Academia Audioplace
Ingeniería de Sonido y Producción Musical
Gerencia Musical 1
Prof. Manuel Mirabal
INDUSTRIALIZACIÓN EN LA MÚSICA Y SU EVOLUCION
Diego Tapia
José Cordero
Caracas, octubre de 2020
En el periodo de la actualidad es difícil llegar a imaginarse que, en los periodos de la
antigüedad, la música se debía escuchar en vivo y en un momento especifico, mientras
que con el avance de la industria musical tenemos la facilidad de llevarla hasta en un
teléfono móvil para poder disfrutar de ella en cualquier momento, ya que antes no había
ninguna manera de dejar un registro de la música o de sonido.
Podemos decir que las personas llegan a tomar en consideración que la visión es el
principal sentido de percepción, tanto así que es nuestra forma más directa de tener una
mejor visión del mundo, tomando en cuenta que la audición es un sentido de igual
importancia. La influencia y el poder que ha tenido la industria musical antes de que
existiese la posibilidad del internet se basaba principalmente en la distribución física de la
misma, afectando directamente a las compañías, las cuales han tenido que aprender a
determinar su manera de seguir adelante en el tiempo y con su desarrollo.
La visión que tenía la sociedad antigua a principios del desarrollo de la industria musical
podría decirse que lo primordial se basaba en llegar a promover dicha industria con la
necesidad de suscitar la infraestructura dando resultado a un mejor lugar para poder
brindarle a los artistas las herramientas y servicios necesarios para el proyecto que se
quiere llevar a cabo; con el objetivo de tener todos los utensilios necesarios para poder
ayudar a fomentarla con los equipos necesarios de alto nivel tecnológico, pretendiendo
una mejora permanente y evolucionada con el tiempo en cuanto a su calidad.
¿Qué es la industria musical?
La música, desde el momento en que salió al mercado, se convirtió en un producto,
finalmente se convirtió en un negocio. Cuando hablamos de todos los aspectos de la
industria de la música, nos referimos a un campo amplio e interesante que abarca todos
los engranajes y todos los medios para hacer de la música un negocio.
A principios del siglo XX, eran los distribuidores de partituras los que dirigían la industria
de la música. En la era de las partituras, si una persona común quería escuchar nueva
música popular, compraría partituras y las tocaría en el piano en casa, o aprendería
canciones con acompañamiento de piano o guitarra.
Sin embargo, en 1920, el uso de fonógrafos y gramófonos se hizo muy recurrente. Para
1921, el beneficio de ventas de fonógrafos en Estados Unidos alcanzó los 106 millones de
dólares estadounidenses, habiendo alcanzado 140 millones de pistas vendidas.
La cinta de casete es más cómoda que el disco de vinilo porque es mucho más pequeña,
pero la calidad del sonido es peor. Por el contrario, Sony aprovechó la compacidad del
formato e inventó un reproductor de casetes portátil (comúnmente conocido como
"walkman") en 1979. Esta es una revolución, la forma en que la gente escucha música ha
experimentado cambios tremendos y el crecimiento sin precedentes de los reproductores
de música. Su consumo. A partir de ese momento, nada es igual.
El disco de vinilo fue el estándar de reproducción musical desde 1919, que perduró hasta
1983 con la introducción del compact disc. Por aquel entonces, el punto intermedio entre
los discos de vinilo y compactos fue la cinta de casette. La mayor parte de la fama de este
formato residía en la comercialización de cintas en blanco, de tal modo que se podían
grabar vinilos y compact discs prestados, lo que representaba una forma mucho más
económica de escuchar música.
Las primeras compañías discográficas (una división de los mayores productores de
fonógrafos: Columbia, Victor y Edison) tenían un lugar en la industria discográfica, eran
fabricantes de discos y eran responsables de financiar la costosa producción, fabricación y
distribución de discos.
Algunas compañías discográficas de hace décadas incluyen Columbia Records, Crystalate,
Decca Records, Edison Bell, Gramophone Company, Invicta, Kalliope, Pathé, Victor Talking
Machine Company, etc. Muchas compañías discográficas desaparecieron tan pronto como
se establecieron.
A fines de la década de 1980, las "seis grandes compañías discográficas" (EMI, CBS, BMG,
PolyGram, WEA y MCA) dominaban toda la industria discográfica. Sony compró CBS
Records en 1987 y cambió su nombre a Sony Music en 1991.
