UNIDAD N°1:

¿"Arte antiguo"?

1.1 Prehistoria:

Paleolítico (Edad de la piedra tallada) (30000/20000 A.C)

Se pintaba en las profundidades de las cuevas, y los temas principales eran los animales,
sobre todo toros, bisontes, caballos y ciervos.
También existían signos, como el de las manos impresas (se realizaba soplando pigmentos
con la boca a modo de aerosol) y símbolos abstractos.
Todas estas expresiones, estaban colocadas de manera arbitraria, no respetaban tamaños y
eran figuras pictográficas y sencillas.
Para realizar las pinturas utilizaban uno o dos colores (positivo o negativo) y utilizaban los
dedos, ramas y la boca.
Las figuras son realistas y predomina el naturalismo, pero NO forman escenas. Es un arte
descriptivo y no narrativo, ya que no hay sensación de movimiento, ni paisaje. Su fin era
instruir a los más pequeños en la cacería, sobrevivencia y rituales.

Neolítico (Edad de la Piedra pulida) (7000/4000 A.C)

Su inicio se da con el momento en el que el hombre prehistórico, abandona la vida
sedentaria, para llevar ahora una vida nómade en la cual es basa en la agricultura y la
ganadería.
Las pinturas ya no son en los interiores de las cuevas, sino en el exterior, y se caracterizan
por su esquematización y un marcado carácter simbólico.
Los colores siguen siendo los mismos, sin embargo, ahora la figura humana está más
presente y se formas escenas.
Durante el Neolítico, también surge la cerámica, los tejidos y el pulimiento de la piedra.’


Pueblos mapuches (entre otros) a través de las huellas dejadas en sus obras revelan su relación con
la naturaleza o experiencias religiosas.
Arte como un modo de saber y comprender el mundo donde se distingue lo útil y lo inútil sino que
son las diversas maneras de vivir y estar en el mundo. Tanto los cestos, cerámicas como la caza y
recolección de frutos eran necesidades cotidianas y vitales para su subsistencia.
Las piezas de cerámica es una tarea exclusivamente de las mujeres, los materiales los provee de la
tierra, se hacen en y de la tierra. Esta pertenencia al orden de la naturaleza hace que los objetos nos
enfrenten a una concepción de las obras del arte como productos de un dialogo con la tierra, dialogo
signado por la creencia religiosa que vuelve la experiencia de y con la naturaleza una experiencia
divina, sagrada.
La creación de cestos, está directamente identificada con la mujer, no solo porque es ella la
encargada de ese labor sino porque si origen está en un cesto.
El trabajo de cestería es un modo de hacer la cosmogonía tejiendo y reforzando los lazos entre los
hombres, la naturaleza y los dioses.
Todos los tejidos presentan ricos diseños geométricos que refieren a la naturaleza.
Los varones se dedicaban a la caza y a la pesca y las mujeres a la recolección de frutos del bosque y
raíces silvestres y a una incipiente agricultura hortícola de zapallos, maíz, etc., que eran solo
complementario a su dieta puesto que el clima y la edafología de su territorio no permitían
suficientes rindes para sus producciones agrícolas.
Técnica de los caminos de mesa, destinados a la venta en el mercado artesanal, que se ha
transformado en una de sus técnicas más representativas, que es transmitida de madres a hijas.
Tanto entre los mapuches como los pampas, tradicionalmente los ponchos son prendas masculinas
cuyos diseños dan cuenta de la identidad social del portador.
Las fajas también connotan identidad y rol social pero son prendas tanto de mujeres como de
hombres, que tienen determinadas características según la edad de quien la lleva.
Los mapuches son de los pueblos indígenas que más han luchado por la preservación de su cultura.


Principal objeto de la historia cultural el indicar como las realidades se construyen, se presentan a la
lectura o a la vista y son captadas.
Luchas de representación que ponen en conflicto las imágenes que los grupos o los poderes creen
dar de sí mismos, y las que contra su voluntad, les son impuestas por sus competidores.
Las luchas de representaciones importan tanto como las luchas económicas para comprender los
mecanismos por los cuales un grupo impone o intenta imponer su concepción del mundo social, sus
valores y su hegemonía.
Función simbólica: simbolización o función mediadora que informa las diferentes modalidades de
aprensión de lo real y opera mediante los signos lingüísticos, las figuras del mito y de la religión o los
conceptos del conocimiento científico.
La representación como mostración de una ausencia lo que supone una distinción radical entre lo
representado y el representante; la representación como exhibición de una presencia como
presentación pública de una cosa o persona. En la primera acepción, la representación es
instrumento de un conocimiento mediato que deja ver un objeto ausente sustituyéndolo por una
imagen capaz de traerlo a la memoria y pintarlo tal como es.
La noción de apropiación puede formularse como el centro de un enfoque de historia cultural que
tenga como objetivo practicas diferenciadas y usos contrastantes.



El punto de partida de cualquier consideración sobre la historia del arte de la América Pre
colonial, es reconocer la diversidad de sus manifestaciones, no se puede tratar como un
proceso unitario, sino como una expresión particular de los distintos procesos sociales en
que fueron producidas.
Las obras de arte son la expresión sensible de las representaciones mentales que los seres
humanos hacemos sobre nosotros y nuestra existencia, por ello, son inseparables del
contexto social e histórico en que fueron producidas, no solo en cuanto al tema, sino
también en las diversas formas como son presentadas.
Es difícil establecer una clara distinción entre lo que es o no una obra de arte, porque de
algún modo toda obra humana lo es. Partiendo de la recién forma-función, podemos decir
que es artístico todo aquello que, sin tener en cuenta su función responde a una búsqueda
de una forma, buscando equilibrios y destinada a estimular sensaciones y emociones sobre
las personas.
1.1.1 El origen de las diversidades.
América en sus inicios fue poblada por cazadores-recolectores, provenientes de Asia. Sus
artes (aprendidas en el viejo continente), se limitaban a la modificación de objetos
naturales, rompiéndolos, astillándolos, uniendo unos con otros, creando formas a partir de
ellos. Poco a poco fueron cambiando y desarrollando habilidades para combinar, fibras
vegetales o animales y convertirlas en canastas o telas. Muchos siglos después,
descubrieron la posibilidad de convertir las arcillas en objetos de cerámica o trasformar
piedras en metales, cada nuevo dominio del hombre precolombino sobre la naturaleza, dio
lugar a nuevos medios de expresión para los humanos.
Se pueden destacar diversas etapas en las elaboraciones del hombre.
-Durante el periodo de instalación de los grupos humanos (mas allá de 9000 del presente)
no hay muchas evidencias de objetos hechos por el hombre que no sean estrictamente
instrumentos, todos ellos asociados a la obtención t preparación de los recursos de
subsistencia, ya que era cazadores-recolectores, su arte respondía a esa necesidad de cazar
y recolectar para sobrevivir. Los objetos más conocidos eran piedra y hueso (no se
consideraban obras de arte)
-El “nacimiento” del arte rupestre alrededor de 9000 A.C, consiste en impresiones o calcos
de manos, en positivo y negativo, sobre las paredes de las cuevas (como en la cueva de los
toldos, en el sur argentino).Junto a estas manos se encuentran escenas de caza de
guanacos, vicuñas y ñandúes. Son generalmente figuras en bloque donde solo se destacan
elementos anatómicos.
-Hacia el siglo 5000 A.C, los humanos cambiaron su forma de vida, dejaron la vida nómade,
para dedicarse a una vida sedentaria, en la cual profundizan sus conocimientos sobre el
cultivo de plantas. Se comenzó a cultivar plantas, como también la crianza de animales
menores. En este milenio se comenzó una era de transformación de sus condiciones de vida,
con la creación de un espacio propio. También se comenzó un proceso de especialización de
las personas, cada uno en su ámbito (cazadores, pastores, pescadores).
Todos estos cambios trajeron también un crecimiento en la creación de objetos, los cuales
cumplían el papel de instrumentos para trabajo como de apoyo para otras actividades
sociales: vivienda, vestido, consumo de alimentos, reproducción social. Surgió el tejido y la
cestería.
-Luego de la cestería y el tejido, el avance más notorio fue el de la cerámica, provocando
buenos espacios para el dibujo y la pintura sobre ellas. Además del lado artístico, fue de
gran utilidad para la manipulación de alimentos. Entre las más destacadas están: la cerámica
de Ecuador, Colombia y la de la zona de los Andes Centrales. Luego aparece la brasileña, la
cual era más rustica con una tecnología primaria.

1.2.2 América Nuclear.

Los arqueólogos han llamado América Nuclear, al territorio comprendido entre
Mesoamérica y los Andes Centrales, y es la zona donde se desarrollaron los logros artísticos
más destacados del continente. En esta zona, se pudo realizar en forma cronológica los
crecimientos de las realizaciones artísticas.
El primer periodo es el “formativo”, el cual se da con la expansión de la cerámica sobre los
pueblos agricultores. Durante este periodo las actividades de caza y recolección de plantas
no cambiaron significativamente pese a que ya tenían algunas plantas domesticadas.
Durante este periodo se destaca principalmente a los Olmecas, los cuales desarrollaron una
gran cantidad de monumentos, piedras finas y otros productos dedicados al intercambio.
Los monumentos y centros ceremoniales, aparecieron en Oaxaca y en la Cuenca de México,
luego del siglo XII y con ello se dio un fuerte incremento de la actividad artística.
La actividad artística principal es la de las obras en piedra, creando seres antropomorfos o
directamente humanos, se caracterizaban por estar pulidas, interrumpidas por líneas para
indicar rasgos complementarios y darle más detalle (por ejemplo la “boca olmeca” o la
“muesca Olmeca”).
Ya en la época “Clásica” y siguiéndonos centrando en los Olmecas, desarrollaron un sistema
de calendarios para la producción agrícola y también un mantenimiento de la
infraestructura agraria, la cual obliga a los practicantes a establecerse en templos y generar
sus propios recursos de subsistencia. Estos practicantes se los llamaba “sacerdotes”, los
cuales eran los que realizaban las más sagradas obras de arte.
Se comenzó a utilizar otros materiales además de la piedra, cómo es la inclusión del oro(a
mediados del primer milenio), cobre, plata y años más tarde las aleaciones que dieron lugar
al bronce.


1.3.1 Grecia
Los comienzos de la civilización griega fueron poco gloriosos.Alrededor del año 1000 a.C, los
principales pueblos griegos eran los jónicos y los dóricos, los cuales se organizaban en
pequeñas ciudades bien separadas, estas ciudades luego se convertirán en polis.
Las primeras polis eran pobres, incultas e aisladas, no se comunicaban con el resto de ellas,
ni tampoco con el resto del mundo. Poco a poco fueron desarrollando intercambios
comerciales con otros lugares, lo que le permitió conocer pueblos nuevos, y en principal
entrar en contacto con Egipto, pueblo al a ellos le servirá de mucho y respetaran.
Todas las polis (Esparta, Atenas, Argos, Corinto) si bien eran independientes, estaban
conectadas todas debido que hablaban la misma lengua y poseían la misma religión.
Estaban en constantes guerras entre ellas, salvo para una ocasión, en las cuales se unieron
todas, las invasiones persas. Atenas, luego de las invasiones persas, alcanzo su apogeo y se
estableció como una de las polis más importante, además se declaró como una “ciudad de
oro” en cuanto al arte, literatura y poder político.
La historia en Grecia se dividió en tres periodos:
-Arcaico, (VII al V a.C) el cual va desde el contacto con los egipcios, hasta la guerra con los
persas.
-Clásico, (V al IV a.C) abarca el periodo desde el fin de la guerra con los persas, hasta la
guerra del Peloponeso.
-Helenístico (IV al 0) Desde la muerte de Alejandro Magno, hasta el dominio romano.

Durante el periodo arcaico, y con el contacto con los egipcios, los griegos empiezan a tallar
en la piedra figuras, y así crean las primeras figuras del hombre. Dibujaban los contornos de
la piedra, y luego cincelaban poco a poco hacia adentro, desde las caras frontales y laterales.
Los griegos adaptaron las técnicas y el sistema de proporciones egipcias. Tenían
características estas obras, las cuales eran:
-Simetría.
-Repetición de formas. -Obras rígidas.
-Uso de formas en distintas escalas.
-Mirada arcaica.
-Ojos almendrados.
-Kuroi (Hombre desnudo) y Kore (mujer desnuda).
En estas obras evitaban todo tipo de giros o inclinaciones, tenían una simetría horizontal y
vertical muy marcada y se preocupaban por encontrar un equilibrio de belleza entre diseño
y apariencia de naturalidad.
Con el descubrimiento del bronce, las estatuas cambiaron, debido a que el bronce tiene una
gran fuerza tensora, y necesitan muy poco apoyo para su equilibrio, por lo que ahora podían
hacer diversas formas, y no formas tan rígidas como antes.
En el periodo Clásico los artistas se preocupaban mucho por las características de los
hombres y los dioses, y hacían todo lo posible para difrenciarlos.Los griegos se esforzaban
por hacer de las estatuas un objeto de belleza.
-Técnica del bronce.
-Representan al hombre ideal
-Sistema de proporción de 7 cabezas.
-Contraposto
-Figuras sin expresión.

