ORIGEN Y DESARROLLO

DE LAS VANGUARDIAS
TEMA 0. INTRODUCCIÓN A LAS VANGUARDIAS
INTRODUCCIÓN
Vanguardia es un término francés de origen militar. La Vanguardia es un grupo de oficiales que se
sitúa por delante del cuerpo del ejército. Los que abren el cuerpo protegen y abren camino, y se
supone que son los más atrevidos. Esta idea se traslada al ámbito de la cultura, ya sea en pintura,
música o literatura. En este sentido, podemos decir que las vanguardias aportan novedades,
innovan, abren paso.

Respecto a la cronología, nos referimos a la primera mitad del siglo XX; en 1905 se celebra una
exposición en París donde surge el Fauvismo. A su vez, en Alemania, surge el lenguaje del
Expresionismo alemán. Con la obra de Las señoritas de Avignon (1907) de Picasso se rompe toda la
tradición anterior. Las vanguardias terminan en 1940 con el movimiento del Surrealismo. Estas
formas expresivas serán el arte de los regímenes totalitarios.

Hay que tener en cuenta que son rompedores, pero también echan la mirada hacia atrás. En las
primeras Vanguardias, los artistas se fijarán mucho en el Postimpresionismo y en artistas como
Van Gogh o Gauguin, y también se verán influenciados por el Neoimpresionismo.

Las Vanguardias se definen por movimientos, denominados ismos: Fauvismo, Expresionismo

alemán, Cubismo, Futurismo, Dadaísmo, Neoplasticismo, Suprematismo, Constructivismo,
Realismos, Surrealismo…

El Fauvismo surge el París, y el Expresionismo alemán surge en Dresde y Berlín. Por su parte, el
Cubismo (1908-1909), se desarrolla en París, y fue un lenguaje con una dimensión internacional.
El Futurismo nace en Italia en 1909, y se proyecta por todo el mundo, porque los italianos querían
un universo futurista. Hay muchos Dadás. El Dadaísmo surge en Suiza, pero habrá un Dadá en Berlín,
en París o en Colonia. El de París abrirá camino al Surrealismo. Respecto al Neoplasticismo, está
ligado a Holanda, y el Suprematismo y Constructivismo están vinculados a las vanguardias rusas.
Los Realismos están vinculados con los regímenes totalitarios. El Surrealismo surge en el 1924 en
París y tendrá una proyección totalmente internacional.

Además de estos movimientos artísticos, también son considerados movimientos literarios. A

principios del siglo XX es fundamental la literatura, y esto se ve en los escritores que siguen estas
tendencias en las revistas, donde se combina imagen y texto. Estos textos eran fundamentalmente
poesía. Además, los artistas ilustraban libros de los poetas, de manera que la vinculación es extrema.

En el mundo de la escena, los artistas tienen un papel muy importante, en el diseño del vestuario
o de los telones. Además, los rusos ideaban también construcciones para los escenarios, donde se
llegaban a introducir máquinas. En este sentido, en el mundo de la escena se combina la plástica
con la literatura y la música. La música tendrá mucha importancia, pues muchos de los artistas
vinculan la obra de arte con la música, o son músicos en sí también. La fotografía tendrá mucha
importancia también, sobre todo en el Futurismo italiano. En la vanguardia rusa también habrá
fotógrafos extraordinarios, y Magritte será un gran fotógrafo.

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Una de las aportaciones más importantes de las Vanguardias es la abstracción, es decir, el arte no
objetivo. En cambio, anteriormente, se representaba mediante la figuración, la representación del
mundo físico como existe en la realidad. La abstracción queda muy lejos de planteamientos en los
que domine la imagen.

El siglo XX estará marcada por muchas guerras: la Guerra ítalo-turca (1911-1912), la Guerra de los
Balcanes (1912-1913), la Gran Guerra (1914-1918), la Revolución Rusa (1917) y su guerra civil
(1917-1923), la revolución mexicana (1910-1917), la Gran Depresión (1929), la Guerra Civil
Española (1936-1939) y la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

En este periodo encontramos el fenómeno del Colonialismo, el Expansionismo o la Guerra Fría.

En la primera mitad del XX se produce el desarrollo industrial, el progreso científico y tecnológico,
la máquina, el desarrollo de las comunicaciones y el protagonismo de la ciudad.

Respecto al ámbito geográfico, nos centramos, sobre todo, en Europa, con los países de Francia,
Italia, Alemania, Holanda, Suiza y Rusia. Las Vanguardias llegarán a Estados Unidos mediante las
exposiciones de obras de arte. Además, también llegaron a través de los jóvenes americanos que
venían a Europa a ver obras de arte, museos o galerías y, al volver, llevaban los lenguajes a los
Estados Unidos. Otra cuestión es la presencia de artistas europeos en Estados Unidos, sobre todo
en Nueva York, los cuales pensaran que la ciudad es muy moderna.

En 1917 los estadounidenses empiezan a tener consciencia de su propia grandeza, de sus paisajes,
de manera que dejan de mirar a Europa. Así, surge la American Scene Painting, la escena americana,
donde se representan ciudades o costumbres de los estadounidenses.

En España, el arte de Vanguardias se denominará arte nuevo, y estará a caballo entre la tradición y la
vanguardia. Habrá muchos españoles residentes en París o que viajarán a la ciudad francesa.
También había otros artistas que nunca viajaron, pero estaban en contacto con las Vanguardias
mediante las revistas y los manifiestos. Los artistas españoles siempre mirarán al pasado, fijándose
en artistas como Goya o Velázquez.

En las Vanguardias, lógicamente, tenemos a los artistas, pero también son muy importantes los
grupos: en casi todos los movimientos hay grupos. Diversos artistas se relacionan, tienen las
mismas inquietudes, que viajan juntos, trabajan juntos, haciendo vida comunitaria, publicando
manifiestos como colectivo… Esto será fundamental, en general la idea de grupo, aunque no en
todos los movimientos.

Muchos de los artistas dejarán por escrito sus inquietudes, aficiones, su modo de entender el arte…
y, por otra parte, las ideas del movimiento son plasmadas en los manifiestos o las revistas. Los
artistas de las Vanguardias están frente a los valores establecidos (arte, normas sociales y morales,
creencias). Asimismo, están en una constante búsqueda de la libertad.

Respecto a la temática, encontramos retratos, desnudos, bodegones, escenas de interior… y algunas

novedades, como por ejemplo la máquina, la sexualidad, las guerras y las situaciones políticas, el
azar, el automatismo, los recuerdos, el sueño o el éxtasis. Es decir, seguirán representando las
temáticas clásicas, pero habrá algunas novedades temáticas respecto al arte anterior.

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Respecto a las técnicas, una de las que más destaca es el collage. Se utilizan materiales como el
metal, el metacrilato, tendrá mucha importancia la electricidad, la madera, objetos fabricados o
extraídos de su contexto (ready-made) y el hormigón. La electricidad entrará en las obras de arte
mediante el movimiento de las esculturas. Así, vemos la cuestión del arte cinético, la introducción
de movimiento en las obras de arte. Los objetos son hechos por los artistas o son objetos hechos
elegidos de su entorno por los artistas. Estos los asumen con la mínima intervención y les dan un
significado poético.

En la arquitectura serán muy importantes los metales, sobre todo el acero. El hormigón también
tendrá mucha importancia en la arquitectura, a partir, fundamentalmente, del siglo XX. Por su
parte, el acero tendrá su máxima importancia en el siglo XIX.

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TEMA 1. EL COLOR COMO ELEMENTO
EXPRESIVO Y LA LIBERACIÓN DE LO
TRADICIONAL EN LA CONCEPCIÓN DE LA
FIGURA Y LA NATURALEZA
EL CONCEPTO DE “FIERA”: COLOR Y EXPRESIÓN . EL FAUVISMO
El salón surge en París en el siglo XVIII. En el Salón Carré se celebraba una exposición donde los
artistas presentaban su obra, pero que podía ser, o no, expuesta. Las obras debían pasar por un
jurado que decidía las obras que eran expuestas.

En 1863 el jurado del Salón rechazó un número muy alto de obras. Como resultado hubo protestas
por parte de los artistas, y estos, en 1864 constituyen la sociedad de artistas independientes, donde
crean su salón y pueden exponer sin pasar por el jurado. Tenían como norma “sin jurado ni
premios”. En 1903 se constituye el salón que celebraba exposiciones en otoño, y este era más
independiente. En un principio, las exposiciones anuales del Salón de Otoño se celebraban en el
Petit Palais.

En 1905 se presentaron casi 397 autores con 1625 obras. En la sala VII se situaron unos cuadros
caracterizados por un color con mucha fuerza y con carácter estridente y libre. Estas obras crean
reacciones en el público y la crítica. Louis Vauxcelles, crítico de arte, ve las obras y exclamó que
eran unas bestias del color. Aquí nace el término de fauvismo.

El Fauvismo se caracteriza por la arbitrariedad en el empleo del color, pues no está ligado a la
forma. La arbitrariedad está ligada a la fuerza emotiva de cada observador. El color se identifica
con el sujeto observador, de manera que tiene un valor subjetivo. El color estará asociado a las
emociones y, a través de este, se expresan sentimientos y pasiones. Vlamink será el que más innove
en cuanto al uso del color. Todos estos artistas formaban un grupo, y viajaron juntos. El modo de
distribuir el color se caracteriza por las desarmonías.

Los fauvistas se inspirarán mucho en Van Gogh. Este artista holandés sufrió mucho. Tenía un
hermano, Theo, marchante de arte que pudo hacer poco por él. Viajó mucho durante todo el siglo
XIX, hasta que sintió la necesidad de ayudar a los necesitados. En este periodo hace obras como
El comedor de patatas, donde una serie de personas muy humildes están entorno a una mesa comiendo
solo patatas.

Volverá a París en el año 1886, pero no quiere vivir una vida de ciudad, sino que quiere ir al sur a
estar en contacto con la naturaleza, a Arlés. Aquí pintará La noche estrellada sobre el Ródano. Entre
1889 y 1890 pintará La noche estrellada en un sanatorio mental donde ingresó. En el sanatorio
morirá. Matisse comprará alguna obra de Van Gogh, y los fauvistas podrán ver sus obras en 1889.

Entre 1905 y 1906, Derain viajará a Londres, donde pintará vistas de la ciudad. Veremos una gran
influencia del Neoimpresionismo y el Divisionismo en ellas (Signac, El castillo papal de Avignon).

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Derain viajará a Londres porque su marchante le recomendó que hiciese este viaje para realizar
vistas de la ciudad y así compararse con la figura de Monet, pues este pintó muchas vistas de la
ciudad inglesa.

Barcas en Collioure, Derain, 1905 Vista de Collioure, Matisse, 1905 Vista de Chatou, Vlaminck, 1905

Vista de Londres, Derain, 1906 El puente de Waterloo, Derain, 1906 El puente de Charing Cross y las casas del
Parlamento, Derain, 1906

En todas las obras de Derain podemos ver sus características principales: colores aplastados y
superficies planas, una clara influencia de Gauguin.

El marchante es una figura muy importante en las Vanguardias. Es un comerciante de are que
compra obras de artistas del momento, y actúa como su representante. Hacen un contrato y
establecen las normas. Las funciones del marchante son las siguientes:

- Establecer un contacto verídico con el artista.

- Mostrar su obra en la galería de arte.
- Organizar exposiciones.
- Favorecer la crítica.
- Editar publicaciones o costearlas.
- Buscar clientes.
- Saber vender.
- Establecer una relación personal con el artista

El que inventó la figura del marchante fue Paul Durand-Ruel. Abrió una galería en 1865 en París y
otra en Londres en el año 1870. Este hombre está ligado a un determinado grupo de artistas: el
Realismo, concretamente la Escuela de Barbizon, los cuales trabajarán para él, y el Impresionismo.
De hecho, favoreció mucho a la difusión del Impresionismo gracias a una exposición que se llamó
La invención del Impresionismo.

Ambroise Vollard fue otro marchante que abrió su galería en 1890. Apoyará mucho a los fauvistas
y a los postimpresionistas. Incluso, se vinculará con Picasso. Impulsó la edición de carpetas con

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grabados de obras de los artistas, la edición de monografías además de ser autor de biografías. Él
mismo escribió su autobiografía, y la llamó Memorias de un vendedor de cuadros.

Gauguin también influenció mucho a estos artistas. Él mismo abogaba por plasmar las impresiones
a través de la simplificación, mediante la síntesis. Sus obras se caracterizan por áreas planas de color
y bordes negros. Junto con otros artistas, pretendía crear una colonia de artistas en Pont-Aven,
donde viviesen en comunidad, teniendo como precedentes a los prerrafaelitas.

“ no trabajéis tanto según la naturaleza, el arte es abstracción. Tomad de la naturaleza lo que de ella
veáis en vuestos sueños.

Mujer del sombrero, Matisse, 1905. Mujer de la raya verde, Matisse, 1905. El Cristo amarillo,
Gauguin, 1888

En todas sus obras, Matisse representa fondos planos coloreados.

 La dicha de vivir, Matisse, 1906.

En esta obra podemos ver una clara influencia de Gauguin. Los

colores son totalmente arbitrarios, y la obra está protagonizada
por mujeres y hombres desnudos, sin ningún tipo de vergüenza,
cosa que se asocia a una alegoría de la verdad propia del
Renacimiento.

En la obra podemos ver a todos los personajes tocando

instrumentos, abrazándose y queriéndose, es decir, mostrando la
alegría de vivir. Se trata de una especie de escapatoria de la vida urbana de la ciudad. Los modelos
previos no son imitativos, pero sí se representan algunas ideas influenciadas por Rubens, Tiziano
(bacanal) o Watteau (fiestas galantes). Todas las figuras de esta obra son figuras ideales, utópicas,
que están en estrecho contacto con la naturaleza.

 Estudio rojo, Matisse, 1911.

En esta obra, Matisse trabaja solo con dos colores: rojo y azul. Este
se aplica con una gran extensión, y no hay diferencia, aunque sí
existen líneas sutiles, pero no un cambio de color como tal.

Todas las obras que hay aquí son de Matisse, pues la representación
es de su estudio.

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DIE BRÜCKE (EL PUENTE): MÁS ALLÁ DE LAS NORMAS
Encontramos Dresde en Sajonia. Desde 1547 hasta 1806 fue una ciudad muy hermosa, construida
por los príncipes electores de Sajonia. La ciudad fue destruida entre el 13 y el 14 de febrero de 1945
por aviones pertenecientes a la aviación inglesa y norteamericana.

En el momento en el que los artistas del Puente trabajan, nos encontramos en el Imperio alemán
desde 1871. Este era un régimen militarista y, al lado de este espíritu, una serie de escritores y
artistas rechazaban el positivismo y el desarrollo científico, cuestionaban el modo de vida del
momento, y ellos querían cambiar y dar la espalda a todos estos valores y a las viejas convenciones.

Querían moverse en libertad y ser ellos mismos, sin mirar a su entorno. Se oponen a todas las
normas establecidas, a los aspectos sociales, a la patria, a los códigos sociales y al modelo familiar.

Frank Wedekind, escritor que denunció la moral burguesa por oponerse a la libertad pasional de
los instintos. Los artistas del Puente entrarán en contacto con esta obra, del mismo modo que lo
hicieron con Nietzsche.

- Nihilismo
- Fe ciega en el individuo
- La acción como sentido de la vida
- exaltación del individuo que se arriesga y vence al peligro
- Estar en el abismo y la capacidad del ser humano por vencerlo

Con respecto al arte, la academia empieza a cuestionarse, y se destruyen todos los cánones, normas
y reglas. Defienden la supremacía de la expresión subjetiva y la independencia frente al aprendizaje
académico. Los artistas constituyen un grupo con un ideario común y una lucha colectiva bajo una
creencia en una nueva hermandad de gente joven. Se reúnen continuamente, trabajan juntos, y
utilizan los mismos modelos.

Estos artistas, a pesar de que se sienten unos salvajes, van a la búsqueda de lugares no contaminados
por la mentalidad burguesa. Así, acuden a diferentes pueblos donde habitan personas más sencillas,
que no buscan el enriquecimiento, que son más nobles… La búsqueda del salvaje noble viene ya
del siglo XIX. Quieren sentir la naturaleza virgen en la sociedad cada vez más industrializada, de
manera que se van a las islas del Mar Báltico, a pueblos de pescadores y a lagos lejanos.

Estos viajes los hacían todos juntos con las modelos. Así, surgen los grupos juveniles llamados Aves
errantes. Estos grupos hacían excursiones y salidas campestres, se trataban de una reacción juvenil
ante la rígida estructura patriarcal, heredada de la educación prusiana, rechazaban la monotonía y
la estrechez de la vida urbana industrial, materialista, a la búsqueda de una meta interior de signo
espiritual. Además, veían los espacios naturales como ideales para encontrarse con el elemento
transcendente.

Dresde, a pesar de su hermosura, no deja de ser una ciudad de provincia. Ellos quieren tener otras
vivencias, proporcionadas por Berlín. Desde el año 1911 hasta el 1914, este grupo se traslada a
Berlín. Esta ciudad era la ciudad de la noche, los cabarés, las fiestas… Walden, artista y escritor,
había fundado una revista, Der Sturm (La Tormenta), pero también fundó una galería donde se

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celebraron exposiciones para dar a conocer el Futurismo. Heckel participa en el año 1911 en la
portada de la revista, dibujando una escena de local nocturno.

Heckel era compañero del mismo grupo de Kirchner. El desnudo tendrá una
gran importancia. Sobre todo, porque es la base de las artes figurativas. En
este grupo veremos muchos desnudos, fundamentalmente de mujeres.

En esta obra, el uso del color es muy diferente del que

hacía Matisse. Existe un dibujo, un poco abrupto y
anguloso. No existe la compostura, no posa, sino que
simplemente está en un momento cotidiano sentada en
un sillón o sofá. Podemos ver una deformación de la
Heckel con una modelo, realidad para ahondar en la emoción ante la naturaleza
Kirchner 1905. y el cuerpo humano, de manera que la sexualidad ya no
es hermosa.

Las modelos siguen encontrándose en la misma Desnudo femenino,

Kirchner 1921.
postura que la obra anterior. No posan,
simplemente son retratadas en una escena cotidiana.

Podemos apreciar como los contornos de las figuras son líneas negras
muy gruesas, las cuales tienen una clara inspiración en la xilografía.
Todas estas modelos solían ser amigas de los artistas, y eran muy jóvenes,
cosa que hace que las obras, por sus posturas, actitudes y desnudos, sean
perturbadoras.
Dos desnudos con barreño y
estufa, Kirchner 1911. Esta obra también es bastante perturbadora.
Podemos ver a una modelo joven, una niña,
recostada de una forma muy sexual jugando con su muñeca. Al fondo
se vislumbran las piernas de un hombre, cosa que intensifica esta
sensación de perturbación. La postura de la niña tiene una alta
connotación sexual, y claramente se inspira en las Venus clásicas, como
por ejemplo en la Venus Dormida de Tiziano.
Joven recostada, Heckel 1910.

La fábrica de ladrillos, Heckel, 1907. Bañistas en Moritzburg, Kirchner, 1926.

En La fábrica de ladrillos podemos ver una clara influencia en Van Gogh en el tipo de pincelada. Por
otra parte, en Las bañistas en Moritzburg vemos una pincelada tosca y bruta.

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Tocador, mujer ante el espejo, Kirchner, Dos mujeres con lavamanos, Kirchner,
1912. 1913.

Ambas son escenas de interior. En la segunda obra, las mujeres eran hermanas, y estaban en
contacto con Kirchner. Las pinceladas sueltas crean contornos plumeados. El artista, durante su
etapa en Berlín, cambia la pincelada. Es decir, cuando se muda a la capital, cambiará de forma
radical su forma de pintar.

En esta obra aparece una mujer paseando por una de las plazas principales
de Berlín. En 1914 se produjo el asesinato del archiduque Francisco
Fernando de Austria.

En el fondo podemos apreciar el sentido dinámico de las arquitecturas.

Esta obra tendrá una fuerte influencia en el Expresionismo alemán y en la
película del Gabinete del doctor Caligari.

En esta obra, el autor rompe totalmente con la

perspectiva, y utiliza colores muy estridentes.
Postdamer Platz, Kirchner se representa con la mirada perdida frente a una
Kirchner, 1914.
copa de absenta en la mesa, bebida que era utilizada para
olvidar.

Para Kirchner, la Primera Guerra Mundial fue

todo un trauma. En esta obra se representa el
artista como un soldado. Tiene la mano
amputada, y esta es la representación de la idea El bebedor, autorretrato,
conceptual de que no necesita la mano derecha a Kirchner, 1914-1915.
causa de la guerra.

Aquí también tiene la mirada perdida, y no tiene pupilas, además de un

cigarro en la boca. Ambas obras se entienden perfectamente en el
Autorretrato como soldado,
contexto de la Primera Guerra Mundial, pues muchos de los artistas de
Kirchner, 1914. esta época tuvieron que participar en ella, y quedaron traumatizados.

Nos trasladamos a la ciudad de Múnich. Cuando hablamos de la arquitectura de la ciudad pensamos

en Leo von Klenze, encargado de prácticamente todas las obras arquitectónicas de la ciudad. Entre
los siglos XIX y XX encontramos una tendencia, la Secession. A principios del XX aparecen unos

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artistas que quieren cambiar las tendencias de la ciudad. Estos se oponen a las viejas normas con
idea de organizar exposiciones.

Vasili Kandinsky fue uno de sus fundadores. Se movió entre Odesa y Moscú y fue estudiante de
derecho. A finales de 1895 vio una exposición de impresionistas franceses y quedó impactado, de
manera que decidió dedicarse al arte. Abandonó Rusia y se dirigió a Múnich. Con 30 años aprendió
a pintar y viajará por toda Europa para exponer en Paris y otras ciudades importantes.

Pronto se creará la Nueva Asociación de Artistas de Múnich, de la cual formarán parte Kandinsky,
Alexei von Jawlenski o Gabrielle Münter.

En Kandinsky podemos ver la destrucción de toda la alusión a la

profundidad. Utiliza mucho los colores primarios (rojo, azul y
amarillo) y como color secundario utiliza el verde.

Todos los colores están aplicados de una manera muy vibrante, y

da el color como si le temblase el pulso.

Utiliza colores primarios y

Paisaje de Murnau, Kandinsky, 1909. secundarios. La perspectiva es
muy desconcertante, y las
figuras están hechas dibujadas con una línea negra. Poco a poco,
en Kandinsky, iremos viendo una progresiva simplificación del
mundo físico. Esto le llevará, en el año 1910 a la absoluta
abstracción y al arte no objetivo.

Aquí vemos, por primera vez, la figura del jinete, la cual tendrá Estudio para composición II, Kandinsky,
1909.
mucha importancia en su obra posteriormente.

DER BLAUE REITER: EL JINETE AZUL

Kandinsky fundará, en el año 1911 este grupo. Además de este artista,
formarán parte también G. Münter, Franz Marc y Auguste Macke. Este
grupo editará una revista de la cual solo saldrá un único número, Alma
Nach, En sus escritos decían que no querían hacer propaganda de una
sola forma, sino que todo es válido.

También hablan de un arte sin límites geográficos, cronológicos o

culturales. De hecho, su arte se caracterizará mucho por las
confrontaciones culturales.

Uno de los miembros de este grupo será Franz Marc, el cual morirá
muy joven, en 1916. Marc considera que el mundo ha estado contaminado por lo material y el
egoísmo. Él dice que quiere mirar hacia la naturaleza y el animal, cosas que para él representan la
verdad, la pureza, y evocan todo lo bueno. De hecho, se irá a vivir a los Alpes bárbaros para poder
pintar la naturaleza.

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 En la obra representa animales y un hombre desnudo sin
temor. Se trata de un mundo idílico, inspirado en lo que para
él sería el paraíso. En este paraíso, los hombres aspiran a la
bondad que transmiten los animales. Utiliza los tres colores
primarios y como secundario utiliza el verde. Y aparece
también el caballo azul propio de este grupo de artistas.

El sueño, Franz Marc, 1912.

August Macke murió en 1914 a causa de la guerra. Se dedicará a representar la vida mundana de la
ciudad, concretamente de Múnich y, en su obra, es muy frecuente ver escaparates, tiendas, paseos,
visitas a zoos, escenas de circo…

Los Stein serán una familia de norteamericanos de origen alemán. Eran una familia con mucho
dinero que harán muchos viajes a Europa, cosa que era fundamental para los americanos de élite.
Dos de los hermanos, Leo y Gertrude, entre 1902 y 1903 se fueron a vivir en París después de estar
en Londres. Leo estaba muy interesado por la Historia del Arte, y tenía unas inquietudes más
tradicionales que su hermana. En una casa de París tendrán, todos los sábados, una tertulia y a esta
acudirá gente muy interesante, sobre todo norteamericanos que están de paso.

Retrato de Michael
Stein, Matisse, 1916.

Serguéi Ivanovich Shchukin fue otro coleccionista muy importante de obras

del Postimpresionismo y del Fauvismo. En la Residencia Shchukin
coleccionaba obras de artistas como Monet, Matisse y Gauguin. De hecho,
Matisse viajó a Moscú invitado por él mismo y trabajó allí. En este viaje,
Matisse se encontró con obras que Serguéi había comprado en París.

En 1918 el gobierno bolchevique incauta su colección de obras mediante un

decreto firmado por Lenin. Con su colección y la de Morózov se fundará el
Museo Estatal de Arte Occidental. En 1948 Stalin lo clausuró por burgués
y las obras se repartieron entre diversos museos de ciudades como San Retrato de Serguéi Ivanovich
Shchukin, Dmitry
Petersburgo y Moscú.
Melnikov, 1915.

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 La danza, Matisse, 1910.

Albert Barnes será un coleccionista muy importante de obras del

Postimpresionismo y de Matisse. Barnes era médico. De hecho, inventó y
patentó un antiséptico para la curación de la gonorrea. Hizo muchos viajes
a París, donde estableció contacto con los Stein.

Adquirió muchas obras de marchantes y galerías y tuvo contacto directo

con Matisse en el año 1930 en Merion. En su colección tenía muchas obras
de Renoir y Cézanne.

Como podemos ver en esta imagen de una de las paredes de su

casa donde tenía todas las obras, buscaba la armonía y el orden
en la forma de situar las obras. Esta búsqueda de orden tiene
que ver con su pensamiento, porque su museo estaba pensado
para estudiantes de la universidad y los obreros de su fábrica, no
para turistas.

En el museo se daban conferencias sobre diferentes aspectos de

la cultura que se contemplaban en el momento. El orden daba un sentido de tranquilidad para
elevar la condición humana de los estudiantes y los trabajadores. En definitiva, era una colección
para degustar, no para la masa. Barnes se interesó mucho por el mundo del arte negro, y escribió
mucho sobre él. La dicha de vivir de Matisse era una de las obras maestras de la Fundación Barnes.

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TEMA 2. REPERCUSIÓN DE OTRAS CULTURAS NO
EUROPEAS
ORIENTALISMO
Nos encontramos en un momento donde las potencias occidentales se comen el mundo debido a
las colonias y los protectorados. Las colonias son territorios sujetos al gobierno y administración
de la metrópolis. Los protectorados, en cambio, se caracterizan por la soberanía parcial que un
estado ejerce sobre otro, de manera que no está incorporado por completo a la nación y posee
autoridades propias.

En este contexto era muy importante el comercio, los viajes y las exposiciones, como la de Filipinas
en el Palacio de Cristal. El coleccionismo, tanto privado como público también tendrá una fuerte
importancia, surgiendo, como consecuencia, los museos. El coleccionismo surgirá de la necesidad
de coleccionar cosas exóticas de países lejanos. Surgirán muchos museos dedicados a la etnografía
de estas partes lejanas del mundo.

Se entiende por orientalismo la representación de determinados aspectos de culturas orientales en

Occidente, particularmente del mundo árabe musulmán, imperio otomano y el norte de África.
Uno de los temas que más veremos es el del baño turco, porque les chocará mucho el hecho del
harem. En este mismo ámbito nacen las figuras de las odaliscas, esclavas que servían a las
concubinas.

El baño turco, Ingres, 1862. La gran odalisca, Ingres, 1814. Odalisca con esclava y eunuco,
Ingres, 1839.

Matisse también toma este tema tras diferentes estancias en el norte

de África durante los primeros años del siglo XX. Los pintará
durante los años 20 mientras se encuentra en Niza.

Las odaliscas serán utilizadas como una excusa para hacer desnudo.
En esta obra, Matisse insiste mucho en las telas porque coleccionaba
telas orientales.
Odalisca con pantalón rojo, Matisse,
1921.

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JAPONISMO
El japonismo es la influencia de las artes niponas en occidente. Las influencias llegarán, sobre todo,
a través de biombos y abanicos. En La dama de los abanicos de Manet (1873) ya vemos muestra de
estas influencias niponas. La realización de esta obra tiene una estrecha relación con un grabado
(xilografía) japonés.

En esta influencia tenemos que hablar del Retrato de É. Zola de Manet. En el fondo de este podemos
ver un biombo japonés, y también vemos una representación de Los borrachos, de Velázquez, porque
Manet vio el cuadro en Madrid. Además, en el fondo de esta podemos ver grabados japoneses. En
La japonesa de Monet encontramos una relación muy cercana con un grabado japonés.

La dama de los abanicos, Manet,

1873.
Retrato de É. Zola, La japonesa, Monet,
Manet, 1868. 1876.
Los grabados japoneses se llaman ukiyo-e, “pinturas del mundo flotante” o estampas japonesas.
Estos grabados son xilografías que se producen entre los siglos XVII y XX. Suelen ser escenas de
paisajes, teatros y zonas de alterne con mujeres y clientes. Destacan los artistas Utamaro, Hokusai
e Hirosighe. Estos grabados fueron comercializados en Europa, de manera que los artistas del
continente pudieron verlos en persona y reproducirlos. Es el caso de Van Gogh, quien copió un
grabado japonés. En sus copias a grabados, vemos las zonas claramente delimitadas.

Una persona muy importante en este contexto de compraventa de grabados japoneses en Europa
es el padre Tanguy. Este hombre vendía los grabados japoneses y los artistas podían apreciarlos en
sus tiendas.

Jardín de ciruelos, Van Gogh.

Retrato del Padre Tanguy,
Van Gogh, 1887.

