NOMBRE: NADIA IVONNE PEREZ VICENTE

ESCUELA: SECUNDARIA TECNICA NO.2

MAESTRA: MARGIE JUAREZ ALFARO
GRADO: 2° GRUPO: L
Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que
comparten distintos criterios de afinidad,1 tales como su función (música de
danza, música religiosa, música de cine...), su instrumentación (música vo-
cal, música instrumental, música electrónica...), el contexto social en que es pro-
ducida o el contenido de su texto.

Mientras que las tradicionales clasificaciones académicas en géneros musicales

han atendido fundamentalmente a la función de la composición musical (para
qué es compuesta la pieza, como en los ejemplos anteriores), las clasificaciones
por géneros de la música moderna, usadas por la industria discográfica, han
atendido más a criterios específicamente musicales
(ritmo, instrumentación, armonía...) y a características culturales, como el con-
texto geográfico, histórico o social; se ha asimilado así el concepto de género
musical al de estilo musical, y es habitual que hoy se califique como género
al flamenco, al rock o al country2 (ejemplo: «el rock es un género musical de rit-
mo muy marcado»
La historia de la música es el estudio de las diferentes tradicio-
nes en la música y su orden en el planeta a lo largo del tiempo.
Ya que en toda cultura conocida hubo alguna forma de manifes-
tación musical, la historia de la música abarca todas las socieda-
des y épocas. No se limita, como es habitual en algunos ámbitos
académicos, a Occidente, sin embargo a menudo se utiliza la ex-
presión «historia de la música» para referir exclusivamente a la
historia de la música europea y su evolución en el mundo occi-
dental.
La música de una determinada sociedad está estrechamente re-
lacionada con otros aspectos de su cultura, como su organiza-
ción económica, su desarrollo tecnológico, tradiciones, creen-
cias religiosas, etc.
TIPOS DE
GENEROS
La música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) es un género de música popu-
lar que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del traditional pop, en combina-
ción con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento. 12 Los términos música
pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido
más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestado a menudo elementos de otros esti-
los como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay ele-
mentos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en
un formato básico (a menudo la estructura estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos re-
petidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente
de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc.3El término canción pop se regis-
tró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular». 4
A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distin-
to, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and
roll.56 Según el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la conocida co-
mo invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al con-
cepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible». 7

Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como gé-
nero no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre
canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock,
sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados A lo largo de su existencia, la
música pop ha absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de
los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul su
uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su
orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip
hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap.5

La era del swing hizo estrellas de muchos cantantes populares, incluidos Frank Sinatra, Dinah Sho-
re, Jo Stafford, Perry Como, Peggy Lee, Patti Page y David Whitfield.

Bing Crosby, el rey del Pop en aquel entonces y el primero en ostentar ese seudónimo, ya se había
establecido como el cantante más popular del mundo a mediados de los años 40. Dos innovaciones
notables fueron la adición de secciones de cuerda y arreglos orquestales y un mayor énfasis en la in-
terpretación vocal. 12

La adición de cuerdas exuberantes se puede escuchar en gran parte de la música popular durante las
décadas de 1940 y 1950. A principios de la década de 1950, cuando el dominio del swing dio paso a
la era de la música pop tradicional, muchos de los vocalistas asociados con las bandas de swing se
hicieron aún más populares y fueron figuras centrales en la música [Link]í mismo, ha sacado
partido de las innovaciones tecnológicas. En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono hizo
posible un estilo de canto más íntimo, 14 y diez o veinte años más tarde los discos de 45 r.p.m. —
baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en que se diseminó el pop» y ayudaron a con-
ducir a la música pop a «un star system de disco/radio/cine».14

Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de la televisión en los años 1950; con las actua-
ciones televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual». 14 En la década de
los 60, la introducción de receptores de radio baratos y portátiles significó que los adolescentes po-
dían oír música fuera de casa.14 La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80)
han sido usados también como medios para la creación y elaboración de música pop. 5 A comienzos
de los 80, la promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales musi-
cales de televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como Michael Jack-
son y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual
 BRITNEY SPEARS

Britney Jean Spears (McComb, Misisipi; 2 de diciembre de 1981) es

una cantante, bailarina, compositora, modelo, actriz, diseñadora de modas y empresaria estadounidense. Co-
menzó a actuar desde niña, a través de papeles en producciones [Link]és adquirió fama al participar en
el programa de televisión The Mickey Mouse Club (1992). En 1997 firmó con Jive Records y dos años más tarde
lanzó su álbum debut, ...Baby One More Time, el álbum más vendido de una solista adolescente. En el 2000 lan-
zó su segundo álbum, Oops!... I Did It Again, que vendió 1.3 millones de copias en su primera semana de lanza-
miento en Estados Unidos. Durante su primera década en la industria, Spears se convirtió en una figura promi-
nente en la música pop y en la cultura popular. 4 Sus primeros dos álbumes la establecieron como un icono pop y
rompieron récords de ventas, mientras que canciones como «...Baby One More Time» y «Oops!... I Did It Again»
se convirtieron en éxitos internacionales. Los especialistas la acreditaron como la principal fuerza impulsora de-
trás del renacimiento del pop adolescente a finales de la década de 1990 y la catalogaron como la mejor artista
adolescente de todos los tiempos antes de cumplir los 20 años, por lo que la honorificaron con el título de la
«Princesa del Pop». Su influencia en la industria es considerada como el punto de inflexión de los grupos y ban-
das de los años 1990 a la edad dorada de las solistas femeninas del siglo [Link] 2001 lanzó su tercer ál-
bum, Britney, del que se desprendió «I'm a Slave 4 U» y debutó en el cine como protagonista en la pelícu-
la Crossroads (2002). En 2003, recibió a sus 21 años una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, convir-
tiéndose en la cantante más joven en recibirla. Ese mismo año asumió el control creativo de su cuarto álbum, In
the Zone, el que generó los éxitos «Me Against the Music», «Toxic» y «Everytime». Tras el lanzamiento de su pri-
mer álbum de grandes éxitos, Greatest Hits: My Prerogative, con sencillos como «My Prerogative» y el álbum
de remezclas B in the Mix: The Remixes, Spears comenzó a sufrir una serie de problemas personales y su carre-
ra entró en receso.101112 En 2007 volvió a la industria musical con su quinto álbum de estudio, Blackout, el que
además de ser elogiado por la crítica, generó los éxitos «Gimme More» y «Piece of Me», pese a recibir una esca-
sa promoción. En 2008, su comportamiento errático y su hospitalización la llevaron a estar bajo tutela. A finales
del mismo año lanzó su sexto álbum de estudio, Circus, del que se desprendieron los éxitos «Womanizer» y
«Circus». En 2009, se embarcó en su gira más ambiciosa, The Circus Starring: Britney Spears, que a nivel mun-
dial se alzó como la quinta de mayor éxito comercial de ese año, con 131,8 millones de dólares recaudados y a
finales de ese mismo año lanzó su segundo álbum de grandes éxitos, The Singles Collection, liderado por el sen-
cillo «3». En 2011 lanzó su séptimo álbum de estudio, Femme Fatale, el que generó los éxitos «Hold It Against
Me», «Till the World Ends», «I Wanna Go», y «Criminal»,131415 y colaboró en una remezcla del éxito «S&M» de la
cantante Rihanna. En 2012 participó como jueza en el programa The X Factor USA y colaboró con [Link] en el
éxito «Scream & Shout». En 2013, lanzó el sencillo «Ooh La La», tema de la película Los Pitufos 2.16 Después se
publicó «Work Bitch», el primer sencillo de su octavo álbum de estudio, Britney Jean,1718 que se lanzó a finales de
2013. Al mismo tiempo comenzó su primera residencia de conciertos de cuatro años, Britney: Piece of Me, que
se llevó a cabo en el Planet Hollywood Resort & Casino de Las Vegas. En 2015 publicó el sencillo «Pretty Girls»,
que cuenta con la colaboración de la rapera australiana Iggy Azalea. En 2016 lanzó su noveno álbum de estu-
dio, Glory,19 que fue antecedido por el sencillo «Make Me...». En 2019, la batalla legal de Spears por su tutela sa-
lió a la luz y se formó un movimiento social en apoyo a la artista, titulado #FreeBritney.20 En 2021, en la corte,
acusó a su equipo de gestión y a su familia de abuso y expresó su deseo de terminar el acuerdo. 21 Spears ha
vendido más de 100 millones de discos en todo el mundo, lo que la convierte en una de las artistas musicales
con mayores ventas de la historia.222324 Según la Recording Industry Association of America (RIAA), desde su de-
but, Spears es una de las artistas femeninas que ha vendido más grabaciones a nivel mundial y la octava mujer a
nivel general en Estados Unidos, con 34 millones de copias certificadas. 2526 Hasta marzo de 2014, había vendido
más de 34.7 millones de álbumes y 31.3 millones de descargas de canciones solo en los Estados Unidos, 2728
donde además es la artista femenina que vendió más álbumes durante la década de 2000.2930313233 En el Reino
Unido ha vendido 3 millones de álbumes y 12 millones de sencillos, y es la quinta solista femenina con mayores
ventas de sencillos en la historia.34353637 Spears ocupó el primer lugar en la lista de Forbes de las cien celebrida-
des más poderosas e influyentes en el mundo en el año 200238 y es también la octava cantante más mencionada
en Internet, según la misma revista.39 Spears es también una de las cantantes más premiadas en la historia, solo
detrás de artistas como Michael Jackson o Whitney Houston.[cita requerida] También es la séptima artista más busca-
da en la historia de YouTube.40 Su éxito en la industria de la música le ha llevado a introducirse en la industria de
los perfumes,41 además de lanzar su propia línea de lencería bajo el nombre The Intimate Britney Spears.42 La
revista Variety afirmó que gracias a los endosos de sus productos y su carrera musical, Spears había creado
un Billion-Dollar Empire,43 mientras que fue citada en noveno lugar al lado de otras mujeres del entretenimiento
en lograr dicha cifra.44
 BEYONCE

