MANIERISMO

(3ER AÑO)

Manierismo, también conocido como Renacimiento tardío, es un estilo en el arte europeo que
surgió en los últimos años del Alto Renacimiento italiano alrededor de 1520 y duró hasta finales
del siglo XVI en Italia, cuando el estilo barroco comenzó a reemplazarlo. Manierismo del norte
continuó a principios del siglo XVII.

Nombre dado a la fase estilística en el arte de Europa entre el Alto Renacimiento y el barroco,
cubriendo el período comprendido entre c 1510-20 a 1600

El alejamiento del clasicismo del Alto Renacimiento es ya evidente en las últimas obras de
Leonardo da Vinci y Rafael, y en el arte de Miguel Ángel desde la mitad de su carrera creativa.
Aunque los artistas del siglo XVI tomaron el vocabulario formal del Alto Renacimiento como punto
de partida, lo usaron de maneras que fueron diametralmente opuesto al ideal armonioso al que
sirvió originalmente. Hay, pues, buenas razones para considerar el manierismo como una fase
estilística válida y autónoma, un estatus reivindicado por primera vez por los historiadores del arte
de principios del siglo XX. El término también se aplica a un estilo de pintura y dibujo practicado
por artistas que trabajan en Amberes un poco antes, desde c 1500 hasta c 1530

Estilísticamente, el manierismo abarca una variedad de enfoques influenciados por, y que

reaccionan a, los ideales armoniosos asociados con artistas como Leonardo da Vinci, Rafael y el
temprano Miguel Ángel. Donde el arte del Alto Renacimiento enfatiza la proporción, el equilibrio y
la belleza ideal, el Manierismo exagera tales cualidades, a menudo resultando en composiciones
que son asimétricas o antinaturalmente elegantes. El estilo es notable por su sofisticación
intelectual, así como por sus cualidades artificiales (en oposición a las naturalistas). Favorece la
tensión compositiva y la inestabilidad en lugar del equilibrio y la claridad de la pintura renacentista
anterior. El manierismo en la literatura y la música es notable por su estilo altamente florido y su
sofisticación intelectual.

La definición de Manierismo y las fases dentro de ella continúan siendo un tema de debate entre
los historiadores del arte. Por ejemplo, algunos estudiosos han aplicado la etiqueta a ciertas
formas modernas de la literatura moderna (especialmente la poesía) y la música de los siglos XVI y
XVII. El término también se utiliza para referirse a algunos pintores del gótico tardío que trabajan
en el norte de Europa desde aproximadamente 1500 a 1530, especialmente los manieristas de
Amberes, un grupo no relacionado con el movimiento italiano. Manierismo también se ha aplicado
por analogía a la Edad de Plata de la literatura latina.

Nomenclatura

La palabra manierismo deriva de la maniera italiana, que significa «estilo» o «manera». Al igual
que la palabra en inglés «estilo», maniera puede indicar un tipo específico de estilo (un estilo
hermoso, un estilo abrasivo) o indicar un absoluto que no necesita calificación (alguien «tiene
estilo»). En la segunda edición de Lives of the Most Excellent Painters, Sculptors, and Architects
(1568), Giorgio Vasari usó maniera en tres contextos diferentes: para discutir la manera o el
método de trabajo de un artista; describir un estilo personal o de grupo, como el término maniera
greca para referirse al estilo bizantino o simplemente a la maniera de Miguel Ángel; y afirmar un
juicio positivo de calidad artística. Vasari también fue un artista manierista, y describió el período
en el que trabajó como «la maniera moderna», o el «estilo moderno». James V. Mirollo describe
cómo los poetas de «bella maniera» intentaron superar en virtuosismo los sonetos de Petrarca.
Esta noción de «bella maniera» sugiere que los artistas que así se inspiraron buscaban copiar y
mejorar a sus predecesores, en lugar de confrontar a la naturaleza directamente. En esencia, «bella
maniera» utilizó lo mejor de una cantidad de materiales fuente, sintetizándolo en algo nuevo.