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 En las obras con influencias niponas no interesa la perspectiva ni
los volúmenes, sino que vemos superficies planas y zonas
claramente delimitadas y coloreadas en franjas.

Gauguin decía que la civilización europea estaba contaminada. De

hecho, hablaba de una Europa podrida y mezquina, de manera que
los artistas empezarán a buscar otras referencias, porque Europa
Van Gogh pintando girasoles, está industrializada y deshumanizada, y quieren otros mundos.
Gauguin, 1888.
Por todo esto, Gauguin buscaba encontrar al “buen salvaje”, como
decía Rousseau. Este concepto surgirá en oposición al burgués, e irá acompañado por la búsqueda
también de una naturaleza virgen, sin ataduras morales o sociales, en libertad y el alejamiento de lo
convencional y artificial. Para encontrar todo esto se fue a la Bretaña francesa.

En la Bretaña francesa pintará escenas donde apreciamos mujeres

con la vestimenta típica del territorio. Además, las obras estarán muy
influenciadas por la estampa japonesa.

Esta obra destaca por las áreas coloreadas, la riqueza del color, las
superficies planas y los colores aplastados.

Gauguin también huyó a Arlés con Van Gogh, donde intentó

formar una comunidad de artistas. Aun así, Europa no le basta, de La visión después del sermón (La lucha
manera que se va a Martinica, en Las Antillas, en el año 1887. de Jacob con el ángel), Gauguin,
1888.
Volverá a Europa, pero en 1891 se volverá a marchar a Tahití.

La bella Ángela, Mujeres Tahitianas en la playa,

Matamoe (Muerte, Paisaje
Gauguin, 1889. Gauguin, 1892.
con pavos reales),
Gauguin, 1892.

Regresó a París, donde se quedó desde 1893 hasta el 95, pero volvió a irse a Tahití. Al volver a la
isla verá que cada vez está más europeizada, de manera que se irá a las Islas Marquesas en 1901,
donde se construyó una cabaña que llamó La casa del placer y murió en 1903.

15
COLONIAS ALEMANAS EN LOS MARES DEL SUR
Las Islas de Micronesia y Palaos eran colonias alemanas vendidas por España, de donde extraían
minerales. En 1885 Alemania ocupa estas islas. Veremos muchas influencias en las obras. Por
ejemplo, en Franzi ante una silla tallada de Kirchner vemos la silla tallada influenciada por las tallas
de los Mares del sur. De hecho, Kirchner también realizó tallas.

Entrando en el mar, Kirchner, 1912.

Franzi ante una silla tallada, Hombre y mujer de pie, Kirchner,
Kirchner, 1910. 1909-10.

Matisse también fue a Tahití en 1930, pero no sintió el mismo placer que Gauguin, sino que se
centró en una síntesis de la naturaleza y sus seres vivos. En el momento se realizaron películas
ambientadas en los Mares del Sur, como Sombras blancas en los Mares del Sur y Tabú.

Polinesia, El cielo, Matisse, 1946.

LO AFRICANO
Toda África pertenece a potencias europeas que se dedicaron a aprovecharse de todos los recursos,
e incluso llegaron a realizar zoológicos de humanos, como en la Exposición Universal de 1889 en
París, para la que trajeron 400 aborígenes. Poco a poco, los artistas se fueron fijando en las
costumbres y técnicas de la África negra. Las influencias, sobre todo, las vamos a ver en las
máscaras.

Máscara Fang. Retrato de Madame Matisse, Matisse, 1913.

16
LAS SEÑORITAS DE AVIGNON Y UN NUEVO CONCEPTO DE LA FIGURA
HUMANA Y DEL ENTORNO
Nos situamos en el contexto de la ciudad de París, concretamente
en Montmartre, donde alrededor de los años 1904-1909 viven
muchos artistas. Picasso vivía en una colmena de artistas en muy
malas condiciones, y es aquí donde pinta Las señoritas de
Avignon, las cuales rumió desde 1906 pero realizó entre junio y
julio de 1907.

En la obra encontramos a 5 mujeres y lo sabemos por la

constitución corporal de estas, ya que están desnudas o
cubriéndose ligeramente con unos paños de influencia
claramente sacra. Las mujeres tienen los senos y el pubis marcado
y los cabellos largos, y las 5 están en un interior que se deduce por la mesita en primer plano que
contiene encima un bodegón de naturaleza muerta. En este bodegón vemos una pera, manzana,
sandía y uva. Detrás de ellas hay un cortinaje, de hecho, las de los extremos sujetan las cortinas
para entrar. No obstante, no hay alusión descriptiva de este interior, ni fondo ni lejanía.

La de la izquierda accede y descorre la de la cortina, y la de la derecha del todo la abre para acceder,
pero no hay referencias a un lugar, de forma que el lugar no es descriptivo.

Encontramos una nueva percepción de la belleza, con colores rosas y ocres que destacan entre los
azules y los blancos. También vemos una nueva concepción del cuerpo humano: huye del cánon y
la belleza del momento, del modo de concebir la naturaleza de la mujer… Vemos también un
sentido de horror vacui.

Se hablan de algunas posibles referencias para la realización de esta obra:

Las modelos, Seurat, 1888. Inspección médica La alegría de vivir, Matisse, 1906. Bañistas, Cézanne, La visión de San
en la Rue des 1885-87. Juan, El Greco,
Moulins, 1608-1614.
Toulouse-
Lautrec, 1894.
Picasso hizo muchos trabajos preparatorios (entre 400 y 500). Pudo llenar 16 álbumes desde otoño
de 1906 con diferentes técnicas de ejecución, desde dibujo, acuarela, pastel, oleo… Estará durante
un año pensando en cómo hacer el cuadro.

17
Retrato de Matisse, Derain, Retrato de Derain, Matisse, Retrato de Derain, Vlaminck, Retrato de Vlaminck, Derain,
1905. 1905. 1905. 1905.

PABLO RUIZ PICASSO

Con todas estas obras podemos ver que el retrato será un género que seguirá vigente durante las
Vanguardias. Vemos, sobre todo, mucho retrato de artistas. En estos 4 ejemplos, todos son artistas
del mismo movimiento, del Fauvismo. Son del mismo grupo, y se retratan mutuamente. El año
1905 fue importante, pues se llevó a cabo la Exposición del Salón de Otoño. La idea de grupo será
muy importante durante las Vanguardias.

Entre septiembre de 1897 y junio del 1898 se establece en Madrid

para estudiar en la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando. Su padre quería que fuese profesor. Irá mucho al
Parado, donde admirará a los clásicos como Velázquez, Goya o El
Greco. De hecho, el 1937, la República lo convertirá en el director
del museo. En estos momentos se encontraba en París, de manera
que no tomó posesión del cargo.
Ciencia y caridad, Picasso, 1897.Más tarde volvería a Barcelona donde pintará otros temas y se
pondrá en contacto con la modernidad catalana y con artistas como Ramón Casas o Santiago
Rusinyol, a los cuales admirará. Ellos se expresan por escrito en una revista llamada Pèl i ploma.

Pere Romeu funda una cervecería artística literaria donde se reunían

artistas y escritores. Para esta cervecería, Ramón Casas pinta Casas y
Pere Romeu en un tándem (1897). La cervecería está construida por
Puig i Montaner, y le da el nombre de Els quatre gats. Picasso se
encargará del menú y su diseño en 1897.

Durante esta época, Picasso ve otro mundo, y tendrá otras nuevas

inquietudes, alejado del convencionalismo en cuanto a la temática.

18
 En El abrazo (1900) podemos ver parte de su experiencia en la vida barcelonesa.
Picasso experimentará mucho con los espacios nocturnos y pintará muchas
escenas amorosas, encuentros furtivos, escarceos amorosos, interiores de café-
cabaré, espacios nocturnos…

Entre octubre y diciembre de 1900 se va a París, coincidiendo con la exposición

universal, donde presentará un cuadro. Allí contacta con un marchante catalán
que intenta ayudarle a hacer exposiciones y vender, Manyac.

Entre enero y mayo de 1901 vuelve a Madrid, porque después de ver los
pintores del Postimpresionismo quiere triunfar en Madrid. Así, contactará con escritores de la
Generación del 98 como Pío Baroja o Valle Inclán y fundará la revista Arte Joven, la cual solo contará
con 4 números.

De esta nueva etapa en Madrid es La mujer de azul (1901), donde predominan

los tonos verdes. Vemos como una Menina pasada por las noches locas de
París. Vemos la influencia de Manet en la soltura de la pincelada, los blancos
verdosos, la riqueza del color…, pero también vemos la influencia de
Velázquez o de Toulouse-Lautrec.

Parece que la mujer esté sentada en un café o un exterior esperando con la

mano en la sombrilla.

Picasso comprende que Madrid no es París, pero él quiere prosperar y

aprender, así que se va a Barcelona y luego a París otra vez, entre junio y
julio de 1901. En esta época pinta temas cotidianos, personajes de la vida
bohemia y nocturna, escenas de café…

Por ejemplo, en Margot (1901) representa a una mujer de la noche de París,

con la mirada alucinada a causa de la absenta. En la pincelada vemos a
van Gogh, Gauguin…

El 17 de febrero de 1901 se suicida su amigo Carles Casagemas, y pinta

Muerte de Casagemas (1901), donde hace alusión a la muerte de su
amigo. Se puede ver la marca de pólvora, la cara muerta, la vela con
una llama, símbolo de vida, verdad y vanitas. La vela se consume como
nuestra vida, y esto será un elemento común en los bodegones
españoles. Con esta obra podemos deducir que ha visto obras de van
Gogh.

19
ETAPA AZUL (1901-1904). PARÍS-BARCELONA
Después de la muerte de su amigo en 1901, por la tristeza, empieza a pintar con el azul como color
predominante. Este es el color de los modernistas, y es elogiado por este movimiento. Es el color
frío, de la noche, de la melancolía, ligado a la tristeza, que es lo que vemos en este periodo.

Se pone en relación las figuras y el color con la pintura románica catalana, y también con El Greco,
pues en este momento se está revalorizando al artista. Las figuras suelen estar descalzas, se aprecia
la tristeza, la melancolía, el frío, el hambre y el sentido trágico en las vidas de las personas.

Madre e hijo, 1901. La bebedora de absenta, Dos hermanas, 1902.

1902.
En Familia junto al mar (1903) vemos unos tonos rosáceos porque empieza a
cambiar la vida del artista. Desde abril de 1904 hasta 1909, Picasso se traslada
a Montmartre, donde vive en el Bateau-Lavoir.

Ahora comienza a ponerse en contacto con otros artistas que vivían cerca
de él y también contacta con escritores.

Con Familia de saltimbanquis de 1905 empieza

su Etapa Rosa (mediados de 1905-mediados
de 1906). En París contacta con la vida en
Montmartre, los cabarés, los cafés y también con el circo.

Durante esta etapa pintará muchos saltimbanquis, equilibristas,

arlequines, malabaristas… En esta obra, el que lleva un traje de
rombos es el propio Picasso.

Au Pain Agile (1905) era el nombre de un local nocturno donde se

bebía y se bailaba. Picasso vuelve a ser el arlequín vestido con un
traje de rombos, y el su rostro podemos ver la melancolía.

Está bebiendo absenta acompañado de una mujer y un hombre

que toca la guitarra. Picasso se retrata como un arlequín porque
decía que era su alter ego.

20
 En verano de 196 se vuelve a Catalunya a pasar el verano en
Gósol, Lleida. Durante esta etapa habrá una diferencia muy
drástica respecto a la Familia de arlequines. Abandonará el rosado
claro para utilizar más colores ocres o terrosos; no abandona el
rosa, sino que lo transforma. Además, empieza a preocuparse
por el carácter solido de las cosas, por la estructura, la masa, y
lo vemos en el modo de construir las casas. Sus obras dejan de
ser descriptivas en pro de lo conceptual.

En Gósol (1906) vemos una clara mirada hacia Cézanne. En cuanto a la figura humana, admira las
bañistas de Cézanne. Tienen un carácter rotundo, las figuras son de bulto redondo, destaca por la
monumentalidad del cuerpo, el carácter de masa del cuerpo, y todo esto lo aprende en Cézanne.

En Dos hermanos (1906) vemos líneas muy influenciadas por Ingres, y

también vemos la mirada a la escultura clásica, como si mirase obras
del arte griego.

En el verano ya había visto obras en la exposición de París de arte

ibérico. El color rosa se hace terroso, como de barro, y hace
importantes estudios anatómicos académicos, muy preocupado por el
desnudo.

Todavía hay referencias al circo, pues vemos un tambor. En esta obra

es importante la consistencia del cuerpo y la figura. Aquí deja Gósol y
regresa a París.

En Joven desnudo y autorretrato (1906) vemos una nueva forma de concebir el

cuerpo humano.

Vemos una figura maciza, escultórica y redondeada, claramente

influenciada por la escultura ibérica. Desde mediados de 1907 hasta
mediados de 1908 tendrá una etapa africana/negra, donde empezará a
interesarse por las máscaras africanas.

Mujer con abanico (1908) tiene una clara

influencia de las máscaras africanas. La figura
se construye con formas geométricas.
Podemos ver que el abanico es un triángulo, el pecho es un circulo y
el rostro es un ovalo. Esto se debe a que en octubre de 1907 se
publican unas cartas de Cézanne y en una de ellas aconseja a los
artistas seguir y trabajar según las formas geométricas.

21
TEMA 3. PERSPECTIVA MÚLTIPLE, ANÁLISIS,
DESCOMPOSICIÓN Y COLLAGE. EL CUBISMO
LA NATURALEZA REDUCIDA A FORMAS GEOMÉTRICAS: EL CUBISMO
Kahnweiler será un marchante muy importante y sustentará el Cubismo. Sus funciones eran:

- Hacer contratos a los artistas.

- Organizar exposiciones.
- Escribir monografías de artistas. Divulgar y afianzar.
- Impulsar la ilustración de libros.
- Editar libros de arte y literatura.

Sufrió mucho durante la Primera Guerra Mundial como alemán. Su

colección fue confiscada en 1914 y vendida por el gobierno francés en
una serie de subastas. En la Segunda Guerra Mundial fue perseguido por
judío.

Braque presenta una obra en el Salón de Otoño de 1907 y fue rechazada

por Matisse, quien formaba parte del jurado. Un crítico dijo de Braque
que pintaba pequeños cubos y reducía todo a formas geométricas básicas. De aquí surgirá el
término del Cubismo.

CUBISMO TEMPRANO (1908-1909)

En el Cubismo temprano interesa la masa, la
estructura con sentido geométrico, con líneas
marcadas sin preocupación por lo descriptivo.
Las casas no tienen puertas ni ventanas, pues
ellos buscan la esencia y la estructura.

Estos artistas quieren ser cerebrales. Interesa la

expresión de lo que pienso, no lo que siento, lo
que mi ojo ve de modo distante, no lo que
palpita en mi corazón.
Casas de l’Estaque, Braque, Paisaje, Picasso, 1908.
1908. Las obras no tienen un colorido tan expresivo
como Matisse o Derain. Podemos ver que Picasso no era tan atrevido como Braque, porque este
aporta elementos más novedosos que Picasso. Vamos a ver como los tonos verdes van
desapareciendo durante el Cubismo poco a poco. Una referencia evidente es Bibemus quarry, de
Cézanne (1900).

Picasso y los artistas cubistas recuperaran el género de la naturaleza muerta que tan importante fue
siglos atrás.

22
Picasso se vuelve a Catalunya, concretamente a Horta d’Ebre, en
Tarragona. En esta obra vemos diferentes puntos de fuga y perspectiva,
algo propio del Cubismo. Vemos que sigue huyendo de lo descriptivo.

En el cielo no hay sol o estrellas, ni puertas ni ventanas en los edificios,

sino que todo es un mismo bloque. Los verdes van desapareciendo en pro
de los colores ocres y grises.

Aquí podemos ver una figura humana pero su

materia está totalmente descompuesta. Picasso La alberca, Picasso, 1909.
descompone la figura para analizarla mejor. La
parte inferior del cuerpo es más complicada de ver.

Vemos que el hombre tiene una chaqueta, va trajeado y vemos algo en la

parte superior que parece una botella. Se rompe totalmente la perspectiva, el
canon, la separación de los objetos…

La figura está situada en un ambiente de café, porque vemos una mesita y

Retrato de Ambroise detectamos la forma de la botella. Este será un tema muy significativo en el
Vollard, Picasso, 1909.
Cubismo: la persona en el café.

CUBISMO ANALÍTICO (1909-1910/1911-1912)

Algunas características de este periodo son:

- Se analiza la realidad mediante su descomposición en parcelas o facetas.

- Integración de la figura con el entorno.
- Colores grises y ocres.
- Predominio de la perspectiva múltiple: objeto visto desde distintos ángulos sobre un mismo
plano.

Braque introduce la figura del óvalo. Vemos una figura y logramos detectar
algunas figuras de esta: una mano.

También podemos apreciar que existe más desarrollo en la parte baja,

mientras que hay más descomposición en la parte alta. Además, vemos que
la figura no está compuesta, sino de tres cuartos.

También vemos que tiene algo en la mano: un instrumento musical. Vemos

líneas paralelas que representan las cuerdas, pues se trata de una mandolina.
Mujer con mandolina,
De nuevo vamos viendo la desaparición de los tonos grises en pro de los
Braque, 1910.
diferentes tonos de ocres.

23
Esta obra está a un paso de la abstracción. Hay mucha dificultad para saber
qué se representa. Precisamente por este motivo este periodo se llama
Cubismo hermético.

A la izquierda podemos ver una naturaleza muerta y una botella, de manera

que podemos deducir que se trata de una figura en un café.

Braque será el primer artista que introducirá las

letras y los números en las obras de arte. En El
portugués (1911) vemos letras, que forman sílabas
inconexas con el entorno hechas mediante el Hombre con guitarra,
Picasso, 1910.
procedimiento de una plantilla, y también vemos
números y notas musicales.

La Naturaleza muerta con abanico (1911) de Picasso

también presenta palabras cortadas o letras que
ayudan a identificar una cosa. En este caso nos ayuda a reconocer e
identificar un periódico, l’Indépendant, periódico habitual en los cafés.

Las letras de Ma Jolie (1914) sirven para

identificar a quién estaba dedicada esta
obra: Eva Gouel, quien sería su novia
desde 1911 hasta 1915.

En la obra podemos ver una figura, instrumentos musicales y letras.

Ma Jolie significa mi hermosa, mi bonita.

En El aficionado (1912) vemos con mayor claridad la figura humana con

sombrero de copa, bigote, camisa con pajarita o la botella. Gracias a este
último elemento sabemos que nos encontramos en un café. También hay
instrumentos musicales.

Sabemos que se trata de un bar con ambiente taurino porque hay un periódico
taurino francés de Nimes.

A partir de 1912, los artistas imitan las texturas, como

por ejemplo las tablas de madera de mesas o cajas. En
Violín, Jolie Eva (1912) vemos la imitación de
superficies de madera y texturas.

24
Respecto a los bodegones cubistas, se representan:

- Cosas: comida y bebida, fruteros, botellas, copas, vasos, jarras…

- Alimentos: aves, uvas, peras, manzanas.
- Tabaco: cajetilla, cigarro, pipa.
- Lectura diaria: periódicos.
- Contenido de dentro de las botellas.
- Pasatiempos: naipes o dados.
- Música: instrumentos de cuerda, viento, teclas…

En el año 1912 se empiezan a incorporar materiales inusuales, como por

ejemplo arena o serrín. En Violín y uvas (1912) vemos una naturaleza
muerta sobre una mesa, con un instrumento que también imita la textura
de la madera, y una botella de anís de mono (botella estriada).

Esta obra es una de las más importantes

de toda la Historia del Arte.

Naturaleza muerta sobre el asiento de una silla

de rejilla (1912) marcó un antes y un después en la pintura, pues
introduce una nueva técnica: el collage. Vemos una naturaleza
muerta, el periódico Journal, una copa, una rodaja de limón
partida, una boquilla de una pipa y la imitación del respaldo de
una silla.

Lo que vemos es plástico; no está pintado, sino que imita el asiento de una silla de rejilla. Y esto lo
hace utilizando el hule pegado al lienzo. Así nace el collage. Así, en esta obra se utilizan diferentes
técnicas: lienzo, tela encerada, hule, óleo y cuerda entorno al óvalo.

EL COLLAGE: INTRODUCCIÓN DE ELEMENTOS FORÁNEOS A LA

PINTURA
El collage es un procedimiento que consiste en introducir en la creación artística elementos
heterogéneos pegados al lienzo. Es muy importante porque introduce un elemento foráneo a la
práctica artística. El artista ha manipulado el fragmento de madera que fluye en la composición.
No corta sin sentido, sino que hay una mente y un proyecto: aparentar que la naturaleza muerta se
encuentra sobre un asiento de rejilla, lo que llamamos trampantojo.

La obra Guitarra, partitura y copa de Picasso (1912) tiene una lectura un poco
más fácil. Identificamos una guitarra, una copa y una partitura, y también el
recorte del periódico Le Journal. Vemos la práctica de los llamados papier
collé, los papeles pegados.

La guitarra está hecha con papeles pegados, no pintada. Vemos un papel azul
recortado y la caja de esta es un papel que imita la madera. El periódico es
real; ha recortado un fragmento para situarlo en la parte inferior. Todo esto
tiene un sentido: la partitura está ligada al instrumento. El fondo de la obra
es un papel de pared.

25
Por otra parte, la copa es la única cosa dibujada por el artista, porque se trata de un fragmento de
un dibujo sobre otro papel mediante la técnica del carboncillo. De nuevo, esta obra nos sitúa en el
contexto de un café.

CUBISMO SINTÉTICO (1912-1915)

En esta etapa del Cubismo, el objeto se muestra con sus partes elementales y básicas. Además, no
hay sentido de volumen, sino de planitud. Respecto al color, se introducen nuevos, tonos que no
son grises ni marrones. Además, tiene mucha importancia la técnica del collage. Los papeles:

- Originan la forma del objeto.

- Introducen el color.
- Introducen elementos ornamentales.
- Aportan información (noticias) y cronología.

Bodegón con mesa: Gillette de Braque (1914) nos presenta una botella.
Vemos la forma de una mesa y a la izquierda veos una palabra.
También encontramos la palabra Gillette y al lado aparece el recorte
de un periódico que anuncia algo referente a trenes.

Con la palabra Gillette vemos información comercial, y esto será

muy importante porque la marca fue muy importante durante la
Primera Guerra Mundial, pues a los soldados americanos se les daba
cuchillas de afeitar, y tuvo mucha repercusión.

De Picasso podemos decir que era hacedor de objetos, no escultor.

Durante su carrera, realizó muchas guitarras a lo tridimensional.
Para sus esculturas no usaba maderas nobles, sino cartón,
hojalata y alambre. En ocasiones, utilizaba cuerdas reales.

Decimos que es hacedor de objetos y no escultor porque

realmente no se trataba de esculpir, sino de construir o
ensamblar.

Un ejemplo de sus esculturas es Mandolina y clarinete (1914), obra realizada con

maderas pobres. Esta escultura tiene sentido pictórico, de manera que
empieza a romperse la barrera escultura-pintura.

26
TEMA 4. EL FUTURISMO: UNA NUEVA ESTÉTICA
EN UNA ITALIA RENACIDA
GRUPO, MANIFIESTOS, REVISTAS
El Futurismo nace en Italia con una vocación internacional, de manera que influye en todo el
mundo. Es fundamental su repercusión en Rusia y las primeras vanguardias rusas; en España
influye en la pintura, un poco, y sobre todo en la literatura. Todos los escritores de vanguardia en
España estaban, de algún modo, ligados al Futurismo.

Respecto a la cronología: 1909-1916. Existen varias fases, pero esta es la fundamental. El 1909
coincide con la Fundación y Manifiesto del Futurismo y la entrada de Italia en la Primera Guerra
Mundial. En el 1918, Marinetti funda el Partido Político Futurista y se adhiere al Fascismo.

Los futuristas constituyeron un grupo cohesionado; eran un grupo de personas con intereses y
luchas comunes, exponían juntos, escribían y firmaban juntos, y tenían un ideólogo, Marinetti. Este
también era artista, pero fundamentalmente era escritor de prosa y poesía. Ellos expresan, a través
de las obras de arte, sus ideas, pero también por escrito, fundamentalmente en los manifiestos.

Los manifiestos son hojas donde expresan, por escrito, su ideal, de la persona o de un grupo. Por
lo tanto, un manifiesto es una declaración de principios e intenciones, es decir, el órgano de
expresión del grupo. En el Futurismo hay muchos manifiestos, para la pintura, música, escultura,
teatro, arquitectura…

En el Manifiesto del Vestido antinatural de Balla (1914) vemos dibujos, cosa

poco común. Juegan con números, mayúsculas, minúsculas y negritas.
Estas se utilizaban para remarcar las ideas más importantes. La
tipografía será muy importante en el Futurismo, sobre todo aportando
novedades. Al final aparece la firma y, si hubiese estado escrito por
todos, aparecerían las firmas de todos.

Al final también parece una dirección, la de la sede de prensa. Esto es

importante, porque vemos cómo recurren a los medios de
comunicación de masas. Ellos escribían miles de manifiestos y los
enviaban por todo el mundo mediante su agencia de prensa, porque su intención era divulgar sus
ideas por todo el mundo.

Los manifiestos se distribuían con un sentido propagandístico. Se

distribuían a mano, se metían en buzones, se lanzaban en lugares públicos
o llegaban también mediante suscripción. También es fundamental la
prensa. Cuando hacían una actividad, lo anunciaban en la prensa. Así
mismo, los manifiestos también eran publicados en los periódicos. El
primer manifiesto lo redactó Marinetti en febrero de 1909, y lo publicó en
un diario francés.

27
En las revistas también publicaban escritos y obras, y serán un órgano de difusión del Futurismo
muy importante. Además, estas también llegaban a todos los países. Algunas revistas son La Voce,
Lacerba, l’Italia Futurista o Noi.

El Futurismo es un movimiento artístico-literario. En el ámbito de la literatura son importantes las

innovaciones tipográficas y compositivas. Encontramos su presencia en pintura, escultura,
arquitectura, diseño de ropa, fotografía, música, danza y teatro. Tampoco dejaron atrás la comida:
escribieron sobre la comida futurista y dónde debía comer la gente.

Todo esto tiene su comprensión por todo lo que se desarrolló en Italia en el siglo XIX, la Italia del
Risorgimento. A partir de estos momentos, se quiso unificar el país, establecer la idea de nación y de
un colectivo unido en una identidad territorial-cultural. Con Víctor Manuel II se crea el Reino de
Italia, en 1861. Italia tendrá una soberanía y unidad nacional frente al dominio del Imperio
austríaco. Entonces, los italianos, con la fuerza que tienen de haber creado una nación y un
sentimiento común, son nacionalistas a ultranza, y muestran fe ciega en el país y deseos de elevarlo
a una gran potencia europea.

También se sienten orgullosos de ser italianos y de querer figurar en el dominio de Europa por su
desarrollo socioeconómico: la Italia industrial empieza a desarrollarse, y surge la industria
siderúrgica, el desarrollo tecnológico y nuevos barrios en las ciudades históricas ligados a esta
industria. El rejuvenecimiento y renovación dicen, tiene que implantarse mediante acción, coraje,
violencia, protesta, destrucción, sublevación…

LA ASPIRACIÓN DE PROGRESO, EL DESARROLLO INDUSTRIAL Y LA

CIUDAD MODERNA COMO REFERENCIA. LA MÁQUINA Y EL RUIDO
La realidad social en la Italia futurista era muy importante. Surge la clase obrera y el proletariado
urbano, movimiento del campesino del sur hacia las ciudades industriales del norte. Tendrán
también mucha importancia los anarquistas y su movimiento.

En este contexto de importancia del movimiento anarquista

encontramos Funeral del anarquista Galli, de Carrà (1911). Representa
el funeral del anarquista Galli, en 1904, durante una huelga general.
Todo se desarrolla con violencia, y vemos mucha acción y un
tumulto de personas. Predominan los colores primarios, rojo,
amarillo y azul, para mostrar la nobleza de los anarquistas.

La revuelta de Russolo (1911) representa casas y una serie de

personas. No vemos sus rostros ni imágenes descriptivas. Poco a
poco, vemos como las personas se van convirtiendo en una masa
de gente andando por la ciudad, y la masa va avanzando con
ímpetu, los brazos levantados, defendiendo sus ideas. Por esta
razón, la obra se llama La revuelta.

De nuevo, vemos colores primarios y líneas de fuerza que implican el movimiento y la energía de
la masa que avanza. El lenguaje pictórico está ligado, en cierta manera, al cubismo.

28
Los italianos no están orgullosos de ser italianos por su patrimonio cultural, sino por la potencia
industrial en la que se están convirtiendo; oponen el pasado al futuro, de manera que no se sienten
orgullosos de su pasado. Por tanto, defienden dar la espalda al pasado
para mirar al frente, el futurista se opone al pasatista, porque ellos
exaltan la vida moderna, el progreso, el desarrollo industrial y
tecnológico. Ellos decían que admirar un cuadro antiguo equivale
verter la sensibilidad en una urna funeraria.

Respecto a la arquitectura, tenemos que hablar de Sant’Elia. Este

defendía el uso de nuevos materiales como cemento, cristal, hierro u
hormigón. Consideraba que era importante hacer edificios altos, utilizando el ascensor y defendía
la arquitectura dinámica.

La nueva ciudad tenía que exaltar la vida moderna mediante sus elementos: calles, plazas,
establecimientos públicos, estaciones ferroviarias, tranvías y estaciones de metro, lugares de trabajo,
nuevas edificaciones, iluminación…

Esta obra representa un detalle de la ciudad. Es muy interesante el sentido

diagonal, sin perspectiva horizontal y estática, sino rítmica. Aparece de
nuevo la masa, acción, muchedumbre, movimiento… Todas las personas
aparecen enloquecidas entrando al café (influencia del cubismo en el uso
de palabras), café luminoso con un amarillo divino.

De hecho, esta importancia de la luz se hace para hacer destacar el avance

tecnológico del país. Se considera que esta escena se sitúa en la Galleria
Vittorio Emanuel II, de Milán.
Muchedumbre en la galería o
De nuevo, vemos la importancia de la electricidad. Pelea en la galería, Boccioni,
Estamos en Florencia, pero no en el centro histórico, 1910.
pues representan la ciudad nueva, las afueras, los nuevos edificios y sus
avances.

