CORRIENTES
PICTORICAS
Por: Yaretzi Ramírez y Emilia Rodríguez
CARACTERISTICAS:
1. Expresionismo abstracto:
1.- Para los artistas del movimiento la libertad absoluta era santo y seña renegando cualquier influencia de la tradición. Esto que
puede parecer novedoso, no obstante era lo que venían haciendo todos los grupos de vanguardia desde el futurismo hasta
el dadaísmo.
2.- Como los creadores del expresionismo alemán se declaraban existencialistas y buscaban temas, inspiración y objetivos de
creación en las posibilidades comunicativas del alma humana.
3.- Fascinados por los avances del psicoanálisis muy pronto se ponen a estudiar las teorías de Jung sobre el inconsciente colectivo
y, a través de sus trazos abstractos intentan llevarlo a la obra.
4.- En este sentido, los artistas del expresionismo abstracto, a pesar de ser conscientes de su posición histórica en una fecha y un
lugar concretos, se declaran abiertamente humanistas, sin cerrazón por motivos patrióticos o similares. Si a eso unimos que el
grupo estaba formado por creadores de diversas procedencia, el afán cosmopolita estaba servido.
5.- Rechazan la forma en el sentido amplio del término tanto en la que se refiere a las normas establecidas como a la
representación de la realidad.
6.- Por eso, algunas obras, como las de Rothko y Pollock, basan toda su significación casi exclusivamente en el color.
7.- A pesar de que dicen abrazar nuevos valores e idearios (como si de un final e inicio del mundo se tratara) no se entretienen en
hacer manifiestos tal como había sucedido en las vanguardias europeas. En este sentido, solo recuerdo el gusto por estos panfletos
de los artistas del futurismo que crearon más documentos de este tipo que obras propiamente dichas.
8.- Hay críticos que ponen en relación la expansión del expresionismo abstracto con la filosofía de la Fenomenología (que busca la
expresión directa de la conciencia) y el Existencialismo que se haría fuerte tras la guerra, especialmente en literatura.
9.- Por eso, la vida es concebida en su situación, en su emplazamiento, en sus circunstancias sin dejar ningún lado a la reflexión o a
la maduración de las ideas. En esta línea se explican los cuadros que se ejecutan automáticamente sin filtros como si fueran el hilo
comunicativo entre el inconsciente del autor y la percepción del espectador.
2. Antropofagismo:
1. Los antropófagos son quienes comen carne humana.
2. El movimiento antropofágico es un movimiento artístico que se da en Brasil, como parte del modernismo brasileño. La idea
del modernismo brasileño en general es crear una verdadera cultura brasileña moderna, a partir de la recuperación de sus
raíces culturales.
3. Respecto de esas raíces culturales, los antropófagos apuntan a la cultura indígena anterior a la época de la colonia. Oswald
de Andrade escribe: “Antes que los portugueses descubrieran Brasil, el Brasil ya había descubierto la felicidad”.
4. La idea del movimiento nace cuando Tarsila do Amaral pinta en 1928 el cuadro Abaporu (que quiere decir “el que come
hombre” en lengua indígena) y se lo regala a su marido, el ya mencionado escritor Oswald de Andrade. Éste, entonces,
escribe el Manifiesto Antropófago, el punto de partida de un movimiento que propone “devorarse” a la cultura europea, para
combinarla con la cultura autóctona y transformarla así en algo completamente brasileño.
5. En definitiva, podemos decir que es una síntesis de la modernidad europea con la tradición de la cultura indígena brasileña,
para proyectar el arte autóctono hacia el futuro pero sin perder identidad. Es dar vuelta el curso de la historia: dejar de
enriquecer al Viejo Continente para enriquecerse con él.
3. Anti – arte:
1. Proviene del término 'hampa' que se refiere a un conjunto de personas que viven de forma marginal cometiendo acciones
delictivas de manera habitual.
2. Si uno o varios objetos fabricados en serie, y que además están a la venta en el mercado común, son presentados como
obra de arte, es Hamparte.
3. Si la obra consiste simplemente en la elección de un objeto (objet trouvé, found art o ready-made) que es convertido
mágicamente en obra de arte por el hecho de colocarlo en un espacio expositivo cualquiera, es Hamparte.
