3.

El arte romano: características generales y

funcionalidad. Coleccionismo y patronazgo. Los
talleres y las copias
 El Arte Romano se inicia en íntima conexión con el Arte Etrusco y con el
de las colonias griegas de la Magna Grecia, de cuya cultura es directo
heredero, incorporando, además, múltiples elementos de las más diversas
culturas mediterráneas bajo dominio romano, con un sincretismo
sumamente característico
El arte romano tuvo por lo tanto en sus comienzos un carácter ecléctico.
Artistas griegos inmigraron a Italia, y la actividad de los copistas que para
satisfacer una demanda inagotable se llego a organizar un plan industrial.
La producción estuvo impulsada no por sus valores plásticos sino por un
interés decorativo subordinado a una estructura arquitectónica (adorno la
casa, de la villa, del jardín). Fueron estas exigencias la que alimentaron el
trabajo de los copistas, a los que hoy se debe el conocimiento de gran parte
de las obras maestras griegas.
La última parte del siglo II y el siglo I a.C. presenciaron una fusión de las
tradiciones artísticas griegas con el gusto y el patronazgo romanos –
principalmente en los retratos escultóricos, relieves decorativos, pintura y
mosaicos- de la que surgió un arte que sería más exacto llamar
“grecorromano”.
El progreso de la actitud filohelénica en Roma fue sin duda facilitado por
el patrocinio de un grupo de nobles romanos a los que los historiadores
modernos se refieren en general como el “circulo de Escipión”. Este círculo
no tenía una organización formal, como un partido político, sino que era
más bien una asociación espontánea de romanos de parecida mentalidad,
educados y cosmopolitas. Su figura dominante era Escipión Emiliano,
segundo hijo de Emilio Paulo y la personalidad más influyente en la
política interior y exterior de Roma 150 y 130 a.C.
El pillaje desenfrenado de principio del siglo II a.C. parecía ahora una
brutalidad, y en el siglo I cedió el paso a aun mundo más refinado de
coleccionismo y de conocimiento artístico. A raíz de este cambio surgió lo
que hoy llamaríamos un "mercado artístico” el primero que apareció en la
historia de Occidente y seguramente del mundo. Todos los elementos que
hoy consideramos característico de un mercado artístico se dieron
entonces: coleccionistas apasionados, marchantes (tanto honrados como
desaprensivos), falsificadores, restauradores, tasadores, cambios continuos
de moda y continua subida de precios. No hay otro aspecto de los últimos
tiempos de la república romana que parezca más moderno.
 En la segunda mitad del siglo II a.C. tenemos la prueba de la existencia de
talleres en Atenas y luego en Roma, que dedicaban su trabajo
principalmente a producir copias de obras maestras de la escultura anterior,
más que creaciones libres en estilo neoclásico, para los ansiosos
coleccionistas romanos. Esos talleres se convirtieron al parecer en una
especie de negocios familiares, y algunos de ellos duraron varias
generaciones. Uno de estos negocios fue de la estirpe de escultores
llamados Apolonio y Arquias
Incluso fue creada la escuela neoatica para proporcionar a los romanos
ricos, esculturas griegas que adornaran casas y jardines. A esta escuela
pertenece el escultor Pasisteles, que parece haber trabajo en Nápoles
Roma, se había convertido en un verdadero museo de escultura griega
clásica. Para finales del período helenístico, los edificios públicos y
santuarios de Roma contenían esculturas de los artistas mas importantes
de Grecia pertenecientes al siglo V y IV a.C.
Influencias griegas y etruscas:

 El arte romano estaba influído por el arte helenístico, que ya era bastante
realista, pero se enriqueció además con la aportación artística de los
etruscos.
Entre las costumbres etruscas estaba la de realizar máscaras de sus
antepasados (imago maiorum), que tenían un gran parecido fisionómico
con su fisonomía real, siendo perfectamente reconocibles. Estas máscaras
desfilaban en los entierros demostrando así públicamente la vinculación
entre los miembros de la familia y la estirpe de la misma. Estas máscaras
fúnebres sentaron las bases del retrato romano, un género que alcanzó gran
popularidad, y que fue uno de los más practicados en Roma
Posteriormente, los retratos realistas fueron usadas para ensalzar a los
emperadores, tribunos y patricios influyentes, siendo usadas como un
elemento de prestigio y poder. En todo caso era muy importante que los
personajes fuesen reconocidos en sus imágenes y para ello, debían imitar
fielmente sus rasgos, incluso aquellos modelados por el paso del tiempo.
La idealización del héroe griego fue sustituida por el realismo del retrato y
el relieve mitológico es casi desechado para sustituirlo por temas de
personajes identificables.
Desde el siglo II a de C. los pliegues, las actitudes o la disposición
escénicas se asemejan a Grecia, pero el rostro es netamente latino.
Vaciado de yeso sacado
de una máscara funeraria
(Museo del Louvre)
 La práctica de la mascarilla determina un influjo del muerto sobre la
escultura; por ello el retrato presenta las características del rigor mortis: el
rostro consumido y acabado del difunto, las facciones enjutas y chupadas,
los pómulos salientes, la nariz afilada y la piel rugosa.El retrato romano
percibe siempre lo propio y personal en un instante de la vida y capta el
rostro humano en sus peculiaridades personales ( arrugas, verrugas,
pliegues, patas de gallo, algunas deformaciones, etc)
Por ello la cara, prioritariamente, el retrato reproduce la cara, y con ella es
suficiente, llegando a descartar el resto del cuerpo, porque el rostro y sus
rasgos engloban en sí mismos todo el temperamento, por lo que el cuerpo
entero es un aparte secundaria, escasamente expresiva , y por tanto, poco
válida e innecesaria

En los primeros tiempos en Roma la ley "ius imaginum" solo permitía retratos
a los patricios que habían ejercido cargos públicos, el retrato era un
elemento de distinción, casta, político frente a la plebe. Las imágenes
solían colocarse en el atrio de la casa en un lugar preferente.
Máscara de terracota. S. III a. C.
 Vaciado de yeso sacado de una máscara funeraria (Museo del
Louvre)

Cuando muere un personaje ilustre, durante la celebración de las exequias, es

llevado con gran pompa al foro, junto a los que se llaman los "rostra" donde casi
siempre se coloca de pie y bien visible, raramente acostado.
Mientras el pueblo rodea al ataúd, el hijo del difunto, si tiene un hijo
primogénito, y si está presente -o en su defecto alguno de su familia- sube a la
tribuna y conmemora las virtudes del difunto... todos se conmueven de forma que
esta pérdida no se limita sólo a los que están de luto, sino que se extiende a todo
el pueblo.
Después de la laudatio funebris, el muerto es amortajado con los ritos fúnebres,
y su imagen encerrada en un relicario de madera, es llevada al lugar más
honorable de la casa.
Esta imagen es una máscara de cera, que representa con notoria fidelidad la
fisonomía y el color del difunto. Cuando se celebran los sacrificios públicos se
exponen estas imágenes y se les honra con grandes atenciones; y cuando muere
algún pariente ilustre, se las lleva en procesión a los funerales, por personas que
por su estatura y aspecto exterior son las más parecidas a los originales, quienes
además las aplican a su propio rostro.
Éstas, si el muerto ha sido cónsul o pretor, visten la toga pretexta (es decir,
orlada de púrpura); si ha sido censor, togas de púrpura, y bordados en oro si ha
obtenido el triunfo o ha recibido alguna distinción de este género.
Cuando ha terminado de hablar del muerto, el orador encargado del elogio
fúnebre conmemora los éxitos y las hazañas de sus antepasados, cuyas imágenes
presenta comenzando por el más antiguo ...
(R. BIANCHI, Roma, el fin del Arte antiguo, pág. 75).
El arte en Grecia y Roma: : diferencias y constantes

