El Neoclasicismo
Como una vuelta a los principios del clasicismo, en cuanto a equilibrio y música pura, y en
contraste con la música programática del romanticismo, surge en la década del 20, la idea
de neoclasicismo, cuyo principal compositor fue Igor Stravinsky.
La Melodía y la Armonía
A partir de los acordes rascacielos construidos con siete notas, por superposición de
terceras, que ya habían sido utilizados por compositores del romanticismo, en el
neoclasicismo se crean diversos planos de armonía.
El uso simultáneo de dos tonalidades se denomina bitonalismo, y el de varias politonalismo.
Ejemplos de bitonalismo se encuentran en Petrushka, de Igor Stravinsky, o en Sarcasmos
de Prokofiev, preferentemente en música para piano ya que el contraste de tonalidades se
puede efectuar entre ambas manos. Darius Milhaud, por su parte experimento con la
politonalidad.
Por otra parte, los acordes son utilizados casi con un sentido percusivo dando origen a una
armonía percusiva. Ejemplo característico de esto se puede escuchar en La consagración
de la Primavera, de Igor Stravinsky, en la Sonata para piano Concord, de Charles Ives o en el
Allegro Bárbaro de Bela Bartok.
Melódicamente hay una vuelta hacia lo diatónico en contraste con la preferencia romántica
de lo cromático.
El Ritmo
Otra de las características interesantes del neoclasicismo, y de fácil reconocimiento auditivo
es el que corresponde a los cambios efectuados en el aspecto rítmico.
Existe un encanto por la utilización de compases de cinco, siete u once tiempos, las sincopas
(que producen desplazamientos acentuales) y los cambios de compas, provocados por
acentuaciones en distintas partes del mismo. Esto provoca un efecto denominado
Multimetria: cambios sucesivos de compas.
También el uso de ostinatos rítmicos, con un efecto obsesivo.
Los Medios Sonoros
Con respecto a la orquestación, en el este estilo se utilizan agrupaciones instrumentales
poco comunes.
Stravinsky tuvo preferencia por la orquestación al estilo concertato del barroco, antes que
a las grandes masas sonoras del romanticismo. Utilizo además registros inusuales en los
instrumento, como por ejemplo el del fagot en el comienzo de La Consagración de la
Primavera.
La Textura
La Poliarmonia se puso al servicio del nuevo contrapunto.
Así como compositores en el pasado combinaban líneas melódicas en una textura
denominada polifonía horizontal (o contrapuntística), los compositores del neoclasicismo
hacen combinación de bloques acordicos.
La Forma
En cuanto a lo formal, existe una preferencia por la idea barroca de la expansión continua,
antes que el ideal clásico de la exposición del tema y su elaboración.
En la obra neoclásica está presente la idea de forma aditiva al estilo de Debussy. Se
producen cambios abruptos sin transición y se trabaja con la idea de la mínima variación
que refuerza la repetición, el no desarrollo.
aucontrapartida al Impresionismo francés, surge la respuesta alemana del expresionismo.
Influenciados por pintores como Kandinsky y Paul Klee, los músicos expresionistas quisieron
plasmar en su obra su propio mundo interior.
También es parte del mundo expresionista la obra literaria de Franz Kafka y en el cine, El
Gabinete del Dr. Caligari, de Fritz Lang.
Los impresionistas plasmaron en su obra aquello que el mundo exterior provocaba en sus
sentidos. Con recursos musicales o pictóricos, supieron llevar a su obra evocaciones del
mundo exterior.
Los expresionistas, por su parte, investigaron el mundo interior del individuo. De alguna
manera, emparentados con la obra que Sigmund Freud venía desarrollando a partir de sus
técnicas de trabajo con el inconsciente, en la misma región de Europa, Austria, los
expresionistas tomaron la experiencia interior como una realidad.
Se desarrollaron pues, nuevas concepciones estéticas para transmitir estos pensamientos y
nuevos recursos tímbricos, rítmicos y fundamentalmente grandes cambios ocurrieron en el
campo de la organización de las alturas.
Tomando como punto de partida el Preludio de Tristán e Isolda de Richard Wagner, de
modulación continua, llegaron poco a poco a la ruptura total de los lazos con el sistema
tonal.
La organización de la música alrededor de un sonido con sensación de reposo, ya sea dentro
del sistema de la tonalidad mayor - menor o de los modos antiguos, iba a desaparecer en
manos de los expresionistas.
Los compositores de la Escuela de Viena, Arnold Schoemberg y sus discípulos Anton Webern
y Alban Berg crearon un nuevo lenguaje. Alrededor del atonalismo, otros serían los medios
para organizar la obra musical.