4. Si no es necesario tener talento para realizar una obra como la que se muestra, si está llena de lugares comunes e ideas
manidas, es Hamparte.
5. Si el único valor que tiene la obra está sustentado fundamentalmente por un concienzudo texto teórico/filosófico/político que
no encuentra su reflejo real en la obra, es Hamparte.
6. La fantástica y mágica atribución de valores inexistentes a objetos que son comercializados en el mercado del arte con
precios exorbitantes, es Hamparte.
7. Un artista nunca se gana el derecho de ser artista. Tiene que demostrarlo continuamente. Aunque haya hecho una gran
obra de arte, esto no significa que todo lo que haga sea arte. Puede hacer Hamparte consciente o inconscientemente. Si lo
hace inconscientemente, será un hampartista puro. Si lo hace de manera consciente para evidenciar y denunciar lo que
está ocurriendo en el mercado y en el mundo del arte, o bien por el simple placer de hacerlo; es un hampartista realista.
Pero todas las obras que se creen bajo estos términos serán Hamparte.
8. En definitiva, el arte de no tener talento es Hamparte.
4. Arte barroco:
1. Expone el gusto por lo elegante y lo extravagante
La estética del arte barroco se caracterizó por ser etérea, elegante y extravagante, especialmente en las obras arquitectónicas.Las
obras tienen una manera particular de representar el equilibrio y simetría de los espacios. Por ejemplo, el uso de columnas
recargadas de adornos, cúpulas con gran cantidad de ventanas, columnas con formas curvilíneas, entre otros.
2. Valorización del detalle y exceso de ornamento
Se hizo un uso excesivo de recursos con el fin de dar mayor dramatismo a las representaciones artísticas y conmover al
espectador. Esto se puede apreciar, especialmente, en la arquitectura y la pintura, donde podemos ver obras a veces recargadas de
adornos.
3. Búsqueda de la espiritualidad, de las sensaciones y las pasiones internas
Los artistas del barroco buscaban exponer emotividad en sus obras para conmover a los espectadores.Por esta razón hubo una
gran exposición de los temas religiosos, del uso del claroscuro, del realismo y de la representación del movimiento con líneas
curvas para acentuar las sensaciones En la música se intensificaron los sonidos, en la literatura el sentido de las palabras, en la
arquitectura las formas y el equilibrio y, en la pintura el uso de sombras y luces.
4. Dualismo y contradicción
Los artistas del barroco demostraron su gusto por exponer el dualismo y la contradicción de los sentimientos del ser humano. Es
decir, de lo celestial con lo terrenal, de la vida y de la muerte, entre otros.Por ejemplo, en la literatura los poetas hicieron un uso
excesivo de las figuras retóricas para exponer con mayor detalle el dualismo y la contradicción de los sentimientos humanos.
5. Contraste entre luces y sombras
En las diferentes expresiones artísticas del barroco se hace notorio el gusto por el contraste de luces y sombras.En la pintura el uso
del claroscuro es mucho más notorio, ya que la luz sirve para destacar la figura principal y el tenebrismo para opacar al resto de los
personajes, espacios o figuras. El tenebrismo es contraste marcado de luces y sombras a través de la iluminación forzada, como si
una especie de foco iluminara un espacio en medio de la oscuridad con un rayo de luz diagonal.En la escultura, por ejemplo, el
relieve y las texturas permiten que sea notable los efectos de la luz y la sombra.
6. Sentido del movimiento
El uso de colores, los juegos de luz y de sombras, así como el uso de líneas curvilíneas, cóncavas y el nuevo equilibrio estético
implementado, dieron a las obras mayor sentido del movimiento. Los artistas del barroco también consiguieron hacer diversos
juegos ópticos dependiendo de la posición del observador.
7. Oscuridad, complejidad y sensualismo
Los representantes del arte barroco, en sus diversas expresiones, representaron en sus obras la complejidad, el sensualismo y los
temperamentos de sus personajes. En la pintura, los rostros y las miradas representadas expresan gran diversidad de sentimientos
y sensaciones que transmiten intensidad.