Esta obra es singular en el Futurismo. Representa una

farola que da luz a la calle. El protagonismo de la obra
se lo lleva la farola, pero más que este objeto es la
Notturno a Piazza importancia de la luz de la farola. Vemos cómo la luz se
Beccaria, Carrà, 1909- expande, dando todos los colores posibles. Destaca
1910. también la forma de la bombilla.

Por tanto, esta obra es una completa apología a la luz eléctrica. También
vemos la luna, de manera que hay una clara oposición: la luz natural de la
luna y la luz artificial de la bombilla. La luz de la luna es totalmente
Lampada ad arco, Balla,
insignificante respecto a la grandeza de la luz de la bombilla. 1911.

29
Vemos máquinas funcionando para construir una Italia grande.
Predominan los colores primarios (azul, rojo y amarillo). La obra está
en acción, en movimiento. Aparece una persona con una carretilla con
material de construcción. En el centro hay caballos alados, pegasos,
que sirven como una alegoría del trabajo, del movimiento de la gente
en la plaza. La gente está trabajando, y los obreros que se levantan y
La città che sale, Boccioni,
trabajan hacen apología al trabajo. 1910-1911.
En esta obra vemos la oposición del campo frente a la vida futurista. En
primer plano apreciamos un campo y trabajadores en él, mientras que al
fondo vemos fábricas trabajando, representando el desarrollo industrial tan
propio de la Italia de este momento.

Los futuristas elogian la mecánica, adoran los

trenes y las estaciones. El tren está en
Mañana. Los campos, movimiento, avanzando a una alta velocidad.
Boccioni, 1911. De hecho, podemos sentir la velocidad.

En el manifiesto, elogian las locomotoras lanzadas a una loca carrera. En Dinamismo de un tren, Russollo,
París veremos muchas representaciones de metros. Severini, Nord-Sud 1911.
(Metro), 1912 es una muestra de estas representaciones del metro.
Vemos una clara influencia del Cubismo en el uso de palabras para representar el metro, diversas
estaciones y direcciones. El metro adquiere mucho protagonismo durante el Futurismo.

En general, para ellos el automóvil es un verdadero estandarte de modernidad. Tiene todo lo que
ellos defienden: mecánica, movimiento, velocidad, acción, desarrollo tecnológico… Para ellos, el
automóvil es la verdadera obra de arte y la calle el espacio adecuado para esa nueva belleza, no el
museo. Marinetti pone en relación los automóviles con la Victoria de Samotracia.

En este sentido, representan automóviles en las obras de arte. En

Dinamismo de un automóvil (1912-1913) de Russolo vemos un
automóvil en marcha, a una velocidad muy alta. Las casas se
abren por la velocidad del automóvil, y se ven las líneas de fuerza,
representando la velocidad.

Por un lado, tenemos la palabra

dinamismo (energía, vitalidad) y
movimiento (fenómeno físico que implica el cambio de posición de un
cuerpo). Con estas dos palabras se produce la desmaterialización, es decir, la
destrucción de la materialidad de los cuerpos.

Ahora, ellos representarán el movimiento y el dinamismo. El ser humano,

cuando camina, también rompe el contorno cerrado de la figura (Formas
únicas de la continuidad en el espacio, Boccioni, 1913). Parece un robot, figura surgida de la máquina.
Así mismo, elogian la deshumanización y, por esto, el rostro ha perdido su carácter humano. Todo
esto denota que la figura está en movimiento. Por tanto, se hace un paralelismo de lo humano con
lo mecánico.

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 En esta obra, Muchacha corriendo en un balcón (1912) de Balla vemos una
persona caminando o corriendo; es una única figura que corre junto a un
balcón. Es una única persona. El artista hace esta obra para denotar que
no está quieta, sino el movimiento.

Los objetos en movimiento se multiplican como vibraciones a través del

espacio, de manera que representan el espacio, el movimiento y el
tiempo.

Como referencia para esta obra tenemos la fotografía (Cronofotografía, Marey. Animal Locomotion
Muybridge).

Entre los futuristas también existieron los fotógrafos, los hermanos Bragaglia. Ellos hacen
fotografías que captan el movimiento, y lo llaman fotodinamismo.

Los futuristas tienen cuadros donde abordan el tema del movimiento de la figura
humana y cómo se representa el desplazamiento mediante la multiplicidad de un
mismo elemento. Estas representaciones coinciden con la obra de Duchamp
Desnudo bajando una escalera nº2 (1912), pero él ya hacía en 1911 obras donde se
apreciaba la energía y el dinamismo del cuerpo, así como el desplazamiento.

Rápidamente pensamos en el Cubismo, solo que en este movimiento se hacen

descomposiciones de cuerpos quietos; en este caso, es el mismo cuerpo el que
se repite una y otra vez como vibraciones en el espacio, bajando una escalera.
Los aspectos propios del Cubismo son los marrones y elementos del Futurismo.

Esta obra tiene su título dado por el propio artista. De hecho, lo vemos escrito en la parte inferior
del cuadro: nu descendant un escalier. Puede ser un hombre o una mujer, Duchamp no quiso recalcar
estos aspectos descriptivos, simplemente es un desnudo que da la sensación de ser un robot. Ya
dijeron los futuristas que abandonaban el mundo animal en pro del mundo mecánico. Esta obra
fue presentada en el Salón de los Independientes de 1912 en París y en la Exposició d’Art Cubista
de las Galerías Dalmau en Barcelona. La obra alcanzó una fama estratosférica cuando fue expuesta
en Nueva York en 1913 en una exposición conocida como Armony Show, en una serie del
regimiento de infantería de la armada. En Estados Unidos prima la iniciativa privada, la que ha
hecho posible el desarrollo de los museos.

Se creó una organización de escultores y pintores americanos que decidieron hacer actividades,
entre ellas la Exhibición Internacional de Arte Moderno. Miembros de este comité viajaron a
Europa buscando obras que enseñar en Nueva York de artistas como Gauguin, Cézanne, Matisse,

31
Lautrec, Van Gogh o Duchamp. No se presentó ninguna obra futurista porque ellos querían
mostrarse como grupo.

Así, la obra que más llamó la atención fue Desnudo bajando la escalera, incluida en la invitación para
la prensa. Controlaron todo muy bien, hicieron su ágape y su rueda de prensa, igual que se hace
actualmente. La prensa, como ya sabemos, es fundamental para la divulgación y que se hablase de
los artistas.

En esta exposición de Armony Show se aportó alguna novedad:

- Ver arte europeo moderno y actual en América, lo que implicaba no tener la necesidad de
viajar.
- Se empieza a desarrollar el coleccionismo de arte contemporáneo en Estados Unidos.
- Mercado de arte que derivó en la apertura de galerías.
- Desarrollo de exposiciones temporales.
- Artistas americanos en el mismo nivel que los europeos.
- Implicó una puerta abierta a los artistas europeos como Duchamp, cosa que generó críticas
adversas también.

La obra de Duchamp fue comprada por un abogado y marchante de arte de San Francisco, que en
1919 vendió al matrimonio Arensberg, personas de muchos recursos por los intereses que tenía la
familia, además de ser personas cultas. Ambos fueron mecenas y apoyo para el joven Duchamp,
que vivió en su casa un tiempo y les ayudó a tener una colección de arte. Llegaron a tener una
cantidad considerable de obras de Duchamp y, con el tiempo, se las regalaron al Museo de Arte de
Filadelfia, donde más obras suyas se pueden ver.

Otro aspecto importante de los futuristas es que glorificaban la guerra. En 1914, Italia no formaba
parte del acontecimiento bélico, pero sí había muchas manifestaciones en las ciudades italianas.
Algunos estaban de acuerdo con que Italia entrase en la Gran Guerra, y otros en contra. Los
argumentos para entrar en la guerra eran el desarrollo económico y recuperar los territorios
austrohúngaros del norte del país. Sobre todo, tenían muy en cuenta los componentes de acción,
coraje y violencia que ellos exaltaban.

En el manifiesto de 1909, Marinetti decía: “queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el
militarismo, el patriotismo…”. Se apuntaron al Batallón Ciclista Voluntario Lombardo (mayo de 1915)
con el precedente de 1911 cuando Italia se enfrentó al Imperio Otomano en el norte de África, en
la guerra ítalo-turca. Consideraban la Guerra de Trípoli una gran obra futurista. Pensaban también
que la guerra sacaría al país del ostracismo. Tenían a la guerra como hermosa, un evento lírico.
Estaba bastante candente el espíritu belicoso, con luchas en la calle contra los pacifistas. Por tanto,
los artistas representan obras con estos temas.

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 Este es un ejemplo de obras que representan la guerra. Con
este cuadro, el artista alude a una manifestación de quienes
estaban a favor de la guerra. Se considera que debe ser ante el
Palacio de Quirinale, desde el que salió el rey Víctor Manuel.

Los colores que predominan son los de la bandera de Italia:

verde, blanco y rojo. Es como si los manifestantes estuvieran
enarbolando las banderas. Estaría dentro del arte abstracto al
Manifestación patriótica, Balla, 1915. no ver objetos y figuración, es la impresión que capta el artista,
el ambiente con las banderas.

En esta obra vemos como, sobre un tren, empiezan a disparar, en la

modalidad de hacer la guerra con armas destructivas. Esta es la obra más
cubista dentro del Futurismo.

Se aprecia el fogonazo del cañón y todas las personas que disparan.

Alrededor vemos amarillos, rosas, azules, como parte del evento lírico que
es la guerra para ellos; solo hay triunfo.

Otra obra ligada a la guerra es Carga de

lanceros de Boccioni (1915). En ella se
Tren blindado, Severini,
confunden todos los caballos a la carrera sus 1915.
patas se multiplican para dar la sensación de
movimiento. Los jinetes llevan lanzas, pues en la Primera Guerra
Mundial los ejércitos contaban con un regimiento de lanceros, con
rifles y bayonetas. Esta obra es interesante porque hay collage. Así como en los cubistas no
detectábamos las palabras de los periódicos, más que el título, en este caso son recortes de periódico
con asuntos alusivos a la guerra. Vemos cómo el recorte del collage tiene que ver claramente con
el tema representado.

El ruido se considera sonido inarticulado, sin ritmo ni armonía. Alboroto, mezcla confusa de
sonidos, lo más hermoso en el mundo, para los futuristas, además de la guerra. Elevan el ruido a
una condición noble de música. La Revolución Industrial les había aportado nuevos sonidos de la
máquina trabajando, los medios de transporte, la ciudad con sus cafés y plazas llenas de gente, las
construcciones en altura… Todo esto abre un nuevo mundo en el que es protagonista la
muchedumbre.

En Velocità astracta e rumore de Balla (1913-1915) vemos coches,

los automóviles que van y vienen, el ir y venir en la confusión
entre máquinas, personas y el ruido que ellos tanto elogian de
la ciudad.

Otro ruido importante es el de la guerra, el de las armas,

tanques de combate, bombas y explosiones, fusiles al disparar
y las metralletas. Consideran que se deben imitar los ruidos, ya
sea en la música, en la obra de arte o los libros. Surge, por tanto, la onomatopeya en la escritura y

33
en las obras de arte: imitación lingüística o representación de un sonido mediante fonemas. Estos
sonidos se ilustran en libros.

Vemos también libertad tipográfica, con mayúsculas, minúsculas, las palabras con formatos
distintos en una misma palabra, diferentes tamaños, cosa que implica que el sonido se va perdiendo.
Marinetti escribirá un libro donde intercala poemas con ruidos de explosiones. En cuanto a la
música, en 1910 ya tiene el Manifiesto de los Músicos futuristas.

LAS “PALABRAS EN LIBERTAD” Y LA DECLAMACIÓN

Las palabras en libertad implican dinamismo. El movimiento se puede expresar en línea horizontal,
pero también en otras direcciones: quebrado, contracurva… Estas dos palabras huyen de la
puntuación, comas o acentos, no se utiliza nada que interrumpa la frase. Las palabras en libertad
aceptan diferentes formatos, además de mayúsculas y minúsculas en la misma palabra. Se dilatan
en el espacio para ahondar en el significado y el mensaje, darle más intensidad. El sonido de la
palabra lo reproducen en la poesía, oímos el ruido, vemos el movimiento.

Un ejemplo donde podemos ver todas estas características es Après la

Marne, Joffre visita el frente en automóvil, de Marinetti (1915).

Joffre fue un comandante jefe del Ejército Francés en la Primera

Guerra Mundial. Fue conocido fundamentalmente por la retirada del
Ejército Aliado y la derrota alemana en la Batalla de Marne en 1914.

En esta obra vemos una gran importancia estética, y se denomina

poesía visual.

En Cañones en acción de Severini (1915) vemos 3 soldados con un

cañón y están en acción con el arma de artillería, que ya no se trata
simplemente de un fusil o una bayoneta. Toda la explosión del arma
se refleja con las diagonales, como si todo fuese una explosión.
Viene equiparado a las líneas y colores que parten de un centro
como una bomba al caer.

En el centro hay una frase que dice: ¡vamos muchachos, fuego!

Todo está escrito en francés porque Severini vivía en París. Vemos representaciones de vibraciones,
profundidad, el cañón hundido obstinado en la tierra… Todo se expresa mediante la onomatopeya.
También vemos un poema en el que el texto se ha escrito en círculo, asemejándose a un globo
aerostático, cuya forma está ligada a las propias palabras y a su contenido,
porque se trata de un pallone frenato.

En esta obra, Poemas de la paz y la guerra, de Apollinaire (1918) se escribe un

poema titulado La paloma apuñalada y el surtidor. El poema está escrito en
forma de paloma, así como el surtidor, que tiene forma de fuente. Esto tendrá
una gran influencia en Europa y en España.

Apollinaire sufrió una herida en la cabeza, pero murió de Gripe Española.

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Algo importante en el Futurismo y que llega a la actualidad es cómo ellos recitan, la declamación.
Marinetti tiene un manifiesto llamado La declamazione dinámica e sinottica (1916), pero su primera
declamación fue en el Salón de la Exposición futurista permanente en Roma en 1914. Los escritores
futuristas recitan con diferentes tonos de voz y a través de una declamación dinámica también con
una gesticulación gráfica. Asimismo, Marinetti considera que el que declama puede moverse por el
espacio, desplazarse por diferentes puntos de la sala. De hecho, cabe la posibilidad de incorporar
otros declamadores mezclando o alternando sus voces, recitando el mismo u otros poemas.

Los futuristas expresan el texto por escrito, en las obras plásticas y también en público en las
llamadas veladas (serata/e), reuniones públicas futuristas que se celebran en teatros, cafés,
universidades, ayuntamientos, en las Casas del Lavoro, en las calles, algo que normalmente anuncian
a través de la prensa, de carteles o revistas. Había música en estas veladas, provocando una
confluencia de todas las artes. No todos estaban de acuerdo con los futuristas, se generaban
disputas porque lo provocaban ellos, buscaban el alboroto. Como veremos en el Dadá, es la
provocación, la conciencia del inconformista.

35
TEMA 5. LAS ESTRUCTURAS MECANOMORFAS Y
EL READY-MADE
MÁQUINAS DE FUNCIONAMIENTO SIMBÓLICO: ARTEFACTO Y
METÁFORA
Después del reino animal se inicia el reino mecánico, lo que implica la importancia de la máquina.
En el ámbito e la plástica se denomina temática mecanicista, con la representación de obras de arte
de: pistones, turbinas, filamentos, resortes, manivelas, palancas, hélices, ruedas dentadas, frenos,
motores, volantes, tubos de escape… todos estos elementos se pueden convertir en el objeto de la
obra de arte y ser el protagonista. Se reconoce la mecánica como estandarte de la vida moderna.

Ahora bien, no se trata de reproducir máquinas, las veremos y pensaremos qué máquina es, pero
los artistas no quieren pintar máquinas que ya existen, sino crear nuevas máquinas/artefactos
dándoles un valor conceptual. La idea se convierte para la creación artística. Estamos en los inicios
de lo que se verá en el arte conceptual. Los artistas hacen una nueva lectura de la máquina, que
viene a ser una metáfora, pues hay evidente asociación con el cuerpo humano y particularmente
con el de la mujer. También está la mecánica erótica: la máquina como alegoría de la relación sexual.

Paul Haviland dice: vivimos en la era de las máquinas. El hombre hizo la máquina a su imagen y
semejanza. Dispone de miembros ágiles, pulmones que respiran, un corazón que late, un sistema
nervioso, por el que corre la electricidad. El fonógrafo es la imagen de su voz; la cámara, la imagen
de sus ojos. La máquina es la hija del hombre que no nació de madre.

Una novela que influyó mucho en estos artistas es del poeta y novelista Raymond Rusell, Impresiones
de África (1909-10). El argumento es que una serie de personas van en barco por el Atlántico y
naufragan en África. A la espera de rescatarles, para matar el tiempo se dedican a hacer pequeñas
obras de teatro en las que aparecen juegos de palabras y también inventan artefactos que
acompañan la puesta en escena. Artistas como Marcel Duchamp está muy ligado a esto.

Marcel Duchamp en el año 1912 va a Múnich y en 1913 trabaja como bibliotecario en Santa
Genoveva (París). Es un hombre culto y de lectura, con aportaciones capitales en la Historia del
Arte. Era conocedor de la física, matemáticas, geometría, etc. Cuando llega la Primera Guerra
Mundial sus hermanos son movilizados, a uno lo desplazan y otro muere. A él le detectan un
problema del corazón y le juzgan por pasear por París tras los desastres. En el año 1915 se va a
Nueva York diciendo que le echaron de Europa. En Estados Unidos no llega
como desconocido, pues él ya había presentado Desnudo bajando la escalera en
Armory Show. Entre 1915 y 1923 hace una obra precedida de trabajos que ya
había hecho en Europa, es una obra de tamaño considerable.

Esta obra no es un cuadro ni una escultura. Tras Desnudo bajando la escalera jura
no hacer más obras de pincel al uso, pues no quiere ser un artista cotidiano.

El soporte de la obra es cristal, hecho ya en Europa tras su encuentro en

Munich con Kandinsky seguramente, quien también hizo obras sobre cristal. También es posible
que tuviera esa revelación al usar un fragmento de cristal como paleta.

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La obra tiene dos fragmentos de cristal separados por listones de aluminio y enmarcada en listones
de madera y acero. Como está realizada sobre cristal y tiene ese tamaño tan considerable se le suele
denominar “El gran vidrio”. En cuanto a la técnica vemos óleo, pero la innovación son los hilos
de plomo fijados con barniz y hojas de plomo sellando las áreas.

En su estudio tenía el Gran Vidrio en un soporte de madera colocado en horizontal. Con el tiempo
entró mucho polvo al estudio y cuando Duchamp volvió a retomar la obra vio todo lleno de polvo
y fue una revelación cómo un elemento natural que lo fijó en los tamices mediante barniz. Antes
de ello le pareció tan hermoso que llamó a Man Ray, el gran fotógrafo norteamericano: Cultivo de
polvo, (1920).

Estamos viendo aspectos novedosos en la Historia del Arte. Esta obra de Duchamp también se ha
puesto en relación con un escaparate, incluso con las vidrieras de las catedrales medievales, pues
también ha usado plomo como en estas del siglo XVI. La obra realmente es compleja, tan rara que
una parte la podríamos comprender porque Duchamp editó gran cantidad de notas sobre El gran
vidrio, gran cantidad de notas y esquemas, fotografías que introdujo en una caja forrada en cera
verde y de ahí esa caja se denomina La caja verde.

Aun así, no todo es comprensible, es paradigmática, pero reveladora y novedosa. El título de la caja
es el de la obra: La novia desnudada por sus solteros, incluso. En francés même se ha considerado una
metáfora erótica-mecánica. En la parte inferior vemos a la novia desnudada por los solteros, el
aparato del soltero. En la parte superior el aparato de la novia. Duchamp no tiene por qué ser
descriptivo, puede hacerlo con una línea o con un artefacto que él invente, ya no hace falta
representar la figura con un sentido imitativo, sino conceptual. Se expresan en esta obra las
complejas asociaciones entre los solteros en la parte inferior, que contemplan a la mujer de la parte
superior, que de ninguna manera hay un contacto físico pero que pueden verla y quedan
estimulados por la contemplación y la cercanía de la mujer, hay un contacto fisiológico y mental,
no hay lugar para el sentimiento, sino un sometimiento estricto a las leyes de la mecánica.

Son 8 solteros a los que Duchamp les asigna una profesión. Son moldes málicos que se han querido
ver como perchas de sastrería, como maniquíes, piezas de ajedrez. Asimismo, parecen moldes para
fabricar moldes de vidrio. Él ya estaba planeando desde 1914-1915 hacer ese gran vidrio. De sus
cabezas surgen unos filamentos que se denominan tubos capilares, que transmiten la energía erótica
masculina que va a parar a los tamices cónicos. Son sombrillas que expulsarán esa energía en estado
líquido que cae en un chapoteo.

Otros elementos son el trineo, movido por una rueda de molino de agua,
con un desplazamiento hacia delante. Este es un artefacto que no se
puede mover, porque una varilla conecta con un molino de chocolate y
otra con unas tijeras que imposibilitan el movimiento. Este molino de
chocolate es representado en otra obra de arte de 1912, Molino de chocolate.
El movimiento de estos rodillos implica una mecánica erótica asociada
al onanismo, puesto que nos les queda otra que la práctica masturbatoria.

A la derecha teneos vario elementos una lupa y testigos oculares que

parecen las estructuras circulares usadas en la óptica. A partir de este
deseo de los pretendientes se transmite a la parte alta donde aparece la mujer, la novia. La novia es

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la estructura vertical, y se corresponde al cuadro que él ya había hecho en 1912, Mariée, estructura
mecánica rara de comprender. Se ha puesto en relación con la mantis religiosa, se ha escrito mucho
sobre el Gran Vidrio. Entonces los solteros desnudan a la mujer y esto sería como el vestido, ella
quedaría desnuda, aunque también se ha puesto en relación con la vía láctea, que surge de la leche
de Juno, arriba en el universo cuando se derrama la leche por el universo.

Las líneas extrañas que vemos son porque el cristal está roto, del que hay 3 réplicas: Tate Modern
(Richard Hamilton, creadores del pop-art británico), Museo de Estocolmo. De estas réplicas el
único que está roto es el de Duchamp.

Durante un tiempo estuvo en la casa de Katherine Dreier, una coleccionista de obras de arte y
promotora de actividades como exposiciones. La obra perteneció a esta mujer y se montó una
exposición temporal en el Museo de Brooklyn en 1926. Esta pieza es tan delicada que en el
transporte se rompió, pero Duchamp estuvo recomponiendo los fragmentos rotos hasta el año
1936. Se nota que está roto, de tal manera que le dio una gran importancia a ese accidente, pues en
estos años ya existía el Dadaísmo, que valora el azar y lo que surge sin estar esperado, encuentran
belleza y estética en él. Esta obra entonces está realizada entre 1915 y 1936. Katherine es quien
entregó esta obra al Museo de Filadelfia.

Francisco Martínez Picabia es otro que aborda el movimiento de la mecánica. Venía a España,
Cataluña, con gran frecuencia. En el 1917 vino a Barcelona, durante la Primera Guerra Mundial.
Tuvo varios coches a lo largo de su vida porque su pasión era desmontar el motor del coche y
volver a montarlo. Está ligado al Cubismo. Ya en París formaba parte de un grupo de pintores
llamada Grupo de Puteaux, donde conoció a Duchamp. Expuso en Armory Show y se fue a Nueva
York, donde se dio a conocer y, junto a Duchamp, abrirán a los estadounidenses las vanguardias.
Presenta estructuras mecanomorfas o imágenes mecánicas entre 1915 y 1922, lo que se denomina
la poética del dinamismo maquinista.

Veremos líneas muy finas, usando panes de oro y plata, en sus composiciones. También, obras
hechas con una precisión propia de un proyectista que proyecta y diseña máquinas, no un pintor
de pincel. En algunas obras hay detalles que él tomó de enciclopedias y manuales de instrucción de
máquinas. Aparecen con frecuencia en estas obras palabras o frases, que pensamos tienen que ver
con lo que se representa y que podemos considerar como los títulos de las obras. Todas las obras
están firmadas.

En la parte inferior de La fille née sans mère de Picabia (1916-

1918) aparece la inscripción que le da título a la obra, y hace
referencia a Haviland. Picabia también fue poeta, con un
poemario publicado en 1919 llamado La hija nacida sin madre en
francés. Se trata de un libro que ilustra él mismo con este tipo
de estructuras mecanomorfas.

Las máquinas también vienen a ser metáforas sexuales, del

acoplamiento sexual, además de que las frases son evidentes.

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Machine tournez vite de Picabia (1916-1918) es como si fuese un proyecto de
una máquina. Aparece la rueda dentada, muy común en el Dadaísmo, que
surge en Suiza en 1916, por lo que aún no podemos llamar estas obras
como tal, aunque influyan.

Picabia trabajaba con coleccionistas de Dadá en Zúrich. Las ruedas están

numeradas con un 1 y un 2. Están identificadas abajo: la rueda 1 es la mujer
y la 2 es el hombre, por lo tanto, hay un acoplamiento entre la mujer y el
hombre, representado de forma simbólica en dos ruedas de un engranaje.

Incluso la figura humana se puede representar

mediante una máquina. Así, surge el denominado antirretrato. Esta obra
conocida como Aquí está Stieglitz, fe y amor de Picabia (1915) vemos una
cámara fotográfica de la época. Vemos dos elementos propios del motor: un
freno y una palanca de cambios. La cámara fotográfica es el retrato, y el artista
añade la inscripción del título.

Alfred Stieglitz fue un hombre muy importante durante las vanguardias y

fundamental en la introducción de estas en Nueva York. Es un fotógrafo
americano de origen alemán que funda un grupo de fotógrafos denominado
Camera Club entre 1897 y 1903. Además, también funda una revista llamada Camera Notes. Su
intención siempre fue que se interpretase la fotografía como obras de arte, una lucha enorme en la
que fueron fundamentales las revistas que divulgaron los aspectos técnicos de la cámara y la práctica
fotográfica. En 1903 fundó la Photo-Secession y una nueva revista llamada Camera Work (1903-1917),
donde aparecieron artículos de Picasso, los cubistas, de vanguardias europeas, además de
fotografías. Con estos artículos elevaba a la condición de obra de arte la fotografía.

Abrió una galería de arte donde se veían trabajos fotográficos, dibujos, óleos de artistas de las
vanguardias europeas… Esta galería se llamó Las pequeñas galerías de la Photo-Secession. Todo ello
fue antes de la Armony Show. Su labor fue de los aspectos más importantes en la llegada de las
vanguardias a Nueva York. Stieglitz se casó con Georgia O’Keeffe y la denominó la más grande
artista, por no haber viajado a Europa.

Picabia y Duchamp adoraban a Alfred. Picabia fundó, en

Barcelona, la revista 391. En las portadas se ve mucha
limpieza y pureza, y se da mucha importancia al vacío. Se
funda en 1917 hasta 1924. Varios números de la revista se
editaron en muchas ciudades, a todas las que él mismo
viajaba. Una de las portadas es una figura mecanomorfa que
dice Flamenca, y se trataría de una mujer. En otra de ellas
aparece una bombilla con la palabra americana, y puede que
sea una forma femenina también. Dentro de ella aparecen dos palabras en inglés: flirt y divorce.

39
EL READY-MADE
En Nueva York se funda en 1916 la Sociedad de Artistas Independientes, entre la que se encuentran
fundadores, mecenas, etc. Una de ellas Walter Arensberg, que apoyó a Duchamp cuando llegó a
Nueva York. Marcel Duchamp es uno de los artistas de esta sociedad junto con otros artistas
europeos como Albert Gleizes, el pintor y fotógrafo Man Ray, Joseph Stella, Mary Rogers,
Katherine Dreier. Esta sociedad pretendía hacer actividades, entre ellas exposiciones. La primera
exposición fue celebrada en el Grand Central Palace entre abril y mayo de 1917, donde podían
presentar obras todo aquel que quisiera, pero pagando una cuota de admisión. No había jurado ni
premios como sucedía en Europa y exponían por orden alfabético.

Un artista presentó un urinario masculino como obra de arte, La fuente,

Duchamp (1917), que se trata de una pieza de porcelana. Cuando los
fundadores vieron la obra se alarmaron por dos cuestiones. En primer lugar,
se trataba de una pieza ya hecha; el artista debió ir a una tienda donde las
vendieran y la compró para luego presentarla como obra propia. Les pareció
algo inaudito. En segundo lugar, muchos pensaron que era una pieza soez
de mal gusto, ordinaria y ligada a la intimidad del ser humano. Para colmo,
el artista tuvo la desfachatez de firmar la pieza y fecharla como una obra de
arte de toda la vida. La firma, R Mutt concuerda con la marca de sanitarios que se vendía en esa
época.

Con esta obra hay un juego de palabras y de imágenes con el catálogo de J. L. Mutt. También
concuerda con un cómic que se basa en la historia de dos personajes llamados Mutt y Jeff. Esta
pieza no fue presentada en la exposición, pues no permitieron que esta pieza apareciese como obra
de arte. El urinario fue a parar al estudio de Alfred Stieglitz, quien lo fotografió. Colocó la pieza
sobre un pedestal como si fuese una antigüedad romana o una obra de Miguel Ángel para hacerla
destacar. Esta fotografía se reproduce por primera vez en la revista The Blind Man, editada por
Marcel Duchamp y sus amigos Henri-Pierre Roché y Beatrice Wood. Se publicará en el número 2
y debajo de la foto se escribió “obra rechazada por el Salón de los Independientes” y se identifica
al autor de la fotografía.

A la izquierda de la obra pone Fontain by R. Mutt. La obra se titula fuente porque está colocada de
una manera diferente a cómo se ve un urinario público. El texto que acompañaba la fotografía
decía “The Richard Mutt case”, identificando así al artista. Richard puede ser “rich art” y Mutt
“persona estúpida”. Hay varios artículos redactados por Louise Norton, Beatrice Wood y
Arensberg que la asemejan a buda y a una Madonna de Rafael. En estos artículos destacan la belleza
formal de la pieza y hacen una justificación al hecho de que el artista haya hecho o no la obra con
sus manos, y dicen que lo importante es que la ha elegido y esta elección se convierte en impronta
artística.

