ANÁLISIS DE OBRA DE ARTE

 Identificación y clasificación
Uno de los primeros pasos a seguir para comentar una pintura es identificarla. Lo primero
que hay que hacer cuando estamos frente a una obra de arte, ya sea físicamente o en papel, es
observarla y, en la medida de lo posible, identificarla, es decir, se trata de saber cuál es el título de
la obra, el autor y la fecha en la que esté realizada, no tiene por qué ser exacta, a veces con
mencionar el siglo es suficiente.
Otro de los datos que también creemos que tiene que aparecer en este primer apartado es
la técnica en la que esté realizada la pintura. Dependiendo del soporte nos podemos encontrar
que este realizada sobre un muro y por lo tanto sea una pintura mural, sobre una tela, que es lo
que se conoce como lienzo, sobre tabla… Y la técnica, que bien puede ser al fresco, al temple,
óleo, tempera, acrílica…
Igualmente, y si quieres y lo sabes, puedes poner las medidas, así como el lugar donde se
encuentra expuesto, bien sea un museo, una galería etc.
  Tema de la obra
Una vez identificados y clasificados los datos más informativos, procedemos a adentrarnos en la
obra en sí y, para ello, lo primero que hay que saber es la temática de la obra a rasgos generales,
es decir, saber si estamos ante una obra de carácter histórico, religioso, mitológica, paisajística,
abstracta, costumbrista, retratista…
¿Cómo distinguirlas? Pues muy fácil: tan solo hay que hacer uso de la observación y ver qué es lo
que se representa, los elementos que en ella aparecen, la simbología de estos, los
personajes,cómo van vestidos, si existe un personaje principal, etc.
  Composición de la obra
Otro de los pasos a seguir para comentar una pintura es comentar su composición. Tenemos que
hablar de las siguientes cosas:
 Los pesos visuales: Si dividimos el plano básico en cuatro partes iguales, es decir,
atravesarlo por un eje vertical y otro horizontal, cuya intersección marque exactamente el centro
de la obra. La primera relación que podemos establecer es la que divide al arriba del abajo. La
zona superior es la que menos peso visual tolera, es decir está menos cargada y la inferior, la que
mayor peso visual tolera. La segunda relación que establecemos es la relación izquierda-derecha,
que, como la anterior, también nos conduce de una zona menos densa, a otra más densa.
 Los centros: Con “centros” nos referimos a aquellas partes de la obra que consideramos las
más importantes. Siempre existe un centro principal, y pueden haber centros secundarios. Los
identificamos porque nos llaman la atención de inmediato. Por dar un ejemplo muy conocido, el
centro de La Gioconda de Leonardo da Vinci es, sin duda, el rostro de la mujer.
  Los ejes: Son líneas imaginarias, horizontales, verticales u oblicuas, alrededor de las cuales
se han distribuido los elementos de la pintura. Se trazan en relación a la posición que ocupan los
centros dentro de la obra. Así, el eje más evidente de La Gioconda es el vertical que atraviesa a la
mujer, y que la divide en dos mitades perfectas. También encontramos un eje horizontal a la altura
de sus hombros.

 Equilibrio: Se trata de la sensación de estabilidad que transmite una pintura, por más de
que su contenido sea caótico. Toda buena obra de arte está perfectamente equilibrada. Se trata
de la posibilidad de distribuir los cuerpos dentro del espacio de manera que conformen una
armonía de conjunto. Percibir el equilibrio dentro de una pintura es un acto puramente intuitivo, y
sólo se comprende conscientemente al analizarla.

