PINTURA GÓTICO
ROMA. ARQUITECTURA
HUÍDA A EGIPTO. TRECENTO, GIOTTO
Identificación obra
Obra: La huída a Egipto. (proporcionada en el examen). Original.
Autor: Giotto di Bondone. Escuela de Florencia considerado el precursor del
Renacimiento, muy reconocido en su momento (caso excepcional teniendo en
cuenta que los artistas eran considerados meros artesanos) (proporcionada en el
examen).
Localización en el tiempo: 1306 (siglo XIV). (proporcionada en el examen).
Localización en el espacio: Capilla Scrovegni, Padua. (Proporcionada en el
examen).
Estilo: Trecento. Escuela de Florencia.
¿Qué tenemos delante? Una de las obras más representativas de Giotto,
Análisis iconográfico.
Las pinturas se ubican en los muros de la capilla, donde se representan un conjunto de
escenas bíblicas de la vida de Cristo y la Virgen.
Representación de la Sagrada Familia.
Giotto representa uno de los episodios de la infancia de Jesús, en el que José, María y el
Niño protegido en brazos, caminan hacia Egipto guiados por un ángel.
¿Por qué? Después de la visita de los Magos, son avisados de la inminente persecución
de Herodes. La matanza de los inocentes.
Análisis formal
Técnica al fresco sobre mural. Supeditación a la arquitectura.
Color. Predominio del color sobre la línea. Destacan las tonalidades ocres, sin olvidar
los colores primarios como el rojo o el azul. Una característica de Giotto será la
utilización del azul para el cielo, aportando ya un mayor realismo en los fondos.
Línea. La línea es fina y sin excesivo detalle.
Volumen o corporeidad. Giotto utiliza un canon ancho, cuerpos con amplias túnicas
que generan un juego de claroscuro. Gradaciones de color y sombreado ayuda a
aportar volumen.
Jerarquía. Giotto sigue utilizando la famosa jerarquía del románico pero de un modo
más sutil. En este caso, cabria destacar el mayor tamaño de la figura de María. También
la composición ayuda a darle una mayor importancia a esta parte de la obra.
Composición central, la pintura nos conduce a focalizar la atención en la escena
central (María y el Niño). Gracias a la simetría en la que todo nos lleva al centro (las
miradas de los personajes, las conversaciones, el mayor tamaño de la figura de
María…).
Análisis formal
De la frontalidad a posiciones de perfil o incluso de espalda que ayuda a focalizar la
atención en la escena central. Será algo muy típico de Giotto.
Se insinúa el movimiento mediante detalles (pata del asno) o posiciones como el brazo
del ángel y destaca el sentido en avance hacia la derecha.
Abandono del hieratismo y estatismo. Diversidad de actitudes y gestos o miradas,
gran cantidad de interacciones entre los personajes que aportan dinamismo al
conjunto.
Intento de crear un espacio real (profundidad espacial). Aparece un paisaje
rudimentario y esquematizado (montañas triangulares, sencillos y esquemáticos
árboles…) que sustituyen los fondos dorados bizantinos. Uso de la grisalla.
Perspectiva. No existen espacios vacíos pues encontramos montañas y árboles que
tratan de evitar un fondo plano, intentando crear un espacio real con luz natural.
Análisis formal
Escorzo. Las figuras del fondo se aproximan al espectador. Un ejemplo el ángel.
Rostros expresivos sí bien aún mantienen características de periodos anteriores (ojos
grandes, cabezas ovaladas, aureolas doradas…) de influencia bizantina.
CONCLUSIÓN
Simbolismo o significado general. Gran introducción a la pintura moderna abriendo
el camino hacia la pintura del Quattrocento y Cinquecento (Miguel Ángel). Esta obra
es un claro ejemplo de las características propias de la Escuela de Florencia.
Finalidad. La obra tendría una función narrativa-didáctica de la religión cristiana del
momento. Fue un encargo de un famoso mecenas para castigar a su padre por
enriquecerse de un modo inapropiado.
Valoración como conclusión. Aconsejable el uso de adjetivos que se han ido utilizando
(profundidad y luz gracias a los paisajes del fondo, búsqueda del volumen en las
figuras…).
Expansión cristianismo, órdenes monásticas y su
evolución, feudalismo, la fe como elemento de unión…
EL DESDENDIMIENTO DE LA CRUZ. PINTURA
GÓTICA FLAMENCA
Identificación obra
Obra: El descendimiento de la cruz. (proporcionada en el examen).
Autor: Rogier Van der Weyden. Uno de los pintores más famosos de la pintura
flamenca. (proporcionada en el examen).
Localización en el tiempo: 1435 (siglo XV). (proporcionada en el examen).
