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Estética e Historia del Diseño

1º Grado en Ingeniería de Diseño Industrial y Desarrollo del

Producto

Escuela Politécnica Superior de Alcoy

Universidad Politécnica de Valencia

Reservados todos los derechos.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
 A. LOS INICIOS DEL DISEÑO INDUSTRIAL.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
El diseño industrial nace a finales del siglo XVIII, durante la Revolución Industrial que tuvo lugar
en Inglaterra. Es un cambio a nivel económico, social y productivo en el que se produjo un
desarrollo tecnológico, la división del trabajo, el consumo masivo, etc.

Nace la diferenciación entre diseñador y fabricante. Este último utiliza máquinas para producir
productos. Anteriormente, ambas funciones estaban concentradas en una misma persona.

1. ANTECEDENTES DEL SIGLO XVIII.

El ser humano utiliza y fabrica utensilios desde la Prehistoria, por lo que el origen del diseño
nace en tiempos remotos.

A lo largo del Mundo Antiguo, el ser humano va desarrollando la destreza manual.

En la Edad Media, comienzan a demandarse más objetos al comercio. En esta época, existen
sectores con gran poder adquisitivo como la Burguesía, las Cortes Reales y la Iglesia. Debido a la

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necesidad de multiplicar la producción ante el aumento del consumo y de la demanda, se
produce la especialización del trabajo en gremios de una forma totalmente artesanal, antecedente
de la división del trabajo. Esto, no tiene nada que ver con el diseño industrial.

En el siglo XV, durante el Renacimiento, debido a una gran demanda de libros nace la Imprenta,
este hecho se le atribuye al alemán Johannes Guttenberg. Es un proceso que cumple los 4
conceptos fundamentales del diseño: proyecto, producción, venta y consumo. La imprenta es un
claro precedente de los procesos seriados del diseño industrial que se produce 3 siglos antes de
la Revolución Industrial.

Funcionamiento: Formada por piezas de plomo fundido, cada una con una letra. Surge la
tinta y la prensa mecánica. Primer libro producido de manera mecanizada en 1452 (Bíblia de 42
líneas). Primer ejemplo de producción en serie.

Con la invención de la imprenta se abre la vía del diseño tipográfico moderno. (ej.: Pacioli, 1509)

2. SIGLO XVII: LA REVOLUCIÓN CIENTÍFICA.

Con la Revolución Científica comienza la ciencia moderna. Cabe destacar la figura de Galileo. El
italiano puso las bases del método científico moderno. Este método estaba basado en las
hipótesis. Defendía que la ciencia se apoyaba en experiencias y demostraciones, por lo que dejó
de ser especulada y razonada para pasar a ser comprobada. La naturaleza se convierte en un
instrumento imprescindible para la ciencia y pasó a ser estudiada desde la matemática. Es
también en esta época cuando se comienza a separar como disciplina autónoma la tecnología.

3. REALES MANUFACTURAS. Francia.

Surgen en el siglo XVII en Francia. Son empresas que se crean para abastecer a la Corte de Luis
XIV. El Rey era el mecenas, es decir, Luis XIV era el impulsor y el comprador.

Se producían objetos de lujo tales como objetos de orfebrería, tejidos y cerámica. Eran
productos muy artesanales, no obstante, se pretendía introducirlos en empresas con el
objetivo de activar la economía, incluir ciertos avances técnicos y también organizar el trabajo.

En Sajonia aparecen empresas para producir con porcelana. Era un material con mucha
complejidad técnica para producirse. Eran objetos muy preciados por la Corte y la Burguesía.

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 4. REALES FABRICAS. España.
En España surgen estas empresas dedicadas a abastecer a la Corte de Carlos III y a los
Borbones. Producían objetos muy exclusivos para clientes de la Corte, del Clero o de la Nobleza.

Algunos ejemplos de estas empresas son: la Fábrica de Porcelana del Buen Retiro, la Fábrica de
Tapices en Madrid, la Fábrica de Cristales de la Granja, la Fábrica de Abanicos en Valencia, la
Fábrica de Losa y Porcelana en Alcora (Castellón) y la Fábrica de Tabaco de Sevilla.

5. LA TEORÍA DEL GUSTO.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
En el siglo XVIII, años previos a la Revolución Industrial, algunos filósofos británicos establecieron
teorías sobre el gusto. Esto fue importante para la critica del arte y el estudio del diseño.

Hume es uno de los personajes más importantes de esta corriente. El filosofo afirma que la
belleza no es objetiva, sino que es un efecto subjetivo que depende del observador.

En su obra La norma del gusto (1757) explica que, a pesar de haber una gran variedad de gustos,
existen unos principios generales. Estas normas no pueden ser fijadas con razonamientos a
priori sino que, para determinar si un objeto es bello o no, nos debemos basar en la experiencia.
La belleza la detectaremos gracias a nuestras sensaciones.

Según Hume, el buen crítico debe ser una persona con buen sentido y con delicadeza, tiene que
saber comparar y no tener prejuicios y, además, tiene que practicar algún arte.

6. LA REVOLUCIÓN INDUSTRIAL (1760-1830). LINK DE VIDEO

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La Revolución Industrial implicó un cambio muy brusco que se produjo en apenas 70 años. Se
originó en Inglaterra y se fue expandiendo al resto de países.

Supuso el cambio de la economía rural a las fábricas urbanas. Es un cambio tecnológico,

económico y social que se produce en una coyuntura muy específica.

La producción aumenta muchísimo gracias a la introducción de máquinas. Aparece la necesidad

de mano de obra no cualificada. A raíz de esto, la gente del campo comienza a trabajar en esas
fábricas y pasan a ser obreros asalariados, surgiendo así la clase obrera. El modo de vida de
estas personas cambia por completo, ya que pasan de vivir en el campo a la ciudad (éxodo rural).

-Ejemplos de industrias:

Uno de los mejores reflejos de lo ocurrido en Inglaterra a finales del siglo XVIII se dio en el sector
algodonero. Inglaterra recibía materia prima de algodón de las colonias de la India. En este
contexto de Revolución Industrial, se produce un avance tecnológico en la forma de obtener el
hilo de algodón. De la rueca tradicional en la que se hilaba a mano, pasando por la rueda
hidráulica, hasta llegar al telar mecánico. Esta evolución contribuyó al aumento de la producción.

Ocurre lo mismo en el sector de la minería. Se comenzaron a utilizar motores de vapor para

extraer el agua de las minas y vagonetas en railes para extraer el material. Esto fue el precedente
de la futura máquina de vapor.

-La máquina de vapor:

Uno de los avances más simbólicos de la Revolución es la máquina de vapor (1769). Este
invento permitió la mecanización de la minería y el desarrollo del ferrocarril. La tecnología se
convierte en algo prioritario y se consolidad como elemento principal de desarrollo, de poder y de
control.

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 -Cambios y consecuencias:

Esta transformación del sistema de producción genera varios cambios. Como por ejemplo, el
trabajo asalariado, el cambio en las fuentes de energía y la división del trabajo.

Todo esto tiene unas consecuencias a nivel social. Crecen los mercados, se produce una
diferenciación entre las clases sociales burguesía y proletariado, y a medida que aumenta la
población, aumenta el consumo y las necesidades.