Beyoncé Giselle Knowles-Carter (Houston, 4 de septiembre de 1981),45 conocida simplemente como Beyoncé,
es una cantautora, productora, actriz, directora, diseñadora y empresaria estadounidense.

En su ciudad natal se presentó a diversos concursos de canto y baile cuando era niña y saltó a la fama a finales
de los años 1990 como vocalista principal del grupo femenino de R&B, Destiny's Child. Dirigido por su padre,
Mathew Knowles, se convirtió en uno de los grupos femeninos con mayores ventas de la historia. Durante el re-
ceso del grupo, Beyoncé debutó en el cine con un papel en la película Austin Powers in Goldmember (2001) y
más tarde lanzó su álbum debut Dangerously in Love (2003), el cual la consagró como artista solista en todo el
mundo; vendió 11 millones de copias, ganó cinco premios Grammy y contó con los sencillos número uno
del Billboard Hot 100, «Crazy in Love» y «Baby Boy».

Tras la disolución de Destiny's Child en 2005, Beyoncé publicó su segundo álbum de estudio, B'Day (2006), que
contenía los éxitos «Déjà Vu», «Irreplaceable» y «Beautiful Liar». También continuó con su carrera en el cine,
con un papel nominado al Globo de Oro en Dreamgirls (2006), y papeles protagónicos en The Pink Pant-
her (2006) y Obsessed (2009). Su matrimonio con el rapero Jay-Z y su actuación como Etta James en Cadillac
Records (2008) influyeron en su tercer álbum, I Am... Sasha Fierce (2008), que vio el nacimiento de su álter ego,
Sasha Fierce y obtuvo el récord de seis premios Grammy en 2010, incluyendo canción del año por «Single La-
dies (Put a Ring on It)». Beyoncé se tomó un descanso de la música en 2010 y se hizo cargo de la gestión de su
carrera; su cuarto álbum 4 (2011) fue en un tono más suave, explorando el funk de los años 1970, el pop de los
años 1980, y el soul de los años 1990.6

Su quinto álbum de estudio, Beyoncé (2013), fue aclamado por la crítica y se distinguió de sus lanzamientos an-
teriores por su producción experimental y la exploración de temas más oscuros. Su sexto ál-
bum, Lemonade (2016) también recibió la aclamación de los críticos, quienes lo llamaron su obra más personal y
política hasta la fecha y se convirtió en el segundo álbum más vendido de 2016 en todo el mundo. Más tarde lan-
zó Everything Is Love (2018), un álbum colaborativo con Jay-Z, acreditados conjuntamente como The Carters.

Una autodenominada «feminista contemporánea»,7 las canciones de Beyoncé se caracterizan a menudo por te-
mas de amor, las relaciones y la monogamia, así como la sexualidad y el empoderamiento femenino. En el esce-
nario, sus dinámicas y altamente coreografiadas actuaciones han llevado a los críticos a aclamarla como una de
las mejores artistas de la música popular contemporánea.

A lo largo de una carrera que abarca 20 años, ha ganado 28 premios Grammy, ha vendido cerca de 100 millones
de grabaciones como solista,8 y otros 60 millones con Destiny's Child,910 haciendo de ella una de las artistas mu-
sicales con mayores ventas.1112 La Recording Industry Association of America reconoció a Beyoncé como la artis-
ta certificada número uno de los Estados Unidos durante la década del 2000. 1314

En 2014 se ubicó en la cima de la lista Celebrity 100 de Forbes, y se convirtió en la artista negra mejor pagada en
la historia de la música. También fue incluida en la lista de la revista Time de las 100 personas más influyentes
del mundo en 2013 y 2014. El 14 de marzo de 2021 durante la ceremonia de los premios Grammy, hizo historia
al convertirse en la artista femenina más galardonada de la historia con un total de 28 premios. Ese mismo año
fue incluida en la lista de los 200 artistas más influyentes de los últimos 25 años por la publicación estadouniden-
se Pitchfork.15
El reggae y dancehall, junto con el hip hop influyeron notablemente a este género híbrido. El reguetón se podría
decir que nace de un movimiento cultural y musical entre jóvenes de Puerto Rico . 13 Las raíces del reguetón em-
pezaron en Puerto Rico en los años 1990, cuando instrumentales de reggae en español provenientes de Pana-
má, estaban siendo fusionados con hip hop en la isla. Durante esta década el género era llama-
do underground o melaza y tenía líricas explícitas sobre droga, violencia, amistad, amor o sexo. Los jóvenes
puertorriqueños comenzaron a fusionar hip hop con ritmos de reggae. La fusión fue muy popular en las discote-
cas de la isla, caracterizado por sus letras muy fuertes y de lenguaje explícito, esparciéndose poco a poco entre
la juventud local.14 Se trataba de instrumentales de reggae en español, acelerados y utilizando una fuerte y
agresiva forma de recitar versos. La popularidad del movimiento del recién surgido reguetón en las comunida-
des urbanas, se veía latente en la venta y distribución de los récords de la misma y los videos musicales que se
producían durante la época.15

Muchos de los ritmos usados en el reguetón, surgieron mucho antes que el mismo género, ya que varios géne-
ros del Caribe eran populares en esa época. Durante estos años, tales ritmos llegan a Puerto Rico y se comien-
za a tocar en las discotecas esta música latina pero en español. 16 El rap influyó en gran medida a la mezcla de
lo que es el reguetón, sobre todo a través de la improvisación lírical. Las letras improvisadas se ejemplificaron
mejor con la música de Vico C. 17 A principios de la década de los noventa, esta mezcla de música urbana, co-
nocido como underground es el surgimiento oficial del reguetón. Uno de los primeros sonidos del reguetón fue-
ron los famosos playeros del puertorriqueño Dj Playero, que eran casetes clandestinos con pistas de reggae/
rap. El estilo creció desde el mixtape Playero 38 con temas como: Funeral , No te canses y La gente sabe en
1993.

