Tema 9.- Los instrumentos como medio de expresión en general. Juegos, danzas, canciones.
Los instrumentos
en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
TEMA 9.- LOS INSTRUMENTOS COMO MEDIO DE EXPRESIÓN
EN GENERAL. JUEGOS, DANZAS, CANCIONES. LOS
INSTRUMENTOS EN EL AULA: CARACTERÍSTICAS Y RELACIÓN
CON LOS INSTRUMENTOS PROFESIONALES.
1.- LOS INSTRUMENTOS COMO MEDIO DE EXPRESIÓN EN GENERAL.
Uno de los grandes medios de expresión que ha tenido el ser humano ha sido el de la
música, y dentro de ésta, los instrumentos musicales son los elementos básicos en la relación:
música-expresión. Este binomio se ha dado en todas las épocas y así vemos que cada sociedad
ha desarrollado un tipo propio de música, relacionada con: una necesidad específica (religiosa,
ritual), un fin estético musical determinado (danzar, música de concierto). Cualquier objeto
generador de sonido que sirva a la concreción de ideas musicales puede ser considerado como
un instrumento musical.
La voz es el instrumento más exacto y hábil para lograr expresar algo, ya que posibilita la
afinación más exacta que cualquier otro instrumento y mediante la interpretación vocal es
posible comunicar con música un texto, lo que refuerza el poder de expresión que posee la voz
frente a otros instrumentos. El canto es el mejor camino para enseñar y aprender música. Si los
alumnos ejecutan en un instrumento una melodía que previamente ha sido cantada, tiene
muchas más posibilidades de poderla tocar con más corrección. Pero la práctica instrumental
inhibe menos al alumnado que la vocal debido a que saben dónde golpear o qué posición es
necesaria para producir un sonido, lo que da seguridad en el contexto de la interpretación.
Además, permite establecer un nexo muy profundo entre los contenidos teóricos aprendidos y
su praxis y comprenden un aprendizaje activo, tanto físico como psíquico.
Cuando hablamos de práctica instrumental nos referimos a la realización de fragmentos,
piezas, transcripciones, ejercicios… con instrumentos escolares o con el cuerpo. Su principal
función es la de expresar a través de ellos, ideas, sentimientos, vivencias. Los alumnos de
secundaria se sienten atraídos por la utilización de determinados instrumentos, lo que
deberemos aprovecharlo como elemento de estímulo o motivación.
En relación con la asemanticidad de la música, hemos de aclarar, que de los diversos
medios de que dispone el compositor para comunicar al intérprete de su música cómo debe
tratar los diversos elementos musicales de su obra, es el de de la expresión el que se le escapa
en el control de su obra, ya que dispone de una terminología ambigua y aproximativa para
tratar de expresar lo inexpresable. Es el intérprete el que a través de su subjetividad, pero con
el conocimiento de los rasgos estilísticos del autor, aporta la expresión final de la obra.
Debemos enseñar cómo tocar a los alumnos inculcándoles la idea de que el instrumento es
una prolongación de ellos mismos y deben tocarse de forma relajada y con espacio a nuestro
alrededor.
2.- IMPROVISACIONES, JUEGOS, DANZAS Y CANCIONES.
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Tema 9.- Los instrumentos como medio de expresión en general. Juegos, danzas, canciones. Los instrumentos
en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
La práctica instrumental se puede llevar a cabo desde actividades interpretativas como
improvisatorias, donde los instrumentos pueden ser útiles para el acompañamiento y para su
incorporación en las tradiciones populares.
2.1.- Improvisación.
La improvisación es la técnica que nos permite realizar un fragmento que está siendo
“compuesto” en el momento de su ejecución. Como práctica musical sirve como medio de
entrenamiento para conectar aprendizajes previos y transferirlos a situaciones nuevas
repentizadas. Nos sirve para favorecer la exploración y manipulación del material sonoro,
despertar la vida interior del alumno, canalizar el sentido de autoafirmación y fomentar la libre
expresión musical.