La guerra del Peloponeso dio lugar a un gran número de víctimas, Atenas había sido
derrotada y Esparta debilitada. Las polis no se logran unificar, lo que produce que a finales
del siglo I a.C las polis sean dominadas, primero por Macedonia, para luego pasar bajo el
dominio de Roma.
El imperio de Macedonia fue dominado por Alejandro Magno, hasta su muerte, la cual
provoca la disgregación del imperio, debido que no tenía ningún heredero. Frente a esto
todos los territorios formaron rivalidades y se formaron reinos. Los reinos, dominados por
greco-macedonitas, solo se identificaban con ellos mismos, no se juntaban con los demás
reinos. En el S II a.C los romanos ingresaron en la vida de los reinos romanos y a partir de
oca prácticamente todos los reinos van a ser dominados por los romanos.
Frente a esto las sociedades Griegas empiezan a sentir un gran sentimiento de desarraigo, lo
cual provoca angustia y esto se vera plasmada en las obras de arte, bajo cinco estados de
ánimo que los va a diferenciar del resto de los periodos:
-Mentalidad Erudita
-Obsesión por la fortuna
-Mentalidad teatral
-Individualismo
-Mentalidad cosmopolita.
Las obras de arte van a responder a
-Sistema de proporción de 8 cabezas
-Gran expresividad
-Teatralidad dramática.
-Naturalismo
-Multilátero
-Figuras en torsión

Los templos griegos era la forma arquitectónica más importante. Al principio solo basto con
un altar al aire libre, pero con la invención de las estatuas tuvieron que crean un lugar para
resguardarlas.
Los templos griegos solían tener una estructura muy simple, una única sala, a la cual
accedías por un pórtico, rodeada de columnas. A los griegos les gustaba que las fachadas
tanto anterior como posterior sean iguales, tenían locura por la simetría. Los templos
estaban en espacios abiertos, así se podían ver desde diversos puntos.

1.3.2 Roma

Roma, (S VIII a.C hasta V d.C ) se funda en el S VIII a.C, y el primer contacto con los griegos
fue en el siglo III a.C, los romanos eran grandes admiradores del arte griego, lo cual les
llevaba a encargarles estatuas.
El desarrollo de roma se puede dividir según su forma política.
-S VIII a.C Monarquia
-S V a.C Republica
-S I a.C Imperio
Durante el periodo de los reinos Helenísticos, los reinos griegos se enfrentan
constantemente. Los romanos estaban mejor organizados militarmente que los griegos y
además eran más eficaces polacamente lo cual se vio reflejado en las invasiones romanos a
los griegos y, su posterior control. A pesar de que los romanos dominaron políticamente y
militarmente a los griegos, se rindieron frente a sus obras de arte, a partir de esto, se
mandaron expediciones a Grecia para traer estatuas, o para encargar copias. La diferencia
con las estatuas griegas es que los romanos las hacían vestidas, y así exaltar el poder.
-Energía y Movimiento.
-Exaltación de poder
-Hombres con pelo cortó.
-Rasgos faciales muy aumentados.
-Mayor reproducción de la figura humana

Los romanos preferían lo especifico y actual, crean los retratos, los cuales eran solo para
hombres y mujeres famosos. También una parte presente en las obras de arte romanas,
eran los relieves sobre sarcófagos, al principio, y luego sobre diversas superficies.

En cuanto a la arquitectura romana, los templos también es lo principal. A diferencia de los

griegos, los romanos se interesan más por el espacio interno y no por el externo. Usan
nuevos materiales como el Hormigón, el cual es más barato y les posibilita la creación de las
bóvedas de cañón (corrido o no) , el arco a medio punto y la cúpula semiesférica.
Los templos poseían un frente liso, un entablamento sin relieve. Los templos se los eleva,
solo se le accede por el frente, lo cual le da sensación de poder. Incluyen a las columnas ya
presentes (dórica, jónica y corinta) las columnas toscanas y toscanas con pedestal. Los
romanos en sus templos producen una superposición de ordenes clásicos, en la cual
conviven todos los órdenes en los diversos pisos de sus edificaciones.
 Unidad N°2

“Las imágenes y el Cristianismo. El arte y la cultura en la sociedad medieval”



El románico se ha descrito como un arte para los humildes, que debía descubrir en la piedra a los
ignorantes lo que los libres hubieran podido enseñar.
El románico es la culminación de los ensayos prerrománicos.

Pero si los monasterios son abundantes, mucho más lo son las miles de pequeñas iglesias de
concejo, que surgen en todos los núcleos de asentamiento por pequeños que fueran y es en estos
edificios donde prolifera el estilo romaico, con su abundante iconografía, reflejo de su vida cotidiana,
de sus trabajos y de sus temores, de sus alegrías y de sus penas, del cielo y del infierno.

Una causa fundamental que explica la multiplicación de las construcciones religiosas es la explosión
demográfica, que requerida mayor numero y más amplios templos, unido a la ocupación de nuevos
espacios a medida que avanzaba la reconquista, lo que hizo proliferar las construcciones.

El cristianismo, que apenas había usado las imágenes hasta el siglo XI, en el periodo románico hace
´proliferar las representaciones iconográficas hasta el punto de sorprendernos, máxime si muchos
de estos símbolos son de origen pagano.
No es meramente decorativo, sino sobre todo didáctico.

En sus comienzos, el cristianismo no destruyo sistemáticamente las obras de arte antiguo, sino que
de hecho, adopto muchas de las formas e imágenes paganas, cargándolas de nuevos significados.
Las esculturas románicas no adaptaron el modelo clásico de capitel inmutable y determinado, sino
que lo transformaron en un capitel complejo, con todo tipo de escenas y representaciones.

La iconografía sexual como posible interpretación de ese amor conyugal, ocupo un importante
capitulo en las iglesias románicas, con representación de falos, vulvas, posturas procaces incitando a
la unión sexual.


Durante este periodo y a la par del imperio romano, surge el cristianismo, el cual se puede
dividir en dos tramos:
-La primera época, el cual era el cristianismo perseguido
-La segunda época en la cual el cristianismo empieza a hacerse más fuerte hasta llegar al
punto de convertirse en la religión oficial del imperio romano.
Durante el S V en el territorio del imperio romano se producen las invasiones bárbaras, las
cuales inciden tano que producen la caída del imperio romano de occidente (Roma como
capital), mientras que el imperio romano de oriente (Constantinopla) , se pasa a llamar
imperio Bizantino.
A la par de todo esto como dijimos antes, surge el cristianismo perseguido, el cual es la
nueva religión que surge, una religión monoteísta (antes era politeísta), la cual era
perseguida por no querer adorar al emperador y a partir de esto se reunían en lugares
secretos, los cuales eran las basílicas. En las catacumbas aparecían las primeras imágenes de
Jesús, en las cuales se lo describe como alguien capaz de hacer milagros. En este periodo,
los principales movimientos artísticos, se van a dar por medio del “arte paleocristiano”, el
cual fue creado por los primeros cristianos. No se consideraba arte, ya que no buscaban un
objetivo estético, sino eran imágenes para identificar y promover la religión cristiana.
El movimiento paleocristiano, posea una arquitectura, la cual toma construcciones greco-
romanas y las reinterpreta.
Las construcciones pueden ser de dos modos:
-La del imperio romano de occidente, las cuales poseían un carácter direccional, se
caracterizaban por estar cargada de ornamentación, poseían “arcos del triunfo” y tienen la
particularidad de que las naves laterales no tienen luz (desmaterialización por medios
ópticos)
-La del imperio romano de oriente (imperio bizantino), las cuales tenían forma de
baptisterios (circulare ortogonal), los cuales eran centralizados, hechos en ladrillo y con una
cúpula (función de divinidad).Las paredes generalmente la adornaban con mosaicos y se
implementó el uso del color dorado (representa lo divino)
Durante la edad media (S V al XV) se produce la caída del imperio romano de occidente y
luego la del imperio Bizantino.
A partir de esto los territorios se dividen lo cual hace que no haya estados unificados,
también provoca una fragmentación política, lo cual promueve las constantes invasiones.
Se produce la unificación de la cultura católica en todo Europa, la lengua en común (latín).
En este momento aparece un movimiento muy importante, el cual va estar relacionado
directamente a un tipo de construcción, el cual son los monasterios, y el movimiento el
románico.

ROMANICO

El románico, surge en España, alrededor del S X y se mantiene hasta el S XII.este movimiento

se caracteriza por una construcción característica, el cual es el monasterio. Los monasterios
tenían diversas funciones, entre ellas la de protección, a partir de una organización en forma
de fortaleza, la cual se caracteriza con grandes muros sólidos, pequeñas ventanas. Dentro
de esta edificación está el claustro, que es donde se organiza la vida del monje.
En cuanto las características formales del edificio están:
-Estructura cuadrada
-Galería con columnas
-Columnas Geminadas (dobles)
-Núcleo central (claustro)
-Capiteles Historiados
-Arco a medio punto
-Uso de símbolos (libros cruces llaves
-Mucha simetría
-Imágenes sexuales que promovían las relaciones sexuales para reproducirse ya que las
ciudades eran muy pequeñas
Este edificio, se encontraba por lo general en las afuera de las ciudades, en un ámbito rural,
el cual había tenido un gran crecimiento, gracias a las nuevas técnicas agrícolas.
Los monasterios, en su mayoría, las financiaban a partir de donaciones de las diversas partes
de la sociedad, hacia la aristocracia laica.


El término Gótico fue utilizado por primera vez por Vasari en 1550 (S XVI), según esta
expresión el arte gótico, sintetizaba el arte de la edad media y era el arte “bárbaro”, de
esplendor, y suponía un corte con las tradiciones clásicas que aparecían en ese momento.
Se mantenía la idea que la edad media era un tiempo de barbarie y desgracia, se consideró
así, hasta el descubrimiento del estilo gótico, por medio del movimiento románico.
A partir de la invención del gótico se sueña con un renacimiento del arte medieval, y poco a
poco, este estilo se ira alejando y diferenciando de los demás.
Si bien el gótico se hizo presente en muchos países, todos con algunas modificaciones, van a
tener rasgos iguales que los destacan. Se puede decir que el gótico vio sus frutos en el S XII y
concluyo en el S XVI.
Le-Duc explico las catedrales góticas desde el punto de vista estructural, que era una de las
principales innovaciones que presentaba este estilo. Estableció que las nervaduras, como así
también el arco ojival, bóveda de cañón, arbotantes se debía a una respuesta a la
estructura, la cual la explico como una correlación entre pesos y empujes.
El arte gótico surge en un periodo de plenitud y crisis de la edad media, además de que en
Europa durante los siglos del gótico se produce un aumento en la población y de la
economía, además de esto, la caída del feudalismo hace que las monarquías tomen el
poder.
Estas monarquías cada vez más asentadas, buscaron la expansión territorial.
Los grandes excedentes agropecuarios, promovieron a que se creara un mercado comercial,
en el que también iban a intervenir productos manufacturados artesanales, los cuales iban a
estar controlado por los GREMIOS.
Una característica en común del gótico en los diversos lugares es que va a estar controlado
por las monarquías, las cuales lo van a tomar como la forma de representación y exaltación
de su poder. También el gótico va a coincidir con la apertura de universidades de filosofía y
con la expansión de órdenes religiosos.
Las primeras catedrales góticas fueron promovidas por los obispos, con apoyo de las
monarquías, lo cual hace que sea una arquitectura que promueva el poder religioso.
Esta expansión que está ocurriendo en Europa se vio desfavorecida cuando en el siglo XIV,
apareció una epidemia (Peste Negra) la cual redujo la población a la mitad y con ello
provoca la división de la cristiandad, el afianzamiento de las monarquías y las revueltas
urbanas.
Como dije anteriormente la catedral fue el principal exponente de este movimiento, su
construcción resume el prestigio, riqueza, capacidad y recursos de las ciudades. La catedral
se interpreta como una arquitectura destinada a transmitir una imagen de poder
(monárquico, obispal o ciudadano), frente a las construcciones del románico (castillo y
monasterio).
En el gótico para lograr la materialización espiritual, fue necesaria la implementación de un
nuevo sistema de construcción, el cual agrego elementos como el arco ojival, la bóveda de
ojivas y arbotantes, los cuales permitieron levantar las catedrales góticas, las cuales trabajan
a tracción.
Además de todos estos elementos constructivos se suma la implementación de grandes
ventanas de vidrio, las cuales dejan entrar la luz, la cual juega un papel importante para que
el gótico logre su objetivo de crear un espacio simbólico y sagrado.
En cuanto, las bóvedas góticas no trabajan a compresión como las románicas, sino que
trabajan a tracción, distribuyendo sus fuerzas a diversos puntos. Este tipo de solución
estructural se obtiene a través de la bóveda de crucería.
El resultado es que el macizo pueda ser sustituido por el hueco y que la altura de la nave sea
superior.
Los capiteles en el gótico no retienen la mirada como en los románicos, sino que facilitan la
transición.
Un rasgo común de la arquitectura gótica es que en la fachada revela su estructura
(exoesqueleto) y esta vista principal está caracterizada por poseer tres cuerpos horizontales.
La catedral no solo sirve para el desarrollo de la actividad religiosa, sino también para
múltiples concentraciones de actividades sociales, era el corazón de la actividad pública.
Las ciudades medievales, donde se encontraban las catedrales góticas, tenían dos
características fundamentales: la muralla y la plaza.
La muralla surge como necesidad de defensa frente al asedio de otros pueblos y la plaza
surge como el centro de la ciudad, en donde reúne el mercado, la base económica, política y
religiosa de la ciudad medieval.
El arquitecto en el gótico cumplió una función de científico más que de artesano, debido a la
aplicación de matemáticas y leyes de geometría para realizar su arte. El desarrollo del gótico
promovió el prestigio de los arquitectos y puso en manifiesto sus grandes conocimientos, su
capacidad para organizar las diversas necesidades de las construcciones góticas y su
capacidad de innovación.