 Los romanos aplicaron su enorme sentido práctico a la escultura, y no se dedicó a

estudiar la belleza ideal o las proporciones humanas perfectas, solo buscó una
finalidad más aplicable a sus necesidades.
 Los romanos, tomaron los conocimientos de los griegos para hacer representaciones
más reales, individuales una de otra. Cada aspecto del rostro de un joven o anciano
fue resaltado sin pretender rendir halagos. Para esto se prepararon en el estudio de
la anatomía del rostro, con el propósito de perfeccionar este arte. Sin procurar la
belleza contemplativa del arte griego, los romanos se inclinaban más por la acción,
por eso sus esculturas narrativas estaban más dirigidas a mostrar con facilidad las
historias de sus victorias.
 A la influencia griega se le agregan novedades como la utilización de nuevos
materiales, diferentes sistemas constructivos y modificaciones en los órdenes
arquitectónicos y tendencia a lo colosal debido a sus edificaciones de gran
tamaño. Se logra destacar los aspectos prácticos o/y utilitarios de sus obras,
como también su fin decorativo. En técnicas como la escultura se abarca la
perfección y la similitud con la cultura griega, debido al predominio del
realismo y de figuras humanas con carácter narrativo.
 Los escultores romanos buscan la reproducción exacta de una inmediatez
cruda, aceptando los “defectos” de la naturaleza, e investigando las huellas
que la vida imprime en las facciones del modelo, para llegar a una imagen
lo más fiel posible.
La aportación de Grecia no es ajena a otra forma de retrato romano, el
retrato honorífico, surgido del deseo de expresar un público reconocimiento
al mérito
El relieve histórico, es una continuación del relieve helenístico, pero Roma
tendrá un especial interés por el paisaje del que había carecido Grecia.
preocuparon por representar el rostro en busto o cuerpo entero. Mientras
los escultores griegos tienden a fijar tipos abstractos de perfección física o
moral, los retratistas romanos,.
La escultura romana, igual que la griega, posee un carácter antropocéntrico,
aunque a diferencia de la griega, la romana busca plasmar los rasgos físicos
de una persona que en un momento determinado sirvió a Roma. Frente a la
belleza abstracta griega, Roma se centró en el realismo práctico
 ESCULTURA ROMANA

El retrato y el relieve histórico serán la

base de la originalidad escultórica de
Roma.
3.1 La escultura romana. Procesos técnicos: materiales bronce y piedra
(mármol, alabastro)
Los escultores romanos trabajaron principalmente el mármol, muy abundante
en Italia, y el bronce, aunque se puede decir que el escultor romano manejó
toda clase de materiales. En cualquier caso, las esculturas y los relieves solían
recibir tratamientos epidérmicos para proporcionarles textura y color, casi
totalmente perdido en la actualidad.
Tales acabados proporcionaban a las estatuas romanas una apariencia
polícroma que chocaría a nuestra sensibilidad, demasiado acostumbrada a ver
estatuas de mármol limpio o copias en escayola.
3.2 El retrato Tipologías y evolución: público y privado (cabezas,
bustos, estatuas, estatuas)
Diferencias sociales basadas en la vestimentaa
Las diferencias sociales se acentuaban en la ropa. No solo por una
cuestión de materiales y calidad sino también por una cuestión de
simbología implícita en las prendas. Era la misma sociedad la que
imponía estas reglas de vestimenta que permitían ver el poder o
clase del individuo. Por ejemplo solo los senadores podían usar
una túnica laticlavia -con dos anchas líneas a cada lado naciendo
verticalmente desde los hombros-. Estas distinciones se conoce
como el latus clavus, de aquí el nombre de laticlavia. Por otro lado
solo los ecuestres podían usar la túnica augusticlavia -similar a la
laticlavia pero con líneas más finas-. Estas franjas se conocían
como angusus clavus.
Algo similar se daba con las togas. La toga praetexta, la cual
contaba con un borde purpura en uno de sus extremos, solo podía
ser vestida por magistrados. No solo en la ropa se daban estas
diferencias. Los calcei senatorii, y como se hace evidente en su
nombre eran vestidos por los senadores, eran teñidos de una
tonalidad roja para que puedan ser distinguidos fácilmente. Es
importante remarcar el esfuerzo que se hacía no solo por mostrar
riqueza con la vestimenta, sino también poder demostrar a simple
vista el poder de la persona y las divisiones de poder incluso en
ese mismo rango social. Por ejemplo los calcei senatorii si eran
adornados con una lunula -un adorno plateado- indicaban que
 Es evidente, y como ocurre en todas las sociedades, que las clases se
pueden diferenciar por la ropa que visten. Una persona de mayor poder
adquisitivo obviamente recurrirá a su riqueza para comprar una
vestimenta más acorde a su rango en la escala social. Esto también
ocurría en Roma. Los esclavos y libertos, así como los plebeyos más
pobres, no vestían toga. Los dos primero porque no tenían derecho a
utilizarla, ya que como dijimos era un distintivo romano que simbolizaba la
dignitas y la gravitas. El último porque muchas veces podía ser una
prenda costosa. Si bien el detalle que mencionaremos a continuación no
se expandió como el uso de la toga praetexta para diferenciar a los
magistrados de los demás nobles.
 Con el tiempo se agregaron ciertos colores a las togas para remarcar la
profesión de la persona que la vestía. Por ejemplo los filósofos llevaban
detalles en color azul, los médicos el verde y los teólogos el negro. Esto
fue más que nada un motivo de decoración y no es un dato muy conocido
y referenciado, pero es importante aclararlo. Otras características que
podemos encontrar a la hora de señalar el status social de un individuo se
encuentran en los libertos. Era costumbre que algunos libertos usaran
sombreros y esto los hacía fácilmente reconocibles como libres. Las
mujeres esclavas también solían utilizar sombreros pero para tares
agrícolas.
 Marco legal de la diferenciación: Las Leyes Suntuarias
 Un conjunto de leyes fue promulgado regulando fuertemente la distinción
y diferenciación social en base a la vestimenta, cuyo alcance podemos
trazar con el objeto de asegurar que los ciudadanos no aristocráticos con
Vestimenta de la mujer romana