La improvisación como manifestación expresiva espontánea y libre tiene un gran valor
educativo. Así, la improvisación es una forma de explorar las posibilidades que llevan a
alumno hacia la adquisición de nuevos conocimientos, por lo que constituye una estrategia
idónea para ampliar el universo de conceptos musicales del alumno. Por esto, es un recurso de
primer orden para la consecución de aprendizajes significativos.
En las improvisaciones de los alumnos podremos detectar sus aptitudes, carencias,
dificultades y necesidades que puedan tener, y a partir de aquí, elaborar la metodología
adecuada en cada caso.
Una educación musical no resultaría completa sin libre expresión. Improvisar en música es
lo más próximo al hablar en el lenguaje común. La persona que explora su voz ejercita su
oído, su sensibilidad y su sentido estético, sin olvidar sus facultades intelectuales, su
imaginación y su memoria. Así, la improvisación debe introducirse en las primeras etapas del
proceso educativo musical.
Una definición de improvisación, dada por Violeta Hemsy de Gainza, en su obra “La
improvisación musical” es: Improvisación es toda ejecución musical instantánea producida
por un individuo o grupo. Improvisación se llama a la actividad de improvisar y al resultado.
Esta autora nos dice que en la conducta musical del hombre hay dos tendencias: imitar y crear.
La improvisación permite al músico: imitar, reproducir, interpretar por una parte y explorar,
inventar y crear, por otra.
Podemos encontrar tres fases en la improvisación en el aula, ya que la improvisación no es
un don, sino una técnica pedagógica. Estas tres fases son:
1. Fase de presentación de material y toma de conciencia del tema que se va a trabajar: un
ritmo, melodía… El profesor debe explicarlo claramente.
2. Fase de exploración y estudio, donde se tantean nuevas posibilidades basadas en lo que se
le ha presentado y las va organizando para llegar a la última fase.
3. Fase de proyección, donde se encuentran los conocimientos musicales ya interiorizados
anteriormente y el conocimiento recientemente adquirido.
La música fluye en torno a tres polos, que son lo que se repite y lo nuevo y en medio de
estos dos, aparece lo variado. En el aula, este procedimiento, sobre todo, el de la repetición,
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en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
cobra su máxima importancia, ya que posibilita al alumno el poder emerger como protagonista
en cualquier momento. A la repetición de melodías o ritmos se denomina ostinato. Una vez
propuesto el ostinato, podemos proceder a superponer lo nuevo mediante tres procedimientos
en base a un ostinato: superposición de ritmos, de pequeñas secuencias melódicas y de notas
de adorno a un esquema armónico.
A continuación trataremos las diferencias existentes entre la improvisación libre y la
improvisación dirigida, además de explicar otros tipos de improvisación en el aula. Podemos
considerar la improvisación libre como la improvisación en la que los alumnos tienen la
suficiente madurez como para formular sus propias propuestas y conducirlas a buen término
con poca o ninguna intervención del profesor. En caso contrario, estaríamos ante una
improvisación dirigida, donde el profesor deberá marcar una serie de consignas o reglas que
faciliten el entendimiento del grupo de los objetivos a conseguir.
La principal diferencia entre ambas sería la de que la improvisación libre posee una
connotación decidida hacia la improvisación (ejecución instantánea y libre). Por el contrario,
posee una gran desventaja frente a la improvisación dirigida, ya que se obtienen menos
resultados frente a los objetivos marcados por el perfil de alumnos de la E.S.O.
En cuanto a la improvisación individual o en grupo, es conveniente alternar la forma de
trabajo individual con la colectiva, proponiéndose en cada una objetivos diferentes. El trabajo
individual favorece la consecución de la autonomía. El trabajo cooperativo favorece el respeto
por las ideas y aportaciones de los otros, la ayuda mutua… Todo ello permite al alumno
superarse constantemente, ya que las aportaciones individuales serán valoradas por el grupo.
Desempeñar un papel activo dentro de un grupo afianza la personalidad del alumno, ya que la
valoración personal y la autoestima se afirman al responder responsablemente a la tarea
encomendada.
Existen otros tipos improvisatorios, según el elemento musical a trabajar:
-Improvisación prosódica. Se puede experimentar sobre palabras, frases o estrofas
literarias propuestas. Se analiza su significado, su rima y se recita rítmicamente. Al recitarla
obtenemos el pulso, el acento y el ritmo. También podemos trabajar otros elementos: dinámica
forte-piano, agógica rápido-lento.