Localización en el espacio: Inicialmente en la iglesia de Lovaina (Bélgica, Flandes),
actualmente Museo del Prado. (Proporcionada en el examen).
Estilo: Pintura Gótica Flamenca.
¿Qué tenemos delante? Un tríptico con una temática de gran imporancia y que se
acentua gracias a la expresividad que consigue Rogier Van der Weyden.
Análisis iconográfico.
Tabla central de un tríptico, sus alas laterales han desaparecido.
Encargo por parte de un grupo gremial, más tarde adquirida por la Monarquía de los
Habsburgo. Obra que llega a España gracias a la rama Habsburgo de los Austrias
españoles (1516 – 1700).
Escena representada recoge el momento en el que Jesucristo después de morir es
bajado de la cruz. Se distingue:
- Virgen desmayada.
- El evangelista Juan (rojo), único de los Apóstoles que acompañó a Jesús al pie de la cruz
y el primero que creyó en su resurrección.
- María Magdalena. Discípula famosa por su cercanía a Jesús en escenas como la Pasión,
crucifixión o Resurrección, considerada de igual rango que los Apóstoles. Subordinada
por la iglesia a un segundo plano por sus teóricos pecados (prostitución). Ello se
demuestra en esta pintura con un vestido algo escotado que haría alusión a su condición
pecadora.
- José de Arimatea. Santo que se dice que era el propietario del sepulcro donde fue
depositado el cuerpo de Jesús.
Análisis iconográfico.
Destacan detalles como las plantas o la calavera, podría aludir a la vida después de la
muerte.
Análisis formal
Técnica óleo sobre tabla.
Color . Riqueza cromática. Fondo dorado , y predominio de colores vivos, sobre todo
en aquellos personajes de gran importancia, rojo para San Juan o azul intenso para la
Virgen. El color aporta gran detallismo, por ejemplo en las tonalidades de la piel con el
objetivo de transmitir un realismo (estados de ánimo). Un blanco cadavérico para
Jesucristo, un blanco pálido para el desmayo de María, o rostros rojos para personajes
que lloran como San Juan.
Línea. La línea es fina, delimita las formas.
Volumen o corporeidad. Figuras con gran volumen gracias al contraste de la luz ay el
sombreado (cuellos). Todo gracias a unos ropajes voluminosos ricos en pliegues y
detallismo. Vestimentas que gracias al óleo se pueden intuir sus calidades y así
determinar las clases sociales.
Composición cerrada por un imaginario paréntesis entre San Juan y María Magdalena.
Además es simétrica, escena central presidida por la cruz y Jesucristo. Líneas curvas en
sintonía entre Jesucristo y la Virgen María.
Análisis formal
Ausencia total de frontalidad, domina el dinamismo dramático del conjunto, así como
también el movimiento y la gran interacción entre las figuras. Ello se transfiere gracias
al dominio de las líneas curvas que muestran las expresiones corporales y que ayudan
a abandonar el hieratismo y estatismo.
No existe un marco espacial, por tanto un fondo liso. Rogier Van der Weyden pretende
focalizar la atención del espectador en la escena principal, por tanto ausencia de
profundidad.
Figuras de cánones naturales, que destacan por la gran aportación de Weyden, la
expresividad. Dominio del dolor, angustía, pena, llanto y desmayo de la Virgen.
Una obra que transmite por tanto, un gran realismo gracias a esos ropajes ricos en
detalles, y sobre todo por las formas corporales y expresiones.
Detalle de las lágrimas de la figura de la
izquierda del cuadro, que destaca por la
expresión del dolor.
CONCLUSIÓN
Simbolismo o significado general. Una de las obras más significativas de la
pintura flamenca.
Finalidad. La obra tendría una función narrativa-didáctica de la religión
cristiana del momento. Obra asociada también a la floreciente economía de
Flandes.
Valoración como conclusión. Aconsejable el uso de adjetivos que se han ido
utilizando (ejemplo claro de la humanización de la iglesia gracias a la gran
expresividad…).
Expansión cristianismo, órdenes monásticas y su
evolución, feudalismo, la fe como elemento de unión…
EL MATRIMONIO ARNOLFINI. JAN VAN EYCK.
PINTURA GÓTICA FLAMENCA
Identificación obra
Obra: El matrimonio Arnolfini. (proporcionada en el examen).
Autor: Jan Van Eyck. Máximo representante de la pintura flamenca. Con contactos
importantes en la realeza española y portuguesa (lo que le permitió ampliar nuevos
mercados). A él se debe el perfeccionamiento del óleo cuyo resultado final es más
realista y detallista. Dio importancia al detallismo y el espacio tridimensional
utilizando una perspectiva a partir de la iluminación. (proporcionada en el examen).
Localización en el tiempo: 1434 (siglo XV). (proporcionada en el examen).
