El término Barroco tuvo en su origen un carácter peyorativo puesto que deriva de la 1

palabra portuguesa barrôco que se refiere a una perla pequeña, extravagante e irregular,
pasando a tener un significado de exagerado, engañoso o recargado durante gran parte del
siglo XVII. En esta época se produce una continuidad de las ideas del Renacimiento con unos
rasgos diferenciadores.

RASGOS CARACTERÍSTICOS DEL BARROCO

El desengaño: es la idea barroca por excelencia, una desvalorización de lo terreno y se vuelve a

insistir en ideas medievales de la brevedad de la vida y la caducidad de las cosas.
La idea de la muerte: vivir es un breve tránsito entre la cuna y la sepultura, título de una obra de
Quevedo. El tiempo lo destruye todo y por, tanto, todo es vanidad.
La idea de la vida como sueño, teatro, apariencia: la realidad sólo es ilusión y apariencia, la vida es
sueño, el mundo es un gran teatro donde cada uno debe representar un papel.
El nuevo modelo de comportamiento humano: un ser esencialmente desconfiado.
El pesimismo: puede manifestarse mediante la angustia existencial, la protesta o la sátira, una
actitud estoica, la evasión o la diversión.

LA ESTÉTICA BARROCA

Representa un espíritu creador que presenta caracteres propios y definidos:

 Busca lo nuevo, lo original, lo sorprendente, la inteligencia del lector con violentos estímulos. Utiliza
para ellos brillantes imágenes, novedades estilísticas, ideas ingeniosas, o se sirve de lo pintoresco, lo grotesco y
lo hiperbólico.
 Sustituye las normas clásicas de los modelos grecolatinos por una actitud individualista y caprichosa,
tendiendo a la exageración de la realidad literaria.
 Tendencia a la artificiosidad y complicación, creando un arte para minorías.
 Es primordial el cultivo del contraste, fruto del desengaño y la incertidumbre vitales. Se manifiesta en
la violenta oposición de elementos extremos, el placer de las antítesis o el enfrentamiento de lo feo frente a lo
hermoso, lo refinado frente a lo vulgar, lo cómico frente a lo trágico.
 La concepción del mundo como mudanza e incesante cambio produce en el arte literario dinamismo
y movilidad. Su realización formal se aprecia, esencialmente, en abundante subordinación, hipérbatos, elipsis o
violentos encabalgamientos métricos.

TENDENCIAS LITERARIAS: CULTERANISMO Y CONCEPTISMO

El culteranismo y el conceptismo son las dos tendencias estilísticas dominantes en la literatura barroca
española. No se trata de movimientos opuestos. En ambas tendencias se rompe el equilibrio entre forma y
contenido (cómo se dice y qué se dice) defendido por la estética renacentista.

A) El conceptismo

Se basa en asociaciones ingeniosas de palabras o ideas. Para ello se juega con los significados de las
palabras y con sus relaciones más insospechadas. Los recursos más utilizados son la antítesis, la paradoja, la
condensación conceptual, las hipérboles, los equívocos, las dilogías, bisemias,... Los escritores conceptistas
más notables son Francisco de Quevedo y Baltasar Gracián.
 B) El culteranismo
2
El culteranismo considera, ante todo, la belleza formal. Para ello se emplean numerosos recursos:
metáforas audaces (así, el pájaro será “flor de pluma” o “ramillete con alas” y el arroyo “culebra que entre
flores se desata”), sinécdoques y metonimias, perífrasis, hipérboles, imágenes brillantes, voces sonoras,
procedimientos que buscan la musicalidad del verso (aliteraciones, paronomasias, palabras esdrújulas…). La
sintaxis se complica con giros procedentes del latín, con violentos hipérbatos, con exagerados
encabalgamientos. El vocabulario es original: incorpora numerosos cultismos léxicos de procedencia latina
(“émulo, náutico, cándido, cerúleo…”) y selecciona los términos por su colorido y suntuosidad (oro, rubíes,
perlas…) Se crea, así, una peculiar lengua poética, característica de Luis de Góngora y sus continuadores.

LA NOVELA PICARESCA

Puede hablarse de novela picaresca para denominar una serie de relatos que aparecen en unos pocos
años y comparten muchas características. La publicación en 1599 de la primera parte del Guzmán de Alfarache,
junto al que luego se editará frecuentemente el Lazarillo hace que ambas obras fijen el modelo picaresco con
una serie de rasgos:

֍ Uso de la autobiografía para relatar una serie de aventura.

֍ Justificación de toda la narración por el final.
֍ Los orígenes innobles del protagonista, que siempre hace referencia a su
ascendencia vil.
֍ La evolución del personaje desde la niñez hasta la muerte, dejando constancia
de los cambios en su vida y en su personalidad.
֍ La alternancia de fortunas y adversidades en la vida del protagonista.
֍ Los frecuentes viajes del pícaro, que sitúan la acción en lugares muy diversos.
֍ La explicación de todos los hechos que le suceden al personaje desde tres
coordinadas confluyentes: el linaje vil, las malas compañías y la experiencia
negativa de un mundo hostil.
Fuente: La buscadora de pulgas, Murillo

En cuanto al estilo, las novelas picarescas se caracterizan por:

➢ Inclinación hacia la oralidad (anacolutos, juegos fónicos, digresiones, comentarios, verbosidad de los
narradores…)
➢ Existencia de un lector implícito o destinatario de la ficción tanto externo a la narración como dentro de
ella misma al que se supone que está dirigido el relato escrito a modo de carta.
➢ El pícaro narrador intenta justificarse por su comportamiento.

Todas las novelas relatan el fracaso del pícaro en sus deseos de ascensión social. En algunos casos, los
autores parecen denunciar con ello la cerrada estructura social que no permite la supervivencia de los
desamparados. En otros casos, el autor apoya con su obra esa sociedad cerrada y castiga al pícaro en su
ilegítimo intento de escapar a su condición social.

Guzmán de Alfarache (1599-1604)

Dividida en dos partes, se publicó la primera en 1599 y la segunda en 1604. Su autor, Mateo Alemán
(1547-1615?), sevillano de ascendencia judía, llevó una vida complicada.
Al igual que le sucedió a Cervantes, entre la primera y la segunda parte del Guzmán, se publicó una
continuación apócrifa, firmada por Mateo Luján de Sayavedra (seudónimo del abogado valenciano Juan Martí).
Mateo Alemán, como Cervantes, aprovechó la segunda parte para ajustar cuentas literarias con el apócrifo.
 La importancia de la novela es muy grande para el desarrollo de la novela como género. De hecho, fue 3
leída durante los siglos XVII y XVIII en Francia e Inglaterra.
Mateo Alemán habría abordado en el Guzmán el grave problema de la mendicidad proponiendo la
secularización de la asistencia a los mendigos (es decir, que se ocupe de ellos el Estado, no la Iglesia), pero
además defendería una ética puritana del trabajo, mediante la cual el pobre se haría acreedor a los bienes que
en justicia le correspondían.

LA PROSA DE QUEVEDO

Aparte de una novela picaresca, el resto de sus libros son muy diversos y suelen agruparse atendiendo
al contenido de cada uno de ellos: filosófico, moral, político, satírico, humorístico. Tienen particular interés las
obras que parodian autores e ideas literarias, en especial a Góngora y el culteranismo: Aguja de marear cultos
o La culta latiniparla.
Su obra ascética más destacada es La cuna y la sepultura, acabada exposición del desengaño barroco.
Destacan, no obstante, las obras de carácter satírico-moral: los Sueños en el satiriza diversos tipos y
profesiones con intención moral y pesimismo; La hora de todos es quizá la obra maestra de la prosa didáctica
de Quevedo, continúa la sátira de figuras con el artificio literario de que la diosa Fortuna haga que durante una
hora todos se muestren como realmente son.

El Buscón

La vida del Buscón llamado don Pablos se imprimió por primera vez en 1626. Tuvo un éxito fulminante
y se reeditó varias veces en vida de Quevedo. Parte en su creación del Lazarillo y del Guzmán, pero los modifica.
Del Lazarillo toma la estructura general de la obra, sin digresiones moralizantes al estilo del Guzmán de
Alfarache, coincide también en la forma epistolar y en rasgos como el linaje vil del protagonista, su afán de
ascenso social, el hambre como móvil de las acciones y la dialéctica entre apariencia y realidad.
Pablos, el protagonista, cuenta episodios de su vida, pero no explica un caso ni aclara la curiosidad de
nadie. Por ello, estructuralmente los sucesos narrados no van unidos entre sí con la finalidad de explicar algo,
sino que son una serie de escenas o cuadros. En este sentido, la obra es un retroceso en el camino hacia la
novela realista: no hay estructura orgánica que justifique funcionalmente la presencia de los diversos episodios
de la obra. Tampoco puede apreciarse una evolución en el diseño del personaje al modo en que advertíamos
en Lázaro de Tormes.
Por tanto, el Buscón es básicamente un alarde literario en el que Quevedo despliega sus finísimas dotes
de estilo, a la vez que es también una obra que nos permite descubrir la mentalidad conservadora del autor y
su defensa de los privilegios nobiliarios.
Algunos de los rasgos estilísticos son: agudeza lingüística, tendencia constante a la exageración,
caricaturización hiperbólica de los personajes, etc.
Muchas de las características conceptistas son también representativas del estilo de Quevedo:
contrastes, paradojas, hipérboles, equívocos y dilogías, polisemias, paronomasias, elipsis, juegos verbales…

LA POESÍA DEL BARROCO

La poesía barroca refleja la conciencia de crisis, el pesimismo y el desengaño característicos de esta

etapa cultural. Presenta gran variedad de formas, estilos y temas:
 El amor es visto como pasión intensa adquiriendo un sentido trascendente, es
4
decir, se aprecia que perviva más allá de la muerte.
 La belleza de la mujer amada se aleja de la armonía renacentista y supera a la
propia naturaleza. Vinculada con el tópico del CARPE DIEM, se destaca el efecto
demoledor del paso del tiempo.
 La naturaleza se transforma en naturaleza sensual, llena de colores y sonidos.
 La mitología continúa siendo un asunto tratado a veces con tono noble y solemne
y otras con efectos paródicos y burlescos.
Fuente: Pixabay

La crisis despierta el interés por temas morales y filosóficos: la vanidad de las cosas, el engaño de las
apariencias, el paso del tiempo (presente en el tema del reloj, las ruinas, el UBI SUNT?, el TEMPUS FUGIT…) la
presencia de la muerte, el sueño como símbolo de vida y muerte, etc.

Los tres poetas barrocos más destacados son Lope de Vega, Góngora y Quevedo.

Lope de Vega

A) Poesía épica

Compuso dos textos inspirados en la épica italiana del Renacimiento: La hermosura de Angélica (1602),
que parte del Orlando furioso de Ariosto, y Jerusalén conquistada (1609). De carácter épico son también La
Dragontea (1588), sobre el pirata inglés Francis Drake, y El Isidro (1599) sobre el patrón de Madrid, san Isidro,
con el que inaugura una nueva clase de poema hagiográfico.

B) Poesía lírica

Como autor lírico recogió sus composiciones en Rimas (1602) de estilo petrarquista, Rimas sacras (1614)
que muestra su vertiente religiosa y Rimas humanas y divinas del licenciado Tomé de Burguillos (1634) son
producto de su época de melancolía y decepción que representa con la ironía y la burla.
Lope se valió de todos los metros, pero destacó particularmente en el uso del romance y del soneto. Es
uno de los máximos representantes del llamado Romancero nuevo o artístico. Además de otras composiciones,
cien sonetos son también el núcleo de sus Rimas sacras.
Lope siempre mantuvo la admiración por el virtuosismo culterano. De ahí la presencia en sus poemas
de paradojas, juegos de palabras, correlaciones, antítesis, sutilezas conceptuales, etc., pero también imita los
procedimientos propios de la poesía tradicional: metros cortos, paralelismo, repeticiones, estribillos,
adjetivación colorista, sencillez léxica, etcétera.

Luis de Góngora

Luis de Góngora y Argote nació en Córdoba en 1561 en el seno de una familia acomodada y culta. Estudió
Leyes en Salamanca y allí parece que se inició en las tareas poéticas al tiempo que llevaba una vida alegre y
desahogada, muere en 1627.

Es exclusivamente un poeta lírico, excepción hecha de la composición de dos comedias: El doctor Carlino
(inconclusa) y Las firmezas de Isabela, obras en las que se aparta del modelo del teatro de Lope de Vega. Se
conserva también más de un centenar de cartas, casi todas de la época madrileña, que contienen interesantes
datos biográficos y algunos juicios literarios. Su obra lírica de circuló de forma oral y manuscrita durante su
vida. Sus versos se editaron póstumamente, algunas ediciones con comentarios eruditos, como si se tratara
de un clásico.
 A) La poesía de arte menor
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Las letrillas y otras composiciones de arte menor a veces tienen un tono serio y tratan de temas graves
en los que se utilizan chistes, alusiones desvergonzadas, expresiones escatológicas, etc.
Sus romances son muy notables y con ellos el Romancero nuevo alcanza sus mayores cimas en los qu se
alterna e incluso mezcla lo serio y lo burlesco. Tratan temas caballerescos, moriscos, de cautivos, pastoriles,
amorosos, mitológicos, satíricos… Entre los romances merece especial atención la Fábula de Píramo y Tisbe,
larga composición de más de quinientos versos, que resume los rasgos de la poesía gongorina: tendencia al
cultismo junto a su gusto por lo popular, la visión burlesca de la realidad y la reflexión seria, el refinamiento
exquisito al lado de la expresión chocarrera.

B) La poesía de arte mayor

Góngora fue un gran sonetista. Sus sonetos normalmente siguen el modelo clásico de cuartetos
expositivos y tercetos conclusivos, aunque a veces utiliza fórmulas distintas.
Abordó en ellos variados temas: amorosos, satírico-burlescos, morales, mitológicos, …
a) Los sonetos amorosos son de influencia petrarquista, muy literarios y estilizados, y carecen de la
pasión vital que transmiten los de Lope o Quevedo.
b) Los sonetos satírico-burlescos incorporan elementos de la poesía popular y no evita el léxico
coloquial e incluso vulgar.
c) Los sonetos de tema moral reflejan la situación vital del poeta y, en tono serio o burlón, expresan
sus inquietudes, sobre todo los escritos en su última estancia en Madrid, en los que es manifiesto su
desengaño, y que entroncarían con el tópico clásico del “menosprecio de corte”

La Fábula de Polifemo y Galatea escrita en octavas reales y Soledades compuesta en silvas, son sus obras
más famosas.
En cuanto a su estilo y a los temas tratados, gran parte de los temas de los poemas de Góngora son los
propios de un poeta que bebe directamente en la tradición poética previa: el amor, con todos los tópicos de
la literatura petrarquista, la mitología, como fuente inagotable de motivos, la naturaleza como marco estilizado
y como referente bucólico ideal.
Hay una tendencia constante en su poesía a la expresión metafórica y perifrástica que evita presentar
las cosas directamente. Esta concepción de la poesía le lleva a una peculiar y originalísima poética en la que la
oscuridad es un factor estético de primer orden.
Destacan dentro de sus rasgos estilísticos: cultismos, vocablos extravagantes, hipérbaton abruptos,
léxico colorista (metales, sonidos, colores,…), metáforas, hipérboles, sinécdoques e imágenes, entre otras.

Francisco de Quevedo

No llegó a ver publicadas sus obras poéticas en vida, aunque muchas de ellas circularon de forma
manuscrita. En 1648, su amigo González de Salas publicó buena parte de ellas en El Parnaso español. Un
sobrino del escritor publicó en 1670 otra parte de sus textos poéticos, pero también con alteraciones diversas.
Todo ello hace que la poesía de Quevedo haya llegado hasta hoy con numerosos problemas textuales.
La abundantísima obra poética de Quevedo (unas mil composiciones) suele agruparse atendiendo a sus
temas: poemas filosóficos, morales, religiosos, amorosos, satírico-burlescos y de circunstancias.
a) Poemas de tema grave (filosóficos, morales, religiosos): abordan temas típicamente barrocos como
la muerte, la brevedad de la vida, la fugacidad del tiempo, la censura de vicios diversos o el desengaño,
habitualmente desde una perspectiva en la que se funden el cristianismo y el neoestoicismo senequista.
b) Poemas amorosos: están impregnados de petrarquismo y neoplatonismo, aunque muchas veces el
ideal amoroso se ve enturbiado por la presencia destructora de la muerte. Al lado de esta poesía amorosa
sublime, cuya voz lírica suele ser la del propio poeta, son frecuentes también las composiciones en las que
aborda el amor en clave satírica, irónica, paródica, cómica o abiertamente erótica. Muy frecuentemente, el
sujeto enamorado no es entonces el propio poeta.
 c) Poemas satírico-burlescos: predomina el verso octosílabo. Son los que más claramente ponen de
manifiesto la capacidad para la agudeza y el ingenio lingüístico de Quevedo. Los objetos de su sátira son muy 6
variados: mujeres, maridos burlados, judíos, médicos, boticarios, abogados, jueces, escritores (Góngora en
particular), las modas, el poder del dinero, etcétera.