-Improvisación instrumental. Por medio de la práctica de la improvisación instrumental
iremos introduciendo al alumno en el mundo de la forma musical. Los primeros trabajos de
improvisación se deberán realizar con los instrumentos naturales: palmas, chasquidos, voz,
pies… para ir pasando progresivamente a la utilización de los demás instrumentos. En estas
improvisaciones trabajaremos la frase musical: ejercicios de pregunta respuesta. También
podemos utilizar el ostinato para posibles improvisaciones con los alumnos.
-Improvisación rítmica. El alumno creará libremente esquemas rítmicos. Es de interés
pedagógico que el profesor cree en el alumno el sentido de la cuadratura y de reposo final que
hay en toda obra musical. Podemos realizar juegos de preguntas y respuestas rítmicas. De
igual forma se trabajarán los elementos de dinámica y agógica. Sería interesante que la
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improvisación siguiese la técnica pregunta-respuesta, donde ambos fragmentos tengan la
misma extensión. También se pueden improvisar ritmos para melodías dadas. Se utilizarán
generalmente instrumentos de membranas e idiófonos.
-Improvisación melódica. Cuando utilicemos instrumentos de sonido determinado para
improvisaciones melódicas, la escala diatónica no es muy apropiada, siendo mejor el ámbito
pentatónico, pudiendo hacerlo en tres niveles: con 3, 4 y 5 notas. Esta escala hace auténtica la
improvisación melódica. Haremos sentir al niño la preponderancia de la tónica: si estamos en
Do mayor, la pregunta deberá comenzar en do y la respuesta terminar en do. Sería interesante
quitar las láminas que no forman parte de la escala o del nivel pentafónico que vamos a
trabajar. Para estas improvisaciones se utilizarán instrumentos de láminas y la flauta dulce.
-Improvisación armónica. Una vez dominados los elementos anteriores podremos
improvisar sobre tonalidades, puesto que el oído para la armonía se desarrolla más tarde que el
oído para la melodía y porque la armonía requiere madurez mental. La mayor parte de los
alumnos pequeños no pueden analizar fácilmente sonidos simultáneos. Como ejemplo de
improvisación armónica proponemos emplear los procedimientos de improvisación sobre un
acorde (tónica o dominante) y sobre enlace de acordes (I-V I-IV-V…)
-Improvisación corporal. No podemos olvidar la de la expresión corporal que incorpora el
movimiento como una forma más de expresión. No debemos forzar al niño a una
improvisación. Trabajaremos con ejercicios que ofrezcan un punto de apoyo a los niños hasta
que se sientan sueltos y ganen confianza en sí mismos. Estos ejercicios los podemos dividir en
imitación simultánea, imitación eco e improvisación sobre motivaciones propuestas.
2.2.- El juego.
La máxima de enseñar deleitando (docere et delectare) es una de las metas más deseadas en
el campo de la educación, y para ello, la mejor forma es a través del juego. La ludicidad es uno
de los principios básicos de las corrientes pedagógico-musicales activas, como Dalcroze, Orff,
Willems, Kodaly. Todas valoran la aportación que el juego supone en Educación Musical.
El profesor, en los juegos, deberá ser: impulsor de las actividades, jugador, observador y
buen supervisor de las actividades.
Las metas de los juegos musicales son de dos tipos:
• Las intenciones musicales: comprender y codificar el lenguaje musical, dominio de
destrezas instrumentales básicas…
• Intenciones pedagógicas generales: fomentar la comunicación, creatividad…
El aspecto lúdico del juego como procedimiento metodológico está implícito en todas las
prácticas musicales del aula.
Pasamos así a explicar ahora los diferentes tipos de juegos, entre los que podemos
distinguir tres tipos principales de juego:
• Juego aprendido: se propone al grupo las reglas para realizar el juego.
• Juego modificado: analizar y modificar un juego realizado para que resulte más divertido.
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en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
• Juego inventado: crear un juego a partir de las propuestas de los distintos miembros del
grupo. Así, las posibilidades del juego son infinitas.