Además, este sistema de producción en el que cada operario maneja solo una pequeña parte de
la producción en un trabajo muy repetitivo, generaba también algunos problemas psicológicos.
Empieza aquí la lucha por esa mejora de las condiciones laborales que en varias ocasiones eran
penosas debido a las largas jornadas de trabajo, muchas veces en situaciones peligrosas, el

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
trabajo infantil, los sueldos mínimos, etc.

Este progreso técnico era también el progreso económico de unos pocos. Esto generó también
otros problemas y movimientos sociales, como el ludismo (lucha contra las maquinas).

Lo cierto es que era un cambio imparable en todos los sentidos y en todas las disciplinas. Se
refleja también en la arquitectura y en la ingenieria civil, donde se empieza construir con nuevos
materiales (Puente sobre el rio Svern en Coalbrookdale, Inglaterra, 1779). Suponía una
transformación de los sistemas constructivos. Permitían fabricar construcciones de mayor
envergadura, ligeros y además ofrecer opciones de prefabricación.

7. EMPRESARIOS INNOVADORES: BOULTON Y WEDGWOOD.

En cuanto al diseño de producto también se producen algunas innovaciones. Vamos a destacar

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la figura de dos empresarios de la época que fueron pioneros en este sentido.

-Matthew Boulton (1728-1809):

Se interesó mucho por el avance tecnológico.

Apostó por la máquina de vapor de James Watt y la instaló en su fábrica.

Buscaba abaratar los objetos para poder llegar a un público más amplio, que no solo se
quedara en las clases sociales altas. Es por esto que utiliza la mecanización y lo que le ofrece la
industria para abaratar los costes y hacer más asequible el precio del producto. El objetivo era
ese, buscar esos nuevos sectores de consumidores, la creciente clase media.

Destaca por hacer experimentaciones en la industria mecánica y por ciertas innovaciones.

Utiliza aleaciones de metales en las que mezclaba plata y cobre para reducir el precio. Introduce
además la visión empresarial vinculada con la innovación y con el marketing, algo nuevo en el
momento. A nivel estético, responde a los gustos de la época y se basa en diferentes fuentes
estilísticas para intentar llegar al público más amplio posible.

-Josiah Wedgwood (1730-1795):

Fue un innovador en el ámbito de la cerámica. Convirtió este producto fundamentalmente

artesano e imperfecto, en un producto industrial y para ser producido en serie.

La cerámica producida era de tipo ornamental, que era la propia de la época. Introduce un
diseño más utilitario y sencillo a la vez que asequible, todo esto sin perder el valor estético.

Creó una línea, Queen’s Ware, cuyas creaciones eran objetos cotidianos de líneas sencillas para
producirlos en masa. Tenia mucha importancia para el consumo inglés ese apoyo y
representación de la Reina de Inglaterra, con la que busca la fidelidad del consumidor. Estas
producciones estaban destinadas a la clase alta.

En esta época existía un gran interés sobre la cultura clásica y las antigüedades, por lo que
Wedgwood se propuso como reto imitar las vasijas encontradas en las primeras campañas
arqueológicas para revivir esa belleza clásica.

Destaca por su importante papel de investigación sobre los materiales, componentes químicos y
esmaltes. Esto le permitió introducir nuevos tipos cerámicos que posibilitaron la reducción de
los costes, como el Black Basalt y el Jasper Ware. Este último, era una cerámica ornamental
con fondo azul y bajos relieves en blanco. El diseño está muy acorde al gusto de la época. El

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 material era parecido a la porcelana pero mucho más maleable y fácil de producir. Es por esto
que tuvo tanto éxito.

Además, mecaniza la producción y mejora las maquinarias. Al igual que Boulton, introdujo esa
visión empresarial y de marketing. Esto lo vemos reflejado en el uso de catálogos para
promocionar sus productos.

Weedgwood aprovecha la tecnología para la fabricación de sus productos. Busca pasar de lo artesanal a la producción en serie. Sobre
todo con objetos cotidianos para el día a día con líneas mucho más sencillas de lo que era corriente en la época.

-Puntos en común entre Boulton y Wedgwood:

En primer lugar, su visión empresarial e innovación. Compartían también aspectos relacionados

con la comunicación, es decir, el uso de catálogos. Un aspecto muy característico de ambos
empresarios es la intención de abaratar las piezas aprovechando al máximo las ventajas de la

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
mecanización.

No obstante, en cuando al diseño, Boulton se decanta por seguir los gustos de la época,
mientras que Wedgwood comienza a producir objetos domésticos de lineas más sencillas para
aprovechar mejor las ventajas de la producción en serie.

Durante el siglo XIX se debatirán estas dos posibles opciones de diseño. Por un lado, los objetos
basados en los gustos de la época, más recargados. Por otro, objetos más utilitarios que quizás
aprovechan mejor las ventajas de la mecanización.

8. ECLECTICISMO SIGLOS XVIII-XIX.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, se produce un estancamiento. Es la época del
Eclecticismo. Durante este periodo de tiempo, conviven diferentes estilos mezclados

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simultáneamente: neoclasicismo, rococó, estéticas orientales e incluso el estilo gótico.

En la industria del mueble este movimiento se ve muy bien reflejado. En la arquitectura y en el

mobiliario hay muchas referencias al neoclásico. Predomina el gusto por lo histórico, lo
recargado. Es como una mirada hacia el pasado pero mucho más exagerada y ornamental.

En los diferentes países se producen rasgos característicos y distintivos.

-Estilo Imperio:

En Francia surge el Estilo Imperio. Es una estética neoclásica con referencias a las
construcciones y a la arquitectura clásica, incluso al arte egipcio.

Recibe este nombre debido al periodo en el que se encuentra, la época de Napoleon. Una época
en la que predomina la actitud imperial y en la que se comienzan a realizar las primeras
excavaciones arqueológicas. Aquí nace ese interés por las antigüedades y la necesidad de
integrarlas en la estética. Lo vemos por ejemplo en elementos como capiteles y columnas que
no tiene ninguna relación con los objetos de uso.

-Estilo Biedermeier:

En Alemania, aunque también se aprecian rasgos neoclásicos, no hay tanto gusto por esa
pomposidad de las lineas francesas. Observamos cómo los muebles tienen unas líneas más
sencillas, son más resistentes y funcionales y, sobre todo, mantienen esa base artesanal.
Buscaban más la pureza formal y la austeridad.

-Karl Friedrich Schinkel (1781-1841):

Fue uno de los representantes de ese estilo neoclásico, pero sobre todo racional. Servirá de
inspiración a las arquitecturas del movimiento moderno del siglo XX. Produce mobiliario de hierro
fundido con un aire neoclásico pero intentando racionalizar. Los objetos con estilo neoclásico,
fueron producidos en serie por primera vez.

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 -Michael Thonet (1796-1871):

Tuvo mucha repercusión en la industria del mueble. Nace en Prusia (Alemania) y desarrolla su

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trabajo en Viena durante el siglo XIX. Es un caso muy concreto que contrasta con estos diseños
históricos y eclécticos.

Realiza una aportación brillante y excepcional en la historia del diseño, sobre todo por la época
en la que se produce. Responde muy bien a esos cuatro conceptos de proyecto de Fusco que
definen todo el recorrido del objeto: proyecto, producción, venta y consumo.
Thonet destaca por potenciar las formas ligadas a las características del material, y por confiar
en esos métodos industriales para generar las formas de los objetos.