La clasificación de su poesía da una idea resumida de los temas característicos de la obra poética de
Quevedo. Gran parte de estos temas son tópicos literarios, pero Quevedo imprime siempre en ellos su sello
personal.

a) El amor: sus poemas amorosos de tono serio son claramente deudores de la tradición cortesana y
petrarquismo. Cuando Quevedo expresa en la lírica amorosa sus preocupaciones metafísicas, la mujer
desaparece. En cambio, pasa a primer plano una resistencia angustiada a la mortalidad final del cuerpo. En el
centro mismo de su poesía amorosa y de sus meditaciones líricas sobre la muerte se encuentra la angustia de
la soledad.
b) La muerte, la vida, el tiempo: es una preocupación permanente en la poesía de Quevedo, que
manifiesta siempre su horror al no-ser; constante meditar sobre la brevedad de la vida o sobre la fugacidad
del tiempo, que nadie es capaz de detener. El tiempo destructor todo lo puede, pero es a la vez inaprensible,
no para un momento y, entre tanto, angustiosamente, la vida se escapa de modo irremediable.
c) La realidad como apariencia: el pesimismo barroco. Lo que se ve no es más que apariencia engañosa,
empezando por el amor mismo. Y de ahí el desengaño típicamente barroco y la actitud desconfiada propia de
quien no advierte seguridad alguna.
d) La decadencia española: el desengaño. Este hondo pesimismo quevedesco, esta visión desolada del
hombre y del mundo es indisociable de su percepción de la decadencia española. Todos los valores que
defiende (amor, honor, etc.) son los viejos ideales nobiliarios que a su alrededor se desmoronan. Este
desengaño quevedesco trasciende las circunstancias específicas de su persona y su entorno histórico-social
para alcanzar, gracias a su ingenio de escritor, inigualables honduras meditativas sobre la condición humana.

Los rasgos del conceptismo son aplicables a la poesía de Quevedo: son constantes en ella juegos de
palabras, equívocos, dilogías, polisemias, paronomasias, hipérboles, antítesis, paradojas, deformaciones
grotescas, etcétera. El soneto es, sin duda, el ejemplo máximo de esta perfección poética.

Conviene indicar, en fin, una característica muy peculiar de la lengua poética de Quevedo: su intensidad
afectiva. El apasionamiento del poeta se vierte en sus textos mediante la abundancia de oraciones
interrogativas, exclamativas y apelativas, mediante llamadas directas al lector (apóstrofes, vocativos,
imperativos, pronombres y verbos en segunda persona, etc.) o mediante el frecuente uso de diminutivos y
aumentativos de carácter afectivo.

EL TEATRO DEL BARROCO

El teatro fue prohibido en algunos países europeos, sólo en España y en Inglaterra pervive y se desarrolla
un teatro popular, concebido como espectáculo para entretener y divertir a la gente más variada, que paga
por acudir a las representaciones. El teatro adquiere entonces las características de un negocio, vinculado con
mucha frecuencia a instituciones de beneficencia, las cofradías, que sufragan con los ingresos del teatro los
gastos de sus obras de caridad. Lógicamente, muchas personas tenían también el teatro como medio de vida:
empresarios, actores, escritores, etcétera.

Los corrales de comedias

El crecimiento de las ciudades en las últimas décadas del siglo XVI propició la aparición de lugares de
representación fijos. Se trata de los corrales de comedias, patios de vecindad habilitados al efecto; en ellos se
produce una sorprendente convivencia directa entre público y actores. Tienen la siguiente estructura:
 a) Tablado: frente a la puerta de entrada estaba el tablado que servía de escenario; tras él se
encontraban los vestuarios y los corredores que se utilizaban para las tramoyas y otros efectos escénicos. En 7
el tablado mismo, existían unos orificios, los escotillones, por los que subían y bajaban los actores.
b) Patio: en el patio se situaban bancos de maderas y, a veces, gradas laterales que ocupaban los
hombres. En la parte de atrás del patio no había bancos y los hombres estaban de pie.
c) Pisos: en los pisos superiores, encima de la puerta de entrada, estaba la cazuela, lugar donde se
ubicaban las mujeres sentadas en gradas. En el piso principal, había aposentos para las autoridades
municipales. En las fachadas laterales se encontraban los aposentos, alquilados por los nobles y las familias
ricas. Aquí estaban juntos hombres y mujeres.

Fuente: https://58d5261d-a-62cb3a1a-s-sites.googlegroups.com/site/teatrolopedevegaycarpio/home/teatro-barroco/corral%20de%20comedia%202.png?attachauth=ANoY7crx7DBi1Tr75TFBNUfxlKxc6KXF2TUIFRIm7NmSd8CP44kr2KOmGRmnpXPS1XLRl5lvZQdAwuOG9p-
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Para entrar había que pagar obligatoriamente dos veces: la primera entrada era para las compañías, la
segunda para las cofradías.
La temporada teatral se desarrollaba desde Pascua hasta Carnaval del año siguiente. Las
representaciones tenían lugar por las tardes, para aprovechar la luz del día; eran muy largas y prácticamente
sin interrupción, pues en los intermedios se ofrecían entremeses y bailes con el objeto de entretener a los
espectadores y mantener viva su atención. El público era ruidoso y molesto.