Como etiqueta estilística, «manierismo» no se define fácilmente. Fue utilizado por el historiador
suizo Jacob Burckhardt y popularizado por los historiadores del arte alemanes a principios del siglo
XX para categorizar el arte aparentemente inclasificable del siglo XVI italiano, un arte que ya no
exhibía los enfoques armoniosos y racionales asociados con el Alto Renacimiento. «Alto
Renacimiento» connotó un período distinguido por la armonía, la grandeza y el resurgimiento de la
antigüedad clásica. El término manierista fue redefinido en 1967 por John Shearman después de la
exposición de pinturas manieristas organizada por Fritz Grossmann en Manchester City Art Gallery
en 1965. La etiqueta «Manierismo» se usó durante el siglo XVI para comentar el comportamiento
social y transmitir un virtuoso refinado calidad o para significar una cierta técnica. Sin embargo,
para escritores posteriores, como el siglo XVII Gian Pietro Bellori, «la maniera» era un término
despectivo para la declinación percibida del arte después de Rafael, especialmente en las décadas
de 1530 y 1540. Desde finales del siglo XIX, los historiadores del arte han usado comúnmente el
término para describir el arte que sigue al clasicismo renacentista y precede al Barroco.

Sin embargo, los historiadores difieren en cuanto a si el Manierismo es un estilo, un movimiento o

un período; y aunque el término sigue siendo controvertido, todavía se usa comúnmente para
identificar el arte y la cultura europea del siglo XVI.

Origen y desarrollo

Hacia el final del Alto Renacimiento, los artistas jóvenes experimentaron una crisis: parecía que
todo lo que se podía lograr ya se había logrado. Ya no quedan más dificultades, técnicas o de otro
tipo, por resolver. El conocimiento detallado de la anatomía, la luz, la fisonomía y la forma en que
los humanos registran la emoción en la expresión y el gesto, el uso innovador de la forma humana
en la composición figurativa, el uso de la gradación sutil del tono, todo había llegado a la
perfección. Los artistas jóvenes necesitaban encontrar un nuevo objetivo, y buscaban nuevos
enfoques. En este punto, el manierismo comenzó a surgir. El nuevo estilo se desarrolló entre 1510
y 1520 ya sea en Florencia, o en Roma, o en ambas ciudades simultáneamente.

Orígenes y modelos a seguir

Este período ha sido descrito como una «extensión natural» del arte de Andrea del Sarto,
Michelangelo y Rafael. Miguel Ángel desarrolló su propio estilo a una edad temprana, uno
profundamente original que fue muy admirado al principio, y luego fue copiado e imitado por
otros artistas de la época. Una de las cualidades más admiradas por sus contemporáneos fue su
terribilità, un sentido de imponente grandeza, y los artistas posteriores intentaron imitarlo. Otros
artistas aprendieron el estilo apasionado y altamente personal de Miguel Ángel al copiar las obras
del maestro, una forma estándar que los estudiantes aprendieron a pintar y esculpir. Su techo de la
Capilla Sixtina proporcionaba ejemplos para que siguieran, en particular su representación de
figuras recogidas a menudo llamadas ignudi y de la Sibila libia, su vestíbulo a la Biblioteca
Laurentian, las figuras en sus tumbas Medici, y sobre todo su Juicio Final. El último Michelangelo
fue uno de los grandes modelos de Manierismo. Artistas jóvenes irrumpieron en su casa y le
robaron dibujos. En su libro Vidas de los pintores, escultores y arquitectos más eminentes, Giorgio
Vasari señaló que Miguel Ángel afirmó una vez: «Aquellos que son seguidores nunca pueden pasar
por quienes siguen».

El espíritu competitivo

El espíritu competitivo fue cultivado por patrocinadores que alentaban a los artistas apadrinados a
enfatizar la técnica virtuosa y competir entre ellos por comisiones. Condujo a los artistas a buscar
nuevos enfoques y escenas dramáticamente iluminadas, elaboradas prendas y composiciones,
proporciones alargadas, poses muy estilizadas y una falta de perspectiva clara. A Leonardo da Vinci
y Miguel Ángel se les asignó una comisión por parte del gonfaloniero Piero Soderini para decorar
una pared en el Salón de los Quinientos en Florencia. Estos dos artistas debían pintar uno al lado
del otro y competir entre ellos, alimentando el incentivo para ser lo más innovadores posible.

