CAPÍTULO 3

PROCESO
DE PRODUCCIÓN DE UN
PROGRAMA DE
TELEVISIÓN

103
3.1 EL EQUIPO DE PRODUCCIÓN

En una producción para televisión el equipo está constituido por un productor, quien se
encarga de supervisar que todo salga según su idea. El director de cámaras, es quien se
encarga de instalar las cámaras y realizar las composiciones. El asistente del director quien
se encarga de que todos los guiones y personal este de acuerdo a las necesidades
requeridas.

El switcher: es la persona que obedece al director y se encarga de introducir la toma que se

requiere en el mesclador de video, así como los efectos visuales a través del mixer. Los
operadores de video tape, se encargan de manejar las caseteras, así como los sistemas de
reproducción lineal y no lineal. Los operadores también se encargan del control de video
para que todas las imágenes estén dentro de las reglas profesionales de televisión para su
trasmisión o grabación.

Operador de audio y musicalizador: son los encargados de darle fondo a las escenas y de
abrir o cerrar la interlocución de los micrófonos de los personajes en el estudio o locación. El
operador de tele, es quien desplaza las anotaciones necesarias para comentar por los
conductores en el estudio, esto a través de una pantalla colocada en las cámaras del
estudio.

El máster: es quien recibe todo lo realizado, coordina, controla y distribuye el material para
su difusión o almacenamiento de acuerdo a tiempos. En lo que se refiere al personal en el
estudio, se encuentra el manager quien es la máxima autoridad dentro del estudio, y
coordina todo el personal y tiene toda clase de herramientas de apoyo. Principalmente da
las indicaciones a los conductores por medio de señales para su mejor desempeño.

Luminotécnicos: son los que se encargan de colocar de manera adecuada las luces
necesarias para la realización del programa, previa consulta con el productor y director. Este
se comunica con el director a través de sus audífonos. Microfonistas son quienes colocan
los micrófonos a los presentadores e invitados y de igual manera operan micrófonos
ambientales, evitando la aparición de sombras o cables.

104
Camarógrafos, son personas encargadas de operar las cámaras en el set, generalmente
son 3,4 o más cámaras, dependiendo las características del programa. Pueden operar
cámaras montadas en trípodes, portátiles y grúas. Ellos obedecen al director en cabina a
través de sus audífonos.

Escenógrafos, son los que previamente diseñan el set deseado por el productor, estos se
ayudan de forilleros, tramoyeros y hormigos para montar la escenografía.

Maquillistas y peinadores, son quienes retocan y aplican el maquillaje a las personas que
van a salir al aire.

Conductores o actores, son quienes llevan a cabo la conducción del programa o quienes
interpretan algún rol estelar dentro del programa.

3.2 LA PRODUCCIÓN DE UN PROGRAMA

El diseño y producción de las imágenes en televisión corresponde a un esquema ajustado

y aceptado convencionalmente en todos los países. La operación de los instrumentos
necesarios para poner en funcionamiento una estación de televisión, exige la colaboración
continua y sincronizada de un numeroso equipo humano, entre profesionales, técnicos y
personal administrativo.

El proceso completo de creación de un programa comprende: en la escritura del guión,

elaboración de un presupuesto, contratación de personal creativo, diseño de decorados y
ensayos antes de que se comience a filmar. Después del rodaje, el proceso de
posproducción incluye la edición en vídeo, además de añadir sonido, música y efectos
visuales.

105
Las tres formas básicas de programas televisivos son los de ficción, no ficción y
programas en directo.

PROGRAMAS

Ficción No Ficción En directo

Los programas de ficción son sobre todo series de conversación, comedias de situación,
series dramáticas y películas para televisión, incluyendo las mini series (una película en
varias partes). Los programas de no ficción más habituales son los concursos, debates,
noticiarios y magazines (espacios informativos que se nutren de noticias variadas dentro
de un formato que busca el entretenimiento). Los programas en directo se limitan
generalmente a los deportes, entregas de premios, cobertura de noticias en telediarios y
algunos espacios diarios de testimonios o debates.

Todos con un objetivo común: lanzar al aire una señal electromagnética que contiene
información codificada, la cual al ser captada por un receptor dará como resultado un
programa de imagen y sonido, cuya duración puede abarcar las 24 horas del día.

La mayoría de programas de televisión están producidos por compañías ajenas a la

cadena que los emite, a la que venden los derechos de emisión. La cadena de televisión
financia la producción vendiendo espacios publicitarios a sus sponsors.

Todo comienza en un espacio especialmente construido y acondicionado para evitar

interferencias por el ruido de la calle y por las variaciones de la luz natural. Un estudio de
televisión es un espacio cerrado que dispone de un sistema de iluminación artificial
compuesto de reflectores de alta potencia, capaces de iluminar un sed y en algunos
casos, espacios tan grandes como el de un auditorio.

106
Este espacio posee un encierro acústico que impide que el ruido del exterior entre al
estudio y se registre en los micrófonos. El estudio es un espacio reservado para los
actores y locutores, aquí se coloca la escenografía y el decorado para ambientar las
series o los noticieros, este espacio es también conocido con el nombre set. Frente al set
se encuentra un sistema de tres cámaras de televisión que registra simultáneamente la
misma acción, desde diferentes puntos de vista, en un ángulo de visión que varía entre
los 90 y 180 grados.

El audio se registra con un micrófono muy sensible colocado en una barra móvil (boom)
que cuelga sobre las cabezas de los presentadores, también puede registrarse con
pequeños micrófonos prendidos en la vestimenta de los presentadores. En el set
intervienen, además de los camarógrafos, iluminadores, sonidistas, tramoyistas,
apuntadores, escenógrafos y otros técnicos especializados. Toda la actividad del set la
conduce y organiza un jefe de piso quien recibe instrucciones desde la cabina de control.

La imagen registrada por las tres cámaras se envía por medio de cables al interior de una
cabina, desde donde se conduce la acción del foro. Las señales de video de las tres
cámaras se reciben en una consola mezcladora llamada mixer, que opera un técnico
(switcher). Éste observa las tres imágenes en tres monitores de televisión, las selecciona
y las mezcla, estableciendo el orden en que serán grabadas o enviadas al control central
para su inmediata transmisión. El switcher es el encargado de dar indicaciones a los
camarógrafos de cómo y cuándo colocar las cámaras y de efectuar los encuadres
precisos.

Desde la cabina del estudio se controla también la iluminación y la inserción de fondos

musicales, de fotografías fijas o de películas filmadas que complementen la transmisión
en directo. El sonido que proviene del estudio se une a una consola independiente del
video. En la consola, el audio se puede modificar (distorsionar, amplificar o mezclar), o
añadirle un fondo musical para conferirle un carácter particular.

El control de sonido, la realiza un operador de audio, quien se encuentra en el interior de

la cabina junto con el responsable de la producción del estudio: el director del programa,
es el profesional que cuenta con mayor experiencia y puede resolver y conducir toda la

107
actividad técnica y artística. Éste se apoya en un asistente de dirección, quien se encarga
de la ejecución del guión y de algunos aspectos de la producción.

Pero la aportación más asombrosa es la aplicación gráfica de los equipos

computarizados. Es el caso del Chyron, un generador digital de barras, líneas y graficas
en movimiento, con texturas y colores, o el Mirage, que puede distorsionar esféricamente
o colocar en perspectiva una imagen fragmentándola en pequeños cuadritos. La
utilización de los equipos de cómputo es indispensable.

El equipo de producción para un programa de televisión está formado por personal

creativo como actores, guionistas, directores y productores, además de una plantilla
técnica de operadores de cámara, electricistas y técnicos de sonido.

El productor ejecutivo, es el responsable absoluto del proyecto y habitualmente es quien

concibe la idea y se encarga de venderlo a las cadenas; debe responder del presupuesto
y todo el equipo creativo, incluidos el director, guionistas y productor en línea, además de
los principales protagonistas del reparto. El productor en línea, subordinado al productor
ejecutivo, se encarga del plan de rodaje, presupuesto, personal y todos los aspectos
logísticos de la producción.

El guionista o guionistas, desarrollan los guiones de cada capítulo. A menudo trabajan

durante la preproducción y los ensayos para corregir los problemas que pudieran
encontrar los presentadores o directores, revisar el guión por problemas de presupuesto o
producción.

El director recibe órdenes del productor ejecutivo, ayuda a elegir presentadores,

localizaciones, el aspecto del diseño visual de la producción, como el vestuario, además
el director se encarga de los movimientos de la cámara y es responsable de la
interpretación de los presentadores.

Los presentadores trabajan bajo las órdenes del director para dar vida a un personaje.
Son elegidos por el productor, la mayoría de veces mediante una serie de pruebas. Una
vez contratados, memorizan su parte del guión y habitualmente participan en ensayos
previos al rodaje o grabación del programa. La imagen del presentador es propia de los

108
programas informativos, deportivos y de debates; en algunos casos aportan comentarios
en directo, en el caso de los informativos, leen los contenidos en tarjetas o en un aparato
llamado Tele- Promp-Ter, que muestra las palabras en una pantalla.

El jefe de producción es responsable de todos los elementos físicos de la producción,

como el equipo, el personal o las localizaciones. Los ayudantes de dirección dependen
del director y se encargan de organizar el set, los extras y cualquier otra cosa que pueda
necesitar el director.

El director de fotografía, que opera la cámara, se ocupa de la iluminación y el movimiento

de la cámara. El director artístico es responsable del diseño de producción, dirige el
diseño, la construcción y acabado de los decorados y el vestuario; a menudo tiene bajo su
responsabilidad a maquilladores y peluqueros. El operador de cámara maneja la
plataforma móvil que sujeta la cámara (dolly) y otros instrumentos de apoyo, como los
soportes que se utilizan para fijar la cámara en grúas.

3.3 PRE- PRODUCCIÓN

En la pre-producción las ideas básicas y propuestas de producción son desarrolladas y

puestas en práctica. Durante esta fase la producción puede ser orientada por el rumbo
correcto o equivocado del programa, donde no habrá tiempo, talento o habilidad de
edición que más adelante pueda arreglar.

El objetivo principal de la pre-producción es conseguir que un programa sea exitoso, debe

cubrir todas las necesidades e intereses del público que la producción pretende
conseguir. Estos programas deben ser estudiados y tomados en cuenta durante cada fase
de la producción. Mientras mejor se lleve a cabo esta labor, mayor será el éxito del
programa. Para que su programa tenga un efecto valioso y duradero, la producción debe
"tocar" a fondo al público emocionalmente.

Durante la pre-producción no solamente se decide quién será el talento principal y el

personal de producción, también todos los elementos principales son planificados. Debido
a que los programas como el diseño escenográfico, la iluminación y el sonido están

109
conectados, éstos deben ser coordinados en una serie de reuniones de producción. Una
vez que todos los elementos necesarios están en su lugar, los ensayos pueden comenzar.

Un simple segmento en locación puede requerir una rápida revisión de las posiciones del
talento para que los movimientos de cámara, el equipo de audio y de iluminación puedan
ser vistos en funcionamiento. Una producción complicada puede requerir muchos días de
ensayo. Estos generalmente inician con una lectura en seco, donde el talento se reúne
con el personal clave de la producción alrededor de una mesa para dar lectura al guión.

La mayoría de las modificaciones del guión se hacen en esta fase. Luego se pasa a un
ensayo general (con vestuario). Aquí el talento utiliza el vestuario asignado y todos los
elementos de producción se encuentran en sus posiciones. Esta es la última oportunidad
para que el personal de producción pueda resolver cualquier problema pendiente.

3.4 GUIÓN

El guión empezó a partir de 1912, cuando Thomas Harper Ince, fue el primer gran productor
que introduce las más modernas técnicas de producción, exigió a sus directores unas
normas en las que se imponía el guion perfeccionista, elaborando hasta el último detalle. Así
se fue imponiendo el guión y ganando prestigio.

En aquel tiempo el guion comenzó a tener dos partes: el literario, en el que se expresaba
todo el texto en términos visuales, y el cinematográfico, que era desglosado en planos y
secuencias, a esta etapa se la llamaba continuidad, porque era la que daba el verdadero
ritmo al relato. El guión es un texto en el que se expone los detalles necesarios para la
realización de un filme o de un programa de radio o televisión. Es decir, un escrito que
contiene las indicaciones de todo aquello que la obra dramática requiere para su puesta en
escena. Abarca tanto los aspectos literarios y los técnicos.

El guión es una narración propuesta para ser traducida en imágenes y retroalimentada por
una banda sonora, a fin de convertirse en mensaje audiovisual. Es el punto de partida para la
realización de un filme. Su estructura se fundamenta en tres elementos que se entrelazan: El
personaje, la acción y el conflicto.

110
“En la terminología de la producción audiovisual (cine, televisión, vídeo, cómic, etc.), se llama
guión a la expresión escrita del programa o producto audiovisual, en la que se indican las
acciones, la narración, el diálogo, el lugar donde se desarrolla la acción, etc., pudiendo llegar
en su forma más elaborada (guión técnico) a describir los planos de encuadre, posiciones y
movimientos de cámara e incluso su representación en planta o la expresión del resultado
final en dibujos (story board)33”.

El guión es la fuente de información más importante, a partir del cual es posible prever y
prevenir, en definitiva, permite proyectar el proceso de producción. El guión no es solo una
historia, ni la descripción de cómo va a ser un programa de televisión. Es un documento que
ha de ser leído y utilizado por multitud de personas con diferentes intereses y funciones.

3.4.1 Estructura del guion

Un guión se divide en secuencias, que son como los actos de una obra de teatro. Cada
secuencia lleva un encabezamiento que indica el lugar y el momento en que se va a
desarrollar. La secuencia se subdivide en escenas. Cada escena comprende uno o varios
planos, rodados en el mismo ambiente y con los mismos personajes. La estructura del guión
no tiene normas objetivas. Cada director, productor o guionista, deciden aquello que es
necesario para que conste en el guión.