La Melodía y la Armonía
Los expresionistas no concebían a la melodía en relación con estructuras acórdicas
preformadas o apoyada en armonías familiares. Es el fin a la armonía funcional. La
disonancia toma un valor en sí mismo.
La melodía pierde la regularidad y la simetría de épocas pasadas.
Las cadencias se hacen menos evidentes, veladas, atenuadas, en algunos casos, anuladas.
Suprimidas las cadencias, los signos de puntuación no se hacen muy perceptibles.
Se reducen las repeticiones.
Prevalece la melodía de amplios saltos y giros de frase de tipo dentado.
La línea melódica quebrada llega a su extremo en las obras de Anton Webern, quien
distribuye las notas de una melodía entre los distintos instrumentos, de quien distribuye las
notas de una melodía entre distintos instrumentos, de forma tal que cada instrumento no
hace más que dos o tres sonidos de esa melodía. Ejemplo de esto se encuentra en el primer
movimiento de su Sinfonía Op. 21.
Con respecto a la relación entre el texto y la música, esta no acompaña las acentuaciones e
inflexiones naturales de la palabra sino que, por el contrario, las distorsiona para, de alguna
manera, desvincularla de lo real.
El Ritmo
Utilización del ostinato, es decir de un esquema persistente.
También existe un cierto gusto por el tempo libre.
La Textura
Con la escuela de Viena ocurre un gran resurgimiento del contrapunto. Las antiguas técnicas
contrapuntísticas, que habían alcanzado su gloria en el barroco, y luego, de alguna manera
caído en desuso, son rescatadas en esta época.
El resultado sonoro, por supuesto, se encontrara en las antípodas del resultado barroco,
pero los recursos aplicados, serán los mismos: inversión retrogradación al cual se agregara
el de la retrogradación de la inversión.
Este tipo de contrapunto, llamado con certeza disonante, hace que las voces adquieran
independencia entre sí.
Los Medios Sonoros
Los instrumentos se usan en sus registros extremos y/o desusados.
Igualmente se empiezan a investigar otros recursos de producción de los sonidos con los
instrumentos convencionales como así agrupaciones inusuales también agrupaciones
inusuales de instrumentos. En la tercera de sus Cinco piezas para orquesta Op. 10, Anton
Webern utiliza una novedosa combinación de armonio, mandolina, guitarra, celesta,
glockenspiel, cencerros, tambores, clarinete, corno con sordina, trombón, violín, viola con
sordina, violoncelo.
En algunas Obras sobre todo en las de Webern, también se percibe una idea de puntillismo
o atonalismo al trabajar las melodías quebradas y darle a cada timbre algunos sonidos de
ella.
La Forma
De alguna manera Schoenberg sigue ligado en lo formal a la tradición. Su concepción de la
organización musical sigue siendo clásica: exposición de la idea, elaboración y conclusión.
Por su parte Webern, se dedica en sus composiciones a la atomización de la forma. Realiza
en ella variaciones con mínimos elementos, lo cual provoca en las obras un marcado
estatismo.
La Técnica Dodecafónica
Para lograr coherencia y unidad en la obra sin utilizar los procedimientos tradicionales los
compositores de la escuela de Viena, crearon una técnica compositiva denominada
dodecafónica.
Las obras pertenecientes al dodecafonismo, igualmente atonales como las anteriores,
tienen como característica la organización de las alturas en una serie de doce sonidos,
compuesta previamente a la obra misma. Con ella el compositor organiza el material
posterior. La serie funciona como idea unificadora.
La característica principal de esta serie dodecafónica, es la de no poseer ninguna referencia
a principios ligados con la organización tonal. Ningún sonido debe causar sensación de
reposo frente a otro que cause sensación de tensión. Para asegurarlo, ningún sonido puede
reiterarse antes de haber sido escuchados los otros once.
“… un día un gran hombre comprobó que el idioma de la música se había agotado al cabo
de un milenio y que no era capaz masque de reiterar siempre el mismo mensaje. Derogo
mediante un decreto revolucionario la jerarquía de los tonos y los hizo a todos iguales. Les
ordeno una disciplina férrea, para que ninguno de ellos apareciese en la composición más
que los otros y no pudiera reivindicar así los viejos privilegios feudales. Las cortes de los reyes
se acabaron de una vez y para siempre y en lugar de ellas surgió un solo reino basado en la
igualdad cuyo nombre era dodecafonía”
Milan Kundera. El libro de la Risa y el olvido. Editorial Seix Barral. 1998
La Serie Dodecafónica
La propuesta del Dodecafonismo es establecer un principio serial a las doce notas de la
escala cromática. En esta técnica compositiva, las doce notas de la escala cromática tienen
la misma igualdad jerárquica, al no poder repetirse una sin que las otras once hayan sido
tocadas previamente. Ejemplo de una serie dodecafónica:
