiciales, sentirnos atrapados en relaciones
insatisfactorias y que nos hacen sufrir o estancados en nuestro desarrollo emocional,
creativo o profesional.

El tratamiento psicoanalítico se basa en encuentros regulares con el analista, en los cuales, a

través del diálogo, se logra una mejor comprensión de uno mismo, se facilita la resolución
de los conflictos, se disminuye el sufrimiento psicológico y mejora la calidad de vida.

La teoría de la relatividad de Einstein

explicada en cuatro simples pasos
El físico utilizó su imaginación en lugar de las
matemáticas para elaborar su mítica ecuación, que
ahora ha vuelto a pasar con éxito una serie de
pruebas muy precisas.
POR MITCH WALDROP
Retrato de Albert Einstein en su casa de Princeton (Estados Unidos) en 1951.

FOTOGRAFÍA DE ERNST HAAS, HULTON ARCHIVE/GETTY

IMAGES

Este artículo se publicó por primera vez el 16 de junio de 2017 y ha sido ampliado
y actualizado el 7 de febrero de 2023.

La teoría de la relatividad de Albert Einstein es famosa por su predicción de

fenómenos bastante extraños pero reales, como el envejecimiento más lento de los
astronautas respecto a las personas que vivimos en la Tierra y el cambio en la
forma de los objetos a altas velocidades.
La verdad es que si tienes una copia del artículo original de Einstein de 1905 sobre
la relatividad, es de lectura fácil. El texto es sencillo y claro y sus ecuaciones son, en
su mayoría, álgebra: nada que presente un problema para un estudiante de
instituto. 
Eso se debe a que el objetivo de Einstein nunca fue elaborar una estrafalaria teoría
matemática. Le gustaba pensar de forma visual, creando experimentos en su mente
e intentando solucionarlos en su cabeza hasta poder ver las ideas y los principios
físicos con una claridad cristalina. Sus archivos llevaron incluso al FBI a investigar
sus documentos. 
Ahora, más de 100 años después de que el genio presentara su ecuación sobre la
gravedad, el equipo de investigación del Instituto Max Planck de Radioastronomía
(MPIfR), en Alemania, ha probado nuevamente y de manera precisa que Einstein
tenía razón.

“Estudiamos un sistema de estrellas compactas, un laboratorio inigualable para

probar las teorías de la gravedad en presencia de campos gravitacionales muy
fuertes . Para nuestro deleite, pudimos probar una piedra angular de la teoría de
Einstein, la energía transportada por ondas gravitacionales", afirma el autor del
estudio Michael Kramer. 
Los investigadores explican que las observaciones no solo están de acuerdo con la
teoría, también demostraron efectos que antes no se podían estudiar, como la
llamada danza de los púlsares.  “Seguimos la propagación de fotones de radio
emitidos por un faro cósmico, un púlsar, y rastreamos su movimiento en el fuerte
campo gravitacional de un púlsar", explica Ingrid Stairs de la Universidad de
British Columbia, en Vancouver (Canadá). 

Con velocidades de aproximadamente un millón de kilómetros por hora, es su

movimiento rotando entre sí lo que puede usarse "como un laboratorio de gravedad
casi perfecto"

Agamenón
Ir a la navegación Ir a la búsqueda
Para otros usos de este término, véase Agamenón (desambiguación).

La llamada «Máscara de Agamenón». Descubierta por Heinrich Schliemann en 1876 en

Micenas. Se desconoce a quién representa.

Agamenón (en griego antiguo, Ἀγαμέμνων Agamémnôn) es uno de los más distinguidos
héroes de la mitología griega cuyas aventuras se narran en la Ilíada de Homero. Hijo del
rey Atreo de Micenas y de la reina Aérope, fue hermano de Menelao

ndice

 Dramaturgos famosos clásicos

o Aristófanes
o Esquilo
o Eurípides
o Sófocles
o William Shakespeare
o Pierre Corneille
o Molière
o Jean Racine
 Dramaturgos famosos contemporáneos
o Antón Chéjov
o Henrik Ibsen
o Tennessee Williams
o Arthur Miller
o Henry James
o Eugene O’Neil
 o George Bernard Shaw
o Samuel Beckett
o Oscar Wilde
o Harold Pinter
o Bertolt Brecht
o George Bernard Shaw
o David Mamet

Dramaturgos famosos clásicos

Empezamos nuestro viaje acudiendo a la Antigüedad para rescatar a los escritores clásicos
que dejaron huella en la historia de la literatura y del teatro en particular. ¡Aquí los tienes!

