Bloque 2: Edad Moderna y Contemporánea

TEMA 4: El Renacimiento
Humanismo: corriente de renovación intelectual que se desarrolla del XIV al XVI en Italia,
aunque se extiende a más territorios. Coloca al hombre en el centro de la investigación
(antropocentrismo) y le da valor al saber, la ciencia y el arte, quitándoselo al teocentrismo. Al hilo del
humanismo aparece en este lugar un nuevo estilo artístico, llamado Renacimiento. Dante, Petrarca y
Boccacio son un ejemplo de humanistas, considerados los padres de la literatura renacentista. Ficcino
y Pico della Mirándola son dos personajes importantes que estudiaron a los clásicos y los vuelven a
actualizar a través de traducciones a lo largo del siglo XV.

Se retoma el tema mitológico también, pero con un significado distinto. Aun con los valores
clásicos, el arte representa muchos motivos religiosos cristianos, aunque la iglesia ya no tiene ese
poder hegemónico que solía tener, sino que ahora había otros encargantes.

Características del arte:

-Recuperación de los órdenes arquitectónicos clásicos (dórico, jónico y corintio).
-Combinación de temas variados: mitológicos, religiosos y profanos.
-Exaltación de la figura humana como expresión del antropocentrismo y de la belleza idealizada, tanto
en escultura como en pintura.
-Búsqueda de la perfección técnica en relación con el naturalismo (perspectiva en pintura y
movimiento en escultura).
Etapas:
-Quattrocento. Siglo XV. Florencia. Obras más emblemáticas en cuanto a calidad y técnica.
-Cinquecento. Siglo XVI. Roma. Aunque Florencia seguía siendo muy importante, ya no tenía la
hegemonía. Además, el papado se convierte en el precursor principal de las artes.

-Arquitectura
- Los edificios reflejan armonía, simplicidad y proporcionalidad.
- Elementos constructivos: arco de medio punto, bóvedas de cañón y arista, cubiertas de
madera con casetones, cúpulas y órdenes clásicos.
- Materiales: mármol, granito, ladrillo y sillares de piedra almohadillados.
- Decoración: inspirada en la arquitectura clásica: frontones, frisos, alternancia de metopas y
triglifos.
- Edificios religiosos, palacios y hospitales.
Brunelleschi. Primer gran arquitecto del renacimiento italiano.
-El hospital de los inocentes. En Florencia. Pura horizontalidad, muy contrario al gótico
anterior. Lenguaje totalmente clásico y sencillo, con relieves de la familia. Es curioso que se realizó
en pleno siglo XV, en el apogeo del gótico en Europa.
-Capilla Pazzi. Recuerda a la estructura de un arco del triunfo. Planta de cruz griega, tondos
con cerámica vidriada de Della Robia. Reúne todas las características del ideal renacentista en cuanto
a proporción y equilibrio se refiere.
-Iglesia del Santo Spirito (o Iglesia de San Lorenzo, porque son igualitas). Basada en las
basílicas paleocristianas. Es limpia y sencilla, con capillas laterales. Vemos la utilización del llamado
dado brunelleschiano, sistema de proporción que utiliza un cubo de determinadas medidas para
construir el espacio. Además, uno de sus rasgos característicos: el uso de la pietra serena para los

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elementos activos.
-Cúpula del Duomo. Cúpula para la catedral gótica. Elegido por concurso. Su diseño cuenta
con una cúpula interior que permite distribuir el peso de la exterior, más abultada. Era un vano de gran
diámetro para cubrir. Utiliza el opus spicatum.