Se extendió rápidamente por toda la isla y con el tiempo se formarían múltiples mezclas, recreaciones y modas
de este género entre los jóvenes. Durante los inicios del género, se producía este nueva música en discotecas y
suburbios, y la fusión crecía con éxito pero de manera clandestinamente, ya que era perseguida por las autori-
dades. El país evolucionó a su modo estos ritmos, mezclando mixtapes de rap con riddims de reggae en espa-
ñol y se convirtió en el comienzo mediante el cual los artistas y estrellas del reguetón se originaron. Además, a
principios de esa época, el ritmo de dancehall llamado dembow, de la canción del mismo nombre interpretada
por Shabba Ranks, fue incorporado en el reguetón boricua y ganó popularidad masiva. Esta caracterización del
reguetón, actuó como una forma de establecer un género híbrido, aparte del sonido original de Jamaica. 7 En
este punto el género despegó y estaba siendo producido e interpretado por artistas a lo largo de Puerto Ri-
co incluyendo a artistas como Daddy Yankee, Big Boy, Rubén DJ, Vico C, entre otros.

En los garajes de las casas (o marquesinas) fueron los primeros lugares en donde se cantó reguetón a cargo de
Dj Playero y raperos locales de los suburbios de San Juan y Carolina en 1992. En Puerto Rico hubo una ten-
dencia hacia la cultura hip hop desde antes del nacimiento del reguetón. Esto abrió el terreno fértil para que na-
ciera un género local, lo cual ayudó a implementar en la isla una imagen de identidad cultural urbana. 18 Combi-
naban instrumentales de Jamaica y Estados Unidos mientras rapeaban y cantaban en jerga puertorriqueña; ter-
minaban haciendo una música nueva y en español.7

Para ese mismo tiempo estaba en su apogeo el boom comercial de lo que fue el fenómeno Vico C, con el hip
hop en español. En 1993, Vico C grabó uno de los primeros temas de reggae/rap: Explosión. Esta producción
ayudó a extender el sonido del posterior, reguetón, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. 19 Pero el reg-
gae nunca fue tomado en cuenta totalmente en Puerto Rico. En el transcurso de la primera mitad de la década
de los 1990, en la isla lo que se hizo fue experimentar con ritmos caribeños y adaptándolas a un género nuevo;
la música se esparció con formatos de casetes (como ya se mencionó) llamados "Playeros"; estás producciones
tenían varios artistas en una mezcla de instrumentales pre-reguetón, similar a como se hacía en Jamaica y en
Panamá con reggae/dancehall desde finales de los 1980.1820

En Puerto Rico durante esos años se escucharon algunas canciones de origen jamaicano, y los instrumentales
de canciones como Murder She Wrote de Chaka Demus & Pliers, Dem Bow de Shabba Ranks, Hot Dis
Year de Dirtsman, Poco Man Jam de Gregory Peck, se utilizaron para crear un tipo de "pre-reguetón". Esta mú-
sica cada vez se hacía más popular en las discotecas. A la misma vez, se escucharon canciones como Dem
Bow de Nando Boom, Pantalón caliente de Pocho Pan, Estas dulce de La Atrevida que pertenecían al movi-
miento panameño de reggae en español. Entonces los primeros indicios de los puertorriqueños haciendo una
fusión distinta al dancehall/reggae, comenzaron a ser notables. 20Arcángel & De la Ghetto, Alexis y Fido, Rakim y Ken-
Y, Dyland & Lenny Tavárez, Jowell y Randy, Yomo, Franco el Gorila, John Eric, Joan y Oneill, Ñejo y Dálmata y Angel y Khriz,
quienes seguirían masificando el género musical con un estilo más romántico fusionando con ritmos pop y salsa, siendo sus
mayores exponentes los dúos Dyland y Lenny, Magnate y Valentino, Rakim y Ken-Y.
 BECKY G

Rebbeca Marie Gomez1 (Inglewood, California; 2 de marzo de 1997),2 conocida artísticamente como Becky G,
es una cantante, compositora y actriz [Link]ó a tener reconocimiento en 2011 después de ha-
ber subido varios vídeos de ella misma interpretando remezclas de canciones populares en YouTube. Uno de sus
vídeos obtuvo la atención del productor Dr. Luke, quien le ofreció un contrato doble con Kemosabe Re-
cords y RCA Records. En 2012, Gómez colaboró con [Link], Cody Simpson, y Cher Lloyd. Su sencillo debut
oficial «Becky from the Block» (2013) tuvo una buena recepción después de su lanzamiento. Lanzó su debut
EP, Play It Again, poco después. Su segundo sencillo, «Can't Get Enough» (2014), contó con la colaboración
de Pitbull y fue número uno en el Latin Rhythm Airplay en los Estados [Link] canción «Shower» publicada en
2014, ingresó al top 20 en el Billboard Hot 100. Tras esto, lanzó «Can't Stop Dancin'» (2014), «Lovin' So Hard» y
«Break a Sweat» (2015). En septiembre y octubre de 2015 se embarcó en una gira junto a J Balvin, extendiéndo-
se a través de los Estados Unidos.3 En 2016, apareció en «Superstar» la canción oficial de la Copa América Cen-
tenario junto a Pitbull.4 El mismo año, estrenó su primera canción en español «Sola».5El 14 de julio de 2017 salió
al mercado hispano su éxito «Mayores», en colaboración con el cantante Bad Bunny.6 La canción fue número
uno en la lista Latin Airplay de Billboard.7 El 20 de abril de 2018, lanzó «Sin pijama», en colaboración con la can-
tante dominicana Natti Natasha.8 El 8 de octubre de 2019, anunció su álbum debut, titulado Mala santa,9 el cual

Rebbeca Marie Gomez nació el 2 de marzo de 1997 y fue criada en Inglewood, California. Es hija de Alejandra y
Francisco «Frank» Gomez. Sus cuatro abuelos son de Jalisco, México, mientras que sus padres y la mayoría de
sus familiares nacieron en los Estados Unidos.12 Tiene dos hermanos, y una hermana menor.

Becky apareció en el cortometraje El Tux (2008) como Claudia Gómez; así como Nina en la película de televi-
sión La estación de la Calle Olvera (2008) de Discovery Channel. Se convirtió en miembro de un grupo femenino
llamado G.L.A.M. en 2009, y más tarde se unió a B.C.G., un grupo formado por ella y Cristal Guel. Filmó un vídeo
musical como parte de G.L.A.M. para una canción titulada «JellyBean» en 2009. Durante este tiempo, también
comenzó a grabarse cantando canciones usando GarageBand, y creó una cuenta de YouTube para publi-
car covers de canciones populares en línea, aunque posteriormente también comenzó a escribir sus propias can-
ciones. Becky se hizo amiga del dúo de producción The Jam cuando tenía trece años, a quienes les gustó el tra-
bajo escrito de Becky. El trío comenzó a trabajar en material juntos, lo que dio lugar a las portadas de las cancio-
nes «Otis» (2011), «Lighters» (2011), «Novacane» (2011), «Boyfriend», en donde hacía versiones con su propia
letra, y una canción original «Turn the Music Up». Estas canciones estaban destinadas a ser parte de un mixtape,
titulado @itsbeckygomez, aunque este proyecto nunca llegó a buen término. Su portada de «Otis" llamó la aten-
ción del reconocido productor Dr. Luke, que había trabajado con artistas como Britney Spears y Miley Cyrus, en-
tre otros.