Thonet lleva a cabo una innovación técnica en el mobiliario de madera, y es que desarrolla una
patente para curvar la madera y producir muebles, sobre todo sillas (Silla Boppard 1830). Tuvo la
patente para la producción de este método hasta 1869, y después de eso, numerosas fabricas de
todas partes empiezan a producir muebles curvados.

Este sistema tenia ciertas limitaciones debido a la resistencia de las colas que, en determinadas
situaciones de temperatura, no aguantaban y se despegaban. A raíz de esto, Thonet investiga

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para poder prescindir de esa cola y usar solo la madera.

Como solución, comienza a utilizar barras de madera y las introduce en vapor a presión para
que penetre, se humedezcan y devolverles su elasticidad inicial. Luego, las colocaba en moldes
metálicos y las dejaba secar. Así formaba las diferentes piezas que componían cada mueble, por
ejemplo la Silla nº14 de 1860.

Thonet confía en los métodos industriales para llevar a cabo su idea. Además, se reduce el
número de piezas, con lo cual es mucho mas fácil de producir y tiene menos costes. Esto tuvo
una gran dimensión comercial para ser el siglo XIX.

La producción de Thonet es un referente para muchos movimientos que surgen después, como
el Art Nouveau, el Modernismo, e incluso un referente para el Racionalismo de la Bauhause por
la simplicidad.

9. ESTADOS UNIDOS (finales XVIII-principios XIX)

En Estados Unidos las cosas son un poco distintas. Hay ciertas peculiaridades respecto al
desarrollo tecnológico en Inglaterra por varias circunstancias. En primer lugar, es un país mucho
más moderno, en expansión, cuyo sistema económico y social es distinto. Por tanto, los
sistemas productivos también evolucionan de forma distinta frente a Europa, la cual tiene una
producción más artesana y una tradición mucho más formada.

En EEUU aparece una visión mucho más pragmática y menos vinculada con el arte. También
es cierto que hay menos Burguesía, Cortes, lujos y riquezas, por tanto, se tiende más a unos
productos más prácticos y no tan suntuarios y lujosos como en Europa.

Se producen avances en la invención de máquinas, sobre todo relacionadas con la agricultura, y

se producen inventos tecnológicos.

En la Gran Exposición de Londres de 1851 se juntaron por primera vez los diseños y los
productos que estaban haciendo los diferentes países y se pudieron comparar los modelos de
producción y las distintas ideas que estaban surgiendo.

Un tema que distingue a EEUU de esa época es que se adopta un modo de producción basada
en la fabricación a gran escala de productos estandarizados. Estaban formados por diferentes
partes y eran sustituibles e intercambiables. Recibió el nombre de American System of
Manufactures. Los americanos implantaron, perfeccionaron y optimizaron mucho más de lo que
ocurrió en Europa. La ventaja es que la producción era mucho más eficaz y reducía mucho los
costes. Se dio en varias industrias pero un buen ejemplo es en el sector de las armas (Revolver
Colt), en el cual se producía por piezas cada vez más sencillas y estandarizadas.

Este sistema de piezas intercambiables no es que se inventara en EEUU, pero fue ahí donde se
aplicó masivamente y se optimizó, lo cual dio mucho empuje a la industria en ciertos productos.

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 -Shaker:

Un caso muy interesante en el diseño norteamericano de la época, a pesar de ser comercial y

capitalista, es el mueble de la comunidad de Shaker. Los Shaker eran una comunidad religiosa
que vivían aisladas del resto de la sociedad y renunciaban a todos los placeres del mundo. Vivían
en sociedades independientes y tenían una vida muy austera. Incluso se autoabastecían y
producían todo lo que necesitaban, incluyendo muebles. A partir de estos principios de vida
austera, impulsan la elaboración de objetos sin ningún tipo de adornos, sin ninguna distinción
individual ni ornamentación, totalmente sencillos.

Producen estos muebles, que son básicamente útiles funcionales, los cuales contrastan mucho
con los muebles que se estaban produciendo en esa época en Europa. Posteriormente, este

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
estilo tuvo mucha influencia en el Funcionalismo y en el movimiento Arts and Crafts.

Los Shaker primeramente producían solo para ellos . Sin embargo, luego empezaron a recibir
encargos, pasando a ser esta su principal fuente de ingresos.

Se basaban sobre todo en producir simplificando los procesos constructivos. Es un estilo muy
concreto que ocurrió en el momento. No obstante, posteriormente se han recuperado estos
diseños en épocas más modernas debido a esa visión práctica y funcional, además de esa
visión de la tradición vinculado con lo artesanal.

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 Los grandes cambios y las transformaciones que estaba suponiendo la nueva era industrial y como se empieza a enfocar el diseño
de objetos contando con esa producción mecanizada y con la industrialización.

B. EL SIGLO XIX.
Es un siglo muy complejo, en el que diferentes corrientes, influencias y movimientos van
apareciendo y superponiéndose entre si.

Al comienzo de la industrialización, las parcelas de arte y diseño no estaban delimitadas. Esto

continuará de la misma forma durante todo el siglo XIX.

Por otro lado, habrá un debate entorno a la autonomía del diseño con respecto al arte y a la
función de la industrialización en el diseño.

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1. CONTEXTO.
Nos situamos en Inglaterra, Gran Bretaña. En este momento es la nación puntera en invención,
en industria y en comercio. Inglaterra esta en su máxima expansión colonial, prácticamente
medio mundo forma parte del Gran Imperio Británico: media África, India, Australia, algunas islas
del Caribe, parte de Canadá, etc.

Es el contexto en el que empezara la era victoriana, durante el reinado de la Reina Victoria.

-Características generales del siglo XIX:

1. Los objetos empiezan a producirse por procedimientos industriales, aunque no acaban de

desvincularse del arte. Esto hace que no se pueda llegar a aprovechar del todo las

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posibilidades de la producción industrial.

2. Se consolida la clase media por lo que aumenta el consumo. Hay toda una proliferación de
objetos industriales aunque la estética de estos objetos aun está vinculada con el arte y con
el gusto de la clase alta.

3. Había muchas copias industriales de objetos artísticos. Las formas no eran precisamente
las más idóneas ya que este tipo de objetos no estaban creados para la producción industrial.

4. Se mecaniza el adorno. Como industria puede repetir esas formas artísticas a precios
moderados, aparecerán una serie de imitaciones de objetos artesanales incluso con
materiales fingidos y poco nobles.

5. Es la época de lo Esnob, de intentar imitar lo más sofisticado para simular una vida que
esta fuera del alcance: esa clase media que aspira siempre a la alta. Por lo que los objetos,
además de tener función práctica, tienen también una función simbólica, la de aparentar.

6. Predominará la estética Kitsch, una estética pretenciosa que hace que los objetos sean
también cursis.

7. Recordar: Sigue sin haber ahora mismo y durante todo este siglo el diseño industrial tal y
como lo consideramos hoy en día: con una autonomía creativa que este vinculada a la
producción industrial. En ese momento había arte, había artesanía y vamos a ver que
intentaban copiar de forma industrial esos objetos y eso va a ir evolucionando con el tiempo.

2. ECLECTICISMO SIGLO XIX.

Este movimiento mezcla diferentes referencias estilísticas. Este fenómeno ocurrirá en todos los
campos ya que esto respondía a los diferentes gustos existentes en la época.