Se supo que ese Richard Mutt era un alter ego de Duchamp. Tuvo varios, entre ellos el propio
Richard Mutt. El urinario original no existe, lo que se conserva son copias permitidas por el propio
artista. Se conservan en museos como el Pompidou, el MOMA o el Museo Picasso. Era
fundamental para Duchamp la idea, como después ocurrirá con el arte minimal y lo conceptual,
más que la originalidad de la obra. Cuando Duchamp fue con Lèger y Brancusi a visitar el Salón de

40
la Aviación en 1912, el artista se paseaba entre los motores y las hélices sin decir nada, hasta que
exclamó “se ha acabado la pintura, ¿quién puede mejorar esta hélice? Di. ¿Tú puedes?

El ready-made se trata de objetos fabricados elegidos por el artista, extraídos de su contexto que han
perdido su función y han sido intervenidos mínimamente. Las únicas intervenciones que se les
hacen son poner un título mediante inscripciones, firmas, fecha y dándoles un nuevo punto de vista
al objeto. Este es elevado a la dignidad de obra de arte por decisión del artista. Se suelen hacer
originales y réplicas con permiso del autor, y nos llevan a una reflexión: ¿qué es el arte?, y la Historia
del Arte cambia para siempre.

Los ready-mades se presentan, generalmente, sobre pedestales en los museos.

Duchamp martiriza los objetos: los cuelga, los clava, o los pone en el suelo para
darle golpes. Además, las sombras de los objetos tienen también mucha
importancia, pues se suelen ver siempre.

La pala de nieve siempre se ha expuesto colgada de la pared.

La firma que el artista inscribe en esta obra es from Marcel
Duchamp, indicando que no solo él era el creador de la obra,
Botellero o portabotellas,
sino que era un objeto de su propiedad.
Duchamp, 1914.
Esta obra, air de Paris (1919) fue un regalo de Duchamp a un
amigo suyo. El artista no sabía qué regalarle y decidió
embotellar aire de París, de manera que, con esta obra, el
aire se materializa. Esta obra, igual que trébuchet, pilant… de voyage o porte-chapeau
son obras que se exponen colgadas de la pared.

LHOOQ de Duchamp (1919) consistió en comprar una

reproducción de la obra de Leonardo y, con lápiz, le dibujó
pelilla y bigote. En el momento en que Duchamp hace este ready-made, la
Gioconda era muy famosa, pues en 1911 fue robado y apareció en noviembre de
1913.

El título de la obra son iniciales de palabras. Leyendo estas iniciales en francés

muy deprisa se lee elle a chaud au cul (ella tiene calor en el culo).

Duchamp estaba preocupado por la óptica, el movimiento y el mundo de la

física. Relacionado con la rueda, tenemos la obra Máquina óptica (Placa rotatoria
de cristal) (1920). Esta obra es una elaboración que parte de diferentes elementos.
La barra se pone en movimiento, y con ella las placas de cristal, creando este
efecto de los círculos concéntricos. La barra se mueve mediante electricidad.

En 1926, en su condición de Rrose Sélavy, hace un cortometraje de 6 minutos

donde muestra placas en las que el artista ha escrito frases incongruentes. En
esta obra prima la línea, el movimiento y el vértigo.

41
 Duchamp tuvo la idea de hacer sus obras en tamaño pequeño. Se trataban
de fotografías y reproducciones en color de obras propias, cual museo
portátil: boîte-en-valise (1935-1941).

A parte de Duchamp, también Man Ray hizo ready-mades.

Uno de ellos es Cadeau (Regalo) (1921). Esta plancha la
compró en una ferretería junto con una caja de tachuelas.
Cuando llegó a su estudio, pegó las tachuelas a la base de la plancha. Con lo cual,
es un objeto que ha perdido su función, está firmado y está descontextualizado.

Este objeto se va visto comparado con el cuerpo femenino, por la forma de

triangulo y los pinchos (mujer como peligro).

42
TEMA 6. LOS LENGUAJES DEL DADÁ: DEL
NIHILISMO A LA CONCIENCIA POLÍTICA
INTRODUCCIÓN
El Dadaísmo es un movimiento artístico-literario. Surge en el año 1916 y llega hasta el 1923.
Podemos decir que da paso al Surrealismo, y lo encontramos en Europa y en Estados Unidos. En
Europa encontramos Dadá en Suiza, Alemania y Francia, principalmente en París, que se fundirá
con el Surrealismo. Se suele decir que no existe un único Dadá, pero hay elementos comunes: ellos
están frente a los valores consagrados y sus obras de arte están lejos de los cánones establecidos.
Por eso se suele hablar del anti-arte. Los dadaístas aportan nuevas técnicas artísticas, exponen en
espacios nada convencionales y tienen nuevos criterios y planteamientos frente a la obra de arte.
Por ejemplo, suelen invitar a destruir sus obras dejando hachas al lado de ellas. Además, rompen
la clasificación de las artes.

Es importante el espíritu de provocación, la búsqueda del escándalo, llamar la atención… todo

como un valor creativo. Para ellos, el arte es la vida y la vida es el arte, funden el arte con la vida.

ZÚRICH FRENTE A LA GUERRA

El Dadá en Suiza se relaciona con la Gran Guerra. Suiza fue un país neutral y, a Zúrich, llegaron
disidentes políticos, refugiados bolcheviques, anarquistas, pacifistas, desertores, rechazados por
razones médicas, desengañados… A Zúrich llega un alemán, Hugo Ball, escritor que trató de unirse
al ejército alemán como voluntario pero que fue rechazado por razones médicas. Tras presenciar
la invasión de Bélgica, quedó profundamente desilusionado y se fue a Zúrich. Allí irá a una taberna
donde empezará a hacer cosas lúdicas.

Así, surge el Cabaret Voltaire, junto con otras personas de la ciudad. La idea en esta taberna es crear
un centro de diversión artística con representaciones literarias y musicales. En esta taberna se bebía,
se cantaba, se escuchaba música, se bailaba, se hacía teatro, se recitaban poemas y manifiestos y se
exponían obras de arte. Ellos, frente a la guerra, como máximo logro del progreso de Europa, ellos
oponen el arte como salvación del ser humano.

Los dadaístas escribieron también su manifiesto. El escritor del Manifiesto Dadaísta fue Tristan
Tzara, mentor del movimiento. Los manifiestos no son nada programáticos, son muy irónicos,
humorísticos y contradictorios. Ellos afirman y, al mismo tiempo, niegan, según Tzara.

Dadá no significa nada. Ellos dicen que fue una palabra elegida al azar en un diccionario alemán-
francés. Dadá significa sí sí en ruso y rumano, coche infantil en alemán, caballito de juguete en francés,
la cola de una vaca sagrada del grupo étnico africano Krou y cubo y madre en cierta comarca italiana.
Además, también se trata del sonido primigenio del ser humano, todavía no contaminado por la
civilización (balbuceo).

43
 En esta litografía llamada Cabaret Voltaire de Marcel Janco (1916) unos
cantan, otros bailan, se divierten y señalan a la gente de encima del escenario.
Vemos cómo se aúnan muchos aspectos: música, danza, literatura…

Los artistas cantaban, bailaban, hacían representaciones de teatro y todos los

personajes de bajo que señalan al escenario, probablemente, les están
insultando. A los dadaístas les encantaba que les insultasen, porque decían
que era porque hacían algo bien.

Sophie Taeuber fue una mujer importante en el

Dadaísmo, pues diseñaba la ropa que utilizaban algunos artistas en sus obras
de teatro y recitales.

En Euphoria Dadá (1917) Marcel Janco hace una composición con yeso: va
rascando el material para crear estas composiciones abstractas.

Panel de náufrago (1920) de Jean Arp se trata de un

tablero viejo y usado sobre el cual el artista ha
clavado trozos de madera, y ha creado una composición abstracta. Por esto,
en ellos prima lo sencillo, lo cotidiano y lo humilde.

Ellos también abordan el género del retrato, pero hacen anti-retratos.

Un ejemplo de ello es Tumba de pájaros y

mariposas. Retrato de Tristan Tzara (1916-
1917), de Jean Arp. Se trata de un relieve de
madera tallada y pintura. Se ven las cabezas
de los clavos, ya que los dadaístas dan valor a este tipo de elementos
cotidianos. La obra se realiza con diversas placas de madera, una de
ellas con forma de mariposa. Además, se nota el desgaste de la
madera, jugando con las texturas de los materiales.

Frente a la razón compositiva, ellos oponen la casualidad, la sorpresa,

la improvisación, el encuentro accidental, el juego. De aquí surge lo
maravilloso, del azar, de lo que no está permitido. Hans Arp empieza
a hacer obras de arte según las leyes del azar. En Composición ordenada
según las leyes del azar (1916-1917). Arp hizo un dibujo que cuando
terminó no le gustó y rompió la hoja. Al hacer esto vio la obra
terminada. Esto se trata de papeles pegados, pero con una diferencia respecto al collage: en el
Cubismo se decide dónde se ponen los papeles para dar formas figurativas. En cambio, aquí es
todo abstracción. Este tipo de obras se llama papiers déchirés (papeles desgarrados). Surge del deseo
de negar toda huella artística, de borrar la presencia del autor.

Tristan Tzara, basándose en el azar, piensa en la poesía dadaísta. Así, hace poemas siguiendo las
leyes del azar. Estas personas que cantan, bailan y encolan crean la poesía fonética, sonora y
abstracta. Las palabras de los poemas son carentes de significado, pues buscan un lenguaje
universal. Ellos van a la búsqueda de lo que llaman el alma del lenguaje, que se equipara a la línea

44
en el arte abstracto, al plano y al color. Esta poesía está ligada al balbuceo del recién nacido y a
cantos e idiomas del África subsahariana.

Otra forma de expresión eran los poemas simultáneos, lo que consistía en recitar al mismo tiempo
tres o más voces. Emplean diversos idiomas y van acompañados por música. El poema simultaneo
es una forma de expresión literaria, escrita, recitada y musical.

Los dadaístas también editaron revistas. Una de ellas era la Cabaret Voltaire, que tuvo un solo
número y fue editado en 1916 por Hugo Ball, quien fue el director. Otra revista fue Dada, y fue
publicada del 1917 al 1919.

BERLÍN: LA CONCIENCIA POLÍTICA, EL FOTOMONTAJEE

Nos encontramos en Alemania. Con anterioridad a 1918 se advierten
imágenes donde se muestra la locura por la que estaba pasando
Alemania en este momento. En Metrópolis de George Grosz (1916-
1917) vemos una gran ciudad, con edificios en altura, cafés,
comercios… Se trata de una ciudad viva, dinámica, con la gente
enloquecida por la guerra. El artista se alistó como voluntario para la
guerra, y tuvo que estar ingresado por lo mucho que le marcó. Como
despreciaba todo lo germánico, la idea de honor y patria y el mundo
militar, era un admirador de lo sajón. Esta admiración la vemos en la bandera norteamericana que
ondea en lo alto del edificio de la izquierda. Grosz recurre a la deformación física para mostrar la
situación por la que estaba pasando Alemania.

En el año 1918 se vistió de muerte (Muerte Dadá, George Grosz, 1918) y

denominó a su vestimenta Muerte Dadá. Así vestido se paseó por la
Kurfürstendamm de Berlín.

Esta obra se llama Alemania, ese cuento de hadas (1917-1919),

también de George Grosz. Lo que vemos es caos, todo se
tambalea, no hay orden ni harmonía. En la parte inferior hay
3 hombres que representan tres elementos fundamentales
de la sociedad: el del centro es el estamento militar, a la
izquierda tenemos la Iglesia y, a la derecha, la enseñanza,
con un maestro con una regla en la mano. El que está sentado en el centro es
un burgués, que sí tiene para comer y beber. Todos estos elementos son burlas
y críticas hacia la Alemania del momento.

Richard Huelsenbeck regresa de Zúrich a Alemania. El lleva el espíritu dadá a Alemania y en enero
de 1918 da el primer discurso dadá en el país. En abril del 1918 se crea el Club Dadá y se escribe
el primer Manifiesto Dadá. Los dadaístas de Berlín tienen conciencia política y solían ser muy de
izquierdas. Además, hacen apología de izquierdas, adulan la Revolución Bolchevique y
consideraban que con las obras de arte había que hacer política.

En 1918 empieza una vida muy triste para Alemania. Habrá cargas extremas sufridas por la
población durante los cuatro años de guerra, pues llegan mutilados. La derrota tuvo un fuerte

45
impacto para el Imperio Alemán, y provocó tensiones sociales entre los que padecían hambre, los
lisiados y la élite. Entonces, surge una revolución, la de noviembre de 1918.

En el 1918 también se funda la Liga Espartaquista, el Partido Socialdemócrata de Alemania y el

Partido Comunista Alemán. En enero de 1919 hubo una huelga general y fueron asesinados dos
personajes muy importantes del momento. El Tratado de Versalles implicó una vergüenza y un
desastre económico y moral, pues se les obligó el desarme, perdieron territorios, tuvieron que pagar
mucho dinero durante años. Entre 1919 y 1933 se funda la República de Weimar.

En Escena urbana (1921) Grosz critica la situación del momento, con todas
las calles desquebrajadas, con un soldado que ha llegado mutilado, ha dado
su vida por la patria, y se ha convertido en un pobre que pide en la calle.
Vemos a una mujer en la esquina ejerciendo la prostitución, y dentro del
restaurante vemos a un hombre que sí puede comer, criticando a la
burguesía.

En Día gris de Grosz (1923) vemos, en primer término,

un funcionario o un arquitecto, pero es bizco, no
puede hacer nada porque no ve bien. En la solapa lleva la bandera de Francia,
el enemigo y, detrás, hay un muro y detrás de este hay un pobre soldado que
ha dado la vida por la patria. Ha regresado sin un brazo y en su rostro vemos
la tristeza. Al fondo, un enterrador y el que está escondido piensa en cómo
puede enriquecerse.

Otto Dix fue al frente, y quedó muy

decepcionado y totalmente traumatizado. Sus sentimientos los
muestra en sus obras, y en esta, Aptos para el trabajo en un 45 por ciento
(1920) vemos 4 militares mutilados, pues acaban de regresar del
frente. Hay una mano al fondo de alguien que dirige hacia el frente
a los militares. Esta obra no se ha conservado.

Estas obras abordan una nueva técnica artística: el fotomontaje.

Los iniciadores fueron los alemanes y los rusos. Se trata de fragmentos fotográficos pegados con
cola sobre un soporte. Pueden estar combinados con otros materiales y procedimientos artísticos
como recortes de periódicos, de revistas, manuales de instrucción, láminas
de anatomía… Con estos fotomontajes se expresan ideas, se critica, se
ironiza, se elogia. Ellos pretendían herir. En el fotomontaje hay que
recortar, distribuir imágenes discordantes de tamaño o tema. Se hacen
curiosas asociaciones de imágenes sorprendentes (anarquía visual, con
orden).

Las tijeras de Autorretrato (1929) de John Heartfield son para hacer crítica
y pensar, no para recortar nada.

46
Tatlin en casa (1920) de Raoul Hausmann representa el caos de Alemania,
elementos heterogéneos. Vemos un interior, un pavimento de tablas. A la
derecha tenemos un pedestal con parte de un maniquí con una estructura propia
de un animal. También vemos una hélice, que implica la innovación y el
movimiento. A la izquierda hay un hombre que mira si tiene algo en los bolsillos.
En primer plano vemos el recorte de Tatlin, el constructivista ruso. La cabeza y
su cerebro está substituido por una estructura mecánica (importancia de la
maquinaria), de manera que se asocia la figura de este artista a las ideas en
movimiento. Además, en el mismo plano, se compara lo orgánico con lo mecánico.

Lo que nos interesa de esta obra (Daum se casa con su pedante autómata George
en mayo de 1920 (1920) de George Grosz) es que, a la derecha, vemos un ser
humano, pero su cuerpo está constituido por elementos propios de la
mecánica y su apariencia es la de un autómata.

En esta obra vemos caos, reflejo de la Alemania del

momento. Vemos la importancia de las ciudades,
rascacielos, muchedumbre. Vemos también la
importancia de la industria y la mecánica. Las ruedas
forman parte del mundo de la fábrica y la mecánica,
y también implica movimiento. La mayoría de los recortes de esta obra son
cogidos de revistas. Aquí aparecen recortes de textos que elogian el Dadá.
Esta obra se titula El cuchillo de cocina Dadá corta la barriga cervecera de la
reciente época cultural de la Alemania de Weimar (1919-1920), y es de Hannah
Höch.

En comparación con las muñecas de la época, esta es muy opuesta. Ella misma
las construye, y son muy diferentes de las muñecas para familias burguesas.

Estas muñecas se titulan Dadá-Puppen (1916-1918) y también están realizadas

por Hannah Höch.

EL MUNDO HECHO AÑICOS Y RECOMPUESTO: DADÁ EN HANNOVER

En esta ciudad se desarrolla una estética Dadá gracias a Kurt Schwitters. A diferencia de los
dadaístas de Berlín, no quería hacer política con sus obras. Decía que el arte iba por su cuenta,
aunque tenía sus propias leyes. Merz es el uso de todos los materiales imaginables con finalidad
artística. Él decía que Alemania estaba hecha añicos y cogió esos pedazos e hizo arte. Así, surge lo
que podemos llamar poética del desperdicio.

Estas obras se realizan con elementos de deshecho y aplicando las técnicas de encolar, clavar o
ensamblar, recomponiendo la vida hecha añicos.

47
Merzbild 1A, el psiquiatra (1919) de Kurt Schwitters es una obra peculiar
porque todavía hay cierta figuración de una persona humana. Para el cuello
ha clavado un fragmento de madera, vemos una rueda y reja metálica, un
cigarro, metal, fragmentos de cartón. Todos estos elementos se acoplan con
pintura, pero esta no pretende esconder los clavos.

En Merzbild 31 (1920) de Schwitters vemos un sentido

rítmico de una hélice, es decir, los recortes no están
pegados de forma aleatoria.

Con el tiempo, veremos en el artista la búsqueda de

cierto orden. Posiblemente, esto le venga dado por
su cercanía al Neoplasticismo holandés. Esta
búsqueda por el orden la vemos en Merz 601 (1923).

Esta obra se titula Merzbild kijkduin, objetos

encontrados en la playa de Kijkduin (1923). En ella
vemos la influencia del Neoplasticismo. De hecho, al realizó en Holanda.
Está hecha con objetos que encontró en la playa. La madera está carcomida
por el agua, y no intenta esconderlo.

En su casa se puso a hacer una construcción con

madera y yeso, una construcción que tiene mucho
que ver con el cubismo, con entrantes y salientes.
Los recovecos solían estar dedicados a sus amigos, y les pedía objetos para
introducirlos en su obra.

Kurt Schwitters creó una revista llamada Merz. Se publicaron 24 números

entre 1923 y el 1932.

48
TEMA 7. LA ABSTRACCIÓN
EL SUPREMATISMO
En el momento de la abstracción, Rusia era un
imperio. Las dos ciudades más importantes eran
San Petersburgo y Moscú, aunque no todos los
artistas habían nacido en ellas. En Moscú, sobre
todo, es donde más se desarrollan las
vanguardias. San Petersburgo fue capital desde
1712 hasta 1918, cuando pasó a ser Moscú.

San Petersburgo está vertebrada a través de

canales. Gran parte de los artistas que levantan la ciudad eran italianos y franceses; en el 1919,
empezarán a hacerlo los rusos. En el centro de San Petersburgo se encuentra el Museo Ermitage,
fundado como museo imperial en 1852, bajo el imperio de Nicolás I. En la zona hay 3 edificios: el
nuevo, el viejo y el pequeño Ermitage. Al lado se encuentra el Palacio de Invierno.

El zar Nicolás II lo fue desde 1894 hasta 1917, y ejercía un poder autocrático. Esto era un régimen
político en el que una sola persona gobierna sin someterse a ningún tipo de limitación y con la
facultad de promulgar y modificar leyes a su voluntad. En cuanto a la sociedad, la clase aristócrata
era la poseedora de la tierra. Tenía mucha importancia el ejército y el clero (ortodoxos). El pueblo
estaba compuesto por la clase comerciante, los obreros, los campesinos… En el país empieza el
desarrollo industrial, lo que dará a la aparición de los sindicatos y la conciencia de clase
(proletariado).

Todo esto fue creando un descontento en la población a principios del siglo XX. Entonces, se
fueron desarrollando manifestaciones en la calle. En 1905 llegó la primera revolución, una ola de
agitación política de masas a lo largo de grandes zonas del imperio y durante mucho tiempo. Un
domingo de enero se produjo el Domingo Sangriento, una manifestación de trabajadores y
campesinos que acabó con grandes motines, disturbios y muchos muertos. En estos años (1904-
1905) se produjo la Guerra Ruso-Japonesa.

Después de esta se produce cierta apertura, mediante una monarquía constitucional limitada. El 17
de octubre de 1905 obligan al zar a firmar el Manifiesto de Octubre. Así, se promulga la libertad
religiosa, libertad de expresión, derecho a la reunión, legalización de los partidos políticos, el
sufragio universal masculino…

Para colmo, con todas estas tragedias, Rusia entra en la Gran Guerra,
apoyando a Serbia. Esto produjo una gran pérdida de soldados por parte de
su ejército y huelgas desde todos los estratos de la sociedad contra la guerra y
el zar, además de carestía de alimentos.

En Sátira de un soldado alemán (1914) de Malevich y Maiakovski vemos un

grabado coloreado a mano representando escenas alegóricas o satíricas de la
vida rusa. Es una imitación de grabados que admiraron los artistas de

49
vanguardia por su grafismo rudimentario y sus colores vivos. Ellos no hacían apología de la guerra,
sino que querían olvidar.

Los rusos conocieron el Cubismo gracias a la llegada de libros, revistas, manifiestos, exposiciones
de obras europeas, colecciones privadas, viajes a Alemania o Francia, la presencia de los rusos en
los salones y la formación artística en academias y talleres franceses. Se crearon muchas
asociaciones de artistas con idearios en común. Hacían exposiciones y editaban revistas como
medio de expresión propia.

También hay que destacar, en este contexto, un tipo de manifestación

cultural completa: los ballets rusos (1909-1929). El director era un
empresario teatral y el ballet estaba compuesto por magníficos bailarines y
bailarinas. Se representaban diferentes corrientes artísticas con tradiciones
locales, orientales y la vanguardia. El texto se tiene muy en cuenta, los
libretos, también la música, donde aparecen compositores rusos, franceses,
españoles… Los bailarines eran muy importantes, sobre todo por las
coreografías. Los decorados y los figurines o vestuario, y los telones, eran
realizados por rusos y autores europeos de vanguardia, entre ellos Picasso.
Vestuario para el pájaro de Del ballet ruso son muy importantes las giras por
fuego, Laon Bakst, 1910.
toda Europa.

En Rusia tuvo mucha importancia el Cubismo.

En Retrato (1914-1915) de Lyubov Popova es muy

evidente la conexión con el Cubismo. Vemos collage,
deformaciones y nada de figuración. Lo que vemos en
esta obra son las palabras Cub y Futurismo, pues los rusos
también admiran este periodo. Naturaleza muerta,
Alexandra Exter, 1913.
El afilador (1912-1913) de Malevich es un amalgama de
Cubismo y Futurismo. Vemos muchas manos para
dar idea del movimiento de la piedra; también
vemos varios pies. El Futurismo lo vemos en la cantidad de manos y pies,
cosa que se hace para mostrar el movimiento de la acción de afilar.

En el año 1913, los futuristas celebran su primer congreso en Rusia. Los

futuristas rusos también son anticonformistas, critican la sociedad del
momento, las instituciones, los museos, critican la cultura del pasado,
hacen reuniones, ponen en valor la vida moderna, trabajar bajo el tiempo presente, no mirar atrás,
y también sacan sus revistas y manifiestos futuristas. Una de sus revistas se llamaba Una bofetada al
gusto del público. Sin embargo, los rusos eran antimilitaristas, no como los italianos. De hecho, se
manifestaban en contra de la Gran Guerra. No manifestaban su orgullo patriota, y no se
preocupaban por los temas italianos. Tampoco eran misóginos, de hecho, hay una gran presencia
de las mujeres en las vanguardias rusas.

50
Los futuristas rusos son Matiushiv, pintor, compositor y teórico, los hermanos Burliuk, pintores,
escritores y poetas, Kleunikov, escritor y poeta, y Kruchonij, escritor. El futurismo en Rusia
también fue un amalgama de muchas manifestaciones artísticas.

Respecto a esta obra, Un inglés en Moscú (1914) de Malevich podemos pensar

que es una obra ligada al Cubismo sintético. Esta obra es muy importante
en las vanguardias rusas. Aparecen letras, y, si nos fijamos, vemos un sable,
una vela, una hoz, un pez, una iglesia ortodoxa, un cucharón, la figura de un
hombre vestido con su traje de calle y su sombrero de copa. Al fondo vemos
una sierra, la composición está cruzada por una gran flecha roja… La obra
está hecha por muchos elementos sueltos que, aparentemente, no tienen
nada que ver.

Este lenguaje entra dentro de la pintura alógica, es decir, pintura incoherente, con asociaciones
disparatadas de los motivos en el cuadro. Esta pintura tiene que ver con un concepto literario
llamado zaum, que quiere decir más allá de la mente y del pensamiento racional. Este lenguaje renuncia a
las reglas de la gramática y la sintaxis, disuelve el lenguaje y encuentra el significado esencial de las
palabras en los sonidos.

En Composición con la Mona Lisa (1914-1915) La Gioconda está representada

sobre un papel rasgado, y su cara está tachada en rojo. Ellos no querían
saber nada de esta obra, y tenían mucha ira contra la cultura del pasado.
Estamos dentro del Cubismo sintético, pero vemos diferencias. Esta
diferencia la vemos en la importancia de los planos superpuestos entre sí,
los cuales son muy potentes.

Esta obra se relaciona con los telones que

realizó Malevich para una obra de teatro,
Victoria sobre el sol (1913). La Victoria sobre el sol es una opera que se
representó en San Petersburgo. Malevich realizó los decorados y el
vestuario, Matiushin se encargó de la música y Kruchenik del libreto.

Este fondo es un cuadrado negro sobre un fondo blanco, un cuadrado

sobre otro cuadrado. Así, aparece la abstracción (Cuadrado negro sobre
fondo blanco, 1915). El artista se deshace totalmente de la figuración hasta
llegar a esta abstracción. Este cuadro es de un gran tamaño, y representa
una forma liberada de toda representación, de emociones y de
simbolismos. Es una creación pictórica, pura, absoluta, suprema, el
“grado cero de la pintura” según Malevich, libre de emociones y
simbolismos; no simboliza nada.

De aquí surge el concepto de Suprematismo ruso (1913-1918, pintura suprema). La gran figura del
movimiento es Malevich, quien escribió el Manifiesto del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo (1915).
Él crea un grupo de artistas que trabajan bajo este ideal, el grupo Supremus.

51
 En Aeroplano en vuelo (1916) de Malevich el aeroplano se representa con
formas y colores primarios y puros. Todo esto se sitúa sobre un fondo
blanco, no es necesario hacer un fondo azul representando el cielo. No son
formas estáticas, sino dinámicas.

KANDINSKY
En diciembre de 1911 pinta Composición V. Lo que vemos aquí
son colores y líneas negras de diferentes tamaños. No vemos
representaciones de algo que formen parte de nuestro
contexto, aunque podríamos ver personas, un río y un puente.
Podemos decir que es un lenguaje abstracto. Kandinsky es
uno de los primeros artistas abstractos, pues en 1910 ya
realizó una acuarela abordando la abstracción. La crítica fue
muy cruel con esta obra, pues se decía que no era arte porque no tenía figuración ni sentido alguno.

Kandinsky consideraba que la obra de arte surgía de una necesidad interior, es algo individual.
Decía: “la verdadera obra de arte nace misteriosamente del artista por vía espiritual”. Todas estas ideas las
desarrolló en De lo espiritual en el arte, libro publicado en 1912. También publicó La pintura como arte
puro, en 1913. Cuando llega la Gran Guerra, como ruso, no se queda en Alemania, sino que regresa
a Rusia (1914-1921), donde participa en la administración de instituciones artísticas del gobierno
bolchevique, siendo docente y configurando una nueva red de museos.

Pero eso de lo espiritual en el arte no era acorde con el materialismo del gobierno bolchevique, así
que vuelve a abandonar Rusia. Había recibido la invitación de Gropius para ser docente en la
Bauhaus. Estará trabajando desde el 1922 hasta el 1933, cuando abandona Alemania por la llegada
de Hitler. En la Bauhaus se enseñaba diseño, análisis de las formas, colores, materiales, fotografía,
danza, teatro… y los alumnos hacían prácticas en empresas de Weimar.

En esta época escribe Punto y línea sobre el plano (1926), donde teoriza sobre la importancia de los
puntos, las líneas, las formas geométricas y el color.

Aquí, en Composición VIII (1928) podemos ver todos los

diferentes tipos de líneas (paralelas, diagonales, rectas,
torcidas, circulares…) y todo esto genera mucho
movimiento. También vemos muchas formas (círculos,
triángulos, cuadrados…) y colores primarios, secundarios.
Vemos el amarillo, el azul…

Su uso del color se caracteriza por la sinestesia, el color

ligado a sensaciones. Se basa mucho en la temperatura del color, el movimiento y la estabilidad, el
estado de ánimo, el género o la edad, y la música, pues todos los colores se asocian a todo esto. Sus
obras tienen títulos de composición, improvisación o impresión. Él establecía analogías entre el

52
color y el sonido. Por ejemplo, el amarillo lo relaciona con el piano, el rojo al sonido de trompetas
y timbales, el verde con el violín…

SIMULTANEÍSMO
El Simultaneísmo son los contrastes de color en un mismo plano que generan dinamismo y
luminosidad. Destacan dos artistas: Robert Delaunay y su mujer, Sonia Delaunay. Ella no solo
pintaba, sino que también era diseñadora gráfica y se dedicaba a la moda. Diseñaba ropa, zapatos,
bañadores…

Esta obra de Robert Delaunay Ventanas simultáneas (1912) es totalmente

abstracta; no vemos representación de nada, sino que a través de los
colores hay sensación de dinamismo, de movimiento. Pintó muchas
representaciones de la Torre Eiffel, aeroplanos, ilustró muchos libros…

En Prismas eléctricos (1914) de Sonia Delaunay

percibimos una sensación de vértigo y
movimiento.