3.4.2 La idea, premisa o superobjetivo

Lo primero que tenemos que hacer es escribir nuestra idea señalando los datos
fundamentales, esos que leídos o dichos no demoran más que segundos en demostrar de
que se trata nuestro programa. Es la razón previa de todo proceso creador, es decir es el
principio, el motivo que nos lleva a expresarnos a través de cualquier lenguaje, en este caso
el lenguaje audiovisual. La idea concebida como premisa o superobjetivo, es la razón o
resumen de lo que queremos comunicar, estará pendiente en todo momento de ese proceso
y debe ser transmitida por la película. Es una teoría a demostrar a través de la narración.

33
FERNANDEZ, Federico. El libro del guión, España Ediciones Díaz de Santos, 2007.
pág. 201.

111
3.4.3 El argumento o relato

Es la precisión narrativa de la idea de un tema. Este relato debe ser pensado desde sus
inicios, para ser traducido en audiovisual. En muchos casos puede estar como historia base,
antes de la premisa.

3.4.4 La sinopsis y escaleta

La sinopsis es el resumen de la historia, de la acción que conduce la historia y sus

personajes fundamentales. Sintetiza las acciones, su cronología y la intervención de los
personajes principales. En ella deberá estar siempre presente la premisa o su objetivo. La
escaleta es el resumen de los recursos dramáticos, secuencias y escenas, ordenadas
cronológicamente para dar pasó a la progresión dramático.

3.4.5 El guion literario

Es una narración ordenada de la historia que será llevada a imágenes. Como toda narración
presentará el argumento, sus personajes, diálogos, situaciones. Sin ninguna precisión
técnica, pero utilizando el lenguaje cinematográfico, es decir pensado para ser contado en
audiovisual, por lo que evitará todo símbolo o exposición literaria que no pueda ser llevada a
imágenes. El guión literario ante todo ha de ser lingüísticamente sencillo y formalmente
directo.

3.4.6 El guion técnico

Este guión agrega al literario la descripción técnica de planos, tomas, luz y lugar. Es el
planteamiento gráfico de la narración, junto a los diálogos. Será más o menos detallado de
acuerdo al estilo del guionista o si el guionista es el mismo director “guión de hierro” o “guión
flexible” de acuerdo a las diferentes teorías. En este guión, la narración audiovisual será
presentada en diferentes unidades: Plano, Escena y Secuencia.

112
3.5 LA PRODUCCIÓN

La fase de producción es donde todos los elementos se enlazan para la realización final.
Las producciones pueden ser transmitidas en directo o grabadas, con la excepción de los
noticiarios, los segmentos deportivos y algunos eventos especiales, la mayoría de las
producciones suelen grabarse para posteriormente ser transmitidos o distribuidos. Grabar
un programa o segmento permite reparar errores ya sea deteniendo la cinta, re-grabando
el segmento o haciendo modificaciones durante la edición.

Algunas producciones pueden contar también con un productor asociado, quién se

encarga de arreglar las citas para el talento, el personal y en general, asiste al productor
en sus labores durante la producción. En una producción grande una de las primeras
labores del productor es contratar un escritor para que el guión pueda ser elaborado (el
documento que indica a todo el mundo qué hacer, qué decir, etc.). El guión es como una
especie de plan escrito o el plano de una producción.

Normalmente el talento para la producción sería el siguiente tema considerado por el

productor. El talento incluye actores, reporteros, anfitriones, invitados y narradores. El
director también está a cargo de revisar los detalles de preproducción, coordinar las
actividades del grupo, definir las posiciones de las cámaras, seleccionar las tomas
durante la producción y supervisar los trabajos de post-producción. En otras palabras el
director es el que está al frente y se encarga de llevar el guion hasta el final del proceso
de producción.

Asistiendo al director en la cabina de control normalmente esta

el director técnico quien se encarga de operar el video y la
consola. El director técnico es también responsable de
coordinar todos los aspectos técnicos de la producción, es
necesario enfatizar que las responsabilidades del personal
puedan variar ampliamente en cada centro de producción.

Uno o más asistentes de producción pueden ser contratados como auxiliares de productor
y director. Durante los ensayos estas personas llevan notas de las necesidades y cambios
en la producción.

113
Otra persona es el director de iluminación quien se encarga de diseñar el esquema de
iluminación, supervisar la colocación de los equipos y autorizar el esquema ya montado,
la iluminación puede mejorar o arruinar una producción. En algunas producciones puede
haber un diseñador de set quien en colaboración con el productor y el director, diseña el
set y supervisa su construcción e instalación.

3.5.1 La cámara de televisión

La cámara es la herramienta o dispositivo que permite la captación de imágenes; su función

es mediante la lente, para captar la luz de una escena, convertir la luz en una señal
electrónica para que pueda ser procesada y transmitida, o grabada para luego ser editada.
“La cámara incluye un prisma o espejo que divide la luz que proviene de la lente y pasa a los
tubos o chips, es decir, a circuitos que exploran el tubo o chip para registrar una señal
electrónica. Al procesar los circuitos, se refina la información y se codifica de tal manera que
pueda ser grabada o transmitida”.34 En síntesis una cámara de vídeo es un transductor
óptico.

La cámara trabaja con tres colores primarios, que se utilizan en televisión, para formar la
imagen: el rojo, el verde y el azul los mismos que al ser combinados en diferentes
graduaciones forman todos los colores. Estos colores son registrados individualmente en el
momento que la cámara capta las imágenes para así evitar la pérdida de definición en la
imagen. “Explora el nivel verde en cada parte de la escena, después el azul y el rojo, y
combina estas señales para formar una imagen compuesta de colores que sale de la
cámara.”35

En las cámaras actuales la función de captar la imagen es realizada mediante la lente, una
serie de cristales ópticos o de elementos plásticos consolidados y montados de tal manera
que focalizan la luz en la superficie de los tubos de conversión de luz o de los chips. La lente
está montada permanentemente en la parte delantera de la cámara. Las tres características
básicas de una lente son su distancia focal, su rango de enfoque y su apertura del
diafragma.

34
HERS, Carl, Producción Televisiva: el contexto latinoamericano. México editorial trillas 1999 Pág.22
35
HERS, Ídem. Pág.23

114
[Link] Principales componentes de la cámara

Todas las cámaras constan de tres partes principales: objetivo, dispositivo de imagen y visor.

El Objetivo: es el encargado de enfocar un campo de visión concreto, el que se desea filmar,

produciendo una imagen óptica del mismo que está compuesto por una serie de lentes
dispuestos en un tambor tubular diseñados y combinados para conseguir un resultado
óptimo. “El objetivo así concebido enfoca una pequeña imagen nítida de la escena sobre el
tubo de la cámara.

Existen dos tipos de lente: lente de distancia focal fija y lente de distancia focal variable o
lente de zoom.”36

El Dispositivo de imagen: es la parte más importante de la cámara, convierte la imagen

óptica en señales eléctricas a través de dos componentes, el prisma y el CCD.

El prisma está compuesto por varios filtros y divisores que

separan la luz blanca en los tres colores-luz primarios RGB (Red,
Green, Blue) y la envía al CCD.

36
MILLERSON Gerald, Técnicas de realización y producción en televisión. Instituto oficial de radio y
televisión, Madrid-España 1987. Pág. 33

115
 El sensor CCD:(Charged Couple Device/dispositivo de
transferencia de carga): es un chip que se encarga de
transformar las imágenes capturadas en impulsos eléctricos que
a continuación se transformarán en nuestro video digital. Es el
ojo de la cámara y de él depende la resolución, la calidad de la
filmación y también la cantidad de imágenes o frames por
segundo de video que puede capturar.

Está compuesto por muchos pixeles, ordenados por filas horizontales y verticales, sensibles
a la graduación de la luz que recibe del prisma, reconstruyendo con ella una imagen. Cada
píxel transforma dicha información en una carga eléctrica determinada. Esta carga se
transfiere desde el área fotosensible de los pixels al área de almacenamiento
transformándose en una señal de vídeo con los tres colores primarios luz: RGB. Las
cámaras profesionales tienen 3 CCDs que tratan el color por separado. Cuanto mayor sea el
CCD, mayor será la resolución ofrecida y, como consecuencia, la calidad final de la imagen.

[Link] El Visor

Muestra una pequeña imagen de vídeo de lo que la lente está capturando que nos sirve de
guía. En su mayoría las cámaras digitales llevan también un pequeño monitor o pantalla
LCD, una pantalla pequeña en la que podemos visualizar con mayor facilidad lo que estamos
grabando. En muchas cámaras digitales en especial las miniDV ya no se observa por el
visor, nos es más cómodo utilizar el monitor. Esta pantalla es vital para encuadrar toda la
toma que filmamos.

El visor o pantalla nos muestran ciertos indicadores de estado que varían según el tipo de
cámara y pueden incluir los siguientes datos:

- Una luz "tally" que indica que se está grabando

- Nivel de carga de la batería
- Tiempo remanente de la cinta
- Balance de color
- Luz baja, exposición insuficiente
- Amplificador de luz baja (control de ganancia)

116
- Filtro colocado (interior / exterior)
- Posición del zoom que indica cuánto más se puede aplicar o retirar el zoom
- Estado manual o automático del iris.
- Monitorización de nivel de audio
- "Patrón Zebra" para monitorear y ajustar los niveles de video
- Marcos superimpuestos para área de seguridad, encuadres en formato 4:3 o 16:9.
- La presencia de ajustes predeterminados de la cámara
- Diagnóstico de "calentamiento" de la cámara

[Link] Otras partes de la cámara

Balance de blancos: controla si la cámara está ajustada a la temperatura de color de la luz

con la que estamos grabando, reajustándola en función de una carta blanca que se le
muestra. Actualmente toda cámara tiene un ajustador automático de balance que permite
capturar una mejor reproducción de color, ya que la cámara divide la imagen en los tres
colores componentes, el reajuste del color compensa cada situación de una nueva
iluminación. En una toma en exteriores existe más luz azul, emitida por la luz del sol, la
cámara disminuye la salida del tubo azul o chip y da aumento al rojo; mientras que en una
toma en interiores donde existe más luz roja provocada por la utilización de la luz artificial, la
cámara aumenta la salida de luz azul y disminuye la roja.

Para realizar el balance se enfoca una tarjeta blanca y se oprime el botón con la opción
“White balance” de la cámara la misma que indica mediante un color verde o un ok la
correcta realización del nuevo balance. Esta operación se debe realizar cada vez que la
cámara cambie de lugar donde la luz es distinta. Hay que tener cuidado cuando se filma en
exteriores ya que la luz solar es mas roja a la salida y puesta del sol.

Velocidad de obturación: ajusta la velocidad de apertura para prevenir la nebulosidad de la

cámara rápida, muchas cámaras vienen ahora equipadas con obturadores electrónicos que
sirven para evitar imágenes borrosas por movimientos rápidos o por falta de luz. La mayoría
de las cámaras profesionales tienen velocidades de 1/50 (normal PAL), 1/100, 1/250, 1/500,
1/1,000 y 1/2,000 de segundo. Algunas van más allá de 1/4000, 1/8000, 1/10,000 e incluso
1/12,000 de segundo.

117
Control zoom: también denominado ángulo visual, nuestra imagen tendrá mayor o menor
calidad dependiendo del margen de acercamiento que se utilice, puede ser óptico o digital y
nos sirve para acercar o alejar el objeto que estamos enfocando.

Zoom digital: Las cámaras de vídeos de resolución más baja llevan incorporadas poco zoom
óptico y parte lo sustituyen por un zoom digital por lo cual al utilizarlo existe pérdida de
calidad. Este tipo de zoom no nos muestra realmente lo que vemos, sino que supone una
ampliación de las imágenes que estamos capturando. Esto provoca una ampliación de los
píxeles que componen la imagen alterando y deteriorando la visualización correcta de la
misma.

Zoom óptico: Las videocámaras que poseen un zoom óptico, presentan una mayor calidad
en la imagen. Las cámaras con zoom óptico tienen más calidad de imagen y más resolución
más píxeles en la filmación. Una cámara que presenta opciones para muchos aumentos
ópticos, precisa tener muchas lentes para conseguir el aumento óptico adecuado sin
deteriorar la imagen que se intenta conseguir.

Ganancias: es un interruptor que sirve para elevar la señal de video cuando se graba con
poca iluminación, ayuda a visualizar mejor las escenas oscuras durante la noche permitiendo
el uso de la luz ambiental. No se debe utilizar la ganancia en su posición extrema ya que
causará una granulación en la imagen. En las cámaras digitales en su mayoría tienen un
sistema automatizado de ganancia.

Control grabación: consta de botones Rec para comenzar a grabar, Pause para detener la
misma y Standby para encender o apagar la cámara. Actualmente las cámaras traen consigo
el control de grabación con tres opciones: camera/cámara en donde se enciende para
realizar las grabaciones, en Play VCR/Play edit para visualizar lo que hayamos grabado y off,
para cerrar la videocámara.

Controles del nivel de sonido: consta de teclas para bajar o subir el nivel de audio en la
grabación.

118
Rueda de filtros: Localizada entre las lentes y el prisma, la función de este mecanismo es
rotar un filtro de color entre la lente y la imagen que ingresa a la cámara. La rueda de filtro
tiene varias posiciones que regula la luz que ingresa por la lente.

La rueda tiene unos “filtros de densidad neutral” que sirven para disminuir, hasta la mitad o
tres cuartos la cantidad de luz que llega a la cámara sin cambiar el balance de color.
Asimismo la cámara tiene otros filtros que ayudan a regular la luz, en una toma realizada
combinando luz incandescente y luz solar. En todo tipo de filmación nunca se debe olvidar
ejecutar el balance de blancos.

Micrófono: Para grabar el audio normalmente puede sustituirse el micrófono que viene
incluido en la cámara por otro de corbata, de mano, de cordón y de larga distancia. Algunos
pueden ser adaptados a la cámara, para que el audio se grabe en la misma cinta y no
perder la sincronización del audio y el vídeo, además debe obtener una mejor calidad en el
audio.