Características Formales:
-Naturalismo -Arco ojival
-Contrafuertes -Rosetón
-Arbotantes
-Verticalidad
-Luz continua y celestial
-Muro desmaterializado
-Bóveda de cañón
-Pináculos

2.3 Dominación simbólica, Pierre Bourdieu

La dominación simbólica se produce cuando los dominados usan para pensar los esquemas
del dominante, y adoptan inconscientemente una postura. La naturalización genera nuevas
formas de dominación.
En la sociedad de la edad media, dios designa quien es el elegido, quien gobierna,
impidiendo una movilidad social. En las obras de arte está todo contenido, y se produce una
forma de representación plástica que viene establecida con patrones de representación, lo
cual provoca que sea difícil de entender que había otras maneras de representar.
 Unidad N°3

“De la sociedad burguesa al poder de las cortes: del Renacimiento al Barroco”


Se conoce como primeros flamencos, a los artistas que pintaron por primera vez en tablas,
en la región de Flandes y los Países Bajos, alrededor del S XV.
Poseían rasgos del gótico y también del renacimiento, aunque mantenía un estilo propio.
En los últimos años, los Países Bajos se convierten en un fuerte centro cultural, tomando a
Brujas como capital artística.
El flamenco surge en una sociedad moderna, y es contemporáneo del renacimiento italiano.
Uno de los aspectos llamativos de la escuela flamenca, es que alcanza su perfección
rápidamente, con una gran técnica y grandes composiciones.
En cuanto a momento histórico, podemos destacar que surge en una época y una ubicación
donde hay una gran densidad de población y acompañado de esto hay un crecimiento
económico, lo cual deriva en la creación de industrias, tanto textiles como de la banca y el
comercio. Esto trajo con si también un aumento de los oficios artesanales, los cuales
encontraban buenos clientes dentro de la burguesía.
Todo esto promueve al surgimiento del Mercado del Arte, en el cual participan muchos
artesanos, y artistas.
Durante este tiempo, el progreso industrial, influyo en la pintura, en los tamaños de las
tablas y también haciendo que se realizara una producción casi en serie. Se produce el
ascenso social del pintor, el cual de cada vez toma más importancia en la sociedad.
La pintura Flamenca tiene características particulares:
-Técnica de pintura al Oleo
-Detallismo
-Realismo y Naturalismo
-Gusto por el paisaje
-Simbolismo
-Obras de pequeños formatos


Arquitectura de circunstancia- en las nuevas sedes episcopales y conventos vamos a descubrir una
voluntad de arte “culto” con influencias pos herreriana en la disposición general de las masas.

América de sur: en 1527 los españoles venidos de Panamá por el pacifico descubren en tumbes el
imperio incaico. Cuatro años después inician la conquista del Perú que va a ser aún más sangrienta
que la de México, pues los españoles no solo vn a luchar con los indios sino también entre ellos.
Conquista muy dura, puesto que hay que salvar montañas entre las más altas de la tierra, explorar
inmensos ríos, dominar llanuras y selvas infinitas.

El paso de los religiosos se produce en condiciones diferentes a las que habían tenido lugar en
América central. Si bien los primeros franciscanos de México tenían por guía a un flamenco, puede
decirse de forma tibiamente hispano. En cambio, desde el principio y durante tres siglos en
Sudamérica, los frailes constructores en una gran proporción no fueron solo españoles sino
flamencos alemanes tiroleses portugueses e italianos.


Etapas de reconocimiento, de inventario y de saqueo: los españoles aun andaban a tientas, sin
conocer la medida verdadera de su nuevo adversario ni explotar el filón de la idolatría.
Si hemos de creer a las crónicas, se organizó según un plan sencillo y preciso que fue
constantemente repetido, plan en dos partes que articula aniquilación y sustitución: en principio, los
ídolos eran destrozados, y después los conquistadores los remplazaban con imágenes cristianas.
La conquista pertenece igualmente a la línea de la reconquista de la península ibérica, lucha secular
contra los reinos moros que había terminado con la toma de Granada de 1492.

La invasión de los españoles “dioses” para los indios, provoco así la irrupción de la imagen
occidental.
Se habrá notado una divergencia profunda entre dos mundos: el cristianismo exhibe por doquier sus
imágenes, mientras que las divinidades indígenas solían estar escondida en la oscuridad de los
templos, lejos de las multitudes, siendo periódica su exposición y sometida a reglas estrictas, cuya
infracción equivalía a un “sacrilegio”.

El cristianismo fue planteado en términos de imágenes, tanto más fácilmente cuanto que las
imágenes cristianas y los ídolos son considerados como entidades y de cierta medida equivalente.
La cuestión de las imágenes ocupa tanto espacio en planes españoles que los indios no podían dejar
de asociar estrechamente, casi de identificar, a los invasores con sus prácticas a veces iconoclastas y
otras icono filas.

La iconoclastia y la distribución de las imágenes cristianas entretejen y aportan una relación distinta.



Barroco (perla vulgar y de forma imperfecta)
Corrientes artísticas en el periodo del siglo XVII
El siglo XVII tiene un aspecto bifronte: es una época de extraordinarios progresos de la filosofía y en
la ciencia, y de cambios arrolladores en el ámbito económico y en la evolución del estado moderno;
pero es también una época caracterizada por continuas controversias teológicas, por una intensa
procuración por la experiencia religiosa personal y por n espíritu de providencialismo heredado del
cristianismo anterior.

Para tratar de definir las características esenciales del arte barroco nos puede convenir empezar por
el naturalismo. La verosimilitud es un principio que se adhiere todo artista barroco.
La preocupación por las pasiones del alma se observa tanto en los artistas como en los filósofos de la
época.

La revolución copernicana trajo en su estela un sentido de lo infinito que iba a permanecer el arte y
el pensamiento del siglo xvii. Nada revela mejor en este periodo la conciencia del infinito como el
interés por el espacio, el tiempo y la luz.
Espacio coextenso para borrar la barrera impuesta por el plano pictórico entre el espacio real y el
espacio fingido de la pintura o en el caso de la escultura, en la estatua que trasciende los límites del
nicho en que se alberga.

El naturalismo y la preocupación por el espacio son los principales factores que determinan el
paisaje barroco.

El virtuosismo con que el arquitecto barroco manipula el espacio no debería distraernos de un hecho
más importante, que es el principio del espacio coextenso.

La luz es uno de los principales medios de expresión del artista barroco. Se entiende como elemento
necesario del vocabulario naturalista en temas como paisaje o la escena de género.



Es posible interpretar la cuadricula como forma privilegiada de percepción acotada y mensurada del
espacio.
Sin embargo la cuadricula fue el punto de partida más frecuente de los primeros asentamientos del
país. En el centro del cruce de paralelas y perpendiculares, la plaza adquiriría la máxima importancia
como espacio alrededor del cual se levantaban los edificios desde del poder religioso y civil y la
iglesia funcionaba como el referente visual de la población.

Tanto en las capitales como en las poblaciones más modestas, la iglesia concentraba un universo rico
de imágenes. Puede considerarse el retablo como elemento privilegiado del espacio interior de los
templos. Así como la imagen era el centro y término visual del pueblo, el retablo mayor, colocado en
el testero plano o poligonal, planteaba un eje de recorrido interior que se detenía en su
contemplación.

Las imágenes occidentales, con su representación de la realidad sensible, mediante códigos y

convenciones, fueron poderosos instrumentos de transculturación, vehículos de transmisión de
jerarquías y valores, plasmación visual de una concepción del mundo que los americanos vencidos
no tuvieron otro remedio que elaborar y resignificar.

La imagen tendría un puente hacia lo sagrado, por medio de la devoción. Las tradiciones regionales
españolas, el sustrato de antiguos sentimientos y creencias derivados de las culturas indígenas, los
nuevos requerimientos de una sociedad distinta de la europea, son solo algunos de los ingredientes
que otorgan significado a la riqueza y variedad de las devociones americanas.

Indios y mestizos de apropiaban de las imágenes de acuerdo a sus necesidades y expectativas.

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
En el S XIV junto a la gran peste que asola Europa se produce la aparición y el ascenso de la
burguesía, además de una profunda desvinculación con la religión. Durante este tiempo
cualquier intento de alejarse del orden religioso, era tomado como apartarse de dios, y eso
en parte era lo que regía a las normas del arte. A partir de este momento se va a intentar
apartarse de la religión para configurar una cultura laica.
Esta cultura laica, no anticristiana, produce una emancipación del monopolio cultural
ejercido por la iglesia.
Durante el S XV, los encargos tienen contradicciones entre el sistema de representación y el
carácter religioso, y si bien la iglesia no encarga pinturas en su totalidad, los motivos siguen
siendo en su mayoría religiosos.
No es hasta después de mediados de S XV, en que las pinturas se agregan el tema de los
paisajes y logra un gran desarrollo, que produce que en los cuadros con temas religiosos se
cree una desacralización de la composición religiosa.
El arte cambia de carácter de actividad limitada a la iglesia, para empezar a establecerse en
otros ámbitos. El comitente se hace representar y no retratar.
A lo largo del siglo XV el encargo asume el rol de ostentación de prestigio, poder político.
El renacimiento se produce en el S XV hasta el S XVI y se caracteriza por algunos rasgos
comunes como son:
-Ciudades estado gobernadas por grupos laicos (pluralismo político)
-Vida urbana (economía monetaria – capitalismo y movilidad social)
-Fin del feudalismo
-Revalorización del individuo como ser racional
-Mundo regido por leyes
-Fertilización entre disciplinas (artes comienzan a ser liberales – ej. perspectiva)
-Estructura social (el artista es más respetado por las nuevas sociedades).

Características Formales:
-Perspectiva Cónica
-Espacio sugerido por planos
-Linealidad
-Lectura de izquierda a derecha
-Letra estilo romano
-Perspectiva geométrica
-Admiración por lo clásico (simetría y proporción).
-Figura figurativa, naturalista e idealizada.
-Arco a medio punto.
-Individualismo
-Secularización del arte.
-Antropocentrismo
-Historia contada
CINCUECENTO

El cincuecento se produce en el S XVI, en Italia y Grecia, tiene como protagonistas las

ciudades de Milan, Roma, en las cuales sigue la importancia del individualismo y el
cristianismo.
Sus principales exponentes fueron Leonardo Da Vinci y Miguel Ángel.
Da Vinci en sus pinturas, representa al hombre universal del renacimiento, realiza
exploraciones científicas para mejorar sus representaciones. También algo que se destaca
en Da vinci es que no se preocupó por los trabajos con volumetría, ya que dice que ya están
incorporados. Trabaja con la técnica de esfumado, la cual provoca frialdad e incluye la
perspectiva aurea.
Por su lado, Miguel Ángel, considerado como Bohemio en su época, produce exploraciones
del cuerpo humano y su volumetría. A partir de esto los representa voluminosos y fuertes.
Sus obras fueron realizadas en Roma, y a partir de esto el Papa lo convoca para lograr hacer
que Roma se convierta en la capital imperial.
En este tiempo el clasicismo se convierte en la cultura oficial del papado y el arte tiene un
función de exaltación del poder (como antes).

MANIERISMO

El manierismo se produce en el S XVI, en Roma y luego se extiende a toda Europa.Jhon

Shearman dice que las relaciones con los comitentes cambiaron, ya que cambia la idea del
arte, ahora se compra una pintura de un artista, ya que se quiere su arte. Es el momento de
auge del clasicismo, en el cual domina la simetría, armonía, proporciones, equilibrio.
También se modifica el criterio clásico de belleza y ahora pasa a ser algo más monstruoso,
irracional, junto a esto los artistas se empiezan a dejar llevar por lo que ve y por sus gustos y
no por lo verosímil.
En cuanto al momento, el manierismo es una reacción artística frente a la crisis italiana
(tanto política como religiosa), la cual se produce porque España y Francia están en guerra y
saquean territorios italianos y por la reforma del lutero que provoca una división en el
mundo cristiano.
Todo esto rompe con el ideal de mundo perfecto, que se vivía durante el clasicismo, lo cual
hace que los artistas reaccionen frente a esto.
Lutero, crea una nueva iglesia, la cual critica a la otra iglesia, a la figura de la virgen María, y
el poder del papado. Europa se divide en dos, protestante y católico.
Frente a esto la iglesia católica produce la contrarreforma, la cual consiste en darle mayor
importancia a las imágenes y así atraer más creyentes.
El manierismo, también se manifestó en la arquitectura, la cual tenía el objetivo de
representar el poder de las monarquías, esto se logró mediante:
-Patios internos, los cuales abren el espacio a la naturaleza
-Arcos a medio punto
-Trabajo con almohadilla
-Villa como principal construcción.