UNA NUEVA PLÁSTICA CON DE STIJL: NEOPLASTICISMO

Esta nueva plástica la encontramos en Holanda, entre 1917 y 1926. Ellos se hacen llamar el Grupo
Estilo. Crearon una revista donde aparecen manifiestos y reproducciones de otras obras. El
Neoplasticismo invade diferentes ámbitos de la creación. Ellos dicen que el arte es un método de
organización que se aplica a la vida como un todo. El nuevo arte afecta a las artes plásticas, al
diseño y a la arquitectura.

Ellos consideran que hay una nueva época, de manera que se necesita una regeneración ética
colectiva e individual. Se debe huir de lo superfluo para buscar lo esencial. Elogian la vida moderna
y las máquinas en movimiento y dinámicas. Además, consideran que se tienen que buscar los
principios que tengan valor universal, no individual; hay que olvidarse del yo en beneficio de la
colectividad. También tienen una predilección por la teosofía, el acercamiento del ser humano a
principios universales como el amor, el respeto o la fraternidad. Holanda era protestante calvinista.
Los calvinistas son iconoclastas, rechazan las imágenes.

Cuadro 2 (1922) de Mondrian es la máxima representación de este

movimiento. En esta obra vemos la reducción de los medios de
expresión, los cuales son básicos (plano, línea y color). Esto lo
comprende todo el mundo, pues es un lenguaje universal. En
Mondrian veremos líneas negras y rectas, de idéntico grosos,
verticales y horizontales que se prolongan o no hasta el borde
creando ángulos rectos. Además, los planos que veremos son
rectangulares. Se consigue mucho equilibrio gracias a las uniones de
las líneas. El equilibrio es dinámico, entre lo individual y lo universal.

53
Los colores son planos, de carácter saturado, y vemos colores puros (vida pura, sin conflicto). Las
superficies son neutras, planas, lisas, contundentes…

En arquitectura veremos el interior y el exterior, los colores y el diseño de las cosas. Esto implica
que, en la obra total, haya un desarrollo colectivo; no solo vemos al arquitecto, sino al pintor,
diseñador…

Casa particular (1923) de Theo van Doesburg y Cornelis van Eestern

fue un proyecto axonométrico para una casa. Vemos líneas rectas,
la influencia de las iglesias calvinistas, espacios abiertos, carácter
diáfano, construcciones irregulares y dinámicas, con juegos
volumétricos y sin eje central. Es una casa desornamentada, pues
ellos odian el ornamento y la decoración. Es una arquitectura básica,
funcional. No tiene una fachada ni entrada principal, y vemos
aplicación de colores, no con carácter ornamental sino constructivo.
Vemos líneas rectas, formas volumétricas, arquitectura
desornamentada, descentralizada, funcional, transparente.

Para la construcción de la Casa schröder (1924) de Rietveld se

empleó hormigón y cristal para crear espacios diáfanos y dar luz,
el ventanal de arriba hace esquina y ocupa el lateral. Todos los
planos son cuadrados y rectangulares, y vemos superficies rectas
sin ornamento. El interior son espacios abiertos, no hay muros,
sino que son los muebles los que delimitan. El color se aplica a
los muebles y al suelo.

En esta obra, Contra-Composición (1924), de Theo Van Doesburg

vemos una diagonal, dinamismo, juego, algo diferente. Él lo llama
elementarismo, sigue teniendo importancia el plano, las líneas
contrapuestas. Los colores siguen siendo primarios, y rompe el
esquema de Mondrian.

Mondrian sigue su camino. En el año 1938 abandona Francia, y se va

a Londres, donde sigue con su esquema. En el 1938 vemos un
enrejado persistente; los cuadrados se hacen más pequeños y el color
está como encerrado.

Composición nº 12, Mondrian, Trafalgar square,

1939-1943. Mondrian, 1939-1943.

54
En 1940 empieza el avance alemán en Londres y se
va a Estados Unidos en otoño. Llega a Nueva York,
ciudad fantástica en aquel momento. A Mondrian
le encantaba bailar, y, en sus bailes, incorporaba su
lenguaje. Los cuadros que realiza en Nueva York
suelen tener títulos relacionados con cosas de la
ciudad. Además, los títulos están relacionados con
las composiciones. Paseando por la ciudad ve
rollos de cinta de papel adhesivos. Cogía esta cinta, New York City, Mondrian, 1941.
la pegaba en los lienzos,
la cambiaba de posición… era una cosa práctica, no para que quedase
permanentemente. Lo que ocurre es que, en el caso de esta obra, quedó
inacabada, es decir, cuando murió, las cintas seguían puestas.

Broadway Boogie-Woogie, Mondrian, 1942.

LA EXPANSIÓN DE LA ABSTRACCIÓN
En Francia, los artistas abstractos se reunían bajo el nombre de Cercle et Carré, grupo de artistas.
Además, tenían una revista con este mismo nombre. Algunos artistas que formaban parte fueron
Kandinsky, Mondrian, Joaquín Torres García… y se fundó en el 1929. Hicieron una exposición en
el año 1930 en la cual participaron 43 artistas.

También tuvo importancia en Estados Unidos. En Nueva York se fundó el grupo American Abstract
Artists (AAA), y hay un artista alemán, Hans Hofmann que, en 1936, tuvo que huir. Llegó a Estados
Unidos donde se dedicó a pintar y a dar clases. Es importante porque dio clase a artistas como
Pollock. Para el afianzamiento de este lenguaje abstracto es importante una exposición que se
celebró en 1936 en el MOMA, Cubism and Abstract Art. Alfred Barr hace una Historia del Arte
contemporánea con este cartel en forma de diagrama.

El triunfo de la abstracción lo vemos en que se ha dedicado un museo solo al arte abstracto. Se

funda en el año 1939 con la colección de Solomon Guggenheim. El museo se llamó Museo de Cuadros
No Objetivos.

55
TEMA 8. TRAS LA REVOLUCIÓN DE 1917
LA CULTURA ARTÍSTICA TRAS LA REVOLUCIÓN DE OCTUBRE: LA
ABSTRACCIÓN PICTÓRICA
La Revolución Rusa de febrero de 1917 derrocó el régimen zarista e hizo abdicar a Nicolás II en
marzo. Será asesinado en 1918. Al abdicar se debe formar un gobierno, el llamado gobierno
provisional ruso bajo la presidencia de Kérenski. En esta alianza hay un gobierno formado por
liberales y socialistas y se forma el Partido Obrero Socialdemócrata de Rusia, dividido en dos
facciones: mencheviques y bolcheviques.

Los mencheviques eran la facción moderada, que pretendían abandonar la lucha armada y la
liquidación progresiva del zarismo mediante una revolución burguesa, en la que el tercer estado
compartiera el poder. Los bolcheviques eran un grupo político radicalizado, con más énfasis en la
lucha armada y con Lenin como líder, defendían la alianza entre campesinos y obreros (dictadura
del proletariado). Pensaban en suprimir la propiedad privada para que pasara al control del estado
y la entrega de los latifundios a los campesinos, además de un estado laico.

Poco a poco fueron surgiendo los sóviets, consejos de obreros, campesinos y soldados, agrupados
para defender sus derechos mediante estas reuniones. Estos consejos empezaron a formarse desde
la revolución de 1905.

El zar abdicó en marzo, por lo que ya en abril Lenin llega a Rusia, un escritor y luchador frente al
régimen zarista desde que era joven. Fue un movilizador de las masas, pasó por la cárcel y sufrió
destierros en Siberia. En 1900 sale del país y pasa por diferentes países de Europa, residiendo
finalmente en Suiza, en Zúrich. Alemania consideraba que, apoyando a Lenin, Rusia saldría de la
Guerra Mundial. Antes de que terminar, Trotsky hizo un pacto con Alemania. Lenin no solo hacía
la revolución en los espacios públicos, sino también a través de los textos, que enviaba a Rusia y se
publicaban en panfletos o determinados periódicos. En Petrogrado tuvo un recibimiento
apoteósico. En abril, los bolcheviques fueron manifestándose como grupo que precisaba hacerse
con el poder y a toda costa, porque eran muy determinantes en sus ideas, provocando la Revolución
del Proletariado y cambiar el estado por completo.

En octubre de 1917 los bolcheviques atacan el Palacio de Invierno, donde estaba el gobierno
provisional de Kérenski, que desaparece físicamente. En este momento comienza la Revolución de
1917/Revolución Bolchevique/Gran Revolución Socialista de Octubre.

Asaltaron el Palacio de Invierno al grito de “¡Paz, tierra y pan!” y “¡Todo el poder para los sóviets!”.
En este momento, entre octubre y noviembre se estaba celebrando el segundo congreso de los
sóviets en Petrogrado, donde discutían ambas facciones día tras día, surgiendo la formación del
nuevo gobierno llamado Consejo de Comisarios del Pueblo: Sovnarkom. Fue presidido por Lenin
y como comisario de Asuntos Exteriores Trotsky. Este gobierno también se constituyó de modo
provisional hasta la convocación de elecciones de la Asamblea Constituyente. Los mencheviques
obtuvieron la mayoría, pero los bolcheviques la obtuvieron en las ciudades más importantes,
creyéndose con derecho a gobernar. De esta manera, Lenin anuló los resultados, disolvió la
asamblea y se hizo con el poder de manera arbitraria.

56
Para cultura y educación se forma un Comisariado del Pueblo para la Instrucción Pública:
NarKomPos, dirigido por Anatoli Lunacharski entre 1917 y 1929. Llegó a ser embajador de Rusia
en la España de la República. Dentro de este comisariado, la parte artística se llamaba
Departamento de la Instrucción Pública del Patrimonio Artístico (IZO), fundado en 1918.

En marzo de 1918, la facción bolchevique adquiere el nombre de Partido Comunista de Rusia. En

Rusia, el zar y su familia fueron ejecutados. En el mismo año, Rusia se convierte en la República
Socialista Soviética Federativa de Rusia, con capital en Moscú hasta la actualidad. Por otro lado, los
mencheviques no estaban de acuerdo, pues se hicieron con el poder de forma arbitraria. De esta
forma es como surge una guerra civil entre 1919 y 1923, cuando ambos bandos practicaron el
terror. El Ejército Rojo Obrero y campesino fue formado en muy poco tiempo por la figura de
Trotsky, quien desde joven estaba en contra del régimen zarista y sufrió cárcel de modo continuado.
Fue nombrado comisario de guerra entre 1918 y 1925.

Lenin murió enfermo en enero de 1924 y después Trotsky tuvo un enfrentamiento para ver quién
debía tomar el poder, Lenin le consideraba su sucesor, pero en este momento también estaba Stalin.
Trotsky huye y finalmente, en 1936, pide asilo político en México. Ramón Mercader y su madre
contactan en Francia con personas cercanas a Lenin, después van a México. El Movimiento Blanco
estaba representado por los contrarrevolucionarios, que eran militares exzaristas, conservadores,
liberales, socialistas, con el apoyo de fuerzas extranjeras que querían poner fin al gobierno
bolchevique.

En estos momentos de la guerra surge una estrategia política llamada agitprop, propaganda de
agitación. A través de determinadas herramientas se influía en el ejército para infundirles valor,
fuerza, seguridad, y en el pueblo que debía trabajar y apoyar la revolución. En esta agitprop tenemos
textos, panfletos, periódicos que incitaban a la fortaleza del pueblo y a través de carteles. Con ella
animaban a los hombres a unirse a las filas del Ejército Rojo y a obreros y campesinos a trabajar.
Mayakovski decía que “significaba que los hombres del Ejército Rojo miraban los carteles antes de
la batalla”. En este momento es importante la ROSTA (Agencia Telegráfica Rusa), un medio de
comunicación propagandístico que se encargaba de divulgar los mensajes contundentes, en el
contexto de la ideología revolucionaria a través de la palabra y la imagen.

Creadores de la plástica y la arquitectura, novelistas, poetas se pusieron al servicio de la Revolución

Bolchevique. La palabra artista desaparece, ahora se autodenominan trabajadores, camaradas.
Decía Mayakovski que “los intelectuales y personalidades del arte han formado una sociedad
denominada ¡A la revolución! Con el objetivo de ayudar por medio del arte (…)”.

En los carteles se combina imagen y texto, pues debe ser rápido de

comprender para quien los contempla. El mensaje está basado en
líneas, colores, formas, imágenes y textos que deben ser cortos, pero
llamativos y contundentes que lleguen al corazón de la persona que
lo lee. Uno de los más importantes de carácter ideológico y por su
diseño es este abstracto, pero que lo dice todo aun con ello: ¡Golpead
a los blancos con la cuña roja!, de El Lissitzky (1919). Debe herir y
golpear el corazón de los blancos que está configurado con un círculo blanco cerrado. Hay un
contraste de colores rojos, blancos y negros, típico del modo de conseguir los carteles soviéticos.
Son espacios muy marcados, llamativos.

57
Otro cartel de este momento es de Anatolii Petritski, en el que un soldado avanza con su bayoneta,
pisando la corona que alude a los zares y un báculo que representa la Iglesia. Lo que prima es la
estrella roja con la hoz y el martillo. La bandera se crea en 1923, pero ya es símbolo del Ejército
Rojo.

En En la Rusia soviética bajo asedio. Todos a la defensa (1919) de Dmitri Moor

vemos en el centro la estrella roja con un círculo donde un campesino,
un obrero y otro hombre están trabajando y diseñando un nuevo país.
La mujer aparece trabajando, los cañones disparando, el Ejército Rojo
avanza en la zona superior. También vemos al campesino en el campo y
al obrero en la fábrica.

Este cartel ¿Ya eres voluntario del Ejército Rojo? (1920)

de Moor nos presenta a un soldado del Ejército
Rojo que señala con fuerza al espectador. Al fondo
podemos apreciar una fábrica con humo saliendo de las chimeneas.

Una nueva Rusia (1921) está dividido

en dos franjas horizontales, la
superior es la Rusia de los zares y la
inferior la Revolución Bolchevique.

En la franja superior vemos a los tres Reyes Magos en

búsqueda de la estrella que anuncia dónde está el Niño
Jesús. Detrás aparecen el papa, miembros de la iglesia
ortodoxa, burgueses y banqueros con bolsas de dinero
en la mano, representando todo ello el viejo régimen. En la parte inferior está el líder del Ejército
Rojo, obreros y campesinos que señalan la estrella roja en contraposición a la del Nacimiento de
Jesús. Es un cartel ideológico realmente. En marzo de 1918 se estableció un juicio del poder político
contra la religión, con abogados fiscales, etc. Determinaron que Dios era un asesino y había que
acabar con él, culpándole como genocida. Se hizo un pelotón con rifles disparando al cielo, “Dios
ha muerto”, considerando a Marx como el mayor profeta que ha existido.

Todo esto está llevado por ROSTA y se creó un tipo de cartel que parece una ventana,
denominados Ventana ROSTA, en la que intervino Mayakovski que además de escritor era
diseñador gráfico. Es importante de nuevo la imagen y el texto. Aparecen dos miembros del
Ejército Rojo con las bayonetas clavadas en un señor vestido de negro que ha tenido recursos para
comer, quien representa el antiguo régimen. Se titula: No permitamos que los terratenientes
gobiernen a los trabajadores, 1920.

Termina la Guerra Civil del Ejército Rojo y se funda la URSS, que durará entre 1922 y 1991. Con
la llegada de Gorbachov y la Perestroika las repúblicas se fueron independizando, pero Ucrania fue
atacada de manera brutal por Rusia. Moldavia, Bielorrusia, Letonia, Lituania, Estonia, Argelia, etc.
formaban parte de Rusia hasta ese momento. La bandera roja ya estaba creada con la hoz, el martillo
y la estrella. Actualmente es blanca, roja y azul.

58
En este periodo de los años 20, desde 1918, surge una tendencia artística denominada
Constructivismo, término que se aplica a creaciones que tienen en cuenta cuestiones como la forma,
el material, el diseño y el espacio. Son concebidas para espacios vivenciales, no para salones, iglesias
o el mercado artístico. Es un tipo de arte que llega a ser expresión del nuevo orden social surgido
tras el triunfo de la Revolución Bolchevique. Es un arte ideológicamente comprometido que
pretende crear conciencia.

Estas ideas las vemos reflejadas en arquitectura, en el plano. Piensan que hay que ir rechazando la
pintura de caballete que vinculaban al arte de salón. Las construcciones espaciales tienen en cuenta
la forma, el material, el espacio y la tecnología. La fotografía para ellos es la imagen, así como el
cartel y el cine, la más importante para Lenin por llegar a las masas. Se incluyen la ilustración del
diseño gráfico en libros y revistas, en el diseño textil y de objetos utilitarios. En todos ellos
predominan la abstracción, salvo en la fotografía, el cartel y el cine.

Hay que suprimir las academias de Bellas Artes, que formaba parte del antiguo régimen, en
detrimento de los talleres. Se forman así los Talleres Libres del Estado (SVOMAS) entre 1917 y
1920 y los Talleres de Enseñanza Superior del Arte y de la Técnica (VJUTEMAS) entre 1920 y
1930. Trabajaban en la Facultad de diseño gráfico, construcción y arquitectura Malévich,
Ródchenko, Tatlin, Litssitzky, Klutsis. En la Facultad Industrial trabajaban objetos para la vida
cotidiana, vajilla, mobiliario. en el Departamento textil destacan Popova y Stepánova.

En todo este nuevo mundo es importante, ya no tanto el caballete y la paleta, sino que cobran
importancia la regla y el compás. El “artista” concibe la obra de arte como un ingeniero diseña una
máquina, usando reglas, compás, cálculos, etc. Stepánova era la mujer de Ródchenko, quien no solo
construía, también pintaba y era fotógrafo.

Esta obra, El constructor (Autorretrato), de El Lissitzky, es un

fotomontaje reproducido con su mano, siendo su mente la que trabaja.
Era un hombre muy completo, pintaba, conocía el tema de los
materiales, diseñador gráfico, además de saber sobre arquitectura.

Ródchenko escribió un manifiesto titulado La línea en 1921, donde

como Kandinsky en la Bauhaus estudia las propiedades de la línea, las
tensiones, los colores, etc. Prueba de este interés
con Composición sin objeto n.68 (Naturaleza muerta, 1918) estando todo
representado en un mismo plano, con círculos
superpuestos sobre un fondo neutro blanco. Los
colores que predominan son los primarios, rojo, azul,
negro y amarillo. Se da una sensación de espacio
dinámico. En Pintura no objetiva (Línea, 1919) también
estudia las propiedades de la línea.

Desde 1921 ya no trabaja con pinceles, para lo que es importante una obra de
tres elementos realizadas sobre telas, en los que solo vemos el color que hace la obra. Son colores
primarios, extendidos de un modo que el pigmento se ha empleado de forma uniforme casi
mecánica. Tiene interés en hacer desaparecer la impronta de lo personal en la ejecución. En estas

59
composiciones no hay representación, ni espacio, ni profundidad, ni textura. Esto influye en el arte
minimal americano.

Malevich fundó un grupo llamado UNOVIS (Forjadores del Arte Nuevo) en Vitebsk, Bielorrusia,
una escuela de arte. A este grupo pertenecieron diversos artistas como
El Lissitzky, Chashnik o Suetin. Este grupo lo fundó él, pero la escuela
de arte Chagall. Era originario de esta localidad de Bielorrusia de
mayoría judía. En su escuela llama a los artistas para que vayan a
enseñar, y tienen como estandarte Cuadrado negro sobre fondo blanco.

Tenemos como influencia del constructivismo a El Lissitzky, que ya

había ilustrado libros infantiles como Historia de dos cuadrados (1922). Es
un libro infantil, pero con carga ideológica. Aparecen un cuadrado
negro y uno rojo, con el espíritu bolchevique. En otro se muestra un círculo rojo, el mundo que
ellos defienden. En un momento se juntan ambos, destruyendo el rojo al negro, porque prevalece
la ideología bolchevique. En la última ilustración se construye un mundo rojo, con construcciones.
La planitud de los cuadrados destaca sobre las construcciones tridimensionales que vemos en altura.

Esta obra, Proun 1D de El Lissitzky va más allá del Suprematismo,

que era todo cuadrados, rectángulos, trapecios sobre un fondo plano.
En este caso, la influencia de Malevich está clara, pero vemos
elementos en perspectiva, en profundidad, vemos lo tridimensional
aplicado a un soporte plano, con un sentido de construcción, no
simplemente el plano sobre un fondo plano. Hay un escorzo. A este
lenguaje Lissitzky lo denomina Proun, Proyecto para la Afirmación de lo Nuevo. “Es un estado
intermedio entre la pintura y la arquitectura”, parecen construcciones.

Este lenguaje Proun lo lleva a un espacio real, un aspecto clave del Constructivismo, algo que pone
en práctica en 1923 cuando es invitado a participar en la Gran Exposición de Arte de Berlín. Se le
cede un espacio y en lugar de hacer pinturas, esculturas que colocar en ese espacio sobre pedestales,
construye y diseña ese espacio. Trabaja en todos los planos, incluido el suelo, las paredes y el techo.
Todo está trabajado, aunado, mediante planos de color y líneas. Trabaja con el color, pero con
materiales reales como maderas. Todo es abstracto, no hay nada figurativo. Hay un sentido de
profundidad, pone en práctica la diagonal. Esto influye en Theo Van Doesburg, ya que Lissitsky
viaja a Alemania y se encuentra a todos estos artistas de la Bauhaus. Algunos materiales están
ligados al muro y otros sobresalen. También destaca la esfera y el plano está diseñado de manera
que invita al espectador a entrar en él y forme parte de ese espacio.

Todo esto tiene un precedente que es Tatlin, importante encontrarlo en los

Contrarrelieves de esquina, que hizo tanto en 1914 como 1915. Son
construcciones espaciales, no para ser colgadas o depositar sobre un pedestal,
sino para que formen parte del espacio vivencial donde se encuentra y transita
el ser humano.

Son obras realizadas en metal, pero metal muy sencillo y liviano como el
hierro, cobre, aluminio, madera y cuerdas. Son construcciones con entrantes
y salientes, engarzadas entre sí y eso está colgado de una esquina, no de la pared simplemente. La

60
esquina es importante en la creatividad rusa. Algo tienen que ver con el Cubismo sintético estas
construcciones, como las guitarras de Picasso con materiales humildes.

Una figura importante también es Ródchenko, quien

trabaja con el espacio como algo dinámico y generador de
la obra de arte. Tenía un gran interés por la línea y hace
estructuras con metal, madera lacada, totalmente
abstractas. Está como dibujando en el espacio, como si
este fuera el soporte. Estas estructuras están en altura, pero
no en pedestales, sino que forman parte de la obra de arte huyendo del convencional. Está
integrado en la propia obra de arte. Algo importantísimo es que vemos cuerdas de las que cuelgan
una serie de estructuras. Esto fue una sala que le dejaron para presentar en una Exposición de
OBMOKHU (Sociedad de Artistas Jóvenes). Estas obras de 1910-21 son llamadas Construcciones
espaciales colgantes o suspendidas, que tienen distintas formas mediante el círculo, el polígono, formas
geométricas, en resumen. En la feria Dadá de París se hizo el soldado colgado del techo,
anteriormente la Pala de nieve de Duchamp.

Otro artista es Naum Gabo, que junto con su hermano Antoine Pevsner y Klutsis el cartelista
redactan un manifiesto en 1920 denominado Manifiesto Realista. Para ellos, espacio y tiempo son las
únicas formas sobre las cuales la vida se construye, y sobre ellos, se debe edificar el Arte. Ambos
hermanos abandonarían Rusia y se irían a Europa. Klutsis, a diferencia de ellos, morirá fusilado en
la Siberia de Stalin.

Esta obra, Construcción cinética (onda de pie) (1919-1920) de Naum Gambo está conectada
a un motor la varilla de metal, que empieza a girar y da la sensación óptica. La
electricidad aplicada al metal es muy importante. En este momento también Duchamp
hace esto. La obra estática al aplicar electricidad se transforma,
dando lugar a una obra cinética. Tanto la Placa rotativa de
Duchamp como esta de Naum Gambo son las primeras obras
cinéticas de la Historia del Arte.

Columna (1923) es una construcción de metal, madera, donde se introduce por

primera vez otros materiales como el plexiglás, el metacrilato que son
materiales de resina sintética con aspecto de vidrio, resistente a golpes y de
gran dureza, aunque liviano.

SINGULAR CONSIDERACIÓN ACERCA DE LOS MONUMENTOS Y EL ARTE

EN LA CALLE
En la Rusia de los años 20 encontramos el monumento ideológico. La Rusia bolchevique no
soportaba ver a los zares adornando los paseos o los parques, de manera que todas sus
construcciones se destruyen. Se produce una retirada de las plazas públicas de monumentos que
recuerden al régimen de los zares y se crean monumentos ideológicos que dignifiquen los logros
de la Revolución Bolchevique. Decoran las ciudades en honor al 1 de mayo como Día del
Trabajador y la conmemoración de la Revolución de Octubre. Los obreros del arte trabajaban para
estas decoraciones festivas.

61
En 1918 se firma un decreto por Lenin, Lunacharski y Stalin denominado Decreto de Desmantelamiento
de los Monumentos Erigidos en Honor de los Zares y sus Servidores y sobre la Formulación de proyectos de
monumentos a la revolución Socialista Rusa. Ródchenko fotografía a Mayakovski en 1923, quien dice:
“El arte no debe estar concentrado en los templos muertos de los museos, sino por doquier: en la
calle, en el tranvía, en las fábricas, en los talleres y en los barrios obreros (…) que las calles sean
nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas.”

En 1919 se piensa en hacer un monumento a la III Internacional o Internacional Comunista, con

pura ideología. En ella se reunieron todos los partidos comunistas que habían roto con los
socialistas de la II Internacional, por intención de Lenin. Se organiza otra reunión que es la III
Internacional de marzo de 1919:

- Supresión del sistema capitalista.

- Dictadura del proletariado.
- Abolición de clases sociales.

Tatlin realiza una maqueta de 5m para construir un edificio que parece

escultura. El Proyecto a la Tercera Internacional (1919-20) tiene un aspecto de torre
que se pretendía más alta que la Torre Eiffel. Tiene un interior helicoidal que
va de más a menos según va ganando en altura, en las tres plantas que son
cubiertas.

El exterior es como una carcasa que va girando de hierro. Los modelos que
pudo tener en cuenta Tatlin para hacer esta obra pudo ser la Torre de Babel,
el minarete de la Gran Mezquita de Samarra, la Torre de Pisa, la escalera de caracol del Vaticano
de Bramante, el tobogán que hasta principios del siglo XX estaba en Cibeles (Madrid), Desarrollo
de una botella en el espacio (1912) de Boccioni, la Torre Eiffel (tanto la real como la de Robert
Delaunay).

Este monumento, Reconstrucción de la III Internacional, tenía un exterior como envoltura de hierro, la
espiral como metáfora del movimiento revolucionario hasta el infinito. En cuanto al interior, era
de cristal, con tres plantas y un remate. Las formas son abstractas: un cubo en la planta baja, la
segunda una pirámide tumbada, la tercera un cilindro y se remata todo ello con una cúpula.

Cada planta debía tener una función ligada al gobierno bolchevique: el piso bajo eran las funciones
legislativas, el central las funciones ejecutivas y administrativas, el superior estaba dedicado a los
servicios de información y propaganda, y desde la cúpula se debían divulgar noticias a través del
teléfono, el telégrafo, que con un proyector especial lanzaría al cielo un mensaje de luz con un lema
diferente cada día. A todo ello se une que cada planta debía girar gracias a la electricidad. La planta
baja giraba una vuelta al año, la pirámide una vuelta al mes, el cilindro una
vuelta al día y la cúpula giraría una vuelta cada hora. Por tanto, es arquitectura
cinética, que debía construirse junto al Almirantazgo de Petrogrado, aunque
nunca se llegó a construir.

Este Proyecto para la tribuna de Lenin (1920-1924) de El Lissitzki no se llevó

nunca a cabo, y es también un proyecto ideológico. Se trata de un proyecto
para una tribuna dedicada a Lenin. Cuando el artista la terminó, Lenin todavía

62
estaba vivo. En la parte baja vemos un cubo que debería ser enorme para sostener la biga de metal.
Así, vemos la vinculación del artista con el Suprematismo. Sobre el cubo realizado en cemento
surge una estructura metálica con enrejados y celosías. Esta estructura no está en línea recta, sino
ligeramente inclinada. Así podemos saber quién es el autor, pues fue el que introdujo en el
Suprematismo las líneas diagonales. A lo largo de la estructura metálica hay diferentes plataformas,
las cuales también están dominadas por la geometría. En estas plataformas se debía colocar el
orador, el que se dirige a las masas. A Lenin lo vemos dándole ánimos a la gente para que vaya a la
guerra. En la parte superior hay una pancarta con la palabra proletarios.

Podemos relacionar la torre con la que aparece en esta imagen, Electrificación en

todo el país (1920), de Klutsis, la cual también podemos vincular con el proceso
de llevar la electricidad a todos los pueblos de la Unión Soviética. No solamente
eso, sino que se consideraba que la electricidad tenía que ser el motor de la
industrialización del país. En esta obra vemos a Lenin llevando él mismo la
electricidad a todo el país. Encima de la torre eléctrica vemos edificios y sobre
estos vemos escrito el título de la obra.

La estructura metálica propia del mundo de la industria también la

vemos en este edificio Pabellón de la URSS (1925), de Melnikov. Este iba
a ser el pabellón que la URSS iba a presentar en una exposición
internacional en París en el 1925. Vemos una arquitectura sobria, básica,
clara, sencilla, donde predominan el metal y el cristal.

LA ESCENOGRAFÍA COMO CONSTRUCIÓN

La escenografía es muy importante en el Constructivismo ruso. Esta
obra la realizó Picasso, y se titula Parade. El artista realizó la obra, el
telón y los figurines y fue hecha para el ballet Parade. Las figuras
forman parte de la Commedia dell’Arte. Vemos un arlequín, un
torero… En estos momentos, Picasso se aleja un poco del Cubismo
para volver a la figura humana concebida de manera natural.

Para los constructivistas rusos, el telón forma parte del espíritu de la burguesía. Así, el telón dará
paso a una construcción donde encontramos materiales como metal o madera, objetos y máquinas
reales, el cuerpo humano (gestos y movimiento), desconocidos, trajes apropiados, sonidos y texto
revolucionario. Es decir, son elementos que configuran la escena rusa.