Aristófanes

Aristófanes es posiblemente uno de los más grandes dramaturgos clásicos griegos, ya que
es conocido por su trabajo cómico que representa la Vieja Comedia. Se dice que ha escrito
varias docenas de obras, aunque algunas han desaparecido. Los pájaros (414 a.C.) (que la
cía. La Calórica ha adaptado como «Els ocells«) o Lysistrata (411 BC) son dos de sus obras
más destacadas.

Se le considera el padre de la comedia y fue un contrapeso a las obras clásicas de tragedia

presentadas por otros dramaturgos como Eurípides, Esquilo y Sófocles. Se especializó en
presentar a atenienses reales con historias sobre temas locales actuales. A menudo
ridiculizaba y parodiaba a famosos filósofos y dramaturgos de la época, incluyendo a
Eurípides y Sócrates.

Esquilo

Segumos conociendo a los dramaturgos clásicos más famosos para hablar de Esquilo quién,
tal vez, es menos conocido por el público que otros autores como Aristófanes. Esquilo es,
sin embargo, una inmensa figura en la literatura teatral. De hecho, es el autor de la la
primera de las grandes tragedias griegas y, sobre todo, está considerado como el inventor
de la tragedia.

A Esquilo se le atribuye el haber sido pionero en la tendencia de usar múltiples

personajes en el teatro, permitiéndoles interactuar entre ellos, en lugar del coro. Es
recordado por sus tragedias como: Los persas, la trilogía La Oresteia, y Prometeo Atado.

Eurípides

Otro de los grandes poetas griegos, Eurípides, es conocido por su inmenso trabajo en el
género dramático. Es el autor de casi un centenar de tragedias.

Sófocles
Sófocles es otro del os dramaturgos famosos que debes conocer. Este gran dramaturgo
griego es conocido como otro de los grandes trágicos clásicos. Aunque Sófocles es el autor
de más de cien obras de teatro, solo ocho han sobrevivido a través de los milenios.
Algunas de las obras más conocidas de Sófocles son Edipo Rey (429 a.C.), Antigone (441
a.C.) o Electra (siglo V a.C.).

Su obra maestra de Edipo Rey gira en torno a un mitológico rey griego de Tebas, que se
vuelve loco cuando descubre que ha matado a su padre y se ha casado con su madre. Esta
famosa obra demuestra la magistral dramatización de Sófocles de los cuentos mitológicos.
Se le atribuye la expansión del diálogo de los actores en el escenario.

William Shakespeare

Viajamos ahora hacia adelante en el tiempo para encontrarnos a otro de los dramaturgos
clásicos más conocidos, pero que no pertenece a la Antigüedad. Sí: hablamos del gran,
enorme, William Shakespeare. Fue autor de obras trágicas y cómicas, lo que lo distingue
de la mayoría de sus colegas. Sus obras más conocidas son, sin duda, Romeo y Julieta o
Hamlet.

Pierre Corneille

Habiendo vivido durante la edad de oro del teatro francés, a mediados del siglo XVII,
Pierre Corneille es considerado uno de los más grandes escritores de tragedias de su
tiempo, siendo el dramaturgo detrás de Le Cid. Cuidado, no debe ser confundido con su
hermano menor Thomas Corneille.

Molière

Para muchos, es el mayor dramaturgo francés de todos los tiempos. En efecto, casi todo
el mundo conoce a Molière, cuyo verdadero nombre es Jean-Baptiste Poquelin, y sus
numerosas obras de teatro como Le Médecin Malgré Lui, Les Femmes Savantes y L’Avare.

Jean Racine

Sin duda uno de los más grandes dramaturgos de la tragedia francesa, Jean Racine vivió al
mismo tiempo que Molière, con quien competía a menudo. Su obra teatral más conocida es
Phèdre, y también es autor de varios ensayos.