Podemos encontrar toda una serie de juegos creativos en los que los instrumentos sean
utilizados como consignas sonoras e intervengan en mayor o menor medida en el desarrollo de
los mismos. Este tipo de actividad está especialmente indicada para el primer ciclo de la ESO.
➢ El cuadro sonoro. Pertenece a la pedagogía Kodaly. Se dibuja una cuadrícula de 16
cuadrados, dentro de cada cual se indica un contenido (por el profesor o alumnos) variado:
ritmos, diseños melódicos… una vez compuesto el cuadro sonoro, se ejecuta, indicando el
profesor una duración igual para cada uno de los cuadrados. Se puede ejecutar al unísono, en
canon, dos o más voces…
➢ Recompongamos la canción. Pertenece a la pedagogía Orff. Se divide una canción
conocida en un cierto número de partes. Se atribuye cada parte a un grupo de alumnos y todos
cantan su fragmento. Así, un alumno que había estado fuera de la clase, pasa al aula y el resto
cantan su frase. El alumno que ha entrado debe adivinar de qué canción se trata y colocar a
cada grupo en su lugar para que la canción quede ordenada.
➢ Sonido escondido. Pertenece al método para ciegos de Suzuki. Los alumnos cantan al
unísono un sonido propuesto por el profesor. Después, el profesor toca una melodía que
incluye este sonido y los alumnos anotan el número de veces que aparece el sonido en la
melodía.
➢ Canciones desde una nota. Los alumnos cantan una serie de canciones para
intervalos. Con este juego se desarrolla el oído de forma no consciente, ya que el alumno debe
adaptar su oído a los diferentes cambios de tonalidad que supone el cantar las canciones
empezando en la misma nota.
2.3.- Danzas y canciones.
La intervención de los instrumentos en estas actividades es enormemente importante.
Podemos enriquecer las piezas que vayamos a utilizar en el aula o reforzar los aspectos
formales, rítmicos, melódicos y armónicos de las mismas.
El concepto de danza abarca un campo muy extenso. La palabra danza proviene del
sánscrito y significa anhelo de vivir. Es una necesidad espiritual y emotiva. Durante milenios,
las danzas se transmitieron de generación en generación, siendo su aprendizaje fruto, más de la
observación que de la existencia de una práctica de la enseñanza. Con el paso del tiempo
aparecerán las escuelas de danza y personas preparadas para enseñarlas. En una sola danza
pueden intervenir aspectos como: conocimiento del propio cuerpo, coordinación del
movimiento, conocimiento del espacio y expresión a través del movimiento. En cuando a su
valor pedagógico, además del valor que posee como vehículo de expresión y de relación del
individuo con el grupo, la práctica de la danza favorecerá el sentido rítmico, métrico y
armónico, clarificará la idea concreta de la forma en el espacio y en la propia música.
En cuanto al espacio, la expresión corporal y la danza, se realizan dentro de un tiempo y un
espacio, concretamente el espacio físico. Dentro de este espacio existe otro que es el que
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en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
vamos a utilizar directamente relacionado con el movimiento corporal. Los denominaremos
espacios totales y espacios parciales. Los espacios totales requieren desplazamiento mientras
que los espacios parciales no exigen desplazamiento. Cuando los alumnos se mueven con
mayor fluidez podemos enriquecer estos ejercicios ordenándolos en forma de danza. Es
conveniente mover a los alumnos en grupos de distintos tamaños, variar los ritmos y cambiar
las direcciones. En la relación entre formas musicales y formas de composición coreográficas,
el manejo del espacio juega un papel importante, sobre todo si deseamos visualizar la
estructura musical.
Pero, además de la danza, la mejor forma de aprender música consiste en hacer música y la
canción es la forma más inmediata, fácil y completa de hacer música. A través de la canción,
se introduce en el conocimiento práctico de la música y de elementos del lenguaje musical
que, posteriormente, podrán ser analizados y comprendidos teóricamente desde los ejemplos
ya experimentados. Confeccionar un repertorio bien escogido de canciones es básico para
desarrollar la enseñanza de la música en secundaria, puesto que en la selección del tipo de
repertorio se posibilitará contar con el interés inicial.