Luke programó una reunión con Becky, y le pidió que tocara la guitarra para él; más tarde la inscribió a su sello
discográfico Kemosabe Records, a través de RCA Records. En referencia a su videoclip de «Otis», Luke afirmó
que «yo la habría contratado solo por ese vídeo, estaba cien por cien seguro. Ella tiene mucha personalidad y su
voz sale de los altavoces. Luego descubrí que también podía cantar y tocar la guitarra y pensé: 'Esto es todavía
mejor'. Entonces descubrí que podía escribir y era como, '¿Qué más vas a decirme, que tú también eres Van
Gogh?' Su potencial es ilimitado». Poco después de firmar con la discográfica, Becky comenzó a trabajar en su
álbum debut
 J BALVIN

José Álvaro Osorio Balvín (Medellín, 7 de mayo de 1985),3 conocido artísticamente como J Balvin, es
un cantante colombiano. Ha logrado posicionarse tanto en el mercado musical hispano como en el mercado musi-
cal de habla inglesa, llegando a colocar sus temas en número uno en varias listas musicales, entre ellas Billboard.4
También es conocido como el Príncipe del Reguetón.56 Ha incursionado en la cultura rapera.7

Desde joven mostró interés por la música.8 En sus inicios musicales, se introdujo en el rock.1 Luego, formó un gru-
po de rap[¿cuál?] y en 2007 comenzaría a hacerse notar localmente como solista. 8 En 2009, es reconocido como
«artista revelación» por varias emisoras radiales de Colombia. 9 Ese mismo año firmó un contrato musical con EMI
Music.1011

Su primer álbum de estudio, La familia, fue certificado con discos de oro, platino y multiplatino en varios países. 12
El sencillo del álbum, «6 AM», alcanzó los cinco primeros en los listados de Billboard,13 además se convirtió en el
primer tema en ganar un disco de diamante en Estados Unidos.14 «Ay vamos», fue número uno en los Hot Latin
Songs de Billboard,13 y también ganó un disco de diamante en los Estados Unidos.14 Ese tema le valió a Balvin su
primer premio Grammy Latino.15

En 2015, lanza «Ginza», primer sencillo de su siguiente álbum. Ese tema se posiciona en el número uno
en Colombia, Estados Unidos, México y España, además, con este ingresó por primera vez a la lista Billboard Hot
100, en la posición 84.13

Por otra parte, cantó junto a Jennifer Lopez en el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LIV, llevado a cabo
el 2 de febrero de 2020, donde interpretó «Qué calor» y «Mi gente».1617

En septiembre de 2020, Balvin fue incluido en el listado de la revista Time de las «100 personas más influyentes
del año».18 Ha hecho 35 millones de ventas.1920 Hizo una colaboración con la marca Air Jordan de Michael Jordan
Balvin nació como José Álvaro Osorio Balvín, el 7 de mayo de 1985 en la ciudad de Medellín, Colombia.1 Es hijo
de José Álvaro Osorio y Alba Mery Balvin y tiene una hermana menor llamada Carolina, quien es modelo.424

Balvin comenzó a hacer música desde muy temprana edad, interesándose por géneros como el hip hop, a los 14
años.8

Luego de terminar la escuela, viajó a Oklahoma, como parte de un intercambio cultural, además de vivir un tiempo
en Nueva York, donde afianzó su gusto por el género urbano.25

En su etapa de estudiante de secundaria hizo parte de varias bandas de rock,1 que, a pesar de no tener nombre,
tocaban canciones de Nirvana, Metallica y Enanitos Verdes.26

Más adelante, mientras estudiaba las carreras de negocios internacionales y comunicación social en
la Universidad EAFIT perteneció a la banda de rap MDL Crew125 —actualmente llamada Universidad de la Calle—,
por lo que interrumpió sus estudios en el séptimo semestre.
El rock es un amplio género de música popular originado como rock and roll a principios de la década de 1950
en Estados Unidos y que derivaría en un gran rango de diferentes estilos durante mediados de los años 60 y
posteriores, particularmente en ese país y Reino Unido. 12 Tiene sus raíces en el rock and roll de los años 50,
estilo nacido directamente de géneros como el blues, el rhythm and

blues (pertenecientes a la música afroamericana) y el country. También se nutrió fuertemente del blues eléctrico
y el folk, además de incorporar influencias del jazz y la música clásica, entre otras fuentes. Instrumentalmente,
el rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, normalmente como parte de un grupo integrado por batería, bajo,
uno o más cantantes y, algunas veces, instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Usualmente, el rock
se basa en canciones en compás de 4/4 y una estructura verso-estribillo; sin embargo, el género se ha vuelto
extremadamente diverso y las características comunes son difíciles de definir. Como la música pop, las letras
se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan un rango amplio de otros temas con un enfo-
que frecuente en lo social, lo personal y lo político.

A mediados de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a adoptar el álbum como medio dominante
de difusión, expresión y consumo de música grabada, con The Beatles como la cara principal del desarrollo co-
mercial del género. Sus contribuciones llevarían a la legitimación cultural del rock en el mainstream, iniciando
así una época del álbum en la industria musical que perduraría varias décadas. Ya a finales de los 60, referido
como el periodo del «rock clásico»,1 habían surgido numerosos subgéneros, incluidos híbridos como el blues
rock, folk rock, country rock, rock sureño, raga rock y el jazz rock, muchos de los cuales contribuirían al desarro-
llo del rock psicodélico, influenciado por la escena contracultural psicodélica y hippie. Los nuevos géneros que
emergieron de esta escena incluyen el rock progresivo, que extendió los elementos artísticos; el glam rock, que
resaltó el espectáculo en vivo y el estilo visual y el heavy metal, que se centra en el volumen, el poder y la velo-
cidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y reaccionó contra algunas de estas tenden-
cias para producir una

música cruda y energética, así como altamente política. Durante la década de 1980, el punk fue una de las prin-
cipales influencias en el desarrollo de otros subgéneros como el new wave, el post-punk y, eventualmente, el
rock alternativo.

A partir de la década de 1990, el rock alternativo se convertiría en el estilo dominante del género y se hizo cono-
cido en las formas de grunge, Britpop e indie rock. Desde entonces, han aparecido diversos subgéneros de fu-
sión, incluidos el pop punk, el rock electrónico y el rap rock y rap metal, así como varios intentos de revivir la his-
toria del rock, con el resurgimiento de géneros como el garage rock/post-punk y el techno-pop durante los años
2000. La década de 2010 marcaría un declive en la fama y relevancia cultural del rock, cuando géneros ajenos
como el hiphop lo superaron en popularidad y dominaron gran parte del mainstream musical.

La música rock también abarcó y sirvió de vehículo para movimientos culturales y sociales, lo que llevó a la
creación de subculturas como los mods y los rockers en el Reino Unido, y la contracultura hippie que se propa-
gó en San Francisco (Estados Unidos) en la década de 1960. De forma similar, la cultura punk de la década de
1970 originó las subculturas visualmente distintivas emo y gótica. Heredera de la tradición folclórica de la can-
ción de protesta, la música rock ha sido asociada con el activismo político, así como con los cambios en las acti-
tudes sociales sobre el racismo, el sexo y el uso de drogas y es usualmente vista como una expresión de la re-
belión juvenil contra el consumismo y conformismo
Queen es una banda británica de rock formada en 1970 en Lon-
dres por el cantante y pianista Freddie Mercury, el guitarrista Brian
May y el baterista Roger Taylor. El bajista John Deacon llegaría un
año después al grupo para completar la formación clásica. Tras el
deceso de Mercury en 1991, y el retiro de Deacon en 1997, los inte-
grantes restantes, Brian May y Roger Taylor, continúan trabajando
bajo el nombre Queen o Queen +, por lo que la banda aún se consi-
dera activa.4