La pintura también fue importante en este periodo:

-Composición cerrada
-Serpentinata
-Teatralidad
-Secretos ópticos
-Diagonales, las cuales provocan tensión
-Anamorfosis (distorsión óptica).
-Gusto por lo monstruoso
-Planimetría
-Abundancia ornamental.
-Poca expresión: la mano funciona como un freno para el espectador
-Imagen intelegizada (colores fríos)
-Sentido lúdico
-Complejidad alegórica.

Unidad N°4

“Las consecuencias de las revoluciones del S XVIII”



En torno a 1630, triunfaba un nuevo movimiento, el barroco, el cual poseía formas
dinámicas y expresivas, efectos teatrales, un uso anti dogmático de los órdenes, una
concepción dinámica de la naturaliza y el espacio y gran comunicación hacia las masas.
El barroco se entendió como la antítesis al renacimiento y al clasicismo.
El panorama en Italia era de tranquilidad total, superada la época de guerra, se vivía un
periodo de paz, que solo que veía alterado por pequeños revuelos.
Esta tranquilidad se vio afectada debido a España, un gran poderío militar y político, sumado
a que se transporto a Francia la supremacía Europea, crea un ambiente de marginación
política, malestar económico y un gran espionaje.
Sumado a esto la baja producción agrícola no es capaz de alimentar a toda la población, y
encima estallan epidemias las cuales provocan que se decrezca la población.
Una de las peores consecuencias es el endurecimiento de las relaciones entre las clases
sociales, las cuales marcaron más las diferencias.
Frente a todo esto, la sociedad recorre al arte para , el cual se convierte en un instrumento
para hacer creer verdadero todo aquello que no lo es, se produce una simulación de la
realidad mediante el arte.
Entre sus características se distingue:
-Analogías
-Paradojas
-Contraposición de formas
-Hipérbaton
-Elipsis
-Alteración proporciones clásicas.
-Naturalismo
-Sentido alegórico
-Teatralidad (expresiones faciales)
-Tiempo y movimiento (eje icoidal y diagonales)
-Distintos tipos de luz: -luz simbólica (celestial)
-luz focal (teatro)
-luz natural
-Multiplicidad de puntos de vista

Otro gran surgimiento del barroco, son las fiestas, las cuales creadas por la burguesía eran el
escenario perfecto para la ostentación de poder. Estas fiestas tenían el apoyo del Papa y por
supuesto del pueblo.
Durante la época del barroco, la iglesia vuelve a intentar imponer la fe católica como la
dominante, mediante la restauración de capillas y oratorios. Además la iglesia se convirtió
en el principal consumidor de arte.

Barroco holandés

El barraco holandés no tenía imágenes, no había significado de los en los cuadros y era una
sociedad laica, el arte estaba ligado al capitalismo y a la burguesía.
En cuanto a lo político era una república federal, con la austeridad como bandera, y sus
edificios no ostentaban.
Debido a la gran cantidad de agua, surge el comercio marítimo y se crean los molinos.
El comercio marítimo hace que surja el mercado del arte y los artistas se profesionalizan y
pueden vivir de eso (se establecen precios por tamaños, marcos, etc.) (capitalismo –
estandarización de formas y marcos)
Además aparece la figura del Marchand que son los expertos en arte.
-Reproducción de cuadros dentro del cuadro (propaganda)
-se invierte el orden (fondo más importante q figura)
-cuadro pequeño

Proceso en América Colonial

El mundo católico y monárquico chocan en América, y esto se puede relacionar con la

dominación simbólica, debido que todos los procesos de arte en américa, provienen de
europa.
Se produce también una violencia simbólica, ya que los europeos intentan imponer sus
imágenes a los americanos, además de intentar imponer conceptos europeos a sus
imágenes. Surge un periodo de eliminación de imágenes y sustitución por las europeas.
Se puede decir que el barroco se expandió en américa, pero este tomo particularidades de
cada lugar donde llego, por eso se lo llama un arte plural.
En américa la arquitectura en general era sencilla en el exterior y muy cargada de
ornamentos en el interior.

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

Desde que Luis XIV instala en Versalles la sede de su gobierno, todos los artistas antiguos,
como Boileau, frecuentan los palacios, mientras que los artistas modernos, se reúnen en los
café de Paris.
En esta etapa se producen dos hechos muy importantes para el afianzamiento de lo
moderno:
-La aparición de la crítica de arte en Francia
-La fundación disciplinaria de la estética en Alemania.
Diderot va a ser quien se encargue de echar las bases de la crítica del arte.
En 1735 la Academia de Pintura y Escultura, inicio una serie de muestras artísticas, abiertas
al público, las cuales fueron emplazadas en el salón de Carre, lo cual va ser el inicio de los
salones de arte.
El principal público era la burguesía, la cual hizo que se crearan catálogos con noticias y
comentarios sobre los salones.


Durante los años centrales del S XVII se produce un cambio en la orientación de los
pensamientos en el mundo, tanto filosóficamente como cultural.
La sociedad, en especial la burguesía, se revela contra el barroco, el cual había sido apoyado
por la aristocracia hasta hace unos años.
En casi todos los países se produce una rebelión contra la tiranía cultural de Francia.
En Alemania, se produce una atracción por la cultura latina y el gótico, En España, el barroco
es rechazado y viene acompañado del cambio de dinastías en el cual aparecen los Borbones.
En Inglaterra, también se produce un rechazo hacia el barroco y el gusto francés, En Italia
algunos artistas reconocen al barroco como un periodo de decadencia.
Mientras en todos los países europeos sucedía esto, en Francia se produce un retorno a
todas las particularidades clásicas, lo cual será el comienzo del Neoclasicismo.
Los descubrimientos de las ciudades de Herculano y Pompeya, abren las fronteras sobre el
análisis del pasado, esta moda se multiplico en todas las áreas culturales.
Este interés por lo pasado puso en marcha expediciones artísticas, con el objetivo de
reconocer y reproducir obras del pasado.
Hacia mitad del S XVIII la ciudad que se establece como principal centro del Neoclasicismo
es Roma, la cual tendrá gran importancia debido a sus expediciones arqueológicas.
Durante este periodo el pensamiento ilustrado también supone un cambio, ya que deja de
ser con el objetivo de ostentación de poder y función religiosa, sino que ahora va a ser un
instrumento educativo.
El creciente interés en el arte hizo que la formación del artista cambie desde lo meramente
manual, hasta el plano teorico.Esto dio lugar a academias para la profesionalización de los
artistas.
Las academias se convirtieron en centros de difusión del nuevo estilo, en las cuales los
alumnos aprendían las técnicas y luego completaban sus estudios con becas a roma.
Otro cambio importante es la aparición de los Museos, los cuales servirán para guardar las
obras artísticas, y cambian la concepción de las colecciones, las cuales ahora serán posesión
de todos los ciudadanos.
La línea, el dibujo, el elemento plástico, son unas de las características más llamativas del
movimiento Neoclasico.El artista no tiene que formarse sobre la naturaleza, sino sobre las
técnicas e historia de los artistas clásicos.
El neoclasicismo separa el tema y la forma.

Revolución Francesa

Se produce un cambio político drástico y social. Se acentúa la democratización, ya que a

partir de ahora todos los artistas y las clases sociales van a poder entrar a los museos. La
democratización se produce en las exposiciones y los espacios de exhibición.
Los palacios se desactivaron no tenían más función en las monarquías, los artistas se van
formando viendo pinturas del pasado, y los únicos que seguían con las colecciones eran los
reyes y la aristocracia, cuyo acceso era privado. Algo muy importante de la revolución
Francesa es la ruptura en la unificación de culto, lo cual produce que ahora cualquiera
pueda opinar de arte y no solo los que tenían criterio de autoridad
(académicos=profesionales)
Aparece Winkelman, el cual cita al arte griego y lo alaga, critica al barroco y tiene la
intención de volver al clasicismo, lo que genera la lucha de representaciones.

Romanticismo

Durante esta época, se profundiza las desigualdades entre la burguesía y el resto del pueblo,
y surge un nuevo movimiento, el cual va a responder a los burgueses, este movimiento es el
romanticismo.
El tráfico de esclavo represento una de las más duras relaciones entre Europa y las
sociedades primitivas.
Europa, inmersa por la revolución industrial y en un contexto social en el cual los obreros no
tenían buenas condiciones de trabajo, ni tampoco de vida, durante este periodo va a ser la
etapa crítica de la revolución industrial.
El S XIX se presenta como un tiempo de cambios, el gran auge por lo clásico, ahora se
convierte en un gran rechazo y una búsqueda por algo moderno.
El romanticismo va a aportar con un nuevo término, el cual es lo sublime, termino contrario
a belleza. Entre lo bello y lo sublime aparece lo pintoresco, lo cual postula que si bien un
objeto extraño nos produce extrañeza, nos puede producir agrado.
El romanticismo, prioriza los sentimientos sobre la racionalidad, y en cuanto la arquitectura
su estilo es el Neogótico.
-Individualismo
-Evasión de la realidad
-Retorno a la religión
-Cielos problemáticos
-Claro/oscuro
-Volumetría
-Dramatismo
-Caballos o personas muertas
-Representación del feísmo

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
Como todos sabemos durante el S XIX se producen muchos cambios, entre ellos, uno
radical, sustituyendo la confianza natural por una simple convención, lo cual provocara los
revivals: neogótico, neoromanico, neobizantino.
Durante este periodo, aparece la oposición radical a los ideales académicos y su significado
religioso, los cuales difunden un historicismo medieval.
Desaparece la unidad del gusto, lo cual hace que haya varios lenguajes arquitectónicos en
una misma obra.
Surge el eclecticismo decimonónico, el cual se verá reflejado en la Opera de Paris, obra en la
cual la sala de opera constara solo el 10% del proyecto, dejando el resto con la función de
relaciones sociales.
La exposición Universal, expuesta en Paris en 1889, significa el apogeo de este movimiento y
del propio S XIX, el cual, luego ira decayendo hasta provocar un agotamiento en toda
Europa.
La revolución industrial, no solo revoluciona a la sociedad sino que también a la
arquitectura, aparición de nuevas técnicas, como también de nuevos materiales harán que
se alteren las demandas arquitectónicas.
El campesinado se trasladara a las ciudades a vivir y trabajara en las fábricas cuyos dueños
eran los burgueses. Un gran problema lo presentara la fotografía, la cual cambiara el
concepto de pintura en los artistas, los cuales ya no representaran la realidad tal cual laven,
ya que ese será el trabajo de los fotógrafos.
Otro cambio importante es que aparece la clase obrera, la mano de obra especializada.
Los Ferrocarriles y los Tranvías modifican la vida de las ciudades, las cuales ahora serán
“puertas” por las que pasaran las nuevas vías de comunicación, y harán que cambie los
hábitos urbanos y de la arquitectura. Otro cambio muy importante de este momento es el
alumbrado urbano, el cual le da vida a la ciudad de noche, y también la invención del
ascensor, el cual permite el trabajo de altura y la aparición de nuevas topologías edilicias.
Esto se reflejados en los rascacielos creados por la Escuela de Chicago en Estados Unidos.
La revolución industrial como dijimos, no se limita a solo la aparición de nuevos progresos
técnicos, sino que abarca algo muy importante como la creación de nuevos materiales
constructivos, como por ejemplo: el hierro, y el hormigón, lo cual hará ahora que el material
creara el problema de la arquitectura por primera vez en su vida.
También, durante este siglo, aparece la arquitectura industrial, este movimiento se vio
acompañado de un gran crecimiento económico, además de que mantiene hábitos
estilísticos. Por primera vez, la respuesta a este reto es la Arquitectura del Hierro, ya que es
el hierro el cual actuara de forma estructural y compositiva a la vez.
Poco a poco este material se ira metiendo en la vida cotidiana de la ciudad, sustituyendo los
pesados muros por livianas estructuras de hierro. También aparecen edificios enteros
creados por piezas prefabricadas de hierro. Frente a esto surgen Exposiciones Universales,
en la cuales se presentan obras arquietonicas.Una de las obras más conocidas que se
presentaron en esa exposición es el Crystal Palace y también la Torre Eiffel, la cual en su
tiempo había creado un gran rechazo, hasta que se convirtió en el principal símbolo de
parís.
Así, luego del eclecticismo decimonónico, aparece un nuevo movimiento, el cual es el
modernismo, el cual no es unitario, y las diferentes denominaciones que tiene este en los
diferentes países (Art Noveau en Francia y Bélgica, Modern Style en Inglaterra, Jugedstil en
Alemania, Liberty en Italia) afectan al concepto del movimiento, el cual va a variar según
cada situación social y cultural.