La canción tiene un enorme valor educativo, pues pone en juego y desarrolla diversas
capacidades de quien la practica, además de desarrollar la audición interior. No debemos
olvidar el papel educativo en un marco de transversalidad que supone enseñar a nuestros
alumnos el buen uso de la respiración, así como la higiene del aparato fonador y respiratorio.
Los valores educativos que el alumno puede desarrollar a través del canto son: educación de la
voz, desarrollo del oído, desarrollo de la memoria, mejora de la respiración, disfrute de la
música, ampliación de la capacidad expresiva e incremento de las relaciones sociales.
INSTRUMENTACIÓN DE DANZAS Y CANCIONES. Partimos de una pieza que ya
está elaborada en sus elementos básicos y determinamos la secuencia de acordes más correcta.
ELABORACIÓN E INSTRUMENTACIÓN DE DANZAS Y CANCIONES.
Para la enseñanza y aprendizaje de una canción o de una danza hemos de seguir un
proceso que tendrá una serie de pasos. Todos los niños nacen con una disposición natural
hacia el canto y la música, que aumentará, decrecerá o desaparecerá con el paso del tiempo.
Respecto a la posición del cuerpo, habrá que enseñarles a mantenerlo derecho, pero con
naturalidad. Los pasos a seguir en el aprendizaje de una canción o una danza podrían ser los
siguientes:
• Determinación de la forma. Vendrá determinada en las danzas, por las trayectorias y los
pasos que hayamos previsto con anterioridad mientras que en las canciones, el texto será
fundamental. Podemos crear danzas y canciones con diferentes formas: AAA, binaria, lied,
rondó. En el caso de las canciones, deberemos elegir un texto interesante, sencillo,
equilibrado y cuadrado, además de ser adecuado a la edad y que permita preludios e
interludios.
• Elaboración rítmico-melódica. Deberemos lograr que el ritmo métrico musical apoye el
ritmo verbal del texto o en el ritmo de los pasos de la danza. En cuanto a la melodía,
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en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
deberemos proceder en cuanto a las alturas a utilizar. Las características principales de la
melodía serán: tonalidad y modalidad bien definidas, ámbito reducido, repetir algún
motivo para lograr coherencia, cadencia final conclusiva, lograr la variedad, final
masculino y un diseño
• Armonización. Determinaremos los acordes más adecuados para el enriquecimiento de la
melodía. Hemos de seguir unas pautas: utilizar acordes tonales, comenzar y finalizar por la
tónica, ya que fija auditivamente la tonalidad; deberemos buscar un ritmo armónico
regular, pues los acordes irán cambiando en los momentos de acento del compás y por
último, el acorde vendrá dado por las notas situadas en los tiempos fuertes o por las de
mayor duración.
• Instrumentación. Debemos conocer los instrumentos que vamos a utilizar y sus
funciones.
La melodía la harán las voces, flautas o bien los carillones ya que tienen un timbre claro,
cristalino y penetrante.
La armonía la harán los instrumentos graves, las partes con figuración más cortas las
harán las láminas de madera por tener menos resonancia y las partes que se mueven con
figuras más largas, estarán a cargo de los de mayor resonancia, como los metalófonos.
Los parches y pequeña percusión interpretarán la base rítmica en las danzas o las
canciones, donde las membranas marcarán el acento, los de madera marcarán sincopas o
contratiempos y los de metal introducirán variedad tímbrica. También se utilizarán
teclados para obtener mayor relleno y completar las armonías.
Para establecer una tipología de repertorio vocal, seguiremos los siguientes criterios:
o Según el género hay muy diversos tipos de canciones: de cuna, de navidad, didácticas.
o Según el estilo podemos hablar de canciones populares, canciones modernas, barrocas,
románticas, medievales…
o Según el tipo de escritura hay canciones monódicas, polifónicas, en canon.
o Según la forma podemos distinguir canciones binarias y ternarias.
Una clasificación didáctica útil de las canciones puede ser:
✓ Canciones para acompañar con gestos y sonidos corporales.
✓ Canciones con objetivos didácticos concretos: de intervalo, para improvisar.