La stola era una variedad de túnica, que como indicamos la mujer empezaba a
vestir inmediatamente después del matrimonio. Esta se ponía por sobre otra
túnica, la subucula o túnica interior, de seda o lino ya que eran materiales
livianos y quedarían mucho más confortables luego con la stola arriba.
Tener una túnica interior era muy conveniente en los días fríos ya que la
stola era un vestido liviano y poco abrigado. La túnica interior
generalmente era de una sola pieza y con mangas, lo que otorgaba mayor
comodidad. Las stolas podían ser de seda, lino o algodón. Aunque las de
seda eran las preferidas en las clases altas. Sus colores iban del blanco
crema -el color natural de la lana- al gris, el rojo y el purpura. Colores
obtenidos con diferentes tinturas naturales. Se distinguía y valoraba a las
mujeres con muchos hijos. Cuando estas tenían más de tres hijos podían
vestir la stolae matronae que les otorgaba orgullo y prestigio en la sociedad.
Era normal adornarla con un patagium. Este era una especie de cinturón que
se ponía sobre la stola. No muy ajustado y podía estar teñido de purpura,
una tintura bastante costosa y -simbolo de riqueza- o estar bordado con hilo
de oro y otros arreglos. Era considerado muy elegante y el usarlo le daba
prestigio social a la mujer que inmediatamente la distinguía como una
persona adinerada o de buen pasar.
Palla, ricinium y supparrum
Era utilizado por las matronas. Era un manto cuadrado, o rectangular perod e
poca extensión horizontal. Este manto indicaba prestigio dentro de la
familia y como tantas otras prendas era un indicador de status instantáneo.
La mujer que lo utilizara quedaba inmediatamente señalada como una
matrona. Iba de la cabeza hasta los pies, ya que generalmente se utilizaba
enganchado al pelo formando un velo trasero. El ricinium no tuvo una vida
muy larga, comparado con otras prendas. Rápidamente fue reemplazado
por la palla. La palla también era un velo pero más práctico. Generalmente
se podía utilizar como bufanda, como chal o como capucha. Era de gran
popularidad entre las mujeres.
Cubrirse la cabeza estando en el exterior de las casas no era por motivos
religiosos como podemos ver hoy en las comunidades musulmanas donde
se obliga a las mujeres a cubrir su cuerpo. Las romanas usaban estas
"capuchas" por una cuestión social. Era considerado de buen gusto y
apropiado para una mujer de clase alta cubrirse.
El supparrum era más que nada una capa que iba desde los hombros a los
pies. Se enganchaba de la subuculay su característica era que lograba
cubrir los brazos de la mujer envolviéndola en un manto de seda, que era
muy popular entre las mujeres adineradas. Las mujeres plebeyas solían
combinarla con una capucha dándoles una prenda más utilitaria.
 1-República 509 a.C. al 27 a. C: etapa
estrechamente relacionado con el arte etrusco
• En los retratos de época republicana es de gran realismo, con los rasgos
faciales muy acentuados, la escultura consiste en un busto corto, que sólo
representa cabeza y cuello. Los hombres llevan el pelo corto.
•Con posterioridad se fue ampliando hasta alcanzar parte del busto, estaban
realizados en bronce o en piedra y se policromaban.
• La mayoría de los artistas son griegos siguiendo los gustos romanos.
• Los personajes que se retratan son públicos como privados, mostrando una
personalidad grave y serena, son rostros enérgicos, fuertes y decididos,
aunque cabe aclarar que los retratos públicos presentan cierta idealización.
•Se trata de un reconocimiento tácito de los méritos del retratado de ahí la
individualización realista del personaje, la fidelidad al mismo.
•Son retratos de gran realismo, reproduciendo arrugas y expresiones severas.
• Tiene su origen en las "imágenes maiorum" de cera.
•Pelo corto de talla plana y sin peinar.
 Carácter biográfico de los personajes representados.
 El retrato de la primera época, la republicana, es el que mejor testimonia
este compromiso entre realismo e idealismo, fórmula básica de los
helénicos. Junto a la evidencia de rasgos particulares, no dejan de
apreciarse rasgos típicos de la raza italiota. Esta corriente idealista será aún
más patente en la época de Augusto, el emperador
El llamado Bruto
Capitolino (IV-III a.C.), es
un busto en bronce (aunque
se especula que podría
tratarse de una escultura
completa, acaso ecuestre,
incluso) que se conserva en
los museos capitolinos de
Roma
Los ojos son de pasta
vítrea para acentuar la
profundidad de su mirada,
el rostro es grave y severo,
la expresión seria pero
serena. Hay una buena
técnica en pelo y barba.
La primera obra en el tiempo es el retrato de Lucius Junius Brutus fechada
en el siglo IV a.C. y se duda sobre si su autor es romano o etrusco (es
difícil porque entonces no hay división artística entre Roma y el resto de
las ciudades etruscas). La técnica de fundición es etrusca pero el personaje
es sin dudad romano, se trata del Libertador que en el año 509 expulsó al
último rey etrusco de Roma.
Como es habitual en el arte romano (aunque en este caso de una manera
excepcionalmente temprana) las influencias de otros artes se superponen
y entremezclan.
En este caso, y pese al estrato realista etrusco, hay mucho de griego en
este Bruto e incluso, su apostura, su inconfundible gravedad, hay que
relacionarlas con el mundo helenístico.
 Evidentemente se trata de una escultura del periodo republicano, en
donde destaca el realismo (especialmente en el maravilloso postizo de sus
ojos), aunque (también de forma evidente) no se trataba de Bruto,
desconociendo en la actualidad el nombre del retratado
 Como es habitual en el arte romano (aunque en este caso de una manera
excepcionalmente temprana) las influencias de otros artes se superponen
y entremezclan.
 En este caso, y pese al estrato realista etrusco, hay mucho de griego en
este Bruto (desde su depurada técnica de fundición a una cierta
idealización) Incluso, su apostura, su inconfundible gravedad, hay que
relacionarlas con el mundo helenístico.
Retrato de un patricio.
Las características del
retrato romano republicano
expresan un gran realismo
(realismo veraz), muestran
la fisonomía del retratado y
denotan austeridad,
robustez campesina, poca
finura, pero a la vez
orgulloso de su pasado
glorioso.

Retrato de un
patricio.
Roma, Museo
Destaquemos
finalmente el
retrato del Patricio
como un retrato
psicológico, la
imagen transmite la
idea de casta: rostro
sereno, justo,
responsable,
coherente con su
función social
(pater familias).
Busto de un hombre viejo. La
cabeza cubierta (capite
velato) puede identificarlo
como un sacerdote o pater
familias (mármol, mediados
del siglo I a, C.
Pompeyo el Grande, del siglo I a.C,
NY CARLSBERG GLYTOTEK
 El siguiente es el retrato de Pompeyo el Grande, del siglo I a.C. y es un
retrato sólo de la cabeza. Hay un absoluto dominio técnico mediante el
cual se realiza un estudio psicológico del personaje. Se esculpe un rostro
que emana virtudes: una esbozada sonrisa que refleja la bondad,
integridad, pureza y serenidad mental. Justo la imagen que debía dar un
político. (para que aprendan los asesores de imagen de los políticos de
hoy).

El cabello comienza a abultarse, pero sin grandes rizos. El conservado

probablemente no es el original, sino la copia de un retrato anterior. A
través de su rostro se trasluce su carácter. Es un rostro menos
cadavérico, con los rasgos más redondeados.
 Retrato de vieja
desdentada, de
clara influencia
helenística. British
Museum
 Así, el aspecto fundamental del retrato romano era su parecido con los
rasgos reales del representado. No se ocultaban pues, los signos de la vejez,
si el retratado era una persona de edad. Las arrugas, la calvicie, las bolsas
de los párpados formaban parte de los aspectos que nos hacían reconocer el
parecido con tal o a cual personaje y no eran ocultados ni enmascarados,
sino que se representaban fielmente.
Retrato de viejo de época
republicana,
con arrugas, calvicie y marcado
relieve de la temporal
 Se trata del retrato del
Patricio Barberini. Su
tipología corresponde al
retrato privado. Se trata de
una estatua, una obra
escultórica exenta o de
bulto redondo. El material
es el mármol y técnica con
el que ha sido realizado es
el esculpido utilizándose
el puntero, cincel, cincel
dentado... La obra fue
realizada finales del
periodo republicano, a
fines del s. I a.C. Se
encuentra en Roma y
aunque originalmente se
expuso en el Palazzo dei
Conservatori, hoy, se
encuentra en el Museo del
Capitolio. El estilo es
escultura romana retrato
etapa republicana.
El patricio romano llevando dos retratos de antepasados se representa como
un hombre de tamaño parecido al natural portado dos cabezas-bustos en las
manos, la de la derecha la sujeta posada sobre una columna y la otra la
mantiene sobre el brazo izquierdo en una actitud tensa. El patricio está
caracterizado por la toga (manto de abundantes plegados) que se recoge a
la altura de la cintura. La figura se apoya en un pie y flexiona el otro
(contraposto) en una actitud bastante relajada.

El conjunto presenta una composición equilibrada y cerrada, la verticalidad

del Patricio se contrarresta con la diagonal de los bustos y en otras líneas
horizontales marcadas por los pliegues. La visión frontal es la más
detallada. Ejemplo importante del retrato romano. El retrato junto al relieve
histórico, es la expresión máxima de la escultura romana. Su origen lo
encontramos en las máscaras de cera, mortuorias que los etruscos hacían a
los difuntos: honrar a los difuntos de la familia, rendirles culto y demostrar
sus antecedentes nobles.
sarrolla las grandes influencias del retrato romano: el realismo etrusco
(rostros) y el clasicismo griego a través de los pliegues de la toga, el
contraposto, anatomía y proporción del cuerpo. Los principios del
retrato están marcados por la intención sincera y emotiva, de
perpetuar la memoria de un antepasado y de mantener esta tradición
por las generaciones venideras. Poco a poco surge un retrato
honorífico, que busca la fisonomía, el verismo del personaje, pero
también, debe representar los honores recibidos en vida, la categoría
social, el símbolo del poder. Si en sus inicios el retrato tiene un
carácter popular e incluso democrático, en tiempos de Sila, que
coincide con el retorno de los patricios al poder y la búsqueda del
prestigio político y social, el retrato republicano se convierte en un
"ius imaginum", un elemento diferenciador de una estirpe, el
patriciado.