-Palacio Médici-Ricardi (Michelozzo)Palacio urbano florentino: palacios de representación de

la familia que también eran residencias.Nos encontramos ya todas las características de los palacios
florentinos, que además influenciaron a otras ciudades. Destacan los sillares almohadillados y las tres
plantas superpuestas. En el piso superior ni siquiera se ven las juntas del almohadillado. Lo más tosco
lo colocaban abajo y arriba siempre lo más fino. Arriba se remata todo con una cornisa sobre
ménsulas. Hay ventanas geminadas, que a su vez están enmarcadas en arcos de medio punto.
-Palacio Rucellai (Alberti): más pequeño que el otro.
-Palacio Strozzi (Benedetto da Maiano) Es igual que Santa Maria Novella pero con una
cornisa más exagerada.
-Palacio Piccolomini (Rossellino)El papa Piccolomini lo mandó a construir como lugar de
residencia repitiendo el esquema de los construidos anteriores a este: gran cornisa, pisos con órdenes
superpuestos, banco corrido…

-Templo de Malatesta (Alberti) Envuelve una iglesia medieval en un lenguaje clásico con
columnas. Inacabado. Malatesta fue un líder militar.
-Santa Maria Novella (Alberti)Es una iglesia gótica con fachada renacentista en mármol
blanco. En la parte baja observamos unos arcos apuntados con gabletes pasando a arcos de medio
punto.

-San Pietro in Montorio (Bramante) Mandado a construir por los Reyes Católicos, por lo que
se encuentra en el patio de la academia de España en Roma. Se realiza en el cinquecento y representa
perfectamente la arquitectura renacentista. Tiene una escalinata circular inspirada en templos griegos,
friso con metopas, relieves y triglifos con una balaustrada y una pequeña cúpula.

-Cúpula de San Pedro (Miguel Ángel) Su proporción es similar a la de la cúpula de Florencia.

Resalta el tambor, ya que está sujeto por columnas pareadas. Además, en lo alto se erige una linterna.

-Escultura
Características:
-Transmite la idea humanista del antropocentrismo (el hombre como centro del universo).
-Refleja el ideal de belleza en las proporciones y en el estudio anatómico de las figuras.
-Uso del desnudo e impresión de movimiento.
-Materiales: sobre todo mármol y bronce.
-Tipos: estatuas exentas, bustos, retratos, estatuas ecuestres y relieves.
Principales escultores:
- Ghiberti (1378-1455)
- Donatello (1386-1466)
- Verrocchio (1435-1488
- Miguel Ángel (1475-1564)

Ghiberti inaugura el relieve renacentista.

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 Baptisterio de Florencia. Puerta del paraiso. Fue hecho para bautizos. Encontramos mármoles
clásicos y 3 puertas en bronce que representaban escenas de la biblia. Antes, aquí había otras puertas
góticas. Más tarde Ghiberti hizo unas segundas puertas, siendo seleccionado en concurso. Están
realizadas en bronce dorado. Esto, sumado a su belleza, hace que reciban ese nombre.
Aquí encontramos diez viñetas divididas de cinco en cinco. En éstas se representan escenas
religiosas, por ejemplo en la primera observamos una escena del Génesis donde se representa el
desnudo con Adán y Eva a través de la idea de profundidad y perspectiva (Spiacciato), con la novedad
de meter en un mismo espacio físico 4 escenas:
- 1.Dios crea a Adán.
- 2.Dios crea a Eva.
- 3. Adán y Eva comen la fruta del árbol del pecado original.
- 4. Dios expulsa a Adán y a Eva del paraíso.

Donatello
-Condottiero Gattamelata Es el primer retrato ecuestre del Renacimiento, el cual vuelve a
poner de moda el retrato. Es un monumento funerario, ya que bajo el pedestal sobre el que se eleva la
escultura se encuentran los restos del personaje. Esta obra está realizada en bronce.
-David. Se hicieron muchas representaciones de David, teniendo uno la mayoría de artistas.
Esta obra se trata de un desnudo clásico en bronce anacrónico, lo que vemos en el gorro, las calzas y
la postura praxiteliana. Aquí vemos como pisa la cabeza de Goliat. Su intención era mostrar la belleza
por eso esculpe a un adolescente con una postura relajada, ya que en la época la adolescencia era el
momento de máxima belleza de una persona. La interpretación simbólica es la relación con Cosme de
Médici que conmemora las victorias de Florencia sobre su rival, Milán.En la escultura, David
personifica a Florencia llevando el típico sombrero toscano, y Goliat a Milán, uno de cuyos símbolos
es la espada convertida en cruz.