8. Pesimismo y desengaño
La literatura barroca se caracteriza por exponer el desengaño, es decir, se muestra la distancia que hay entre aquello que se
imagina y lo que es la realidad. Los poetas exponen en sus obras la angustia de vivir entre la realidad y la imaginación. Asimismo,
en las obras se siente un gran pesimismo y tristeza originado por las difíciles circunstancias sociales, en especial la desigualdad,
que se vivían en la época. Existe gran preocupación por la velocidad fugaz con la que pasa el tiempo, acercándonos muy rápido a la
vejez y la muerte.
5. Body art:
1. Es una arte de acción, arte corporal.
2. Usa el cuerpo como forma expresiva.
3. Es efímero, que ocurre en un determinado momento solo que puede llevar un registro de la obra con fotografías o vídeo.
4. Usa el espectáculo y el sensacionalismo como recurso expresivo.
5. Requiere que el artista maneje recursos como el teatro, la expresión corporal, la danza, música, el manejo del espacio.
6. Incentiva la participación del público.
6. Arte bizantino:
1. Recibió influencia directa de la cultura grecorromana y oriental, principalmente de Siria y Asia menor, realizando una mezcla
de estos diferentes aspectos culturales.
2. Estilo artístico con fuerte presencia del uso de colores.
3. Fuerte presencia de temas religiosos (dado el poder imperante del cristianismo).
4. Es un arte estático, que tiene a Cristo como tema central.
5. En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica
predominante el uso de arcos y capiteles decorados.
6. En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.
7. La influencia persa fue notable en época del emperador Justiniano.
8. Durante los siglos VII a IX el arte bizantino empezó a tener influencia del islamismo, ya que los árabes sitiaron
Constantinopla en el año 674, durante el reinado de Justiniano II;
7. Constructivismo:
1. El aprendizaje es un proceso personal, interno y auto-estructurante.
2. El nivel de aprendizaje depende del grado de desarrollo cognitivo.
3. El conocimiento previo es el punto de partida de los procesos de aprendizaje futuros.
4. Aprender es un proceso donde se reconstruyen saberes culturales ya adquiridos.
5. El proceso de aprendizaje es más fácil gracias a la interacción con las demás personas.
6. Aprender implica ejercer un proceso de reorganización interna de esquemas y conceptos.
7. El proceso de aprendizaje ocurre por el conflicto de lo que la persona ya sabe con lo que debería saber.
8. Cubismo:
1. Ruptura del principio de imitación de la naturaleza en el arte
A diferencia de los movimientos predecesores, el cubismo se distancia abiertamente de la representación naturalista, es decir, del
principio de imitación de la naturaleza como objetivo final del arte.
2. Síntesis y geometrización
3. Supresión de la perspectiva y el claroscuro
Toda vez que no interesa la imitación de la naturaleza o de los modos de percepción óptica, el cubismo no se interesa en el
claroscuro y en la perspectiva, elementos plásticos al servicio del principio de verosimilitud.
4. Superposición de planos
El cubismo yuxtapone diferentes planos en uno solo. La síntesis se hace total: al tiempo que sintetiza las figuras a su mínima
expresión geométrica, sintetiza también en un solo plano los diferentes puntos de vista del objeto.
5. Incorporación de técnicas no pictóricas.
Además de usar la pintura al óleo y otras técnicas habituales, los cubistas fueron los primeros en incorporar técnicas no pictóricas al
introducir el collage, es decir, el uso de materiales diversos adosados sobre la superficie del lienzo.
6. Predominio de la forma sobre el fondo
En el cubismo, el análisis visual y los elementos plásticos en sí mismos tienen el protagonismo. Por ello, no se sienten obligados a
representar temas trascendentes, sino que la cotidianidad se vuelve causa de inspiración para poder desarrollar un concepto.
7. Preferencia por el bodegón y la figura humana
De lo anterior se desprende el interés en temas como el bodegón o naturaleza muerta. Son frecuentes los instrumentos musicales,
frutas y objetos cotidianos, así como la figura humana despojada de cualquier valoración referencial (mítica, religiosa, histórica o
filosófica).