La escena tiene que divulgar las ideas revolucionarias. Ha de tener un objetivo para que todos los
objetos influyan en las personas, con sentido revolucionario. Entonces, Popova decía que se tiene
que prescindir de toda finalidad estética en el diseño de la escenografía, tanto en el ámbito de su
efecto óptico como en el de su función.

63
Esta obra, Escenario de la obra Magnifico cornudo (1919) de Popova,
presenta escaleras con ruedas, elementos que se cruzan, tarimas, un
aspa, una especie de tobogán… Predominan las formas geométricas
como el cuadrado, el rectángulo o el circulo. Los cuerpos de los
actores interactúan con la estructura. Entonces, todo esto es una
enorme novedad respecto a todo lo que habíamos visto antes. Esto
se relaciona con el movimiento escénico del teatro biomecánico, el cual implica que el cuerpo es
una fuente generadora de emoción y movimiento.

Stepánova realizó el escenario para la obra La muere de Tarelkin (1923).

También realizó los vestuarios.

En Escenografía para mundo insurgente (1932) de Popova vemos de nuevo

escenografía metálica, con la presencia de un coche que también
formaba parte de la escena. Esta escenografía se realizó con motivo del
5º aniversario de la Revolución de Octubre. Los militares situados en primer plano subirían y
bajarían mediante las correas.

NUEVA POLÍTICA ECONÓMICA (1921-1928): EL CARTEL Y EL DISEÑO

GRÁFICO. EL DISEÑO TEXTIL Y EL TRAJE
Rusia seguía siendo una nación principalmente agraria, con una muy baja población urbana y una
base industrial débil, además de no poseer el criterio económico necesario para un socialismo
completo. Ante la crisis económica y el hambre, Lenin decidió volver de manera limitada y
provisional al capitalismo de mercado, después de poner en práctica el Comunismo de Guerra
durante la Guerra Civil.

Así, se establecieron algunas empresas privadas mientras el Estado seguía controlando el comercio
exterior, la banca y las grandes industrias. Esta política exigía que los agricultores le cedieran al
Estado una cantidad especifica de materia prima agrícola como un impuesto en especie, y el resto
podían comercializarlo.

En este contexto, Mayakovski y Ródchenko se alían para crear una especie de agencia de publicidad
para divulgar las ideas de las empresas mediante la construcción de anuncios. Ellos realizaron obras
entre 1923 y 1925. El anuncio se hace fundamentalmente a través del cartel, siendo muy importante
el diseño gráfico. El arte se hace presente en la vida cotidiana: el arte se convierte en diseño. Ya no
se hacen cuadros de caballete, sino que llevan el arte a la vida del ciudadano para mejorarla. Los
carteles contienen palabras y mensajes simples. Se valora lo geométrico, lo contundente, lo sólido.

En este cartel con el eslogan La gente necesita un reloj, los

mejores relojes son Moser (1923) venos una figura está
hecha con relojes, y se anuncia justo una marca de
relojes.

Lo que vemos escrito en el segundo cartel es Lluvita

lluvia caes en vano. No importa que llueva, pues yo estoy
protegida con mis botas de agua. Mayakovski hace el
texto y Ródchenko el dibujo.

64
LA FOTOGRAFÍA
Ródchenko es el gran fotógrafo del momento. En sus fotografías, la ciudad y la gente son el tema
principal. Los planos que utiliza son contrapicados, picados, con formas oblicuas, líneas
perpendiculares, escorzos muy marcados… Todos estos planos serán muy importantes en su obra.

Su Leika y su bloc de notas, Balcones,

Ródchenko, 1930. Ródchenko, 1925.

Un ejemplo de fotografía con estos planos tan característicos de Ródchenko es

esta, Escalera de emergencia (1925). Es una imagen de abajo a arriba. La mirada
representa una ciudad en movimiento, dinámica.

Una serie de fotografías muy interesante que realizó fue la

serie de Pioneros. Los Pioneros eran una organización juvenil
de masas que agrupaba a niños de entre 10 y 15 años. Estos
niños eran, fundamentalmente, el futuro de la Unión Soviética.

En esta fotografía Músicos callejeros (1920) de autoría

anónima aparecen Ródchenko y Stepánova, su mujer.
Para una obra posterior, Autocarga (1922), Ródchenko ha recortado su
figura para crear otra obra, llamada En este fotomontaje vemos a
Ródchenko sobre una rueda llevando en las manos un
engranaje, representando la industrialización de la URSS.

Libros. Conocimiento en todos los campos (1924) no es un

anuncio para una marca, sino un anuncio de libros,
porque también había que llevar la lectura a todo el
país, la lectura ligada a los ideales de la Revolución
Bolchevique. La mujer abre la boca y grita ¡Libros! La
palabra LENGIZ se repite arriba y debajo de la imagen, y corresponde
a las iniciales en ruso de la Editorial Estatal de Leningrado.

Las líneas están muy marcadas y coloreadas, los planos están separados
por líneas blancas, y estos son planos o el líneas diagonales. Los colores
están muy marcados, y contrastan mucho entre ellos. Este diseño será muy
característico en Rusia. La técnica que se utiliza es el fotomontaje, pues la

65
mujer se saca de una fotografía de Ródchenko. Ella es Lilya Brik, una mujer muy importante para
ambos artistas.

Lilya Brik era escritora, directora y productora cinematográfica rusa. Era una mujer muy atractiva
en todos los sentidos, pues era una mujer muy bella, inteligente y encantadora. Nació en Moscú,
hija de un abogado y una profesora de música, tuvo una educación exquisita y sabía tocar muchos
instrumentos y hablar varios idiomas.

Acerca de esto. Para ella y para mí (1922) de Mayakovsky se trata de un

libro con fotomontajes y poemas dedicados a Lilya Brik, poemas de
amor dedicados a su amada.

La importancia del diseño gráfico la vemos

también en las revistas. Una de las más
importantes es LEF (Frente de Izquierda de las
Artes). Aparecen ilustraciones y textos relacionados con la política del
momento. La revista existió en Petrogrado entre el año 1923 y 1925. Más tarde
surgirá otra revista, Novy LEF, del 1927 al 1928. La revista estaba dirigida por
Mayakovsky y Ósip Brik, siendo el diseño gráfico de Ródchenko.

Ródchenko también hará carteles para películas. Este cartel corresponde al

documental Cine-Ojo. La vida al imprevisto (1924). Vemos a dos niños mirando
hacia arriba, pues el documental trata sobre cómo los niños ven el mundo,
concretamente los Pioneros, quienes siempre están preparados para ayudar a
los demás.

Otro cartel que realizó fue para la película El acorazado

Potemkin (1925). Esta película trata sobre una rebelión
de la tripulación contra los oficiales de la armada zarista en la Revolución
de 1905. El acorazado Potemkin era un barco. Potemkin era un noble
militar del siglo XVIII, uno de los gestores de la victoria de Rusia frente
al Imperio Otomano.

Gustav Klutis fue otro gran cartelista. Distorsiona mucho las

composiciones, las cuales son muy dinámicas. Vemos líneas
diagonales y a Lenin que anuncia con un altavoz A los pueblos oprimidos
del mundo entero (…). Este cartel tiene el nombre de La joven guardia
(1924).

En este cartel podemos leer Millones de

trabajadores uníos a la emulación socialista (1925). La perspectiva es de arriba hacia
abajo. Vemos a Lenin dirigiéndose al pueblo en el espacio público. Utiliza las
técnicas del fotomontaje, el collage, el lápiz y guache sobre cartón, pues se
trata de un boceto para el cartel.

En 1920 se editó el Plan Estatal para la Electrificación de Rusia, bajo la

dirección de Lenin. En este plan se funda, a partir de él, la Comisión Estatal
para la Electrificación de Rusia. A partir de este plan, surgen imágenes

66
 relacionadas con el proyecto. Para promocionar el plan, Klutsis hizo este cartel
Electrificación en todo el país (1920). Vemos que predominan las formas
geométricas, a Lenin llevando la luz al país y a la masa de personas alabando a
Lenin.

Los artistas harán carteles para promocionar el plan de

Lenin. Este cartel es muy interesante. Se trata de un
fotomontaje que combina la fotografía de Lenin, letras
sobre fondos de colores y la torre de luz tan característica de esta etapa.

En la parte de arriba está escrito el título del cartel: Comunismo es poder

soviético y electrificación, pues la industria no se puede desarrollar sin
electricidad.

Esta obra se titula Ventanas ROSTA, y se trata de

la portada para el número 742 de la revista
ROSTA, realizada por Mayakovsky en 1922. En la primera ventana vemos
una mano que sujeta una antorcha de la que sale la palabra comuna. Bajo
hay escrito nosotros habíamos encendido esta verdad sobre el mundo. A la derecha
pone todo el poder a los Consejos populares. Las dos flechas son signos de
movimiento. Bajo pone esta verdad se ha extendido por todo el mundo. Bajo, dos
ventanas relacionadas con la electrificación del país. En la de la izquierda
pone ahora necesitamos estas luces; en la otra dice deja que este fuego ilumine Rusia.
Mayakovski es el autor del diseño y también de los textos.

En este diseño para un anuncio de bombillas de

Mayakovsky (1923) la bombilla es determinante sobre el
fondo azul. Vemos letras rojas o negras sobre fondo
blanco. GUM eran unos grandes almacenes de Moscú que
todavía existen. En la parte superior podemos leer dame sol
en la noche. En la parte inferior una pregunta, ¿dónde lo encontrarás? Luego pone tienes que comprarlo en
los GUM, es deslumbrante y barato.

Ellos consideran que el arte tiene que integrarse en el conjunto de la vida cotidiana, disolverse en
todas las esferas, dejando de lado los cuadros de caballete. Una de estas esferas es el diseño textil y
la confección de ropa, de manera que se empiezan a crear telas con categoría artística. Estas telas
debían tener precios económicos para que todo el mundo se las pudiera permitir.

La portada del número 2 de LEF hay un detalle de una tela de Stepánova. En el 1918 se funda la
Fábrica Estatal de Estampado Textil, donde se utiliza el lenguaje abstracto, las formas geométricas
y dinámicas a veces con sentido ideológico. Ambas, Popova y Stepánova, fueron docentes en la
fábrica. En las telas se hacen también alusiones a la industria y a la electrificación.

Para la ropa importan las telas resistentes, que sea funcional y práctica, holgada… Ellos crean el
término ropa de producción o ropa de trabajo, pues los trabajadores textiles se consideraban
obreros. Los vestuarios de las obras de teatro también serán considerados ropa de trabajo. Para
Popova eran muy importantes los cuellos. Los bajos de los vestidos llegan casi al tobillo y los

67
vestidos no tenían muchas costuras. Quedaban ceñidos al cuerpo mediante los lazos de las caderas,
que no ciñen el vestido a la cintura.

Lamanova fue la única modista profesional, y ya trabajó para la Zarina desde finales del siglo XIX.
Sus vestidos eran muy lujosos y suntuosos, utilizando seda o hilos de oro y plata. Ella encontraba
inspiración en los trajes populares y la indumentaria. Los vestidos son amplios y con lazos, sin
costuras laterales, fáciles de trabajar, holgados, con manga corta, pero amplia, sin estar ceñidos al
cuerpo. También eran muy comunes los gorros. En el año 1925 le dieron a Lamanova el Grand
Prix. Solía reutilizar toallas para hacer algunos de sus vestidos.

Lamanova también divulgó sus vestidos en El arte en la vida cotidiana (1925). Ella aconsejaba cómo
cortar, sobre tipos de telas…

Tatlin también se dedicó a diseñar mobiliario. Este debía ser funcional,

debía ocupar poco espacio. Además, también diseñaron vajilla, a bajos
precios, pues debía llegar a todo el mundo. Suetin se caracterizó por las
vajillas con poca decoración. Tatlin hace unas vajillas simples, donde
apreciamos el constructivismo, muy simples pero hermosas. También se
harán platos de carácter ideológico (Victoria para los obreros, Rudolf Vilde).
Este plato se hizo para conmemorar el aniversario de la Revolución
Bolchevique.

EL TREN COMO MEDIO PROPAGANDÍSTICO

En el ámbito ruso de esta época existen los trenes y barcos de agitación, pues tienen la necesidad
de afianzar el apoyo de gran parte de la población campesina y de las pequeñas ciudades, llevándoles
los instrumentos visuales y textuales propios del nuevo régimen. Con estos trenes llegaba material
de propaganda que entregaban en los andenes a los sóviets, imágenes y textos se escribían en el
exterior de los vagones y en los interiores llegan a las bibliotecas, salas de proyección de
documentales, en representación de obras de teatro… Dentro de los vagones se ponían en escena
obras de teatro.

Lenin morirá en 1924. El velatorio se celebró en Moscú, en la Casa de los Sindicatos, y la marcha
fúnebre aconteció hacia la Plaza Roja. A su funeral asistieron millones de personas con una
temperatura de -30ºC. Con Stalin se abre otro mundo y otro arte, el llamado Realismo Socialista.

68
TEMA 9. ARQUITECTURA VANGUARDISTA
MATERIALES, TIPOLOGÍAS Y CLIENTELA
A finales del siglo XIX, algunos arquitectos construían con elementos propios de lenguajes ya
existentes. Así, se construía con elementos románicos o góticos. Esto es lo que se denomina
Neorrománico, Neogótico…, pero también se denominan lenguajes historicistas, lenguajes que
miran al pasado. Por lo tanto, a principios del siglo XX veremos un rechazo a los lenguajes
históricos. Veremos énfasis en el volumen y en el espacio y limpieza mural, además del empleo de
diversos materiales.

Un material muy importante será el acero, pues es resistente y

maleable. El vidrio lo emplean por ser transparente, ligero, duro y
frágil, pues optan por dejar atrás los muros.

Este edificio, el Crystal Palace de Joseph Paxton, se construyó con

cristal y una estructura metálica. Se levantó con motivo de una
Exposición Universal que se celebró en Londres en 1851.

En el siglo XX nos encontramos que, para una exposición de industrias

alemanas celebrada en Polonia en 1914, un arquitecto alemán presentó
un pabellón rematado por una cúpula construida totalmente en cristal
con armadura de acero. Bruno Taut construyó este Palacio de cristal, y el
arquitecto era representante de la arquitectura expresionista y urbanista.

Otro material importante, el hormigón. También la versión del

hormigón armado, cuando a un bloque de hormigón se le incorpora
una armadura de barras de hierro o acero para absorber los esfuerzos de tracción a que queda
sometido el edificio.

Respecto a las tipologías de edificios vemos: viviendas (unifamiliares, casas adosadas para obreros,
bloques residenciales, conjuntos residenciales, rascacielos…), edificios dedicados a la industria, la
empresa y la banca. Veremos edificios dedicados a la cultura (museos, espacios lúdicos y escuelas
de enseñanza especializada) el transporte aporta estaciones ferroviarias y estaciones de metro. Los
proyectos urbanísticos que veremos son urbanizaciones residenciales y amplias áreas urbanas.
Como clientes vamos a tener particulares, firmas industriales, empresas, fundaciones y los encargos
públicos.

LA SECESIÓN VIENESA
La Secesión vienesa fue una asociación de artistas creada en
Viena en 1897. Habrá pintores, escultores, arquitectos… El
Pabellón o edificio de las exposiciones de la Secesión de Olbrich.
Destaca por la sobriedad, sin elementos clásicos o
historicistas, prima la simplicidad, la austeridad, las paredes
lisas, el sentido volumétrico. Son muy importantes las frases
de la parte superior, el lema de la asociación: a cada época su

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arte, a cada arte su libertad. Vemos otra frase, donde pone ver sacrum, primavera sagrada, porque ellos
están convencidos de que va a haber un renacer cultural.

Este edificio, la Caja postal de ahorros Imperial-Real (1904-1906)

de Otto Wagner se hizo, en Viena, en ladrillo, pero revestido
con placas de mármol. Todos los puntos de la fachada son
apliques de aluminio, que dan la impresión de sujetar las placas.
La fachada principal apenas está marcada, las paredes son lisas
y el ritmo se crea con las ventanas. Es fundamental un hueco
que hay, donde se sitúa una estructura, el espacio principal,
espacio de correos.

El interior se trata de un techo suspendido de placas de vidrio

sostenidas por telares metálicos y cables. El armazón que
forma la pérgola que cubre el espacio central fue realizado en
hierro, formando cuadriculas que fueron cubiertas con
cristales, permitiendo la entrada de luz en la sala. Sobre este
armazón se despliega un segundo techo a dos aguas, de vidrio,
que protege la bóveda de la sala principal. El suelo también es
de vidrio, cosa que permite que entre la luz.

Este edificio son las Viviendas y almacenes Goldman&Salatsch, de

Adolf Loos. Los almacenes están en las plantas bajas, la cual
destaca por el material, el mármol veteado griego. La parte superior
es lisa, totalmente, perforada por las ventanas. La parte superior
son viviendas. Las flores son añadidos posteriores, pues el
arquitecto no quería nada de ornamento en sus obras.

Loos es autor de un texto muy importante, Ornamento y delito

(1910). En este documento habla del edifico en cuanto a volumen y masa. El ornamento es un lujo,
no una necesidad. Por tanto, alaba una arquitectura desornamentada y les da importancia a las
cualidades espaciales. Estas ideas le vinieron de su estancia en Chicago, donde vivió varios años.

La Casa Steiner fue realizada por Adolf Loos en 1910 para la

pintora Lilly Steiner. Destaca el sentido geométrico; la parte
central de la fachada se esconde en pro de las laterales. La
casa está totalmente desornamentada, y la fachada está
perforada por las ventanas.

Él pone en práctica el raumplan, la distribución de las

estancias con diferentes alturas dependiendo de sus
funciones, por lo cual surgen desniveles. Dependiendo de la
importancia y cualidad representativa de los diferentes espacios, su tamaño y altura varía en
consonancia.

70
ALEMANIA
En Alemania surge la Deutscher Werkbund, la Agrupación Alemana de Fábricas. Se fundó en Múnich
en 1907. Por un lado, encontramos empresas de la industria, arquitectos, artistas plásticos, artesanos
y diseñadores. Se inspiraban en el Movimiento Arts&Crafts, los oficios artesanales, técnicas
industriales de producción en masa, trabajo colectivo e impronta artística.

La Turbinenfabrik se construye en Berlín entre 1908 y 1909. El

arquitecto, Peter Behrens también fue diseñador. Levanta el
edificio con hormigón, meta (partes verdes) y vidrio para
realizar los amplísimos ventanales. La parte superior es un
tímpano poligonal, no griego ni asociado a la arquitectura
clásica Compañía Alemana de Electricidad. El edificio está en
desnivel (de más a menos) y los enormes ventanales son
elementos propios de la construcción. Además, también están retranqueados respecto a los
soportes de metal.

Peter Behrens fue consejero artístico y arquitecto de la AEG. Creó el logotipo, los carteles y
diversas publicaciones. Además, también acuña la imagen de la empresa, lo que se llama la identidad
corporativa. Diseñó muchos elementos, además de edificios, sobre todo elementos de la vida
cotidiana y para las empresas.

Otra fábrica importante es la Fábrica Fagus (1907-1910), de

Walter Gropius y Adolf Mayer. En esta fábrica hacían
hormas para los zapatos. Vemos las esquinas libres de
soportes, superficies acristaladas en todo el espacio entre
los pilares escondidos, como una cortina. Estos espacios
acristalados se llaman muro cortina, y se trata de meras
pantallas estiradas entre las columnas verticales del marco.

LA BAUHAUS
Se funda en Weimar en 1919. Significa Casa de la Construcción y fue una Escuela de Formación
Artística Municipal. En 1925 se fueron a Dessau y en Berlín desde 1932 a 1933. El creador fue
Walter Gropius, y tuvo diversos directores. A Gropius lo sucede Hannes Meyer, quien la dirige
hasta 1930. Finalmente se hará cargo de la Bauhaus Ludwig Mies van der Rohe.

Gracias a este logotipo de la Bauhaus realizado en 1922 por Oskar

Schlemmer vemos que la ideología de la Bauhaus está orientada a la
geometría, la abstracción, con importancia a las formas geométricas y el
color.

Lo primero que había en la Bauhaus era el curso preliminar, que se

consideraba inútil en los últimos años de la existencia de la escuela. En el
curso preliminar se experimentaba mucho, se abría la mente al alumno, se contrastaban opiniones
sobre las formas, los materiales, los colores, cuestiones relacionadas con el peso y el equilibrio. Este

71
curso duraba varios meses. Después los alumnos se decantaban por una faceta artística más
concreta.

Unos años antes de pintar esta obra, Escalera de la Bauhaus (1932), Oskar
Shclemmer ya había abandonado la escuela. El artista recrea de manera
exacta la escalera. Las figuras están concebidas con sentido geométrico,
dando importancia al volumen.

La formación era teórica o práctica. La formación teórica eran las clases en

el aula, orientadas a la teoría de la forma y las figuras elementes y los colores
primarios. La formación práctica estaba ligada al trabajo en el taller. En un
principio la escuela comenzó dando importancia a la artesanía elevada a la
dignidad artística.

Los talleres fueron modificándose a lo largo del tiempo. Walter consideraba que las escuelas del
momento estaban enseñando a jóvenes desarmados para la lucha de la vida, con conocimientos
técnicos y prácticas de taller.

Había talleres de pintura mural, metalurgia, escultura, carpintería, textiles, cerámica, vidrio, diseño
industrial y gráfico, escenografía encuadernación… El taller de escultura en madera y piedra
desaparece desde 1925, y el de arquitectura apareció a partir de 1927.

Gropius considero que los objetos salidos de la Bauhaus debían ser muy sencillos realizados con
elementos sencillos a fin de facilitar su producción industrial. Además, era importante la creación
de un modelo tipo, con la posibilidad de hacer variantes según solicitud.

Marianne Brandt tuvo muchos problemas en el taller de metal,

pues se consideraba que este trabajo era de hombres. Sus
diseños son básicos, claros, contundentes, desornamentados,
concede importancia a la geometría… Este Juego de té y café lo
realizó en 1924.

Otra figura importante es Wiesbaden Wilhelm Bogler, quien en

1927 ingresó en una abadía benedictina después de convertirse
al catolicismo y fue ordenado sacerdote. En 1923 construyó una jarra que tenía la posibilidad de
componer 4 recipientes distintos.

Otra de las piezas que identifican la Bauhaus es esta Lámpara de mesa

(1923) de Wagenfeld. El cristal es opalino, y produce una luz difusa.
Parece ser que fue la primera lámpara que se construyó con este
material. Utiliza formas geométricas (círculo, esfera).

Al año siguiente construyeron otra versión, con el tubo de metal

niquelado.

72
 Silla de listones, Marcel Silla B3 o Silla Wassily, Marcel Breuer,
Breuer, 1922. 1925.
En diseño de mobiliario destaca Marcel Breuer. La Silla de listones está hecha con listones de madera
y lona para el asiento y el respaldo. La Silla B3 se conoce como silla Wassily, porque hizo otro
ejemplar para Kandinsky. La estructura es muy particular, pues es de metal. Así, van abandonando
el carácter artesanal. El asiento es inclinado, no horizontal, y tanto el asiento como el respaldo
pueden ser de lona, cuero o tela.

La Silla B64 está hecha con cañizo; la Silla B35 con metal (acero) y tela. Están hechas, ambas para
la empresa Thonet. Estas sillas cuesta mucho moverlas, pues no tienen demasiado soporte. La Silla
MR20 es conocida también como Silla Barcelona, pues fue diseñada para la Exposición de Barcelona
de 1929. El respaldo es de cuero de cerdo y es una pieza extraíble para que se pueda limpiar
fácilmente.

El Juego de mesas B9 o mesas nido de Josef Albers hace un juego de colores muy llamativo. Están
hechas en madera de arce, cristal acrílico y lacado en colores. Son muchas mesas, pero como son
de diferente tamaño, se pueden apilar. Además, es muy fácil manejarlas, pues son poco pesadas.

Silla B64, Marcel Breuer, Silla B35, Marcel Breuer, Silla MR20 o Silla Juego de mesas B9 o Mesas nido,
1928. 1930. Barcelona, Marcel Breuer, Josef Albers, 1925.
1930.

El Armario para solteros era un pequeño armario con ruedas que era muy sencillo de transportar. La
Cuna se manipula mediante los círculos. Está hecha con metal, ratán tejido y sillería. Utiliza los
colores primarios, cosa que aprendió de Kandinsky. La Silla de Marcel Breuer está hecha de lana y,
en el respaldo, vemos tiras de lana entrecruzadas creando un patón decorativo.

73
 Armario para solteros, Josef Cuna, Peter Keler, 1922. Silla de Marcl Breuer,
Pohl, 1929. Gunta Stölz, 1922.

Gunta Stölz también diseñó tapices y mantas. Este tapiz,

realizado entre 1927 y 1928 está hecho de algodón, seda y
lino.

La segunda imagen corresponde con una manta realizada

en 1928 por la misma mujer. Está compuesta mediante
formas geométricas, dando lugar a un objeto que parece
un cuadro.

Así como los rusos sí lo hicieron, ellos no diseñaron ropa.

ARQUITECTURA DE LA BAUHAUS
En la Casa modelo (1923) vemos racionalismo en las formas,
fluidez espacial y articulación de los espacios y economía en
su construcción. Se trata de una casa construida en Weimar
que fue el primer modelo de una nueva concepción de
vivienda unifamiliar en Alemania. La cubierta es plana, el
mobiliario es básico, con muy poco color, y todo es muy
práctico.

Cuando la Bauhaus cambia de ciudad, empiezan a construir

edificios en condiciones. En este edificio principal para la escuela habrá aulas, talleres, bibliotecas,
teatros, habitaciones para los alumnos, comedor, zonas para la administración y, separadas de este
edificio, había casas, las viviendas del director y los maestros.

74
Como vemos en el Edificio Bauhaus en la ciudad de Dessau construido por Gropius entre 1925 y
1926, no tiene una fachada principal. Se extiende en 3 direcciones y está definido en cuerpos con
forma de L. tiene un sentido geométrico, con los cuerpos conectados entre sí, aunados, siendo todo
el mismo edificio. Cada bloque tenía una determinada función. El bloque alto contenía las 24
habitaciones para los alumnos. El bloque más alargado tenía las zonas dedicadas a la administración,
en el bloque de la derecha estaban las aulas y en el trasero los talleres. El muro de la casa es una
fachada cortina, un sistema de fachada autoportante, ligera y acristalada, independiente de la
estructura resistente del edificio, que se construye de forma continua por delante de ella.

Tenía mucha luz natural, cosa que terminará cansando al arquitecto.

ARQUITECTURA RACIONALISTA: EL RACIONALISMO

Racionalismo es un término que se aplica a la arquitectura de vanguardias que se desarrolla a
principios de los años 20 hasta los años 30, donde encontramos grandes arquitectos muy
influyentes, como por ejemplo Gropius. En el lenguaje de Gropius, todo lo industrial está a la vista,
no se esconde. Las características del Racionalismo son:

- Prima lo funcional y lo práctico.

- Los materiales son de origen industrial. Se utiliza el hormigón, el hormigón armado,
prefabricados de hormigón (chapa de virutas machacadas, serrín basto, corcho, madera
contrachapada), los elementos constructivos seriados salidos de la fábrica y el acero para
las estructuras metálicas. Son muy importantes los elementos prefabricados salidos de la
fábrica.
- Priman las formas volumétricas y regulares y los ángulos rectos.
- Superficies desornamentadas: supresión de los elementos superfluos. No hay lugar para la
decoración. Los muros son sencillos y tersos.
- Las ventanas son muy importantes. Aportan luminosidad, ventilación y abertura espacial.
- Fluidez espacial: plantas libres con tabiques dispuestos según la voluntad. Predominio de
la horizontalidad y llenos-vacíos.

Para ellos, es muy importante la vivienda. Harán una serie de prototipos y viviendas prefabricadas,
económicas y asequibles.

Maison Dom-ino (1914-1915) de Le Corbusier es una célula elemental

de vivienda para ser producida en serie, un prototipo, hecha mediante
forjados y columnas prefabricadas que dejan la planta libre y la fachada
independizada de la estructura, creando un espacio diáfano en torno a
los pilares. La escalera lateral se hace para no perforar los forjados. Es
una estructura sostenida sobre basamentos en las esquinas con unos
pilares que permitían sustentar el edificio sobre un espacio vacío.

75
Las 5 viviendas en hilera de Oud situadas en Colonia en Weissenhof
Stuttgart (1927) se caracterizan por la sobriedad y el color blanco.
Son casas unifamiliares con una importante impronta volumétrica.
En el sótano se sitúa la zona de almacenamiento, armarios y una sala
de carbón. La planta baja cuenta con sala-comedor, cocina,
lavandería y un pequeño patrio trasero. En la planta superior se
sitúan tres dormitorios, baño y aseo. Todas las casas tenían su
pequeño balcón.

Esta casa de Le Corbusier y Pierre Jeanneret, la Casa Citröhan o casa

gemela (1927) también se encuentra en la Colonia Weissenhof. Esta es
la quinta versión, pues hizo otros proyectos entre 1920 y 1927. El
nombre es por relacionar las viviendas con la industria del automóvil.
Destacamos la pureza de la arquitectura desornamentada, la fachada
libre, las ventanas corridas, introducidas por Le Corbusier, la planta
libre y la terraza-jardín. Gran parte del edificio se levanta sobre
pilares, los cuales el arquitecto denomina pilotis. Esto lo hace para que la zona baja también sea
habitable, en el exterior, pero también en el interior. La azotea también es habitable, hay espacios
para la naturaleza, hacer deporte o espacios de reunión. Todas estas ideas las recoge en su obra
Cinco puntos de una arquitectura nueva. Los 5 puntos son los pilotis, la ventana corrida, la fachada libre,
la planta libre y la terraza-jardín.

Villa Savoye (1928-1929) es la vivienda capital de Le Corbusier, y

es icono de la arquitectura mundial. Esta obra obedece todas las
características del arquitecto. Le concede mucha importancia a la
volumetría y las formas geométricas, a los muros limpios, las
fachadas planas y libres de elementos. Llama la atención el color
blanco inmaculado gracias al hormigón blanco. También le
concede mucha importancia a la azotea y, también es importante
que, entre tanta línea blanca y recta, introduce la curva, tanto en la parte superior como la inferior.
Esta casa se encuentra a las afueras de París, y fue encargo de un propietario con recursos.