Batería: para alimentar a la cámara cuando no está enchufada a la corriente continua. Es

muy importante llevarla completamente cargada y otra de recambio, la diferencia entra la
cámara digital y la análoga es que las baterías de la digital son más pequeñas, con menos
peso, mayor duración que facilita el trabajo de los camarógrafos.

Botón de grabación: toda cámara consta de dos botones el que inicia o detiene el proceso de
grabación y generalmente están ubicados uno en el manubrio y otro en el cuerpo de la
cámara. El botón del cuerpo es utilizado cuando se utiliza un trípode y el otro, el del
manubrio, cuando se realiza la grabación con la cámara al hombro.

Luz piloto: es la que avisa al camarógrafo que la cámara esta o no grabando que
normalmente es roja y cuando está encendida la cámara expone una luz verde. Las luces
piloto están ubicadas en la parte delantera y trasera las mismas que pueden ser
desconectadas por las personas encargadas de filmar.

119
[Link] Clases de cámaras para televisión

Existen varios tipos de cámaras profesionales de televisión para los diversos trabajos o
lugares de filmación las cuales están clasificadas en cuatro categorías generales:

Son las que normalmente se utilizan en el plató televisivo y

están conectadas a un control de realización, se usan en los
programas informativos, Talk show, variedades o programas
C
De estudio similares, con el avance de la tecnología en muchos programas
A y especialmente en los informativos, se ah incorporado la
utilización de cámaras robotizadas que son guiadas por
M
programas informáticos.
A
Son aquellas que se utilizan para eventos deportivos o
R Para acontecimientos especiales; normalmente se conectan a un
exteriores
A control de realización en una unidad móvil.

S Son cámaras ligeras de tal forma que puedan ser llevadas en

ENG (Electronic
el hombro por los profesionales; están dotadas de mayor
News Gathering)
autonomía y su uso básico es para la realización de reportajes.

Son aquellas que sirven para pasar a vídeo el material rodado

Kinescopado
en cine que suelen utilizarse comúnmente en documentales.

Todas las cámaras poseen los mismos principios básicos de manejo y unos componentes
auxiliares similares: cabeza o cuerpo de cámara, controles y soportes.

La cabeza de cámara: Se compone de la unidad de toma de imagen que consta de la óptica,

CCD, visor y la conexión al control de cámara o vídeo grabador si es una ENG. En la
cabeza de cámara pueden encontrarse numerosos accesorios: piloto indicador de grabación
o de “star” “en el aire”; protector de la óptica tanto para posibles golpes como para evitar el
sol directo; indicadores de la apertura de la óptica y del diafragma; conector de auriculares y
caja de conexiones.

120
Los controles: Se dividen en controles de grabación y ajustes previos. Los controles de
grabación, enfoque, zoom y diafragma, pueden ser directos o remotos; los directos se
manejan por el operador y están situados en el timón de la cámara; los remotos están
ubicados en la mesa de realización del control y sólo se recurre a ellos en caso de urgencia.
Los controles de ajustes previos, como el balance de blancos, establecen los niveles de
calidad de imagen que decidamos preestablecer. Aunque en ocasiones pueden manejarse
remotamente, lo más lógico es que estén en la cabeza de la cámara.

Soportes: Las cámaras se apoyan para su estabilización y movimiento sobre trípodes y

pedestales. Los trípodes son utilizados en exteriores. En el estudio se utilizan los pedestales,
columnas hidráulicas ligeras, con ruedas, cuya regulación permite hacer estas tomas,
panorámica, horizontal y vertical.

[Link] Sistema analógico y el digital.

Los sistemas electrónicos de las imágenes que serían la señal de vídeo y la señal de audio,
se graban y almacenan en la cinta de vídeo, que es un soporte de plástico recubierto de
óxido de hierro que queda magnetizado. Durante la reproducción, la información almacenada
se vuelve a convertir en señales de audio y vídeo. La cantidad de información electrónica es
mayor para la grabación de vídeo, que para la grabación de audio.

[Link].1 Sistema analógico

Existen diferentes sistemas de grabación en cinta analógica, los sistemas domésticos que
son de fácil manejo pero no permiten copias para edición o posproducción sin pérdida y los
sistemas profesionales, cuyas imágenes no se deterioran en posteriores copias para edición
o posproducción.

121
Los formatos de vídeo analógico más usados son:

FORMATO DE
TIPO GRABACION CINTA CARACTERISTICAS
Betacam Y/C Componentes ½ pulgada Estándar de calidad en sistemas
Sp de edición personal
U-MATIC RGB compuesto ¾ pulgada Antiguo formato de edición
profesional
S-VHS Y/C Componentes, ½ pulgada Buena calidad, Compatibilidad
realmente graba como con VHS
una señal compuesta
HI-8 Y/C Componentes 8mm Buena calidad de grabación,
debe copiarse a un formato
superior para posproducción.
VHS Pal, compuesto ½ pulgada No tiene calidad suficiente para
aplicaciones profesionales o
posproducción

Tanto los sistemas analógicos como los digitales pueden tratar su señal en una de las tres
formas básicas: Y/C Componentes, Compuesto, o RGB. Vincularemos estos formatos con
los cables que nos sirven para trasmitir su señal de forma que faciliten su identificación.

a) Sistema Y/C Componentes

La señal de luminancia (Y) y la de crominancia (C) se

mantienen separadas durante el proceso de codificación o
fase de escritura y en el proceso de descodificación o fase
de lectura, pero ambas señales se combinan y ocupan la
misma pista en la cinta de vídeo. La configuración Y/C
requiere dos hilos de cable diferentes para transformar la
señal componente. Los cables BNC (conector coaxial) se
utilizan para equipos profesionales por componentes, un cable lleva la señal de luminancia
(Y), y el otro la señal de crominancia (C).

122
El cable S-Vídeo lleva los dos componentes Y, C por separado. La señal se transmite por 4
hilos separando luminancia (Y) y crominancia (C) así como sus respectivos retornos (GND).
Las señales no se mezclan por lo que se minimizan las interferencias. El conector
normalizado es un minidin de 4 contactos. Suele estar disponible en equipos analógicos de
VHS y Super VHS, también en videocámaras Hi-8 y Digital-8 y DV en las cuales se
aprovecha esa mejor calidad para monitorizar las imágenes.

b) Sistema Compuesto

La señal de video va por un solo hilo (luminancia y crominancia

mezcladas) y aunque la calidad puede ser bastante buena
existe una cierta interferencia entre color y luminancia. Esta
señal es la que llega por los canales convencionales analógicos
de emisión. El conector más usado para esta conexión es el
RCA (habitualmente amarillo), aunque también se puede usar un Euroconector (SCART)
conectado al pin de video compuesto. Los cables RCA, llevan una señal compuesta es la
que comúnmente se utilizan en los sistemas domésticos

c) Sistema RGB

Las señales roja, verde y azul se tratan por separado a lo largo

de todo el proceso de grabación, incluso en la cinta de vídeo.
Este sistema utiliza tres hilos para transportar la señal de vídeo.
Todos los equipos que se utilicen en la edición tienen que
mantener esa misma diferencia de señal. Es el formato que
utilizaba el sistema profesional U-MATIC, ya casi desaparecido, pero también lo incorporan
algunos proyectores de vídeo y pantallas de plasma.

[Link].2 Sistema digital

También existen diferentes sistemas de grabación en cinta digital, los sistemas domésticos
utilizan cintas de mini DV que tienen una calidad un poco inferior al DVCAM de ¼ pulgada
profesional.

123
Los formatos de vídeo DIGITAL más usados en el ámbito profesional son:

FORMATO DE
TIPO GRABACION CINTA CARACTERISTICAS
D1 Señal por 19 mm Calidad para sistemas de edición
componentes profesional. 10 bits por pixel.
desarrollado por Sony
D2 Señal por Compuesto 19 mm Puede ser conectado a equipos
desarrollado por Sony analógicos. 8 bits por pixel. Casi
ha desaparecido.
D3 Señal por Compuesto ½ pulgada Buena calidad. 8 bits por pixel.
desarrollado por Casi ha desaparecido.
Panasonic
D5 Señal por ½ pulgada Calidad para sistemas. 10 bits
componentes (12,77mm) por pixel.
desarrollado por
Panasonic
BETACAN Señal por ½ pulgada Calidad para sistemas de edición
DIGITAL
componentes (12,77mm) profesional.
desarrollado por Sony
DVCPRO Señal por ¼ pulgada Buena calidad para edición
componentes (6,35mm) Muestreo [Link] y compresión
desarrollado por 3,3:1
Panasonic
DVCAM RGB componentes por ¼ pulgada Buena calidad para edición
compresión (6,35mm) Muestreo [Link] y compresión 5:1
DV RGB componentes por ¼ pulgada Buena calidad para edición
compresión (6,35mm) Muestreo [Link]

124
a) Sistema Digital DV (digital video)

Si bien los sistemas de edición digital pueden obtener o volcar la

información de vídeo por Componentes o Compuesto, el formato
digital que más utilizado ultimadamente es el DV. Presenta la
ventaja que un solo tipo de cable y conector sirve a la vez de
entrada y salida tanto para audio como para vídeo. La
denominación del conector varía según el tipo de maquina
editoras a utilizarse, en las cámaras digitales se denomina DV IN/OUT, en los computadoras
puertos IEEE-1934 y el cable Fire-wire

El cable Fire-wire transporta tanto la señal de audio como la de vídeo. Puede presentar
distintos aspectos, dos conectores pequeños para transmitir información de la cámara a un
magnetoscopio. Un conector pequeño y otro grande (pequeño para la cámara o
magnetoscopio y grande para el ordenador) o dos grandes para conectar el ordenador a un
periférico, por ejemplo un disco externo.

3.5.2 Manejo de la cámara

Al construir un mensaje verbal se mezclan una serie elementos como nombres, verbos y
adjetivos pero además hay que seguir unas normas sintácticas que permitirán elaborar
frases que tengan significado, de la misma manera cuando creamos un mensaje audiovisual
tenemos que seguir unas normas sintácticas que además podrán influir poderosamente en el
significado final del mensaje. Los principales aspectos a considerar son:

[Link] Planos

Estos hacen referencia a la proximidad de la cámara a la realidad cuando se realiza una

fotografía o se graba una toma.

125
Los principales planos que se utilizan, de los más lejanos a los más próximos, son:

Gran plano general: Presenta un espacio muy amplio y que puede estar
compuesto de múltiples personajes y elementos. Hay mucha distancia
entre la cámara y el objeto registrado, tiene un valor descriptivo y puede
obtener un valor expresivo.
Plano general: Muestra un contexto amplio en el que se distingue con
Descriptivo
facilidad la acción que desempeña los personajes, tiene un valor
narrativo y descriptivo. Las tomas abiertas, se pueden realizar en el
lugar que nos encontramos: una ciudad, un estadio, en el interior donde
P se realiza una conferencia, rueda de prensa o el plató televisivo con sus
presentadores.

L Plano entero: Muestra al personaje principal desde la cabeza hasta los

pies, se ve por completo, tiene un valor narrativo que muestra la acción
que desarrollan los personajes y un descriptivo para apreciar las
A características físicas generales del personaje.
Plano americano: Es un plano medio ampliado que muestra los
N Narrativos personajes desde la cabeza hasta las rodillas, lo que interesa es mostrar
la cara y las manos de los protagonistas; tiene un valor narrativo y
expresivo.
O
Plano medio: Son los planos de tamaño natural, medio y su valor se sitúa
entre la fuerza ambiental del plano distante y el examen cuidadoso de los
S planos de cerca, el personaje es presentado de la cintura para arriba.

Primer plano: El personaje es presentado desde su hombro para arriba,

estas imágenes sirven para mostrar detalles de una toma, partes
pequeñas como una cara, un gesto, etc. destacando las emociones y los
sentimientos de los personajes.
Expresivos
Plano detalle: Muestra un objeto, una parte del objeto o personaje. La
cámara está situada sobre los elementos que se filman, su valor
depende del contexto en el que se realice, tiene un valor descriptivo,
narrativo o expresivo.

126
[Link] Ángulos

Cuando se habla de angulación o punto de vista hay que trazar un ángulo imaginario que
forma una línea que sale perpendicular al objetivo de la cámara y que pasa por la cara del
personaje principal. Según la posición de la cámara el ángulo mediante el cual el objetivo
captará los personajes se denomina:

Se obtiene cuando el objetivo de la cámara está dirigida de forma

perpendicular sobre la cara del personaje. En este caso, la cámara
estará situada aproximadamente a la altura de la mirada de la persona.
Normal El ángulo normal por sí mismo no proporciona ningún valor expresivo
especial a parte del que aporten los demás elementos sintácticos
A utilizados como tipos de plano, colores dominantes, etc. Denota una
situación de normalidad.

N Llamado también vista de pájaro se obtiene cuando la cámara realiza un

encuadre desde arriba hacia abajo. El ángulo picado añade un valor
G Picado expresivo a las imágenes, ya que por razones de perspectiva, el
personaje u objeto enfocado aparece más pequeño en relación al

U entorno. Denota inferioridad, debilidad, respeto del personaje.

Se obtiene cuando la cámara realiza un encuadre de abajo hacia arriba.

L Al ángulo contrapicado añade un fuerte valor expresivo a las imágenes
Contrapicado
ya que por razones de perspectiva, el personaje queda más grande y
O poderoso.

Se da cuando se sitúa la cámara con una inclinación lateral, las

S imágenes aparecerán inclinadas, añade un valor expresivo de
inestabilidad y de inseguridad que a menudo se utiliza cuando se aplica
Inclinación
Lateral la técnica de la cámara subjetiva, también se pueden considerar el
ángulo frontal y el ángulo lateral, que dependerán de que la cámara se
coloque delante de los personajes o de forma lateral ya sea a lado
derecho o izquierdo del protagonista.