Verrochio
-Condottiero Colleoni. Más severa, caballo más realista y con más movimiento.
-David. Es parecido al de Donatello pero con menor presencia de la curva, mostrándose en
una postura relajada. Además va vestido.

Miguel Ángel
El más brillante escultor de este periodo e incluso podríamos decir de la historia.
-David. Es de grandes dimensiones. Estaba destinado a estar dentro de la catedral del Duomo
de Florencia. Está hecho de mármol. Miguel Ángel elige el momento previo en el que David va a
lanzar la onda hacia Goliat, lo que podemos ver en su aspecto tenso con el ceño fruncido, los
tendones… (terribilitá) por eso es tan importante.
-Piedad del Vaticano. Destaca la perfección técnica al trabajar el mármol. Así como, la
composición triangular con el vértice en el rostro de María. Tiene dos imprecisiones con motivo de
buscar la proporción: construye una virgen muy grande y joven e idealizada, porque esa es la belleza
que él quiere representar en María y esta está por encima del realismo cronológico.
-Piedad del Duomo
-Piedad Rondanini
-Moisés. Es una de las figuras que forma el sepulcro de Julio II. Se trata de una obra en
mármol, que representa a Moisés con los diez mandamientos en una mano y tocándose la barba con la
otra. En él podemos apreciar dos cuernos que salen de su cabeza, por una mala interpretación de San
Jerónimo.

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Pintura
Características:
- Materiales: óleo sobre tabla o lienzo y fresco. Abundante uso de color.
- Composición: triangulares en grupos y con la figura principal centrada.
- Temática: religiosa, mitológica, retrato…

-La perspectiva: representar tres dimensiones en un plano. El punto de fuga es donde convergen todas
las líneas. Da sensación de profundidad.
-El sfumato: pretende dar sensación de distancia. Se difuminan las líneas del fondo para dar
profundidad.
-El escorzo: trata de representar figuras situadas en un plano perpendicular al lienzo.

Principales pintores:
- Masaccio (1401-1428)
- Fra Angélico (1387-1455)
- Botticelli (1445-1510)
- Rafael Sanzio (1483-1520)
- Leonardo Da Vinci (1452-1519)
- Miguel Ángel (1475-1564)

Masaccio
-El pago de la moneda: En esta pintura mural se representa como Cristo acompañado de los
12 apóstoles llegó a un pueblo y el cobrador de los impuestos le exigió que pagase, pero como no
llevaba dinero le dijo a San Pedro que se acercara al río a coger la moneda de oro. San Pedro así lo
hace, sacando la moneda de la boca de un pez.
Aquí, Masaccio pintó 3 escenas en un mismo espacio donde a la izquierda se sitúa a San
Pedro cogiendo la moneda, en el centro la llegada de los personajes a la ciudad y a la derecha
encontramos a San Pedro dándole la moneda al cobrador. Es una obra equilibrada, donde el peso recae
en la escena central. Encontramos gran variedad de colores en el frente y colores neutros en el fondo

Fra Angélico
-La anunciación. Es una obra religiosa donde se presentan dos escenas en un mismo espacio.
En primer lugar, encontramos la escena principal en la que el arcángel Gabriel le anuncia a María que
está embarazada, mientras por otro lado en la segunda escena observamos a Adán y Eva siendo
expulsados del paraíso por un ángel. Además, aunque esta obra sea renacentista podemos observar
pinceladas góticas

Botticelli
Botticelli deja de un lado los temas religiosos para centrarse en los mitológicos.
-La primavera. observamos a Venus en el Centro, encima de ella a Cupido, a la izquierda a las
3 Gracias y a Mercurio, y a la derecha a Céfiro secuestrando a Cloris, apareciendo Flora.
-El nacimiento de Venus. Venus desnuda saliendo de una concha, a su izquierda a Céfiro y
Cloris y a su derecha a Horas. Esta imagen se ve muy representada en el cine.