Manierismo temprano

Los primeros manieristas en Florencia, especialmente los estudiantes de Andrea del Sarto, como
Jacopo da Pontormo y Rosso Fiorentino, que destacan por sus formas alargadas, poses
precariamente equilibradas, una perspectiva colapsada, escenarios irracionales e iluminación
teatral. Parmigianino (un estudiante de Correggio) y Giulio Romano (asistente principal de Rafael)
se movían en direcciones estéticas similarmente estilizadas en Roma. Estos artistas habían
madurado bajo la influencia del Alto Renacimiento, y su estilo ha sido caracterizado como una
reacción o extensión exagerada de la misma. En lugar de estudiar la naturaleza directamente, los
artistas más jóvenes comenzaron a estudiar escultura helenística y pinturas de maestros pasados.
Por lo tanto, este estilo a menudo se identifica como «anti-clásico», sin embargo, en el momento
se consideraba una progresión natural desde el Alto Renacimiento. La primera fase experimental
del manierismo, conocida por sus formas «anti-clásico», duró hasta aproximadamente 1540 o
1550. Marcia B. Hall, profesora de historia del arte en la Universidad de Temple, señala en su libro
Después de Rafael que la muerte prematura de Raphael marcó el comienzo del Manierismo en
Roma.

En análisis anteriores, se ha observado que el manierismo surgió a principios del siglo XVI
contemporáneamente con otros movimientos sociales, científicos, religiosos y políticos, como el
modelo copernicano, el saqueo de Roma y el creciente desafío de la Reforma Protestante al poder.
de la Iglesia Católica. Debido a esto, las formas alargadas del estilo y las formas distorsionadas se
interpretaron una vez como una reacción a las composiciones idealizadas que prevalecen en el arte
del Alto Renacimiento. Esta explicación para el desplazamiento estilístico radical c. 1520 ha caído
en desuso académico, aunque el arte Manierista temprano todavía se contrasta fuertemente con
las convenciones del Alto Renacimiento; la accesibilidad y el equilibrio logrado por la Escuela de
Atenas de Raphael ya no parecía interesar a los artistas jóvenes.

Alta maniera
El segundo período del manierismo se diferencia comúnmente de la fase anterior, llamada
«anticlásica». Los manierismos posteriores enfatizaron los conceptos intelectuales y el virtuosismo
artístico, características que han llevado a los críticos posteriores a acusarlos de trabajar de una
«manera» antinatural y afectada (maniera). Los artistas de Maniera miraban a su contemporáneo
Michelangelo como su modelo principal; el suyo era un arte que imita el arte, más que una
naturaleza que imita el arte. El historiador de arte Sydney Joseph Freedberg argumenta que el
aspecto intelectual del arte manieraico implica esperar que su audiencia note y aprecie esta
referencia visual, una figura familiar en un entorno desconocido encerrado entre «invisibles, pero
sentidas, comillas». La altura del artificio es la inclinación del pintor Maniera por apropiarse
deliberadamente de una cita. Agnolo Bronzino y Giorgio Vasari ejemplifican esta variedad de
Maniera que duró aproximadamente de 1530 a 1580. Basada principalmente en tribunales y en
círculos intelectuales de toda Europa, el arte Maniera exagera la elegancia con una atención
exquisita a la superficie y al detalle: las figuras de porcelana se reclinan de , luz templada,
reconociendo al espectador con una mirada fría, si hacen contacto visual en absoluto. El sujeto de
Maniera rara vez muestra mucha emoción, y por esta razón las obras que ejemplifican esta
tendencia a menudo se llaman «frías» o «distantes». Esto es típico del llamado «estilo elegante» o
Maniera en su madurez.