127
[Link] Composición

Es la distribución de los elementos que intervienen en una imagen dentro del encuadre que
se realiza a partir del formato de la imagen y de acuerdo con la intencionalidad semántica o
estética que se tenga. Es decir, ordenan las figuras dentro del espacio visual disponible y le
dan un sentido de unidad, de modo que resulta agradable y artísticamente equilibrada.
“cualquier estudio de la composición ayuda a crear imágenes atractivas y con significado,
que capten la atención de la audiencia e influyan sobre su manera de sentir”

Se pueden considerar diversos aspectos:

[Link].1 Líneas verticales y horizontales

Producen una sensación de vida y sugieren cierta situación de quietud y de vigilancia. En

general las líneas verticales, igual que las líneas horizontales, se asocian a una situación
de estabilidad. No es conveniente abusar demasiado de las líneas verticales y
horizontales porque pueden cansar y provocar una sensación de monotonía en el
espectador y aburrirlo.

[Link].2 Líneas inclinadas y curvas

Producen una sensación de dinamismo, de movimiento, de agitación, peligro y las curvas

de sensualidad. En general las líneas inclinadas y curvas dan relieve y sensación de
continuidad a las imágenes. Las líneas curvas y las líneas inclinadas proporcionan un
ritmo más dinámico a las secuencias de vídeo y resultan más agradables que las líneas
verticales y las líneas horizontales.

[Link].3 El aire

Es el espacio más o menos vacío que se deja entre los sujetos principales que aparecen
en una imagen y los límites del encuadre. Existen normas que conviene tener presentes
con respecto al aire, y son las siguientes:

128
- El primer plano y el plano medio hay que dejar aire por encima de la cabeza de las
personas.
- Cuando en una secuencia de vídeo los sujetos caminan, es necesario dejar un
espacio delante de ellos.

[Link].4 Regla de los tercios

Es una de las principales reglas de la composición. “Al componer un plano se debe evitar
dividir mecánicamente la pantalla en secciones regulares. Una imagen cortada en mitades
o cuartos puede producir un equilibrio monótono y tedioso”37. Según esta regla, los
personajes u objetos principales tendrían que estar colocados en las intersecciones
resultantes de dividir la pantalla en tres partes iguales de manera vertical y también de
manera horizontal. De esta manera se consigue evitar la monotonía que producen los
encuadres demasiado simétricos. A consecuencia de la regla de los tercios hay que tener
presentes los siguientes aspectos:

- Los personajes principales no han de ocupar el centro del encuadre.

- La línea del horizonte nunca dividirá horizontalmente el encuadre en dos partes
iguales

[Link].5 Simetría

Se produce cuando en un encuadre aparece repetido un elemento, de manera que uno de

ellos parece el reflejo del otro en un espejo. Las composiciones muy simétricas resultan
agradables, dan una sensación de estabilidad, pero pueden resultar monótonas. Las
composiciones asimétricas son más dinámicas, producen una sensación de inestabilidad
y pueden generar más tensión dramática.

Al componer las imágenes hay que asegurarse que los espectadores centren su atención
en los lugares convenientes y no miren demasiado los elementos secundarios.

37
MILLERSON Gerald, Ídem. Pág. 97

129
3.5.3 Profundidad de campo

Es el espacio por delante y por detrás del objeto o personaje principal que se observa con
nitidez el cual depende de tres factores:

- Distancia focal: Las cámaras con objetivos de poca distancia focal proporcionan más
profundidad de campo a las imágenes.
- La apertura del diafragma: Un diafragma poco abierto aumenta la profundidad de
campo de las imágenes.
- La distancia de los objetos a la cámara: La profundidad de campo aumenta cuando se
enfocan los elementos más lejanos y disminuye al enfocar objetos cercanos.

Una buena utilización de la profundidad de campo permite obtener interesantes efectos

estéticos, destacar determinados objetos y difuminar otros para evitar distraer la atención
del espectador.

[Link] Gran profundidad de campo.

Cuando en una imagen hay gran profundidad de campo se ven con claridad la mayoría
de los objetos de la imagen, tanto los que están más próximos al objeto principal como los
más lejanos.

La profundidad de campo es la distancia que existe desde la cámara hasta los sujetos o
elementos enfocados. Esta distancia es un rango que depende de la distancia focal de la
óptica, de su enfoque y de la apertura. Cuanto mayor es la distancia focal, más cercano
es el punto en que está enfocado, más amplia la apertura y menos profundo el campo.

La profundidad de campo es muy importante cuando se trata de encontrar a sujetos en

movimiento, como en el caso de los deportes y también cuando lo niveles de luz son
limitados. La profundidad de campo también puede usarse creativamente para excluir a
algunos sujetos situándolos fuera del enfoque pero dentro del encuadre.

130
La profundidad de campo se puede incrementar de diversas maneras:

- Cuando se aumenta la iluminación de los objetos, de manera que se pueda cerrar más
el diafragma de la cámara.
- Cuando se incrementa la distancia entre el objeto y la cámara, de manera que se
pueda enfocar a mayor distancia, pero hay que tener presente también en este caso
que se reducen las dimensiones de los objetos.
- Cuando se utilizan objetivos de poca distancia focal (gran angular).

[Link] Poca profundidad de campo

Cuando en una imagen hay poca profundidad de campo sólo se ven con claridad los
objetos situados cerca del objeto principal que se ha querido enfocar.

La profundidad de campo se puede disminuir de diversas maneras:

- Al trabajar con diafragmas muy abiertos.

- Al reducir la distancia entre el objeto y la cámara, de manera que se tenga que enfocar
a menor distancia.
- Cuando se utilizan objetivos de gran distancia focal (teleobjetivos)

3.5.4 Distancia focal

Es la distancia que hay entre el centro de la lente del objetivo enfocado al infinito y la
película fotográfica o fílmica donde se formarán las imágenes.

131
Cada objetivo tiene una distancia focal determinada. Los objetivos se pueden clasificar en:

Estos objetivos tienen una distancia focal corta. Los objetivos de gran
angular amplían el campo visual y la profundidad de campo pero
Gran distorsionan la realidad, exageran la perspectiva y hacen que los objetos
Angular parezcan más distantes y lejanos de lo que están en realidad. El uso de
este objetivo es recomendable para tomas de objetos en movimiento, ya
que permite mantener el enfoque con facilidad.

Es el que tiene una distancia focal de unos 35 mm. El objetivo normal es

el que llevan la mayoría de cámaras fotográficas ya que proporciona un
Objetivo
buen campo visual, unas imágenes de tamaño adecuado sin distorsiones
Normal
y una aceptable profundidad de campo. También son los objetivos más
habitualmente utilizados en las cámaras de vídeo.

Son los que tienen una distancia focal larga. Los objetivos de tipo
teleobjetivo acercan los elementos que enfocan pero reducen el campo
Teleobjetivo visual y la profundidad. Cuando se utiliza esta opción para hacer tomas
cercanas de la figura humana, provocar deformaciones grotescas, y es
difícil mantener el enfoque cuando se realizan tomas en movimiento.

Permiten realizar fotografías a pequeños objetos situados a muy poca

distancia de la cámara: flores, insectos. Se lo realizan mediante el zoom
Objetivo permitiendo variar su distancia focal y ajustando su comportamiento a
Macro
diversas circunstancias entre las posiciones extremas de teleobjetivo y
gran angular. En vídeo hay que evitar hacer un uso excesivo del zoom ya
que cansa y marea al espectador.

3.5.5 Continuidad

Es conocido también como raccord y hace referencia a la relación que existe entre las
diferentes tomas de una filmación a fin de que no rompan en el receptor la ilusión de
continuidad. Cada toma ha de tener relación con la anterior y servir de base para la
siguiente. Por lo tanto se debe asegurar:

132
- La continuidad en el espacio: líneas virtuales, dirección de los personajes y de sus
gestos y miradas... Por ejemplo, si un personaje sale por un lado del encuadre, en el
plano siguiente ha de entrar por el lado contrario.
- La continuidad en el vestuario y en el escenario: como las películas no se registran
siguiendo el guión secuencialmente, hay que asegurarse de que el vestuario de los
personajes y su entorno no cambien sin razón.
- La continuidad en la iluminación: que no haya cambios repentinos de tonalidad dentro
de un mismo espacio y secuencia.
- La continuidad en el tiempo.

3.5.6 Ritmo

En un material audiovisual, se consigue a partir de una buena combinación de efectos y

de una planificación variada, el ritmo es uno de los elementos que contribuirá a las
imágenes para que tengan o no atractivo para los espectadores.

Para determinar el ritmo que conviene imprimir en una filmación habrá que tener presente
el público al que va dirigida el film y las sensaciones que se quieren transmitir. El ritmo
deberá estar al servicio de la narración. Se pueden considerar dos formas básicas de
ritmo:

[Link] Ritmo dinámico

Transmite al espectador una sensación de dinamismo y acción. El ritmo dinámico se

consigue mediante la utilización de muchos planos cortos y además de corta duración. El
cambio rápido de planos dará sensación de ritmo. Hay que tener presente que el uso de
planos demasiado breves puede dificultar la comprensión de la información por parte de
los receptores.

[Link] Ritmo suave

Transmite al espectador una sensación de tranquilidad. El ritmo suave se consigue

utilizando planos largos y poco numerosos. Cuando se presenta planos largos hay que
dar más tiempo al espectador para su lectura ya que estos contienen más información
que los planos cortos. Hay que tener presente que el uso de planos demasiado largos

133
puede crear un ritmo demasiado lento y hacer perder el interés de los espectadores.
Cuando se observen dos planos de igual duración parecerá más lento el que contiene
menos información. No hay que confundir el ritmo con la velocidad con la que suceden los
acontecimientos.

3.5.7 Iluminación

“Es el proceso de control de la cantidad y calidad de luz que necesita una escena. La
iluminación se usa por razones técnicas y estéticas: para dar luz suficiente, de modo que
la cámara de televisión pueda captar la escena, y para producir una imagen agradable
para el televidente. La buena iluminación recrea la apariencia de un escenario natural y
ayuda al telespectador a entender lo que está sucediendo.” 38

Un estudio de grabación, no tiene ninguna fuente de luz porque es un lugar

completamente cerrado, por lo tanto hay que crear toda la luz necesaria para cada escena
ya que las tomas interiores exigen crear luminosidad y contraste. Para conseguir esta
iluminación se usan cuatro fuentes de luz:

- Iluminación de frente o iluminación principal que está dirigida al personaje.

- Iluminación de fondo
- Iluminación de relleno
- Iluminación posterior

La iluminación además de su valor funcional dentro de una filmación, tiene un valor

expresivo que puede resaltar o suprimir formas. Crear una atmósfera determinada que
produzca diversas sensaciones, se pueden distinguir dos tipos básicos de iluminación:
iluminación suave e iluminación dura.

En las filmaciones en el campo de acción o exteriores ya existe una luz sobre la escena
que puede ser el sol, una lámpara, un farol de la calle si es en la noche entre otros, solo
se debe añadir las luces que sean necesarias y complementar las ya existentes. Para
iluminar un acto noticioso en el lugar de los hechos, se tiene que aprovechar la luz
existente y añadir iluminación que ayude a las imágenes para que se vean naturales.

38
HERS, Carl, Producción Televisiva: el contexto latinoamericano. México editorial trillas 1999 Pág. 94

134
En días soleados, exigen controlar el contraste existente mediante el uso de reflectores
que suavicen las sombras formadas por el sol. Los días nublados son los más adecuados
para hacer registros exteriores ya que la luz es más suave y uniforme lo cual genera
menos contraste.

[Link] Temperatura del color

Cada fuente de luz tiene una determinada temperatura de color, la misma que no es
captada por el ojo humano pero la cámara ve y graba el color real, si no se realizan los
ajustes necesarios; Al no hacerlo en una escena puede aparecer demasiado azul, si
existe luz natural, roja, si existe luz de una lámpara o una tendencia a verde si la luz es
fluorescente.

Para adaptar la cámara a la temperatura de color del ambiente hay que hacer un balance
de blancos, mediante el cual se indica a la cámara cual es el color blanco. “Es importante
comprender el fenómeno de la temperatura de color por las siguientes razones:

a) Para prever el efecto que la mezcla de ciertas fuentes de luz puede ejercer sobre la
escena.
b) Para saber cuándo es necesario que el camarógrafo tenga que equilibrar de nuevo en
blanco la cámara.
c) Para comprender como modificar el color de una escena trabajando con la
temperatura del color y con los filtros que posee la cámara.”39

[Link] Iluminación suave

Llamada también iluminación tonal es una iluminación difusa que reduce los contrastes
excesivos y permite apreciar bien los detalles a la sombra. Se puede conseguir
compensando adecuadamente la iluminación principal con reflectores o focos de relleno.
Es una iluminación plana, igualada y menos dramática que la iluminación dura, y
proporciona una apariencia agradable a las personas.

39
HERS, Carl, Producción Televisiva: Ídem Pág. 95

135
[Link] Iluminación dura

Conocida también como iluminación de claro y oscuro, es una iluminación direccional que
sirve para destacar las formas, los contornos y los objetos de las personas. Produce un
fuerte contraste. Se consigue esta luz, utilizando una potente iluminación principal con
una débil iluminación de relleno. Cuando se utiliza una iluminación dura las personas
pueden aparecer con una imagen amenazadora.

El objetivo para un noticiero “se resumen en dos idea básicas: se usa la iluminación para
incrementar el nivel de iluminación que cae sobre una escena lo suficiente para que lo
capte una cámara de televisión y para manejar la luz sobre el sujeto y así crea una
imagen agradable.”40

3.5.8 El color

El color de los objetos se produce por la luz que estos reflejan. Los objetos que no reflejan
la luz aparecen de color negro. Los colores producen de manera inconsciente diversos
sentimientos y sensaciones. Se pueden considerar dos sistemas de registro cromático:

- Aditivo: el que se usa en la imagen electrónica (rojo, verde, azul)

- Sustractivo: el que se usa en la pintura (azul, rojo, amarillo).

Cuando se crean imágenes conviene definir los colores puros que se utilizan, si se usa un
solo color dominante, se podrá centrar mejor el interés en la idea principal. Entre las
principales propiedades de los colores están:

- La tonalidad, que diferencia un color de otro.