 Líneas: Nos referimos a las líneas que contornean las figuras o que las delimitan, y también
a aquellas que marcan direcciones. Pueden ser quebradizas o redondeadas, gruesas o finas. Por sí
solas pueden ser muy elocuentes: una sutil línea horizontal puede marcar un horizonte, o que una
sencilla línea oblicua que se dispara al fondo puede otorgarle a la obra una gran sensación de
profundidad (perspectiva).
Si estas están muy marcadas, si en ellas predominan las líneas verticales, horizontales,
diagonales… Si se ve perfectamente el contorno de las figuras, si son de trazo fino lo que significa
que son muy precisas, tanto, que llegan a marcar hasta los detalles, si por el contrario son de trazo
grueso y vemos unas pinceladas mucho más espontáneas y sueltas.
 Color: Interesante porque en muchas composiciones veremos que lo que predomina es el
color frente al dibujo. De los colores se podrían decir muchas cosas: si son primarios, secundarios,
si lo que predomina son los oscuros, los claros, si existen una variedad cromática, si no, si son
brillantes… Una composición llena de colores vivos y luminosos, nos connota alegría y vivacidad.
Una pintura con colores ocres y apagados, que presenta pocos contrastes, puede transmitirnos
tristeza y opresión.

 La textura de la que se ha valido el artista puede producirnos distintas emociones. Ésta

puede ser creada por efecto de colores, o directamente por el trazo del pincel. Un trazo grueso y
furioso puede transmitirnos inquietud. Un trazo suave y fino nos transmitirá calma.
  Cuando hablamos de forma como signo plástico, no nos referimos a la figura en sí, sino al
modo en el que ésta ha sido organizada y la manera en que interactúa con las demás. Pueden
estar en armonía o contrastar duramente. Pueden ser violentas o suaves, grandes o pequeñas,
desdibujadas o firmes.
 Luz: El tema de la iluminación, que se podría resumir en si es luz natural, y por lo tanto
existe un foco o varios por donde a la hora de pintar incidía verdaderamente la luz sobre aquello
representaba, o por el contrario es luz artificial. Tanto en una como en otras, lo que se pretende
es dar un juego de luces y sombras, que a su vez están relacionados con la profundidad.

 Profundidad o perspectiva: ¿Y cómo saber si hay perspectiva en la pintura?, fácil, fíjense si

las figuras a medida que se van alejando tienden a empequeñecerse, en el caso de los colores, se
ve en la gradación, en la difuminación. Cuando las pinturas, son planas, que quiere decir que
carece de dicha perspectiva, pasa lo contrario de lo que hemos comentado anteriormente, los
colores por ejemplo son uniformes, no existe esa difuminación.

 Movimiento: Las pinturas también producen sensación de movimiento o el caso contrario,

sensación de quietud, por la presencia de personajes estáticos y por la predominancia de líneas
rígidas frente a las que si reflejan movimiento que suelen ser más ondulantes.
  Geometría: Otra nos habla de formas geométricas fácilmente reconocibles y
esquematizables. Volviendo al ejemplo de La Gioconda, podemos decir que la figura de la mujer
puede ser esquematizada mediante un sencillo triángulo.

 El contenido: Toda obra de arte debe expresar algo. Esto significa, en primer lugar, que el
contenido de la obra debe ir más allá de la presentación de los objetos individuales que la
constituyen. Estos objetos individuales son los representativos o denotados, es decir, aquellos que
se identifican sin esfuerzo. También han sido denominados signos icónicos. En La Gioconda, los
signos icónicos son la figura de la mujer y el paisaje detrás. En un cuadro abstracto, un signo
icónico puede ser un círculo coloreado o una mancha sin forma específica.
Pero para analizar una pintura es importante alejarse lo más posible de la impresión de lo
puramente denotativo. Si nos guiamos únicamente por los signos icónicos, lo máximo que
podemos llegar a decir de La Gioconda es que representa a una mujer sentada.
Hay que descubrir qué connota la obra, qué nos quiere decir más allá de lo que muestra, y para
dilucidarlo tenemos que agregar a nuestro análisis el aporte de los signos plásticos.
EJEMPLO PRÁCTICO 1: MADRE E HIJO-PABLO PICASSO (1905)