Dramaturgos famosos contemporáneos

Nos trasladamos, ahora, hasta la época contemporánea, es decir, afinales del XIX y
principios del XX, para conocer a los dramaturgos famosos y sus obras más destacadas.
Aquí tienes una lista de los escritores imprescindibles durante nuestra era.

Antón Chéjov
Un autor ruso muy destacado y conocido en todo el mundo. En la década de 1880 había
empezado a publicar historias cortas para varios periódicos que empezaron a atraer su
atención. En 1887 se le encargó la dirección de su primera obra, Ivanov, que fue elogiada
en Moscú. Siguió con otras obras exitosas obras como La Gaviota, El Tío Vania, Las Tres
Hermanas y El Huerto de los Cerezos.

No se tomó muy bien las críticas, pero las obras de Chéjov demostraron el primer formato
moderno de diálogo realista entre los actores. En la década de 1890 se convirtió en un
célebre dramaturgo ruso y mantuvo estrechos lazos con otros escritores famosos como
León Tolstoi y Maxim Gorky. Chéjov murió a la temprana edad de 44 años debido a la
tuberculosis, sin embargo sus obras de teatro y sus cuentos cortos están considerados entre
los mejores ejemplos de la literatura modernista.

Henrik Ibsen

Otro de los dramaturgos más importantes contemporáneos. A menudo, se le considera el

mayor dramaturgo de la era moderna y el padre del realismo. Sus obras son las más
frecuentemente representadas sólo después de la de William Shakespeare.

Muchas de sus obras tratan de las luchas financieras y representan las condiciones sociales
que él relaciona con su tierra natal de Skien, Noruega. En su obra posterior mostró obras
más escandalosas y complejas como La casa de muñecas y El pato salvaje, que fueron
algunas de las primeras comedias trágicas de éxito. Sus obras de teatro y su poesía
inspiraron a muchos dramaturgos como George Bernard Shaw, Arthur Miller, Oscar Wilde,
James Joyce y Eugene O’Neil.

Tennessee Williams

El ganador del Premio Pulitzer, Tennessee Williams es considerado como uno de los más
importantes dramaturgos del siglo XX, y también ha escrito historias cortas, ensayos y
poesía. Se le recuerda más por sus obras Un tranvía llamado deseo, La colección de cristal
y Gato en el tejado.

Arthur Miller

Arthur Miller era un ensayista y dramaturgo estadounidense. A Miller se le atribuye la

creación de obras de teatro populares, como La muerte de un vendedor, que es ampliamente
considerada como una de las mejores obras americanas del siglo XX. Gracias a su ilustre
carrera, que abarcó más de 70 años, Arthur Miller es considerado uno de los más grandes
dramaturgos del siglo XX.

Henry James

Henry James fue otro de los escritores americanos del XX que ha sido considerado como
uno de los más grandes novelistas de la historia de la literatura inglesa. Una de sus novelas
titulada The Turn of the Screw ha sido la historia de fantasmas más analizada en la historia
de la literatura en inglés. Mientras que sus obras han sido adaptadas al cine, él ha sido el
tema de varias otras historias.

Eugene O’Neil

Está considerado entre 3 de los más grandes dramaturgos americanos modernos junto
con Tennessee Williams y Arthur Miller. Su obra maestra Viaje del Largo Día a la Noche
es considerada una de las mejores obras de la historia del teatro americano. Fue
influenciado por las obras de realismo de Anton Chekov, Henrik Ibsen y August
Strindberg.

A principios de 1910 pasó tiempo con un notable grupo de librepensadores en Greenwich

Village, entre los que destaca el fundador del Partido Comunista Americano, John Jack
Reed. O’Neil era más conocido por sus obras de tragedia que representaban personajes
que caían en la desesperanza, sin embargo también produjo varias obras de comedia.

George Bernard Shaw

Es uno de varios grandes autores y dramaturgos irlandeses también conocidos por su

activismo político. Demostró sus conocimientos religiosos y políticos a través de una serie
de obras de éxito a principios de 1900. Sin embargo, a menudo fue muy controvertido por
sus opiniones sobre la participación británica en la Primera y Segunda Guerra Mundial y se
cree que apoyó regímenes dictatoriales como el de Mussolini y Stalin.

Demostró una mezcla única de sátira y alegoría histórica en sus obras que finalmente le
valieron un Premio Noble de Literatura en 1925 y un Premio de la Academia en 1938.

Samuel Beckett

Un novelista y dramaturgo irlandés muy respetado, Samuel Beckett es considerado a

menudo el fundador de la ficción absurda. Se especializó en tragicomedias que
presentaban comedia oscura y varios temas de existencialismo.

En la universidad demostró gran interés en la literatura y conoció al recientemente famoso

autor irlandés, James Joyce. Durante los años 30 empezó a publicar sus obras de poesía y
cuentos cortos mientras viajaba por Europa. Se unió a la Resistencia Francesa durante la
Segunda Guerra Mundial y después empezó a producir muchas de sus famosas obras de
teatro en París. Becket ganó un Premio Noble en 1969 y su trabajo es celebrado por
expandir la tradición realista a una materia más abstracta…

Oscar Wilde

Es considerado uno de los más grandes dramaturgos irlandeses de todos los tiempos y
también fue un autor muy reconocido, por su magistral novela de El retrato de Dorian
Gray. Oscar Wilde nació en una familia de ricos intelectuales en Dublín y pudo sobresalir
en sus estudios de literatura y filosofía.

El primer gran reclamo de Wilde a la fama llegó con el lanzamiento de su novela The
Picture of Dorian Gray, que demostró su estilo de vida filosófico y hedonista. En la década
de 1890 comenzó a prosperar como dramaturgo produciendo una serie de exitosas tragedias
y comedias, como su más famosa obra La importancia de ser Ernesto. Sin embargo,
después del éxito de esta obra, comenzó a ser acusado de sus relaciones homosexuales en
una serie de juicios que lo llevaron a ser arrestado por indecencia grave.

Después de dos años de prisión, Wilde se exilió de Gran Bretaña e Irlanda y murió poco
después en Francia debido a la meningitis. A pesar de su corta vida, su obra literaria y sus
obras de teatro se consideran a menudo entre las mejores obras de la literatura.

Harold Pinter

Pinter es otro de los dramaturgos famosos contemporáneos más destacados. Es un

dramaturgo inglés, ganador del Premio Nobel, y escribió la famosa obra Traición en 1978.
Desde entonces, los críticos dramáticos han considerado que es su obra más importante.

Bertolt Brecht

El Círculo de Tiza caucasiano es una asombrosa obra épica de amenaza de este

dramaturgo modernista alemán, Bertolt Brecht. Es el ejemplo perfecto de la obra teatral
épica de Brecht, y la obra en sí es una parábola sobre una simple campesina que rescata a
un bebé y se convierte en una mejor madre que sus ricos padres naturales. Muy
recomendable.

George Bernard Shaw

Arms and the Man es una divertida obra cómica del dramaturgo irlandés George Bernard
Shaw. Fue producida por primera vez en 1894 en el Teatro de la Avenida, y fue uno de los
primeros éxitos comerciales de Shaw. La divertida obra muestra la inutilidad de la guerra
y trata de la hipocresía de la naturaleza humana de forma cómica, algo que la mayoría de
los actores disfrutarán inmensamente al representarlo en el escenario.

David Mamet

American Buffalo es una obra de 1975 del conocido dramaturgo estadounidense David
Mamet que se estrenó en una producción de exhibición en el Goodman Theatre de Chicago,
[Link]. Como es propio del estilo de escritura de Mamet, los diálogos de la obra son a
veces concisos y a menudo vulgares, lo que puede da a los actores y actrices la posibilidad
de actuar en el escenario y liberarse de las normas.

#1. Haz una cronología de tu vida

Antes de comenzar a escribir el texto propiamente dicho, realiza un esquema de
toda tu vida y divídela en etapas.

Este ejercicio te permitirá tener una perspectiva global de tu historia, pero también
te servirá para ubicar los hechos significativos en su momento correspondiente de
la línea temporal.

#2. Concéntrate en lo importante

Lógicamente, no puedes contar todos y cada uno de los hechos de tu vida en tu
autobiografía, eso es materialmente imposible.