- La saturación, que representa la fuerza del color, su grado de pureza o de mezcla con
el blanco.
- La luminosidad, que es la mayor o menor capacidad que tiene para reflejar la luz.

40
HERS, Carl, Producción Televisiva: Ídem Pág. 100

136
Según su tonalidad los colores se pueden clasificar en dos grupos:

[Link] Colores cálidos

En general los espacios con colores cálidos parecen más grandes, cercanos y pesados.
Además resultan excitantes y estimulantes.

- Blanco: es el color de la luz y de la claridad. Se asocia a limpieza, pureza, paz, calma.

- Amarillo: es el color del sol y llama la atención por su brillantez. Evoca alegría,
vitalidad y diversión. También es el color de la riqueza, ya que el oro es amarillo.
- Naranja: sus tonalidades suaves transmiten una sensación agradable de ambiente
familiar y de confort. Por otro lado como es un color muy visible se usa para señalizar
peligros y llamar la atención.
- Rojo: es el color de la sangre y del fuego. Se relaciona con la acción, el coraje, la
pasión y el dinamismo. Comunica sensaciones de excitación, agresividad, movimiento
y en algunos casos peligro.

[Link] Colores fríos

En general los espacios con colores fríos parecen más pequeños y lejanos. Y generan
sensaciones tranquilas y calmadas.

- Verde: es el color de la naturaleza que tranquiliza y relaja. También se asocia a la

esperanza, salud, vitalidad, seguridad.
- Azul: el color del cielo y del mar. Simboliza cosas grandiosas, autoridad, lealtad,
dignidad, el infinito. Cuando es claro relaja y proporciona frescor, seguridad y
confianza; cuando es oscuro resulta triste.
- Violeta: se relaciona con ambientes elegantes o lujosos.
- Gris: color neutro, metálico. También evoca falta de color, tristeza, pobreza.
- Negro: tiene dos significaciones principales. Por una parte se relaciona con el misterio,
la ignorancia, el miedo, la soledad, la oscuridad, la muerte, terror. Pero también se
asocia a poder, dominio, elegancia.

137
3.5.9 Movimientos de cámara

Un movimiento de cámara siempre debe llevarnos de un punto de interés a otro. Ya que si

lo realizamos sin esos dos puntos de importante referencia solo perderemos el tiempo y
también haremos perder al espectador. Existen varios movimientos de cámara los mismos
que se clasifican en físicos y ópticos:

MOVIMIENTOS

Físicos Ópticos

Panorámica Zoom

Horizonta Vertical Zoom-in Zoom-out

[Link] Movimientos físicos

Panorámica: consiste en un movimiento de rotación de la cámara hacia la derecha y hacia

la izquierda. Normalmente la cámara está situada sobre un trípode y gira alrededor de su
eje. La toma panorámica tiene un gran valor descriptivo y también puede tener valor
narrativo. Es decir sirve para mostrar el entorno en el que se desarrolla la acción pero
deben conducirnos de un punto de interés relevante que sirva de narración hasta otro
punto de importancia.

Panorámica horizontal: llamado también paneo, es un movimiento de lado a lado que

permite a la cámara mostrar una escena que comienza con una toma firme y después se
mueve horizontalmente con suavidad, para concluir en una toma de nuevo estable. Tanto

138
la toma estática inicial como la final deben ser de importancia y tener significado ya que
están atrayendo la atención del público y creando una expectativa.

Estas tomas permiten capturar imágenes más amplias y mover un objeto a otro de forma
horizontal, además se utiliza para seguir una acción. Al igual que todo movimiento de
cámara es necesario practicar antes de filmar, para este movimiento se debe tener
decidido los puntos en donde comienza y en donde termina la toma panorámica. “En las
tomas que duran más tiempo, el espectador se da cuenta de la relación del sujeto con el
entorno. Se puede desarrollar una interacción visual entre el sujeto y el decorado en
movimiento aparente, y crear así un impacto dinámico mutuo”.41

Panorámica vertical: “es un movimiento de de la cámara que recorre en objeto rotación de

arriba hacia abajo o viceversa”,42 de forma similar a la panorámica horizontal. La pantalla
de televisión al ser más larga horizontal que verticalmente, tiene dificultades al captar
imágenes u objetos altos, para lo cual se utiliza este tipo de tomas.

Traveling: es un desplazamiento de la cámara hacia adelante o hacia atrás de la acción".

Se obtiene cuando la cámara se monta sobre un carrito sobre rieles lo cual permite su
desplazamiento para poder seguir la acción. Tiene un gran valor expresivo, da relieve y
perspectiva narrativa. También puede aportar un valor narrativo.

La realización de este tipo de tomas implica trabajar con la cámara al hombro por lo cual
es necesario la ayuda de una persona para que movilice el carrito en el que se encuentra
camarógrafo. También se puede realizar desde una grúa o sobre cualquier otro soporte.
Sirve para seguir el movimiento de un objeto de interés (una persona, un vehículo...) a su
misma velocidad.

Es recomendable realizar esta toma con un ángulo abierto para disminuir el movimiento.
Se lo puede realizar de diversas formas:

- Avance/retroceso: la cámara se mueve adelante hacia atrás desde un sitio lejano a

uno más cercano o al revés.

41
MILLERSON Gerald, Técnicas de realización y producción en televisión. Instituto oficial de radio y
televisión, Madrid-España 1987. Pág. 77
42
HERS, Carl, Producción Televisiva: el contexto latinoamericano. México editorial trillas 1999 Pág. 44

139
- Ascendente/descendente: la cámara acompaña al personaje en movimientos hacia
arriba o hacia abajo siguiendo la acción.
- Lateral: la cámara acompaña en paralelo a un personaje que se desplaza
horizontalmente. Permite mantener cerca la expresión del personaje que se mueve.
- Circular: la cámara se desplaza en círculo alrededor del personaje

[Link] Movimientos ópticos:

Zoom: es aquel movimiento que se realiza con objetivos variables u objetivos zoom que
tienen las cámaras. El zoom permite hacer que los objetos se acerquen o se alejen sin
desplazar la cámara, a este tipo de movimiento se le conoce también con el nombre de
traveling óptico. Hay que tener presente que a diferencia del traveling, con el zoom, los
objetos que se acercan se comprimen, la perspectiva no cambia, simplemente
conseguimos hacer más grande una porción de la imagen, sin embargo, este recurso da
como resultado un efecto muy poco realista. El uso del zoom debe limitarse al mínimo en
lo posible nunca utilizarlo dentro de un plano. El zoom sirve para variar la distancia focal
de la lente sin tener que cambiarla.

Zoom-in: “utiliza la capacidad del zoom para cambiar la longitud focal de ángulo amplio a
telefoto. El zoom-in comienza con una toma general o plano medio y después dirige la
atención al público hacia algún detalle dentro de la escena”43 realizando un acercamiento
o técnicamente hablando estamos realizando un close-up. El camarógrafo debe realizar
una panorámica horizontal o vertical para encuadrar el detalle final a menos que el objeto
final a enfocarse este exactamente en el centro del encuadre. Para este tipo de tomas es
indispensable la utilización de un trípode.

Zoom-out: es lo inverso del zoom-in. La toma comienza en un close-up o toma cerrada y

luego, “utilizando la capacidad de la lente en zoom para cambiar internamente la longitud
focal la imagen se amplía hasta convertirse en plano medio o general”44, mientras la toma
se va ampliando va mostrando todo el entorno al espectador. Hay que tener mucho
cuidado al realizarlo ya que el agrandamiento de las imágenes puede distraer la atención
del espectador.

43
HERS, Carl, Producción Televisiva: Ídem. Pág. 44
44
HERS, Carl, Producción Televisiva: el contexto latinoamericano. México editorial trillas 1999 Pag 45

140
Hay que evitar abusar del zoom, ya que los excesivos movimientos de acercamiento y
alejamiento de las imágenes cansarán al espectador.

3.5.10 El audio

La realización de una toma de sonido es muy compleja, porque depende de varios

aparatos electrónicos como micrófonos, sistema de amplificación entre otros “la captación
y reproducción de sonido es un problema de calidad e inteligibilidad de la voz original. En
definitiva, un problema de fidelidad”

Ciertas fuentes sonoras producen tonos puros, pero la mayoría de fuentes emiten sonidos
complejos, los sonidos momentáneos como estallidos, explosiones, etc. Contienen una
amplia e irregular mezcla de frecuencias. La calidad depende del sistema de audio y su
comportamiento con respecto a la fuente que emite el sonido; lo ideal sería reproducir
exactamente el audio generado, pero los sistemas de sonido modifican su calidad debido
al aumento o reducción del volumen, la suma de señales no puras que se escuchan y se
llaman distorsiones.

[Link] El sistema de audio

El margen de volumen que un sistema puede manejar es limitado, cuando es muy alto los
sonidos producirán “distorsiones de sobre-modulación”, demasiada amplificación de la
señal, produce tonos elevados y deformados. Y cuando el volumen es demasiado bajo la
señal de sonido se perderá. Por lo cual es recomendable no acercar demasiado el
micrófono a la fuente además se debe evitar sobre-modularlo o sub-modularlo. La
ubicación del micrófono debe ser la adecuada. La intencionalidad de un técnico de sonido
es conseguir una acústica adecuada, pero esta varía dependiendo el lugar en donde se
realice la grabación.

Estudios reverberantes: llamado estudio vivo, en este se reflejan fácilmente todos los
sonidos; deseados como conversaciones, música, efectos y los no deseados como;
movimiento de cámaras o cables, pasos del equipo de trabajo. Estos ruidos son llamados
reflexiones acústicas y cuando son demasiado fuertes pueden dañar el sonido original y
reducir su fidelidad o “inteligibilidad”.

141
Estudios muertos: “los sonidos reflejados solo se pueden evitar por completo en un
45
espacio libre, o en habitaciones altamente absorbentes y con superficies múltiples” para
eliminar la mayor cantidad de reflexiones acústicas se utilizan materiales que absorben el
sonido y ubicarlos en determinados lugares elegidos, esto ayuda que los sonidos de los
platós televisivos sean convincentes. Aunque estos estudios son muy fatigosos para los
actores y presentadores que trabajan ahí.

El estudio adecuado no debe llegar a ninguno de los dos mencionados y si la grabación

es en los exteriores existe una variedad acústica en el ambiente, por esta razón se deberá
escoger el micrófono adecuado y una ubicación exacta para obtener un buen sonido.

[Link] El micrófono

Es un transductor acústico-eléctrico, es decir, un dispositivo que transforma una energía

mecánica o acústica en eléctrica, el micrófono es el primer paso de la cadena de
grabación del sonido. La calidad y el correcto uso del micrófono, dependerá en el
resultado final grabación.

Antes de la utilización de un micrófono hay que conocer sus características:

1. Propiedades físicas: el tamaño es un factor muy importante si es muy robusto, suele

tener mayor fidelidad, pero puede ser un obstáculo cuando este aparece en la imagen,
se puede generar un ruido, al momento que se tiene en la mano un micrófono muy
sensible.
2. Calidad de audio o fidelidad: el micrófono debe abarcar todo el ámbito de audio con
una buena transmisión, limpieza en el sonido y reproducir fielmente sin distorsiones.
3. Sensibilidad y direccionalidad: está establecida por la amplitud de la señal de audio
que produce, para un volumen de sonido determinado. La direccionalidad se basa en
el diafragma de sensibilidad del micrófono; Por lo cual existen de tipo direccional y
omnidireccional para una utilización dependiendo en el uso que se le dé, existen
ciertos micrófonos que tienen una directividad regulable.

45
MILLERSON Gerald, Técnicas de realización y producción en televisión. Instituto oficial de radio y
televisión, Madrid-España 1987. Pág. 288

142
4. Facilidades operativas y de instalación: al momento de instalar varios equipos de
sonido suelen presentarse problema de acoplamiento ya que no todos los conectores
son iguales por lo que se debe tener varios adaptadores los más comunes son los
mini, fono, RCA, DIN, Canon.

La elección del micrófono está reflejado en su marca y directamente en el uso que se le

va dar, no existe uno para todo uso o toda situación, así que existirá diferentes modelos
de micrófonos para cada propósito, como por ejemplo: para un pedestal, para una mesa,
reportaje, etc.

[Link] Audio en un programa de televisión

Los programas de televisión contienen material hablado, música, efectos especiales entre
otros y variara dependiendo el tipo de programa que se realice y para todos estos hay que
preparar el material de audio que son de distintos tipos:

- Dialogo: es la captación de audio directamente de las personas que están enfocadas

en la toma.
- Voces en “off”: audio que entra en la toma pero la persona que lo realiza esta fuera de
la misma.
- Superposición de voz: es la realizada por el comentarista o presentador que explica o
hace acotaciones sobre lo que se está presentando.
- Efectos incidentales: son los que se realizan a medida que se va desarrollando la
acción como un teléfono, timbre, etc. Dependiendo el tipo de toma realizada y que son
creados según las necesidades o se producen espontáneamente sin necesidad.
- Música en primer término: el que se produce porque alguien simula o toca un
instrumento.
- Efectos de fondo: son todos los sonidos atmosféricos.
- Música de fondo: producida por una fuente de audio y es conocida también como
música ambiental.
- Efectos especiales: son todos los sonidos creados para simular determinado objeto o
algún ser como fantasmas, robots, etc.

Partiendo de la forma operacional, el material de audio para la realización de programas

televisivos puede manejarse de varias formas.

143
[Link].1 El método directo

Es el más sencillo en el cual “se puede uno limitar, sencillamente, a producir el sonido en
el estudio durante la grabación; delante de un micrófono o reproduciéndolos y efectuando
46
las mezclas en los discos y cintas según se vaya necesitando.” para este método se
debe preparar la música, los efectos y todos los sonidos que se vayan a utilizar o en su
defecto se puede preparar una cinta, en el cual se mezcle varias pistas o discos, para
luego ser reproducidas en un momento determinado.

El inconveniente de este método, es que se produce una pista de sonido compuesta y si

luego realizamos una edición se perderá la continuidad. Si en una escena muy larga se
cortar una parte de ella, se producirá un salto de música. Por lo tanto si esta en planes un
proceso de edición es mejor no agregar música y diversos efectos durante la grabación.