A modo de ejemplo: Madre e hijo” del célebre pintor español Pablo Picasso.
Lo primero que hacemos es identificar lo que nos transmite emocionalmente. En este caso
es tristeza y desolación. A pesar de que madre e hijo se encuentran muy juntos, los percibimos
separados. Es cierto que contribuye al efecto de distanciamiento el hecho de que ambos estén
mirando en distintas direcciones. Pero vayamos más allá y veamos qué otros elementos podemos
descubrir.
 Ejes y centros: Los centros están constituidos por la figura de la madre y la del niño. Un
centro secundario es el plato de comida. Hay un predominio de ejes verticales ascendentes, que
atraviesan ambas figuras. Es destacable también que el eje vertical que divide a la obra por la
mitad, divida también a la madre y al niño, reforzando el distanciamiento entre ambos.
 Soporte y equilibrio: El rostro de la madre está ubicado en la zona más liviana del plano
básico. Su “peso” allí es bien tolerado gracias a la suavidad de las líneas y a la ausencia de
contrastes fuertes en relación al resto del cuadro. La figura del niño, ocupando la zona centro-
derecha, equilibra la presencia de la madre. Los espacios vacíos sobre el niño refuerzan su
pequeñez y delgadez. El espacio vacío a su derecha contribuye a que su mirada se pierda más allá
de los límites de la obra.
 Manejo de colores y grados de luminosidad: El cuadro no presenta grandes contrastes de
luz y color, otorgándole al cuadro cierto clima de languidez. Es destacable que la ropa del niño sea
azul, diferenciándose de los colores que predominan en la obra en general y en su madre en
particular.
 Forma: Es quizás en este punto donde encontramos más evidentemente las razones por las
que percibimos la separación. Observemos la figura del niño: sus brazos cruzados, su pecho y la
línea de sus hombros, forman un cuadrado. Las líneas con las que está contorneado son casi
rectas. Su cuello está tenso y bien derecho. Ahora observemos la madre. Su manto cae
suavemente en líneas redondeadas, sus formas son suaves, su cabeza está suavemente en líneas
redondeadas, sus formas son suaves, su cabeza está ladeada. Esquemáticamente, mientras el niño
es un cuadrado, la madre es un óvalo. Con el contraste de las formas y el manejo de las líneas,
Picasso nos muestra que son diferentes, y que por eso están distanciados.
 EJEMPLO PRÁCTICO 2: EL SUEÑO DEL CABALLERO, DE ANTONIO DE PEREDA

La composición
Probablemente la Vanidad más famosa de Antonio de Pereda sea este cuadro conocido
actualmente como El Sueño del Caballero. A la hora de componer la obra, el pintor ha recurrido a
tres elementos. El primero de ellos es el propio caballero, al que sitúa a la izquierda de la
composición, dormitando recostado sobre una silla y a la vez generando con su sueño la imagen
de los otros dos elementos. El segundo es el bodegón de objetos que se acumulan sobre la mesa,
todos típicos de una vanidad, con un simbolismo concreto, y donde el artista demuestra su gran
capacidad para captar las diferentes texturas, brillos, colores de cada pieza, ya sean de metal,
papel, madera, hueso, cuero... En tercer lugar está el ángel, que ocupa la parte superior y envuelve
con sus alas tanto a la mesa como al caballero, dentro del estilo tenebrista que tiene el lienzo sus
ropajes acaparan los colores más llamativos para que centremos nuestra atención en él. El hecho
de que se trate de una vanidad que incluya figuras humanas y no solamente naturalezas muertas,
además de emplear el tema del sueño, muy de moda en el Barroco por su ambigüedad entre lo
real y lo irreal, convirtió el cuadro en una joya muy demandada y admirada.
Los detalles