El grupo gozó de un gran éxito en el Reino Unido con álbumes como Sheer Heart Attack (1974) y A Night at the
Opera (1975). Este último llamó la atención internacionalmente, en especial por el sencillo "Bohemian Rhap-
sody", y colocó a Queen en un primer plano de la escena musical. Tuvieron una significativa repercusión en Es-
tados Unidos a finales de los años 1970, ya con un numeroso repertorio de éxitos. 5 A nivel artístico, se ha des-
tacado su diversidad musical, sus arreglos en múltiples capas y sus armonías vocales. Es considerada una
banda de gran influencia en el desarrollo del hard rock y el heavy metal, incorporando elementos del glam rock,
rock progresivo, folk, ópera, blues y pop. Fue una de las primeras agrupaciones musicales en hacer de sus con-
ciertos espectáculos muy vistosos mediante el uso de bombas de humo, flashpots o innovadores sistemas de
luces móviles, además de promover la participación del público en los mismos, contribuyendo así al auge del
arena rock.6 La crítica ha señalado el carisma de Freddie Mercury como una parte fundamental de sus presen-
taciones.7 A este respecto, habitualmente se han reconocido actuaciones como las del Live Aid en 1985 o el
concierto del estadio de Wembley en 1986 como dos de los mejores recitales de rock de la historia. 8910 Aunque
el cuarteto normalmente gozó de una gran popularidad y éxito comercial, en su momento una parte de la crítica
no les tomó en serio, como por ejemplo cuando en la publicación Rolling Stone se criticó el álbum Jazz llamán-

La banda de origen británico cuenta con un total de quince álbumes de estudio, siete álbumes en vivo y nume-
rosas recopilaciones. Desde la muerte de Mercury y el retiro de Deacon del mundo musical, May y Taylor se
han presentado juntos ocasionalmente en eventos especiales y programas televisivos como músicos invitados
junto a otros artistas. Desde 2004 hasta 2009, trabajaron junto a Paul Rodgers bajo el nombre de Queen + Paul
Rodgers.11121314 Con unas ventas estimadas en torno a 200 millones de discos, Queen es uno de los grupos
más exitosos de todos los tiempos;15 su primer álbum compilatorio, Greatest Hits (1981), es todavía el álbum
más vendido en la historia del Reino Unido con 6 millones de copias en este país. 161718 Queen fue nombrado el
decimotercer mejor artista de hard rock de todos los tiempos en una lista elaborada por VH1 (VH1's 100
Greatest Artists of Hard Rock list);19 además, en un sondeo realizado por la emisora BBC Radio 2 en 2007,
Queen fue elegido como «el mejor grupo británico de todos los tiempos». 20

En 2018, la banda recibió el premio "Lifetime Achievement Award”, un galardón de los Grammys que rinde ho-
menaje a aquellos artistas que hicieron a lo largo de su vida contribuciones de gran importancia en el

campo de la grabación de música.21

The Rolling Stones, más conocido en el mundo hispano como los Rolling Sto-
nes,2 es un grupo británico de rock originario de Londres. La banda se formó en abril de
19623 por Brian Jones, Mick Jagger, Keith Richards e Ian Stewart, junto a varios bajis-
tas y baterías que nunca fueron fijos hasta la llegada de Bill Wyman y Charlie Watts
unos meses después, los cuales completarían la primera formación de la banda. 3 Ian
Stewart dejó de ser miembro oficial del grupo a mediados de 1963, aunque permaneció
en el mismo hasta su fallecimiento en 1985. Brian Jones fue despedido en junio de
1969 debido a su adicción a las drogas (pero fallecería tres semanas después), y fue
reemplazado por el guitarrista Mick Taylor, que dejaría el grupo en 1975 y sería, a su
vez, reemplazado por Ronnie Wood. Con el retiro de Bill Wyman en 1993 se incluyó al
bajista Darryl Jones que, aunque toca con la banda desde la grabación del álbum
Voodoo Lounge en 1994, no es un miembro oficial.

Sus primeras producciones incluían versiones y temas de blues, rock and roll y R&B norteamericano. No obstante, en el trans-
curso de su trayectoria añadieron toques estilísticos de otros géneros para adaptarse a cada época al recibir influencias desde
la música psicodélica, el country, el punk, la música disco, el soul, el reggae o la música electrónica. Pese a encabezar junto a
The Beatles (con los que siempre rivalizaron en popularidad) 4 la «invasión británica» en los primeros años de la década de
1960,nota 15 no fue sino hasta el lanzamiento de «(I Can't Get No) Satisfaction» en 1965 cuando alcanzaron el estrellato interna-
cional y se establecieron como una de las bandas más populares en la escena musical. 6 A la fecha, la banda ha editado veinti-
cinco álbumes de estudio7 y colocado treinta y dos sencillos dentro de los diez más populares de Reino Unido y los Estados
Unidos.8 Las ventas totales de The Rolling Stones se estiman entre 2009 y 250 millones de discos,1011 se convirtieron en unos
de los artistas más exitosos de todos los tiempos.

Están considerados como una de las más grandes e influyentes bandas de toda la historia del rock,12 es una de las agrupacio-
nes que sentó las bases del rock contemporáneo.131415 Contando desde sus inicios con el favor de la crítica, algunos de sus ma-
teriales están considerados de los mejores de todos los tiempos; 16171819 entre ellos destacan Beggars Banquet (1968), Let It

Bleed (1969), Sticky Fingers (1971) y quizá su mejor obra, Exile on Main St. (1972).nota 2 En 1989 fueron incluidos en el Salón de
la Fama del Rock and Roll, y en 2004 la revista estadounidense Rolling Stone los colocó en el puesto n.º 4 en su lista de Los 50
mejores artistas de todos los tiempos.20

Ningún grupo de rock hasta la fecha ha sostenido tan duradera y todavía mundialmente reconocida trayectoria como The Ro-
lling Stones; con Mick Jagger y Keith Richards (y Charlie Watts hasta su fallecimiento en agosto de 2021) como miembros fun-
dadores en activo, continúan siendo la banda más longeva de la historia del rock.15 En enero de 2022, apareció una

A principios de 1968 presentaron a Allen Klein, ex contable del grupo, como su nuevo mánager. Su nuevo cargo le fue asignado a ma-
nera de agradecimiento tras haberles conseguido grandes adelantos monetarios y un mayor porcentaje de ventas con Decca Re-
cords.71 Después del fracaso de Their Satanic Majesties Request las relaciones en el seno de la banda se deterioraron, especialmente
entre Jones y Richards, en gran parte debido a que este último se emparejó con Anita Pallenberg, entonces novia de Jones. Bajo la
presión de superar el paso en falso del disco anterior, Jagger recurrió a los servicios del productor estadounidense Jimmy Miller, que
recientemente había producido a Traffic. De las primeras sesiones se derivó «Jumpin' Jack Flash», un corte con el que retornaron al
panorama internacional y regresaron al primer puesto del listado de sencillos del Reino Unido después de dos años.

[cita requerida]

Extrañamente, esta pista no fue incluida en el disco porque la banda quería crear un ambiente de expectación para su
próximo material. La nueva producción tenía como fecha de salida el 26 de julio, coincidente con el cumpleaños de Jagger, aunque su
lanzamiento fue postergado por Decca debido a la polémica portada del disco, en la que aparecía un baño público sucio con múltiples
inscripciones en los muros.572 Después de meses de negociación, llegaron a un acuerdo y sustituyeron la portada original por otra
completamente blanca con tan solo el nombre del álbum impreso con letras doradas, lo que al principio generó críticas al compararlo
con la portada minimalista de The White Album de The Beatles, lanzado por esas fechas. 72 En los primeros días de diciembre vio la
luz Beggars Banquet, álbum fuertemente aclamado por la crítica musical y con el que se iniciaría una serie de cuatro álbumes de estu-
dio que habitualmente se consideran como la «cima de la obra de los Stones». 73 De igual forma tuvo una considerable repercusión
comercial al establecerse en el puesto tres de ventas en Gran Bretaña y en el puesto cinco en el listado de los más vendidos de Bill-
board en los Estados Unidos. Con Beggars Banquet la banda regresó a sus raíces musicales: el trabajo era esencialmente una selec-
ción de temas de rock, blues y R&B, donde también se incluyeron contadas canciones con apreciable influencia de la música country.
Pese a la gran reacción de crítica y público, el álbum no estuvo exento de polémica. Una de las primeras reacciones negativas hacia
el LP fue la inclusión de «Sympathy for the Devil», una canción con tintes tribales en cuya letra se expone al Diablo como un miembro
más de la humanidad, y se hace referencia a los pasajes más violentos de la historia, como la Segunda Guerra Mundial o el asesinato
de la familia Romanov.74 La mención del Diablo en la letra provocó miedo y repudio en diversos sectores religiosos, acusándolos de
adoradores de Satanás y calificándolos de una mala influencia para la juventud.75 El sencillo «Street Fighting Man» también generó
molestar en las autoridades. Solo alcanzó lugares discretos entre los sencillos más populares en los EE. UU. porque fue impedida su
reproducción radiofónica y poco después también su venta debido a la portada del corte, una fotografía de unos agentes de la policía
golpeando a manifestantes, y al político contenido de la letra, que las autoridades estadounidenses consideraron «desestabili zadora»
en vísperas de la Convención Nacional Demócrata de 1968
La salsa es un género musical bailable resultante de la síntesis del son cubano y otros géneros de música caribe-
ña y estadounidenses como el jazz y el blues. La salsa se consolidó como un éxito comercial por músicos de ori-
gen puertorriqueño en Nueva York en la década de 1960, y por la labor de quien fue su principal armador, el do-
minicano Johnny Pacheco,3 si bien sus raíces se remontan a décadas anteriores en países de la cuenca del Cari-
be.4