[Link].2 Método post edición

Dejar el montaje de audio, de música y los efectos para cuando vamos editar el video, nos
permite añadir el fondo y efectos al paso final del material; aunque que este método
proporcione mayor flexibilidad, pero nos toma más tiempo. También se puede modificar el
audio durante la sesión de edición, aunque resultan costosas y se invierte mucho tiempo
por lo que no es muy aconsejable, a menos que sea un filme corto o sencillo.

[Link] Técnicas de televisión para un noticiero

Independientemente de las variaciones que pueda sufrir las noticias a lo largo del día se
debe realizar la misma estructura en cualquier noticiero: lo más importante es lo que se dice
al principio, para continuar con la enumeración de la actualidad por bloques de noticias;
bloques que no son otra cosa que agrupaciones de asuntos que hacen referencia a un
mismo tema o similares.

En todo medio televisivo los avances y las fórmulas que se utilizan para enganchar al
televidente, no son más que “aperitivos” de la edición del noticiero al que sigue; la

46
MILLERSON Gerald, Ídem. . Pág. 269

144
información que se haya difundido mediante cualquiera de estos procedimientos necesita un
mínimo de reposo, para que el espectador reflexione sobre ella.

La audiencia requiere una información ordenada, valorada, elaborada y lista para su

consumo. Por razones de tiempo, el espectador prefiere que se le resuma la actualidad de la
manera más conveniente y sencilla. La información, necesita ser “vestida” para hacerla
presentable. Y esto es lo que se debe hacer en las ediciones del noticiero, conocido también
como telediario.

El estudio de continuidad: actualmente los avances como los boletines son como una
estructura “menor” o pequeña dentro de los espacios informativos, se realizan desde el
llamado estudio de continuidad que no es más que “un plató de reducidas dimensiones, en el
que apenas caben dos presentadores y sus cámaras. La robotización de los estudios y la
escenografía virtual han cambiado el panorama de estos estudios. En la actualidad suelen
ocupar una sala continua de redacción y no necesitan muchos metros cuadrados para
proporcionar.”47

Básicamente la escenografía virtual consiste en un programa informático, sobre el que se

dibuja o incrusta el fondo en segunda o tercera dimensión sobre lo que queramos que
aparezca detrás del presentador. Este programa debe estar coordinado con la iluminación
del estudio y con las cámaras, de tal forma que los cambios de luz y sombras también se
reflejen en el cuadro electrónico y los cambios de plano de las cámaras, que producen
variaciones en el tamaño y en el ángulo.

[Link].1 Ventajas de este sistema

Reduce el presupuesto de construcción de decorados. Permite el cambio de decorados

instantáneamente, con sólo seleccionar otro archivo.

Hace que el espacio donde se desarrolla el programa parezca mucho más grande de lo que
en realidad es. La escenografía virtual ha terminado con la estructura antigua “ya que eran

47
PEREZ, Gabriel. Curso básico de periodismo audiovisual. España: EUNSA, 2004. pág.
73.

145
más las interferencias que se observaban que la información transmitida con propiedad:
técnicamente se llama «ruido» a todo lo que interfiere en la comunicación; en este caso se
trata de connotaciones que resultaban tan fuertes que podían distorsionar la denotación
principal pretendida: el mensaje que el presentador emite.”48

En el mismo sentido de la distracción, los editores de noticias descubrieron, que los

monitores de televisión con imágenes reales en su interior distraían a los telespectadores.
Por esta razón se cometió el error de dar pistas a la audiencia de lo que se estaban
transmitiendo en otras canales de televisión.

Motivo por el cual las emisoras que siguen usando pantallas de televisión como decorado
tratan de colocarlas ahora a la suficiente distancia como para que no se distingan sus
contenidos o los alimentan con imágenes insustanciales que no identifican su origen y
también en estas se emiten imágenes que forman parte del programa como logos.

Estructura del noticiero televisivo: el público no admite que la emisión de las noticias se
transmita en forma de interés decreciente, de lo más importante a lo menor, por que llegará
un momento en que la noticia que se está emitiendo empiece a aburrir y termine por perder o
desconectar al espectador.

Tampoco se pueden emitir noticias mezcladas, tratando temas informativos diferentes por
que el espectador se puede confundir o perderse; estaría mal estructurado comenzar con
una noticia de política, pasar a otra de cultura y luego pasar a una crónica.

Lo correcto es agrupar la emisión de noticias en bloques, de esta forma poder asegurar el

equilibrio en el interés, ya que cada bloque comenzará con la noticia más importante
suscitada en el día.

El bloque de un noticiero es similar a lo que en los periódicos o revistas se llama “sección”.

La práctica que se da en los noticieros adopta el modelo o la estructura de los periódicos: en
la primera página, se expone los contenidos de la publicación, titulares o sumarios del
informativo que dan un recuento de las noticias más importantes de los bloques más

48
PEREZ, Gabriel. Ídem. Pág. 74.
146
significativos. La técnica del titular es una forma de enganche a la audiencia para que
permanezca atenta, a la espera de que se emita la información completa de lo presentado.

Una vez que el informativo está en marcha, comienza la sucesión de bloques, en la que
caben muchas posibilidades de ofrecer el máximo posible de información, la pantalla tiene
características especiales para identificar el bloque en el que se encuentra el programa; en
un informativo se debe contar con un elemento que permita la transformación entre bloques
y que sea fácilmente visto por los espectadores, con un fondo sonoro y con capacidad
suficiente para alertar al público sobre lo que viene a continuación; algo que identifique como
parte del segmento temático, aunque esta percepción no fuese del todo consciente.

La selección y valoración de las noticias, antes de realizar la edición del noticiero se realiza
una selección general de las noticias y se agrupa por su contenido temático, para que luego
sean distribuidas en bandejas que van a parar a cada una de las secciones del medio ya
sean de política, economía, laboral, internacional, sucesos, tribunales y deportes. Cada área
de trabajo selecciona aquellos temas que considera necesario incluir en su bloque, para ello
valora el contenido da cada nota informativa, basándose en criterios de inmediatez como el
tiempo y el espacio en los que sucedieron. La importancia de un suceso disminuye con la
distancia del lugar y del tiempo en el que se produjo.

Finalmente el editor recoge las propuestas y se encarga de acoplar el orden y los tiempos
previstos para cada información. Para su realización se tienen en cuenta “aspectos que
hacen referencia a cuestiones de ritmo del programa, oportunidad política, competencia con
otras cadenas, posible incidencia comercial y en definitiva todo aquello que pueda afectar a
la línea editorial del medio.”49

El minutado: El editor es la persona que se encarga de organizar el material a emitirse,

coordinado siempre con el director y lo hace de acuerdo con el material escogido
previamente para cada bloque. El editor es la persona encargada de ordenar los titulares y la
sucesión de bloques, quien busca el ritmo, la continuidad y en general es quien “decora o
viste” todo el informativo.

49
Pérez, Gabriel. Ídem. Pág. 81.
147
Al minutado se le conoce también como escaleta y no es otra cosa que una sucesión de
contenidos y de tiempos en la que el editor declara las intenciones del informativo. El
dominio de su técnica supone el éxito o el fracaso del informativo porque en la escaleta se
contempla la selección de las noticias, el orden en que se van a emitir, su duración y lo que
determinará el ritmo.

Algo vivo: al tratarse de información reciente, las noticias van abriéndose paso por entre las
ya establecidas simultáneamente al tiempo que se está preparando la emisión del noticiero.
Las notas de última hora son las que más se aprecian, con la esperanza de que las cadenas
de la competencia no tengan la capacidad de reacción y no lleguen a cubrir alguno de los
acontecimientos imprevistos.

La mecánica de incluir las novedades que se produzcan en el minutado se realiza de

acuerdo a la escaleta, término tomado de la cinematografía, en el que consta el plan de
grabación que se elabora antes de cubrir un reportaje, en ella se suelen hacer constar las
distintas localizaciones en las que se deberá captar, información de las personas a quienes
se va entrevistar y todos los detalles sobre los que se quiera tratar en el reportaje, cuya
imagen necesitaremos montar.

Las noticias de última hora desplazan a las ya previstas, de forma que las antiguas se caen,
desaparecen de la escaleta. El editor es el que debe considerar esta oportunidad, las
noticias imprevistas obligan a recomponer los tiempos asignados al resto de las
informaciones. Se mantiene el esquema previsto, pero se alarga la duración del informativo
pero trae consigo consecuencias como el tener que reestructurar la programación que sigue
y sus correspondientes bloques publicitarios.

Lo frecuente es que el minutado tenga varias modificaciones, lo que es bueno: “un

informativo que se diseña con cinco o seis horas de anticipación y que se emite tal cual fue
pensado indica que está muerto, que la competencia va a tener prácticamente lo mismo, o
que no ha ocurrido nada relevante que un espectador mínimamente al tanto de la actualidad
no sepa ya.”50 El editor debe tomar estas decisiones y mantenerse al tanto del estado de
elaboración de cada una de las noticias previstas, de tal forma que en el momento de
presentarse notas de última hora pueda realizar cambios sobre el minutado inicial.

50
Pérez, Gabriel. Ídem. Pág. 83
148
Los picos de interés: el orden que se edita al minutado es de gran importancia para
conseguir un buen resultado final. El editor tiene que calcular la importancia general de cada
bloque para poder situarlo a lo largo del programa, de acuerdo a una estrategia de equilibrio
en el interés de la noticia.

Una vez preparado el orden de los bloques, el editor establece la noticia más importante de
cada uno de ellos, para colocarla en primer lugar y seguir después alternando informaciones,
manteniendo el interés del espectador. La sucesión de bloques determina que se den
momentos (picos) de interés al comienzo de cada uno de ellos, con esto se trata de asegurar
la fidelidad de la audiencia al programa. Los picos corresponden a las noticias de inicio de
cada bloque, por lo que se debe estructurar el orden de las noticias de modo que sean
capaces de sorprender al espectador, presentándolas de forma atractiva, uniéndolas unas a
otras cuando sea preciso o estableciendo la necesaria distancia.

El editor debe programar un espacio con bloques que funcionan de acuerdo con el interés de
la audiencia. Por esta razón, el minutado debe elaborarse calculando los contenidos y su
grado de interés, de manera que los altos y bajos fluyan por el programa con normalidad, sin
tiempos excesivos que produzcan aburrimiento o cansancio. Además, el editor debe tener en
cuenta que las cadenas de la competencia, están tratando de hacer un producto más
atractivo y llamativo que el suyo.

La curva de la audiencia: la emisión televisiva se produce en el tiempo de tal manera que los
programas arrancan con un número de espectadores determinado y si el programa funciona
bien, el número de espectadores debe ir creciendo a medida que se desarrolla. Esto se
produce ya que algunos espectadores “caen allí” casualmente después de cambiar de canal
lo que es conocido como “zapping” y se produce debido a que no están contentos con lo que
emiten otros canales, de los espectadores que quieren verlo todo al mismo tiempo o de los
que acaban de encender el aparato de televisión.

“Por este motivo, las paradas, los cambios de ritmo, las pausas publicitarias y otros
elementos de corte son auténticos peligros para mantener la atención de la audiencia. Se

149
corre el riesgo de dejarla perdida en otras cadenas.”51 El objetivo principal del editor consiste
en mantener retenida a su audiencia y aumentarla.

Entonces, si la noticia principal del día es la que primero se emite tendrá menor audiencia
que las noticias menos importantes que se presentan al final, coincidiendo con el mayor
número de espectadores que han ido sumándose. Por esta razón, en muchos medios se
repitan los titulares de entrada al final del informativo. Esta técnica además de mantener al
espectador sirve para que los espectadores retengan lo más importante del día.

Captación de la audiencia: al realizar un avance informativo resulta difícil captar a la

audiencia, dado el corto tiempo en que se emiten los informativos. Sin embargo sería muy
fácil perderla cuando se hace mal, posiblemente la pérdida de audiencia no se produzca en
el mismo momento de la emisión. Un tono monótono del presentador o la falta de interés
pueden arruinar el corto tiempo que se emplea en el informativo, los cuales que deben ser
gran atención del público.

No siempre hay noticias extraordinarias para mantener un ritmo frenético en cada micro-
informativo. Como su duración es tan corta se pueden programar las noticias de manera
lineal. En programas informativos de mayor duración no es aconsejable una estructura lineal,
ya que mientras transcurre el tiempo de la emisión se nota fácilmente cualquier ruptura que
se produzca, por eso necesitan una estructura diferente.

Una técnica para captar y mantener a la audiencia es la utilización de las llamadas anclas.

Anclas: las anclas son “elementos que se sueltan en un momento determinado y se recogen
más tarde, en la confianza de que los espectadores se hayan aferrado a ellas y aguanten
52
pendientes de esa sujeción hasta que vuelvan a aparecer en la pantalla”. Este recurso se
debe usar en forma de pequeños flashes en los que se atiende no sólo a los contenidos más
importantes, sino también a aquellas informaciones que tienen más calidad. En el caso de
que el producto esté mal hecho, su resultado final vendrá dado por el ritmo que se logre
grabar y ese ritmo sólo se consigue con la selección de las noticias y la duración que se les
concede.

51
Pérez, Gabriel. Ídem. Pág. 84
52
PEREZ, Gabriel. Ídem. Pág. 75
150
El ancla publicitaria: Todos los medios de televisión incluyen publicidad en sus informativos.
Los costos que adquieren los spots en los noticieros son representativos por los que los
gerentes comerciales no se resisten a contratarlos; aunque estos suponen un problema a la
hora de organizar el telediario y además se corre el riesgo de perder sintonía ya que la
audiencia no admite muchas interrupciones por lo que pueden hacer uso del control del
televisor para conectarse con otros canales.