La propagación del manierismo

Las ciudades Roma, Florencia y Mantua eran centros manieristas en Italia. La pintura veneciana
siguió un camino diferente, representado por Tiziano en su larga carrera. Varios de los primeros
artistas manieristas que habían trabajado en Roma durante la década de 1520 huyeron de la
ciudad después del saqueo de Roma en 1527. A medida que se extendían por el continente en
busca de empleo, su estilo se difundió por toda Italia y el norte de Europa. El resultado fue el
primer estilo artístico internacional desde el gótico. Otras partes del norte de Europa no tenían la
ventaja de ese contacto directo con artistas italianos, pero el estilo manierista se hizo sentir a
través de grabados y libros ilustrados. Los gobernantes europeos, entre otros, compraron obras
italianas, mientras que los artistas del norte de Europa continuaron viajando a Italia, ayudando a
difundir el estilo manierista. Artistas italianos individuales que trabajan en el norte dieron a luz a
un movimiento conocido como el manierismo del norte. Francisco I de Francia, por ejemplo, se
presentó con Venus, Cupido, Locura y Tiempo de Bronzino. El estilo decayó en Italia después de
1580, cuando una nueva generación de artistas, incluidos los hermanos Carracci, Caravaggio y
Cigoli, revivió el naturalismo. Walter Friedlaender identificó este período como «antimanormal», al
igual que los manieristas tempranos eran «anticlásicos» en su reacción lejos de los valores
estéticos del Alto Renacimiento.

Fuera de Italia, sin embargo, el manierismo continuó en el siglo XVII. En Francia, donde Rosso viajó
a trabajar para la corte de Fontainebleau, se lo conoce como el «estilo Henry II» y tuvo un impacto
particular en la arquitectura. Otros centros continentales importantes del manierismo norteño
incluyen la corte de Rudolf II en Praga, así como Haarlem y Amberes. El manierismo como
categoría estilística se aplica con menos frecuencia a las artes visuales y decorativas inglesas,
donde las etiquetas nativas como «isabelino» y «jacobeo» se aplican más comúnmente. El
manierismo artesano del siglo XVII es una excepción, aplicada a la arquitectura que se basa en
libros de patrones en lugar de en precedentes existentes en Europa continental.
De particular interés es la influencia flamenca en Fontainebleau que combinó el erotismo del estilo
francés con una versión temprana de la tradición vanitas que dominaría la pintura holandesa y
flamenca del siglo XVII. Prevalente en este momento era el «pittore vago», una descripción de los
pintores del norte que ingresaron a los talleres en Francia e Italia para crear un estilo
verdaderamente internacional.

Escultura

Como en la pintura, la escultura manierista italiana primitiva fue en gran medida un intento de
encontrar un estilo original que coronara el logro del Alto Renacimiento, que en escultura
significaba en esencia Miguel Ángel, y gran parte de la lucha para lograrlo se cumplió en encargos
para llenar otros lugares en la Piazza della Signoria en Florencia, al lado del David de Miguel Ángel.
Baccio Bandinelli se hizo cargo del proyecto de Hércules y Caco del propio maestro, pero era poco
más popular que ahora, y Benvenuto Cellini lo comparó maliciosamente con «un saco de
melones», aunque tuvo un efecto duradero en Aparentemente presentando paneles de alivio en el
pedestal de estatuas. Al igual que otras obras de él y otros manieristas, elimina mucho más del
bloque original de lo que Michelangelo habría hecho. El Perseo de bronce de Cellini con la cabeza
de Medusa es ciertamente una obra maestra, diseñada con ocho ángulos de visión, otra
característica manierista, y artificialmente estilizada en comparación con los David de Miguel Ángel
y Donatello. Originalmente un orfebre, su famosa bodega de oro y esmalte Salt Cellar (1543) fue su
primera escultura, y muestra su talento en su mejor momento.