 El Patricio Barberini deSu influencia histórica será decisiva en la

configuración del retrato en el Renacimiento, como se aprecia en el
retrato busto de Nicolo Uzzano, de Donatello.
Retrato de un general romano de
Tivoli
Periodo: republicano tardío
Fecha:80–60 aC
Cultura: romana
Medio: Mármol
Cicerón
 El busto fechado hacia el año 40 a.C es corto y como es propio de las época de la República no tiene
señalado ni iris ni pupila en los ojos. Presenta el cabello dispuesto en rizos pequeños, aunque la calvicie,
como lo describe el historiador Suetonio formaba parte del rostro. La frente ancha y alta, el cuello largo y
la recia mandíbula acompañan a un ceño fruncido y a un gesto severo, rasgos del crácter vehemente del
dictador.
 Emperador Julio
Cesar
El retrato romano en época de Augusto
 En esta época la escultura romana aplicada al retrato se idealiza. Los rasgos
acusados se disimulan. Los retratos son más políticos que estéticos y muestran un
"estado perfecto".
 El pelo sigue siendo corto, pero un poco más largo que en la República, con
mechones suaves y ondulados que se van ajustando a la forma de la cabeza. Los
que caen sobre la frente son similares a la cola de una golondrina. En los retratos
femeninos, como el de la emperatriz Livia, se va a marcar un peinado con el pelo
recogido hacia atrás y una especie de tupé (el nodus) sobre la frente.
 ) Retratos Imperiales
 - En el retrato de cuerpo entero de los emperadores del Alto Imperio encontramos
tres versiones:
 “Imagen togata”, como patricio o pontífice máximo, con toga. Ejemplo:
el Retrato togato de Augusto, en el que la postura marca el contraposto y la cabeza
está cubierta
 “Imagen thoracata”, como imperator, jefe militar, o cónsul, con indumentaria
militar, con coraza. Ejemplo: el Retrato toracato de Augusto o Augusto de Prima
Porta, Augusto se está dirigiendo al ejército, por lo que está vestido de militar y
con el brazo en alto, se esculpe con precisión el contraste entre la coraza lisa y dura
y la tela blanda; la coraza está llena de relieves alusivos a la paz augusta y en la
parte interior hay una figura infantil sobre un delfín, alusiva al origen divino de la
familia Julia.
 “Imagen apoteósica”, heroizado o como divinidad, desnudo, corona de laurel y el
atributo de algún dios. Ejemplos: El Retrato apoteósico de Augusto o el
de Claudio heroizado
 “Imagen togata”, “Imagen thoracata”, “Imagen apoteósica”,

“Pontifex Maximus”
 •Época de Augusto.
Formas
ligeramente
idealizadas.

“Imagen thoracata”, como imperator, jefe

militar, o cónsul, con indumentaria militar, con
coraza. Ejemplo: elRetrato toracato de
Augusto o Augusto de Prima Porta, Augusto se
está dirigiendo al ejército, por lo que está
vestido de militar y con el brazo en alto, se
esculpe con precisión el contraste entre la
coraza lisa y dura y la tela blanda; la coraza está
llena de relieves alusivos a la paz augusta y en
la parte interior hay una figura infantil sobre un
delfín, alusiva al origen divino de la familia
Julia.
Los pies descalzos que
simbolizan la estancia en el
Olimpo. La aparición de
símbolos de los dioses,
como el delfín que entronca
al personaje con la dinastía
de Venus, el águila
jupiteriana, representación
de divinidades, la
semidesnudez , el laurel en
la cabeza, el cetro.
 En el Imperio, a partir de Augusto se impone la moda griega, sobre
todo para las clases altas, con un realismo distinto al republicano: se evitan
los defectos que puedan afear los rostros y surge una cierta idealización,
sobre todo cuando se trata de representar a los emperadores, como si el
artista tuviera miedo, como si el retrato debiera servir para dignificar al
representado. (el cónsul era hombre pero el emperador se acercaba a Dios).
 En el retrato de Augusto de Prima Porta vemos un retrato idealizado que
no refleja la expresividad de los anteriores republicanos, con buena técnica
sobre el mármol pero se nota la voluntad propagandística al realizar la
obra. En época de Adriano aumenta la idealización pero con dos
innovaciones: la aparición de la barba y la incisión de las pupilas en el iris
que dan gran expresividad a los retratos. El busto abarca cada vez más
cuerpo, llegando ahora por debajo del pecho.
“Imagen togata”, como patricio o
pontífice máximo, con toga. Ejemplo:
el Retrato togato de Augusto, en el
que la postura marca el contraposto y
la cabeza está cubierta
 ALTO IMPERIO

a) De Tiberio a Trajano (14-117 dC) comprende las

familias de los Julio-Claudio y de los Flavios

Periodización del arte Romano:

 Esta etapa del estilo octaviano, se mantiene hasta los Flavios, y son
célebres los bustos de Tiberio, Agripa, Calígula o Nerón, igualmente son
de sumo interés las esculturas de la familia imperial a través de los cuales
podemos admirar hasta los cambios de moda.
La época octaviana es de sencillez, aun en la moda femenina, así el
retrato de livia, del museo de Copenhague o el de Agripina del museo
Británico . En cambio, en la época Flavia la moda se complica y la Dama
Desconocida del museo del Capitolio de roma muestra la complicada
peluca de bucles; pero en el reinado de trajano la sencillez vuelve
nuevamente, y así la escultura de plotina, del museo Capitolio, nos da una
idea de la corte del emperador hispano.
Augusto se hizo retratar en diferentes fases de su vida, asi en el museo
británico lo tenemos en la cabeza de Meroé, pero la más celebre escultura
augusta es la de Primaporta que fue encontrada en la casa de Livia; era
polocromada y aparece como estratega, de un realismo tal que concuerda
perfectamente con las descripciones históricas.
 Con Trajano se introducen en la escultura romana nuevos temas por la
influencia de los pueblos bárbaros, y Adriano en su nueva idealización por
el impulso que cobró en Roma el último aliento del arte griego, representa
a su esclavo favorito Antínoo, casi como un dios.
 En los retratos de los primeros emperadores, principios del siglo I d.C., se
observa una tendencia hacia cierto idealismo, por influencia griega, por lo
que podemos hablar de un realismo idealizado en el que los rasgos más
acusados se disimulan.ejemplos: Los mencionados retratos de Augusto, los
de Calígula, etc.
 De Julio-Claudios siguen el modelo de Augusto inspirados en la escultura
del periodo clásico griego.
 Los efectos pictóricos se intensificaron con las dinastías Flavia, Antonina
y Severa, más realistas, expresan los caracteres (propiamente
estereotipados)
Augusto o
Tiberio
 Calígula
Es un retrato idealizado,
aunque los rasgos físicos y
morales identifican al
personaje que , tiene la boca
cerrada, sin suavidad. El
cabello sigue las pautas
anteriores, aunque los
mechones cada vez son más
numerosos y minuciosos.

El retrato que aún mantiene

restos de pintura original en el
ojo izquierdo y en el pelo
muestra al joven emperador a
los 25 años cuando sucedió a
tiberio pero ya evidencia la
locura que lo domino al poco
tiempo de llegado al poder.
Cabeza de Calígula con RESTOS DE
PINTURA (pupilas)
Pero a partir
de Claudio y Neró
n se vuelve al
realismo romano,
como podemos
apreciar en el
anteriormente
citado Claudio He
roizado.
Imagen
apoteósica”, heroizado o
como divinidad, desnudo,
corona de laurel y el
atributo de algún dios.
Ejemplos: El Retrato
apoteósico de Augusto o
el de Claudio heroizado.

Emperador
Claudio
 Neron

Emperador romano, último de

la dinastía Julio-Claudia. Era
hijo del primer matrimonio de
la segunda mujer del
emperador Claudio, Agripina la
Joven y, por tanto, tataranieto
de Augusto.
 Dinastía Flavia

 Este periodo constituye un momento de esplendor en el que se vuelve al

realismo, pero distinto al de la República. Ahora se intenta personificar los
rasgos pero sin acusarlos. El busto se va haciendo más largo, recogiendo
hombros y pectorales. El peinado se abulta y los rizos se hacen más
amplios, por tanto, se acentúan los claroscuros y hay más movimiento, que
se ve reforzado porque la cabeza comienza a girar. Julia, hija de Tito, va a
imponer peinados altos muy llamativos.
Vespaciano
 VESPASIANO

Emperador romano (69-79).