A un lado de la escena, aunque perfectamente visible, encontramos al caballero a quien hace

referencia el título. Recostado sobre una silla, su postura y su rostro indican claramente que se ha
quedado dormido. Sus ricas vestimentas, a la moda de la época, y su sombrero recargado con
abundantes plumas, muestran su elevada posición social. Antonio de Pereda demuestra su gran
talento para captar las calidades y cualidades de los materiales, en este caso los ricos tejidos de su
traje, donde dominan los colores negros y dorados, captando perfectamente su brillo y textura.
Sobre la mesa descansan un cúmulo de objetos que aparentemente no tienen un sentido o
relación concretos, pero todos guardan un significado. Podríamos agruparlos en dos conjuntos,
aquellos que representan las trivialidades de la vida, y aquellos que recuerdan el paso del tiempo y
la muerte. Dentro del primer grupo está el cofre lleno de joyas y monedas como símbolo del lujo y
la riqueza, los naipes que reflejan el juego y el azar, el retrato de una joven representando el amor,
la armadura y las armas de fuego aludiendo a la guerra, las partituras y el violín a la música, la
máscara al teatro, los libros y la bola del mundo al conocimiento, sin olvidar la corona, el laurel, el
cetro y la mitra que simbolizan el poder. En el segundo grupo encontramos: el reloj que nos marca
el paso del tiempo, las calaveras recordándonos en qué nos convertimos tras la muerte, la vela con
su frágil llama que se acabará apagando, y las flores cuya belleza, al igual que la propia vida, se
marchitará de forma inevitable.