La técnica de enganche suele venir de la mano del presentador, lo realiza antes del corte
publicitario para anunciar a la audiencia qué va a venir a continuación, el mismo dirá de
manera un tanto incompleta que luego o entre la publicidad se dará información de una
noticia espectacular, curiosa, sugestiva y esta explicación deberá estar acompañada de una
selección de las imágenes más atractivas pero que no terminen de desvelar la totalidad de la
historia que se está proponiendo. El objetivo es incitar la curiosidad, llamar la atención del
espectador para que permanezca fiel a la emisión presentada y no cambie de canal durante
la duración de la publicidad, y siga viendo hasta el final del telediario.

Al haber captado el interés de la audiencia por la información, existen técnicas para

mantener al espectador al día en “noticias”.

La noticia: similar a los flashes informativos pero con la particularidad de que su emisión se
hace siempre dentro de los bloques publicitarios. En un máximo de medio minuto, casi como
si fuera un spot, después de un anuncio viene un elemento de separación que introduce a
un presentador que lee una noticia y simultáneamente se emite su correspondiente imagen;
el presentador termina su intervención enganchando al espectador al próximo bloque del
noticiero y con una nuevo elemento de separación vuelve a dar paso a la publicidad.

“Es la fórmula de la noticia, que con denominaciones distintas en cada cadena, aparece y
desaparece de las emisiones sin que se conozcan sus causas.”53

Al día en imágenes: sigue el mismo esquema, si bien no necesita utilizar el estudio, ya que
aquí no existe la intervención del presentador. Consiste en la selección de noticias sin texto
en off, que se emiten con su respectivo sonido ambiente y mediante elementos escritos se

53
PEREZ, Gabriel. Ídem. Pág. 76
151
indica el lugar donde ocurre o cualquier dato clave que sirva para comprender lo que se
propone en este corte. Estas fórmulas no son una necesidad informativa, se trata de un
recurso para ajustar la parrilla de emisiones y también como un instrumento de marketing
que sirve de enganche para que la audiencia soporte el bloque publicitario en el que se fija.
Una vez que el espectador observa una de estas noticias o imágenes del día,
inconscientemente puede esperar que al día siguiente, más o menos a la misma hora, pueda
repetirse.

3.5.11Técnicas del presentador

El presentador de un espacio informativo debe poseer fundamentos de tal forma que los
espectadores consideren verídico todo lo que este expone. Para lograr autoridad se requiere
de un trabajo serio en busca siempre de la verdad de los hechos y la manera adecuada de
transmitirla.

El papel esencial del presentador es introducir noticias de acuerdo a lo planteado; es quien

saluda a la audiencia al comienzo de la edición y quien termina despidiendo el programa.
Además maneja las entrevistas que tengan lugar en directo y será quien se ocupe de la
continuidad del informativo, durante las posibles conexiones con los reporteros del medio
que estén desplazados en diversos lugares donde se haya suscitado una noticia y estos
sean merecedoras a un enlace en vivo.

Es necesario ciertas cualidades que corrijan lo que se consideran defectos tales como:

- una dicción perfecta

- leer el teleprompter sin que se le note el rastro de la mirada
- mantener una postura erguida
- una actitud impecable
- un aspecto cuidado
- vestir bien
- saber mirar a la cámara
- saber controlar su gestualidad

152
[Link] La telegenia

Es la capacidad que una persona tiene para atravesar con éxito las barreras del medio, la
televisión. Se entienden que la telegenia es la expresión de sinceridad que tiene cada
presentador frente a la cámara.

Los presentadores deben controlar y mantener una actitud acorde con lo que la audiencia
espera de ellos. No por esto se mantendrá una postura rígida frente a las cámaras, cada vez
se tiende a demostrar mayor naturalidad manteniendo una expresión como la gente común.
Al igual que los personajes de ficción que son conocidos por el público, nadie esperará de
superman que haga algo contrario a lo que indica su papel, el presentador tiene su papel ya
estipulado.

Se trata de personas en las que la edad no juega un papel determinante. Cada vez es más
frecuente que sean gentes con algunos años de experiencia quienes se hagan cargo de
estas labores. Los jóvenes de hace diez o quince años que han seguido con esta tarea
tienen ahora esos años de más, porque los periodistas comienzan a trabajar por regla
general en pequeñas emisoras, para poder llegar a los grandes canales, después de haber
demostrado lo que saben hacer.

“Los presentadores no son monstruos impasibles ni actores de teatro. La audiencia espera

noticias, pero no un repertorio de caras y gestos «puestos» para la ocasión. Tampoco
admite, por ejemplo, informaciones de tragedias como si no ocurriera nada en la cabeza o en
el corazón del presentador. En definitiva, la audiencia espera ver rasgos de humanidad
controlada en la cara del presentador, en su tono de voz, pero no de manera aparente: tiene
que dejar constancia del dominio que puede ejercer sobre sí mismo.”54

El presentador debe dominar la técnica de la televisión, sus relaciones con el control de

realización y el plató mismo donde se encuentra. El editor deberá controlar el monitor del
estudio para seguir desde su pantalla todo lo que está saliendo al aire, esto tiene que hacerlo
mientras está dirigiéndose a la cámara. Por último, deberá dominar la lectura del
teleprompter, sin que le delaten los movimientos de sus ojos. En síntesis, el presentador

54
PEREZ, Gabriel. Ídem. Pág. 89

153
debe ejercer el difícil ejercicio de normalidad que es tan complicado de conseguir como de
definir.

[Link] Posición frente a la cámara

Luego de haber sido maquillado dentro del estudio, el conductor debe buscar su lado bueno
con ayuda del director. La cabeza humana es ligeramente asimétrica o desigual por lo tanto
una mitad es más fotogénica que la otra. Esto significa que desde el punto de vista estético,
existe una mitad de la cara que comunica mejor, esa mitad es la que deberá explotar, es por
eso que el centro de interés del espectador se dirige a los ojos.

Hay que tener en cuenta que los ojos del presentador están trabajando no sólo para
comunicar, sino para que no se note que está leyendo el teleprompter. Su postura frente a la
cámara deberá ser erguida, pero sin aparentar sensación de rigidez. Sus ojos deberán estar
a la misma altura que el objetivo de la cámara que le va a tomar en primer plano, para evitar
que el mentón desfigure la perspectiva del rostro o que la imagen del presentador quede
reducida.

[Link] Técnicas de locución

Los profesionales de la radio y de la televisión deben esforzarse por tener una dicción nítida
que haga agradable la recepción del mensaje y que permita su comprensión. Para que el
ritmo del informativo sea el adecuado, la velocidad a la que habla un presentador o un
locutor de televisión, es el doble de rápida que la que se produce en una conversación
normal. Por lo cual debe dominar la técnica de la entonación, de manera que las distintas
tonos que haga y las variaciones en la altura o intensidad del tono de la voz permitan a la
audiencia la mejor comprensión posible de lo que dice y en el mismo sentido en que se creó
el mensaje.

Para llevar a cabo una correcta entonación, el presentador deberá estar acostumbrado a
detectar los grupos fónicos que son la parte fundamental de la cadena hablada que se
encuentra entre dos pausas, de manera que identifique perfectamente el tipo de pausa que
debe hacer en la lectura y la forma de continuar después. Es precisamente en esas pausas

154
en las que las palabras pronunciadas adquieren sentido y esas palabras se dan dentro de
un periodo, las que determinan el tipo de tono con el que deberá seguirse.

Es necesario tener mucho cuidado en las redacciones con los signos de puntuación ya de no
ser así los resultados son las noticias que no se comprenden. Además de estos errores
notorios existen otros defectos, que deben ser tomados en cuenta un presentador con la
locución tales como:

Monorritmia: propia de la lectura de algo que ya se conoce suficientemente como, por

ejemplo, determinados rezos.

Monotonía: también conocida como lectura plana, en un mismo tono, sin usar la curva
melódica.

Golpe de” stacato”: consiste en la atribución de acentos tonales a sílabas que no los deben
contener y que producen una lectura resumida

[Link] La respiración

La respiración es un elemento vital para todo presentador sino lo hace esta puede causar
problemas, la respiración debe realizarse de la siguiente forma:

Inspiración correcta; amplia, suave, silenciosa y se lo realiza con los músculos abdominales
y no con los pectorales. Es lo que se conoce popularmente como respirar con el estómago
para poder conseguir que el diafragma se desplace hacia abajo y así aumente la capacidad
de los pulmones, con esta misma técnica de respiración se puede controlar los músculos
que determinan la salida de voz, empujando al intestino delgado y al estómago, a su vez
desplazan al diafragma y a las bases pulmonares

Con el control que pueda ejercer estos músculos el periodista podrá alargar la longitud de los
grupos fónicos que pueda pronunciar, entonando con sentido y sin sensación de ahogo. Esta
técnica debe ser aprendida tanto para leer un off, como para hacer una locución en directo.

155
[Link] Elementos de interés

Los elementos son buscados para suscitar el interés de los mismos contenidos que se
encuentran en la noticia. Estos elementos busca lo más llamativo, lo curioso o lo
espectacular, suelen buscar también comparaciones y ejemplos que hacen referencia a
cuestiones morbosas o chistosas que no se ven exactamente reflejadas de esta forma se
consigue llamar la atención del espectador y podemos mantenerlo fiel a la emisión.

Aunque de esta forma se consiga llamar la atención del espectador y mantenerlo fiel a la
emisión, esta técnica no debe ser frecuente ya que si esa es la tónica general del
informativo, el resultado a largo plazo será el del rechazo de los espectadores por la
decepción que produce el anuncio de lo que luego no viene, esto es conocido como
amarillismo.

[Link] IN SITU

Es la intervención que el periodista hace desde el lugar donde se produce la noticia, dando
su propia imagen para subrayar cualquier elemento. Llamada también entradilla de calle,
tiene el valor de exclusividad de las imágenes de la noticia para el canal o medio que las
emite. Tiene el valor de demostrar que están en el lugar de los hechos y la prueba de ello es
la presencia de uno de los reporteros del medio en el lugar.

Esta técnica también tiene un valor de firma por parte de quien elabora la información: “la
imagen no sólo es nuestra, sino que además la rúbrica de esta persona de prestigio. En
determinados casos se va a tratar de un marco de calidad, de un motivo de prestigio para la
cadena y también de una prueba de autoridad para la audiencia, que verá respaldada la
credibilidad de una noticia con la imagen de un redactor de reconocida solvencia.”55

[Link] El sumario

Los sumarios o titulares tienen la función de ofrecer una visión general de lo más importante
que presentará a lo largo del noticiero. Lo que exhiben es similar a la primera página de un
periódico donde se recoge un extracto de los contenidos fundamentales de la publicación. Al

55
PEREZ, Gabriel. Ídem. Pág. 99
156
mismo tiempo que se informa, se invita al espectador a que se involucre en la transmisión y
profundice los temas por los cuales se interese en el informativo.

Los sumarios pueden emitirse al principio del programa y se pueden repetir al final, a modo
de recapitulación para los espectadores que se han incorporado a última hora o también se
realizan sumarios de bloque que viene después del corte comercial y sirven para mantener
atento al espectador para que no cambie de canal.

El sumario se lo realiza de de la siguiente forma:

- Elegir imágenes y sonidos que ilustren mejor la información sobre el tema tratado.
- Sobre esa imagen incrustar un titular que sea breve, con sólo dos o tres palabras.
- El off que leerá en directo o habrá grabado previamente el conductor principal
corresponderá a una frase aclaratoria del tema.
- El sumario no debe durar más de 20 minutos.
- Puede o no existir una música de fondo con ritmo rápido y efectos de sonido

[Link] Los breves

Un noticiero de televisión de una hora contiene unas cuarenta noticias. Actualmente se dan a
conocer mucho más que cuarenta informaciones, por lo que habrá noticias que tengan que
quedar fuera, como si no hubieran existido. Motivo por el cual en algunos medios con objeto
de abarcar más notas se recurre al bloque de breves, que viene a ocupar el tiempo que se
ocupa en dos noticias convencionales. Su inclusión tiene dos motivos fundamentales: sirve
como justificación de que determinadas noticias se han emitido y además es utilizado como
elemento de ajuste interno de los tiempos.

Las noticias tratadas en los breves tienen una duración muy corta, el tiempo utilizado será lo
suficiente para contestar con las cinco “Ws” del periodismo clásico. La realización puede ser
por bloques temáticos dentro de secciones posibles y la mezcla heterogénea, en este caso
el orden de los contenidos se suele hacer con criterios de importancia e independientemente
del tipo de noticia de que se trate.

157
Se debe tener en cuenta que los breves provienen de noticias que han sido emitidas
anteriormente y cuyo conocimiento puede suponerse en líneas generales, se puede incluir el
bloque de breves como fórmula para romper el ritmo del informativo y avivar el interés de la
audiencia con la emisión de una serie de noticias rápidas.

El bloque de breves se lo realiza con un mismo locutor para todas la notas y variación de
voces con mini-ráfagas de separación, fundidos y otros efectos electrónicos que sirven para
dar paso de una noticia a otra. Se permite aquí una música de fondo con ritmo rápido y
efectos de sonido que señalen el paso de uno a otro breve, su variedad o la exhibición de
varias imágenes que desfila por la pantalla hacen que el público los siga con interés, aunque
existan dudas acerca de su comprensión y retención en la memoria.

3.6 POST PRODUCCIÓN

Finalmente, la fase de post-producción son todas las labores posteriores a la producción,

como desmantelar el set, las luces, empacar el equipo, cumplir con las obligaciones
financieras finales y evaluar la efectividad del programa son parte de la fase de post-
producción.

A pesar de que la post- producción incluye todas estas labores finales, la mayoría de las
personas asocian el concepto de post-producción con el de edición. Es por eso que los
editores que manejan las computadoras y ponen los efectos especiales de post-
producción se han hecho más sofisticados, la edición se ha transformado en algo más
que unir tomas, ahora es un asunto de creatividad. Equipado con los más recientes
avances tecnológicos y los efectos digitales, la fase de edición puede realzar mucho una
producción

3.6.1 La edición

La edición o montaje ha ido variando a lo largo de la historia, dependiendo, en gran medida,

de la propia evolución de la tecnología audiovisual. Antiguamente el sistema más simple de
edición se lleva a cabo con dos magnetoscopios, el uno reproductor y el otro grabador, en el

158
primero situaban la llamada cinta máster, aquella que tenían todos los expertos de la
grabación y en el grabador se colocaba la cinta donde se hacia el montaje final de imágenes.