La salsa finalmente se extendió a lo largo de Latinoamérica, dando lugar a escenas regionales como la puertorri-
queña, panameña, venezolana, cubana, dominicana, colombiana,5 ecuatoriana y de otros países de la región. La
salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa romántica y la timba.

El director cubano Machito afirmó que la salsa era lo que él había tocado durante cuarenta años (entre 1930 y
1970 aproximadamente) antes de que el género musical se denominara así. 6 Por otro lado, el músico neoyor-
quino de ascendencia puertorriqueña Tito Puente negaba la existencia de la salsa como género en sí, afirmando
que «lo que llaman salsa es lo que he tocado desde hace muchísimos años: se llama mambo, guaracha, chacha-
chá, guaguancó, todo es música de influencia cubana».
[cita requerida]

El músico Eduardo Morales define la salsa como «un nuevo giro de los ritmos tradicionales al son de la música
cubana y la voz cultural de una nueva generación», «una representación de la identidad cubana e hispana en
Nueva York».[cita requerida]

No obstante, aunque el son cubano es la espina dorsal de la salsa, el elemento funda-

mental en el surgimiento de la salsa es el papel de los músicos puertorriqueños y su
cultura, tanto en la isla de Puerto Rico como en su diáspora neoyorquina. En ese senti-
do, se señala el peso específico de los puertorriqueños en Nueva York que, aunque
minoría, eran numéricamente muy superiores a cualquier asentamiento latinoameri-
cano.
También se aduce que el corte en el intercambio cultural entre puertorriqueños y Esta-
dos Unidos en la escena musical latina de Nueva York.
Ritmo: Utiliza como base la clave de son, el patrón rítmico del son cubano, que puede ser 2-3 o 32.

Melodía: En muchos casos las melodías usadas en la salsa se corresponden con las empleadas tradicionalmente en el son mon-
tuno aunque puede asimilarse también a otros géneros de la música cubana y caribeña tradicional, inclusive melodías de la músi-
ca popular latinoamericana.

Armonía: Se corresponde con la utilizada en la música occidental.

Instrumentación: Usa instrumentos de percusión cubanos popularizados desde los años

1920 como pailas o timbales, bongó, güiro cubano, cencerro, dos maracas y conga. Arsenio Rodríguez se presentó como el pri-
mer músico en incorporar la conga o tambó a las orquestas de baile
 RUBEN BLADES

Rubén Blades Bellido de Luna (Ciudad de Panamá, 16 de julio de 1948), es un

cantautor, músico, actor, abogado, político y activista panameño. Ha desarrolla-
do gran parte de su carrera artística en la ciudad de Nueva York. Sus discos más
exitosos los realizó junto a Willie Colón para el sello discográfico Fania durante
el boom de la salsa.

Su estilo ha sido calificado como "salsa intelectual" y en muchos países se le co-

noce como el «poeta de la salsa». Sus canciones han alcanzado gran populari-
dad y es considerado uno de los cantautores más exitosos y prolíficos de Lati-
noamérica.

Desde la década de los 70's hasta la actualidad ha grabado más de veinte álbu-
mes y ha participado como invitado en más de 15 grabaciones con artistas de
distintos géneros y tendencias. En reconocimiento de su labor ha recibido cator-
ce premios Grammy. Ha incursionado en el cine participando como actor en di-
versas producciones tanto de Hollywood como del cine independiente.

En 1994 participó en las elecciones presidenciales de su país, en las que quedó en tercer lugar, con el 20 por
ciento de los votos, de entre 7 candidatos. En 2004 Blades apoyó la candidatura presidencial de Martín Torrijos
(hijo de Omar Torrijos) y, una vez que este ganó las elecciones, Blades ejerció el puesto de Ministro de Turis-
mo de Panamá entre 2004 y 2009. Es hermano del también cantante Roberto Bladés y actualmente está casa-
do con la cantante Luba Mason.1 En el 2021 fue nombrado personaje del año por la Academia Latina.

Rubén Blades nació en el barrio de San Felipe de la Ciudad de Panamá, en el seno de una familia donde el
arte siempre ocupó un lugar privilegiado. Sus padres fueron el colombiano Rubén Blades Bosques de la ciudad
de Santa Marta2 y la cubana Anoland Bellido de Luna del pueblo de Regla en La Habana. Desde pequeño, Bla-
des estuvo en contacto directo con la música ya que su madre tocaba piano y cantaba, y su padre era percu-
sionista.3La música de la radio tenía una constante presencia en el hogar de los Blades quien se nutrió de va-
riados estilos musicales. Su abuela paterna Emma Blades Bosques era espiritualista , rosacruz, pintora, poeti-
sa y feminista; lo enseñó a leer y a estar en contacto con diversas formas de pensamiento. 4“Mi abuela Emma
me inculcó el sentido de la justicia donde todos podemos formar parte de la solución, desde esa perspectiva he
desarrollado mi vida y es la base que me ayuda a seguir adelante”.5Su abuelo paterno hablaba inglés ya que
era proveniente de la isla de Santa Lucía, un país ubicado en el mar Caribe, antigua colonia británica. Sus
abuelos maternos tenían ascendencia española.

A los 15 años de edad fue impactado por los sucesos ocurridos en su país natal el 9 de enero de 1964, donde
fueron muertos y heridos estudiantes y civiles por parte de soldados estadounidenses y policías que resguar-
daban el canal de Panamá. Los manifestantes reclamaban que la bandera panameña fuera izada junto a la
estadounidense en una escuela de la zona del canal. Este hecho marcó fuertemente al joven Blades quien
declaró: “Hasta 1964 yo había sido totalmente proyanqui, en música, en gustos, en todo. Pero estos sucesos
me hicieron abrir los ojos y muchos como yo, empezamos a hacernos preguntas de índole sociopolítica".
Egresado de la Facultad de Derecho y Ciencias Políticas de la Universidad de Panamá (1974) y de la Univer-
sidad de Harvard (1985). Doctorado Honorario en Estudios Chicanos de la Universidad de Berkeley
(California). Doctorado Honorario en Humanidades del Lehman College, CUNY (Bronx, Nueva York). Doctora-
do Honorario en Música de la Berklee College of Music (Boston, Massachusetts)
 WILLIIE COLON

William Anthony Colón (Nueva York; 28 de abril de 1950), más conocido como Willie
Colón, es un cantante, compositor y músico estadounidense de origen puertorrique-
ño1 Considerado por algunos como el arquitecto de la salsa urbana, desde sus comien-
zos se asoció al músico intrépido que se abrió un espacio entre los grandes nombres de
la música caribeña en el complejo mundo de Nueva York de los años 1960, dominado
por grandes orquestas como la de Tito Puente, Eddie Palmieri, Charlie Palmieri, Ray Ba-
rreto, Machito, Tito Rodríguez y otras que interpretaban el jazz afro-cubano.