En las manos del ángel se nos muestra un mensaje que nos ayuda a la hora de interpretar la
obra: mensaje: Aeterna pungit, cito volat et occidit (Eternamente hiere, vuela veloz y mata). Al texto
le acompaña el dibujo de un radiante sol sobre el que hay un arco con una flecha lista para ser
lanzada y que apunta hacia el caballero. El texto nos remite a la idea del tempus fugit, es decir, el
tiempo que se evapora -pasa veloz-, dejando sus secuelas -eternamente hiere-, y finalmente acaba
por traer la muerte -mata-. La misma idea se desprende del pequeño pictograma: el sol es nuestra
referencia para medir el tiempo, y precisamente son flechas las que nos marcan las horas y minutos
en las esferas de los relojes.
 APARTADOS ARQUITECTURA ESCULTURA PINTURA
1. IDENTIFICACIÓN Y  Nombre del edificio o título de la obra pictórica o escultórica.
CLASIFICACIÓN DE LA OBRA  Autor
(aspectos comunes)  Patrocinador o promotor de la obra (quién encarga, financia, promueve)
 Localización espacial y cronológica (Lugar y tiempo histórico, fecha aproximada de realización)
 Localización actual
2. ANÁLISIS Carácter civil, obras públicas de 1. Tema: religioso, mágico, mitológico, desnudo,
FUNCIONAL ingeniería, edificios públicos, viviendas, propaganda, conmemoración, retrato, placer, didáctica (historiado con escenas)
- ¿De qué trata y para qué se palacios, monumentos funeraria (estela) pintura de género o costumbrista (vida cotidiana) naturaleza
hizo? conmemorativos Carácter religioso o muerta o bodegón.
funerario (tumba, mausoleo). Carácter
militar: muralla, castillo, alcazaba
(fortaleza en zona más alta de una
ciudad)
3. ANÁLISIS MATERIAL Según la técnica: esculpido o Según el soporte: muro (mural) sobre
Y TÉCNICO - Esculpido en piedra cuyo aparejo cincelado sobre piedra (granito, lienzo (tela) sobre tabla (madera),
puede ser ciclópeo, sillares, sillarejo, mármol, alabastro). Tallado sobre cartones de boceto para tapices, etc.
- Materiales del soporte y almohadillados con bordes rehundidos, madera (como los retablos o las Según la técnica: fresco (sobre cal
formas de obtención. mampostería, obras de imaginería), marfil, oro- húmeda) encáustica o a la cera (cera
- Técnica o sistema de - Encofrado con cemento u hormigón marfil (criselefantina).) escayola como aglutinante, típica de la
elaboración - Soldado con metal (tipo de yeso más fino y antigüedad) temple (huevo, grasa u otra
- Estado de conservación y - Muro a ladrillo vista, enfoscado con moldeable) alabastro (tipo de yeso materia orgánica como aglutinante,)
restauraciones. cemento encalado y enlucido con yeso. traslúcido que se usa para hacer témpera (temple mezclado con agua)
vasijas o pequeñas figuras). óleo acuarela acrílico collage
4. ANÁLISIS FORMAL o Zonas o espacios del edificio 1. Fidelidad al objeto representado. Zona retratada o posición (busto, torso,
estilístico relacionándolo con Concepción del espacio interior: forma sedente, yacente, ecuestre, orante).
contexto artístico previo de la planta y distribución de los A. Abstracta. (no representa formas reconocibles) o figurativa (representa
(que le influye) y posterior espacios interiores. formas reconocibles) Figurativa con más o menos naturalismo (reflejo
(sobre el que influye) Concepción del espacio exterior: formas original): antinaturalista: simbólica, rasgos esquemáticos, formas
y volúmenes que representa. simplificadas, rigidez, o realista, respeta características del original incluido los
 defectos, macabro, grotesco), estilizada (alargan figuras, busca delicadeza)
idealista (busca perfección ideal)
B. Acabado/contorno. Escultura: textura sensación dureza. suavidad, non
finito. Pintura: detalle, precisión, abocetado, trazo suelto, pincelada ancha/
estrecha
C. Expresividad. La figurativa puede tener más o menos expresividad
(reflejo de emociones, teatralidad, mirada)
2.Color o gama cromática luz y sombra: policromía, encarnado, estofado...
A Cálidos/fríos. (amarillo, rojo, naranja) evocan pasión y emoción y
proximidad. Los otros reflexión, tristeza, y lejanía.
B Armónicos. Al lado en rueda de color/círculo cromático (verde-amarillo-
naranja-rojo-lila-azul-verde). Menos contraste
o colores complementarios (verde-rojo, amarillo-violeta, naranja-azul)
posiciones opuestas: más contraste e intensidad
C. Luz y sombras. Uniforme, homogénea, focal, claroscuro, tenebrismo,
zonas de contraste.
3. Composición: “composición pictórica” es la manera que el artista ha elegido
para distribuir los elementos de su representación en el plano básico. Puede
ser abierta o cerrada (circular, triangular) según la disposición e integración de
los elementos
A. Ejes:
B Perspectiva. Escalonamientos, varios planos, perspectiva lineal, líneas de
fuga, aérea o atmosférica, jerárquica, escorzo
C. Movimiento. Movimiento real (arte cinético) o sugerido por el ritmo, la
posición, tensión, acción.
5 Decoración. Elementos decorativos: dosel, doselete, baldaquino, guirnaldas
(coronas abiertas de ramas, flores, cintas…)
5. ANÁLISIS Iconografía: Identificación del tema representado y explicación de su contenido y significado (iconología)
ICONOGRÁFICO (valores Resumen muy breve del contexto social y cultural en que se realiza la obra.
representaciones y
exaltaciones) en su contexto
cultural
INTERPRETACIÓN Y
CONTEXTUALIZACIÓN DE LA
OBRA. CONCLUSIÓN.
BIBLIOGRAFÍA

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- https://es.slideshare.net/Evamaranta/elementos-bsicos-para-el-anlisis-de-la-pintura-secundaria-y-bachillerato
- http://lamemoriadelarte.blogspot.com/2013/09/el-sueno-del-caballero-de-antonio-de.html
- https://losolmoshistoria4.blogspot.com/2013/03/ejemplo-de-como-hacer-el-comentario-de.html
- https://blog.derrama.org.pe/guia-basica-para-analizar-una-pintura/