✓ Canciones de propia creación. Aspecto que no hay que olvidar, aunque conlleve especiales
dificultades.
3.- LOS INSTRUMENTOS EN EL AULA.
Trasladando el término expresión instrumental a la E.S.O., el contenido de “expresión
instrumental constituye, junto al canto y el movimiento, uno de los contenidos específicos para
la expresión musical, ya que además de fomentar en el alumno habilidades de tipo auditivas,
melódico-rítmicas, etc. ofrece la posibilidad de considerar la expresión por medio de los
instrumentos del aula, como un medio indispensable para estimular el conocimiento propio y
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Tema 9.- Los instrumentos como medio de expresión en general. Juegos, danzas, canciones. Los instrumentos
en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
la adaptación al grupo, así como el de posibilitar la comunicación y la expresión personal
mediante las prácticas individuales y en grupo.
Además, estos instrumentos del aula, deben reunir una serie de características: calidad, que
influirá en la educación del oído de los intérpretes y de los oyentes; sencillez de manejo, ya
que deben ser asequibles a todos; variedad, proporcionar experiencias diversas de timbres,
alturas… tamaño adecuado a los alumnos-usuarios, que posibilite su fácil manejo y deben
ser de la mejor calidad posible, para que el sonido que produzcan sea igualmente de calidad,
la afinación debe ser exacta y para que tengan una duración mayor, ya que los de mejor
calidad son más resistentes al uso y al paso del tiempo.
En las prácticas instrumentales y vocales, el profesor debe de tomar en consideración una
serie de criterios pedagógicos básicos para conseguir una sonoridad óptima, inculcando a los
alumnos el gusto por la interpretación correcta y el disfrute de la música. Estos criterios
podrán variar en función de variables como tiempo y sesiones de trabajo disponibles, nivel
técnico del grupo, interés… Entre otros criterios pedagógicos, destacamos los siguientes:
• Limpieza en la ejecución. En cuestiones básicas como enseñar al alumno que para que
un instrumento pueda dar un buen sonido es preciso que éste posea la máxima libertad
para vibrar, alcanzar el hábito de apagar las vibraciones, sobre todo, en metalófonos y
carillones y cuando el conjunto sea vocal-instrumental, vigilar la afinación de las voces.
• Desarrollar la capacidad de precisión. En las entradas y en los finales. Se trabajará la
precisión rítmica mediante ejercicios previos, como los de entradas con el gesto del
profesor.
• Desarrollar la capacidad de resistencia. Se comenzará por formas breves que
presupongan poca concentración para ir aumentando progresivamente la longitud e ir así
ampliando la capacidad de resistencia. Se puede ir trabajando a través de ostinatos
rítmicos y melódicos u otras formas breves que faciliten la comprensión global, el
sentido unitario y la memoria.
• Proporcionar al grupo vocal-instrumental el ámbito o tesitura adecuada. Es
especialmente obligado cuando se utilizan los instrumentos como acompañamiento de
una actividad vocal. Hay que adaptar las canciones a la tesitura de los alumnos en ese
momento, por lo que en algunos casos, habrá que transportarla a otra tonalidad.
• Inculcar la necesidad de silencio. Los alumnos deben ser conscientes de la importancia
del silencio como condición previa e imprescindible para poder entenderse y como
elemento de armonía. Es un elemento indispensable para todo tipo de interpretación
instrumental.
• Simultanear las intervenciones individuales con las del grupo. Alternar la forma de
trabajo individual con la colectiva. El trabajo individual favorece la consecución de la
autonomía y el trabajo en grupo permite el intercambio y el apoyo mutuos.
Así, una vez explicados los criterios pedagógicos, pasamos a explicar las actividades
instrumentales en el aula, para lo que el profesor realizará un planteamiento flexible en su
tratamiento, así como en el reparto de actividades del alumnado. Se realizarán tres tipos de
actividades: interpretación, acompañamiento e improvisación. Cualquiera de estas tres
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Tema 9.- Los instrumentos como medio de expresión en general. Juegos, danzas, canciones. Los instrumentos
en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
actividades-tipo, se enfocarán con planteamientos pedagógicos pensados previamente como:
utilización de una estructura formal precisa y de fácil captación por el alumno, formas breves,
sencillez rítmica, melódica y técnica, adaptación progresiva de dificultades y contar con un
amplio abanico de repertorio instrumental.
Para llevar a cabo estas actividades es preciso contar con instrumentos de la pedagogía
Orff, ya que es el sistema que más incidencia e importancia ha dado al instrumento del aula
como medio imprescindible para la expresión del alumno y como vehículo de sus ideas. La
pedagogía Orff se basa en la actuación auténtica y lúdica del alumno: un trabajo que permite a
cada alumno acceder al placer de “hacer música”.
La pedagogía Orff es esencialmente de música del presente, donde el hacer el más
importante que el resultado. Trata de ser una pedagogía de la improvisación al tiempo que de
investigación de los instrumentos y de aprendizaje de su técnica.
En esta pedagogía, el empleo del instrumento no es indispensable, pero ocupa un lugar
apreciable y apreciado como amplificador de las expresiones verbales, vocales y corporales.
Los instrumentos que propone pueden ser muy variados: cuerpo, instrumentos-objeto,
instrumentarium Orff, instrumentos étnicos, instrumentos clásicos, instrumentos de
producción, reproducción y transformación.
A través de estos instrumentos y por medio de ejercicios, podemos trabajar todos los
elementos musicales: ritmo, melodía, armonía, fraseo, forma, matices… ya que suponen un
apoyo de enorme valor en la entonación e implican movimiento, además de servir de
acompañamiento para otro tipo de ejercicios.
Al igual que los instrumentos de la orquesta, los instrumentos del aula también se pueden
clasificar. Es importante, para llevar a buen término la educación musical, contar con una serie
de instrumentos sencillos que favorezcan y apoyen las prácticas. Una clasificación adecuada a
los posibles instrumentos del aula podría ser la siguiente: percusión corporal, pequeña
percusión, instrumentos de parche, instrumentos de láminas, instrumentos melódicos,
instrumentos no convencionales (efectos especiales) e instrumentos de producción propia.
• Percusión corporal. Las percusiones en nuestro cuerpo son importantísimas porque es el
instrumento más cercano y accesible de cuantos tenemos. Es fundamental en el desarrollo
psicomotriz del alumno y ha servido en la música popular para el acompañamiento. Para
trabajar con percusiones corporales, debemos procurar tener una buena postura corporal,
coordinación entre ambas manos y flexibilidad de movimientos.
Los instrumentos de percusión corporal pueden ser:
o Palmas. Una mano sobre la palma de la otra o las dos manos diagonalmente. Las palmas
podemos utilizarlas en cualquier parte del cuerpo, lo más utilizado es percutir en las
rodillas, muslos y pecho.
o Pies. Golpear el suelo con la planta del pie, con el talón, punta y alternando talón y
punta o talón y planta.
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o Rodillas. Podemos golpear con la palma de la mano, con los dedos extendidos y con las
dos manos sobre las rodillas.
o Chasquido de dedos (pitos).
o Voz. Como instrumento melódico y no melódico, podemos cantar, chasquear, gritar…
• Pequeña percusión. La componen instrumentos rítmicos de sonido indeterminado de
madera y metal. Debido a su sonido, los instrumentos de madera se pueden utilizar
simultáneamente de forma numerosa, mientras que los de metal no. Los instrumentos de
pequeña percusión de madera son claves, maracas, cajas chinas, güiros, cabaças y temple-
block. En cuanto a los de metal, son triángulos, platos suspendidos, platos entrechocados,
crótalos, sistros, cascabeles y cencerros. Son muy parecidos a los profesionales y la posible
diferencia es el material. Algunos difieren en el tamaño (son más pequeños).
• Instrumentos de parche. El instrumento fundamental es el pandero, ya que es un
instrumento lleno de posibilidades y particularmente útil para grupos numerosos. Podemos
tener también alguna caja, bogues, timbales, congas y bombos. La batería convencional y la
caja de ritmos pueden dar mucho juego. Son también muy parecidos a los instrumentos
profesionales, algo más pequeños y generalmente, la calidad de los parches es bastante baja.
Si cambiamos estos parches por otros profesionales, habremos ganado mucho en calidad
sonora.