Los empresarios musicales han extendido sus modelos industriales a la música folclórica y
otros campos, donde su composición e interpretación perduraron durante siglos de forma
temporal y autosuficiente, formando una marca discográfica independiente, o firmando a
marcas que continúan siendo una elección popular para esos músicos prometedores,
especialmente los géneros como hardcore punk y metal, a pesar del hecho de que los
discos independientes no pueden ofrecer el mismo apoyo financiero como las grandes
marcas. Algunas bandas prefieren firmar con marcas independientes, porque estas
normalmente dan mayor libertad artística.
Finalmente, la "industria discográfica" reemplazó a la publicación de partituras y se
convirtió en la fuerza más grande de la industria musical.
Muchas compañías discográficas van y vienen, a lo largo de los años, con el estado de los
nuevos fabricantes de medios y equipos, los avances tecnológicos han provocado
diferentes cambios en la industria.
Hay dinero en todos los lugares donde se produce música. En algunos países, actualmente
se gasta más dinero en música que en leer, beber o lavar la ropa. La economía política de
la música en el siglo XX se originó en el pensamiento político del siglo. Los cambios
actuales de la "economía política" han presenciado cambios en las relaciones sociales, a
diferencia de las viejas manifestaciones económicas, es posible intuir y predecir el futuro a
través del estudio de la música. Debido a que Attali no sostiene una teoría de la música
sino una teoría de la estructura social revelada a través de la música, su libro es una
apelación a la disciplina teórica.
Con la llegada de la música en el siglo XVI, la impresión y edición de música para cortes,
eventos burgueses e iglesias, la música entró por primera vez en el ámbito de las
mercancías. Los músicos están encerrados, domesticados y restringidos económicamente
por el poder del príncipe o la iglesia. Attali ve la economía política de la música como una
continuación del orden y la diferencia, y en cambio apoya el nuevo orden y las diferencias
en la naturaleza del profeta.
Según Attali, la música ha sido utilizada para:
Olvidar la violencia general.
Hacer creer en la armonía del mundo, en el orden del intercambio y la legitimidad
del poder mercantil.
Hacer callar los ruidos de los hombres produciendo una música ensordecedora y
total.
Tres funciones que corresponden a tres etapas: el Sacrificio, la Representación, y la
Repetición.
Attali sostenía que "el compositor es el productor de un programa sobre el cual se funda
toda una producción capitalista". El empresario es un capitalista, son trabajadores
productivos. Attali también descubrió un factor importante en el método de producción:
el productor de matrices, que permite multiplicar puntuaciones y registros. Si la
compensación del "creador de la matriz" es proporcional al número de ventas y no
proporcional a las horas de trabajo, entonces el producto del capitalista se reduciría. La
compensación específica del compositor inhibe el control de capital de la música y, en
algunos casos, invierte la relación de poder entre músicos y financieros. 1
La etapa final de la economía política de la música comenzó con la aparición del disco,
pistas almacenables. Una vez más, las relaciones económicas se han invertido.
La música de hoy, según Attali, está inmersa en una sociedad repetitiva y se encamina
hacia una crisis de la proliferación. Un simulacro de uso se oculta tras la
sobreacumulación, almacenamiento y colección de discos.
1
Jacques Attali, Ruidos – Ensayo de Economia Politica de la Musica.
Componer música actualmente, sería para Attali inventar códigos nuevos que no estén
condenados al silencio. El compositor debe renovar el mensaje al mismo tiempo que el
lenguaje, salir de toda operacionalidad, de todo espectáculo y de toda acumulación. La
composición será entonces una actividad sin otro fin que ella misma; el lugar del disfrute
del músico, de la comunicación consigo mismo y del goce autónomo. Así sea.
Según Attali, la música actual está inmersa en una sociedad repetitiva y se encamina hacia
una crisis de proliferación. Crear música hoy, para Attali, es inventar nuevas reglas, y que
estas reglas no estén condenadas al silencio. El compositor debe renovar el mensaje al
mismo tiempo que el lenguaje proyectado, deshacerse de toda operatividad y de todo
espectáculo. De esta forma, la composición será una actividad, sin otra finalidad que la
propia. Un lugar donde el músico disfrute, se comunique consigo mismo y disfrute de
forma autónoma e independiente.
Referencias bibliográficas:
https://promocionmusical.es/industria-musical-que-es-historia-modelo-negocio/
#_Historia_de_la_Industria_Musical
https://www.lemiaunoir.com/musica-de-consumo-industrializacion-arte/
https://www.cooperativadeartistas.es/blog/industria-musical-que-es-como-
funciona/#:~:text=Entendemos%20por%20industria%20musical%20aquella,de
%20la%20propiedad%20intelectual%20musical.
Ignacio Casado Galván, Caracterización Histórica del concepto de Industria.
Jacques Attali, Ruidos – Ensayo de Economía Política de la Música.