Rafael Sanzio
Virgen del Jilguero. Sanzio se especializó en la creación de vírgenes y madonas. Esta obra se
trata de una composición piramidal, en la cual el vértice se encuentra en la Virgen y a dos bebés en un
paisaje natural.

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 Los desposorios de la Virgen. Es una obra con perspectiva lineal, que tiene el punto de fuga
en la puerta del templete que aparece al fondo y las diagonales en la escena del frente. Representa la
escena en la que María se casa con San José.
Escuela de Atenas. Es una pintura mural que hace homenaje a la filosofía clásica griega
representando a todos los filósofos de esta época en un espacio arquitectónico clásico. Podemos ver
como las líneas de perspectiva coinciden en Platón y Aristóteles, que se encuentran en el plano
central. Aquí, podemos encontrar a personajes como Sócrates, Heráclito... e incluso al propio Rafael
autorretratado.
Debemos destacar la única mujer representada, la cual mira directamente al espectador.

Leonardo Da Vinci
-El Hombre de Vitruvio . Se trata de un dibujo de la imagen humana en el centro
perfectamente proporcionada y simétrica Tratados anatómicos: Da Vinci estudió al máximo la
anatomía humana, llegando a tratar con cadáveres reales para saber lo máximo del cuerpo humano, lo
que podemos ver en estos documentos anatómicos en los que se manifiestan toda su sabiduría en este
campo.
-La Gioconda (Mona Lisa ) Es probablemente la obra más famosa de la historia. Se trata de
un retrato de una mujer bajo la técnica del sfumato en un paisaje natural, con la peculiaridad que
desde cualquier ángulo en el que te coloques la mirada de ella te mira. A lo largo de la historia
encontramos réplicas de esta obra, muchas atribuidas a Da Vinci.
-La última cena. Se trata de una pintura mural con perspectiva lineal, cuyo punto de fuga se
encuentra en la cabeza de Cristo. Aquí, se representa el momento en el que Cristo anuncia a los
apóstoles que uno de ellos le ha traicionado, mostrando estos las caras de sorpresa. Da Vinci, agrupa a
los personajes de 3 en 3. Actualmente, esta obra se encuentra muy deteriorada debido al paso del
tiempo y a los materiales que utilizó.

Miguel Ángel
-La capilla Sixtina. Aquí observamos distintas escenas y pasajes de la biblia divididas en 9
cuadros rodeados de diferentes personajes. Miguel Ángel pintó el techo de forma que pareciese que
habían elementos constructivos. Aquí, destacamos la Creación de Adán, donde observamos el paso
del teocentrismo al antropocentrismo
-El Juicio final. Es uno de los muros de la capilla Sixtina, pintada años después que el resto de
la capilla. Miguel Ángel representó el Juicio Final con un estilo que se aproxima al manierismo
renacentista.

Jardines del siglo XVI

-Villa d' Este (Tívoli). Es una villa renacentista donde destacan los jardines. Aquí,
encontramos un edificio sencillo con el interior detallado, jardines bonitos y con complejidad en
elementos de los jardines como la fuente o la recreación de las volutas. Además, podemos apreciar la
villa Adriana al lado.

TEMA 5: El Barroco
principios s. XVII- mediados XVIII
Origen del término ¿barroco, barrueco, barochio?

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 “Barocco” hace referencia a una perla imperfecta, que era irregular. Barochio tendría que ver
con algo atifical, etc. También puede derivar del portugués "barrueco", cuyo significado es
“artificioso, anormal, recargado, extravagante”. Un concepto peyorativo acuñado en el siglo XIX, ya
que lo consideraban la antítesis del arte renacentista (neoclásico). En el siglo XX se revaloriza.