En el siglo XIX, se mantiene el gusto por lo neoclásico, aunque también se mezcla con muchos
otros elementos muy exóticos, con referencias de todo tipo: orientales, arabescas, hindús
(palacio de Brighton de John Nash). Esto demuestra que es una época de falta total de unidad
estilística. Es la época de los revival de los estilos neo: del neorococó, neoclásico y neogótico.

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 Se producen una serie de excesos expresivos que están de moda entre la burguesía y las clases
altas (y, por tanto, entre la clase media), ese gusto por la apariencia, la exageración formal y los
resultados visuales exagerados.

Empieza una falsificación de ese estilo recargado que a veces se imita con materiales menos
nobles con el objetivo de abaratar los productos y conseguir llegar a más gente. Para
conseguirlo, aparecen las masillas que imitan la madera, el papel maché.

Existe una gran demanda de las artes decorativas, lo que permite rebajar el precio de ese
producto muy ornamentado que se produce industrialmente.

Esto va a ser algo muy característico de la época victoriana: los excesos expresivos, la
exageración formal y el gusto por la apariencia. Más tarde, en el siglo XX, el movimiento moderno
se alzará contra esa exageración formal y esos excesos.

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Los objetos creados en este momento son muy recargados, sin ninguna norma aparente y en el
que se mezcla diferentes estilos históricos y además muy complejos.

En los objetos de uso, se aprovechan las ventajas de la producción industrial para aumentar los
adornos. Cada detalle del objeto tenía que estar ornamentado e incluso tener un significado,
casi como contar una historia. En definitiva, la industria se aplicaba más a objetos decorativos
que a objetos utilitarios.

-Neogótico y August Pugin:

El que más apoyo teórico tuvo de estos nuevos estilos revival fue el Neogótico. El representante
del movimiento fue August Pugin y fue muy influyente en la época.

Se retoma el gótico por razones morales. La intención es recuperar lo que consideraban un

momento histórico de armonía. También era un símbolo de la sociedad cristiana, que era la
sociedad medieval, la cual tenían idealizada: en esta época se trabajaba en gremios y todo era

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artesanal. Es por esto que comienza a reaparecer esa estética medieval y gótica.

Un claro ejemplo de esta recuperación y reinterpretación del gótico es la reconstrucción del

Parlamento de Inglaterra tras un incendio por el arquitecto August Pugin.

Este movimiento triunfó debido a que el neogótico apostaba por la honestidad de los materiales
y porque respondía a ese gusto por lo histórico que había en ese momento. Además, fue
apoyado ideológicamente por los Utópicos con las ideas de John Raskin y W. Morris, a parte de
tener mucha influencia en los planteamientos del Arts and Crafts.

4. DEBATE IDEOLÓGICO: PRAGMÁTICOS REFORMISTAS Y UTÓPICOS.

Durante toda esta época victoriana existe un debate ideológico frente a los avances de la
industria. Por un lado, los pragmáticos reformistas y, por otro lado, los utópicos.

Los pragmáticos reformistas son los herederos de los empresarios del siglo XVIII, Boulton y
Wedgwood. El representante de este grupo fue Henry Cole. Pretendían una simplificación del
producto para poder adaptarse mejor a la industria, lo cual fue muy difícil por los gustos que
había en la época.

Los utópicos tuvieron especial importancia sobre la segunda mitad del siglo. Estaba encabezado
por William Morris. No aceptaban que los objetos perdieran ese carácter artesanal y humano.
Entonces, cuestionaban la máquina y la producción mecanizada. Además, Morris generó el
movimiento del Art and Craft, el cual tuvo muchísima influencia no solo en Inglaterra.

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 -Pragmáticos reformistas, Henry Cole:

Los reformistas son conscientes de este mal gusto de la exageración formal. Además, saben

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que no se corresponde con las ventajas que tiene la producción industrial.

Abogan por la simplificación del producto para intentar adaptarse a la industria. Conscientes de
esto, empiezan a planificarse toda una serie de operaciones con Henry Cole al frente y apoyado
por la Corona, el príncipe Alberto (marido de la reina Victoria), los cuales intentaron buscar
diferentes alternativas para intentar mejorar esa relación entre el arte y el diseño e intentar
educar el gusto de la sociedad, lo cual era bastante difícil.

Plantean una serie de iniciativas que son: la Exposición Universal en Londres de 1851, la
reforma de las escuelas de diseño para intentar formar de una manera más enfocada al diseño
industrial, la creación de museos (Museo de las Manufacturas, el actual Victoria and Albert
Museum) y también crean una revista que será la primera publicación que aparece sobre diseño
industrial (Journal of Design and Manufactures).

Lo que H. Cole defendía es que había que buscar la armonía entre el arte y la industria, ya que
en ese momento estaba totalmente perdido. Defiende la colaboración necesaria con la industria

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y propone ademas la figura de ese Art Manufacturer, del artista fabricante, que es el diseñador
moderno tal y como lo consideramos ahora.

Cole habla de los useful objects y defiende que el concepto básico de los objetos es la
funcionalidad, y que el valor de los objetos cotidianos esta precisamente en su función. Fue un
personaje clave porque pone sobre la mesa y plantea las contradicciones que se estaban
produciendo en ese momento.

Henry Cole tiene algunos diseños con formas bastante sencillas y con poca decoración para la
época, pero sobre todo su aportación fue ese papel institucional de promover ese intento de
reformas.

Journal of Design and Manufactures: este grupo de reformistas defendían que no había que
excederse en el ornamento aunque en cierta forma se siguieron produciendo toda esa serie de
objetos recargados ya que era el gusto de la época.

·Exposición Universal de Londres en 1851.

Henry Cole era un funcionario de la Corte Victoriana y fue el promotor de la organización de la
Exposición Universal de Londres. También contó con el apoyo del resto de los reformistas y de la
Society of Arts, a la que pertenecía el príncipe Alberto. Se impulsa en un momento en el que se
está afianzando el liberalismo económico, en el que se empieza a producir industrialmente a
gran escala y en el que se necesita comerciar a nivel internacional.

Esta idea nace a raíz de la toma de consciencia de que había algunos problemas estéticos
vinculados con la mecanización. Es cuando proponen este foro con la finalidad de ver qué se
estaba haciendo en el resto del mundo. El objetivo también era que cada país mostrara sus
productos para dar a conocer los avances técnicos que había en ese momento en cada lugar.

Se había hecho ya algunas exposiciones en París, pero esta es la primera que reúne a
productores de todo el mundo.

En 1851 se inaugura la exposición por la Reina Victoria. Van muchos personajes importantes de
la época. Estuvo abierta durante 6 meses y recibió miles de visitantes de varios países.

En la exposición se pudieron ver todo tipo de objetos industriales y artesanales con diferentes
estilos. Cada país exponía sus novedades o lo que destacaba en cada caso: cuberterias,
lámparas, muebles, alfombras, maquinarias, etc. Una variedad infinita de objetos que fueron un
reflejo de todas esas contradicciones que se estaban produciendo entre el arte y la industria.

Destacó la zona de EEUU, en la que se expusieron especialmente objetos mucho más

funcionales y prácticos: el Revolver Cold, el sistema de cerraduras de Hobbs, la segadora
McCormick. Causó mucho éxito y admiración, precisamente por el contraste con lo que estaba
presentando los demás países de Europa.