Quizás tengas muchas ganas de contar toda tu vida, de hablar de tus padres, de
tu infancia, tu paso por la escuela…

Eso está muy bien para una autobiografía canónica, es decir, que siga el modelo
clásico del relato.

Pero lo mejor es elegir un período de tu vida que consideres más importante

que los otros, una época en la cual hayas protagonizado los hechos más
interesantes, sobre todo para los lectores que no te conocen personalmente.

Elige situaciones, personas y logros que consideres relevantes e intenta conseguir

un equilibrio entre las distintas épocas de tu vida, según su interés para el lector.

#3. No te excedas con los detalles

Imagina que conoces a alguien en un bar y comienzan a conversar
animadamente, hasta que esta persona decide contarte anécdotas de su vida con
lujo de detalles. Entonces te cuenta cómo conoció a su pareja, pero insiste en
circunstancias irrelevantes como el color de la corbata que llevaba puesta, la
esquina exacta donde se encontraron, la hora, lo que cenaron esa noche…

Quizás alguno de estos detalles puede ser significativo para la historia, pero todos
los demás no. Entonces, si eres una persona educada, te quedarás a escuchar a
tu interlocutor por compromiso, aunque sea un rato.

Pero si cuentas nimiedades así nada más empezar tu autobiografía, el lector no

será tan tolerante y lo más probable es que abandone la lectura de tu libro en los
primeros párrafos.

#4. Narra lo positivo, pero también lo negativo

Evita ser muy condescendiente contigo mismo o con tu historia personal. Es obvio
que, si vas a escribir tu autobiografía, quieres compartir lo mejor de tu experiencia
de vida.

Pero, si en tu historia todo es positivo, eso quiere decir que no hay conflicto
alguno, y un libro sin tensiones no es interesante para la mayoría de los
lectores.

Con esto no queremos decirte que cuentes hechos vergonzosos o que te dejen
mal parado. Evita caer en los extremos del héroe y el villano. Esto no es fácil de
conseguir.

Un informe de lectura profesional puede ayudarte a resolver este importante

aspecto de tu autobiografía.

#5. Cuida las referencias a terceras personas

En una novela, todos los hechos que se narran son ficticios, es la consigna del
género. Pero en una autobiografía, necesariamente debes mencionar a personas
reales que han participado en los hechos de tu vida. Y, si a una persona no le
gusta lo que dices de ella en tu autobiografía, podrías tener problemas legales.

Una estrategia para minimizar este riesgo es ocultar la verdadera identidad

del personaje tras un nombre falso o tras sus iniciales. Pero esto no es
garantía de que evitarás problemas, un juez podría sentenciar que estás hablando
mal de alguien en particular y exigirte un resarcimiento.

La mejor forma de evitar estos problemas es pensar una y mil veces si realmente
es necesario incluir al personaje en cuestión en el relato.

También es recomendable hacer leer toda la obra por un abogado, quien sabrá
mejor que nadie si hay partes del libro que podrían traerte problemas.

#6. No temas ser subjetivo

Recuerda que una autobiografía no es un paper científico ni una investigación
periodística, donde el lector espera cierta «objetividad», sustentada con pruebas
empíricas.

En una autobiografía, lo lógico es encontrar el punto de vista particular del

autor sobre su propia historia. Esto podría ocasionar conflictos, sobre todo
cuando narras la participación de otras personas, que podrían considerar tu
historia como una tergiversación deliberada de «la verdad».
Por eso es recomendable mostrarle el texto a un abogado antes de
publicarlo.

#7. Narra hechos de interés

Tu autobiografía puede trascender el círculo de tus amigos y familiares. ¿Tuviste
oportunidad de relacionarte con personas famosas por tu trabajo? Esas son
historias excelentes para enganchar a los lectores que no te conocen, porque les
puedes mostrar un perfil desconocido de esa persona famosa.

También puedes escribir tu historia de una manera que refleje el espíritu de

tu época y emocione al lector. Por ejemplo, si la caída del Muro de Berlín influyó
directamente en tu vida familiar, ahí tienes un tema para contar que interesará a
muchas personas.

También puedes hablar de cómo sobrellevaste una crisis económica de tu país, de

tu trabajo en una empresa importante para muchísimas personas o simplemente
de cómo ves el mundo que te tocó vivir.