Hay dos elementos que marcan este movimiento: la monarquía absoluta y la contrarreforma
católica. El barroco va a ser un arte de propaganda, tanto de la monarquía como de la religión.
La monarquía absoluta era una forma de gobierno que se desarrolló en el siglo XVII. Como
mayor exponente siempre se ha situado al rey sol, Luis XIV.
La máxima expresión de la monarquía absoluta son los palacios con grandes jardines. Esto
quería ser el reflejo de la fuerza del país y de su monarquía. Estos se realizaban a unos cuantos
kilómetros de la capital. Un ejemplo es el palacio de Versalles ( Arquitecto Mansart, ornamentación
interior Le Brun, paisaje Le Notre) El barroco francés en exteriores es bastante clasicista, por lo que
en este palacio no encontramos una fachada barroca como imaginaríamos. El interior tiene la
intención de abrumar al espectador, tal y como ocurre en la sala de los espejos en el palacio. Los
jardines barrocos son de grandes perspectivas donde todo está estratégicamente colocado y calculado,
sin disimular la acción del hombre. En ellos encontramos escenas mitológicas, como Apolo y las
ninfas por Girardon. Posteriormente en palacio montaron un jardincillo romántico de tipo inglés que
no sigue el estilo barroco del resto.

En el reino de Nápoles en Italia reinó Carlos III en el siglo XVIII, momento en el que mandó
a construir Caserta (Vanvitelli). Algo similar a Versalles pero en este caso el edificio gana
protagonismo.

Bernini trabaja tanto para la monarquía como para la iglesia. En Versalles encontramos un
busto de Luis XIV que muestra muchísimo movimiento. En la Alegoría de Luis XIV vemos un
retrato ecuestre que idealiza al monarca. En el retrato que hace Rigaud de este monarca, se puede
apreciar la teatralidad y artificiosidad barroca.
En la misma época, Velazquez representa a Felipe IV de forma mucho más austera y sobria.
En cambio, si vemos otras obras de este mismo artista como es el Conde-duque de Olivares, es un
retrato con epicidad.

La contrarreforma católica. Los reyes que más defendieron el catolicismo del papado fueron
Carlos I y su hijo. Esto provoca que Roma sea el epicentro de este nuevo arte.

Destacamos las figuras de:

-Bernini. Plaza de San Pedro del Vaticano, plaza elíptica rodeada por una columnata
cuádruple. Es de grandes perspectivas, típico del barroco. Pretende aportar la idea de movimiento;
San’t Andrea, aunque el edificio sea pequeño, todos sus elementos llevan a la grandiosidad. Se crea
un juego de contrastes con lo cóncavo y lo convexo con la escalinata y el pórtico, muy recurrido en el
barroco. Tiene una decoración ostentosa, mezclando distintos materiales.
-Borromini. Iglesia de San Carlino o San Carlos de las cuatro fuentes, Existe un juego de
curva y contracurva, creando claroscuros en la fachada. En su interior más compleja y dinámica que la
de Bernini. La cúpula refleja la idea de complejidad y movimiento. Tiene un pequeño patio interior y
un sótano con la misma estructura.
-En Murcia, encontramos la iglesia de San Juan de Dios por Martín Solera, de estilo barroco
tardío, de la que destaca su cúpula; y el Imafronte de la catedral de Murcia, de Jaime Bort. La gran

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fachada occidental principal de la catedral a mediados del XVIII, hecha para sustituir la anterior
renacentista. Prevalecen las líneas curvas. Enfrente del Palacio Episcopal, que se derruyó y volvió a
construir para colocar la plaza que la precede.