Arte por el Arte

Después de la revolución industrial y con el invento de la fotografía, la pintura deja de tener

el mismo valor social que tenía hasta ese tiempo. A partir de esto surge el arte por el arte,
un movimiento en el cual los artistas experimentan con la forma, porque el tema es una
excusa. Uno de los principales artistas en Dominic Ingres el cual recupera aspectos del
románico y del neoclasicismo.
-Predominio de la línea
-Deformación de imagen
-Línea de horizonte en cuadros de Manet

Realismo

El realismo une a los pintores y literarios, ya que ambos son rechazados por la gente. Tiene
ideologías de izquierda y pinta a la gente que el capitalismo dejo afuera. Modificación social
de la pintura por la invención de la fotografía.
Arte científico, naturalista, anti-clásico, anti-romántico, anti-académico, progresista y social
(artistas con posicionamiento político de izquierda).
Objetivo principal: representar la pura verdad contando realidades de los más
desamparados que son excluidos por el sistema.


Realismo: reacción al “estilo correcto” de los salones- nuevos intereses

Impresionismo: sentimientos y convicciones que prevalecían en un numeroso grupo de jóvenes

artistas comprometidos y con talentos. Detalles iluministas y luz natural.
Sociedad contemporánea, sociedad abrumadoramente rural, analfabetismo, gran pobreza.
Variedad de color, largas sombras, contraste figura fondo.
Manet: luces y oscuridad, naturaleza muerta en paisaje, vacío oscuro, plano pictórico, profundidad,
color uniforme, borde redondeado, sutiles contrastes tonales.
Impresión calidad abocetada e inacabada de la obra de un artista. Boceto rápido y espontaneo;
percepción del mundo natural, sin comunicar ningún mensaje social ni moral.
Efectos cambiantes de la luz, color del objeto en la naturaleza. Luz en los distintos momentos del día,
en distintas estaciones.

Post impresionistas- primitivos

Gaugin: dibujos planos de colores brillantes, contorneados a menudo con tonos oscros o negros;
exagerar o simplificar su reproducción en relación con la realidad observada.
Estilo impresionista un color intenso
Ceznne: observa de la naturaleza, pintura como material, aplicación del color y propia pincelada.
Composiciones bien ordenadas y armónicas. Interrelaciones tonales y formales. Paisaje, retrato,
naturaleza muerta.
Serrat: Puntillismo, manchas ópticas- neo impresionismo
Vam Gogh: expresión de la luz y los sentimientos.

Unidad N°5:

“Modernidades Plurales”

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
Impresionismo

Courbet, no niega la importancia del pasado, pero sostiene que de ellos no se hereda ni una
concepción del mundo ni unos sistemas de valores, sino solo la experiencia de afrontar la
realidad y sus problemas mediante la pintura.
El movimiento Impresionista abrió el camino al mundo moderno.Sugio en Paris a mediados
de S XIX, y surge a partir de la necesidad de los artistas de modificar la pintura debido al
posterior invento de la fotografía.
Cambio el punto de encuentros de los artistas, el cual ahora seria los cafés, en donde los
pintores impresionistas pusieron algunos puntos:
1) Rechazo hacia los Salones.
2) Orientación realista.
3) Desinterés por sujeto y naturaleza muerta.
4) Rechazo hacia el Atelier
5) Estudio de las sombras y relaciones entre colores complementarios.
El objetivo de este movimiento es demostrar que la experiencia de la realidad, realizada por
la pintura es algo pleno y legítimo que no se logra con otra cosa.
Algo a favor de la Rev. Industrial para los Expresionistas, es la invención del pomo de
pintura, lo cual provoca que los artistas salgan de sus talleres y pinten afuera
Por tener q pintar la luz y por la velocidad del tren (tenían q “mirar rápido”) surge:
-Pincelada descompuesta y suelta
-Mezcla óptica (abandono de la mezcla en la paleta para usar colores puros que se
yuxtaponen en la retina)
-Poco detalle
-Bidimensional –Z por levantar la línea del horizonte
-Sensación de espacio a partir de los colores (fríos alejan, cálidos acercan)
-Encapsulamiento
-Coplanar

La fotografía produce que muchas pinturas, pasen a ser fotógrafos y además produce que la
pintura pase a pertenecer a un grupo de elite.
Si la obra de arte la produce un determinado grupo de gente, solo puede ingresar a verla un
público restringido, lo que provoca que no tenga un gran alcance social, lo cual hace que la
pintura deje de ser un bien de consumo normal y pasa a ser considerada un arte incompleta
En la revolución industrial, si bien se perfecciona el hormigón, este ya era un invento del
pasado, surgido en Roma. La Rev. Industrial sirvió para:
1) La producción de materiales a bajo costo
2) Posibilidad de transporte de producto de fácil manera
3) Materiales móviles y amplios espacios con mínimo apoyo
4) Formación de Escuela especializadas para los ingenieros.
El implemento de elementos prefabricados significo un avance muy grande en tiempos de
producción y dinero.
En termino modernismo, incluye todas las corrientes artísticas del S XIX.Las tendencias
modernistas tiene puntos en común:
1) La decisión de hacer arte conforme al propio tiempo y rechazando las tendencias
clásicas
2) El deseo de reducir la distancia entre las arte
3) La búsqueda de una funcionalidad decorativa
4) El intento de crear un estilo internacional
La disciplina que estudia el desarrollo de las ciudades modernas es el urbanismo, el cual es
convergente de varias disciplinas. Los primeros urbanistas comprenden que la ciudad
preindustrial no se puede adecuar a la exigencia de la nueva ciudad.
En estas ciudades se extingue gradualmente las viejas clases sociales y actividades de la
ciudad, a la par de que los propios empresarios van comprendiendo que las maquinarias
cada vez más perfeccionadas requieren más mano de obra calificada, lo cual necesitan
elevar el nivel de vida y de cultura de los trabajadores, frente a esto nacen los primeros
condados obreros.
Dentro del modernismo, incluimos al Art-Noveau, el cual es un nuevo fenómeno que se
produce en todos los países europeos y americanos que han alcanzado un cierto grado de
desarrollo industrial y afecta a todos los ámbitos de la arquitectura. Posee las siguientes
características:
-Tematica naturalista
-Inclusion de motivos icónicos y estilísticos del arte japonés
-Intolerancia por proporsion y equilibrio
-Utilizacion del vidrio y el hierro
-Arte de elite (arte burgues)
-Predominio de la línea curva
-Mosaicos
-Arq: ornamentación mirando a la naturaleza (cuando está por florecer)
-Artesanal

Escuela de Chicago (Argan)

En la ciudad de los negocios, como se denomina a Nueva York, se alzaban los rascacielos, los
cuales alcanzaban grandes alturas, con el objetivo de aprovechar al máximo el suelo.
La arquitectura americana depende mucho de la europea hasta dsp del S XIX.
Un gran incendio en Chicago, produce que los arquitectos tengan que remodelar la ciudad
con gran urgencia. Sullivan es uno de los tantos encargados de realizar estas obras, y se
destaca con sus rascacielos, los cuales tenían peculiares características como:
-Ventanas Guillotina
-Estructura de hierro
-Incorporación de ascensores
-Forma sigue Función
-Ornamento algo secundario.


En 1830, en Alemania, Polonia, Italia, Bélgica, Suiza y Francia se viven etapas de
reevolucion.Salvo en Polonia, en el resto de los países se adepta una constitución de estilo
liberal.
En Inglaterra la modificación de sistema mercantilista, provocan nuevos aires en la vida
política y económica británica.
Por su parte, en España como consecuencia de movimientos de estudiantes y la hermandad
social, las monarquías absolutas desaparecen del panorama político de occidente y los
nuevos gobiernos toman medidas a favor de la burguesía urbana e industrial, favoreciendo
también al progreso económico e industrial, lo cual provocara conflictos sociales entre la
burguesía y el proletariado. Este periodo está caracterizado por el romanticismo.
Un invento que va a caracterizar la época es la locomotora, la cual permitirá acortar
distancias entre las ciudades. El ferrocarril contribuyo a una transformación del paisaje,
debido al allanamiento de montículos, la construcción de grandes puentes, terraplenes,
túneles.
Durante esta época el periodismo fue algo muy importante, el cual fue favorable para
incrementar la difusión masiva de la imagen, en el que la venta de productos ahora iba a ser
para un público mayor.


Durante este siglo en Argentina, tanto el gusto del público como la costumbre de
coleccionar pinturas, recibieron un gran impulso.
Todo este proceso tuvo como principal figura a Buenos Aires, la cual llego a tener un gran
crecimiento gracias al comercio internacional de bienes agrícolas y ganaderos.
El principio del S XIX contara con los enfrentamientos entre Buenos Aires y el resto de las
provincias como principal foco, aparte del enfrentamiento entre unitarios y federales.
Buenos Aires se vio muy favorecida, ya que desde Europa (España, Portugal e Italia) llegaron
mucho artistas para trabajar fundamentalmente en las iglesias. Al principio de siglo la
pintura se relacionaba con los retratos de los líderes y héroes revolucionarios. En 1799 se
crea la Academia de Dibujo de Buenos Aires, pero debió cerrar por insistencia del Rey de
España.
Debido a esto se empezó a pintar en aulas de las universidades, lo que luego hizo que de a
poco los artistas argentino vayan hacia Europa a visitaron los grandes centros artísticos.
A partir de esto surge uno de los artistas más conocidos como es García del molino, el cual
fue formado por maestros europeos, pero fue el primer artista local, el cual fue el retratista
de Rosas.
Rosas, tuvo una fuerte oposición a su gobierno, lo que género que salieran “caricaturas” las
cuales su objetivo era burlarse y criticarlo.
Esto que se produce es la europeización de la mirada, es el proceso de traer maestro
europeos para formar argentinos.
A partir de la caída de Rosas, Argentina entra en una etapa de “modernización”, durante
este tiempo las miradas van a estar puestas, en Francia (cultura) y en Inglaterra (economía),
además se modifican las costumbres, creando más sociabilización, y llevando a las personas
a reunirse en cafés y grupos de lecturas.
Aparece un MERCADO DE ARTE, debido que los ricos, van a empezar a coleccionar pinturas
para ostentar su poder.
Durante el 80, surge una generación de artistas ( llamada la generación del 80), los cuales
van a pensar que el centro del mundo está en Europa, y argentina es la periferia, aparte de
esto argentina empieza a exportar materia prima e importar ferrocarriles, además de
dejarle los puertos en mano de los ingleses. Estos pintores de esta época, van a ir a Italia a
formarse a partir de lo clásico, pero cuando vuelvan, van a ser rechazados, porque tendrán
que convertirse en profesores y dedicarse a la enseñanza.
La generación del 90, va a estar rodeada de una crisis política económica y social en
argentina, solo destaca Malharro el cual va a Europa, aprende el impresionismo, y lo aplica a
la noche (solo se pintaba el impresionismo de día).


Entre las grandes construcciones que han hecho diversas empresas en nuestra ciudad, una
de las que más resalta es la estación de tren, lugar simbólico de la Rev. Industrial.
Al decir estación, estamos aludiendo a dos termino, uno puede ser la estación propiamente,
la cual el andén esta paralelo a la estación, por lo que la locomotora para, recoge y sigue, y
la terminal, la cual la localización es perpendicular, finalizando allí su recorrido.
La estación Bahía Blanca del Ferrocarril Sud, como dijimos se ubica paralelo al andén, dando
paso hacia las otras estaciones al destino del tren.
Esta estación, en cuanto arquitectura, posee características Neo-Góticas, haciendo primar
sus características funcionales antes que académicas y estéticas.
La mayoría de las construcciones de esa época, seguían el lema de “forma sigue función”,
con poca ornamentación, salvo por las estaciones, las cuales debido al gran caudal de gente,
necesitaban un mayor acento en las formas.
Esto hizo que también dentro de las estaciones se destaquen los dos espacios, el de la
arquitectura y el de la ingeniería, el primero dedicado al hombre y el segundo a la máquina.
Otra característica es que las estaciones dejan ver a influencia de la Rev. Industrial,
mediante el uso del Hierro, y de grande columnas de metal.
Otras construcciones muy importantes y que marcan la evolución de la ciudad son los
muelles y las usinas.
Los muelles eran lo principal en materia de infraestructura, eran construcciones muy
exigentes. Otro gran desafío era la comunicación de estos muelles con las estaciones, lo cual
comprendía obras de dragado, tendido de las vías, además de la planificación de las vías que
dependía de muchos condicionantes, a veces geográficos, otras veces técnicos.


Aunque la autonomía del arte se va formando desde el renacimiento, impulsada por los
antecesores griegos, es en la modernidad cuando realmente se alcanza.
No se trata de obras de arte, sino de objetos supeditados al valor y a la función que rigen en
la comunidad.
La modernidad separa lo que generalmente está unido. En el S XIX, junto a los museos se
forma otro organismo, el cual es el MERCADO, donde la obra se consagra no por su valor de
uso, sino por su valor de cambio. Mientras el museo garantiza la perdurabilidad de una obra
de arte, el mercado impulsa a la constante innovación del arte, necesaria para evitar el
desgaste del movimiento.

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En la segunda mitad del S XIX surge el arte como institución, lo cual significa que el arte se
toma como una esfera autónoma.
Surge la iniciación del arte moderno en el predominio de la forma, también los pequeños
grupos de artistas, los cuales se van a sostener entre ellos y van a poseer su propio público y
gracias a estos pequeños grupos, surgen las vanguardias.
A partir de la revolución industrial, que da lugar al impresionismo, a partir de este
movimiento, surgen dos movimientos más, los cuales van a ser el Neoimpresionismo o
Puntillismo, y el Postimpresionismo.