Localización en el espacio: National Gallery. (Proporcionada en el examen).
Estilo: Pintura Gótica Flamenca.
¿Qué tenemos delante? Uno de los primeros retratos y que además no alude a
una tipología completamente religiosa.
Análisis iconográfico.
La representación de los esposos revela los diferentes papeles que cumple cada cual en
el matrimonio: él ostenta el poder moral de la casa y sostiene con autoridad la mano de su
esposa que agacha la cabeza en actitud sumisa y posa su mano izquierda en su abultado
vientre, señal de un deseado embarazo (culminación como mujer).
Las ropas que llevan revelan su alta posición socioeconómica. El tabardo de él es oscuro
y sobrio y ella luce un ampuloso vestido color verde (alusión a la fertilidad) todo ello
complementado por un collar, varios anillos y un cinturón brocado, todo de oro.
Lo cierto es que esta pareja parece haber recopilado objetos de muchos países de
Europa: Rusia, Turquía, Italia, Inglaterra, Francia... Sin duda, Arnolfini, rico mercader, trabó
amistad o negocios con empresarios de toda Europa. Como se sabe, Brujas, donde se
instaló Giovanni, era un hervidero de burgueses de todas partes; y este mercader que
protagoniza el cuadro se jactaría de sus relaciones con todos ellos. Los flamencos se
enorgullecen del bienestar material que han logrado, de sus pequeñas posesiones, y las
representan en sus obras.
Análisis iconográfico.
Las naranjas, importadas del sur, eran
un lujo en el norte de Europa por lo que
simboliza la riqueza de la familia y la
prosperidad económica que les aguarda,
o quizás aluden al origen mediterráneo
de los retratados. Conocidas en el norte
como "manzanas de Adán",
representaban además la fruta prohibida
del edén en alusión al pecado mortal de
la lujuria. Los instintos pecaminosos de
la humanidad se santifican mediante el
ritual del matrimonio cristiano.
Análisis iconográfico.
La cama tiene relación en la realeza y
la nobleza con la continuidad del linaje y
del apellido. Representa el lugar donde
se nace y se muere. Era costumbre de la
época, en las casas acomodadas, colocar
una cama en el salón donde se recibían
las visitas. Aunque, generalmente, se
usaba para sentarse, ocasionalmente,
era también el lugar donde las madres
recién paridas recibían, con su bebé, los
parabienes de familiares y amigos.
Los tejidos rojos simbolizan la pasión.
La alfombra que hay junto a la cama
es muy lujosa y cara, procedente de
Anatolia, otra muestra de su fortuna y
posición.
Análisis iconográfico.
Los zuecos esparcidos por el suelo,
representan el vínculo con el suelo
sagrado del hogar y también son señal
de que se estaba celebrando una
ceremonia religiosa.
La posición de los zapatos es también
relevante: los de Giovanna, rojos, están
cerca de la cama simbolizando que era la
encargada del hogar; los de su marido,
más próximos al mundo exterior,
simbolizan que es él el encargado de
trabajar para llevar la prosperidad
económica a la casa. En aquel tiempo se
creía que pisar el suelo descalzo
aseguraba la fertilidad.
Análisis iconográfico.
Rosario. Regalo habitual del
novio a su futura esposa.
Espejo. Ejemplo de la
minuciosidad microscópica
conseguida por Eyck. Espejos
comunes en las casas
denominados “brujas” para
espantar la mala suerte. Es la
primera vez que se usa como
recurso pictórico. Escenas hacen
referencia al Vía Crucis y se
relaciona con una interpretación
del cuadro religiosa y espiritual,
recordando al mismo tiempo el
sacrificio que supone el
matrimonio.
Análisis iconográfico.
La lámpara sólo tiene una vela, que
simboliza la llama del amor, era
costumbre flamenca encender una vela el
primer día de la boda. Pero también
recuerda la permanente presencia de
Cristo.
El perro que destaca por su detallismo,
En los retratos, los perros suelen
simbolizar, como aquí, la fidelidad y el
amor terrenal.
Análisis iconográfico.
Los únicos que faltarían son el sacerdote y el testigo, necesarios en todas las bodas,
pero ambos personajes aparecen reflejados en el espejo, junto a la pareja: un clérigo y
el propio pintor, que actúa como testigo, y que, con su firma, no sólo reclama la autoría
del cuadro, sino que testifica la celebración del sacramento: Johannes de Eyck fuit hic
1434 (Jan van Eyck estuvo aquí en 1434). El cuadro sería, por tanto, un documento
matrimonial. No obstante, es también un cuadro evidentemente intemporal porque se
refiere simultáneamente a hechos que tienen lugar dentro del matrimonio, pero en
fases diversas a lo largo del tiempo. Este matrimonio no resultó como se esperaba,
pues los Arnolfini nunca tuvieron hijos y el comerciante fue llevado ante los tribunales
por una amante.
Análisis formal
Técnica óleo sobre tabla.
Color . Uso de colores fríos y cálidos dominando el verde y el rojo, así como también
colores oscuros como el negro o las tonalidades ocres. Gracias a la gradación tonal se
consigue un efecto de luz y volumen.
Línea. La línea es fina, delimita las formas.
Preocupación por la luz que penetra por la ventana, siendo suave y aportando claridad
al interior de la vivienda. Otro foco de luz queda fuera del cuadro e ilumina el rostro de
la mujer.
Perspectiva que genera profundidad a partir de varios puntos de fuga (líneas del suelo,
techo, espejo…).
Composición cerrada dominio de los esquemas verticales y con un punto central, las
manos de los personajes, aportando por tanto una simetría.
Análisis formal
Actitud hierática de los retratados, movimiento nulo en la imagen, dominio de la
rigidez, falta de espontaneidad. Poca expresividad.
Naturalismo. Representación de la realidad con la mayor exactitud por parte de Eyck.
Minuciosidad y gran detallismo gracias al empleo del óleo.
CONCLUSIÓN
Simbolismo o significado general. Una de las obras más significativas de la
pintura flamenca, y en especial por ser un retrato. Velázquez se inspiró en esta
obra para pintar las Meninas.
Finalidad. La obra tendría una función propagandística que elude a la riqueza
de la burguesía de Flandes.
Valoración como conclusión. Aconsejable el uso de adjetivos que se han ido
utilizando (ejemplo claro del detallismo y el realismo…).
Expansión cristianismo, órdenes monásticas y su
evolución, feudalismo, la fe como elemento de unión…
EL JARDÍN DE LAS DELÍCIAS. EL BOSCO
Identificación obra
Obra: El Jardín de las Delicias. (proporcionada en el examen).
Autor: El Bosco. Perteneció a la generación de artistas flamencos que trabajaron en el último
tercio del siglo XV y principios del siglo XVI. Creó un estilo original, que lo diferenciaba de los
demás por la temática y por el tratamiento de las formas, consiguió romper con la tradición
establecida. Los temas que trata se inscriben dentro de la corriente de pintura moralista y
alegórica que refleja la sociedad del momento, en la que los vicios convierten al ser humano en
presa de sus debilidades. Usa la sátira y un tono burlón para reflejar su arte. Sus obras tendrán
gran influencia posterior, destacando en la etapa del surrealismo del siglo XX (Dalí, uno de sus
predecesores) (proporcionada en el examen).
Localización en el tiempo: 1480 - 1490 (siglo XV). (proporcionada en el examen).
Localización en el espacio: Museo del Prado.(Proporcionada en el examen).
Estilo: Pintura Gótica Flamenca.
¿Qué tenemos delante? Un tríptico que define a un gran autor gracias a su estilo original y
diferenciador.
Análisis iconográfico.
TABLA CERRADA: El inicio de los tiempos, la creación de la Tierra por Jesucristo.
TABLA DERECHA: Creación Adán y Eva, el origen del pecado.
TABLA CENTRAL: Mundo de placeres y lujuria.
TABLA IZQUIERDA: Castigo en el infierno.
Análisis formal
Técnica óleo sobre tabla.
Color . Variedad cromática. Colores supeditados a la temática. Paraíso tonalidades amarillas y
verdes. Tabla central luz procede de los cuerpos blancos y desnudos, ya empieza a
predominar el rojo (pasión). En el infierno, colores más oscuros (rojos, negros y su
cromatismo).
Uso de la técnica grisalla, predominante en la tabla cerrada, la esfera que cubre la Tierra.
Luz predominante en el conjunto de la obra, gracias principalmente a un cromatismo vivo,
variado.
Línea. Importancia de la línea que ayuda a crear ese detallismo exagerado y destacado por
su minuciosidad.
Perspectiva que genera profundidad a partir de esa línea de horizonte tan alta.
Predominio del movimiento y formas anatómicas poco trabajadas. Gran expresividad y
dinamismo en su conjunto.
Composición caótica sin un orden establecido.
CONCLUSIÓN
Simbolismo o significado general. Obra transgresora que rompe con lo
establecido hasta el momento.
Finalidad moral, el sentido más lógico es presentar los vicios de la sociedad y
su castigo.
Valoración como conclusión. Aconsejable el uso de adjetivos que se han ido
utilizando (transgresora, gran simbolismo, una iconografía con múltiples
interpretaciones…).
Expansión cristianismo, órdenes monásticas y su
evolución, feudalismo, la fe como elemento de unión…
Otras obras El Bosco: El Carro de Heno, La extracción de la piedra de la locura…