Nos encontramos una parte baja y una planta principal. En la parte baja vemos algo propio del
arquitecto, las columnas que soportan el edificio al aire libre (pilotis). Estos pilotis están pensados
para que haya un espacio libre en el interior, de manera que estás, al mismo tiempo, dentro y fuera.
Es un lugar para el encuentro, para que los niños puedan jugar y caminar por el entorno, sintiendo
el cobijo de la construcción. Tiene un garaje para 3 coches y la ventana corrida de un lado a otro.
Toda la planta baja está libre, pues el peso del edificio recae sobre los pilotis.

Él consideraba que era una tipología de vivienda como podía ser un automóvil o un aeroplano. De
hecho, él comparaba las viviendas con estas otras construcciones. La entrada se ve, pero no es
monumental, sino que es solo una puerta. A través del cristal transparente vemos una escalera de
caracol. La construcción es muy sobria, harmónica, contundente. En la planta baja está el hall, las
habitaciones de invitados, para el servicio domestico y el garaje. En la primera planta está el salón,
el comedor, la cocina, los dormitorios y los baños. Hay cuartos de baño en ambas plantas. Para el

76
arquitecto el higiene era una cuestión muy importante y, por esto, hace tantos aseos en sus
construcciones.

Además de la escalera de caracol, vemos una rampa, por la comodidad que tiene sobre la escalera.
Este modo de distribuir los espacios se llama paseo arquitectónico, pues parece que estemos paseando
por el edificio. La azotea es plana, pero hay un espacio con curvas y contracurvas. También sirve
como espacio para el ocio.

Todas estas ideas, ya habían sido puestas en práctica en años precedentes, pues en 1918 había
escrito un texto titulado Después del Cubismo. En este texto se habla del rigor de las formas, la
simplicidad del diseño, sobre prescindir de elementos superfluos y se pide una “vuelta al orden” y
hacer un arte puro y racional. De aquí surge el término purismo, defendido por Le Corbusier y
Amédée Ozenfant.

En la Naturaleza muerta (1922) de Ozenfant vemos una diferencia muy grande

respecto al Cubismo. Es una naturaleza muerta con sentido arquitectónico,
pues son elementos muy grandes.

Le Corbusier llevó sus ideas al Pabellón de la

revista l’Esprit Nouveau. Este pabellón tiene el
sentido del purismo, sobriedad, arquitectura
desornamentada, ventanales, líneas rectas…
pero él acepta la curva.

Le Corbusier también hará sillas. Estas serán de cuero de animal,

y parecen ser más cómodas que las otras que vimos. Están hechas también con metal y tapicería
con pelo. Él decía que esta tumbona era la verdadera máquina para el descanso.

Silla LC1, Le Corbusier. Chaise Longue LC4, Le Corbusier.

Mies van der Rohe y su mujer Lilly Reich construyen la

Villa Tugendhat en 1930. Es todo un juego de entrantes y
salientes, hay más privacidad en esta casa que en las de Le
Corbusier. Del 1930 a 1930, este arquitecto fue el
responsable de la Bauhaus. Los pilares del interior son muy
diferentes de los que usa Le Corbusier. Hay un sentido de
diafanidad distinta. Vemos un paramento de tabiques de
mármol. El lenguaje de este arquitecto lo vemos en otro edificio, el Pabellón alemán de la
exposición internacional de Barcelona de 1929.

77
El Pabellón alemán fue desmontado al terminar la exposición, pero
recientemente han hecho una reconstrucción. Se usa el acero, el
vidrio y diferentes mármoles. La construcción se caracteriza por
la planta libre, la fluidez espacial, la sobriedad y la plenitud. Tiene
8 pilares metálicos con forma de cruz revestidos de acero. Para él,
con la menor cantidad de elementos podía salir una obra clara y
contundente, utilizando lo mínimo llevado a la máxima expresión.
El pabellón se levanta sobre una losa apoyada sobre un cimiento de hormigón. Tiene un estanque
y el edificio es pequeño, pues no era para presentar obras, solo hay asientos, porque era un espacio
que representaba a Alemania por sí misma en la arquitectura, sin elementos. La obra de arte es la
propia arquitectura. Las placas de mármol no son muros de carga, pues el techo se sostiene sobre
los pilares metálicos.

Este tipo de arquitectura también se ha llamado estilo internacional, porque en 1923, dos arquitectos
escribieron un libro donde lo llamaban así.

EL RASCACIELOS EN LAS DÉCADAS DE LOS 20

Los rascacielos se harán fundamentalmente en acero. Este material resiste grandes cargas y
posibilita crear enormes vanos con un número mínimo de apoyo. Gracias a la electricidad es posible
el ascensor, la iluminación artificial y la ventilación mecánica. Las plantas son libres, no hay muros
de carga y se tabica aleatoriamente. Los rascacielos existen por el desarrollo de las grandes ciudades
modernas. Así mismo, está ligado al mundo de la empresa, vinculado a firmas comerciales, al
mundo de la banca, la prensa, las compañías mineras, el automóvil...

El rascacielos, fundamentalmente, es un edificio de oficinas. Se asocia también con los hombres de

negocios, emprendedores del mundo capitalista. A día de hoy, sigue siendo una expresión de poder
personal y de dominio del mundo. Está ligado a las nuevas ciudades y a los problemas de espacio
en las grandes ciudades.

Las estructuras de este edificio, Guaranty Building de Louis Sullivan y

Dankmar Adler son de acero y está recubiertas por terracota o piedra
caliza. En estos edificios de finales del XIX vemos énfasis en el sentido
vertical. Se organizan de manera tripartita, teniendo como modelo una
columna antigua: basa, fuste y capitel. Estos dos arquitectos participaron
en la restauración de la ciudad de Chicago. El primer edificio tiene 10
plantas y mide 41 metros; el segundo tiene 13 plantas y mide 40 metros.
Las decoraciones parecen neogóticas, y todo está muy cuidado.

Reliance Building es el primer rascacielos con grandes ventanales de cristal. También tiene estructura
de acero y está recubierto por piedra caliza. Tiene 16 plantas y mide 61 metros. Este edificio se
encuentra en Chicago. Monadnock Building tiene una planta más y mide 66 metros. Este edificio fue,
entonces, el edificio de oficinas más alto del mundo. En sus escaleras usará el acero por primera
vez en la construcción.

78
 Reliance Building. Monadnock Building.

Este es el Edificio Fuller o Flatiron (1902), de Daniel Burnham. Este nombre viene
dado por su asociación con una plancha por su forma triangular. La forma viene
dada porque se tuvo que adaptar al solar donde fue construido. También cumple
con la estructura tripartita, tiene estructura de acero forrada por terracota y piedra
caliza. Se decía que este edificio era para Nueva York lo que el Partenón para
Atenas. Mide 87 metros.

El Park Row Building (1897-1899) es de acero recubierto por piedra caliza, ladrillo
y terracota, aunque las dos primeras plantas están revestidas de metal y vidrio.
Tiene 30 plantas. El Woolworth Building mide 241 metros, y tiene 57 plantas. El
arquitecto fue Cass Gilbert, y lo construye entre 1911 y 1912. También fue el
edificio más alto del mundo en su momento. El Chrysler building, (1928-1930) tiene 77 plantas y
mide 319 metros contando la aguja. De nuevo tiene estructura de acero recubierta por ladrillo. El
remate es muy particular, pues está hecho con coronas superpuestas de acero que se iluminan de
forma muy bella. En la planta 61 hay gárgolas de acero. El interior de este tipo de edificios es muy
lujoso, y pertenecen al estilo del art déco. En 1930 empieza la construcción del Empire State, el cual
lo superará en altura. El basamento es diferente. Fue el edificio más alto de Nueva York, con 381
metros y 102 plantas.

LA ARQUITECTURA ORGANICISTA
Frank Lloyd Wright será un arquitecto muy importante en Estados Unidos a principios del siglo
XX. Él construirá una tipología de viviendas en Illinois donde jugará con los volúmenes y se
caracterizan por la apertura espacial hacia el exterior. Además, se sitúan en espacios naturales. A
estas casas se las conoce como casas de la pradera, porque están ligadas a las grandes praderas de
EEUU.

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Las ventanas no son huecos puntuales, sino franjas continuas. Tienen amplios aleros, porches y
espacios híbridos entre interior y exterior. El núcleo interior está marcado por la chimenea, centro
simbólico familiar y también físico, el espacio es bastante fluido, pues se eliminan los paramentos
cerrados y se establecen relaciones espaciales. Los espacios se caracterizan por la funcionalidad.

Casa W. W. Willits, Frank Lloyd Wright, Casa Robie, Frank Lloyd

1902. Wright, 1908-1909.
El mobiliario de todas sus casas de la pradera también fue diseñado por él. Siente la influencia de
Arts and Crafts, la vuelta a las artes y oficios medievales como respuesta a la producción en masa.

También creará casas para el americano medio,

coincidiendo con la política de New Deal de Roosevelt. Se
conocen como las Usonian Houses (años 30). Estas casas
estarán hechas de manera y ladrillo. Son casas pequeñas
integradas en la naturaleza. Para esta casa hizo mobiliario
menos costoso con madera contrachapada.

Lo especial de Wright es cómo crea un nuevo lenguaje para la arquitectura, el organicismo. Esta
arquitectura orgánica concede importancia al entorno natural: la vivienda se abre al exterior y la
naturaleza entra en el interior. Utiliza hormigón, cristal, ladrillo y piedra. Las casas son rectas y
curvas, y se caracterizan por la solidez y la gravedad. La casa no es una máquina para vivir, sino que
es un espacio que crea ambientes y emociones.

Como obra cumbre de la arquitectura organicista tenemos La Casa

Kaufmann o Casa de la Cascada (1934-1937). El propietario era un gran
magnate de Pensilvania. Está hecha con hormigón y piedra del
entorno. El arquitecto construye el edificio junto a la cascada,
integrándola totalmente. Tiene 3 plantas y es importante el núcleo
vertical, que contiene las escaleras y la chimenea.

También tiene enormes losas de hormigón en voladizo con

parapetos lisos. El perímetro mural de las plantas es acristalado.
Tiene 3 direcciones distintas de contemplación: de frente y a los dos lados. Las terrazas son muy
amplias, y sirven para salir al exterior y poder contemplar la naturaleza.

En el interior, los suelos y paredes están hechas en lajas de piedra. El mobiliario es en madera de
nogal, una madera muy noble.

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Johnson Wax Company es una fábrica de la compañía de cera. Está hecha con ladrillo y cristal.
También hay hormigón, pero en menor medida. Es totalmente curva, sin ángulos rectos,
paramentos monumentales y sin ventanas. Se ilumina a través del techo mediante cristales.

Respecto al interior, el edificio de oficinas está hecho con 60 columnas exentas fungiformes, de
hormigón armado, que van ganando diámetro en altura y acaban en una pieza circular y plana,
huecos vidriados, muros perimetrales de ladrillo coronados por una banda de luz. También hay
tubos de pírex translúcidos, pero no transparentes. Diseñó 48 piezas para el interior de las oficinas,
hechas en color rojo.

En este complejo también está la torre de laboratorios de la compañía. Tiene 14 plantas y se destaca
claramente la estructura de acero, pero el interior es hormigón armado. El núcleo estructural central
es de losas de hormigón redondas y cuadradas con esquinas redondeadas. También tiene tubos de
pírex (partes transparentes) que dejan pasar la luz, impidiendo las vistas.

81
TEMA 10. LOS REALISMOS
LA PINTURA METAFÍSICA Y LOS “VALORI PLASTICI”
La pintura metafísica se desarrolla en Italia, y tiene una cronología un poco incierta (ca. 1910-1920).
Significa más allá de la apariencia física, mundos enigmáticos. Hay una escasa presencia humana en
las obras, prima el vacío y el silencio, se le da mucha importancia a la sobra, a la perspectiva, a la
solidez y priman los perfiles netos. Hay muchas referencias al mundo clásico y al Renacimiento,
oponiendo la maquinaria de la industrialización.

En el centro de esta obra titulada Plaza de Italia (1913) de Giorgio de

Chirico vemos un templete clásico. Esta ciudad está muy relacionada
con la de Ferrara y con la obra de Perugino. Se siente el silencio, el
enigma, parece una ciudad congelada en el espacio y el tiempo. Este
tipo de pinturas influyen mucho en los dadaístas de Berlín.

También será muy importante en estos artistas el ser humano artificial,

cosificados, inertes, silenciosos, congelados en el tiempo. Normalmente, se representarán seres
humanos sin rostros. Los objetos y los elementos aparecen fuera de su contexto, en situaciones
enigmáticas y en oposición. Todo esto será fundamental para los surrealistas, los cuales adoran a
Chirico. Dalí también se verá influenciado por la pintura metafísica. Una de las obras en las que
podemos ver esta influencia es Pierrot tocando la guitarra (1925).

Héctor y Andrómaca, Madre e hijo, Carlo Canto d’amore, Pierrot tocando la

Chirico, 1917. Carrà, 1917. Chirico, 1914. guitarra Dalí, 1925.

Otro artista importante será Giorgio Morandi. Dalí conoció a estos artistas mediante la revista que
editaron, Valori Plastici. En ella, hablarán mucho de los pintores del Quattrocento, y fue muy
influyente en toda Europa.

EL PURISMO Y L’ESPRIT NOUVEAU

En el Purismo veremos formas básicas y puras. Las superficies son planas y
los contornos precisos. Los objetos se caracterizan por su solidez y las
arquitecturas por su geometría. Este movimiento surgirá del odio hacia los
cubistas, los cuales pintaban totalmente alejados de la razón y las figuras. Le
Corbusier, además de ser arquitecto, también pintaba. Junto con Ozenfant,
publicarán L’esprit Nouveau, en 1918, donde critican este movimiento y
alaban todo lo anterior a él.

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El espíritu nuevo es la sencillez, la claridad, la geometría… En esta revista se dice que el espíritu
nuevo afecta a todos los aspectos de la vida: pintura, escultura, arquitectura, literatura, música,
estética del ingeniero, teatro, cine, circo, deportes, libros, muebles…

EL PICASSO CLÁSICO
En su viaje a Italia conocerá a su primera mujer, Olga Khokhlova, a la cual retratará
en 1917. En este retrato está representada a la española, mira a Rafael, a
Parmigianino, y también a pintores del siglo XIX francés como Ingres.

En esta obra llamada Tres mujeres en la fuente (1921)

podemos ver la influencia del arte clásico, por ejemplo, en
los pliegues mojados o las estrías de las columnas. Las
figuras son muy monumentales, y los temas tendrán
sentidos antiguos. En este periodo pintará muchas obras relacionadas con la
maternidad, porque en 1921 tendrá su primer hijo.

En 1925 ya se introduce en la estética del Surrealismo.

LA NUEVA OBJETIVIDAD
La Nueva Objetividad se desarrolla en Alemania, entre 1923 y 1933. Es el nombre que se le dio a
una exposición celebrada en Mannheim. Sigue mirando a las consecuencias de la Guerra, tanto
físicas como morales.

Por tanto, vemos escenas de heridos de la guerra, mutilaciones, abuso y corrupción, que surge
después de la guerra por parte de gobernantes e instituciones. Estos artistas recuperan tipos de
obras y técnicas artísticas del siglo XVI, porque admiran el Renacimiento alemán. Pintarán muchas
distorsiones físicas para ahondar en mensajes más allá de lo físico, y utilizan la sátira para descubrir
la verdad.

En esta obra titulada Escena callejera (1926) de Grosz vemos un hombre

andando, trajeado, con un cigarro en la mano, y otro hombre que le deja unas
cerillas. Podemos ver claramente la dicotomía entre el hombre trajeado y
noble sin compasión o empatía, amoral, sin sentimientos hacia el que sufre y
ha dado su vida en el frente. La mujer que vemos al fondo, seguramente, esté
ejerciendo la prostitución.

En Los pilares de la sociedad (1926) de Grosz vemos un

personaje burgués, uno político, otro hombre que todavía
sigue jugando a la guerra, con una esvástica. Vemos también un periodista con
una pluma en la mano y una escupidera en la cabeza. Todo es esperpéntico.
Todos tienen una buena jarra de cerveza.

83
 El Tríptico de la guerra (1929-1932) de Otto Dix
representa la guerra en el mismo frente. Vemos 3
cuerpos y una predela, adoptando la tipología clásica.
Hay un sentido narrativo: los soldados se van al frente, y
el fondo es un presagio de lo negativo.

Vemos máscaras de gas y cuerpos abiertos, viéndose la

muerte, desoladora e inquietante. A la derecha vemos un
autorretrato del artista, ayudando a un compañero. Al
usar madera, están volviendo al siglo XVI. Para la parte inferior se inspira en el Cristo yacente de
Holbein el Joven.

Estos artistas son muy buenos retratistas. Un muy buen ejemplo es este
Retrato de la periodista Sylvia von Harden (1926) de Otto Dix. Está sentada en
un café de Berlín, donde se reunían intelectuales de la época, ella entre
ellos. Aparece sentada en una esquina del café, misteriosa, vemos la
distorsión física, la mesita con su bebida y los cigarrillos. No es una mujer
que espere a nadie, se basta por sí misma, es una mujer libre.

No está tomando una copa de absenta, ni tiene la mirada perdida y

alucinada, sino que está bien despierta. Es una mujer que piensa, dueña de
sí misma. Tiene las medias caídas, sin importarle. No quiere ser guapa ni
aparentarlo, pues su valor como mujer está en su inteligencia.

El traje es ajustado, pero no destaca ninguna zona determinada de su condición de mujer. De

hecho, tiene hasta el cuello cerrado. No hay plumas, pieles o encajes, hay pensamiento, mente,
cerebro. La intelectualidad también se la da el monóculo.

EL MAQUINISMO Y LA FÁBRICA COMO EXPRESIÓN DE VIDA MODERNA

FERNAND LÉGER Y LO MECÁNICO

La obra de Elementos mecánicos (1919) se caracteriza por la geometría y las
líneas marcadas. A diferencia de Le Corbusier, a él sí le interesa el color,
pero como pintura mural. Era un entusiasta del mundo de la mecánica.
Escribirá un libro titulado La estética de la máquina y del objeto fabricado.

84
LOS REALISMOS EN EEUU

ESTADOS UNIDOS: EL PRECISIONISMO

La máquina será la expresión de la vida moderna y del desarrollo socio-económico. La máquina
hará de Estados Unidos una gran nación.

La primera fotografía es de Lewis W. Hine, y se titula Powerhouse (1925). El hombre está con una
llave inglesa monumental apretando un tornillo en la máquina. Vemos lo humano fundido en lo
industrial, haciéndose el humano uno con la máquina. Las fotografías de Paul Strand son detalles
de máquinas. En esta destaca el sombreado y las luces del elemento mecánico.

Powerhouse, Lewis Double Akeley, Paul

W. Hine, 1925. Strand, 1922.

En este periodo en Estados Unidos es muy importante la arquitectura industrial como escenario
propiamente americano. Ellos están muy orgullosos de su maquinaria, pues generan riqueza y dan
trabajo a miles de inmigrantes. Tenemos fábricas, granjas de producción agrícola, cementeras,
plantas de refinamiento…

En la obra de Charles Demuth Mi Egipto (1927) vemos una fábrica

monumental. Para ellos tiene tanta bondad y belleza que la ponen en el
mismo plano que un palacio. Está iluminada por el sol de manera que parece
que Dios consagre la fábrica como lo hace con la iglesia.

Respecto al título, esto son las pirámides de Egipto o los templos de Luxor
y Karnak. Ellos no necesitan mirar a otras culturas, pues se valen con lo
suyo.

La fábrica es la nueva iglesia. A la fábrica se va a trabajar como a la iglesia se

va a rezar. La fábrica es un espacio sagrado donde el fiel acude a realizar sus
plegarias, las oraciones se convierten en productividad y rendimiento.

Incienso de una nueva

iglesia, Demuth, 1921.

85
 En esta fotografía de Charles Sheeler del Complejo industrial de la empresa
Ford Auto Company (1927) vemos arquitectura industrial. Son silos, edificios
que veremos mucho en el cine americano de esta época.

Esta pintura titulada Paisaje clásico (1930) de Sheeler

representa la fábrica de Ford de Michigan.

La fábrica se construyó entre 1927 y 1928. Por

entonces era la fábrica más grande del mundo, pues medía 2
kilómetros, y estaba compuesto por 93 edificios.

Estas técnicas las encontramos en el Precisionismo, donde se aplica mucha precisión en las formas,
que están muy definidas. Las superficies están aplastadas, los colores son planos y las obras destacan
por su luminosidad. Este tipo de pinturas es lo que se conoce como American Scene Paiting o realismo
social. Estas obras mostrarán la vida urbana cotidiana.

A principios del siglo XX, en Nueva York, surge un tipo de pintura que capta escenas urbanas, en
las tabernas, escenas de obreros, de mujeres trabajando, escenas de boxeo… Este tipo de realismo
social lo configura unos pintores bajo un grupo, la Ashcan School, escuela del basurero o cubo de
basura. Los dos artistas más importantes de este grupo de 8 son Bellows y Sloan.

En la primera obra podemos ver cómo los hombres están esperando el desembarco de los barcos.
Están sobre sus caballos y se muestran impacientes por conseguir trabajo. La segunda obra es un
detalle de Nueva York, y vemos una gran cantidad de inmigrantes. Por la ropa tendida,
posiblemente, sean italianos. Hacen vida en la calle, cosa que se hacía mucho en Nápoles. Vemos
niños jugando en la calle y las mujeres sentadas en las escaleras.

Hombres en los muelles, George Cliff Dwellers George

Bellows, 1912. Bellows, 1913.

Este tipo de pintura conecta con la fotografía Desde mi ventana (1915) de

Alfred Steiglitz. Las casas son humildes, de obreros, con la ropa tendida. Al
fondo vemos los rascacielos, mostrando cómo crece Nueva York. Dentro de
poco, esta zona desaparecerá para dar paso a los rascacielos.

86
CIUDAD Y FIGURAS EN HOPPER

Sunday, 1926. Autómata, 1926.

Hopper capta escenas de la ciudad y algún ser humano. Las ciudades, como vemos en Sunday,
acogen a personas sentadas en la acera. Este hombre está sentado, solo, un domingo por la mañana.
Él capta una vida en la ciudad que, en muchas ocasiones, no es fácil. La vida en la ciudad lleva a la
soledad y al distanciamiento. Estos sentimientos son los que Hopper representa a la perfección.

En la segunda obra vemos a una mujer en un café de noche, sola. Vemos la negrura, la soledad.
Hay una silla enfrente de ella. Posiblemente hubiese estado esperando a alguien y nunca llegó. Está
vestida más bien con ropa de tarde/noche. Está con su taza de café, esperando. El título,
posiblemente, se refiera a ella, porque muchas veces estamos en las ciudades como autómatas.

Noctámbulos (1942) tiene mucho de cinematografía. En una

ciudad de noche con todo cerrado vemos el café abierto. En
el interior hay noctámbulos: un hombre aislado, una pareja
que no se mira y el camarero que, en muchas ocasiones, nos
ayuda a vivir. No hay puerta, parece que no hay escapatoria.

En Habitación de hotel (1931)

vemos planos de color con sentido de orden y armonía. Todo son
planos muy bien divididos. Al fondo vemos una ventana con una
persiana, dejando ver la noche, peligrosa y triste para una mujer sola.
La mujer ha llegado a una habitación de una pensión, pequeña. Se ha
quitado la ropa y la ha dejado junto con su equipaje. Ella mira un papel.
Al parecer, se ha dicho que son horarios de trenes, cosa que quiere
decir que ha llegado, pero, al día siguiente, tiene que volver a salir.

Estas obras nos hacen crearnos un mundo paralelo en la mente, y tratamos de dar solución a los
problemas que presentan sus protagonistas, porque empatizamos con ella.

Habitación en Nueva York, 1932. Ventanas de noche, 1928.

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En la primera obra vemos un matrimonio donde no hay comunicación, cada uno va a lo suyo.
Ambos están vestidos y esperan para salir. Ella toca el piano y él está leyendo el periódico. En la
segunda vemos, a través de la cortina, a una mujer quitándose la ropa. Con estas dos obras, nos
convertimos en mirones: vemos escenas privadas en casas.

Casa junto a la vía del tren, 1925. Estación de gasolina, 1940.

LA DEPRESIÓN Y EL REGIONALISMO
En 1929 se produce el Crack del 29, la caída de la bolsa. Cinco días antes, ya se había producido el
Jueves Negro. Después de esto llegó la Gran Depresión. Entonces, Roosevelt, el presidente,
intervino en la economía, con el New Deal (1932-1938). En menos de 6 años, Estados Unidos
logró recuperarse. Con Roosevelt surge un programa de obras públicas para dar trabajo a la gente.
Uno de ellos fue el Federal Art Proyect, donde trabajaron muchos artistas.

Así, surge una tendencia denominada Regionalismo. El Regionalismo será otra fase del realismo en
Estados Unidos. Esta tendencia artística y literaria está totalmente opuesta a la ciudad y la
industrialización, y aboga por una mirada hacia los valores que originaron la nación americana: los
pioneros, la conquista del oeste, la ética y religión protestante, con mucha importancia de la Biblia,
la familia como núcleo básico, la cultura…

Para ello será muy importante los espacios naturales, en oposición a la ciudad. Además, también
empezarán a cuestionarse la industrialización, se produce el rechazo al arte europeo y se empieza a
buscar una identidad nacionalista y una identidad. Esto se expresa mediante las siguientes obras.

Esta obra se titula American Gothic (1930) y es de Grant Wood. Gótico

americano hace referencia al pasado, a las familias pioneras, a la
arquitectura gótica del fondo. Vemos un matrimonio sencillo que viste
modestamente. Ella viste con ropa de calle, pero con cuello blanco
cerrado (decoro, propio de estas familias) y con un vestido protegido por
una bata de casa, haciendo referencia a su trabajo en casa. El marido coge
la horquilla para segar y levantar la paja. La coge con fuerza por el mango,
y muestra los dientes del tridente como si fuese un Neptuno rural. Él va
vestido con tela vaquera, muy duradera y buena para trabajar. Esta ropa
se usaba en el entorno rural para trabajar en el campo y las minas. Es un mono y no un pantalón,
prenda denominada “pantalón ovejero o jardinero”.

88
Segando el trigo (1938) de Thomas Hart Benton representa una realidad que desean los
estadounidenses: el campo, la naturaleza, gente trabajadora sencilla en las granjas…

Ellos trabajarán en pinturas murales, como Historia social del estado de Missouri de Thomas Hart
Benton. Será importante durante el New Deal dar trabajo a los artistas para que decoren espacios
públicos. En estas paredes se representa una historia del estado y escenas sociales, y lo pinta entre
1935 y 1936.

La fotografía también será muy importante durante la Depresión, pues servirá para mostrar la
realidad de las personas. Estas fotografías fueron hechas para la Oficina de Administración de
Seguridad Agraria.

Granjeros e hijos, Arthur Madre migrante, Dorothea

Rotstein, 1936. Lange, 1936.

EL REALISMO SOCIALISTA
Será una corriente estética que expresa las ideas desarrolladas por el Comunismo. Afue adoptada
oficialmente por Stalin en la URSS. Vamos a volver la vuelta a la figura y al tema, el regreso de la
pintura de caballete, el cartel y el arte como exaltación de la URSS.

Los temas van a ser variados. Uno de ellos será la exaltación de la Revolución Bolchevique. Otro
será el culto a los líderes, Lenin y Stalin. Esta zona está en San Petersburgo. El palacio de Smolny
fue cuartel general de los bolcheviques y, por esto, vemos a Lenin trabajando en sus discursos en
él. Detrás hay un busto dedicado a Lenin, dejando constancia de su sucesor.

89
 Vladimir Lenin en Smolny, 1930.

Vamos a ver muchos ejemplos de símbolos del Comunismo. El Pabellón de la

URSS de la Exposición Internacional de París (1937) es una construcción
importante, con mucho valor. El edificio está coronado por una escultura
totalmente ideológica: el obrero tiene un martillo y la trabajadora la hoz,
símbolos del Comunismo. Está hecha de acero inoxidable y medía 24 metros.

Stalin puso planes quinquenales, a partir de 1928. Para esto tendrán mucha
importancia la fábrica y el desarrollo tecnológico como motores de la
economía y la socialización del campo mediante granjas colectivas. También
se elogiará al hombre y la mujer como trabajadores en beneficio de la colectividad.

LA URSS EN GUERRA
En el 1939, la URSS entra en guerra. Alemania y la URSS hicieron un pacto
de no agresión. En septiembre, Alemania invade Polonia y después se adentra
en la URSS, algo que a Stalin le coge desprevenido. Así, empiezan los
combates en el este de Europa.

Entonces, continúa la actividad de los carteles. Este cartel titulado Todo para
el frente, todo para la victoria (1941) de El Lissitzky nos muestra un tanque de
combate y la guerra. El hombre y la mujer son los representantes del pueblo.
Se combina el rojo con los grises y el avión y el tanque están perfilados con
líneas blancas.

ARTE NAZI O ARTE DEL TERCER REICH

Hitler se convierte en el canciller imperial desde 1933 y Führer de Alemania desde 1934 hasta su
muerte. La Alemania nazi hacía exaltación de los valores de sangre y tierra. Exaltaban el origen
étnico, la pureza racial de la raza aria, la ascendencia, sangre de un pueblo, y la tierra, que ocupa y
cultiva. La Alemania nazi se atrevió a hacer una exposición de arte de las vanguardias titulada Arte
Degenerado, pues Hitler aborrecía el arte contemporáneo. Decía que ese arte no representaba al
pueblo alemán, y por eso lo repudiaba. Ellos exaltaban la pintura del siglo XIX, del Renacimiento…
Hitler tenía el proyecto de crear un museo en Linz, donde expondría piezas que representasen el
origen del pueblo alemán y su valor.

90
En cuanto al arte nazi, hay que mencionar el Pabellón Alemán de la Exposición
Internacional de Paris, de 1937. Es una especie de inmenso pedestal para un
elemento de carácter ideológico. Hitler hará de Berlín una ciudad
monumental basándose en el estilo clásico, imitando a Roma o Atenas. Del
arquitecto Speer se conserva la Tribuna del
Campo del Zeppelín, campo de pruebas para
las máquinas voladoras de Zeppelín, en
Nuremberg. Esta tribuna gigantesca fue
construida aquí porque era donde se
celebraban los Congresos del Partido del
Tercer Reich. Está inspirado en el Altar de Zeus.