Si escribes de manera original y emotiva, tu autobiografía tendrá un gran potencial

para ser leída en muchos países.

#8. Deja el final abierto

Por lógica, una autobiografía no puede abarcar toda la vida del autor, porque
nadie podría describir hasta el mismísimo fin de su propia vida (salvo en casos
excepcionales, claro).

Esto no quiere decir que debas interrumpir tu relato en el tiempo presente, así sin
más. Cuando hayas terminado de contar todos los hechos que consideres
importantes, tómate un capítulo para ponerlos en perspectiva y cuenta cómo
te ves en el futuro, cuáles son tus proyectos y tus deseos para los próximos años
de tu vida.

#9. Busca lectores beta

Si terminaste de escribir tu autobiografía, lo ideal es que otras personas te den su
opinión antes de publicarla. Un amigo o un familiar cercano son tus primeras
opciones, pero considera también la opinión de personas que no te conocen tanto.

Y no olvides acudir a un abogado. El abogado puede ser un lector beta

ideal porque, además de señalarte posibles problemas legales de tu libro, también
puede darte su opinión como un lector más, si el libro le gustó o no, si le parece
que tiene gancho o hay partes aburridas, etc.
#10. ¡Publica tu autobiografía!
Terminaste de escribir tu autobiografía. Luego de años y años, pusiste «FIN» en
ese documento, lo guardaste en el ordenador y lo olvidaste para siempre.

¿Por qué? Anímate a publicar, anímate a compartir tu experiencia con el mundo.

Cada persona es única y, si sigues nuestros consejos, podrás publicar una
autobiografía que enamore a tus lectores.

1- Concepto de belleza
 La Estética es una parte de la filosofía, que tiene por objeto el estudio de la esencia y la
percepción de la belleza. Consiste en la reflexión filosófica sobre el arte, analizando los
valores que están contenidos en la obra de arte.

Baumgarten definió en 1750

la estética como la ciencia de lo bello, a la que se agrega un estudio de la esencia del arte,
de las relaciones de éste con la belleza y los demás valores. La belleza es la consonancia en
contraposición a la fealdad o disonancia.

Como se puede comprender fácilmente, la noción de belleza es un concepto filosófico, pero

para un científico debería ser una propiedad mesurable de la materia. El espíritu científico
lo quiere cuantificar todo, buscando una lógica matemática que nos defina lo que es bello y
lo que no lo es. Buscamos la belleza absoluta como si fuera el cero absoluto de la materia y
pudiéramos cuantificar la separación de esta propiedad, aumentando progresivamente los
grados de fealdad de lo que conocemos como antiestético.

La antiestética es el rechazo de la estética establecida, con lo cual introducimos el concepto

de moda, que puede ser definido como el concepto democrático de belleza en un momento
histórico determinado. Con ello deducimos que el concepto de belleza es una propiedad
variable, lo cual es contrario a su cuantificación de modo absoluto.
Como el concepto de belleza cambia a través del tiempo, analizaremos esta propiedad a lo
largo de la historia, antes de llegar a unas conclusiones que siempre serán subjetivas, dada
la idiosincrasia del ser humano. Intentaremos seguir este viaje a través del tiempo usando
un lenguaje sencillo y lo más natural posible para facilitar su comprensión.

Según Tomás de Aquino lo bello es, quae visa placet, aquello que agrada a la vista, una
teoría que seguía las ideas de los griegos clásicos. Esto se puede extrapolar al resto de
sentidos. En el caso del oído, la belleza de la música es lo que agrada al sentido auditivo.
Con ello nos damos cuenta que la belleza no es una cualidad física, sino que es una
cualidad subjetiva, apreciada por el sujeto a quién se le transmite a través de sus sentidos.

Si nos remontamos a la escuela Pitagórica de la Grecia clásica, encontramos una relación

entre las matemáticas y la belleza. En esta primera parte del ensayo nos referiremos casi
siempre a la belleza natural o física. Esto significa que no analizaremos las cualidades
humanísticas, como pueden ser la expresividad o la belleza inmaterial, a pesar de que en el
análisis histórico no podamos evitarlo.