Neoimpresionismo

Este movimiento, es una vuelta de tuerca más al impresionismo, ya que al volverlo a traer se
perfecciona. Su objetivo es captar la luz, mediante pinceladas mas chicas, para lograrlo,
utilizan el puntillismo. Los artistas dejan de pintar al aire libre.
-Puntillismo
-Divisionismo
-Mezcla óptica
-Boceto al aire libre y pintura en el taller
-Pincelada más chiquita, prolija y detallada
-Influencia de los egipcios

Pos-Impresionismo

Surge a partir del colonialismo, y tiene 4 artistas, los cuales poseen 4 formas distintas.
-Cezzane: es el más racional, se preocupa más por el color que por el espacio, rompe la
perspectiva geométrica, colores violáceos, superposición de planos, planimetría
-Gaugin: No es expresivo, recompone la forma, color arbitrario,albeolismo.
-Van Gogh: Expresionista, Color arbitrario
-Lautrec.
-Color Arbitrario
-Albeolismo
-Planimetría
-Superposición de planos
-Recomposición de forma
-multiplicidad de puntos de vista
-color plano


Artista: expresar sus obras por escrito- manifiesto (difusor de ideologías)

Fauvismo: primer movimiento de vanguardia (1905)

Exaltación de los tonos con rojo y naranja
Expresionismo: países germánicos- una manera de entender el monto
Técnica de xilografía
Escultura: temas de la situación de Alemania(bronce)
Arq: forma orgánica

Cubismo: Picasso 1907

Analítico: elementos se deben componer en diversas formas geométricas superponiéndose de tal
modo que no se identifica de que se trata.
1er etapa: colores restringidos
Collage: integrar papeles pegados a la superficie del cuadro- utiliza todo el tiempo elementos
provenientes del entorno cotidiano.
Sintético: identificar una forma global

Futurismo: 1909 Italia

Idea de modernidad ligada al futuro y progreso
Velocidad, plasmada en técnica de simultaneaste

Dadaismo:1916 NY
Irracionalidad – ready made: objetos de carácter descentralizados

Surrealismo: parís 1924

Automatismo: elementos del cuadro surgen del inconsciente y de la intervención del azar
Onirismo: metodología similar a la de la terapia del psicoanalista- sistema de la doble figuración-
método paranoico- critico

Abstracción: 1910
Grado máximo de libertad- como se plantea la composición
Color en modos de manchas- simplicidad de formas- colores primarios, blanco y negro

Neoplasticismo: eliminación absoluta de todo lo superfluo ( que no cumple mi desempeña una

función) que prevalezca lo elemental
Formas geométricas regulares (cuadrado, rectángulo y ángulos rectos)
Colores primarios, blanco, negro y gris
Búsqueda de armonía y equilibrio
 Unidad N°6:

“Contemporaneidades”


Los arquitectos empezaron a interesarse por el expresionismo, inmediatamente dsp de la I
guerra mundial.
El expresionismo arquitectónico se manifestó sobre todo a través del ladrillo y del cristal.
La arquitectura del expresionismo fue predominante hasta mediados los años veinte en los
países de Europa que venían contando con este material desde el gótico.
La escuela de Ámsterdam es el claro ejemplo de arquitectura expresionista. Fue un grupo de
arquitectos, cuyos proyectos adquirieron rápidamente fama.
Se dedicaron a la construcción de viviendas para mejorar la forma de vida de los
trabajadores, producían complejos residenciales, los cuales combinaban los más diversos
motivos y formas de ventanas, e incluían curvas.
-Ladrillo visto y ventanas blancas para generar calidez
-Preocupación y sensibilidad social (barrio para los obreros llevado a cabo por su
cooperativa)
-Todos edificios distintos
-Líneas curvas

En 1911 se reunió en Praga un grupo de intelectuales, cuya obra era evidente la influencia
de la arquitectura estereométrica, y se inspiraban en las formas fundamentales.
Los arquitectos praguenses trasladaron a las fachadas de sus edificios que decoraron con
formas cubicas. En lugar de ornamentación, diseñaban fachadas estructuradas, mediante el
uso de vidrio, juego de luces y sombras.
-Frente Geometrizado
-Volúmenes Facetados
-Forma sobre función
-Ventanas Hexagonales

El Cubismo no solo abarco arquitectura, sino también pintura.La pintura cubista se dividio e
dos:
-Cubismo analítico: comienza en Paris, y luego se translada a Praga.Fuerte influencia de la
ciencia, óptica, obsevacion.no representa ni expresa.
-Figura/fondo –Cuadro con autonomía –Multiplicidad de puntos de vista –Tecnica de
pasajes.búsqueda formal (pintar las cosas como las conocen, no como las ven—Z reducción
a formas geométricas (Cezanne))
-multiplicidad de puntos de vista de un mismo objeto(Cezanne)
-cientificismo (geometría, matemática, teoría de la relatividad)
-inclusión del arte africano (máscaras)
-reducción de colores (paleta casi monocromática, colores tierra y sus matices)
-claro oscuro y luz ilógicos usados para satisfacer las necesidades del arte
-facetismo
-técnica de pasaje (encadenamiento de formas gracias a la paleta restringida, al claro-oscuro
y a la geometrización)
-placer intelectual –Z no emociona
-no hay diferencia fondo y figura

-Cubismo Sintetico: Comandado por Picasso, aparece el collage y el ensamble.El collage

tiene tres pasos: desintegración, fragmentación e integración.
-reducción a formas geométricas
-recomponen la forma y se acercan a la realidad
-invención del collage (desintegrar algo de la realidad, fragmentarlo e integrarlo al cuadro)
-assamblage (construcción basada en la unión de objetos no-artísticos) –Z se empiezan a
cuestionar los límites entre los géneros
-búsqueda de texturas
-aparición de letras
-búsqueda de planos de manera tridimensional -multiplicidad de puntos de vista

A partir del S XX se empieza a exigir del espectador una percepción mas critica de la imagen.
Frente a esto los FUTURISTAS ITALIANOS experimentan con la descomposición de los
decursos de movimiento en secuencias temporales individuales y recomponían en un único
plano óptico. El futurismo va a abarcar la música, la poética, la pintura y la escritura. Se
propone a destruir todo lo pasado para glorificar la guerra.
El futurismo no posee arquitectura, solo bocetos.
-integrar arte y vida
-movimiento y velocidad (cientificismo –Z cronofotografía – repetición de la misma imagen
para captar el movimiento)
-violencia –Z honraban la guerra
-influencias del cubismo (formas geométricas y las letras/palabras)
-pretenden romper con el pasado y hacer hincapié en el futuro
-búsqueda de lo inverosímil y lo absurdo

Expresionismos (principios SXX): expresión de emociones y sensaciones para criticar la

racionalidad que produjo la primera guerra mundial, se utiliza como categoría o
característica.Los artistas quieren destruir todo lo viejo para recrear.

Existen 3 expresionismos que no llegaron aser vanguardia (cubismo, expresionismo

arquietectonico de amsterdam y futurismo)

Fauvismo (francia):
.separación forma y color (color arbitrario)
.color como línea (“se dibuja con el color”)
.línea de horizonte más alta, por lo tanto, hay más planimetría
.fondo activado (no acompaña a la figura) y con colores cálidos que da menos
bidimensionalidad
.espacio libre (japón)

El puente (Alemania):
.fuerte crítica social
.mismas características del fauvismo
.espacio deformado siguiendo a la figura

El jinete azul (Alemania):

.lo importante es componer, no representar –Z títulos como composición 1, etc.
.Espacio como campo en expansión (fragmento de algo mayor)
.no figuración, abstracción total (1910 Kandinsky con “primera acuarela abstracta”)
.preocupación por la forma y el color para generar emociones

Mucho antes de la I Guerra Mundial se llevaron a cabo en Europa y América Latina intentos
de reformas políticas y culturales. Las nuevas tendencias como el modernismo,
expresionismo, futurismo o cubismo, rompieron con el arte tradicional y buscaron nuevas
concepciones y nuevas formas de expresión artística. La I Guerra mundial fue una
experiencia que marco a todo una época, agravo todavía más los problemas económicos y
sociales existentes en muchos países y la inseguridad política y económica d la posguerra
desplazo a primer término las cuestiones relacionadas con la solución al problema de la
vivienda.
Esta situación obligo a muchos artistas y arquitectos a tomar una posición. En cuanto a la
arquitectura se continuó el desarrollo lógico de nuevas formas de construcción de carácter
funcional sin dejar de utilizarse los nuevos materiales.
Con el expresionismo de la escuela de Ámsterdam, los artistas ya habían ocupado una
posición de vanguardia en la arquitectura y dado que Holanda no se vio implicada en la
guerra, pudieron desarrollarse en las otras tendencias vanguardistas.
Frente a esto surge el grupo De Stij, los cuales pertenecían al NEO PLASTICISMO, que
criticaban el uso de ornamentos pequeños y el uso de ladrillo en el expresionismo.
Su arquitectura se base en la reticulación de un número de cuadrados y rectángulos que
quedaban en blanco o adquirían diversos colores.
Así en 1917, Rietveld proyecto la Casa Schroder, en el cual el contraste con las casas
adosadas y convencionales, puso en manifiesto lo novedoso e inusual de la arquitectura de
la Casa Schroder.En el piso alto existía la posibilidad de retirar las paredes para lograr una
planta libre o con espacios delimitados.
-Planta Libre
-Puro Racionalismo
-Líneas rectas
-Funcionalismo absoluto
-colores neutros y primarios
-Paredes desmontables
-Purismo excesivo
ARQUITECTURA
.elemental, económica, funcional y plástica
.relación equilibrada de partes desiguales
.el color como un elemento integrado y orgánico de la nueva plasticidad
.geometrización y forma por sobre el confort (forma a posteriori, responde a la función)
.deja de ser monumental y grande para pasar a ser una arq de transformación, ligereza y
transparencia
Aparte de la De Stij en Holanda, surgió un movimiento nuevo en Rusia, llamado
Constructivismo. Se caracterizó por la e en el progreso u por la fascinación por la técnica. A
través de esta nueva concepción vanguardista del arte, la unión soviética expreso tras la
revolución, su propia conciencia revolucionaria, provocando una ruptura con el pasado.

En Italia, la situación política tras la guerra no era estable. Junto al partido comunista, se
formó un nuevo partido, el fascista que no tardó en hacerse popular. En Italia, la nueva
arquitectura no pretendía en absoluto desalojar la arquitectura tradicional. Frente a esto,
surge un movimiento, el racionalismo, este grupo propugnaba una arquitectura
rigurosamente construida de acuerdo a las leyes de la lógica y de la razón. Influida por la
obra de Le Corbusier el racionalismo se consolido en el norte de Italia.

En 1925 tuvo lugar en Paris la Exposición Internacional de artes decorativas. La cual reunía
las manifestaciones contemporáneas del diseño de la artesanía y de la arquitectura. El
hecho de que la exposición de parís diera nombre a una nueva tendencia artística, llamada
art deco, es una demostración de su enorme influencia sobre el arte de la época. No solo
estuvo presente en Europa, sino también en América la publicidad provoco interés por los
nuevos productos en las clases adineradas sobre todos en los centros urbanos.
Por otro lado en América, había una gran pobreza, sobre todo en los barrios bajos, surgidos
como fenómeno marginal de las urbes que crecían a un ritmo vertiginoso y en los que
cientos de miles de emigrantes confiaban en un futuro mejor.
En estados unidos se establece William Van Alen, el cual construyo el edificio más alto, un
rascacielos de 77 plantas, siguiendo al art deco.
-Formas Cubicas
-Rascacielos
-Ángulos redondeados
-Materiales pesados (acero y plata)

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Dadaísmo

Fue un fenómeno surgido en Suiza, en el medio de la guerra. Va a haber una preocupación

por el arte y la vida y va a brotar en diversos lados de manera simultánea. El dadaísmo va a
ser un, manifiesto donde van a expresar que están en contra de todo , va a ser una negación
en el momento de la guerra y un estado de ánimo que le dice basta a todo (burguesía,
guerra, arte)
-Usan fotomontaje
-Ready Made
-No figuración
-Criterio Expresionista
-descontextualización del objeto e instalación en el campo artístico (se convierte en arte)
- se cuestiona la autoría, el concepto de “artesanía” y la sociedad

Neoplasticismo (Holanda):
Aracil y Rodriguez
Máxima racionalización para “calmar” la guerra (utopía) –Z ideal anti-histórico
-Educción a planos y líneas (verticales u horizontales que dan tranquilidad)
-Colores neutros y primarios
-No figuración racionalizada (Mondrian) –Z títulos descriptivos
-En una de sus obras, alcanza la bidimensionalidad

ARQUITECTURA
.elemental, económica, funcional y plástica
.relación equilibrada de partes desiguales
.el color como un elemento integrado y orgánico de la nueva plasticidad
.geometrización y forma por sobre el confort (forma a posteriori, responde a la función)
.deja de ser monumental y grande para pasar a ser una arq de transformación, ligereza y
transparencia