Agrupaciones teatrales

Las más importantes eran las compañías, que podían tener hasta veinte componentes. Las compañías
eran de dos tipos:
a) Compañías de título o compañías reales, que actuaban en las grandes ciudades y tenían el privilegio
de representar ante el rey.
b) Cómicos de la legua, grupos de actores que sólo tenían autorización para representar a más de una
legua de las grandes ciudades, que eran los dominios de las compañías reales.

Tenían una organización muy determinada (estructura, contratos formalizados, jornada laboral,
ensayos, repertorio, etc.) Al director de la compañía se le llamaba autor y era quien contrataba a los actores,
cuya vida no era demasiado fácil, aunque también entre ellos había jerarquías.

El teatro cortesano

Se representaba en los palacios de los nobles o en el del rey. Es más complicado escenográfica y
formalmente que el de los corrales. A veces el texto literario tenía un carácter secundario en beneficio del puro
espectáculo, en el que era ingrediente fundamental la música. Las representaciones estaban hechas por
actores profesionales, aunque, en ocasiones, intervenían los nobles e incluso el propio monarca.
El auto sacramental
8
Es una obra en un acto, con personajes alegóricos, que desarrolla un tema religioso con intención
didáctica y que concluye con la exaltación de la Eucaristía. Tenía su origen en el teatro religioso medieval y su
precedente inmediato en las farsas y otras piezas sacramentales y alegóricas del siglo XVI.
Se representaban en plazas públicas con ocasión de la fiesta del Corpus, la asistencia era libre y el
montaje estaba costeado por los ayuntamientos. El escenario estaba constituido por carros, inicialmente muy
sencillos, pero luego muy sofisticados, con utilización de maquinaria para mover la muy rica escenografía.

Características de la comedia nueva

Se denomina comedia nueva al tipo de obras que, a partir de Lope de Vega,. Los miles de textos
responden a unos patrones comunes que facilitan la rápida composición de las obras ajustándose a los moldes
preestablecidos. Con ello se pretende satisfacer la incesante demanda del público de la época, voraz
consumidor de obras teatrales.
a) Mezcla de lo trágico con lo cómico: frente a la idea clásica de separar tragedia y comedia, las obras
pueden mezclar elementos cómicos y trágicos para mayor satisfacción del auditorio.
b) Ruptura de la regla clásica de las tres unidades (lugar, tiempo y acción): proporciona mayor variedad
y espectacularidad el incumplimiento de las tres unidades dramáticas exigidas por las retóricas clasicistas:
- La unidad de lugar exigía que la obra se desarrollara en un mismo lugar o lugares próximos, pero en las
comedias españolas es frecuente que los hechos sucedan en sitios diversos.
- La unidad de tiempo prescribía que el argumento dramático transcurriera como máximo durante un
día, prescripción que no cumplen las comedias barrocas.
- La unidad de acción establecía que los sucesos dramatizados estuvieran todos relacionados con un caso
central y único, lo que frecuentemente se incumple en las comedias del XVII, en las que se desarrolla una
acción principal, cuyos protagonistas son el galán y la dama, y una secundaria, protagonizada por los criados,
aunque el carácter de esta segunda acción depende muchas veces del tema de la comedia.
c) Personajes de la comedia nueva: carecen de complejidad psicológica y que se comportan como meros
personajes-tipo cuyas actitudes y reacciones son fácilmente previsibles. Desempeñan funciones fijas y se
caracterizan por rasgos permanentes (idealización de galán y dama, lealtad en los criados, respeto y honor en
padre, justicia en el monarca):
· Galán: guapo y valiente.
· Dama: hermosa y enamoradiza.
· Barba: puede ser un viejo o el mismo rey, hace la función del poderoso que soluciona fácilmente el
conflicto.
· Antagonista, que se opone al galán.
· Criada, acompañante y confidente de la dama
· Criado, también confidente del galán y que suele desempeñar la función de gracioso.
d) El gracioso o figura del donaire: personaje que permite dialogar al protagonista y expresar sus
inquietudes, tiene otras diversas funciones:
- Sirve para crear momentos cómicos que rebajen la tensión dramática acumulada en la obra.
- Es un contrapunto cómico o irónico a su señor al que, a veces, parodia.
- Desempeña el papel de narrador de sucesos no escenificados en las tablas.
- Tiene, a veces una función distanciadora muy moderna, al advertir al público con su actuación de que
lo que allí se ve no es realidad, sino literatura.
e) Reducción a tres actos o jornadas: la necesidad de mantener la atención del público puede explicar
también la división en tres actos o jornadas de las comedias españolas, frente a los cinco actos del teatro
clasicista. Así, de forma directa, el escritor puede exponer el asunto en la primera jornada, desarrollarlo en la
segunda y concluirlo en la tercera: planteamiento, nudo y desenlace.
f) El lenguaje de las comedias: viene explicado por el carácter popular del auditorio, por lo que se rehúye
la expresión culterana y no se abusa de alusiones bíblicas, mitológicas o literarias.
 g) Decoro expresivo o poético: se pretende que la lengua se ajuste a la situación y a la condición de los
personajes, de modo que estos hablen conforme a su rango social y ello pueda distinguir, por ejemplo, al rey 9
del gracioso. Esta adecuación de la lengua al personaje se denomina decoro poético y es la única regla que
Lope respeta.
h) Polimetría y variedad de estrofas: todas las comedias son en verso porque facilita su memorización.
Se propone que la métrica se adecue a las situaciones y los asuntos variando los metros de acuerdo con el
pasaje, situación y personaje. Para asuntos de mayor trascendencia: endecasílabos y heptasílabos; para temas
ligeros, versos castellanos de arte menor).
El romance para una historia o narración; el soneto para el que espera; la redondilla y la quintilla son
frecuentes en los diálogos; las estrofas de versos de arte mayor para asuntos serios. Se intercalaban además
letrillas cantadas y bailes que interrumpen el curso de la acción, elementos líricos extraídos del acervo popular,
bien conocido por el espectador.
i) Elementos escénicos y visuales de las comedias:
· El vestuario tenía que ser adecuado a las características de los personajes.
· Las escenas podían ser exteriores (jardines, montes, barcos, torres…) o interiores, y el decorado, más
o menos minucioso, había de dar cuenta de ello.
· Los accesorios escénicos podían ser a veces complejos. No era insólito que aparecieran animales en
escena.
· La música también era utilizada, y con ellas, canciones populares o tradicionales o imitaciones de éstas.
Todo ello indica que los textos literarios eran sólo una parte de un espectáculo más amplio, aunque la
palabra poética servía para suscitar el interés de la gente. De ahí la importancia de los diálogos, pero también
de las llamadas al silencio en prólogos y loas para despertar la curiosidad del oyente, fin al que van
encaminados igualmente recursos sonoros como ruidos, llamadas de atención, etcétera.
j) Los actores: las acotaciones de los textos teatrales les ofrecen tres tipos de indicaciones:
- Acotaciones gestuales, que tienen como objeto que el actor dé con su cuerpo expresión externa de un
estado físico o anímico (emociones, sentimientos o pasiones).
- Acotaciones que indican el movimiento o posición del actor sobre el tablado.
- Acotaciones relativas a la voz, que especifican entonación, timbre, fuerza y elevación de la enunciación
dramática.