Los protestantes le quitaron protagonismo a la Virgen y los santos,lo que hace que los
católicos les den más valor. En la segunda mitad del XVI serán nombrados santos muchas figuras
destacables, se acelera el proceso de canalizarlos, esto marca la diferencia. Un ejemplo es Santa
Teresa.
El Barroco fue un arte de propaganda en países católicos y, aun estando también presente en
países protestantes, fue un arte fiel al papado.

Santa Teresa será una de las nuevas santas creadas por la Iglesia y que cobrará gran
importancia.
-Éxtasis de Santa Teresa de Bernini. En la Capilla Cornaro. Esta es una obra de conjunto
que permite entender el concepto de la teatralidad barroca, ya que además de la escultura principal,
debemos tomar en cuenta el entorno, la capilla y los relieves de ésta. Forma parte de un todo, diseñado
por Bernini que es también arquitecto. Representación del amor religioso y del momento de conexión
con dios. Mármol blanco, bronce dorado > importancia de los materiales.

-Capilla de San Ignacio . (Pierre legros el joven, Andrea Pozzo)

Los jesuitas defendían más al papa. Destaca el barroquismo de la obra. Su carácter es
extremadamente teatral y dramático, dejando aparte la profusión decorativa y la riqueza de materiales.

-Tumba de Urbano VIII (Bernini)

El papa arriba en bronce, al igual que la tumba. Abajo el esqueleto y representaciones
alegóricas.

-Tumba del cardenal Richelieu (Girardon)

Cardenal con mucho poder.

-Imaginería española
-Piedad de Gregorio Fernandez
El tema de la piedad también abunda en este periodo artístico. Se busca que el espectador
empatice con los personajes.
-Cristo yacente de Gregorio Fernández
Los cristos yacentes son extremadamente naturalistas, no disimulan la tortura. Utilizó además
diferentes materiales para favorecer ese realismo.
-Salzillo
Diagonales, cabello naturalista, ropas reales en ocasiones. En su San Jerónimo vemos una
figura nada idealizada ni clasicista. También destacan Los azotes y La caída.

Crucifixión de San Pedro de Caravaggio

Este santo se crucifica bocabajo porque decía que no era digno de morir como Jesús.
Ejemplo perfecto del tenebrismo (corriente cuya seña principal es el claroscuro) utilizado por
Caravaggio. Presenta diferentes diagonales, que aportan mucho dinamismo.
Parece que el escorzo de uno de los personajes le quita protagonismo a la escena principal.

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 Inmaculada de Zurbarán, Ribera y Murillo
Tema muy recurrente.

Las tres gracias de Rubens

En el pleno barroco y también en las representaciones religiosas vamos a encontrar escenas
mitológicas. Rubens plantea de modo muy distinto al de sus precedentes. Representan a las hijas de
Zeus, tipo de belleza ideal, aunque pueden corresponder a la belleza más sensual. No fueron más que
una excusa para pintar tres anatomías femeninas, reproduciendo las exuberantes formas de sus
modelos.
La composición respeta el modelo clásico que representa a las Gracias completamente
desnudas y reunidas, pero cambia la relación entre las tres figuras al conectarlas a través de los brazos,
el velo transparente que las cubre, y sus miradas, es decir, psicológicamente, dando así nueva unidad
al grupo.
Debemos destacar la vitalidad y el movimiento.

Las hilanderas de Velázquez

O la fábula de Aracne. Aracne y la diosa Atenea se enfrentan en una competición por ver
quien teje mejor, acabando la mortal convertida en araña. Al fondo está la escena principal, con el
tapiz que ha tejido Aracne, que representa el rapto de Europa. Delante vemos una escena costumbrista
propia del siglo XVII, en la que podemos ver un paralelismo con el duelo.

Alegoría de la pintura de Vermeer

El tratado de la luz es espectacular. El tema costumbrista, sociedades protestantes y
burguesas. Destaca el detalle de los elementos decorativos.