EL MURALISMO MEXICANO
Henry Ford Hospital (1932) de Frida Kahlo se trata de un
autorretrato que pintó después de uno de sus abortos. De ella salen
cordones umbilicales a varios elementos: su pelvis y Diego, el hijo
que nunca pudo tener, de Diego Rivera. Nos encontramos en
Estados Unidos, y esto le ocurrió cuando ingresó en el Hospital
Henry Ford, situado en Detroit. Ella estaba acompañando a su
marido.

Diego Rivera realizó murales en la Bolsa de Valores de San Francisco y la Escuela de Bellas Artes
de California. En Nueva York se celebró una exposición de Rivera, en un momento en el que ya
tenía cierto prestigio. El MOMA alquiló una galería para albergar sus murales y las personas
pudiesen ver cómo trabajaba. Estaban en Detroit porque a Rivera se le encargó pintar murales al
fresco, técnica que aprendió en Italia.

Las pinturas las llevó a cabo en una sala del Detroit Institute
of Arts (1932-1933). Estas obras las encargó un capitalista,
aunque él fuese comunista. Esta galería se conoce como
Galería Rivera. Hizo muchos dibujos y bocetos, recorrió todas
las plantas del complejo industrial, y la empresa le asignó un
fotógrafo para que tomase fotografías de todo su trabajo.

Respecto a las temáticas, vamos a ver la industria automotriz,

la producción masiva de automóviles, maquinaria agrícola, aviones y barcos. En esta fábrica se
realizaban todos los componentes del vehículo. Pusieron en práctica la cadena de montaje y la
producción en cadena, donde cada trabajador tenía una función específica y especializada. Rivera
expresó todo el complejo de la industria. Representará muchos obreros trabajando, y hace una
exaltación de la máquina. También será muy importante la relación de las personas con las
máquinas. Realizó 27 composiciones, y es interesante una representación del desarrollo de la
química.

Este mural titulado El hombre en la encrucijada o entre dos caminos (1933) de Rivera se encuentra en el
Rockefeler Center de Nueva York. En este mural vemos cómo el artista plasma los dos sistemas
políticos: el Capitalismo y el Comunismo. Este segundo está representado con personajes como

91
Trotsky, quien lleva una bandera roja con un mensaje dirigido a los proletarios y los trabajadores,
Marx o Engels. También aparece Lenin. El Capitalismo está representado con elementos de la
industrialización. Esta obra se encuentra en un edificio de Nueva York, y un periodista dijo que
eso era impensable. Así que quien le encargó la obra le dijo que borrase a Lenin.

El muralismo mexicano se realiza entre las décadas de los 20 y los 30. Su desarrollo se debe a la
revolución de 1910 contra Porfirio Díaz. Tiene un contenido político-social y función de conciencia
histórica. Se tratan temas que reflejan la historia del pueblo mexicano. Ellos ponen en valor la
cultura mexicana a través de sus costumbres, las vestimentas, la gastronomía… Los máximos
representantes son Diego Rivera, Sigueiros y Orozco.

Aquí, en La historia de México, El mundo de hoy y mañana y El antiguo mundo

indígena (1929-1935) aparecen todos los momentos importantes de la
historia de México.

92
TEMA 11. EL SURREALISMO
PARÍS: ÚLTIMOS MOMENTOS DEL DADÁ Y ORIGEN DEL SURREALISMO
El Surrealismo nace en París en 1904, pero tiene sus precedentes en el Dadaísmo parisino. Los
surrealistas, en su mayoría, eran escritores, porque fue un movimiento artístico-literario. Forman
parte del movimiento Picabia, André Breton, Tristan Tzara… Los dadaístas publican en una revista,
Littérature. Esta revista fue dirigida por André Breton, Louis Aragon y Philippe Soupault. Entre
ellos también eran muy habituales las veladas, que se desarrollaban en espacios públicos y se leían
los manifiestos o poesías, se oía música, se representaba teatro o se presentaban publicaciones.

A partir de 1921 los dadaístas empiezan a considerar que el arte que hacen no es serio, así que
llevan a cabo un juicio para determinar qué tipo de persona era Maurice Barrès. A este hombre lo
consideraban un escritor burgués, un nacionalista y un antisemita. El 13 de mayo de 2021 le hacen
el juicio en el comedor de la Sociedad Científica. Lo condenan a 20 años de trabajos forzados, y
esto fue el principal detonante para que determinados escritores se separen de la estética dadá y se
alejen de Tristan Tzara.

Llega un momento en el que en la revista sale un poema titulado Dejad todo, en 1922. Así, llegará el
Surrealismo. El primer manifiesto es en el año 1924, mismo año en el que se funda la primera
revista, la Revolución Surrealista. El manifiesto fue redactado por André Breton y en él se dice que el
Surrealismo es el automatismo psíquico puro. Dice que es un dictado del pensamiento sin la intervención
reguladora de la razón, ajeno a toda preocupación estética o moral.

PRÁCTICAS DEL AUTOMATISMO

LA ESCRITURA AUTOMÁTICA
- En un lugar lo más propicio posible a la concentración.
- Situarse en condiciones de desapego del mundo exterior y de preocupaciones individuales.
- Estado de trance/hipnosis.
- Sin asunto previo.
- Escribir dejando fluir los pensamientos en un libre ejercicio (aflora el subconsciente).
- El escritor se abandona, permitiendo que aparezcan libremente palabras, ideas,
asociaciones, sin que la razón ejerza el control.
- Rapidez en trasladar los pensamientos al soporte.

La primera obra surrealista es Los Campos Magnéticos, de André Breton y Philippe Soupault, texto
publicado en 1919 en la revista. Como libro fue publicado en 1921. En la incongruencia de este
texto está la poesía.

En 1925 se celebra la primera exposición de pintura surrealista. En el plano

de las artes contamos con el dibujo automático, que se debe realizar sobre
un papel no granulado, sino satinado. De esta manera, sin el control de la
razón, surge el garabato. En este Dibujo automático (1925) de André Masson
podemos identificar algunos elementos.

93
 El dibujo automático también es posible utilizando
otras técnicas. En esta obra titulada Batalla de peces
(1926) también de André Masson, muy importante
para el Surrealismo, el soporte es tela, y surgió a partir
de una obsesión de Masson.

En esta obra vemos arena pegada con cola a la tela.

Lo que hacía el artista era verter cola de manera aleatoria para luego lanzar arena sobre la tela. Esta
quedaba atrapada donde había cola. Este procedimiento se hace sin que el pincel toque la obra.
Respecto al color rojo, este se ha puesto sobre la tela dejando caer el pigmento desde la lata. Este
trabajo surge de modo automático, pero luego viene la razón, porque las líneas del carboncillo están
hechas de manera consciente.

Joan Miró también trabaja automáticamente, como podemos ver en El

comienzo del mundo (1925). Él decía que era el hambre el que le producía las
alucinaciones.

La oscilación también es una práctica automática. Esta

se lleva a cabo colocando la tela sobre una superficie y,
dejando caer pintura de una lata agujereada, haciendo
oscilar la lata de un modo aleatorio, de manera que se
produce el goteo. La obra de Max Ernst titulada Joven intrigado por el vuelo
de un pájaro (1942-1947) fue realizada mediante esta técnica, la cual será el
origen del dripping.

El frottage consiste en colocar papel o tela sobre una superficie rugosa y frotar con lápiz encima del
papel, de tal manera que, como la superficie es irregular, queda la marca. El artista por excelencia
de esta técnica es Max Ernst. A veces, las marcas del frotado sugieren formas.

El grattage es raspado o raspadura, y este tipo de composiciones se logran

pintando sobre una tela varias capas dejándolas secar. Cuando las capas se
secan, se raspan las capas con un trabajo automático.

Un ejemplo de una obra realizada con esta técnica es Bosque (1928) de Max
Ernst.

La decalcomanía implica verter tinta china sobre el papel y

colocar un papel encima, haciendo una ligera presión con la
mano. Al levantar el papel, surge la obra. La gran figura es Oscar
Domínguez, con obras como Decalcomanía (1937). En algunas
ocasiones, al ver las manchas, se sugieren figuras. Así, él controla
la razón y la mancha para terminar de crear su obra. También es
posible que la decalcomanía surja mediante un papel doblado.
Estas imágenes se hacen de manera automática y se completan con el control de la razón.

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En el ámbito de la pintura también existe la decalcomanía. Árbol solitario
y árboles conyugales (1937) de Max Ernst se realizó de la siguiente forma:
cuando la pintura está fresca, se pone una lámina sobre esta, de manera
que al levantarse quedan figuras que dan pie a ser completadas.

El fumage consiste en acercar una llama a papel

o tela, de manera que la llama va creando un
ahumado en la tela o papel. Después, con el control de la razón, se
completan las imágenes. La gran figura de esta práctica es Paalen
(Composición, 1937). Este artista es un teórico de la cultura, y es uno de los
personajes más relacionados con Breton.

La técnica del cadáver exquisito es un trabajo muy

delicado. Esta se inicia a nivel literario, y se hace en grupos de 3-4
personas. Para los surrealistas, era muy importante la creatividad a través
del juego conjunto en grupo. Se inicia con frases o palabras que cada
participante escribe sin que el compañero lo vea.

En este (1928) participaron Valentine Hugo, Gala, André Breton y Dalí.

De hecho, podemos ver sus nombres escritos junto la parte que ellos
mismos dibujaron. En la práctica artística, en algunas ocasiones, se podrán
ver las marcas de las dobleces del papel. Esta técnica también se puede hacer mediante el collage.

El collage lo vimos entre los cubistas, pero los surrealistas también lo van a utilizar, pero aquí es otra
cosa. Según Max Ernst, es el encuentro fortuito o premeditado de dos o más realidades en un contexto inadecuado,
y de estas dos o más realidades surge la chispa de la poesía. En el collage surrealista sí entra la
imagen, y ahí es donde se produce el choche, cosa que no aporta el collage cubista. Los surrealistas
adoraban a Mallarmé, un poeta que aplicaba la tipografía libre, los espacios en blanco y los versos
libres. El precedente más importante es Isidore Ducasse, quien escribió un libro titulado Los Cantos
de Maldoror. La obra fue descubierta por error por Sphilippe Soupault, en 1917. Breton escribió en
el Manifiesto Surrealista que el movimiento empieza con este libro.

En esto consiste el collage surrealista, en poner elementos en

contextos inapropiados. En este caso, en la obra Homenaje a
Lautreamont (1933) de Man Ray tenemos un paraguas y una
máquina de coser sobre una máquina de disección.

Magritte es el máximo representante del

Surrealismo belga. Vemos muchas
diferencias en el modo de pintar entre los surrealistas. Magritte y Dalí eran
muy precisos y delicados, mientras que había otros que no tanto. En El tiempo
perforado (1938) de Magritte vemos un interior doméstico, con una chimenea,
un espejo, un reloj y dos candelabros. Todos estos elementos coinciden con
el interior, pero vemos enseguida la locomotora atravesando una chimenea
tapiada. Estos son elementos contrapuestos de los que surgen la chispa de
la poesía. De la locomotora surge el vapor, que podemos asociar con el
humo del fuego. También podemos vincular la máquina que accede con el

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tiempo, porque la locomotora está totalmente ligada al tiempo. La máquina avanza hacia adelante,
mientras que el tiempo está parado. Así, se contrapone el tiempo parado y el tiempo que avanza.
Magritte denomina a esto el arte combinatorio.

El gran masturbador (1929) de Dalí también forma parte del collage surrealista, porque se trata de
una obra compuesta con elementos en planos inadecuados. Este collage surrealista también llegará
hasta la fotografía. En esta fotografía de Dora Maar (1933) vemos elementos perturbadores sin
sentido: una mano de un maniquí saliendo de una concha. Vemos cómo el dedo se introduce en la
arena, dotando así la obra de un significado sexual.

Esta imagen se ha hecho mediante recortes de ilustraciones del siglo XIX,

recortadas de novelas, folletines y de manuales de zoología. Así, ha hecho
figuras realmente llamativas mediante la práctica del collage. Forma parte de
una novela de Max Ernst titulada Una semana de Bondad o Los Siete Elementos
Capitales (1934). Se trata de una novela-collage que cuenta una historia
mediante imágenes. Son imágenes realmente llamativas, porque tienen sentido
aun siendo imágenes aleatorias. En el libro se evoca el mito de la creación del
mundo en una semana y cada día de la semana se asocia con uno de los
pecados capitales. También creará el libro de La Femme 100 têtes (1929).

Lo que vemos en El enigma de Hitler (1939) de Dalí

es un paisaje de la Costa Brava, un plato gigante que
ocupa gran parte de la costa y, dentro de él, judías. Dalí
será uno de los surrealistas que más realizan el género
del bodegón, y aquí lo podemos ver. Dentro del plato
vemos también una imagen de Hitler. En la parte
superior vemos un tronco y de una rama seca cuelga
un paraguas. Son elementos que no tienen relación
entre sí y nos hacen pensar. El auricular del teléfono
está dentro de las imágenes dobles. Vemos un murciélago que expulsa una sustancia tóxica, la
concha de una ostra y una mujer que debe ser Gala.

Dalí tenía mucha fijación por dos figuras, Hitler y Napoleón. El delirio del dictador le parecía muy
atractivo al artista. Todos estos elementos se piensa que forman parte de las conversaciones entre
Hitler y Chamberlain previas a la Segunda Guerra Mundial. Hay que decir que a Dalí le encantaba
comer, y desde que era niño quería ser cocinero. Todos los alimentos tienen sentido conceptual.
Para él era muy importante lo duro y lo blando, de manera que estaba muy interesado por los
alimentos duros que tienen dentro algo, como la langosta. Esto lo que representa es que una cosa
es la apariencia y otra el interior de la cosa, porque así se puede comprender todo, lo blando está

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dentro de lo duro. Del teléfono surge una sustancia acuosa, aludiendo a la baba y haciendo
referencia a la conversación.

En la obra de Dalí vemos elementos duros y blandos. En el año 1929 realizó

una composición de un Sagrado Corazón de Jesús. En francés, él escribe: a menudo,
yo escupo con placer sobre el retrato de mi madre. Esto es porque Dalí asociaba la figura
de su madre con el Salvador. La madre fue muy importante para el artista, murió
cuando tenía 16 años y fue un hecho muy importante en su vida. Hay que
comprender qué es la saliva: es un líquido antibacteriano, hidratante, vinculado
al deseo convulso, también es un elemento de la relación estrecha entre madre
e hijo a través del beso y de probar la comida, o suavizarla en la boca antes de
pasarla al hijo.

En El enigma del deseo (1929) de Dalí vemos la figura del artista y

una composición muy similar al Gran Masturbador. Este cuerpo
blando recuerda a un panal de abejas.

En todos los huecos vemos escrito ma mere. Vemos un paisaje

muy característico de Dalí y las formas blandas.

El enigma de Guillermo
Tell (1933) también tiene muchas formas blandas. Los
sueños no tienen consistencia física, cosa que vemos en la
mayoría de artistas del Surrealismo. En esta obra también
tenemos una obra relacionado con lo blando asociado al
cuerpo humano. Vemos una figura humana de rodillas a
la cual pone un apoyo. En la escultura pone el título de la
obra. Guillermo Tell es un personaje mítico de Suiza que fue condenado a poner sobre la cabeza
de su hijo una manzana y lanzar flechas por no saludar a un sombrero que había en una plaza. Dalí
rememora este hecho ligado a las vivencias con su propio padre. Para él, su padre era un dictador
que le presionaba en todos los ámbitos de la vida, y lo consideraba un enemigo. La figura lleva en
los brazos un niño como recuerdo del hijo de Guillermo y de sí mismo. De la cabeza surge una
masa gelatinosa que necesita también un apoyo. El rostro de Guillermo es Lenin, considerado para
muchos surrealistas un padre.

Dentro de lo blando vamos a ver sentimientos expresados con locura

interior, fuerza desgarradora, éxtasis e histeria. Construcción blanda con
judías hervidas (Premonición de la Guerra Civil) (1936) es una obra dentro
de esta idea. Esta obra fue pintada posiblemente por los
acontecimientos de 1934 en Barcelona. Vemos una figura espantosa,
con verdadero pánico, situada sobre una serie de elementos, entre ellos
judías. Este alimento implica lo comestible. La figura se está devorando
a sí misma, aludiendo a España, la cual se está matando entre sus
habitantes. La figura se está hiriendo a sí misma mientras lanza un grito al aire. Nos puede recordar
mucho al Saturno de Goya y a sus pinturas negras.

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 Canibalismo de otoño (1936-1937) también es muy interesante. Dalí
inaugura un nuevo tipo de bodegones. Sobre la mesa vemos un plato
y diferentes alimentos, como una manzana. También hay bacon. De
uno de los platos surge una figura blanda, fantasmagórica. La boca
alude al sexo de ella misma, con hormigas. Al lado está la figura del
hombre, con una nariz enorme. Ambos sujetan tenedores y
cuchillos, el hombre empieza a devorar a la mujer con la cuchara y,
por eso, el canibalismo. Esta obra refleja con desgarro la interioridad
del artista. Vemos violencia comprensible.

Este mismo sentido lo podemos asociar a Picasso con Figuras

junto a la playa (1931). Vemos dos figuras blandas enfrentadas,
uno es un hombre y la otra una mujer. En estas figuras no se
guarda el cánon, porque la expresividad es tan intensa que las
figuras pierden su forma. La danza (1925) es una de las obras
más importantes de Picasso, quien
formará parte del Surrealismo desde
1925 hasta 1938-39. Esta obra
expresa todo lo de las formas blandas, la expresividad que vemos en la
danza.

Vemos tres figuras femeninas y al fondo un perfil

masculino, quien se cree que es Ramón Pichot,
amigo del artista que murió ese mismo año. En este
sentido, representaría una especie de recuerdo.
Vemos un balcón abierto al Mediterráneo y un
interior desgarrador.

Desnudo en un sillón rojo (1929) también muestra una figura descoyuntada, con
mucha angustia y expresividad. Todas estas obras desembocan en el
Guernica. En ocasiones se ha relacionado estas obras con la perspectiva de
Picasso y sus relaciones con sus parejas.

Significativa es La crucifixión a partir de Grünewald (1930). Picasso no

realizó muchas obras con esta temática y, las que hizo fueron, en su
mayoría, en la adolescencia. El artista hizo muchas
reinterpretaciones de grandes obras de grandes artistas, pero él
siempre decía que al copiar destruía. Es decir, copiaba, pero creando
una nueva obra de arte. Cristo aparece muy pequeño, pues interesa
más todo su alrededor. Aparecen todos los elementos y personajes
propios de la temática de la crucifixión. Lo que más le interesa es el desgarro de las Marías.

Miró también hará figuras blandas. En Peinture (1934) vemos figuras desgarradoras en un fondo
impreciso y neutro. Mujer II (1938) se considera que expresa el desgarro de la España del momento.

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 Peinture, Miró, 1934. Mujer II, Miró, 1938.

Huevos al plato (1932) está firmada por Dalí y Gala, pues tenían una unión
muy fuerte. Vemos el tema de los huevos fritos pasados por agua. Respecto
a los alimentos, a Dalí le interesa lo duro y lo blando, como es el caso de los
huevos.

Volvemos a ver las figuras blandas. El cordón rojo con el alimento lo

podemos vincular con los bodegones españoles. En la obra se opone lo
duro de la arquitectura con lo bando del huevo. Este es un recuerdo
intrauterino de Dalí.

La persistencia de la memoria (1931) es una de las obras más

conocidas del artista. En este cuadro vemos un paisaje de la Costa
Brava con un detalle arquitectónico muy común en la obra de
Dalí, un tronco y una rama secas y una figura central, la cabeza
del gran masturbador, un retrato del artista. Al mismo tiempo,
como si fuese una imagen doble, es un caballo que lleva por
montura un reloj blando. También es blando el reloj que cuelga
de la rama o en que está sobre la arquitectura.

Dalí era un hombre muy preocupado por las cosas fijas, y el tiempo no lo es. El reloj forma parte
del bodegón barroco español. Es un tema ligado a las vanitas, porque las horas pasan. Por otra
parte, el tiempo no es un elemento fijo, sino variable. Por este motivo, Dalí pinta blandos estos
relojes. El reloj de bolsillo está plagado de hormigas, relacionado esto con la muerte y la
putrefacción. No podemos perder el tiempo, porque este se consume.

También veremos muchos paisajes blandos, como en la obra Palacio premonitorio (1931), de Yves
Tanguy. Todas las formas son gelatinosas, sin formas precisas, sino blandas. Tanguy tiene paisajes
con las estructuras con mayor solidez, como Todavía y siempre (1942).

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 Palacio premonitorio, Todavía y siempre, Yves
Yves Tanguy, 1931. Tanguy, 1942.

En el Surrealismo son muy comunes las imágenes múltiples. Estas

imágenes, sin la menor modificación, puede ser otra. Dalí asocia
estas imágenes con la paranoia, delirio crónico relacionada con una
obsesión. El artista explota esta idea dentro del método paranoico-
crítico. La doble imagen de percepción puede ser múltiple, y
continúa el proceso paranoico.
Aparición de un rostro y un frutero en
la playa (1938) de Dalí nos
muestra un paisaje de nuevo de la Costa Brava. El rostro paranoico
(1935) fue hecha teniendo en cuenta una fotografía de una
cabaña africana. Venos un rostro echado en la arena.

Retrato de Mae West que puede utilizarse como

apartamento (1934-1935) nos muestra un
rostro de una mujer, con todos sus elementos. Al mismo tiempo vemos el
interior de una sala. Esta imagen se llevó a la tridimensionalidad en Figueres.

Los deslizamientos, el paso de una

naturaleza a otra, son muy propios en el
Surrealismo. El gran masturbador es un
ejemplo de esta técnica. La metamorfosis, la
transformación de una naturaleza a otra
cosa, la podemos ilustrar con Metamorfosis de Narciso (1937).
Narciso era un joven muy guapo que rechazó a Eco, una mujer
que estaba enamorada de él. Némesis condenó a este joven a
mirarse en el agua una y otra vez, pues estaba obsesionado con su propia belleza. Esa imagen es la
que vemos en la derecha. Esta imagen es una mano que lleva un tubérculo en los dedos. Dalí asocia
a Narciso con la mano, por el placer que nosotros mismos nos podemos dar. La transformación la
vemos a la derecha, donde la mano es más evidente. Esta mano lleva un huevo, símbolo de
fertilidad y creación. En una de estas veces que se mira en el agua, se cae y se transforma en un
narciso, flor que podemos ver salir del huevo. Para Dalí, su narciso era Gala. El narcisismo de Dalí
se transforma en Gala, su flor. Gala es él, él transformado en Gala.

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 El desconcierto y el enigma es muy significativo en los surrealistas. El
artista más vinculado con estos conceptos es Magritte. Prohibida la
reproducción (1937) nos muestra a un hombre sin rostro visto de espaldas,
elemento propio de la iconografía de Magritte. Esta obra nos hace pensar,
nos lleva a elucubrar sobre quién será y por qué está de espaldas, y nos
plantea muchas dudas. El hombre se está mirando a un espejo que no
refleja su rostro. Esto lo hace para dar a entender que las apariencias
engañan, y que no todo se refleja cómo tiene que ser.

La realidad puede ser una y varias, no hay nada fijo ni permanente. En cambio, el libro, se refleja
perfectamente. Sabemos quien es este hombre: Edward James, un escritor británico muy interesado
por la plástica. Contactó con artistas, entre ellos con los surrealistas, llegando a ser mecenas de Dalí
y Magritte. Con el paso del tiempo, este hombre se fue a vivir a México, donde quedó impactado
con la naturaleza. En este lugar se construyó una casa con unos grandes jardines.

En esta obra vemos una ventana que sigue el modelo y la tradición de las
vedute del Renacimiento. Desde un interior vemos un exterior a través de
una ventana. La obra nos hace pensar que hay algo extraño. Vemos en
primer plano tres patas de un trípode, que forma parte de un caballete. En
este hay colocado un lienzo, que capta lo que el artista estaba pintando, lo
que se ve a través de la ventana. Con La condición humana (1933), Magritte
nos hace pensar sobre la ilusión, la realidad, qué es la realidad y qué no.

El mundo real se confunde con el ficticio. Vemos la realidad y la

reproducción de la realidad. La ventana es un elemento de evasión que interesaba mucho a los
surrealistas. Nuestros pensamientos fluyen a través de la evasión mirando por la ventana.

La llave de los campos (1936) sigue este mismo significado. Vemos una ventana
rota donde los trozos de cristal captan el paisaje del fondo.

La traición de las imágenes (1928-1929)

representa una pipa monumental con una
inscripción abajo. Esta significa que no es
una pipa real, sino la representación de una
pipa. Él decía que cualquier objeto podía
tener el nombre que nosotros quisiéramos
ponerle.

La mujer es un tema muy complejo entre los surrealistas. Ellos pintan a las
mujeres descoyuntadas, pareciendo figuras monstruosas, como si fuesen
fieras e hiciesen daño al hombre, otras veces se asocia a la mujer con la mantis
religiosa, ligadas a la castración.

En la portada del número 1 de la revista Revolución Surrealista aparece en el

centro una asesina, Germaine Breton. Esta mujer era una anarquista militante,
obrera, sindicalista. En 1923 asesinó al secretario general de un grupo patriota,
antisemita y monárquico.

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Para los surrealistas, esta mujer representaba a las mujeres fuertes, y la toman como referencia de
algo fuera de lo común. En el texto pone “la mujer es el ser que proyecta la mayor luz o la mayor sombra en
nuestros sueños”.

En el número 12 de la revista (1929) todos tienen los ojos cerrados como si

estuviesen soñando. El centro reproduce un cuadro de Magritte, y pone “no
veo a la mujer escondida en el bosque”. Si nos fijamos en la mujer, parece el ojo de
la cerradura de una puerta, significando que tenemos que ver al mundo a
través de la mujer.

Gradiva descubre las ruinas antropomórficas (1931-1932)

de Dalí se relaciona con una novela de Jensen,
titulada Gradiva. Una fantasía pompeyana. La novela
nos cuenta la historia de un hombre que sueña con una mujer y en un
momento se va a buscarla, porque él estaba convencido de que existía.
Cuando la encuentra, ella le recuerda que eran compañeros de clase, de
manera que su sueño se hace carne. Para Dalí, su Gradiva era Gala.

La violación (1934) de Magritte representa el cuerpo

de la mujer como objeto, pues el hombre, al mirar el rostro de la mujer,
solo ve su cuerpo. No ve la mujer como persona inteligente, sino como
cuerpo, como objeto, insistiendo en los atributos sexuales de la feminidad.

La obra de Magritte es muy inquietante, todo está alterado, todo son

enigmas.

Los surrealistas tuvieron peculiar interés por las cosas raras, curiosas,
extravagantes, por el “objeto encontrado”, por las cosas que salen a nuestro
encuentro, objetos no buscados… La preocupación por los objetos y las
cosas la vemos en la novela Nadja (1928) de Bretón. El objeto ha de ser elaborado, formado por
varios elementos de naturaleza contrapuesta, como un collage.

Meret Oppenheim es una artista alemana. Llegó a París en 1932

y rápidamente se asoció con los surrealistas. Ella tiene la obra Mi
niñera (1936), donde hay dos zapatos atados. Posiblemente aluda
a una niñera con un carácter dictatorial, asociada a las pisadas de
los zapatos de tacón. Se suele decir que en esta obra hay un
significado oculto: alusión a una práctica sadomasoquista.

Para forrar Juego de desayuno de piel

(1936), Meret utiliza piel de gacela. Este es un objeto de uso
simbólico, porque realmente no se puede utilizar. El título de la obra
viene dado por André Breton, aludiendo al Desayuno en la hierba de
Manet. Por la forma de la cuchara y la piel, podemos ligar la obra a
la mujer y al vello púbico.

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 El sombrero-zapato (1937-1938) de Schiaparelli fue diseñado por Dalí. El tacón
tiene carácter hiriente, pues apunta hacia arriba. De Dalí también podemos
hablar de la Chaqueta afrodisiaca (1936) de la cual cuelgan
chupitos de menta. Él decía que esta chaqueta se podía
llevar en paseos nocturnos.

En el año 1936, se hizo una exposición en París sobre

objetos surrealistas, Exposition surréaliste d’objets. Entre los
objetos que se expusieron estaba la chaqueta de Dalí.

La Exposición Internacional del Surrealismo celebrada en París en el 1938 fue muy importante, pues
participaron la mayoría de artistas del grupo. Ellos no esperaban a que alguien organizase las
exposiciones, sino que las organizaban y celebraban ellos mismos. La organización estuvo a cargo
de Breton y Paul Éluard. Participaron también, entre otros, Dalí, Man Ray, Duchamp y se inauguró
con una performance de Helene Vanel.

El ultramueble (1938) de Kurt Seligmann representa una denigración para

la mujer. Vemos un cuerpo fragmentado reproducido por partes. Los
surrealistas tenían fijación por las piernas de las mujeres, y tenían fetiche
con los zapatos de tacón, los ligueros o las medias. Les gustaba admirar
los cuerpos cosificados. Es un mueble que no está hecho para ser usado,
pues no sería muy cómodo. El título se debe a que va más allá de ser
una silla para sentarse.

Jamais (1938) de Óscar Domínguez

vuelve a mostrar el cuerpo cosificado de una mujer manipulado
por un hombre. Se trata de un fonógrafo hecho mediante las faldas
de la mujer y sus piernas. Esta obra llegó a pertenecer a Picasso.

La obra estaba en la Habitación

pesadilla diseñada por Dalí. El suelo
estaba lleno de hojarasca y el techo de sacos de carbón llenos de
papel y polvo de carbón, el cual iba cayendo poco a poco a la
habitación. Estaba completamente a oscuras, y de un hueco del
techo surgía la luz. Había un total de 1200 sacos colgados.

La performance inaugural fue ejecutada por una mujer medio desnuda

que iba bailando con movimientos impulsivos, inspirada en los estudios sobre la histeria. La
exposición se debía ver con linternas, pues estaba todo a oscuras. Fue en esta exposición donde se
mostraron los maniquís.

En Nueva York, en el 1942, se hizo una exposición llamada Los

primeros papeles del Surrealismo, que alude a los papeles de
inmigración que los surrealistas exiliados tenían que rellenar. El
montaje fue de Duchamp, y era casi imposible ver las obras, pues
la sala estaba totalmente repleta de hilos colgando.

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