Los temas de las comedias barrocas son variadísimos:

* Religiosos: asuntos bíblicos, vidas de santos, leyendas, tradiciones piadosas…

* Históricos y legendarios: de la Antigüedad, de la Edad Media europea, leyendas locales, asuntos
tomados de crónicas hispánicas medievales, del Romancero…
* Pastoriles y caballerescos, novelescos, costumbristas, de campesinos agraviados, mitológicos,
filosóficos…
* Amoroso: son las más frecuentes. Se desarrollan en un ambiente desasosegado, propicio para el
enredo, con profusión de quejas, riñas, celos. En estas comedias el final feliz es lo normal, aunque existen
excepciones.
Es muy importante también la presencia del tema del honor, concebido como una fuerza superior que
se superpone a los deseos de los personajes y que los obliga a actuar conforme a unas normas preestablecidas.
Toda afrenta a la honra era considerada un asunto muy grave y debía ser reparada.
l) Visión del mundo de las comedias barrocas: se presenta una sociedad jerarquizada, en la que cada
cual conoce muy bien el lugar que le corresponde. En la cúspide de la pirámide social se halla el rey,
encarnación de la monarquía, concebida como institución teocrática cuya fuente de poder se encuentra en
Dios mismo. Evidentemente, se trata de una sociedad cristiana en la que no caben disensiones ni herejías.
Lope de Vega, dramaturgo 10

Nació en Madrid en 1562 dentro de una familia modesta, realizó diversos estudios y pronto se dedicó a
la literatura, que le proporcionó apreciables rendimientos económicos. Sirvió también a varios nobles (duque
de Alba, duque de Sessa), a los que no dudó en adular. Se casó dos veces, enviudó otras tantas y vivió, además,
con otras mujeres, que aparecieron en sus poemas con nombres ficticios (Zaida, Filis, Belisa, Camila Lucinda,
Amarilis, Marcia Leonarda, Dorotea…). La muerte de uno de sus hijos, Carlos Félix, le llevó a ordenarse
sacerdote en 1614. No obstante, en 1616 se enamora de Marta de Nevares, joven ya casada, y, sin miedo al
escándalo, vive con ella. Pero Marta enfermó (ciega y loca) y los últimos años de la vida de Lope fueron
penosos. Cultivó la mayor parte de los géneros literarios de su tiempo. Fue excelente poeta lírico y épico.:

A) Obra en prosa

Escribió también diversas obras en prosa siguiendo variados modelos narrativos: un libro pastoril
próximo aún al idealismo renacentista, La Arcadia (1598); otra narración pastoril de carácter religioso y que
apunta cierta visión pesimista del mundo, Los pastores de Belén (1612); una novela bizantina de complicadas
aventuras, pero cuyos sucesos transcurren sin salir de tierras españolas, El peregrino en su patria (1604); cuatro
novelas cortas al estilo italiano, Novelas a Marcia Leonarda (1621-1624), dedicadas a su último amor, Marta
de Nevares (Marcia Leonarda), en La Dorotea, Lope rememora episodios de su biografía, fundiendo el presente
con el pasado y la vida con la literatura.

B) Obra teatral

Es un autor fundamental dentro del teatro español por la creación del modelo teatral de la comedia
nueva. Sus ideas dramáticas fueron expuestas en el Arte nuevo de hacer comedias en este tiempo (1609). Se
trata de un discurso académico escrito en endecasílabos sueltos, que se vio convertido en un polémico
manifiesto literario. En él, de forma a veces equívoca y no exenta de ironía, se indican las características que
deben reunir las obras teatrales de la época.