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 Los países europeos (Inglaterra) presentaron productos mucho más extravagantes, eclécticos y
sin ninguna unidad. Tenían esa idea de que cada objeto tenía que contar una historia y que tenia
que tener una apariencia artística.

En la exposición, los ingleses se dieron cuenta que su industria presentaba una gran
confusión de estilos y que no estaban siendo competitivos respecto a otros países. Por
ejemplo, con los franceses, que tenían mucho más glamour; o con los americanos, que eran más
prácticos. Es aquí cuando empieza este debate generalizado sobre la estética y la función de
los objetos, es la primera critica del diseño. Parece que se empiezan a dar cuenta que en esta era
de la industrialización había que proyectar de forma distinta, proyectar con criterios totalmente
diferentes, aunque no estaba claro aun cómo.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
La exposición de 1851 fue muy importante porque tuvo mucho impacto en el comercio, en las
relaciones internacionales y porque sentó el precedente de exposiciones universales que luego se
produjeron en otras ciudades. También, porque ayudo a tomar consciencia de la degradación
estética de los objetos.

Después de la exposición, tras generarse esa reacción, este grupo de reformistas reacciona ante
esta situación y seleccionan algunos objetos que se habían mostrado en la exposición y crea una
muestra que se llamó “Falsos principios en el diseño”, “la cámara de los horrores” llamada por
los medios. Hicieron una exposición para ejemplificar todo lo que esta mal en el diseño de
Inglaterra, para mostrar esa degradación estética. Por ejemplo, en cuanto a los papeles
pintados, el error era la imitación directa de la naturaleza, se plantea si el arte debe copiar tal cual
la naturaleza y la realidad.

Reservados todos los derechos.

EDIFICIO
Uno de los retos a los que se enfrentan es la construcción de un edificio de exposiciones que fuera suficientemente grande para
albergar todo eso y al final se construye en Hyde Park el Cristal Palace, una propuesta de Joseph Paxton. un edifico construido en
hierro y en cristal, lo cual era una novedad en la historia de la arquitectura. La novedad d este edificio es que era por primera vez un
edificio pre fabricado, que estaba diseñando por módulos, y eso permitía fabricar las piezas por separado y luego llevarlas al sitio y
monatarlas, y ademas el uso de esos nuevos materiales que estaba permitiendo la revolución industrial. Eso hacia que fuera mucho
mas fácil y rápido de montar y que ademas era desmontable. Fue la primera construcción pre fabricada de la historia de la arquitectura,
ademas con un lenguaje muy austero y funcional para la época, ademas con un tamaño colosal (40 metros de altura).
Las obras empiezan en 1850 y se terminan en pocos meses, el sistema per fabricado permitía eso. El edificio en si se convierte en un
símbolo de la nueva era de la revolución industrial. Después de la exposición, el edificio se desmontó y se traslado al sur de Londres
donde se realizaban actividades como exposiciones y conciertos. Hoy en día no se conserva nada de el porque se incendio en los años
30.
·Owen Jones.
Owen Jones también reacciona contra ese naturalismo de los diseños victorianos y propone
unos tejidos con formas planas en superficies más lisas. Establece en una publicación toda una
serie de patrones de diseño entre la naturaleza y la geometría. Fue un importante libro de
consulta y de referencia para los diseñadores de la época.

Se aplica toda una serie de diseños geométricos inspirados en la estética clásica, griega, egipcia,
islámica, y reduciendo esos motivos naturales a unos diseños más abstractos más ordenados.
Se aplicaron a mobiliario.

· Christopher Dresser.
Fue uno de los pioneros en el diseño del siglo XIX. No tuvo mucha repercusión pero fue
realmente innovador en sus planteamientos. Fue a una de esas nuevas escuelas de diseño
fomentadas por Henry Cole y es un caso a parte porque plantea unos diseños totalmente
radicales para la era victoriana. Estos diseños parecen mucho más posteriores, muy simples,
abstractos para la época y basados en la geometría. Hace todo tipo de piezas textiles, cerámica,
objetos de metal, vidrio, con una formas muy novedosas, simples y geométricas. Además,
procura que los objetos no se encarezcan demasiado y aprovecha al máximo posible las
ventajas que ofrece el proceso industrial. En su obra vemos que se anticipa al Modernismo y al
Art Nouveau con el uso del vidrio y también a sus referencias orientales.

Fue muy innovador en su época y sentó las bases del diseño pero no tuvo mucha repercusión
porque Inglaterra estaba totalmente inmersa en una corriente de pensamiento contra la industria
y en favor del artesanado.

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 -Utópicos, William Morris:

Es un grupo de creadores que cuestionan la máquina en el proceso de creación de objetos por

la pérdida del carácter artesanal y por los problemas morales que estaba teniendo la industria en
este momento.

· John Ruskin.
John Ruskin fue un referente para los utópicos. Fue un historiador y un crítico que tuvo mucha
influencia en los arquitectos y diseñadores de la época.

Igual que August Pugin, fue también un nostálgico del gótico. Afirma que todas las desventajas
de la industria sobre la pérdida de la producción artesanal, se pueden recuperar con las
referencias a la época mediaval y al gótico. Propone una recuperación romántica del gótico por

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
esa apreciación del modelo de producción en gremios. Es una utopia porque, lógicamente, no
se puede retroceder pero, aun así, intentan defender la vuelta al trabajo artesano. Ruskin es el
referente principal ideológico del movimiento Arts and Crafts.

· Arts and Crafts Movement.

El movimiento Arts and Crafts estuvo encabezado por William Morris. Aboga por el renacer de lo
artesanal. Defiende que la máquina no puede producir productos auténticos y propone una
vuelta al pasado para dignificar ese objeto cotidiano. Esta totalmente en contra de la división
del trabajo en la que el hombre realiza una pequeña parte en una cadena de montaje. Además,
se identifica con las ideas del socialismo de Marx, y defiende ese arte del pueblo para el pueblo,
de intentar recuperar los valores de la tradición que se estaban perdiendo con todo el auge del
capitalismo, del liberalismo y de la industria.

Es un movimiento fundamentalmente británico pero que tuvo muchísima repercusión en otros

Reservados todos los derechos.

países. Intenta recuperar la relación perdida entre seres humanos y los utensilios rechazando
la industria (utopismo). Son ideas utópicas que afirman que la máquina no puede producir
objetos auténticos y hay que volver al trabajo artesanal. Buscan darle nobleza a los productos
de uso cotidiano. Esto va a tener ciertas contradicciones porque eso hace que suba el precio y
que los objetos artesanales solo se los puedan permitir una minoría, que era la clase alta. Por
tanto, esa idea del arte del pueblo para el pueblo era utópica porque al ser la producción
artesanal resultaban objetos caros.

Plantean una serie de principios en los que la belleza tiene que estar en todo los objetos, incluso
los más cotidianos. Se inspiran en modelos populares, vernáculos, y está en contra de esa
estética totalmente recargada de la época, ese eclecticismo.

En todos estos objetos predomina la función sobre la forma. Sin embargo, son partícipes de
que, incluso los detalles constructivos (uniones, los clavos, los herrajes), sean la misma
ornamentación. Esos detalles formales que hacen que los objetos se diferencien. Proponen el
valor de lo vernáculo, de lo tradicional, y promueven estas formas con estética medieval.