DE LO TRUCULENTO A LO ESPLENDOROSO

-Truculencia
Encabezada por Caravaggio. A esta clase de autores les encanta el tema de Judith y Holofernes

Judith decapitando a Holofernes

Caravaggio, 1599
Este tema gusta dado su final trágico, que es perfecto para el uso del tenebrismo. Muestra la
realización de un acto violento sin tapujos y con gran realismo, pues buscaba que el espectador se
identificara con los personajes.

Salomé con la cabeza de Juan Bautista

Tema similar al de Judith
San Juan evanfelista es el que suele aparecer junto a María, el más joven, el de los pies de la
cruz, etc.
San Juan bautista era más mayor, incluso que Cristo, y era su primo. Este estará en la cárcel.
Herodes dice: ‘Salomé baila para mí y te daré lo que quieras’. Salomé que era un poco morbosa dijo
que quería la cabeza de Bautista en una bandeja de plata.
Este tema también se trató en la escultura de madera policromada. En este caso vemos que
unos años después el claroscuro ha llegado a su máxima expresión con Caravaggio. El lateral de
algunos personajes no está pintado incluso.No elige el momento más violento, que es la decapitación,
porque en este caso quien corta la cabeza no es protagonista.

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David con la cabeza de Goliat, Caravaggio 1610
Habíamos visto representaciones de David en el renacimiento. En este caso se ha elegido en el
momento posterior de la decapitación, con un tenebrismo muy marcado, pero se ve en el rostro de
Goliat la sangre, la cual no es nada del renacimiento. Rostro desencajado, y en el que parece ser que
se retrató el propio Caravaggio. David es un adolescenete muy adónico.

Judith y sirvienta con la cabeza de Holofernes

Gentileschi seguidor de Caravaggio
Aquí el autor no elige el momento de la decapitación. Hay una composición triangular. Pese a
seguir teniendo elementos tenebristas y barrocos, no es tan truculenta como las otras. Eso sí las
miradas de ambas mujeres contrarias es muy teatral, barroca. Esta versión no es tan distinta a algo que
se podría haber hecho anteriormente.

David y Goliat de Gentileschi

1605-7
Momento de máxima agitación, muy del gusto barroco. Momento en el que el levanta la
espada para llevar a cabo la ejecución.

Este autor tuvo una hija que se llamaba Artemisa Gentileschi, que hará versiones de la
decapitación de Holofernes. Estas son bastante más truculentas. Postura muy forzada de ella que
muestra el esfuerzo que supondría cortar una cabeza. Gran movimiento, sin pudor a mostrar la sangre.

David y Goliat, 1630

Se centra más en el tenebrismo y muestra un tema menos excesivo que el otro.

-Esplendoroso
Los hermanos Carracci (annibal) inauguran al mismo tiempo que Caravaggio la tenebrista una
corriente más clasicista que va a dar lugar a unas obras más decorativas, luminosas que se van a
encontrar fundamentalmente en decoración mural con la técnica del fresco mayormente.

Palacio Farnesio, 1597-1601

En esta el contraste con lo renacentista es mucho menos notable, es la que menos se aleja de
este, fundamentalmente por la fecha en la que se da. Decora una de las salas principales de este
palacio romano. Luminosa y clara, temas religiosos y mitológicos, como el Triunfo de Baco (ménades
danzantes en su cortejo)

San Ignacio (Roma)

Andrea Pozzo es el pintor que la decora.
Puro color, dinamismo. Es un trampantojo, porque la cubierta no es una bóveda. Eso es lo que
tiene muy de teatral el barroco, crea algo que no existe realmente.
El tema principal es el San Ignacio en las nubes junto a Dios, el resto son figuras secundarias.
El fresco se encuentra sobre la nave principal.

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Palacio Barberini
Trampantojo y horror vacui, llenando todo el espacio arquitectónico con figuras de gran
colorido. Podemos ver las tres abejas que son el símbolo de la familia Barberini.

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