Willie Colón nació el 28 de abril de 1950 en El Bronx, Nueva York.2 Sus padres
eran puertorriqueños, pero fue criado por su abuela y su tía, quienes desde pe-
queño lo nutrieron de música tradicional puertorriqueña y de los ritmos típicos
del repertorio latinoamericano como el son cubano y el tango. A los 11 años
mostró predisposición por los instrumentos de viento, iniciándose en el clarine-
te; posteriormente pasó a la trompeta, y finalmente el trombón, que fue el que lo
consagró. Se ha dicho que cambió la trompeta por el trombón al oír a Mon Rivera en su interpretación de la
bomba y la plena, siendo su referencia Barry Rogers.

Desde muy temprano aprendió a discernir entre las imágenes y adjetivaciones discriminatorias y despectivas
que se vertían sobre la comunidad latina y la cruda realidad de los inmigrantes en la “Gran manzana”.3 De esta
forma convirtió su trabajo artístico en un testimonio social vestido de sonoridad, cuyas letras narraron las inci-
dencias de la marginalidad, el prejuicio y el desamparo de los inmigrantes. 4 Su entrada al mundo del disco fue
uno de los momentos más significativos de la música salsa, en tanto fue el punto de partida más impactante que
desarrollaría la nueva expresión salsera, en un intento por homogeneizar los trabajos que desde hacía varios
años se realizaban en el mundo latino de Nueva York, como parte de una nueva propuesta sonora.

Aunque se le acusó de ser un músico estridente e inarmónico, era visto como un músico extraño y poco experi-
mentado. Se autoapodó "el malo" y luego haría de este apodo junto con Héctor Lavoe una especie de sátira ha-
cia la mafia, que se expresó en las portadas de sus discos que referenciaban en forma jocosa e irónica a los
personajes del bajo mundo, perseguidos por la justicia. Hizo su primera grabación en 1967 para el sello Futura,
de Al Santiago, pero tuvo mala suerte, ya que el sello cerró

Colón también se ha caracterizado por sus fuertes posiciones contra varios de los empresarios que manejan el
actual mercado discográfico, así como contra los premios Grammy Latinos, que a su juicio se han manejado con
criterios muy diferentes a los musicales. Igualmente, ha sido muy comentada la demanda que Colón interpuso
en contra de su antiguo compañero de fórmula Rubén Blades por un concierto en Puerto Rico en donde se cele-
braban los 25 años del álbum Siembra y no recibió pago alguno. Tiempo después Colón retiró la demanda al
llegar a un acuerdo extra juicio con el empresario de dicho evento. Aún hoy en día sus fanáticos esperan una
reconciliación con Rubén Blades, seguida de un nuevo álbum y una nueva gira de conciertos.

En 2013 interpretó el tema "Mentira fresca", donde hace alusión a la situación sociopolítica que imperaba en Ve-
nezuela tras el fallecimiento del presidente Hugo Chávez. En el mismo critica duramente a Nicolás Maduro alu-
diendo a sus erradas prácticas políticas que a su juicio agravaron la crisis que se vive en ese país.

En 2015 se mostró a favor del matrimonio igualitario en Perú

 MUSICA ELECTRONICA
Desde sus inicios, la música electrónica se convirtió en un movimiento musical que cautivó masas. Originó la
mezcla y fusión de géneros musicales que posteriormente generaron millones de ingresos a la Industria.

Tras el éxito en los años 1980 del House, el Techno, el Acid Jazz y el Acid House, emergió en Europa la cultura
Rave que en su momento, se basaba en la organización de festivales que dieran a conocer este tipo de música
de «concepto libre».

A partir del año de 1994 estas fiestas se prohibieron en gran parte del continente europeo y finalmente se tras-
ladaron a los Estados Unidos donde junto al EDM se alzaron como las tendencias musicales más escuchadas
en América del Norte, América del Sur, África y Asia. ¿Qué es el EDM? Como sus siglas lo in-
dican la Electronic Dance Music, es una variación bailable de la música electrónica que se alimenta de varios
estilos y fuentes sonoras para crear productos válidos para todo tipo de pú[Link] la década de los 80, Mi-
chael Jack-
son y Madonna dieron los primeros pasos con este estilo musical en los Estados Unidos y a partir de ese mo-
mento nacieron nuevas variaciones o subgéneros musicales tales como

el R&B contemporáneo, House, electro, Trance, Techno, electropop, funk y jazz. Bandas pioneras A finales de 1960, en
este género electrónico se atrevieron a incursionar artistas de la talla de Karlheinz Stockhausen, Frank Zappa, Pink Floyd y
The Beatles. Posteriormente en 1980, específicamente en 1983, nació una nueva forma de hacer música electrónica en la In-
dustria tras la creación del MIDI (Interface Digital para Instrumentos Musicales), el cual dio a lugar a una época inigualable
para el synthpop que vivió con un gran momento con grupos como Depeche Mode, New Order o Pet Shop Boys.A la par, De-
rrick May compuso “Strings Of Life” y Afrika Bambaataa impulsó el electro con “Planet Rock”, sentando las primeras bases
del rap en los Estados Unidos.

LA MUSICA ELECTRONICA EN LA ACTUALIDAD Muchos lo definen como un género

«mainstream«. Su uso ha sido intensivo por muchos artistas pop y DJ’s de los subgéneros de la música electró-
nica. En los 90, el dueto francés Daft Punk o el cantante Moby comenzaron a extender la popularidad del géne-
ro y posteriormente, DJ’s como Tiësto, David Guetta, Skrillex y Avicii (†) terminaron de impulsar a la fama el
EDM.

Marshmello ft. Bastille – Happier

Calvin Harris, Rag’n’Bone Man
Jonas Blue – Wild ft. Chelcee Grimes, TINI, Jhay Cortez
Dynoro – In My Mind (In My Head)
Zedd, Katy Perry – 365
DJ Snake – Taki Taki ft. Selena Gomez, Ozuna, Cardi B
Clean Bandit – Mama (feat. Ellie Goulding)
Steve Aoki & Alan Walker – Are You Lonely feat. ISAK
The Chainsmokers – Who Do You Love ft. 5 Seconds of Summer
David Guetta, Brooks & Loote – Better When You’re Gone
 TIESTO

Comenzó a tocar música desde 1984, y en 1994 empezó a lanzar material discográfico bajo los seudónimos de
Da Joker y Dj Limited. Realizó la serie Forbidden Paradise como DJ Tiësto; en 1997 fundó el sello Black Hole
Recordings junto con Arny Bink, bajo la cual se lanzaron las series Magik Muzik e In Search Of Sunrise en for-
mato CD.

En 1999 y 2000 colaboró con Ferry Corsten para crear Gouryella y también creó la pista Sparkles de la cual se
hicieron varias remezclas. En el año 2000, lanzó el álbum compilatorio Summerbreeze y su versión mezclada de
"Silence" para Delerium, con Sarah McLachlan, lo expuso a un público más convencional. En 2001 lanzó su pri-
mer álbum en solitario In My Memory, que le dio varios empujones importantes a su carrera.

Justo después de lanzar su segundo álbum de estudio Just Be en 2004, en los Juegos Olímpicos de 2004 actuó
en vivo en la ceremonia de apertura en Atenas, convirtiéndose en el primer DJ en tocar en vivo en el escenario
de unos Juegos Olímpicos. Los temas que hizo especialmente para los Juegos Olímpicos se mezclan y son lan-
zados como la compilación de mezclas The Parade Of The Athletes.