Pretor en tiempo de Calígula y
militar brillante en Britania
durante el reinado de Claudio

Con el ascenso de Vespasiano y de la

dinastía Flavia, se produjo una
transformación en la sociedad romana que
significó un aumento de la influencia de
los itálicos, pues el propio emperador era
de origen sabino y de clase ecuestre.
Concedió el derecho de ciudadanía a
muchas ciudades , como una manera de
mejorar la percepción de tributos y
consolidar internamente el imperio.
Asociado con su hijo Tito, que recibió el
poder tribunicio y el mando proconsular,
intentó establecer en el Imperio Romano el
principio de monarquía hereditaria.
ALTO IMPERIO

b) De Adriano a Alejandro Severo (117-235 dC)

comprende las familias de los Antoninos y de los
Severo.

Periodización del arte Romano:

 En la época de los antoninos el retrato se recarga, se “barroquita”. La
barba y la cabellera se rizan y entrecruzan desmesuradamente, practicando
el trépano constantemente. Aparece una mayor idealización para una
mayor dignificación y nace así el retrato ecuestre, por ejemplo el
de Marco Aurelio, realizado en bronce y estaba situada en la plaza del
capitolio de Roma (*ahora se ha llevado al Museo Capitolino) , una
escultura que va a tener mucha importancia en el renacimiento italiano.
Periodización del arte Romano

 1-República 509 a.C. al 27 a. C: etapa estrechamente

relacionado con el arte etrusco
 2-Imperio: el largo periodo del Imperio de 300 años, vive
entre dos principios: el Senado, personificación del
imperialismo republicano, y el Emperador, personificación
de la autoridad personal. Este prolongado ciclo se suele
dividir entres momentos que corresponden a tres siglos:
a) De Tiberio a Trajano (14-117 d C) comprende las
familias de los Julio-Claudio y de los Flavios.
b) De Adriano a Alejandro Severo (117-235 d C)
comprende las familias de los Antoninos y de los Severo.
c) De Máximo a Constantino (235-337 d C)
 Combinación de piedras de diferentes colores para acentuar el realismo.
 A partir de los Antoninos aflora la corriente realista : la cabellera (rizada)
se hace mas voluminosa y reaparece la barba (de moda en los dos siglos
siguientes) marcada, agudizándose los efectos de claro-oscuro.
 El tamaño del busto aumenta, comprendiendo pecho, hombros y el
comienzo de los brazos.
 Los Antoninos acentúan el realismo y las esculturas toman la técnica de
perforar las pupilas de los ojos y grabar el iris.
Del siglo II a,c, es celebérridas la estatua ecuestre del emperador Marco
Aurelio, ejemplo de bronce que inspirara a los artistas de todas las
centurias siguientes. Si el siglo III fue de decadencia política, también lo
fue artística más que terminación de la obra, tendrán importancia suma los
efectos de luz y sombra, así en el museo antiguo de Berlín encontramos la
cabeza del emperador Máximo Trax. - En los retratos de los siglos II y III
se tiende a un progresivo barroquismo, el pelo se esculpe más largo y
separado de la cabeza, con rizos muy abultados, aparecen las barbas, etc.
Desde Adriano y sobre todo a partir del siglo III se graban las pupilas.
+
Trajano (Marcus Ulpius Traianus), emperador
romano, nacido en 53 d C. en la ciudad de
Itálica y perteneciente a la más rica y próspera
provincia de la Hispania romana, la Baetica. Es
conocido por su amplio programa de
coonstruccion de efificios publicosa.
 Retratos póstumos idealizado, aunque
muestras los rasgos físicos y psicológico
del emperador. Destaca la abultada frente
sobre los arcos superciliares, que casi
queda oculta por el corto flequillo lascio
y cuidadosamente dispuesto. El
emperador a traves de su profunda
mirada y recio mentón, transmite un
 Trajano carácter rebosante de inteligencia,
energía, tenacidad y seguridad.
Adriano, Archaeological
Museum, Athens

•Siglo II d.C. Continúa el

idealismo, prestando
especial atención al cabello
y, a partir de Adriano, a la
barba. Los retratos ecuestres
toman especial importancia.
Adriano: obra del siglo
II, los ojos están
tallados y no
policromados, lleva
barba y el pelo está
muy marcado, largo y
trabajado con el
trépano con mucha
delicadeza.
Rasgos idealizados de
la fisonomía del
emperador: frente
estrecha, mejillas
anchas y carnosas
disimulada por la
barba y el cabello
ondulado que cae
sobre la frente en
forma de rizos.

Busto de Adriano
•Finales siglo II d.C. Se
empezaron a marcar las
pupilas en los ojos.
 Adriano (Termas)

Emperador romano de la
dinastía de los Antoninos.
Procedente de una familia
hispana de Itálica (cerca
de Sevilla) que había
alcanzado el rango
senatorial, quedó huérfano
a los ocho años y recibió
una esmerada educación
bajo la protección del
emperador Trajano, que
era pariente suyo; su
casamiento con una
sobrina del emperador y
su amistad con la
emperatriz Plotina
fortalecieron ese vínculo.
Adriano (Louvre)
 La escultura con una
marcada curva
praxitélica, ofrece un
bello contraste entre la
robustez y la sensualidad
refinada de un rostro
significado por sus rasgos
suaves, labios gruesos,
nariz recta y cejas
curvadas. Sobre un pecho
ancho y apolíneo el
cuerpo se corona con una
cabeza de ambigua
sensualidad resaltada por
los llamativos rizos
dionisíaco y la mirada
melancólica.
Estatua ecuestre de Marco Aurelio.
176 d. C.
Bronce recubierto en pan de oro.
Estatua ecuestre de Marco Aurelio.
176 d. C.
Bronce recubierto en pan de oro.
 Marco Aurelio Antonino Augusto, apodado el sabio, nació en Roma en el
año 121; fue emperador desde el año 161 hasta su muerte en el año 180.
Fue el último emperador de los llamados Cinco Buenos Emperadores (y el
tercer emperador de origen hispano); está considerado como una de las
figuras más representativas de la filosofía estoica romana, de ahí que se le
represente con la túnica del filósofo, como una clara referencia a su
dimensión intelectual y no sólo político-militar. A pesar de su talante
pacifista, su reinado y gobierno estuvieron marcados por los conflictos
militares en Asia, frente al Imperio Parto y en Germania, frente a las tribus
bárbaras asentadas en el limes Germanicus, en la Galia y en río Danubio.
La obra más significativa de M. Aurelio, como filósofo, fue la titulada
"Meditaciones", escrita en griego helenístico, durante las campañas
militares de la década de 170. Está considerada como un monumento al
gobierno perfecto. La muerte de este emperador es el hito histórico que
marca el fin de la época de mayor prosperidad del Imperio Romano,
conocida como la Pax Romana.
 Se trata del retrato ecuestre del emperador romano Marco Aurelio. Su
tipología corresponde al retrato imperial. Se trata de una obra escultórica
exenta o de bulto redondo. El material y técnica con el que sido
realizado es bronce dorado al fuego y a la cera perdida, siguiendo la
tradición de los grandes broncistas griegos, de la que los romanos son
continuadores. La obra fue realizada en el año 176 d. C. durante el Alto
Imperio Romano. Se desconoce al autor o autores de esta obra, ya que en
aquella época el artista era considerado un mero artesano al servicio del
cliente, en este caso el estado romano. La obra estuvo originariamente
ubicada en la plaza de San Juan de Letrán, en Roma; durante el
Renacimiento, Miguel Ángel, la trasladó a la plaza del Capitolio, en Roma.
En todo caso, este tipo de esculturas fueron realizadas para ser ubicadas en
la plaza pública, como parte de la propaganda imperial y de la
configuración de la imagen política del emperador.
El emperador Marco Aurelio aparece montado sobre un caballo, retratado
en actitud de pasar revista a las tropas. A diferencia de lo que debió de ser
habitual (túnica y paludamentum), el emperador está vestido con la toga
del filósofo y con el brazo extendido, en un gesto que más que de saludo
al ejército y al pueblo romano, parece un gesto de ofrecimiento o de paz.
El rostro del emperador ha sido representado de forma minuciosa con una
mezcla de realismo e idealización, como era típico del retrato imperial de
la época. Marco Aurelio aparece barbado, como era habitual en el s. II. El
conjunto (caballo y emperador) presenta una composición equilibrada y
cerrada. La posición centrada del emperador, erguido pero equilibrado, la
mano alzada, pero marcando la línea horizontal, en actitud pacífica y no
violenta, se complementan con la postura del caballo, con la cabeza y la
cola hacia abajo, y la posición de las patas marcando el centro, a pesar de
que una de las patas delanteras se halle levantada (posiblemente se posaba
sobre la figura de un bárbaro vencido, hoy desaparecida). El jinete monta
sin estribos, pues éstos todavía no habían sido introducidos en occidente. El
resultado es un grupo cerrado que inspira serenidad, mesura y equilibrio.
La figura del emperador está desproporcionada respecto al tamaño del
caballo, quizás para resaltar su poder y grandeza. Ambas figuras han sido
representadas con suma precisión y riqueza de detalles, desde la anatomía
del animal, las crines, la montura, etc. hasta las sandalias o la riqueza de
pliegues en la vestimenta imperial, con su juego de luces y sombras, y la
naturalidad con la que caen sobre la montura. El conjunto es de un realismo
veraz, no exento de idealización por la majestuosidad del porte y la serena
actitud del personaje imperial, que no aparece como un héroe militar, sino
como un hombre de paz.
 Podemos considerar, en consecuencia, el retrato del emperador como un
retrato psicológico, además de político, ya que Marco Aurelio ha sido
representado en actitud pacífica y no violenta, como un filósofo que domina
con la razón y no con la fuerza, a la figura del bárbaro bajo las patas del
caballo (hoy desaparecido). Es la imagen del estadista pacifista (a pesar
de que la mayor parte de su reinado lo pasó guerreando contra los
enemigos del imperio). La imagen transmite la idea de un poder sereno y
sabio, mesurado, coherente con su función propagandística y política,
ya que refuerza una imagen determinada del poder imperial romana,
entonces en la cúspide y plenitud del imperio.
 Su influencia histórica será decisiva en la configuración del retrato
ecuestre en el Renacimiento, como se aprecia en el retrato ecuestre del
condotiero Gattamelata, de Donatello, o en el Colleone, de A. Verrochio.
Ambas obras serán decisivas, además, en el desarrollo posterior de este tipo
de retrato militar, político y propagandístico durante el Barroco y hasta
época más recientes, en las que el poder (militar o monárquico) se revistió
de la pompa y circunstancia de esta tipología para enaltecerse. Si una obra
de estas características ha sobrevivido es, según algunos, porque fue
confundida con la estatua ecuestre del emperador Constantino, el que
legalizó el culto cristiano.
Dinastía Severa
SEPTIMIO SEVERO
 Dinastía Severa
SEPTIMIO SEVERO