La Bauhaus
Aracil y Rodriguez

Surge en Alemania e 1919,y lleva el arte a la vida para así vivir mejor, se juntan dos escuelas
la de artistas y la de artesanos, las cuales van a buscar autoabastecerse y poder introducirse
en el mercado.Al principio va a fracasar ya que no tuvieron inserción política. Juntan la
forma y la función.
-aventanamiento longitudinal
-luminosidad
-Practicidad
- forma simple unida a la función

Surrealismo

El movimiento surrealista se inició de manera oficial en Paris en 1924 con la publicación del
primer manifiesto. El surrealismo se manifiesta de dos formas: el automatismo y el
onirismo.
En el primer caso los artistas optan por un lenguaje basado en el automatismo, de manera
que los elementos del cuadro surgen del inconsciente del artista, así como la intervención
del azar. Joan Miro fue uno de los grandes representantes del surrealismo, en especial del
automatismo, sus obras se caracterizaban por el esquematismo y la vitalidad, junto con un
gusto por colores puros.
En cuanto a la vía onírica del surrealismo, el principal artista es el español Salvador Dalí, el
cual prefirió representar algunas de sus escenas mediante el sistema de doble figuración.
El auge del surrealismo fue tan grande que hasta afecto a pintores como Picasso, quien
mantuvo una estrecha relación con el grupo y hasta llego a hacer una serie de collages.
El surrealismo se caracteriza por ser irracional, no pensar, ser automático y no tener control
de la razón.
-Automatismo psíquico puro
-Artístico onírico (sueños)
-Implementación de juegos colectivos para experimentar la racionalidad y romper con la
idea de artista como único genio (por las autorías colectivas)
-Es un arte insólito ya que se ponen en relación cosas que no tienen que ver
-Arte figurativo (no representativo) –Z disimilitud

Movimiento Moderno Racionalista

El movimiento moderno racionalista, se produce en Italia, y tiene como principal figura a Le

Corbusier, el cual produce la villa savoye, la cual se base en 5 características:
-Ventanas Alargadas
-Planta baja libre
-Terraza Jardín
-Fachada libre
-Pilotis

Movimiento Orgánico

El movimiento orgánico, se produce en los estados unidos gracias a la influencia de la

escuela de Bauhaus de Alemania, teniendo como figura al estadounidense Frank Lloyd
Wright, elaborando dos casas, las cuales serán bases para la arquitectura moderna.
-Casa de la cascada: La casa fue construida en el año 1936, teniendo como característica
techos voladizos, integración con el paisaje, materiales del entorno, predominio líneas
verticales y horizontales y la búsqueda de creación de espacios arquitectónicos.
-Casa de la pradera: elaborada en 1908-1910, eran una serie de viviendas unifamiliares con
tipologías de casas de praderas (casas de fin de semana a las afueras de la ciudad).Esta casa
busca integrar (no se impone) al paisaje con el predominio de líneas horizontales y con el
ladrillo. Techos voladizos, ventanas alargadas y espacios integrados.


Después de la segunda guerra mundial se estableció una relación con las vanguardias
históricas y esta relación funciono en todos los escenarios artísticos, inglusoen los
movimientos europeos y norteamericanos. En este periodo el centro hegemónico del arte
mundial pasa de Paris a Nueva York, y ocurre también la reactivación de los procesos de
vanguardia.
Al acabar la segunda guerra mundial, Europa estaba devastada, a la actividad artística le
faltaba fuerza para pensar en cómo avanzar. Mientras que en Europa reinaba el
pensamiento de que todos los caminos artísticos habían sido explorados, en américa
empezaba a dibujarse como el lugar en que podrían reconvertirse en éxito los grandes
fracasos del viejo continente. En este contacto se reformulaban obras de la vanguardia en
América Latina.
En 1944 surge en Buenos Aires, la revista Arturo, la cual será fundamental para entender
alguno de los postulados de la abstracción en la Argentina.
Fue una de las primeras en Teorizar sobre el Marco Recortado y sobre el coplanar.
Mediante esta reconstrucción de un tiempo histórico desde las imágenes, busco poner de
relieve una condición central en las vanguardias abstractas latinoamericanas. Estos artistas
entendían que comprendida la lógica que pautaba el desarrollo del arte moderno, en
cualquier territorio podía surgir la innovación, la respuesta a un problema irresuelto incluso
nunca vislumbrado por sus antecesores.
Los alumnos no se veían a sí mismo como alumnos o continuadores, sino que para ellos las
vanguardias europeas no eran deudas, sino cajas de herramientas de las que se servían para
formular sus propias vanguardias. Sus innovaciones iban dirigidas a un púbico más allá de
las audiencias locales, al público del arte moderno de occidente.
Burger apunta que la critica a las instituciones del arte, es un rasgo central en los
movimientos históricos de vanguardia.


Los idearios revolucionarios de los Años 60/70 abrevan en una cultura revolucionaria de
larga data. Distintas tradiciones se actualizaron y reformularon al confluir con nuevos
paradigmas de pensamiento, lo cual dio lugar a la “nueva izquierda”.
El capitalismo entra en una irreversible decadencia. En argentina, no se puede hablar de una
revolución sino más bien de un clima en el cual se siente la inminencia de la revolución.
Como en la mayor parte del mundo, en Argentina no hubo revolución, sino la “necesidad
objetiva” de un cambio radical.
Durante este momento en vez de reeditarse la vieja oposición entre realismo y abstracción,
se acude en los 60’ al término “vanguardia” como si fuera un paraguas similar al que en
décadas precias había constituido el término “realismo”, es decir, un concepto tan flexible
como para abarcar todo aquello que se quiera reivindicar.
Después de 1970 todo artista considerado de “vanguardia” deja de ser una posición de
valor, y en algunos casos condujo al abandono del arte.
Esto se puede llamar como anti-vanguardismo, momento que atraviesa el campo cultural
argentino, y fuertemente ligado con el populismo y nacionalismo.
Todo esto nos hace pensar en un cruce entre vanguardia y revolución y como el artista
inscribieron sus producciones e ideas en la imaginación utópica de una nueva sociedad.
Entre mediados de los 50 y principios de los 60, la vanguardia artística se percibe como
“revolución”
Surge un desplazamiento o sustitución (violentar la pintura en lugar de pelear en el conflicto
exterior), que permite vislumbrar que la interpelación de la política todavía se traduce en
término de una transfiguración pictórica, mientras que en unos años, muchos artistas
pasaran al ámbito de la política y el abandono del arte.
En 1966 se llama el año de la vanguardia, en el cual aparecen la mayor cantidad de
happenings, lo que luego se llamara CONCEPTUALISMO. También ese año nace el grupo
“arte de los medios”. Su realización consistió como una falsa gacetilla, fotos trucadas de un
hecho que jamás existió, logrando así gran repercusión en los medios, para luego
desmentirlo. El objetivo era que la gente entienda que los medios son susceptibles a
inventar un hecho.
A fines de la época del 60’ la dicción sobre la función del arte y del artista, se vuelven más
comunes a medida que la violencia política deja de ser una ficción y pasa a ser una realidad.
A partir de esto, el arte empezó a ser entendido como un ente capaz de pegar el estallido,
social y político.
Un significativo grupo de vanguardia se plantea romper las relaciones con las instituciones
artísticas reinantes, frente a esto realizan acciones como , irrumpir con un motín en medio
de una inauguración, boicotear una entrega de premios del museo de bellas artes, y
secuestrar al director del centro de artes y finalmente la conocida como “Tucumán arde”.
Vanguardia y revolución, violencia artística y violencia política, encontraron su punto en
común. Los artistas se definen como anti-dictadura.
Luego del Tucumán arde, los grupos de separaron, luego de esto apareció el Cordobazo, en
el cual una pueblada estudiantil y obrera se inicia en córdoba, cuanta la particularidad que
había grupos armados. En este nuevo escenario político y social (dictadura y revolución)
aparece el grupo social denominado montoneros, el cual era un grupo de guerrilla urbana.
A partir de este momento los artistas dejan de llamarse de vanguardia para pasar a ser del
“pueblo”.
Luego de la ruptura de los artistas con las instituciones, en el 70, se vuelven a relacionar,
mediante prodecedimientos de militancia, en los cuales buscaban generar una denuncia,
una contradicción, crear un inconveniente.
(ACA VA ARTE EN LATINOMERICA DEL RESUMEN)


El arte contemporáneo, es una cultura importante, para las culturas locales que se inserta,
para los intercambios culturales y una fuerza capaz de generar tendencias internacionales.
El término arte contemporáneo, se utiliza para referirse al arte hoy en su totalidad, en
oposición al arte moderno.
Durante los años 90 y principio del 2000, se sostenía que el arte contemporáneo se
realizaba más allá de la historia o bien “después del fin de la historia”, en cuanto a las artes
visuales, desde los años 70, ningún movimiento logro una permanencia capaz de
mantenerla como la dominante de la época. A pesar del esfuerzo de los años 80 por
promocionar el “regreso a la pintura”, en los últimos años, las instalaciones, la fotografía a
gran escala, el video y la proyección digital se han multiplicado por todas partes.
Para muchas personas el arte contemporáneo, participa de manera cada vez más voluntaria
de un descenso generalizado de estándares.
A medida que el mercado del arte revivió e hizo su aparición el éxito, este nuevo arte
comenzó a mostrar dos caras, una que todavía prestaba atención a los medios de
comunicación y al público general y otra que comenzaba a ocuparse de los intereses
particulares del estrecho mundo de los marchantes y compradores de arte.
El gran acontecimiento de esta parte de la historia, el cambio de arte moderno a arte
contemporáneo, que se produjo en relación con numerosos contextos entre los que ocupa
un lugar privilegiado la enorme expansión mundial de las industrias culturales, la producción
de artes visuales alcanzaron un desarrollo industrial que las lleva a ofrecer mucho mas arte
nuevo. El arte contemporáneo presenta más diversidad más que nunca en la historia del
arte, esta percepción se da que desde el alto modernismo tardío, no ha vuelto a surgir un
estilo dominante, y como resultado de todo esto es que la mayoría del arte contemporáneo,
no parece arte de este estilo y alguno no parecen arte directamente.
Durante época, los curadores, críticos del arte y historiadores, solo tenían que sentarse a
esperar un momento para que las obras de arte formaran parte del canon de la época.
En cuanto a la historia del arte contemporáneo, debe tomar por objeto de estudio el arte,
las ideas, las prácticas culturales y los valores creados dentro de las condiciones de la
contemporaneidad, objetivo es saber por qué en el último tiempo las obras de arte tomaron
estas formas y no otras.
En los centros europeos y norteamericanos de arte, la nueva generación de historiarse del
arte ha emprendido la tarea de escribir una historia revisionista del arte hecho y exhibido en
tales centros, después de todo allí el arte contemporáneo tiene ya más de 40 años de edad.
La primera corriente del arte contemporáneo, instituye la estética de la globalización, a la
que sirve por medio de una incesante re modernización como de una contemporización del
arte.

El arte contemporáneo es la red institucionalizada a través de la cual el arte de hoy se presenta ante
sí y ante los distintos públicos del mundo. Se trata de una su cultura internacional activa,
expansionista y proliferante de sus propios valores.

Se inserta de maneta única en la economía de las imágenes, el intercambio simbólico entre las
personas, los grupos de intereses y culturas que toman forma predominantemente visuales.

La contemporaneidad es la condición o estado contemporáneo. Significa un estado definido ante

todo por el despliegue de múltiples relaciones entre el ser y el tiempo.
La contemporaneidad presenta muchas historias e incluso muchas historias dentro de las distintas
historias del arte.

Corriente del arte contemporáneo:1- estética de la globalización

2- procesos de descolonizaciones (diálogos entre valores locales e internacionalistas)
3- resultado de un cambio generacional y de la gran cantidad de jóvenes que se sienten atraídos a
participar de manera activa de la economía de las imágenes. Este arte toma la forma de propuestas
bastante personales, modestas y de pequeñas escalas, en marcado contraste con el grado de
generalidad y la escala monumental que caracteriza el arte re modernizante.


Todavía hoy hay espectadores que sostienen que no entienden las propuestas de un arte
que los deja perplejos.Rosenberg postulo que el arte contemporáneo es algo que te da más
incertidumbres que certezas, y pone al espectador ante la obligación de decidir por sí
mismo, si lo que ve es considerado arte.
El rechazo del ate no el algo nuevo, fue una constante desde 1913 y también de periodos
anteriores. Todo esto creció con dos presentados que fueron el cuadrado negro sobre fondo
blanco de Malevich y El urinario de porcelana de Duchamp, coincidieron que eran los años
de florecimiento de las vanguardias históricas: del futurismo y dada al expresionismo,
cubismo y surrealismo, todas coincidían en que provocaban incertidumbre y espantaban a la
burguesía.
El artista argentino Pablo Suarez, uno de los protagonistas del arte conceptual, dijo que el S
XX es un tiempo de odio contra la obra de arte, y adhiere que la obra es una bomba que
destruye el sistema perimido.
A pesar de todo esto los espectadores son muchos, eso lo indica la cifra de asistencias a
salones y museos, donde las gormas no tradicionales de arte ya son la regla y no la
excepción, otra cosa que se plantea, es que más allá de que sea o no arte, lo que se produce
es un gran negocio, recaudando millones de dólares.
Según Danto, para decir si una obra es arte, es necesario conocer la historia de la obra, de
donde viene, como se hizo, quien la hizo y cuál es su significado, para otros, lo que permite
definir a una obra es la asistencia del público.
A partir de todo esto, surgen las voces críticas hacia el arte contemporáneo, las cuales
decían que las verdaderas obras de arte del pasado, se consideraba arte, ya que eran
aceptadas por las masas ya que tenían algo que comunicar.
Uno de los casos más extremos del arte contemporáneo es el Body-Art, el cual su
producción se centró en las heridas, lesiones, marcas sobre el cuerpo, llevando el arte a un
gran extremo.
La ultima gran modificación del arte contemporáneo es sobre el antes intocable termino de
“belleza”, antes se consideraba bello, todo aquello que aportaba armonía, estabilidad,
ahora lo bello es todo aquello novedoso, que hace llamar la atención.


Junto con el surgimiento de la imagen digital, la globalización es el otro acontecimiento
esencial que sacude en sus fundamentos al mundo artístico a comienzos de este nuevo
siglo. Existen varios planos o esferas de la globalización en el ámbito artístico que son muy
distintos, hasta opuestos. Para evaluar las trasformaciones de nuestro tiempo, es
importante diferenciar estos planos.
El primero de estos planos, es la industria del arte, la cual ha surgido en los últimos 20 años
y tiene escala mundial.
El arte ya no está opuesto a la industria cultural, sino que es en cierto modo su
intensificación. La industria del arte globalizada muestra estrechos lazos con el mundo
financiero, con las marcas y los medíos globalizados y con el capital reciente de los países
emergente que ha causado la explosión de recios en el segmento más alto del mercado del
arte. Las galerías cambian, empieza a actuar en ellas el secondary market (la galería
revende caro obras que los coleccionistas rechazan).
El segunda plano, también dentro de la industria del arte, se establece dos ámbitos que
están más relacionados con una circulación mundial del arte y de los artistas y son agentes
activos de esta circulación. Se trata de las galerías de formato mediano, que trabajan
internacionalmente y solo se limitan a algunos países.
Estas galerías cuentan con grandes ingresos, lo cual le permite financiar a los artistas
europeos y norteamericanos. Otro componente de este segundo plano son las bienales.
Dentro de estas bienales el arte político tiene una gran importancia como crítico de la
globalización.
En esta segunda esfera de la globalización se produjo un arte conceptual, donde sin
considerar los contenidos se pone el calor de exposición por encima del valor artístico.
En cuanto a las modificaciones de la globalización se encuentra la cantidad de artistas
africanos en Europa, haciendo tradiciones locales.

Planos o esferas de la globalización:

1°- Industria del arte: en estos casos el arte ya no está opuesto a la industria cultural, sin que es en
cierto modo su intensificación.
2°- Se establecen dos ámbitos que están relacionados en el circuito mundial del arte y de los artistas
y agentes activos.
Arte crítico en las bienales tiene un papel importante
Arte conceptual- ponerse el valor de la exposición por encima del valor artístico (por parte de los
artistas)
3°- industria del arte.
Dialogo intercultural permanente y global.
El occidente ya no es el centro político y económico del mundo.
Artistas de los países emergentes viven en los centros de arte occidentales
4°- globalización de las tradiciones del arte moderno. Curador propio para arte latinoamericano.


En los tiempos de máxima pesadumbre se generan recursos inesperados, la creatividad se
reactiva, se acelera. La crisis del 2001 involucro intensamente la trama urbana y las formas
de organización de la cultura argentina.
El S XX termino a fines de 2001, un periodo llegaba su fin, sin que pudiese afirmarse con
seguridad que algo nuevo iba a sustituirlo.
La intervención activa del mundo del arte en las más diversas expresiones del cambio social
reactualizo el debate sobre la relación entre el arte y la política.
La experiencia colectiva de tener entre las manos el poder modificar el presente, intervenía
en las prácticas artísticas nuevas formas de organización de la cultura marcaron una nueva
fase en el arte. El trauma del 2001, cuando se saqueaban supermercados, las multitudes
ocupaban las acalles y caía el gobierno, generaron un gran rechazo hacia la clase política y la
devaluación de las instituciones.
El ajuste estructural tenía como objetivos centrales el control de la inflación, el pago de la
deuda externa y la reducción del déficit fiscal. Además de esto se produjo la informalización
del empleo, se abaldonaron las políticas sociales, aumento la desocupación y se produjo una
acelerada marginación y empobrecimiento de la población.
Frente a esto, los cortes, paros y ataque a edificios, formaron parte del repertorio de acción
popular.
Esta experiencia estallo cuando el reclamo ya no era solo de un sector particular, sino de la
sociedad en su totalidad, incluso la sociedad media argentina asistió a los innumerables
cacerolazos y protestas. En el ámbito internacional, la crisis argentina se hacía presente en
la escena del arte.
Durante este tiempo podemos identificar tres fases, los cambios del noventa, el corte que
impone la crisis del 2001 y la poscrisis, los tres afectaron la trama urbana y los tres
concordaron que Buenos Aires es una de las cóitales más buscadas del mundo turístico.
En los años noventa, la trasformación se vinculó con incentivar los emprendimientos en
puerto madero. Surgen las galerías pacifico y los docks.
Comienza la era de Shoppings, los cuales marcaron un cambio en la cultura urbana, y
también un gran creador de roblemos sociales. Los pobres iban al shopping los findes,
mientras los ricos estaban en sus casas de fin de semana en las afueras de la ciudad, además
era un encuentro para los adolescentes.
Por otro lado, la privatización de las galerías pacifico fue tomado con enojo por parte de los
artistas y a su vez se produjo un procesos de gentrificacion del centro de buenos aires, el
cual se caracterizó por elevar su precio inmobiliario y el desarrollo de la zona.
Desde entonces esa área abandonada, se convirtió en el polo de crecimiento más acelerado
y lujoso de la ciudad, pero opuesto a esto se produce el proceso de des-gentrificaion más
grande, mediante el desarrollo de la villa 31, dos caras opuestas de la moneda.
Otro punto muy importante de este periodo es la creación del Centro Cultural de Recoleta
(CCR), el cual era el lugar de publicación de procesos culturales durante la dictadura.
El underground porteño ocupo este edificio, y con sus representaciones, produjeron el
repudio de la iglesia.
En este espacio se despliega la nueva fotografía en argentina, tanto artística como
documental.
La actividad del CCR se concentró en la democratización de la cultura y superación de las
estándares de producción de la institución.
El CCR fue el espacio cultural con el lema “libertad de expresión” fue puesto a prueba y se
llegó a la conclusión de que eso no era un hecho.
A pocos metros del CCR, surge el MNBA (Muse Nacional de Bellas Artes), influencia en la
trama urbana de la zona norte de la ciudad.
Durante diez años, la dirigencia estuvo a cargo de Jorge Glusberg, coloco al museo en la
escena público y lo convirtió en un espacio de masas.
A pesar de esto, su gestión fue investigada debido denuncia por corrupción.
Fundacion Proa, en el barrio de la boca se estableció y funciono como trend-setter y
funciono para modificar el arte moderno y contemporáneo de la zona.
La contemporaneidad del diseño arquitectónico, tanto como el programa de exposiciones
que mantiene, intervienen en la dinámica cultural del barrio y han incidido en el mapa de la
ciudad, un espacio dedicado al arte de vanguardia. Proa es un centro de encuentro para
intelectuales, artistas curadores y músicos del país y del exterior.
Sus exposiciones son según el programa de exposiciones que apunta el arte internacional y
al local, no son permanentes.
El MALBA, se presentó como un museo distinto, caracterizada por la especialidad de su
colección y por la voluntad de insertarse en el círculo internacional del arte, enfatizados por
una gran estrategia de marketing, hicieron que el museo sea de los principales de Buenos
Aires.
Estudio abierto fue uno de los tantos escenarios que se organizó una trama de la cultura
artística de la ciudad que entrelazo la experiencia de los noventa con los años siguientes. Las
exposiciones se integraban con los talleres de los artistas que Vivian en la zona.
La fundación antorchas, creo un plan de intercambios de artistas locales, los cuales viajaban
a otras ciudades argentinas para reunirse con artistas de la ciudad.
Hoy no es posible hablar de interior, sino de diversos centros de arte.
En los años noventa con el apogeo de las bienales, en las principales centros artísticos como
los son Nueva York, Berlín y Londres, muchos artistas se mudan para aprender las claves de
la modernidad. Argentina, frente a este escenario de bienales, resiste este proceso y se
opone.
La caída de De la Rua, y su posterioridad, transformo el paisaje de ciudad en una forma
nunca vista, las calles parecían trincheras, en tanto que los bancos bunkers, cubriendo sus
puertas con chapas. Fue un momento en la creatividad se mezcló con las protestas, la ironía
y el humor. Durante este tiempo el ámbito del taller fue trasladado a la calle y parecía que el
artista individual desapareciese produjo una colectivización de las prácticas artísticas.
Se produjo la irrupción del stencil en la que los diversos grupos los pegaban en los muros.


A partir de la década del ochenta del S XIX, el capitalismo británico impulso una
trasformación económica en la Argentina.
Las aguas profundas de Bahía Blanca y un ferrocarril transandino, parecieron ser la solución
para las empresas de reino unido y algunos terratenientes argentinos, que decidieron llevar
a cabo la campaña del desierto y así quedar se con las tierras y explotarlas agrícolamente. El
poder imperial británico, se extendió hasta controlar los servicios del puerto, transporte,
agua, gas, electricidad, teléfono. Durante el S XX se produjo la nacionalización por parte de
Perón, en la cual, se impulsó también la reducción del sistema ferroviario. Mediante una
serie de normas, se produjo el desmantelamiento del servicio público de trenes y la
liquidación de la empresa estatal encargada del transporte ferroviario en el país y la
posterior concesión de los ramales a empresas privadas y provincia.
La degradación del sistema ferroviario condujo, paradójicamente, a una gran atracción
artística hacia esos lugares.
Por el contrario en el S XXI, la utilización de tres edificios abandonados con fines culturales y
un lento proceso de reactivación del sistema ferroviario fue llevado adelante por el
kirchsnerismo.La creación del museo de Ferrowhite (2003), el proyecto de la Bienal Regional
de Arte (2014) y las acciones de la Asociación de Amigos de Nicolás Levalle, han promovido
a la recuperación patrimonial.
Ingeniero White, sufrió transformaciones estructurales, desde mediados de los años
noventa, cuando las gestiones neoliberales menemistas, privatizaron y desregularon
empresas y organismos estatales, facilitando la incorporación de capitales globalizados.
 Con el material recuperado por trabajadores, el área siguiente al puente de White, fue
transformada en un depósito y la posterior aparición del museo de Ferro White. Cartografías
emergentes fronterizas – Diana Ribas
Museos White  instituciones estables caracterizadas por recuperar y problematizar el
valor patrimonial de las edificaciones donde funcionan.
Sus proyectos construyen (colectivamente) sentidos políticos emergentes que se concretan
en producciones artísticas.
En Ferrowhite invitan a recorrer los alrededores de usina-castillo inaugurada en 1932 para
ponerla en relación con la usina inglesa en 1908 y la Central Piedrabuena iniciada durante la
última dictadura militar, a comparar el muelle de los elevadores de chapa instalado por el
Ferrocarril Sud en 1907 con el que está construyendo la transnacional de agro-negocios
Toepfer, a poner un grano de trigo en perspectiva con los elevadores “más grandes de
Sudamérica”, a reflexionar desde el espacio acerca de la economía de agro-exportación y la
más reciente actividad petroquímica sostenida sobre ese suelo inestable lodo.


Compradores del arte 3 categorías: ocasional, habitual y trustees(curadores)

Cada coleccionista está asociado a una inscripción y origen de clase. El primer grupo a sectores
medios altos de movilidad social ascendente. El segundo grupo a sectores medios altos de movilidad
social horizontal. El tercer grupo a la alta burguesía.

Los coleccionistas son actores que están insertos en el entramado institucional, en lugares de poder
y decisión, ejecutando prácticas y formas ideológicas con los que se presentan en el mundo del arte.

Relación entre galerista y coleccionista: la mayoría de los galeristas coleccionan arte y viceversa.
Algunos coleccionistas se transforman a posteriori en galeristas.
Las galerías tienen un rol central. Su función es exhibir a los artistas y comerciar sus obras. No solo
cumplen un rol comercial sino también de comunicar tendencias artísticas frente a la falta de
instituciones públicas que pueden canalizar la producción.

Las relaciones económicas entre un artista y su galería se reducen a las de un trabajador por cuenta
propia que provee bienes a un pequeño comerciante. Artista: producción de la obra. Galerista: del
espacio de exhibición, el personal de montaje la difusión de la inauguración y la transacción de los
clientes.

Las políticas culturales de los agentes del mercado se orientaron a promover la profesionalidad de
los artistas y de los distintos actores de la escena, aplicando criterios de contemporaneidad a las
producciones artísticas a estándares internacionales, conectando a los artistas y las instituciones con
los centros globales, dinamizando el mercado, expandiendo los públicos y desarrollando técnica de
marketing, publicidad y relaciones públicas.