B1) Comedias de enredo y costumbres

La dama boba, El perro del hortelano, Servir a señor discreto, La moza del cántaro, La villana de Getafe,
Las bizarrías de Belisa… En ellas, la intriga es fundamental y el ambiente contemporáneo, urbano (comedias
de capa y espada) o rural.

B2) Dramas de honor campesino

Un grupo muy importante lo constituyen los dramas de honor campesino, con el tipo del villano libre y
digno, el labrador rico y cristiano viejo, que se enfrenta, en ocasiones, a un noble, un comendador, que le ha
deshonrado: Fuente Ovejuna; Peribáñez y el comendador de Ocaña; El mejor alcalde, el Rey; El villano en su
rincón, etc.

B3) Dramas trágicos

El caballero de Olmedo o El castigo sin venganza, obra esta última escrita en los postreros años de la
vida de Lope, representativa de su desengaño final y en la que compite en profundidad con Calderón, pero fiel
a su estilo.

Calderón de la Barca

Nació Pedro Calderón de la Barca en Madrid en el año 1600 dentro de una familia hidalga. Su padre era
escribano de la Hacienda real y Pedro fue el segundo de tres hermanos varones. Estudió con los jesuitas y luego
en las universidades de Alcalá y Salamanca. Pero en 1620 abandonó los estudios, quizá a causa de algunas
deudas, y regresó a Madrid.
 Comienza muy pronto a escribir obras teatrales y estrena la primera en 1623. Es el dramaturgo más
estimado en la Corte. En 1637, Felipe IV le concede el hábito de caballero de Santiago. En consonancia con la 11
protección que le asiste, Calderón defenderá siempre en sus obras la monarquía. En 1651 se ordenó sacerdote.
En 1663 fue nombrado capellán de honor del rey. En el tramo final de su vida no abandonó sus actividades
literarias, pero fue menos prolífico y escribió, sobre todo, autos sacramentales. Falleció en Madrid en 1681.

Fue un escritor casi exclusivamente teatral. En la producción calderoniana suelen distinguirse dos
etapas:
a) Dramas, de corte realista, próximos a la comedia nueva de Lope.
b) A partir de la composición de La vida es sueño, tiende hacia un drama de tipo filosófico, de
construcción más elaborada, en el que son característicos los elementos simbólicos y alegóricos.

La variedad temática de las obras de Calderón hacen muy difícil la clasificación por temas. No obstante,
puede proponerse una división entre comedias, tragedias o dramas trágicos y autos sacramentales:

a) Comedias: dentro de ellas hay que distinguir:

· Comedias de enredo, concebidas para ser representadas en los corrales de comedias, entre las que
destacan La dama duende o Casa con dos puertas mala es de guardar.
· Comedias de aparato, compuestas para las funciones cortesanas del teatro del Buen Retiro. Las
comedias de aparato desarrollan frecuentemente un asunto mitológico, como es el caso de Eco y Narciso, La
estatua de Prometeo y La fiera, el rayo y la piedra.
b) Tragedias o dramas trágicos:
· Tragedias que expresan el conflicto entre la libertad y el destino: El mayor monstruo del mundo, Los
cabellos de Absalón y La cisma de Inglaterra.
· Tragedias que plantean un conflicto de honor, como la famosísima El alcalde de Zalamea y también A
secreto agravio, secreta venganza, El médico de su honra y El pintor de su deshonra, dramas trágicos que se
centran en el problema de los celos.
· Tragedias que tratan sobre la naturaleza del poder como La vida es sueño y La hija del aire.
c) Autos sacramentales: El gran teatro del mundo, El gran mercado del mundo, La cena del rey Baltasar
y Los encantos de la culpa.

Las características de su teatro parte de la fórmula dramática de Lope y sus seguidores, pero
paulatinamente introduce en ella una serie de cambios que implican la renovación del género de la comedia
nueva.
• Tiende a respetar la unidad de acción: respetando el trazado de los argumentos y evitando la
acumulación de accidentes y de intrigas secundarias.
• Limita el número de personajes y prefiere destacar uno sobre todos los demás para convertirlo en el
eje sobre el que gira la acción de las obras y en torno al que se organizan los demás personajes.
• Los protagonistas suelen tener un carácter intelectual y reflexivo: exponen sus ideas a través de largos
parlamentos, cuyo uso es una de las características del teatro de Calderón, aunque siempre trata de equilibrar
en sus obras los monólogos y los diálogos. Son personajes que se ven a veces sometidos a una norma moral
que los obliga a comportarse de una forma determinada. No obstante, pueden utilizar su libertad y no respetar
esa libertad moral.
• El lenguaje de Calderón es mucho más artificioso que el de Lope y se advierte el uso tanto de recursos
conceptistas como culteranos, aunque con cierta preferencia por la lengua gongorina. Esto tiene que ver, claro
está, con el tipo de público (cortesano y culto) al que va dirigido su teatro.
Destaca especialmente en Calderón el uso del símbolo y la alegoría como medios para transmitir
determinados contenidos y para plantear problemas universales de la existencia humana.
Los temas de las comedias de Calderón son los mismos de toda la comedia barroca: la historia y las
leyendas nacionales y extranjeras; los motivos religiosos; la mitología; los conflictos de honra, amor y celos,
etc.
Destaca en Calderón el proceso de reflexión intelectual. Su enorme bagaje cultural y su habilidad en el
planteamiento dialéctico de los conflictos, disecciona en su obra con suma agudeza los entresijos de la
conciencia humana.
 1.BUSCAS LAS CARACTERÍSTICAS DEL CONCEPTISMO Y DEL CULTERANISMO EN LOS SIGUIENTES
POEMAS. 12

