• ¿Cómo se desarrolló la técnica o tecnología?
Una de las aportaciones de Leonardo a la óptica fisiológica fue la observación y estudio de la
miosis pupilar. Esto es, la capacidad de la pupila de cambiar su tamaño. Conviene matizar que la
palabra pupila (popilla) es para Leonardo polisémica (Heitz, 2009), en ciertas ocasiones denota
la córnea, en otras la cámara anterior del ojo, aunque las más de las veces tiene el mismo
significado que en la actualidad: la apertura que fija la cantidad de luz que entra en el ojo.
Leonardo dedujo que el tamaño de la pupila cambiaba esencialmente debido a la mayor o menor
luminosidad del objeto por tanto con la finalidad de capturar más o menos luz.
Lo relevante, para este estudio, de este descubrimiento es que –como el propio Leonardo
confiesa– la inspiración le vino durante su práctica artística; tras una falsa apariencia sensorial
(ingannò) cuando intentaba pintar un ojo en torno a 1490. Varios autores consideran que la
miosis pupilar fue el descubrimiento más original de Leonardo en óptica fisiológica; por lo que
el hecho que éste surgiese mientras pintaba un cuadro pone de relieve como la sensibilidad
artística alimentaba el genio creativo científico de Leonardo.
La característica no puntual de la virtù visiva (la capacidad de producir sensación visual)
conlleva algunas implicaciones especialmente relevantes para entender ciertas experiencias
visuales. Una de ellas es la percepción visual de contornos o bordes. Leonardo afirma
taxativamente: “L’occhio non sarà mai capace del vero termine che han le figure di qualunche
corpo campeggianti in loco remoto” (Ms. D folio 10v, Biblioteca Leonardiana, 2016) La
presencia de un fondo impide ver con claridad el contorno de cualquier cuerpo (termine che han
le figure).
Ahora bien, ¿fue este razonamiento deductivo el seguido por Leonardo para descubrir la visión
borrosa de contornos?, no podemos saberlo, sin embargo, es posible deducir que Leonardo siguió
el camino inverso a la deducción: la inducción.
La observación de que los bordes aparecen emborronados en la presencia de un fondo es una
experiencia que no pudo pasar desapercibida a un observador tan sagaz como Leonardo. Esta
observación, en conjunción con la prospettiva spedizione, justifican la funcionalidad figurativa
del sfumato; técnica pictórica profusamente usada por Leonardo, con quien alcanzó sus máximas
cotas artísticas.
El sfumato, como técnica pictórica de la pintura al óleo, fue inventado por los primitivos
flamencos. Consiste en la aplicación sucesiva de veladuras (finas capas de pintura con cierto
grado de traslucidez) sobre el lienzo con una primera base más o menos oscura. Las veladuras
crean, por reflexión difusa en las distintas capas una superposición de delicadas interferencias
luminosas que crean una sensación de apariencia difuminada, la cual se manifiesta
principalmente en los contornos. El logro visual, entre otros, es proporcionar corporeidad,
plasticidad a las figuras del cuadro. Así, como acertadamente afirma Janis Bell (Bell, 2008), el
sfumato es tanto técnica como percepción.
¿A qué problema daba respuesta?
El realismo es un estilo estético que, se podría decir, pregona una idea de imagen que aspira a no
ser solo una imagen. La imagen realista encierra una paradoja ya que se sostiene sobre la
pretensión de la creación de una imagen tridimensional, lo cual es propiamente imposible ya que
ninguna imagen es propiamente tridimensional, ni nada de lo tridimensional puede reducirse a
ser una imagen. Sin embargo, lo interesante de resaltar es que es la técnica del esfumado la que
hace posible plasmar esta idea en la pintura realista y es esta técnica la que está en las bases de la
construcción de imágenes en diversos estilos pictóricos, pues ella se halla en el principio de la
distinción entre la luz y la sombra. Ya se trate de las figuras del renacimiento, cuya auto
iluminación pareciera no distinguir entre luz propia y ajena o de las figuras barrocas donde la luz
y la sombra son siempre en claroscuro, es decir, en la continuidad a lo largo de la imagen de un
haz de luz y de un cono de sombras, el esfumado se ha encontrado siempre en los fundamentos
mismos de la diferenciación entre luz y sombra en la pintura, por lo menos en el arte europeo
moderno y medieval.