9. Dada:
1. Carácter interdisciplinario
El movimiento dadaísta fue de tipo interdisciplinario, es decir, se manifestó tanto en las artes plásticas (pintura y escultura) como en
la literatura. También integró la foografía y la escultura. En todas estas disciplinas privó el sentido iconoclasta y la subversión.Por
ello, el dadaísmo también creció abrazado a los manifiestos y, de hecho, a lo largo del movimiento se llegaron a redactar unos siete
manifiestos en total.
2. Aborrecimiento frente al concepto de belleza
Para los dadaístas, el concepto tradicional del arte perdía sentido frente a la realidad de la violencia desatada en Europa. Frente al
horror de la guerra, la búsqueda de la belleza y la idea de un arte para complacer los sentidos eran absolutamente inadmisible.
3. Sentido antiartístico y anti literario
Más que un arte, el Dadá o dadaísmo es más bien un antiarte, es decir, es un planteamiento, un concepto, un posicionamiento, lo
cual lo convierte, sobre todo, en un modo de actuar sobre la realidad y no en un lenguaje pictórico o literario específico.
4. Valoración del gesto artístico por encima del objeto artístico
El artista dejará de ser el que pinta o esculpe, el que genera belleza, y pasará a ser aquel que escoge un objeto sin pretensiones
estéticas y le otorga un significado por el sólo hecho de haberlo seleccionado. De esta manera, se instaura la era en que el gesto
del artista será lo realmente estimado como “artístico”.
5. Humor irónico, carácter provocador e irreverente
El dadaísmo se propuso así una burla feroz del arte –no solo del arte tradicional sino incluso de las vanguardias como el cubismo y
el futurismo, este último glorificador de la guerra-, una burla de la burguesía capitalista, finalmente, un desafío a la estética.
6. Crítica aguda en contra de la sociedad occidental
La propuesta del dadaísmo se estructura como un rechazo a los valores burgueses de principios de siglo. En efecto, los valores
reinantes de aquella generación, como la fe ciega e irreflexiva en el desarrollo científico-tecnológico como sentido de la historia, el
nacionalismo radical, el culto al capital y el uso del arte como tranquilizador de conciencias despertaron el malestar de la nueva
generación de creadores.
7. Reivindicación de la irracionalidad como rechazo al positivismo
Al quedar al descubierto que la razón moderna no traía consigo una mejor vida sino destrucción masiva, los dadaístas entendieron
que el arte y la literatura ya no se justificaban en nombre de la razón. Dieron paso así a la reivindicación de lo irracional en el arte y
de lo absurdo. Esta manera de operar en la creación hizo posible un desarrollo creativo sin precedentes, aunque no exento de
polémica y rechazo.
8. Creación de nuevas técnicas artísticas
En artes plásticas, el dadaísmo trajo consigo la creación de nuevas técnicas artísticas como fotomontaje y ready made, y
aprovechamiento de técnicas como el collage, creada por el cubismo. El fotomontaje fue una técnica creada por los dadaístas que
consistía en superponer diversos fragmentos de fotografías para crear una obra única. Estos fragmentos a veces se
interconectaban por recursos adicionales como las ilustraciones. El ready made, que se ha traducido como objeto encontrado u
objeto confeccionado, era una técnica que consistía en tomar un objeto de uso cotidiano e intervenirlo con una intención
deliberadamente significante.
9. Uso innovador de la palabra
Apegado a los valores del movimiento, el dadaísmo prefirió el uso de palabras por sucesión sin que estuvieran hiladas por un
significado evidente o un sentido discursivo lógico. Tomaron también como materia prima las letras en sí y los sonidos, lo que
permitía evitar la asociación con un sentido racional. Lo aleatorio jugó en ello un importante papel. Asimismo, implementaron
técnicas como el caligrama, que ya había sido utilizado por Guillaume Apollinaire, escritor a quien se relacionaba con el cubismo.
10. Expresionismo:
1. Uso del color de forma excesiva, aportando un carácter simbólico.
2. Las formas naturales se convierten en trazos y geometrías casi irreconocibles.
3. Cobra importancia el mundo de los sueños.
4. Solo importa representar el sentimiento y no la realidad.
5. El pesimismo y el caos son la temática principal de las obras.