Fue nombrado Oficial de la Orden de Orange-Nassau en 2004 por la reina Beatriz. Fue elegido como el embaja-
dor oficial de la fundación Dance4Life en mayo de 2006, y lanzó la canción "Dance4Life" con Maxi Jazz para
ayudar a difundir la conciencia sobre el VIH / SIDA. En abril de 2007, Tiësto estrenó su programa de ra-
dio Tiësto's Club Life en Radio 538 en los Países Bajos y lanzó su tercer álbum de estudio titulado Elements of
Life. El álbum alcanzó el número uno en la lista de álbumes neerlandesa y el "Billboard Top Electronic Albums"
en los EE. UU. y recibió una nominación para un premio Grammy en 2008.

Tiësto lanzó su cuarto álbum de estudio llamado Kaleidoscope en octubre de 2009. Tiësto fue el mejor DJ en
2002 según la revista DJ Mag, título que repetiría en 2003 y 2004. Desde entonces Tiësto ha quedado 2º en el
ranking excepto en 2006 cuando quedó 3°, lo que repitió 2010 y [Link] la encuesta de DJ Mag de 2014 ocupó
la 5° posición.

En septiembre de 2009 sacó a la venta un álbum de remix de Kaleidoscope. En 2010 llevó a cabo su gira mun-
dial donde ha conseguido el récord " 154 conciertos en 14 meses " algo que ningún dj ha hecho, a finales de
2010 Tiësto sacó a la venta una recopilación llamada "Magikal Journey - The Hits Collection 1998-2008" y un ál-
bum de remixes de Kaleidoscope llamado "Kaleidoscope Remixed". En 2009, funda su nuevo sello discográfi-
co Musical Freedom (sub-sello de Spinnin' Records)', en el que edita todos sus trabajos actualmente. En abril del
2011, lanza una nueva serie de recopilaciones llamada " Club Life: Volume One (Las Vegas)". Nombre debido a
una serie de conciertos durante todo el año que ha hecho en el Hard Rock Hotel Casino en Las Vegas. Las can-
ciones fueron elegidas basándose en las mejores canciones tocadas en sus conciertos. Inmediatamente des-
pués dio inicio a la gira "Club Life World Tour" que incluía conciertos por todo el mundo, en especial, América y
Canadá.

Ese mismo año sacó a la venta su quinto álbum de estudio por medio de su pseudonimo Allure llamado Kiss
From The Past con la participación de artistas como Emma Hewitt, Christian Burns, y Jes entre otros. En 2012
publicó la segunda parte de Club Life e hizo referencia a una de sus ciudades favoritas, Miami. En 2013 continuó
con la serie Club Life y esta vez haciendo referencia a la gran ciudad sueca, Estocolmo. En 2014 lanza A Town
Called Paradise, su sexto álbum de estudio, con la participación de artistas como Hardwell, Matthew Ko-
ma, Firebeatz, Icona Pop y Krewella entre otros.

Primeros años[editar]

Tijs Verwest Michiel nació en Breda el 17 de enero de 1969. Muestra interés por la música desde los ocho años.
A la edad de 14 años comenzó a mezclar como DJ profesional en fiestas escolares. Entre 1985 y 1994, Tiësto se
estableció como DJ residente de varios clubes de los Países Bajos. En Spock, un club de Breda, perfeccionó su
propio estilo en vivo en sesiones desde las 10 PM hasta las 4 AM los fines de semana. Al principio de su carrera
como DJ toca principalmente Dance y gabbe
Skrillex
Sonny John Moore nació el 15 de enero de 1988 en Highland Park, un vecindario situado al noroeste de Los Án-
geles, California.1 Hijo adoptivo de Scott y Francis Moore, desarrolló parte de su infancia en Forest Hill —una pe-
queña comunidad localizada en la ciudad de San Francisco— bajo una crianza carente de límites por parte de sus
ascendientes.2 Pasado su primer lustro comenzó a idolatrar a Michael Jackson y se interesó tanto por el baile co-
mo por la música,3 pero no fue hasta sus nueve años que se propuso ser músico tras recibir una guitarra con moti
vo de las fiestas navideñas de 1997. Gracias a esto, inició su formación como guitarrista en el Guitar Center de
San Francisco.4 Luego de asistir a un internado en el Desierto de Mojave,5 volvió con sus padres a la ciudad de
Los Ángeles donde fue inscrito en una escuela de artes privada. 6 Allí dieron comienzo sus problemas escolares,
por lo que en su preadolescencia atravesó una fase emo y empezó a recibir acoso por parte de sus compañeros
de institución.7 Moore presentaba problemas de comportamiento en su colegio, y tras ser descubierto por los diri-
gentes del mismo a los catorce años fumando un cigarrillo, pidió permiso a sus padres para dejar de asistir a su
instituto y comenzó a tomar clases en casa.6

Durante el final de la década de los 1990 y principios de los años 2000, comenzó a asistir a conciertos de músi-
ca rock en su ciudad, y allí conoció a varios amigos con quienes formó su primera banda: The Riots. 8 Poco tiempo
después dejó dicha agrupación y, en años posteriores, se unió a Hazel-rah (una banda local de rock vanguardista
9
y atRisk, donde ejerció como líder desde 2001 hasta 2003. 10 Además de su faceta roquera, Sonny se interesó
por la música electrónica gracias al sello discográfico Warp y comenzó a producir música con el software Fruity
Loops.4 A sus dieciséis años se enteró de que era adoptado cuando un allegado le comentó «haber visto a su ma-
dre el otro día», refiriéndose a una amiga de la familia Moore. 6 Luego de esto y bajo el pretexto de descubrirse a s
mismo,11 dejó la escuela y se mudó al estado de Georgia donde fue recibido Matt Good, un guitarrista local que le
prometió tener una audición con su banda de post-hardcore From First to Last para desempeñarse como guitarris-
ta.12

Tras la abrupta salida de Phillip Reardon, los miembros de From First to Last se dieron a la tarea de buscar a
un nuevo líder.13 De esta forma y tras tener éxito en la audición, el puesto fue ocupado por Moore, quién ade-
más de guitarrista, fue nombrado cabeza del grupo y principal vocalista. La razón de esto último fue la falta de
ocupantes para dicho rol,14 además de que sus compañeros de agrupación quedaron gratamente sorprendidos
tras escucharlo cantar durante una grabación de copias de seguridad para sus canciones. 15

Con Moore en la posición de líder y bajo el sello discográfico Epitaph, la banda publicó su álbum debut el 29 de
junio de 2004: Dear Diary, My Teen Angst Has a Body Count.16 Luego de que este se posicionase en la 21.° y
12.° colocación de las listas Independent Albums y Heatseekers Albums respectivamente,n 1 dieron inicio a una
gira para promocionar el álbum por Estados Unidos. De la susodicha, Moore solamente participó durante una
semana y media debido a que desarrolló problemas en sus cuerdas vocales, porque, si bien era vocalista de la
banda, él nunca aprendió a cantar de manera adecuada. Por este motivo, sus cuerdas vocales se veían muy
afectadas cuando se daba a la tarea de interpretar. 19 Desde entonces tuvo que comenzar a ausentarse con
más frecuencia de las presentaciones del grupo, lo que dio fuerza a rumores de los fanáticos sobre una pre-
sunta muerte, cosa que él mismo salió a desmentir en dos ocasiones. 20

Esta situación en su voz escaló hasta la formación de un nódulo, el cual le obligó a someterse a una cirugía
extirpadora en mayo de 2005.19 Inmediatamente después, la banda inició la realización de un segundo álbum
de estudio, Heroine, que fue lanzado el 21 de marzo de 2006 y contó con la producción de Ross Robinson.21
Se trató de una obra mucho más exitosa que la anterior, ya que contó con 33 mil ventas en su primera semana
y se posicionó en el 25.° lugar de la lista Billboard 200.22 A pesar de esto, la banda se vio obligada a no partici-
par de algunas giras importantes como el Warped Tour de ese año, decisión impulsada por el desarrollo de un
nuevo nódulo en las cuerdas vocales de Moore.23