Desde el punto de vista del lenguaje audiovisual, el montaje es el proceso de escoger,

ordenar y ajustar todos los planos grabados según una idea previa y un ritmo determinado;
se trata de un proceso de selección y ordenamiento de un material filmado con el fin de
obtener un programa continuado (film o video), sin imágenes o sonidos inútiles o mal
colocados. El montaje en soporte electromagnético o digital característico de la televisión
suele denominarse con el nombre de edición o editaje, siendo una operación destinada a
organizar la estructura interna de los elementos fílmicos visuales y sonoros.

Podemos hablar de edición física, electrónica y digital. En la edición física, la estructuración y

ordenación del material audiovisual pregrabado, se manipula físicamente, con cortes y
desechos reales en el soporte fílmico o magnético. En la edición electrónica se manipula una
señal eléctrica analógica o digital grabada en un soporte magnético. En la edición digital se
trabaja con señales digitales virtuales en la memoria volátil de un ordenador o un soporte
informático.

Hoy en día han ido proliferando las ediciones no lineales, por supuesto injustificables en los
procesos de edición profesionales pero a nivel más modesto también las encontramos en los
sectores y mercados domésticos. En la actualidad consisten en el uso del ordenador para
editar los vídeos. Las ventajas son enormes pues una vez capturado el contenido del vídeo
en un disco duro se puede organizar y ordenar las escenas de una forma parecida a como
se trabaja con los párrafos en un editor de texto.

La edición de video es un proceso mediante el cual se elabora un trabajo audiovisual a partir

de las imágenes obtenidas de una cinta de video grabada previamente. Para ello se necesita
reproducir la cinta y realizar un cortado de la misma. Una vez hecha la revisión de la cinta se
seleccionan los fragmentos de video y audio que formarán parte del montaje. Existen dos
tipos de edición de video, la lineal o analógica y la no lineal o por ordenador.

159
[Link] La naturaleza de la edición

En términos puramente mecánico, la edición se relaciona con:

- Cuando y como se cambia de una toma a otra

- El instante, el método y la duración de las transiciones.
- El orden y duración de las tomas
- El mantenimiento de una buena continuidad en video y audio.

Estas decisiones pueden tener una relación directa con la atracción, interpretación e impacto
emocional del material de programa.

A un nivel estrictamente practico, mediante la edición se puede crear una suave sucesión de
imágenes, se puede quitar momentos que no tienen trascendencia, o que puede ser motivo
de distracción, o que tengan errores. Se puede acortar o alargar la duración de la acción.

La edición puede proporcionar a la audiencia una sensación de libertad: la facultad de poder

trasladarse rápidamente en el tiempo y en el espacio.- se puede anteponer hechos que
ocurren en el tiempo y en lugares diferentes. La edición puede modificar todo el significado
de una acción en un instante para crear tensión, humor y terror.

[Link] La edición y el realizador de televisión

En televisión, el realizador hace invariablemente de editor, sobre todo cuando maneja el

mesclador en el tiempo real. Incluso aunque exista un especialista mezclador o este equipo
sea operado por el responsable técnico del estudio. Por consiguiente la edición en
magnetoscopio en tales casos es fundamentalmente la edición para corregir planos, eliminar
partes, hacer algunos insertos, etc. las transiciones en directo son, por otra parte, hechos
consumados.

Los de televisión pueden partir del guion con indicación de los cortes y alternativas de
cámara o decidir la edición durante los ensayos o hacerlo espontáneamente durante la
grabación o transmisión. A la vez, el realizador guiara, instruirá, seleccionara y coordinara el
equipo de trabajo.

160
[Link] Técnicas de edición en televisión

Estas técnicas dependen fundamentalmente de lo sofisticadas que sean las facilidades

operativas de edición incorporadas a los magnetoscopios. Los siguientes de producción
están en uso extenso hoy en día.

[Link] Directo sobre cinta

El programa se graba de modo continuo en su totalidad, como si fuera una trasmisión en

directo, el magnetoscopio se utiliza aquí, como un medio de almacenaje de información
directa, dando así la posibilidad de diferir el programa, repetir y analizarlo.

- Retoques básicos. En este caso la producción se graba continuamente como si fuera

para la transmisión, pero los errores de actores o de producción técnica, se re-graban y
sustituyen. El ajuste de la duración puede requerir algunas operaciones simples de
edición, que se cubren frecuentemente como relleno y se utiliza con frecuencia.
- Grabación discontinua. El programa puede grabarse en una serie de secuencias o
escenas con tomas capaces de mejorarse en un proceso posterior. Estas secuencias
pueden acortarse y cambiar el orden de su grabación. A veces de una secuencia se
graban varias versiones para elegir en edición la mejor. El mezclador de video se utiliza
para la mayoría de los cortes y transiciones. Con las últimas facilidades operativas de
edición, las secciones se pasan en su correcto orden final sobre una cinta editada. El
tratamiento último del audio suele hacerse en esta etapa de fuentes sonoras no
síncronas. Varios efectos de video pueden introducirse también durante la edición en
post-producción (cortinillas, multi-imágenes, sintetizador de color inserción de detalles).
- Grabación de una sola fuente: Cada salida de cámara se graba separadamente sobre su
propio magnetoscopio (VTR). No se usa ningún mezclador de video, todas las
transacciones y selecciones se hacen en post-producción.
- La edición en magnetoscopio se lleva a cabo utilizando facilidades operativas complejas
asociadas a un computador. La sala de edición incorpora además técnicas de
almacenamiento de imágenes y efectos propio de la conversión análoga / digital de la
televisión. El control informático de la edición se realiza mediante un código de tiempos
grabado en la cinta. Puesto que una hora de programa puede tener de 300 a 400 cortes
individuales, esta operación requiere de la presentación de la post-producción.

161
[Link] Tipos de edición

Siempre que se unen dos tomas por corte, inmediatamente se establece una relación entre
ellas. Esta es de dos tipos: física e intelectual.

Físicamente, los ojos del espectador son capaces de captar el cambio y comenzar el análisis
fresco de la segunda imagen.

Intelectualmente, el espectador tiene que interpretar la nueva imagen. (¿Donde estamos

ahora? ¿Qué es esto? ¿Qué está ocurriendo?). Estas respuestas están efectivamente
interrelacionadas, cuando las tomas son acortes en composición y significado, la transición
será de corte suave.

Cuando las tomas sean pictóricamente incorrectas (saltos, desajustes) el efecto es

físicamente distorsionador, a pesar de que intelectualmente el espectador aprecie lo que
significa la segunda imagen e incluso un perfecto acoplamiento físico de tomas es
insuficiente para evitar una ruptura, si el espectador no puede inmediatamente entender el
significado de la segunda toma y su relación intencionada con la primera. Estas no son
consideraciones simplemente académicas, sino factores esenciales a considerar en las
transiciones de tomas.

El corte es la transición más simple: Es dinámico y asocia instantáneamente dos situaciones.

El cambio rápido tiene un impacto de potencia en la audiencia mayor que el gradual y aquí
radica la fuerza expresiva del corte.

Los cortes son saltos de puntos de vista o de lugar que obligan al exportador a relocalizar e
interpretar cada nueva imagen. El esfuerzo máximo lo realiza con los cambios de lugar.
Cuando se empalman planos diferentes o disimilares, la audiencia puede tener alguna
dificultad en apreciar la continuidad o la interrelación necesaria.

En estos casos, esta debe restablecerse inmediatamente por medio de:

- Dialogo- Introduciendo o dando a entender el contenido de la nueva imagen.

- Acción- estableciendo una relación causa o efecto.

162
- Puntos de referencia comunes (una misma persona) en ambos planos.
- Continuidad del audio- ocasionalmente se puede despistar al espectador interrumpiendo
la continuidad, con propósitos cómicos y dramáticos.

En la edición se usan tres tipos de cortes, extensamente para facilitar a la audiencia el

seguimiento de la interrelación de toma sucesiva: corte de continuidad, corte de relación y
corte dinámico.

TIPOS DE
CORTES

Continuidad Relacional Dinámico

[Link].1 Corte de continuidad

Este corte invierte bastante tiempo y esfuerzo en decidir el orden final de planos, los puntos
de corte exactos, el ritmo de corte. A pesar de que también es posible hacer esto cuando se
dispone de sofisticados sistemas de edición. En la mayor parte de las producciones de
televisión la edición es simplista y sirve a propósito practico de interrelacionar planos,
creando una sensación de continuidad y orden, de dialogo continuo y de acción. Además
esta técnica da una fluidez narrativa evidente y una modificación controlada. El único
inconveniente a señalar es que se convierta en rutina funcional.

[Link].2 Corte relacional

Por medio de la edición, la toma que no tengan conexión directa se les da a propósito una
relación de implicación. Siempre que se une dos planos de corte, inmediatamente se
establece una relación entre ellos. Esta unión es de dos tipos: física e intelectual. Cuando las
imágenes son visualmente incorrectas (saltos, desajustes) el efecto puede ser muy molesto
ya que la audiencia tiene que proponerse a buscar al sujeto del nuevo plano. De igual forma,

163
se interrumpe su atención si no se dan cuenta inmediatamente de la relación que tiene el
segundo plano con el primero, o de lo que todo aquello significa.

[Link].3 Corte dinámico

Las transiciones complicadas pueden crear significado dramático o trasmitir conceptos o

ideas abstractas que no son fácilmente expresables en términos directos. Las ideas por sí
mismas pueden no presentarse en los planos, y ser generadas por una interpretación de las
relaciones causa o efecto.

[Link] El fundido

El fundido de entrada: Da una introducción tranquila a la acción, un fundido de entrada lento

sugiere la formación de una idea. Uno rápido un poco menos de energía e impacto que el
corte.

El fundido de salida. Un rápido fundido de salida tiene menos énfasis y suspenso que el
corte de salida, un fundido de salida es un cese de acción tranquilo,

El fundido de salida/entrada. El enlace de dos secuencias por un fundido de salida/entrada,

introduce el concepto de pausa en el fluir de la acción. El efecto varía con las velocidades
relativas y el tiempo de pausas entre ellas. Se puede usar esta transición para conectar
secuencias cuando se implique un cambio de tiempo o lugar.

[Link] La mezcla

Se produce al calmar una imagen de salida desapareciendo gradualmente e ingresando

simultáneamente otra de entrada. Las dos imágenes permanecen momentáneamente
superpuestas. La mezcla entre tomas de una transición suave con un mínimo de ruptura del
influir visual, excepto cuando se use una entremezcla de confusión.

- Una mezcla rápida, generalmente implica que su acción es concurrente (acciones

paralelas).
- Una mezcla lenta, sugiere diferencias de tiempo o lugar.

164
Las mezclas son generalmente comparativas:

- Señalan similaridades o diferencias.

- Comparan tiempos, especialmente el tiempo en que transcurre.
- Comparan el espacio o la posición, mezclando una serie de tomas que muestran un
progreso.
- Ayuda a relacionar áreas visualmente, cuando se transfiere la atención desde la totalidad
de un objeto a una parte localizada de él.

Las mezclas usan excesivamente como cortes suaves para dar una transición no violenta en
sustitución de cortes que pudieran generar ruptura. Desafortunadamente se ha usado
también para ocultar la ausencia de movilización al pasar a una nueva toma. Una mezcla
muy lenta produce la sensación de sostenimiento artificioso de las imágenes y es en general
aburrido y confuso. Y cuando se hace entre tomas del mismo sujeto con distintos ángulos de
visión, puede dar lugar a una pérdida de equilibrio.

Desvanecimiento, mediante la mezcla cuidadosa de dos tomas de encuadres acordes de un

sujeto se puede obtener un efecto de transformación. Sus principales aplicaciones son
sugerir cambios de tiempo o cambios mágicos.

Mezclas sobre movimiento, solo son satisfactorias cuando las direcciones del movimiento
relativo son similares. Las mezclas de direcciones opuestas pueden introducir sensación de
confusión, choque o expansión sin que necesariamente estas impresiones deban
involucrarse. Por tanto esta es una transición a utilizar con cautela.

Desvanecimiento del foco, la primera cámara se desenfoca gradualmente, mientras se

mezcla con una segunda completamente desenfocada. Normalmente utilizado para “flash-
backs”, aunque algunas veces se introduce transformaciones o transiciones decorativas
entre escenas. La imagen se va rompiendo por una ondulación horizontal, durante la cual se
mezcla con una segunda imagen también ondulante que se asegura posteriormente.
Generalmente se usa para efectos de “flash-back”.

165
[Link] La cortinilla

Es un efecto visual, principalmente utilizado para transiciones decorativas. Puede producirse

por varios métodos, pero la mayor parte de los mezcladores incluyen esta facilidad operativa
electrónica. Estuvo en auge en las primeras películas y ahora se usa considerablemente en
los “trailers” y otros “spots comerciales”. El impacto visual de las cortinillas tiende a disfrazar
los bordes de fragmentos no relacionados.

El efecto de la cortinilla es descubrir, revelar, cancelar, fragmentar; según se aplique. En

todas sus formas resalta la naturaleza plana de la pantalla de televisión, destruyendo
cualquier ilusión tridimensional.

La dirección de la cortinilla puede ayudar u oponerse al movimiento del sujeto, modificando

su vigor. El borde puede estar bien definido (cortinilla de borde definido) o difundido (cortinilla
de borde difundido), siendo esta ultima menos llamativa. Las versiones de borde ancho y
difuso pueden alcanzar la suavidad de una mezcla.

Las cortinillas pueden tomar varias formas varias formas geométricas con una variedad de
aplicaciones. Un circulo (iris), puede usarse como transición desde un plano de detalle (un
músico solista) a un plano general (orquesta completa). La naturaleza física del medio
condiciona la manera en que se ha de reordenar el material.

166