William Morris junto con el arquitecto Philip Webb y toda una serie de artistas de la época,
participan en el diseño de la Casa Roja de Morris. Siguen esa estética medieval, la cual estaba
adecuada al entorno y sin ostentaciones. Proponen una mirada la gótico, y reivindican esa
tradición pero con poca decoración. Son sobre todo objetos sencillos sin lujos pero que
resultan caros al estar fabricados artesanalmente. Vuelve el oficio de los artesanos, sobre todo
en Inglaterra, donde este movimiento tiene mucha repercusión.

Este grupo junto con Morris crean una empresa y empiezan a comercializar todo tipo de objetos:
muebles, tapices, cerámica, decoraciones, objetos metálicos, tejidos y patterns. Destacan los
tejidos y patterns en los que propone la repetición de un motivo principal compuesto por lineas
y colores planos.

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 SEGUNDA GENERACIÓN A&C
El Arts and Craft tiene mucho recorrido durante toda la mitad del siglo XIX y luego sigue en
Inglaterra. En la segunda generación de artistas se produce un cambio. Siguen manteniendo
ese valor de lo artesano pero sin prescindir tanto de la máquina, ya que deben intentar lograr ser
competitivos. Hay una serie de artistas que trabajan en gremios de artesanos. Los más
conocidos fueron el Gremio del Siglo y los Trabajadores del Arte. Introducen en los talleres
algunos medios mecanizados sin dejar de dar al objeto esa dimensión artesanal, ya que en el
fondo siguen considerando que el ser humano tiene que formar parte del proceso de creación.
Mackmurdo se anticipa también al modernismo y al Art Nouveau con los motivos curvos.

· Aeshtetic Movement.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
En paralelo al Art and Craft, en esta misma época a finales del siglo 19, aparece un movimiento
mucho más concreto y con menos repercusión que el Art and Craft. No obstante, influyó mucho
en el Art Nouveau.

El máximo representante fue Edward Godwing. Propone unos diseños con rasgos japoneses,
con lineas rectas. Eran diseños modernos para la época.

Sigue esa nostalgia estética igual que el Art and Craft. Va en contra de los excesos victorianos y
de todo el industrialismo pero, no con una actitud social y reivindicativa, sino por una cuestión
puramente estética.

Es un movimiento que aparece en varias disciplinas, como en la literatura, la pintura o el

diseño. Proponen que lo importante es la visión del artista individual. Buscan formas de belleza
particulares, diferenciadas frente a lo recargado de la era victoriana. Se basan en referencias
orientales (japonesas) pero reinterpretadas. Proponen un lenguaje muy sensual y muy exquisito

Reservados todos los derechos.

que luego tiene mucho que ver con el modernismo.

Son una serie de autores que exaltan la búsqueda de la belleza, defendiendo la belleza pura y
haciendo hincapié en esas cualidades visuales y sensuales del arte por encima de las
consideraciones morales o prácticas.

Vemos colores tenues, diseño geométricos y formas lineales pero todavía ese espíritu muy
decorativo.

El siglo XIX es el siglo de los inventos y avances tecnológicos que cambiaron la vida de forma
radical CAPITULO 4 DISEÑO E INVENCION. Habla de cambios técnicos y tecnológicos, ferocarril,
navegació marina, automóviles, aviación, objetos cotidianos, etc.

Un bolígrafo para cada uno de tus estilos :)

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 En el siglo XIX, existían diferentes posturas que surgen sobre todo en Inglaterra entorno al diseño
y su relación con la industria (reformismo y utopismo). El eclecticismo, los estilos neo, la
predominancia del ornamento típica de la época victoriana, la exposición de Londres, y como ahí

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
se pone de manifiesto que algo no se estaba haciendo bien, y el movimiento Art and Craft.

C. ART NOUVEAU O EL MODERNISMO.

Es un movimiento muy rico y complejo que se da a finales del siglo XIX y principios del siglo XX,
en un tiempo relativamente corto. Se da en varios países, es bastante internacional, y por eso
tiene diferentes variantes. También es importante saber que tendrá mucho eco en el mundo del
diseño del producto.

Dura 20 años y surge como reacción al agotamiento de los modelos clasicistas, a esos
excesos de la época victoriana y a los conflictos que estaba teniendo la época industrializada.

Surge como una reacción, es decir, un estilo que busca algo nuevo y rompedor, aventurero y
rejuvenecido.

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Una de las principales características del movimiento es que es hedonista. Fue adoptado por la
burguesía, la clase más acomodada, para diferenciarse del resto y refugiarse en un mundo de
lujo aislado del exterior, rechazando el pasado y el futuro.

Querían crear una estética nueva y diferente a todo hasta el momento y que sobre todo
sorprendiera al espectador.

Comienza en los objetos de uso y acabo expandiéndose a la arquitectura y a las artes.

Destaca por su función estética, muchas veces la forma prima por encima de la función. Es un
movimiento fundamentalmente decorativo y normalmente el ornamento esta integrado en la
misma forma primaria del objeto.

El Art Nouveau es un movimiento internacional que se da en diferentes países. Adopta diferentes

nombres: modernismo (Francia, Bélgica, España), Sezession (Austria), Jugendstil (Alemania),
Modern Style (Gran Bretaña) y Style Liberty (Italia, EEUU).

En España destaca Gaudí. En EEUU el principal representante fue Louis C. Tiffany, lamparas con
vidrieras de colores.

Es un estilo interdisciplinar porque abarca todos los ámbitos: arquitectura, diseño urbano (metro
París), joyería, pintura, escultura, diseño de muebles y todo tipo de objetos, en la literatura (Julio
Berne).

Es un movimiento muy heterogéneo, para nada unitario. Los planteamientos son muy
diferentes y dispares, tanto en las referencias que toman como en los resultados obtenidos. No
obstante, el espíritu es parecido y hay ciertos patrones en común.

El movimiento propone el diseño total, el proyecto integral de forma unitaria. Es una opinión muy
personal de cada autor, por lo que se observan propuestas muy diferentes.

·Escuela de Nancy

La Escuela de Nancy en Francia es uno de los focos del modernismo francés. Es una de las
más extravagantes con referencias a esa estética recargada del rococó convertida en lineas
curvas muy sinuosas, cosa que va a ser una constante del movimiento.

Se toman referencias del pasado y las reinterpretan libremente convirtiéndolo en un lenguaje

propio y nuevo. Buscan producir una estética extraña para el momento, con el objetivo de
causar una sensación de novedad.

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 1. PRINCIPALES REFERENCIAS:
·Japonismo:

El Japonismo. Existe una atracción por la forma de vida y el arte japonés que resultaba muy
diferente a lo que se hacía en Europa. Se genera una moda estética vinculada con lo japonés que
desde varias esferas se intenta imitar y adoptar. Lo vemos en diseños de la época que adoptan
esa estética de lineas verticales y ortogonales (lo veremos mucho en la escuela de Glasgow,
con los diseños de Mackintosh).

·Art and Craft:

El Art and Craft, especialmente de la segunda generación de diseñadores. Introducen en los

talleres las máquinas pero siguen valorando lo artesanal (el gremio del siglo). Destacan autores

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
como Mackmurdo, los cuales se anticipan a las formas que van a ser propias del modernismo:
la linea, la curva, las formas florales. Por tanto, el Art and Craft es una referencia clara.