Pero, ¿qué supone el esfumado en la pintura? En principio, los estilos estéticos que han tenido en
su centro al esfumado han vinculado su uso a una forma de concebir la pintura en la cual los
elementos que componen el ambiente de la obra se hallan vinculados por la concepción conjunta
que implica la obra de arte. En ella cada figura ocupa un lugar el cual se halla definido por su
vínculo con las demás tanto como por la concepción desde donde se la aprecia. Y esta
apreciación conjunta que impregna un estilo a la pintura se halla presente en el uso práctico en el
que se trabaja a la obra, en la hechura de las formas durante su elaboración. Y es en esta
elaboración donde las distintas formas de concebir al esfumado se vinculan a distintas maneras
de concebir y construir la realidad en la pintura
• ¿Existieron ejercicios o experimentos realizados por artistas del Renacimiento para llegar
a tal invento?
El sfumato está presente en las primeras obras de Leonardo, aunque no consigue un dominio
claro de la técnica hasta La virgen de las rocas (1483- 1485). Leonardo lo utilizaba
esencialmente para imitar lo percibido por la visión creando sensación de relieve y poder
representar los bellos atributos de la naturaleza: grazia y dolcezza (Bell, 2008). Aunque tampoco
se debe ignorar una funcionalidad simbólica: los contornos difuminados de la virgen del
susodicho cuadro le sirvieron para simbolizar la inmaculada concepción como emergiendo de las
sombras del pecado (Olszewski, 2011).
El potencial de la técnica del esfumado aparece en el último gran cuadro de Leonardo: San Juan
Bautista, elaborado entre 1513 y 1516. Scientia y ars se retroalimentan, el conocimiento del
efecto de emborronamiento de bordes seguramente espoleó el espíritu creativo de Leonardo en
este último cuadro. El San Juan Bautista aúna de manera prodigiosa las técnicas de sfumato y
chiaroscuro para recrear percepción de volumen; en efecto, el semblante del santo, sobre un
fondo completamente oscuro y con unos contornos difuminados, parece, para quien lo contemple
de frente, emerger del lienzo.
¿Cuáles fueron? Explicar detalladamente con imágenes de ejemplo.
El primer trabajo de Da Vinci que incorpora sfumato es conocido como la Madonna de las
Rocas, un tríptico diseñado para la capilla en San Francesco Grande, pintado entre 1483 y 1485.
La pintura contratada necesitaba mostrar a María como "coronada en la luz viva" y "libre de
sombras", reflejando la plenitud de la gracia mientras la humanidad funcionaba "en la órbita de
la sombra".
En la presente obra podemos ver 4 figuras relacionadas en triangular composición (característica
que podíamos ya ver en la corriente más experimental del Quattrocento). El tema de la misma
obra es religioso, mostrándonos a la Virgen, a Cristo niño, a San Juan y un ángel con estos.
Las miradas de los personajes están relacionadas y nos guía suavemente por la obra. Al autor le
gustaba ir a tabernas y dibujar la expresión de las personas, cosa que vemos reflejada tanto en
esta obra como en la Última Cena. Se nos presenta una perspectiva lineal que lleva a un punto de
fuga en cuyo fondo veremos el sfumato (técnica que desarrolla Leonardo investigando la
percepción humana, en donde los contornos se vuelven azules y borrosos a la lejanía), toda la
escena está llena de misterio logrado por la técnica. Con ello los perfiles se desdibujan, se funden
las figuras con el paisaje y los rostros parecen llenos de misterio como en Uriel. Los gestos que
nos encontramos son relajados, apaciguados, con plena armonía, así como belleza idealizada.
Hay un predominio de la línea sobre el color (aunque el autor quería romper este predominio
mediante la pincelada múltiple más será la escuela veneciana quien consiga un predominio del
color sobre la línea gracias a su pincelada suelta).
• ¿Qué repercusiones tuvieron tales aportes en el desarrollo del arte occidental?
• ¿Aún hoy en día se aplican esos aportes para el campo del arte? Si la respuesta es afirmativa se
deben presentar ejemplos claros del uso de esas técnicas en la actualidad.
Natalie Richy.
Natalie Richy es una artista plástica figurativa profesional letón-británica con sede en Londres,
Reino Unido. Su educación artística de ella abarca muchos años e incluye obtener una Maestría
en Bellas Artes en la Academia de Artes de Letonia, así como una extensa investigación
autodidacta y práctica de los métodos de pintura de los Viejos Maestros.
Natalie tiene una profunda pasión por el arte europeo tradicional de los siglos XVI y XVII y
dedica su tiempo y esfuerzo a redescubrir los "secretos" de las técnicas de pintura al óleo de los
Viejos Maestros.