Pequeñas figuras de bronce para gabinetes de coleccionista, a menudo temas mitológicos con
desnudos, fueron una forma renacentista popular en la que Giambologna, originalmente flamenca,
pero con sede en Florencia, se destacó en la última parte del siglo. También creó esculturas de
tamaño natural, de las cuales dos ingresaron a la colección en la Piazza della Signoria. Él y sus
seguidores idearon elegantes y alargados ejemplos de la figura serpentinata, a menudo de dos
figuras entrelazadas, que eran interesantes desde todos los ángulos.

Teóricos tempranos

Giorgio Vasari

Las opiniones de Giorgio Vasari sobre el arte de la pintura surgen en los elogios que otorga a otros
artistas en su obra Vidas de los artistas en múltiples volúmenes: creía que la excelencia en la
pintura exigía refinamiento, riqueza de invención (invenzione), expresada a través de la técnica
virtuosa (maniera) , y el ingenio y el estudio que apareció en la obra terminada, todos los criterios
que enfatizaban el intelecto del artista y la sensibilidad del patrón. El artista ya no era solo un
miembro entrenado de un Gremio local de San Lucas. Ahora ocupó su lugar en la corte junto a
eruditos, poetas y humanistas, en un clima que fomentó la apreciación de la elegancia y la
complejidad. El escudo de los patrones Medici de Vasari aparece en la parte superior de su retrato,
como si fuera del propio artista. El encuadre de la imagen en madera de las Vidas de los artistas de
Vasari se llamaría «jacobino» en un medio de habla inglesa. En él, las tumbas Medici de Miguel
Ángel inspiran las características arquitectónicas «anti-arquitectónicas» en la parte superior, el
marco perforado de papel, los desnudos satyr en la base. Como un simple marco, es extravagante:
manierista, en resumen.

Gian Paolo Lomazzo

Otra figura literaria de la época es Gian Paolo Lomazzo, quien produjo dos obras, una práctica y
otra metafísica, que ayudaron a definir la relación autoconsciente del artista manierista con su
arte. Su Trattato dell’arte della pittura, scoltura et architettura (Milán, 1584) es, en parte, una guía
de los conceptos contemporáneos del decoro, que el Renacimiento heredó en parte de la
Antigüedad, pero que el Manierismo elaboró. La codificación sistemática de la estética de
Lomazzo, que tipifica los enfoques más formalizados y académicos típicos de finales del siglo XVI,
enfatizaba una consonancia entre las funciones de los interiores y los tipos de decorados pintados
y esculpidos que serían adecuados. La iconografía, a menudo intrincada y abstrusa, es un elemento
más prominente en los estilos manieristas. Su Idea del tempio della pittura (El templo ideal de la
pintura, Milán, 1590), menos práctica y más metafísica, ofrece una descripción de la teoría de los
«cuatro temperamentos» de la naturaleza humana y la personalidad, definiendo el papel de la
individualidad en el juicio y la invención.

Algunos artistas manieristas

Jacopo da Pontormo

Joseph en Egipto, de Jacopo da Pontormo, presenta lo que en el Renacimiento se consideraría

colores incongruentes y un manejo incoherente del tiempo y el espacio.

Rosso Fiorentino y la escuela de Fontainebleau

Rosso Fiorentino, que había sido compañero de Pontormo en el estudio de Andrea del Sarto, en
1530 llevó el manierismo florentino a Fontainebleau, donde se convirtió en uno de los fundadores
del manierismo francés del siglo XVI, popularmente conocido como la «Escuela de Fontainebleau».
.

Los ejemplos de un estilo decorativo rico y agitado en Fontainebleau difundieron aún más el estilo
italiano a través de los grabados, a Amberes y de allí a través de Europa del Norte desde Londres a
Polonia. El diseño manierista se extendió a artículos de lujo como la plata y los muebles tallados.
Una sensación de tensión, emoción controlada expresada en simbolismo y alegoría elaborados, y
un ideal de belleza femenina caracterizado por proporciones alargadas son características de este
estilo.

Agnolo Bronzino

Los retratos manieristas de Agnolo Bronzino se distinguen por una elegancia serena y una atención
meticulosa a los detalles. Como resultado, se dice que los modelos de Bronzino proyectan una
actitud distante y distancia emocional del espectador. También hay una concentración virtuosa en
capturar el patrón preciso y el brillo de los textiles ricos.

