CRÍTICA MUSICAL I - II
TEORÍA ESTÉTICA
Francisco Maldonado
Temas:
Definición - Características - Antecedentes
Arte y sociedad
La música como eje no subjetivo
El doble papel del arte
Lo bello, lo feo y la técnica
Mímesis y racionalidad
Definición
Es el título de la obra del filósofo alemán Theodor Adorno,
publicada póstumamente (en 1970) y que se compuso con una
recopilación de escritos, datados entre 1961 y 1969. Además de la
estética filosófica tradicional (reflexiones sobre el arte y la
belleza), Adorno plantea una metodología innovadora para un
estudio interdisciplinar de la materia, que incorpora elementos
de la filosofía política, la sociología y otros campos. Realiza una
revisión de la evolución histórica del arte hasta su paradójico
estado actual, "semi-autónomo", dentro de la modernidad
capitalista, considerando las implicaciones sociopolíticas de esa
evolución.
Definición
Es una reflexión sobre la propia estética como
disciplina y en la que Adorno se plantea la
posibilidad de salvarla de la precaria situación en la
que se encuentra en una época concreta, la de las
vanguardias históricas, los mass-media, los medios
de comunicación de masas, etc. Así, Adorno se
presta a dar una salida airosa a la estética como
disciplina.
Estética
Es la disciplina que estudia la naturaleza de la
belleza y la percepción de la misma por parte de los
individuos, por lo cual se relaciona estrechamente
con el arte. En filosofía, estética es la rama que
estudia la esencia de lo bello y de la percepción de
la belleza del arte, es decir, el gusto. Como campo
de estudio diferenciado, esto es, como disciplina, la
estética surgió en el siglo XVIII, en el contexto del
Iluminismo o Ilustración.
Dialéctica
La dialéctica hegeliana consiste en el desarrollo y la
fundamentación de la tesis, que genera la irrupción
de aspectos contrarios u opuestos, es decir. la
antítesis. Para conciliar estas cuestiones que
aparecen como contradictorias, se avanza hacia
una nueva concepción, que es la síntesis. Y el
conocimiento humano crece.
Características
Adorno no sólo se preocupó del habitual
concernimiento estético por la función de la belleza y lo
sublime en el arte, sino de las relaciones entre arte y
sociedad.
Considera que la liberación que el arte moderno ha
obtenido frente a las restricciones propias de periodos
anteriores (que provenían de la naturaleza de sus
funciones -glorificar a la divinidad o al poder-), le ha
llevado a expandir su capacidad crítica e incrementar
su autonomía formal.
Características
Esta autonomía expandida le da al arte una mayor
responsabilidad en el uso de su capacidad de crítica
social. Sin embargo, Adorno no considera que los
contenidos abiertamente politizados sean la mayor fuerza
crítica del arte: sino, más bien, propugna un tipo más
abstracto de "contenido de verdad".
Contrario a la estética idealista kantiana, la estética de
Adorno localiza el "contenido de verdad" en el objeto
artístico, en vez de en la percepción del sujeto. No
obstante, tal contenido se ve afectado por la
autoconciencia del arte de su necesaria distancia de la
sociedad, perceptible en las disonancias inherentes al arte
moderno.
Características
El "contenido de verdad" se encuentra en último
término, en la relación entre las múltiples
interacciones dialécticas que emergen de la posición
relativa de la obra de arte entre el sujeto y la tradición,
así como en la dialéctica interna dentro de la obra
misma.
ARTE Y SOCIEDAD
La estética social
Adorno propone como principio, que la estéica debe vencer la
dificultad que supone el unir la cercanía del proceso de creación
artística y la fuerza de abstracción de tal manera que el resultado,
la obra de arte, no esté sometida a conceptos abstractos ni
máximas generales como la belleza.
Adorno se sitúa en el plano de la obra de arte. Sólo en este nivel se
debe realizar un proceso de autorreflexión, de búsqueda de
fórmulas o invarientes estéticas, basadas en su propio contenido
histórico-material, en otras palabras, su contexto histórico-social.
Con esoto, se concibe el arte como producto histórico, éste
obtiene su contenido de la realidad, de la empiria, de tal manera
que la forma estética que el objeto artístico muestra no es más que
el contenido sedimentado que aporta la realidad empírica.