SONETO DE QUEVEDO
Cerrar podrá mis ojos la postrera
sombra, que me llevaré el blanco día;
y podrá desatar esta alma mía
hora, a su afán ansioso linsojera;
mas no de esotra parte en la ribera
dejará la memoria en donde ardía;
nadar sabe mi llama la agua fría,
y perder el respeto a ley severa:
Alma a quien todo un Dios prisión ha sido,
venas que humor a tanto fuego han dado,
medulas que han gloriosamente ardido,
su cuerpo dejarán, no su cuidado;
serán ceniza, mas tendrán sentido.
Polvo serán, mas polvo enamorado.

SONETO DE GÓNGORA
Mientras por competir con tu cabello
oro bruñido al sol relumbra en vano,
mientras con menosprecio en medio el llano
mira tu blanca frente al lilio bello;

mientras a cada labio, por cogello,

siguen más ojos que al clavel temprano,
y mientras triunfa con desdén lozano
del luciente cristal tu gentil cuello,

goza cuello, cabello, labio y frente,

antes que lo que fue en tu edad dorada
oro, lilio, clavel, cristal luciente,

no sólo en plata o vïola troncada

se vuelva, más tú y ello juntamente
en tierra, en humo, en polvo, en sombra, en nada.

LOPE DE VEGA
Cuando imagino de mis breves días
los muchos que el tirano amor me debe,
y en mi cabello anticipar la nieve,
más que los años, las tristezas mías,

veo que son sus falsas alegrías

veneno que en cristal la razón bebe,
por quien el apetito se le atreve,
vestido de mil dulces fantasías.

¿Qué hierbas del olvido ha dado el gusto

a la razón, que sin hacer su oficio
quiere contra razón satisfacelle?

Mas consolarse quiere mi disgusto,

 que es el deseo del remedio indicio,
y el remedio de amor querer vencelle. 13

2. Indica el tema, la métrica y las figuras literarias presentes en ambos poemas. Recuerda que tienes
que justificar a qué movimiento literario pertenecen y por qué. Tienes que seguir el modelo de comentario
que pusimos en el aula virtual.

EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS DE LA COMEDIA NUEVA DE LOPE A PARTIR DEL SIGUIENTE

FRAGMENTO:

ABIA: ¿A mí, forastero?

TELLO: A ti.
FABIA: Debe pensar que yo
soy perro de muestra.
TELLO: No.
FABIA: ¿Tiene alguna achaque?
TELLO: Sí.
FABIA: ¿Qué enfermedad tiene?
TELLO: Amor.
FABIA: Amor, ¿de quién?
TELLO: Allí está,
y él, Fabia, te informará
de lo que quiere mejor.
FABIA: Dios guarde tal gentileza.
ALONSO: Tello, ¿es la madre?
TELLO: La propia.
ALONSO: ¡Oh, Fabia! ¡Oh, retrato! ¡Oh, copia
de cuanto naturaleza
puso en ingenio mortal!
¡Oh, peregrino doctor,
y para enfermos de amor
Hipócrates celestial!
Dame a besar la mano,
honor de las tocas, gloria
del monjil.
FABIA: La nueva historia
de tu amor cubriera en vano
vergüenza o respeto mío;
que ya en tus caricias veo
tu enfermedad.
ALONSO: Un deseo
es dueño de mi albedrío.
FABIA: El pulso de los amantes
es el rostro. Aojado estás.
¿Qué has visto?
ALONSO: Un ángel.
FABIA: ¿Qué más?
ALONSO: Dos imposibles bastantes,
Fabia, a quitarme el sentido;
que es dejarla de querer
y que ella me quiera.
 14

EXPLICA LAS CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO CORTESANO O PALACIEGO DE CALDERÓN DE LA BARCA.

INDICA LOS TEMAS, TÓPICOS Y FIGURAS LITERARIAS PRESENTES EN EL MISMO. JUSTIFICA A QUÉ TIPO DE
TEATRO PERTENECE Y QUIEN ES SU AUTOR.

LA VIDA ES SUEÑO DE CALDERÓN DE LA BARCA

Es verdad, pues: reprimamos

esta fiera condición,
esta furia, esta ambición,
por si alguna vez soñamos.
Y sí haremos, pues estamos
en mundo tan singular,
que el vivir sólo es soñar;
y la experiencia me enseña,
que el hombre que vive, sueña
lo que es, hasta despertar.
Sueña el rey que es rey, y vive
con este engaño mandando,
disponiendo y gobernando;
y este aplauso, que recibe
prestado, en el viento escribe
y en cenizas le convierte
la muerte: ¡desdicha fuerte!
¡que hay quien intente reinar
viendo que ha de despertar
en el sueño de la muerte!
Sueña el rico en su riqueza,
que más cuidados le ofrece;
sueña el pobre que padece
su miseria y su pobreza;
sueña el que a medrar empieza,
sueña el que afana y pretende,
sueña el que agravia y ofende,
y en el mundo, en conclusión,
todos sueñan lo que son,
aunque ninguno lo entiende.
Yo sueño que estoy aquí,
destas prisiones cargado;
y soñé que en otro estado
más lisonjero me vi.
¿Qué es la vida? Un frenesí.
¿Qué es la vida? Una ilusión,
una sombra, una ficción,
y el mayor bien es pequeño;
que toda la vida es sueño,
y los sueños, sueños son.