• Instrumentos de láminas. Inspirándose en instrumentos de otras culturas, Carl Orff diseñó
unos instrumentos de láminas de madera o metal especialmente pensados para la enseñanza
musical: carrillones, metalófonos y xilófonos. En estos instrumentos hay menos graves que
agudo. Otra característica es que las láminas son desmontables, facilitando así el trabajo en
las escalas pentatónicas. Tienen mucho en común con los profesionales. Lo que varía es la
caja de resonancia. Se trata de un simple cajón de madera debajo de las láminas, mucho más
asequible económicamente. En los instrumentos profesionales, la caja de resonancia se
construye colocando un tubo debajo de cada lámina. Otra diferencia es que en los
instrumentos del aula, las láminas están sujetas por un simple enganche, por lo que está
suelta y se puede quitar fácilmente. Los instrumentos profesionales de láminas tienen
dispuestas sus láminas en dos hileras paralelas, como las teclas del piano, y los instrumentos
de láminas en el aula sólo tienen una hilera, además de tener escritas en las láminas el
nombre de las notas.
• Instrumentos melódicos. Algunos instrumentos melódicos tienen una larga tradición en la
enseñanza musical. Los más utilizados son la flauta dulce, la guitarra y el piano. Cualquier
otro instrumento que el profesor o algún alumno sepa tocar, también puede integrarse con
facilidad en las actividades. Los teclados, sintetizadores o pianos eléctricos presentan
muchas ventajas: son muy atractivos, económicos y no requieren mantenimiento. También
podríamos utilizar en el aula instrumental eléctrico del rock y pop porque resultan muy
cercanos a los alumnos y por el mundo que abren a la investigación sonora.
Se diferencian de los instrumentos profesionales en la calidad, que suele ser más baja. Las
flautas son generalmente de plástico o madera de no muy buena calidad. Las guitarras son
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Tema 9.- Los instrumentos como medio de expresión en general. Juegos, danzas, canciones. Los instrumentos
en el aula: características y relación con los instrumentos profesionales.
iguales generalmente en tamaño. Su principal diferencia será también la calidad del material
de construcción. La utilización de otros instrumentos de difícil manejo por parte del alumno
de ESO como el violín, clarinete, estarán presentes como aportaciones de los propios
alumnos.
• Instrumentos no convencionales y efectos especiales. Instrumentos no convencionales
pueden ser muchos objetos cotidianos, como botellas, vasos, que puede utilizarse como
fuentes de sonido. Con ciertas manipulaciones se pueden mejorar sus posibilidades sonoras
y convertir en nuevos instrumentos. Los instrumentos de efectos especiales son muy útiles
para realizar trabajos tímbricos y para crear distintos paisajes y ambientes sonoros. Algunos
se pueden incorporar a determinadas piezas musicales y dramáticas. Existe una gran
variedad como: látigo, carracas, matracas, cascabeles, sirenas, jilguero, flauta de émbolo y
los teclados con efectos. Además de éstos, podemos utilizar instrumentos de otros tipos. En
su relación con los profesionales, en principio son los mismos, aunque los instrumentos que
se utilicen profesionalmente siempre tendrán más calidad.
• Instrumentos de construcción propia. Podríamos definirlos como objetos musicales
construidos con materiales diversos. El caso más sencillo es la utilización de objetos del
entorno, como llaves, papeles, botellas, canicas… Más laboriosa e interesante es la
fabricación de instrumentos ya que proporciona ventajas educativas como el conocimientos
de las posibilidades sonoras de diversos materiales, conocimiento de la relación entre
propiedades del objeto y las del sonido, valoración del trabajo realizado por uno mismo y
preocupación por su conservación, clasificar sonidos y cualidades sonoras de acuerdo con el
material, la forma y la manera de tocar.
BIBLIOGRAFÍA:
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Abellán, J. Música lúdica. E.D.M.
VV.AA. Aspectos didácticos de la música. ICE de Zaragoza
Adam y Escribe, La Educación por la música. Portolés.
Fuentes, P y Cervera, J., Pedagogía y didáctica para músicos. Piles.
Lucía Frega, A. Música para maestros. Graó.
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