La estética social
Adorno concluye con todo esto, que el arte no es un absoluto en sí
mismo, buscando alejarlo de la concepción divina, etérea e
inalcanzable con la que normalmente se lo trataba. Sino que, era
absolutamente social.
Entonces, el arte no es social ni sólo por el modo de su producción
en el que se concentre en cada caso la dialéctica de las fuerzas y
de las relaciones productivas, ni por el origen social de su
contenido. Más bien, el arte se vuelve social por su contraposición
a la sociedad, y esa posición no la adopta hasta que es autónomo.
Es así como el arte presenta una doble faceta, la de fait social y la
de autónomo, que operan como dos caras de la misma moneda. La
obra de arte, al tratar de surgir como algo propio, independiente,
niega a lo social, pero en esa misma negación se encuentra su
socialidad.
La estética social
En esencia, lo social del arte es su movimiento inmanente contra la
sociedad, no su toma de posición manifiesta.
aunque en las estructuras de la obra arte se plasman las huellas de
las luchas sociales, cualquier posicionamiento político que las
obras de arte adopten perjudicará en la elaboración de las obras
de arte y de su propio contenido de verdad.
¿Cuál es la posición del artista, del creador, en todo este asunto?
Para Adorno, desde las obras de arte habla un nosotros, no un yo, y
con tanta más pureza cuanto menos se adopta exteriormente la
obra a un nosotros y a su idioma.
Así pues, ese nosotros estético pertenece a toda la sociedad y el
papel del artista se reduce a algo mínimo que la obra de arte
necesita para salir a la luz. El sujeto humano sería aquel que
imprime ese aliento vital a la obra artística, pero no el creador
absoluto capaz de erigir de la nada, ex nihilo, el objeto artístico.
La estética social
En esencia, lo social del arte es su movimiento inmanente contra la
sociedad, no su toma de posición manifiesta.
aunque en las estructuras de la obra arte se plasman las huellas de
las luchas sociales, cualquier posicionamiento político que las
obras de arte adopten perjudicará en la elaboración de las obras
de arte y de su propio contenido de verdad.
¿Cuál es la posición del artista, del creador, en todo este asunto?
Para Adorno, desde las obras de arte habla un nosotros, no un yo, y
con tanta más pureza cuanto menos se adopta exteriormente la
obra a un nosotros y a su idioma.
Así pues, ese nosotros estético pertenece a toda la sociedad y el
papel del artista se reduce a algo mínimo que la obra de arte
necesita para salir a la luz. El sujeto humano sería aquel que
imprime ese aliento vital a la obra artística, pero no el creador
absoluto capaz de erigir de la nada, ex nihilo, el objeto artístico.
LA MÚSICA COMO
EJE NO SUBJETIVO
Uno de los mitos más grandes de la dominación cultural, es que el
arte, en este caso específico la música, son subjetivas.
Adorno buscó, a través de su obra, demostrar que la música NO ES
SUBJETIVA.
La música tiene dos corrientes independientes la una de la otra. Por
un lado la música popular, y por otro lado, la música seria.
Esta distinción nació en Europa, mucho antes de que nazca la
música americana como tal.
La principal y más clara distinción entre ambas corrientes es la
"ESTANDARIZACIÓN".
El marco sobre el cual se produce la música popular
contemporánea, sea latina o anglo, es siempre el mismo. Estructuras
similares, estéticas semejantes, sin importar el género musical del
que se hable.
Estas estructuras están presentes, aún en los ambientes que dice y
buscan eludirlas.
La música popular contemporánea va siempre de lo general a lo
particular. Produce y te lleva a la misma experiencia familiar y nunca
o, casi nunca, introduce algo elementalmente innovador.
La música popular contemporánea vive de la relación entre el marco
y el detalle., y busca generar un efecto específico. Busca generar
reacciones más fuertes en la parte del detalle, y no en el todo, en el
marco.
El todo está aceptado aun ANTES de que empiece la música, y eso
influye directamente en la manera en la que el sujeto reacciona a los
detalles. Estos detalles ocupan posiciones estratégicas dentro del
marco, sea al principio de un estribillo o al final de un puente.
La situacionalidad nunca interfiere con el esquema. No se le da al
todo, la importancia que merece como acontecimiento musical
La estructura del todo, nunca depende de los detalles.