Es un retrato del siglo III.

Caracalla fue un emperador
de carácter violento, fuerte
y altanero; caracteres que
quedan reflejados en su
escultura. La cabeza está
totalmente girada
 Carcalla con barba corta y
de rizos trabajados con y la
barba partida en dos,
muestra de innovaciones
del periodo. Si el rostro
transparenta el estado del
alma, el de carcalla es la
ventana por la que se
precipita el carácter fuerte y
cruel del emperador que
llevado por su
temperamento violento llego
a matar a su hermano Geta.
Los músculos de la frente
contraídos, y la cabeza
totalmente girada
esquivando la mirada de
frente.
Dama de la permanente,: el peinado es
sumamente útil para fechar los retratos de los
ciudadanos anónimos especialmente los
retratos femeninos . Esta dama presenta un
peinado de nido de avispa, formando los
cabellos como una toca sobre la cabeza.
Este peinado alto y rizado, con forma de
aureola al alborotarse la mata de cabellos
formando rizos horadados por el trépano, es de
la época de los falvios.
 Siglos IV( 284 – 305 d. C. )
Tetrarquía
División del Imperio Romano
 Siglo V ( 395-476 d. C.)
Caída del Imperio Romano de Occidente

La escultura en la época del

Bajo Imperio
A partir de Constantino el retrato de aparta cada vez más de la realidad
preludiando la estilización bizantina
- A partir del siglo IV, ya en el Bajo Imperio, el retrato romano se caracteriza
por la rigidez y el hieratismo, que ha de pasar al mundo cristiano.
- Los retratos se deshumanizan, se pierde la preocupación por hacer retratos
que se acerquen al hombre, se tiende a una esquematización que aleja al
emperador de la sociedad. Por tanto, su escultura se puede considerar ya
“anti-clásica”.
- Ejemplos:
+ Constantino del Palacio de los Conservadores de Roma: se trata de la
cabeza de una escultura de cuerpo entero que se conserva fragmentada y
que tenía dimensiones colosales; Constantino aparece imberbe y tiene el
pelo pegado a la cabeza, los mechones son meras líneas, los ojos son
grandes, desorbitados y desproporcionados, etc.
+
BAJO IMPERIO

c) De Máximo a Constantino (235-337 dC)

Periodización del arte Romano:

Constantino del Palacio de los Conservadores de Roma: se trata de la cabeza
de una escultura de cuerpo entero que se conserva fragmentada y que tenía
dimensiones colosales; Constantino aparece imberbe y tiene el pelo pegado a
la cabeza, los mechones son meras líneas, los ojos son grandes,
desorbitados y desproporcionados
En el Museo Capitolino, en Roma, se conservan unos fragmentos de una
estatua de Constantino, de bronce dorado. Fechada, probablemente,
entre el 330 y el 337, no es tan colosal como la de mármol, que
también está en el mismo museo.
En la mano se observa la técnica de la cera perdida, que permitía dejar
hueca la escultura, con en consiguiente ahorro de bronce y de peso.
Se ve perfectamente la técnica: vemos el agujero del labio, sobre él vemos
la nariz y los ojos. La textura rugosa reproduce la arcilla que servía de
soporte a la cera, sustituida luego por el bronce. Esta arcilla se retiraba
cuando se enfriaba el metal, para ahuecar la escultura.
 La escultura de los Cuatro Tetrarcas es
precisamente una de las obras
expoliadas del Palacio Imperial de
Constantinopla a lo largo de la
Cuarta Cruzada. Se trata de una
escultura de bulto redondo que dataría
aproximadamente del siglo III d.C. y
que estaría realizada en pórfido rojo un
material posiblemente procedente de
las canteras de Egipto. La obra está
concebida para ser colocada en esquina
por lo que los cuatro personajes
representados han sido representados
formando un ángulo de noventa grados.
Diocleciano y Maximiliano decidieron
convertir su diarquía en una tetrarquía –
gobierno de cuatro- nombrando a Galerio y
Constancio Cloro como césares.
 La obra representa con gran maestría la situación política del Bajo Imperio en la
época de Diocleciano. Tras la crisis sufrida entre los años 235 y 285, el emperador
romano Diocleciano decidió nombrar a Maximiliano césar y después augusto, con
el fin de controlar mejor el vastísimo territorio de su imperio. Ante la inminente
amenaza de los persas Diocleciano y Maximiliano decidieron convertir su diarquía
en una tetrarquía –gobierno de cuatro- nombrando a Galerio y Constancio Cloro
como césares. Así el control político y militar del imperio quedaba en manos de
dos augustos y dos césares que ayudaban a los primeros y ocupaban su cargo si
éstos perecían. Es precisamente esa fusión de los cuatro dirigentes en un solo
poder lo que el artista ha querido representar al colocar las figuras
abrazándose y fundiéndose en uno solo.
 Los cuatro gobernantes han sido representados prácticamente igual y apenas se
aprecia una diferenciación de los rostros; todos aparecen representados con un
atuendo militar -coraza en la parte superior y la típica falda romana- y capa. Cada
uno sostiene en la mano su propia espada cuyo mango es aguiliforme en un guiño
al todopoderoso Zeus, dios del panteón romano; mientras con la otra mano que les
queda libre los tetrarcas se abrazan entre sí. En la cabeza todos llevan el conocido
Pileus Pannonicus, una especie de gorro militar realizado que poseía un fuerte
valor simbólico. Si bien es cierto que las cuatro figuras son exactamente iguales
pequeñas diferencias marcan aún la preminencia de los augustos sobre los césares,
de hecho los primeros son los únicos que aparecen barbados, mientras que los
césares están imberbes.
3.4 Relieve histórico narrativo: carácter ornamental y
propagandístico. Caracteres generales y temáticos.
Las esculturas en relieve eran obras de arte esculpidas en largas piezas de
piedra o en algún lado de los edificios. Fueron creadas como decoración y
como una herramienta para registrar y celebrar un acontecimiento
importante. El tamaño del relieve depende de la ubicación y la finalidad
para la que está destinado. La escultura en relieve era, una colección de
figuras utilizadas para representar una secuencia de eventos, o bien
pretendía representar un acontecimiento o suceso importante. La pared se
utilizaba como un espacio en el que las figuras aparecían y desaparecían.
La escultura cambiaba con la perspectiva del observador.
RELIEVE-CRÓNICA
Consiste en un bajo, medio o alto relieve situado en monumentos
conmemorativos (arcos de triunfo, columnas conmemorativas, altares…).
Los primeros aparecieron durante la República, aunque se dieron con
mayor profusión durante el Alto Imperio.
Especial importancia tiene aquí el Ara Pacis Augustae: altar de mármol,
con escalera y puerta, con los orígenes de Roma como tema representado
sobre sus paredes. Se realizó para conmemorar la Pax Romana, época de
paz que vivió Roma bajo Augusto.
Posteriormente surgieron otros temas:
Con los Claudios surgió un nuevo tema conocido como la profectio: salida a
una campaña militar
Con los Flavios la novedad fue el adventus o llegada triunfal del emperador
tras la campaña
El Relieve Romano

 - Sus principales características son la idealización en los temas religiosos y el

realismo y el carácter narrativo en los de carácter histórico.
 - Al contrario que en la escultura griega, donde los grandes hechos históricos se
recordaban mediante temas mitológicos, en la romana los protagonistas son los
hombres, los generales que ganaron las guerras que conmemoran estos relieves.

 - Esto lo encontramos en tres obras excepcionales:

El Ara Pacis de Augusto: altar realizado en el 13 a.C. para conmemorar la paz tras
la guerra de las Galias y de Hispania; el altar está cercado por un muro ligeramente
rectangular de unos 10 metros, realizado en mármol y decorado con relieves, en el
exterior con dos frisos, en la parte baja uno con decoración floral y minúsculos
animalillos y en la parte superior donde aparece una magnífica procesión, en la que
se encuentran Augusto con su familia, cortesanos, etc., con una gran riqueza en
actitudes, posiciones y vestimentas, con hombres, mujeres y niños en distintos
planos, que dan profundidad y crean un excelente espacio; junto a una de las
puertas hay una representación mitológica de la tierra, con dos niños y frutos en su
regazo, animales a sus pies y junto a ellos, vegetación, y flanqueándola hay dos
ninfas, una sobre un cisne y la otra sobre un lobo marino; el interior se decora
con bucráneos y guirnaldas.
 El amor a la naturaleza es notable aun en la decoración y en la época de
Augusto los relieves del Ara de la paz serán el primer ejemplo de belleza a
que llegará el futuro relieve de la época antoniana.
 En estos relieves del Ara de la paz, la identificación de los personajes es
completa, el emperador preside un cortejo con su familia, seguido por los
lictores, sacerdotes, cónsules, senado y pueblo de Roma; el realismo es
notable, como el detalle de la matrona, que con el dedo en los labios
impone silencio a Druso y Antonio que habla sin cesar.
 En el periodo de Augusto la idealización vuelve a cobrar impulso, pero la
psicología realista sigue vigente.
 En el registro de la cara este
 ( opuesto a la puerta ) la
diosa Roma sobre un cisne y
la diosa de la Tierra TELLUS,
rodeada de ninfas acuáticas
En el registro de la cara este ( opuesto a la puerta ) la
diosa Roma sobre un cisne y la diosa de la Tierra TELLUS, rodeada
de ninfas acuáticas . En el cuerpo de la Diosa se observa un
tratamiento de los pliegues con la técnica de los paños mojados lo
que confirmaría que los artistas tendrían formación helenística.
Una cenefa separa estos relieves del nivel inferior con decoración
vegetal
 La
composición se caracteriza
por el horror vacui, todo
está lleno de figuras o
elementos ornamentales .
Contrasta
el predominio de líneas
verticales de los
personajes que se atenúa
por la isocefalia con el
esquema compositivo
curvilíneo del nivel inferior
de los roleos y
guirnaldas.
 EL EFECTO DE PROFUNDIDAD SE CONSIGUE mediante
alto , medio , bajo relieve , incluso algunas personajes en los
fondos están meramente dibujados, es el
llamado relieve sttiaciato o aplastado que luego utilizarán
Ghiberti o Donatello.. Además con esta diversidad se marca
también la jerarquía de los personajes más importantes .
RITMO La diversidad de actitudes y gestos , los escorzos,
crean un ritmo en la escena , se ve a personajes conversando
y otras, como la hermana de Augusto, pidiendo silencio con el
gesto de llevarse un dedo a los labios. Los niños aparecen
mostrando reacciones propias de su edad : indiferencia,
diversión y aburrimiento. Uno de estos niños tira de la toga
de un adulto como si quisiera ser cogido en brazos por
él.
La figura del emperador, no centra la composición ya que
aparece cerca de un lateral, mezclado con los demás miembros
de la procesión , se diferencia en la corona de laurel, dando
aún más la sensación de que es ésta una obra de homenaje
colectivo
 La segunda influencia es la griega que como sinónimo de gusto y refinamiento surge con
fuerza en el reinado de Augusto y se observa en el tratamiento anatómico , en los pliegues, en
el tratamiento de los elementos decorativos grecas o cenefas, guirnaldas, los roleos.
Los relieves estaban muy probablemente policromados con vivos colores al igual que los
griegos. Su desaparición producto del tiempo hizo pensar a los artistas de Renacimiento y
Neoclasicismo que eran monocromo.
En el
friso norte a
parece la
procesión
de senadores
, magistrados
y otros
dignatarios,
algunos de ell
os
acompañados
de esposa e
hijos, y en el
friso sur apar
ecen Augusto
y la familia
imperial.
Hace 1.900 años el emperador
Trajano mandó construir un foro
presidido por una columna de mármol
de 38 metros de altura y decorada
con 155 bajorrelieves para
conmemorar sus victorias sobre la
Dacia.
Invadió la Dacia en el año 101 de nuestra era, donde libró batallas sin
solución de continuidad hasta el año 106. El emperador Trajano reclutó
decenas de miles de soldados romanos, cruzó el Danubio por dos de los
puentes más largos que ha conocido el mundo antiguo, dos veces derrotó
a un poderoso imperio bárbaro en su propio territorio montañoso y acto
seguido lo borró sin contemplaciones de la faz de Europa. La guerra de
Trajano contra los dacios, una civilización ubicada en la actual Rumania,
fue el hito por antonomasia de sus 19 años al frente del Imperio. De ella
regresó con un botín fabuloso. Un cronista de la época se jactaba de que
la conquista había reportado cerca de 250.000 kilos de oro y casi medio
millón de kilos de plata, además de una fértil provincia nueva.
Tamaño botín de guerra cambió el paisaje de Roma. Para conmemorar la
victoria, Trajano mandó construir un foro que incluía una amplia plaza
columnada, dos bibliotecas, un enorme edificio público conocido como la
basílica Ulpia y es posible que incluso un templo. El foro era «único en el
mundo», escribía extasiado un historiador antiguo, con construcciones
«indescriptibles e imposibles de repetir por otros mortales».
Imponente, se erguía por encima de todo una columna de piedra de 38
metros de altura, coronada por una estatua de bronce del conquistador.
Ascendiendo en espiral en torno a ella se despliega un relato de las
campañas dacias: miles de romanos y dacios esculpidos con todo detalle
marchan, construyen, luchan, navegan, se escabullen, negocian, suplican
y perecen en 155 escenas. Completada en el año 113 de nuestra era, la
columna lleva más de 1.900 años en pie.
 Cuando se construyó, la columna se alzaba entre las dos bibliotecas, donde quizá se
custodiase el relato sobre las campañas dacias escrito por el propio emperador-
soldado. En la interpretación que hace Coarelli, los bajorrelieves se asemejan a un
rollo, un formato más que probable del diario de guerra de Trajano. «El artista (y en
aquella época los artistas no hacían lo que les viniera en gana) tuvo que actuar
según los deseos de Trajano», apunta.
 Trabajando bajo la supervisión de un maestro, prosigue Coarelli, los escultores
siguieron un plan: crear una versión gigantesca del rollo de Trajano en 17 tambores
de mármol de Carrara.