También el Aesthetic movement es una referencia, de donde toman esas influencias orientales, un
aguaje exquisito y refinado, en contra de l materialidad victoriana y lo que se estaba haciendo
hasta el momento.

·Culturas históricas:

También tomaran algunas ideas, quizás más teóricas, de movimientos más históricos. Primero
el gótico, que había tenido un revival muy importante en el siglo XIX y va a seguir teniéndolo. En
el modernismo se toman algunos aspectos muy concretos de ese revival. Esa admiración por lo
medieval que ya había influenciado al Art and Craft con las figuras de Raskin y Pugin.

Surge un personaje muy singular, el arquitecto Viollet-le-Duc. Fue un enamorado del gótico y de
la arquitectura medieval. Restauró la catedral de Notre Dame (Paris) y le pone esa aguja tan
característica. Tenia también esa idea de la idealización de lo medieval, precisamente por la

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autenticidad y la lógica de la arquitectura gótica.

Esa admiración por lo medieval y lo gótico lo vemos también en Gaudí, el cual realiza
investigaciones e innovaciones en arquitectura y en el estudio de las estructuras.

En ciertos casos, toman referencias de culturas mucho más antiguas. Por ejemplo, en Gaudí lo
vemos respecto a la tradición árabe en la península ibérica en el uso del ladrillo y la cerámica.

Mackintosh toma ciertas ideas del arte celta (Escocia) y que siempre las reinterpreta con total
libertad.

De Gustav Klimt, tenia ciertas influencias del arte bizantino porque sus obras se parecen a esos
mosaicos dorados que tenían la iglesias bizantinas primitivas.

2. SELLOS DE IDENTIDAD DEL MODERNISMO.

Tendencia a utilizar formas fuera de lo establecido para causar sorpresa y sensación de extraño.
Aprovechan las posibilidades de los nuevos materiales. Hay mucho énfasis por la linea y por la
curva, aunque la curva lo vemos mucho más pronunciado el Francia y en Bélgica.

Hay ciertos motivos característicos que se van a repetir en las obras. Las flores, sobre todo los
tallos de las plantas, los cuales permiten hacer motivos alargados y lineales. Los animales e
insectos, buscando formas muy expresivas y a veces simbólicas. La figura femenina,
especialmente en el diseño gráfico en carteles. Utilizan colores planos y se contornean las figuras
con negro como en el arte japonés y también la tipografía.

Incluso hasta en la arquitectura son recurrentes estos motivos iconográficos de las figuras
femeninas, de las figuras sinuosas de los tallos florales. En aquella época era totalmente diferente
y espectacular, ajeno a lo que se había producido hasta el momento y eso es precisamente el
efecto que buscaban, el sorprender.

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 3. SECTORES DE INTERVENCIÓN DEL MODERNISMO
Aquitectura, mobiliario, producto, diseño gráfico y joyería.

·Joyeria:

El autor mas conocido es el francés René Lalique. Autor de joyas modernistas totalmente
fantasiosas. Utiliza el vidrio, piedras preciosas y metales. Diseña formas de animales,
especialmente insectos, que hace que las piezas sean únicas, extravagantes y sofisticadas. Eran
codiciadas por la burguesía de la época, que vivía en su propia barba de lujo intentando
diferenciarse del resto.

·Materiales:

Se potencian los nuevos materiales de la época. Por un lado el vidrio, que permite conseguir

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
formas nuevas y orgánicas. Será un sello de identidad en la arquitectura modernista y también en
el diseño de objetos (Escuela de Nancy, lamparas de vidrios de colores). Por otro lado, el hierro
forjado. Gracias a su ductilidad, permita la libertad de las formas lo que se aprovecha mucho en
la arquitectura junto con el vidrio para obtener formas sinuosas e insólitas, que nunca antes se
habían visto.

·Diseño integral:

El aspecto del diseño total o integral es muy importante porque los diseñadores del
modernismo llegaron a ocuparse del proyecto de todo el interior completo. Desde la arquitectura
hasta el mobiliario y los objetos. Todo esta diseñado de manera unitaria, de manera que forme
parte de un todo.

4. EL MODERNISMO EN LOS DISTINTOS PAISES.

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· Modern Style (Escocia, Gran Bretaña):

Uno de los sitios donde se producen planteamientos mas singulares es en Escocia, en Glasgow,
donde surge una escuela muy concreta cuyos principales autores son Charles Rennie
Mackintosh, Margaret Macdonald, Frances Macdonald y Herbert McNair.

El mas importante fue Mackintosh. Fue un arquitecto que junto con M. Macdonald forman una
pareja creativa y hacen varias obras. Algunas de ellas de arquitectura con ese diseño integral en
el que todo esta pensado en una unidad. La Hill House: Intentan combinar las formas y los
materiales constructivos propios del lugar, de la arquitectura vernácula, y los combinan con
ideas modernas en linea con esos planteamientos del Art Nouveau. Aunque el exterior es
robusto y sobrio, contrasta bastante con el interior, el cual es rico en detalles, totalmente
ornamental. Tiene referencias sobre todo orientales. Todo esta diseñado bajo una unidad (la
arquitectura, el mobiliario, los objetos, los textiles). Se caracteriza por colores claros, delicados,
conductos detalles, con figuras femeninas, con una aire japonés, destaca la geometría, las lineas
y la verticalidad.

Una de las obras de Mackintosh como arquitecto es la Escuela de Arte de Glasgow. En ese
momento fue una de las principales academias de arte de Europa y un centro muy importante.
Tiene un aspecto exterior bastante sobrio con grandes cristaleras y un interior en contraste
totalmente rico donde cada detalle esta diseñado al milímetro. Vemos un lenguaje muy personal e
inédito, con referencias a la arquitectura histórica, a lo vernáculo, pero también buscando cosas
nuevas. Eso hace que sea una estética tan extraña y sorprendente.

· Sezession (Austria, Viena):

Es un poco distinto a los planteamientos del resto de los países. La sezession es una agrupación
de artistas que se forman en Viena y cuya idea era romper con lo anterior, con las tradiciones.
Eso determino una variante del Art Nouveau muy especial. Los autores de la Sezession se
inspiran en Otto Wagner, un arquitecto de una generación anterior. En su obra “La arquitectura
moderna”, critica las formas de la época la cuales dice que están obsoletas. Además, reivindica
la necesidad de una nueva expresión, huyendo de repetir lo histórico. Defiende las nuevas
técnicas y los nuevos materiales para crear un nuevo lenguaje.

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 Se crea un grupo de autores en Viena y construyen un edificio para realizar exposiciones y
eventos, diseñado por el arquitecto Josef Olbrich. Como curiosidad, en la puerta de acceso hay
escrito un lema que está muy vinculado a estas ideas del movimiento: “a cada época su arte, a
cada arte su libertad”. Es un edificio sobrio y rotundo. Tiene una esfera metálica calada y dorada
que quería expresar ese lenguaje nuevo, esa búsqueda del arte nuevo.

Los diseños de la Sezession no tienen nada que ver con la exuberancia modernista de otros
países (p ej Francia). Son diseños mucho mas sencillos donde la decoración esta mucho mas
reducida y se apuesta por la geometría y la abstracción. El caso del diseñador Joseph
Hoffmann es el mas claro en cuanto a eso. Estas ideas son un precedente de las vanguardias y
el funcionalismo.