Alessandro Allori

Alessandro Allori (1535-1607) Susanna and the Elders (abajo) se distingue por el erotismo latente y
el detalle de la naturaleza muerta conscientemente brillante, en una composición abarrotada y
contorsionada.

Tintoretto
La última cena de Tintoretto (abajo) se enfoca en la luz y el movimiento, llevando la imagen a una
vida dramática. A diferencia de las visiones más tradicionales de la Última Cena, Tintoretto
representa el Cielo abriéndose en la habitación y los ángeles observando con asombro, en línea
con la antigua máxima católica que «Si los ángeles fueran capaces de envidia, envidiarían a la
Eucaristía».

El Greco

El Greco intentó expresar la emoción religiosa con rasgos exagerados. Después de la

representación realista de la forma humana y el dominio de la perspectiva lograda en el alto
clasicismo renacentista, algunos artistas comenzaron a distorsionar deliberadamente proporciones
en el espacio irracional e inconexo para el efecto emocional y artístico. El Greco todavía es un
artista profundamente original. El Greco ha sido caracterizado por los estudiosos modernos como
un artista tan individual que no pertenece a ninguna escuela convencional. Los aspectos clave del
Manierismo en El Greco incluyen la discordante paleta «ácida», la anatomía alargada y torturada,
la perspectiva y la luz irracionales y la iconografía oscura y problemática.

Benvenuto Cellini

Benvenuto Cellini creó la Celine Salt Cellar de oro y esmalte en 1540 con Poseidon y Amphitrite
(agua y tierra) colocados en posiciones incómodas y con proporciones alargadas. Se considera una
obra maestra de la escultura manierista.

Joachim Wtewael

Joachim Wtewael (1566-1638) continuó pintando con un estilo manierista del norte hasta el final
de su vida, ignorando la llegada del Barroco, y convirtiéndolo quizás en el último artista manierista
significativo que aún está trabajando. Sus temas incluyeron escenas grandes con naturalezas
muertas a la manera de Pieter Aertsen, y escenas mitológicas, muchas pequeñas pinturas de
gabinete bellamente ejecutadas en cobre, y la mayoría presentando desnudos.

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo (también deletreado Arcimboldi) es conocido por sus retratos ideados a
partir de una composición de naturaleza muerta

Arquitectura manierista

La arquitectura manierista se caracterizó por trucos visuales y elementos inesperados que

desafiaron las normas del renacimiento. Los artistas flamencos, muchos de los cuales viajaron a
Italia y se vieron influenciados por los desarrollos manieristas de allí, fueron los responsables de la
difusión de las tendencias manieristas en Europa al norte de los Alpes, incluido en el ámbito de la
arquitectura. Durante el período, los arquitectos experimentaron con el uso de formas
arquitectónicas para enfatizar las relaciones sólidas y espaciales. El ideal renacentista de la
armonía dio paso a ritmos más libres y más imaginativos. El arquitecto más conocido asociado con
el estilo manierista, y un pionero en la Biblioteca Laurentian, fue Miguel Ángel (1475-1564). Se le
atribuye el invento de la orden gigante, una gran pilastra que se extiende desde la parte inferior
hasta la parte superior de una fachada. Lo usó en su diseño para el Campidoglio en Roma.
Antes del siglo 20, el término Manierismo tenía connotaciones negativas, pero ahora se utiliza para
describir el período histórico en términos más generales sin prejuicios. La arquitectura manierista
también se ha utilizado para describir una tendencia en los años sesenta y setenta que implicaba
romper las normas de la arquitectura modernista y, al mismo tiempo, reconocer su existencia.
Definiendo manierismo en este contexto, el arquitecto y autor Robert Venturi escribió
«Manierismo para la arquitectura de nuestro tiempo que reconoce el orden convencional en lugar
de la expresión original, pero rompe el orden convencional para acomodar la complejidad y la
contradicción y de este modo compromete la ambigüedad sin ambigüedades».