 El emperador es el héroe de la narración. Aparece 58 veces, representado como
comandante astuto, estadista consumado y soberano piadoso: arengando las tropas,
en meditabunda consulta con sus consejeros, supervisando un sacrificio a los
dioses… «Es el intento de Trajano de no quedarse en un mero hombre de armas y
ser también un hombre de cultura», dice Coarelli.
 Huelga decir que Coarelli está especulando. Fuera cual fuese su formato, las
memorias de Trajano desaparecieron hace una eternidad. De hecho, ciertos detalles
de la columna y varios hallazgos arqueológicos de Sarmizegetusa, la capital dacia,
sugieren que los relieves hablan más de los afanes romanos que de su historia. Jon
Coulston, experto en iconografía, armas y equipo militar romanos de la universidad
escocesa de Saint Andrews, dedicó meses al estudio de la columna desde el
andamio levantado para su restauración en las décadas de 1980 y 1990. Su tesis
doctoral versó sobre ella. Desde entonces ha seguido fascinado por la columna de
Trajano… refutando
 Bien puede ser que la columna de Trajano sea pura propaganda, pero los
arqueólogos identifican en ella un componente de verdad. Las excavaciones de
yacimientos dacios, entre ellos Sarmizegetusa, no dejan de revelar vestigios de
una civilización mucho más sofisticada de lo que podría sugerir el término
«bárbaro», la despectiva calificación que les dedicaban los romanos.
 Los dacios carecían de escritura, de modo que todo cuanto sabemos de ellos
pasa por el filtro de las fuentes romanas. Hay sobradas pruebas de que durante
siglos constituyeron toda una potencia regional que saqueaba y gravaba a sus
vecinos. Eran hábiles metalúrgicos que extraían y fundían hierro y lavaban oro,
y con ambos metales creaban ornamentadas joyas y armas.
 Sarmizegetusa era la capital política y espiritual dacia. Sus ruinas yacen en los
montes de la Rumania central. En tiempos de Trajano los 1.600 kilómetros que
la separaban de Roma se traducían en un mes de viaje como mínimo. Para
acceder hoy al yacimiento, hay que recorrer la pista de tierra cuajada de
baches que serpentea por el mismo valle imponente al que se enfrentó Trajano.
Entonces los puertos se vigilaban desde complejas fortificaciones; ahora no hay
más guardia que unas pocas casitas de campesinos.
 Las altísimas hayas que se han adueñado de Sarmizegetusa bloquean la luz del
sol y proyectan una sombra helada aun en los días más calurosos. Una ancha
carretera empedrada conduce desde los gruesos muros semienterrados de una
fortaleza hasta un prado amplio y llano
-La obra se encuentra englobada en el contexto del foro trajano , el
ultimo y mas grande de los foros imperiales , realizado por Apolodoro de
damasco por orden del emperador trajano con los fondos obtenidos por los
botines procedentes de la guerra contra los dacios.
Este foro se encuentra alineado con el foro de julio cesar y en perpendicular al de
augusto . Su extensión es de unos 300 metros de longitud y 185 de anchura ,
para
su realización se hubo de allanar el terreno pues se encontraba un monte donde
ahora esta el foro , de este modo también se especula con la posibilidad de que la
columna sirviera también para señalar hasta donde llegaba este monte que se
hubo de destruir para la construcción del foro.
El foro consistía en una gran plaza porticada con grandes espacios curvos en los
extremos , y en ella se situaban edificios de gran importancia como una basílica
(la basílica ulpia) , un templo (del divo trajano), mercados y dos bibliotecas.
Ademas de la columna , situada en la plaza porticada.
La columna se levanta majestuosa en la plaza con 100 pies de altura (38 metros)
sobre un pedestal , en el que se situaran las cenizas del emperador, que mide 8
metros de altura del conjunto
 derribado para la construcción del foro.
 La columna se trata de un cilindro de 30 metros de altura de orden dórico (las
acanaladuras son
 visibles en la cúspide) pero también tiene un capitel adornado con óvalos y
basa. Esta compuesta
 por 20 tambores de mármol extraídos de la cantera de luna cuyo peso esta
estimado en 38 toneladas
 Los relieves:
Los relieves se extienden a lo largo de todo el fuste de la
columna dividido en dos partes , la inferior narra la
primera guerra dacica y la superior la segunda , estas dos
secciones están divididas por la aparición de la victoria
personificada , y es que en estos relieves tan poco bultos y
ásperos , lo cual no niega que se consigue una gran
sensación de profundidad , las personificaciones son
comunes como es el ejemplo de la personificación del rio
Danubio en la parte inferior donde se da inicio a la
primera narración como un anciano recostado .
Es también probable que los relieves estuvieran
policromados y ademas en ellos no se muestra ningún
signo de violencia explicita como seria en el caso de la
columna de marco aurelio , el enemigo siempre es
representado con honor y naturalidad y ademas el
emperador aparece 59 veces entre las 2,500 figuras que
aparecen siempre representado de estatura normal y no de
forma sobrehumana como seria el caso de los relieves
egipcio en los cuales el faraón siempre era representado
superior a los hombres normales.
Estos relieves son una gran fuente de información histórica sobre el ejercito
romano , sus técnicas , tácticas , formaciones , etc.. , puesto que en los
relieves se representan
cronológicamente los acontecimientos en las batallas de dacia y podemos
observar además
Historia y gestión del patrimonio artístico Rafael Ramos Navarro
de grandes ingenios de asedio o grandes proezas de las batallas el día a día de
los soldados además de actos religiosos como sacrificios y ofrendas .
Trajano se dirige a sus tropas, en
primer término la flota sobre el
(Muestra del relieve con sus colores
originales realizado mediante haces
de luz)
Ofrenda del emperador)
Rendición de los Dacios
Construcción de fortaleza)
 - En el relieve también se advierte una clara
evolución: se pasa del “Estilo Pictórico”, de
modelado y realismo plenamente
conseguidos, con varios planos, perspectivas
logradas con características casi pictóricas,
etc.; a los ejemplos de fines del Imperio, en
los que las figuras, frontales y hieráticas, se
yuxtaponen, constituyendo lo que se
denomina el “Estilo Cristalino” en las
composiciones, que ha de pasar al arte
cristiano.
 - Ejemplo de este último estilo:
 + Los relieves del Pedestal del
Obelisco de Teodosio: resumen de las
características del estilo.
 - Capítulo aparte merecen los sarcófagos,
donde podemos apreciar todas las
características mencionadas para el
relieve romano, tanto en los del Alto
Imperio, de temática mitológica o
narrativa sobre el difunto, como en los del
Bajo Imperio, ya bajo el predominio del
Cristianismo.
RELIEVE FUNERARIO
Es un tipo de relieve que decoraba los sarcófagos, contando con
variada temática, generalmente religiosa. Primero sus temas
fueron dioses paganos, como Marte, y a finales del Imperio
mandaban ya los temas cristianos.

RELIEVE FUNERARIO
Prometeo y Atenea crean el primer
Sarcófago: lucha entre Romanos y
germánicos
Sarcófago: con la historia de Aquiles