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
Hoffman junto con K. Moser crean los talleres de Viena (Wiener Werkstätte). Un concepto muy
parecido a los gremios del Art and Craft. Eran grupos para producir y vender productos
domésticos de calidad, diseñados y producidos de forma artesanal y de mucha calidad. Tienen
mucho éxito y tienen continuidad en el tiempo, hasta los años 30. Plantean objetos cotidianos de
calidad, innovadores en cuanto a la estética y el diseño y sobre todo muy cuidados. Defienden la
autenticidad del material y esa simplicidad y geometría. Va a ser precisamente donde se
produzcan los diseños mas vanguardistas antes de la Primera Guerra Mundial, en el seno de
estos talleres. Defienden ese diseño total, esos objetos cotidianos y de gran calidad.
Precisamente por ser en parte artesanales y de muy buena calidad, resultan muy caros. Pasando
algo similar a lo que paso en el century que los productos se encarecen y no pueden ser
competitivos, siendo finalmente para una minoría elitista.

Adolf Loos tuvo mucha repercusión. Surge totalmente en contra sobre esos diseños elitistas.

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Defiende que el diseño debe integrarse en los procesos de producción modernos. En su obra
“Ornamento y delito” de 1908, hace una critica muy dura con un lenguaje muy duro a la
decoración y el ornamento, afirmando que “es un símbolo de un tiempo ya pasado, un signo de
degeneración estética y moral”. Loos es importante porque sus ideas serán un referente para el
posterior movimiento moderno (no modernismo). A. Loos era arquitecto, en sus construcciones
vemos formas rectas y simples en el exterior, totalmente rompedoras para la época principios
siglo XX. En cuanto al interior, muy cuidado y muy sobrio. introduce un concepto muy novedoso
en la arquitectura round plan: el edificio no esta formado por plantas horizontales sino que juega
con las alturas de manera que los espacios tienen mas o menos alturas según su importancia.
Ademas tienen conexiones visuales entre ellos. Este concepto va a ser muy importante en la
arquitectura.

· Art Nouveau (Francia):

El personaje mas conocido del Art Nouveau francés es Héctor Guimard y también la Escuela de
Nancy, la cual tiene ciertos autores que hicieron unos planteamientos bastante específicos.

En Francia toman bastantes referencias del rococó francés que había tenido mucho auge en el
siglo XIX. Toma esa linea recargada, sinuosa y la reinterpreta libremente. Esto se ve reflejado en
muchos sectores joyería (René Lalique) hasta la arquitectura (Metro de Paris). La obra mas
paradigmática es el Metro de Paris con una estética totalmente inconfundible. Se buscaba esa
sensación de extrañeza. Utiliza el metal aprovechando las posibilidades plásticas del material y
consigue formas imposibles. Predominan las curvas sinuosas junto con el vidrio ademas de
utilizar una tipografía tan característica.

Eugène Gallard propone un mobiliario de lineas muy fluidas y dinámicas, bastante abstracto.

En la Escuela de Nancy destacó Émile Gallé, diseñador de objetos principalmente de vidrio,

tapien algunos muebles, que fue recordado por esa experimentado en con el vidrio. Experimenta
con todas las posibilidades que este material ofrece y explota al máximo la expresividad que
puede dar el material, es por esto que hace un uso muy fantasioso y juega con diferentes colores
y texturas, relieves, con juegos de transparencias y opacidad. Incluso incluye formas de la
naturaleza en los objetos, a veces incluso insectos totalmente estilizados convertidos en lineas
para buscar esa sensacion de extrañeza, con un lenguaje muy exquisito pero totalmente
extravagante.

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 · Art Nouveau (Bélgica):

El principal representante es Victor Horta. Destacamos la Maison Tassel, es considerada la

No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
primera obra totalmente modernista, por tanto es un símbolo del movimiento.

Esa búsqueda del lenguaje exquisito impregna toda la casa, hay un diseño total para crear esa
burbuja un mundo interior inédito donde va a primar la estética y donde es burguesía puede
evadirse de lo que esta pasando a su alrededor en un mundo hecho totalmente a medida y con
un lenguaje exquisito.

La escalera es un espacio muy importante de las casas modernistas porque se toman todos los
elementos posibles para potenciar esa estéticas de lineas curvas, eso ofrece l oportunidad la
barandilla. vemos también lineas curvas en las columnas, en la pintura mural, en el pavimento y
absolutamente todo esta dentro d una misma unidad de diseño. El resultado final es bastante
sutil y elegante, precisamente es eso lo que buscaban, crear una ambiente totalmente refinado y
exquisito para esa burguesía que se evadía en esa burbuja de lujo, en esa burbuja hedonista.

· Jugendstil (Alemania):

El arquitecto Henry Van de Velde, era belga pero trabajo más en Alemania, convirtiéndose en el
principal representante del Jugendsitl.

Reservados todos los derechos.

Es una variable un poco diferente ya que esta muy influenciado por las ideas del Art and Craft,
por las ideas de Morris, el valor de lo artesano y la autenticidad del material. Defiende que lo útil
también puede ser bello. Lo muestra muy bien en sus objetos, principalmente en sus muebles.
Van de Velde fue director de la Escuela de Arte de Weimar, que fue el germen de lo que seria la
Bauhaus unos años más tarde.

· Modernismo (España):

El foco principal del modernismo se produce en Cataluña. El autor más conocido es Gaudi, no
obstante existen otros como por ejemplo Lluís Doménech i Montaner.

Gaudi fue un personaje totalmente fuera de serie, propone soluciones únicas e irrepetibles en
arquitectura y diseños. Con un lenguaje muy personal que causa mucha admiración y es
conocido internacionalmente. Gaudi toma ciertos aspectos de la cultura arabe como la
cerámica, el ladrillo, las formas caladas. Tambien recoge algunas ideas del gótico y lo expresa
libremente. La Casa Milà tiene formas antropomórficas que porduce una sensacion de extrañeza
y a la vez de admiración. Gaudi tiene un lenguaje muy personal, el trencadís. Es único,
novedoso, extraño y a la vez arraigado a lo tradicional, a la cultura. Gaudi también tiene diseños
de muebles, en los que trata la madera como si fuera un material moldeable y con unas formas
orgánicas que refuerzan esa sensación de extrañeza.

La Casa Batlló es una de sus casas más famosas. Predominan las formas curvas sinuosas tanto
en la estructura del edificio como en los elementos de su interior. Se diseña hasta el más mínimo
detalle del el edificio: las ventanas, las vidrieras, del uso de los vidrios coloreados, donde todos
es especial singular. En la fachada se observan algunos símbolos, la cubierta es como si fuera un
dragón que esta en movimiento y los balcones como antifaces desde donde la burguesia podía
mirar a escondidas lo que estaba pasando en el Passeig de Gràcia, un eje muy importante para la
ciudad de Barcelona en aquel momento. En la Casa Batlló se diseña hasta el mas mismo detalle.

Otro de los representantes del modernismo en Cataluña es Lluís Doménech i Montaner. Tiene
obras muy conocidas como el Palau de la Música Catalana o el Hospital San Pau. En estas obras
también se observan estas ideas.

Alcoy también fue un foco muy importante del modernismo la Casa del Pavo (Vicente Pascual).

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